1 slajd
2 slajd
Zwyczajowo formę muzyczną nazywa się kompozycją, to znaczy cechami konstruowania dzieła muzycznego: stosunkiem i sposobami opracowania materiału muzyczno-tematycznego, proporcją i naprzemiennością tonacji.
3 slajd
To, co się śpiewa – solista – to śpiew pieśni. Czy zwracałeś kiedykolwiek uwagę na to, jak skomponowana jest piosenka? Zwłaszcza taka piosenka, którą wiele osób może wspólnie zaśpiewać – na demonstracji, podczas kampanii czy wieczorem przy pionierskim ognisku. Wydaje się, że jest on podzielony na dwie części, które następnie powtarzają się kilkukrotnie. Te dwie części to refren lub inaczej zwrotka (francuskie słowo dwuwiersz oznacza zwrotkę) i refren, inaczej zwany refrenem (to słowo jest również francuskie - refren).
4 slajd
W pieśniach chóralnych refren często wykonuje sam śpiewak, a chór przejmuje refren. Piosenka nie składa się z jednego, ale zwykle z kilku wersów. Muzyka w nich zwykle nie zmienia się lub zmienia się bardzo niewiele, ale słowa są za każdym razem inne. Refren pozostaje zawsze taki sam zarówno w tekście, jak i w muzyce. Pomyśl o jakiejś pionierskiej piosence lub jednej z tych, które śpiewasz, jadąc latem na kemping i przekonaj się, jak jest zbudowana. Forma, w której napisana jest zdecydowana większość pieśni, nazywa się zatem formą dwuwierszową.
5 slajdów
6 slajdów
Opierają się one na dwóch (lub – w ronda – kilku) różnych materiałach tematycznych. Forma w takich przypadkach opiera się na porównaniu, rozwinięciu, a czasem nawet zderzeniu tych często kontrastujących, a czasem wręcz sprzecznych wątków.
7 slajdów
Trzyczęściowa konstrukcja zbudowana jest według schematu, który zwykle jest przedstawiany literami takimi jak ta: ABA. Oznacza to, że początkowy odcinek na końcu, po kontrastującym odcinku środkowym, zostaje powtórzony. W tej formie powstają środkowe części symfonii i sonat, części suit, różne utwory instrumentalne, np. wiele nokturnów, preludiów i mazurków Chopina, pieśni bez słów Mendelssohna, romanse kompozytorów rosyjskich i zagranicznych.
8 slajdów
Forma dwuczęściowa jest mniej powszechna, ma bowiem odcień niekompletności, porównań, jakby „bez konkluzji”, bez rezultatu. Jego schemat: AB. Istnieją również formy muzyczne oparte na jednym temacie. Są to przede wszystkim wariacje, które można trafniej nazwać tematem z wariacjami (wariantom poświęcona jest także osobna opowieść w tej książce). Ponadto wiele form muzyki polifonicznej, takich jak fuga, kanon, inwencja, chaconne i passacaglia, opiera się na tym samym temacie.
Bohaterstwo jest ważnym tematem w twórczości wielu kompozytorów krajowych i zagranicznych. Można powiedzieć, że obok tematu miłosnego, w muzyce najczęstszy jest temat heroiczny. Dla każdego fabularnego dzieła muzycznego charakterystyczna jest obecność bohatera (a często antybohatera), dlatego autor staje przed zadaniem kreowania swojego artystycznego wizerunku.
Obrazy bohaterskie są bardzo charakterystyczne, kompozytor je tworzy, opierając się na motywach patriotyzmu, poświęcenia dla Ojczyzny, wyczynów militarnych i ludzkich. A ponieważ w historii każdego kraju nie brakuje jerów, poświęcona jest im główna warstwa narodowej kultury muzycznej.
Temat heroiczny zawsze przyciągał uwagę rosyjskich kompozytorów, w twórczości niektórych z nich stał się głównym. Obalenie jarzma mongolsko-tatarskiego, wojna patriotyczna 1812 r., rewolucja 1917 r., wojny domowe i wielkie wojny ojczyźniane pozostawiły niezatarty ślad w muzyce rosyjskiej, każde z tych wydarzeń ma swoich bohaterów. Wielu z tych bohaterów, a raczej ich wizerunki, zostało zawartych w dziełach rosyjskich autorów. Zagraniczni kompozytorzy również poświęcili wiele utworów bohaterom walczącym za ojczyznę.
Spośród wizerunków rosyjskich bohaterów, szczególnie ukochanych w sztuce muzycznej, można wymienić: księcia Igora Borodina, Iwana Susanina Glinkę, Aleksandra Newskiego i Kutuzowa z oper Prokofiewa. W wielu dziełach muzycznych ukazany jest zbiorowy bohaterski obraz narodu rosyjskiego, na przykład w operach „Borys Godunow” i „Khovanshchina” Musorgskiego.
W twórczości kompozytorów zagranicznych eksponowanych jest także wiele obrazów heroicznych; Beethoven, Mozart, Liszt w różnym czasie sięgali po bohaterstwo.
Glinka był pierwszym rosyjskim kompozytorem, który napisał operę, żył w trudnym okresie historycznym – podczas Wojny Ojczyźnianej 1812 roku. Ta walka narodu rosyjskiego nie o życie, ale o śmierć, chęć obrony za wszelką cenę ojczyzny, inspirowała Glinki do napisania opery Iwan Susanin.
W historii samego Iwana Susanina nawiązują do realiów wojny z Napoleonem, w epoce, w której żył i tworzył kompozytor. Jak wynika z legendy (niektórzy historycy są przekonani, że wyczyn Zuzanny jest w rzeczywistości fikcyjny), Zuzanna, nie obawiając się o swoje życie, wprowadziła do lasu oddział polskich interwencjonistów, gdzie zniknęli. Sam Susanin zginął wraz z wrogami. W swojej operze Glinka kreśli wielowymiarowy obraz bohatera, który jawi się nam jako poddany Iwan Susanin. Charakterystycznym znakiem tego obrazu jest towarzyszące jego arii bicie dzwonu. Bicie symbolizuje zwycięstwo ludu nad obcymi najeźdźcami, to dzwony na Rusi zwoływały lud po radę i donosiły o ważnych wydarzeniach. Glinka powiązała zatem wizerunek bohatera z wizerunkiem tocsina.
Poczucie dumy, jakie pojawia się podczas słuchania opery Glinki, było niewątpliwie pomysłem autora. Kompozytor wykorzystał w tym celu całą bogatą paletę muzycznych środków wyrazu, a zwłaszcza melodie nawiązujące do pieśni ludowych. Przed śmiercią Susanin śpiewa, że boi się śmierci, ale nie widzi innego wyjścia, jak tylko umrzeć za Ojczyznę, ale nie poddać się jej wrogowi. Nawet za cenę straszliwych męek (wrogowie torturują go, aby pokazać im drogę z gęstwiny) Susanin nie zdradza swoich.
W operze Iwan Susanin Glinka stworzyła także bohaterski obraz ludu, który pełni rolę chóru i niejako potwierdza słowa głównego bohatera, który bez obawy o śmierć jest gotowy oddać życie za zbawienie Ojczyzny. Cały naród rosyjski wychwala wyczyn Susanina i bez wahania pójdzie na śmierć w imię życia.
Fabuła opery Borodina „Książę Igor” opiera się na historii zmagań starożytnych książąt rosyjskich z koczowniczymi Połowcami. Sama historia została opisana w Układzie kampanii Igora, z którego kompozytor skorzystał pisząc swoje dzieło. W operze Borodina, podobnie jak w operze Glinki, wiele uwagi poświęca się motywom ludowym, zwłaszcza w partiach chóralnych. Książę Igor to prawdziwy bohater, namiętnie kocha swoją ojczyznę – Ruś i jest gotowy jej bronić przed wrogami ogniem i mieczem.
Opera „Książę Igor” to majestatyczny epos ludowy, wiernie odtwarzający w uogólnionych, żywych i żywotnie przekonujących obrazach jeden z tragicznych okresów przeszłości narodu rosyjskiego w jego walce o jedność i niepodległość narodową. W heroicznej koncepcji opery, w jej głównych obrazach muzycznych, Borodin ucieleśniał najbardziej typowe cechy charakteru narodowego i mentalności narodu rosyjskiego: bezinteresowną miłość i oddanie Ojczyźnie, wytrzymałość moralną i bohaterską jedność w walce z wrogiem, opór wobec despotyzmu, przemocy i arbitralności.
W operach „Chowańszczina” i „Borys Godunow” ich autor – M. Musorgski kreśli bohaterski obraz narodu.
Praca nad „Chowańszczyną” trwała do ostatnich dni życia kompozytora, można powiedzieć, że była dziełem całego jego życia.
W centrum opery „Khovanshchina” znajduje się idea tragicznego starcia starej i nowej Rusi, zaniku starego stylu życia i zwycięstwa nowego. Treść składa się z autentycznych wydarzeń historycznych końca XVII wieku, walki reakcyjnej szlachty feudalnej pod przewodnictwem księcia Chowanskiego z partią Piotra I. Fabuła ukazana jest w złożonym, wieloaspektowym rozwoju, pokazane są różne grupy społeczne - łucznicy, schizmatycy, chłopi („obcy lud”), niegrzeczny feudalny władca feudalny Chowanski i „pół-europejski, pół-azjatycki” Wasilij Golicyn. Nie wszystko w operze odpowiada rzeczywistym wydarzeniom, ale dramat narodu rosyjskiego jest przedstawiony z niesamowitą głębią, ukazana jest jego duchowa siła i niezłomność. W „Khovanshchina” Musorgski stworzył wizerunki narodu rosyjskiego (Dositheus, Marta), uderzające wielkością duszy.
W centrum akcji Khovanshchina znajdują się ludzie. Cechą tej opery Musorgskiego jest to, że autor nie ukazuje ludzi jako jednej całości, ale wyróżnia różne grupy społeczne, które otrzymują specjalny zarys muzyczny, a cechy każdej grupy są podawane w opracowaniu. Zatem cechy łuczników różnią się znacznie od cech schizmatyków; szczególnie wyróżnia się grupa „obcych”, chłopów; Inne cechy podkreśla Musorgski, przedstawiając poddanych Chowanskiego. Poszczególnym grupom nadawane są różne cechy za pomocą różnych gatunków piosenek i różnych charakterów piosenek. Chóry żywiołowych łuczników zbudowane są na intonacjach walecznych, tanecznych pieśni o energicznych, tanecznych rytmach; piosenka „about Gossip” odzwierciedlała cechy miejskiego folkloru. Kontrast reprezentują modlitewne chóry łuczników i chóry żon łuczników w scenie „procesji na egzekucję” – której podstawą są ludowe lamenty, krzyki, lamenty. Chóry schizmatyków brzmią archaicznie, łączą w sobie cechy składu pieśni ludowych z surowością śpiewu znamennego (chór „Pobedikhom”, w którym przerobiono melodię pieśni ludowej „Stop, mój kochany okrągły taniec” ); w akcie V („W skete”) starożytne modlitwy i pieśni schizmatyckie są szeroko stosowane w muzyce. Chóry „obcych ludzi” i dziewcząt pańszczyźnianych bezpośrednio posługują się pieśnią chłopską - liryczną, przeciągłą, majestatyczną.
Temat heroiczny znajduje odzwierciedlenie także w twórczości S. Prokofiewa. Można powiedzieć, że cała muzyka, którą napisał, jest dosłownie przesiąknięta heroizmem. Większość dzieł kompozytora powstała w oparciu o wątki historyczne, a tam, gdzie jest historia, są i bohaterowie. Obrazy bohaterów są szczególnie żywe w jego słynnej operze „Wojna i pokój”, napisanej na podstawie epickiej powieści L. Tołstoja pod tym samym tytułem. Kompozytor ze szczególną pieczołowitością opracowuje obraz Kutuzowa, który został zmuszony do opuszczenia Moskwy na łup wroga, oraz zbiorowy obraz rosyjskiego żołnierza walczącego za swoją Ojczyznę.
Pomysł na operę Wojna i pokój przyszedł do Prokofiewa wiosną 1941 roku. Początek Wielkiej Wojny Ojczyźnianej uczynił ten temat szczególnie bliskim i aktualnym. Kompozytor pisał: „... Już wtedy myśli, które kłębiły mi się w głowie, aby napisać operę na podstawie fabuły powieści Tołstoja „Wojna i pokój”, przybrały wyraźne formy. Strony opowiadające o walce narodu rosyjskiego z hordami Napoleona w 1812 roku i o wypędzeniu armii napoleońskiej z ziem rosyjskich stały się w jakiś sposób szczególnie bliskie. Było jasne, że to właśnie te strony powinny stanowić podstawę opery.
Odporność charakteru Rosjanina, który wytrzymał, nie złamał się w obliczu ciężkich prób, jakie spadły na niego w trudnych latach najazdu wroga, ukazana jest w operze w scenach z pola bitwy, wizerunkach ludowych (żołnierze, milicjanci , mieszkańcy Moskwy, partyzanci) oraz na wizerunkach poszczególnych bohaterów. Szczególnie wyróżnia się majestatyczna postać dowódcy, feldmarszałka Kutuzowa, którego charakterystyka muzyczna składa się z niespiesznych fraz rozdzielonych pauzami, recytatywami, jego tematu głównego i dopełniającej obraz arii monologowej. W operze Prokofiewa skupiają się dwie zasady, wyrażone na ogół w temacie wojny, klęski narodowej oraz w temacie Moskwy – Ojczyzny. Temat pierwszy, z natarczywym, ostrym brzmieniem trąbki i rogów na tle ostinata trąbki i fagotów, stanowi wstęp symfoniczny. Ten budzący grozę i niepokojący „wygaszacz ekranu” odgrywa ważną rolę dramatyczną, brzmi jak alarm, ogłaszający śmiertelne niebezpieczeństwo wiszące nad Moskwą i Rosją. Temat drugi – symbol nieśmiertelności Ojczyzny – rozbrzmiewa w arii Kutuzowa. Majestatyczny, strukturalnie zakończony monolog Kutuzowa jest zwieńczeniem 10. obrazu. Aria ta, napisana w złożonej formie trzyczęściowej, z deklamacyjnym wstępem i częścią środkową, wybija się jako potężna kulminacja nad „płynną” muzyką recytatywną poprzednich dialogów uczestników rady wojskowej. Powstał on w oparciu o cechy portretu epickiego rosyjskiego bohatera z oper Glinki i Borodina, o których mowa powyżej. Myśli i uczucia Kutuzowa kierują się ku losom Moskwy i Ojczyzny.
Wśród kompozytorów zagranicznych na uwagę zasługuje Beethoven, który napisał słynną uwerturę Coriolana. Koriolan był rzymskim generałem żyjącym w I wieku p.n.e. Imię Coriolanus nadano mu na cześć podboju miasta Coriola w Volscian. Beethoven napisał własną muzykę do produkcji sztuki Collina. W uwerturze kompozytor rysuje psychologiczny „portret” Koriolana, ukazujący tragiczny konflikt jego duszy. Według Beethovena jest to wielkie nieszczęście, które pozwala człowiekowi nabrać odwagi, co widzimy w Kriolanie. Cała uwertura jest wewnętrznym monologiem bohatera, kształtowaniem jego bohaterskiego obrazu.
Podsumowując powyższe, zauważamy, że rosyjscy kompozytorzy w swojej twórczości często zwracali się do tematu heroiczno-patriotycznego, ponieważ był on zawsze aktualny. Najważniejsze, że stworzone w muzyce wizerunki bohaterskie odzwierciedlają ideę obrony Ojczyzny, gloryfikują spokojne życie i pokazują, że bohaterowie jedynie bronią Ojczyzny przed wrogiem, ale nigdy nie atakują. Bohater w ogóle przynosi ludziom tylko dobro, chroni ich i chroni, sam w sobie należy do środowiska ludzi. Taki jest Iwan Susanin, którego wizerunek ukazany jest w operze Glinki, tacy są ludzie z Chowanszczyny Musorgskiego, taki Kutuzow Prokofiewa, zmuszony do oddania stolicy wrogowi w imię ratowania całego kraju.
Warunkiem koniecznym znaczenia heroicznych obrazów ucieleśnionych przez kompozytora jest historyzm myślenia autora. Bohaterskie dzieła muzyczne śledzą powiązanie czasów od iskry ducha narodowego, która rozbłysła w odległej przeszłości, utwierdzając potrzebę walki o siebie, swój klan, swój naród, po bezinteresowną walkę o wyzwolenie narodów Europy od faszyzmu w Wielkiej Wojnie Ojczyźnianej, o powszechny pokój na Ziemi dla wszystkich narodów – w naszych czasach. Wygląd każdego utworu – opery, symfonii, kantaty – jest zawsze uwarunkowany potrzebami swojej epoki. Lub, jak mówią, każda epoka ma swojego bohatera. Ale ważne jest to, że żadna epoka nie może istnieć bez bohaterów.
Muzyka podlega prawom życia, jest rzeczywistością, dlatego oddziałuje na ludzi. Bardzo ważne jest, aby nauczyć się słuchać i rozumieć muzykę klasyczną. Już w szkole dzieci dowiadują się, czym jest obraz muzyczny i kto go tworzy. Najczęściej nauczyciele podają definicję obrazu - cząstki życia. Najbogatsze możliwości języka melodii umożliwiają kompozytorom tworzenie obrazów w dziełach muzycznych w celu realizacji ich twórczych pomysłów. Zanurz się w bogatym świecie sztuki muzycznej, poznaj różne rodzaje obrazów w niej występujących.
Co to jest obraz muzyczny
Bez percepcji tej sztuki nie da się opanować kultury muzycznej. To percepcja umożliwia prowadzenie działalności kompozytorskiej, słuchaniowej, wykonawczej, pedagogicznej, muzykologicznej. Percepcja pozwala zrozumieć, czym jest obraz muzyczny i jak się rodzi. Należy zaznaczyć, że kompozytor tworzy obraz pod wpływem wrażeń, za pomocą twórczej wyobraźni. Aby łatwiej zrozumieć, czym jest obraz muzyczny, lepiej wyobrazić go sobie jako połączenie muzycznych środków wyrazu, stylu, charakteru muzyki, konstrukcji dzieła.
Muzykę można nazwać żywą sztuką, która łączy w sobie wiele działań. Dźwięki melodii ucieleśniają treść życia. Obraz dzieła muzycznego oznacza myśli, uczucia, doświadczenia, działania niektórych ludzi, różne naturalne przejawy. Pojęcie to implikuje także wydarzenia z czyjegoś życia, działalność całego narodu i ludzkości.
Obraz muzyczny w muzyce to złożoność charakteru, środków muzycznych i wyrazowych, społeczno-historycznych warunków powstania, zasad konstrukcji i stylu kompozytora. Oto główne typy obrazów w muzyce:
- Liryczny. Przekazuje osobiste doświadczenia autora, odsłania jego duchowy świat. Kompozytor przekazuje uczucia, nastrój, doznania. Nie ma tu żadnych działań.
- Epicki. Opowiada, opisuje niektóre wydarzenia z życia ludzi, opowiada o ich historii i wyczynach.
- Dramatyczny. Przedstawia życie prywatne człowieka, jego konflikty i starcia ze społeczeństwem.
- Wróżka. Pokazuje fikcyjne fantazje i wyobrażenia.
- Komiczny. Obnaża całe zło, wykorzystując zabawne sytuacje i zaskoczenie.
obraz liryczny
W czasach starożytnych istniał taki ludowy instrument strunowy - lira. Za jego pomocą śpiewacy przekazali swoje różnorodne doświadczenia i emocje. Od niego wyszła koncepcja tekstów, przekazujących głębokie przeżycia emocjonalne, myśli i uczucia. Liryczny obraz muzyczny ma elementy emocjonalne i subiektywne. Za jego pomocą kompozytor przekazuje swój indywidualny świat duchowy. Utwór liryczny nie zawiera żadnych wydarzeń, oddaje jedynie stan ducha lirycznego bohatera, to jest jego wyznanie.
Wielu kompozytorów nauczyło się przekazywać teksty poprzez muzykę, ponieważ jest ona bardzo bliska poezji. Do instrumentalnych utworów lirycznych zaliczają się dzieła Beethovena, Schuberta, Mozarta, Vivaldiego. W tym kierunku pracowali także Rachmaninow i Czajkowski. Za pomocą melodii tworzyli muzyczne obrazy liryczne. Nie da się lepiej niż Beethoven sformułować celu muzyki: „Co wychodzi z serca, musi do tego prowadzić”. Tworząc definicję obrazu sztuki muzycznej, wielu badaczy przyjmuje właśnie to stwierdzenie. W Sonacie wiosennej Beethoven uczynił przyrodę symbolem przebudzenia świata ze stanu hibernacji. Muzyczny obraz i umiejętności wykonawcy pomagają dostrzec w sonacie nie tylko wiosnę, ale także radość i wolność.
Warto także pamiętać o „Sonacie księżycowej” Beethovena. Jest to dzieło prawdziwie arcydzieło o charakterze muzyczno-artystycznym na fortepian. Melodia jest namiętna, wytrwała, zakończona beznadziejną rozpaczą.
Liryka arcydzieł kompozytorów nawiązuje do myślenia figuratywnego. Autor stara się pokazać, jaki ślad to czy tamto wydarzenie pozostawiło w jego duszy. Prokofiew po prostu umiejętnie przekazał „melodie duszy” w walcu Nataszy Rostowej w operze „Wojna i pokój”. Walc ma charakter bardzo łagodny, można w nim wyczuć nieśmiałość, powolność, a jednocześnie podekscytowanie, pragnienie szczęścia. Innym przykładem lirycznego obrazu muzycznego i mistrzostwa kompozytora jest Tatiana z opery Czajkowskiego „Eugeniusz Oniegin”. Przykładem obrazu muzycznego (lirycznego) mogą być także dzieła Schuberta „Serenada”, Czajkowskiego „Melodia”, Rachmaninowa „Vocalise”.
Dramatyczny obraz muzyczny
W języku greckim „dramat” oznacza „akcję”. Za pomocą dzieła dramatycznego autor przekazuje wydarzenia poprzez dialogi bohaterów. W literaturze wielu narodów takie dzieła istniały dawno temu. W muzyce pojawiają się także dramatyczne obrazy muzyczne. Ich kompozytorzy ukazują poprzez działania bohaterów, którzy szukają wyjścia z sytuacji, podejmując walkę ze swoimi wrogami. Te działania powodują bardzo silne uczucia, które zmuszają cię do podjęcia działań.
Widzowie widzą dramatycznego bohatera w nieustannej walce, która prowadzi go albo do zwycięstwa, albo do śmierci. Najważniejsze są działania, a nie uczucia. Najbardziej uderzającymi postaciami dramatycznymi są Szekspir - Makbet, Otello, Hamlet. Otello jest zazdrosny, co doprowadza go do tragedii. Hamleta ogarnia pragnienie zemsty na mordercach swojego ojca. Silna żądza władzy Makbeta popycha go do zabicia króla. Bez dramatycznego obrazu muzycznego w muzyce dramat jest nie do pomyślenia. To nerw, źródło i cel pracy. Bohater dramatyczny ukazany jest jako niewolnik namiętności, która doprowadza go do katastrofy.
Przykładem dramatycznego konfliktu jest opera Czajkowskiego Dama pik oparta na opowiadaniu Puszkina pod tym samym tytułem. Na początku widzowie poznają biednego oficera Hermana, który marzy o szybkim i łatwym wzbogaceniu się. Nigdy wcześniej nie uprawiał hazardu, chociaż w głębi serca był hazardzistą. Hermana pobudza miłość do bogatej dziedziczki starej hrabiny. Cały dramat polega na tym, że ślub nie może się odbyć ze względu na jego biedę. Wkrótce Herman poznaje tajemnicę starej hrabiny: rzekomo skrywa ona tajemnicę trzech kart. Oficera ogarnia chęć odkrycia za wszelką cenę tej tajemnicy, aby zgarnąć wielką wygraną. Herman przychodzi do domu hrabiny i grozi jej bronią. Stara kobieta umiera ze strachu, nie zdradzając tajemnicy. Nocą do Hermana przychodzi duch i szepcze cenne karty: „Trzy, siedem, as”. Przychodzi do swojej ukochanej Lisy i wyznaje jej, że stara hrabina zmarła przez niego. Lisa z żalu rzuciła się do rzeki i utonęła. Cenne słowa ducha nawiedzają Hermana, udaje się do kasyna. Pierwsze dwa zakłady na trójkę i siódemkę okazały się skuteczne. Zwycięstwo tak zakręciło Hermanowi w głowie, że wszedł all-in i postawił wszystkie wygrane pieniądze na asa. Intensywność dramatu sięga zenitu, zamiast asa w talii jest dama pik. W tym momencie Herman rozpoznaje w damie pik starą hrabinę. Ostateczna porażka prowadzi bohatera do samobójstwa.
Warto porównać, jak Puszkin i Czajkowski ukazują dramat swojego bohatera. Aleksander Siergiejewicz pokazał Hermannowi zimną i rozważną postawę, chciał wykorzystać Lisę do własnego wzbogacenia się. Czajkowski przyjął nieco inne podejście do ukazywania swojej dramatycznej postaci. Kompozytor zmienia nieco charaktery swoich bohaterów, gdyż ich wizerunek potrzebuje inspiracji. Czajkowski pokazał Hermana jako romantycznego, zakochanego w Lizie, o ognistej wyobraźni. Tylko jedna namiętność wypiera z głowy oficera obraz ukochanej osoby – tajemnica trzech kart. Świat muzycznych obrazów tej dramatycznej opery jest niezwykle bogaty i imponujący.
Innym przykładem dramatycznej ballady jest Król lasu Schuberta. Kompozytor pokazał zmagania dwóch światów – rzeczywistego i fikcyjnego. Schuberta cechował romantyzm, fascynował go mistycyzm, a dzieło okazało się dość dramatyczne. Zderzenie dwóch światów jest bardzo jasne. Prawdziwy świat ucieleśnia obraz ojca, który patrzy na rzeczywistość rozsądnie i spokojnie, nie zauważając Króla Leśnego. Jego dziecko żyje w mistycznym świecie, jest chory i wydaje mu się, że Leśny Król. Schubert ukazuje fantastyczny obraz tajemniczego lasu spowitego ponurą mgłą i pędzącego przez niego na koniu ojca z umierającym dzieckiem na rękach. Każdemu bohaterowi kompozytor nadaje własną charakterystykę. Umierający chłopiec jest spięty, przestraszony, w jego słowach zawarta jest prośba o pomoc. Dziecko z urojeniami wkracza do straszliwej krainy potężnego Króla Lasu. Ojciec robi wszystko, aby uspokoić dziecko.
Całość ballady przesiąknięta jest ciężkim rytmem, tupot konia przedstawia nieprzerwany ułamek oktawy. Schubert stworzył pełną iluzję wizualno-słuchową wypełnioną dramatem. Na koniec dynamika rozwoju muzycznego ballady kończy się, gdy ojciec trzymał w ramionach martwe dziecko. Oto obrazy muzyczne (dramatyczne), które pomogły Schubertowi stworzyć jedno z jego najbardziej imponujących dzieł.
Epickie portrety w muzyce
W tłumaczeniu z języka greckiego „epos” oznacza historię, słowo, piosenkę. W dziełach epickich autor opowiada o ludziach, wydarzeniach, w których biorą udział. Na pierwszy plan wysuwają się bohaterowie, okoliczności, środowisko społeczne i naturalne. Do epickich dzieł literackich zaliczają się opowiadania, legendy, eposy, powieści. Najczęściej kompozytorzy wykorzystują wiersze do pisania dzieł epickich, opowiadają o bohaterskich czynach. Z epopei można dowiedzieć się o życiu starożytnych ludzi, ich historii i wyczynach. Główne dramatyczne obrazy muzyczne i kunszt kompozytora przedstawiają konkretne postacie, wydarzenia, historie, przyrodę.
Epopeja oparta jest na prawdziwych wydarzeniach, ale jest w niej także doza fikcji. Autor idealizuje i mitologizuje swoich bohaterów. Są obdarzeni bohaterstwem, dokonują wyczynów. Są też postacie negatywne. Epos w muzyce ukazuje nie tylko konkretne osoby, ale także wydarzenia, przyrodę, symbolizujące ojczyznę w określonej epoce historycznej. Tak więc wielu nauczycieli prowadzi lekcję obrazu muzycznego w szóstej klasie za pomocą fragmentów opery Rimskiego-Korsakowa „Sadko”. Uczniowie próbują zrozumieć, jakimi środkami muzycznymi kompozytor mógł narysować portret bohatera po wysłuchaniu piosenki Sadko „Och, ciemny dębie”. Dzieci słyszą melodyjną, gładką melodię, równy rytm. Stopniowo dur zostaje zastąpiony mollem, tempo zwalnia. Opera jest raczej smutna, ponura i zamyślona.
W stylu epickim pracował kompozytor Potężnej garści A. P. Borodin. Lista jego epickich dzieł może obejmować „Symfonię Bogatyra” nr 2, operę „Książę Igor”. W II Symfonii Borodin uchwycił potężną bohaterską Ojczyznę. Z początku leci melodyjna i gładka melodia, potem zmienia się w szarpaną. Rytm parzysty zostaje zastąpiony rytmem kropkowanym. Wolne tempo łączy się z mollem.
Znany wiersz „Opowieść o kampanii Igora” uważany jest za pomnik kultury średniowiecznej. Praca opowiada o kampanii księcia Igora przeciwko Połowcom. Powstały tu jasne epickie portrety książąt, bojarów, Jarosławy, chanów połowieckich. Opera rozpoczyna się uwerturą, następnie następuje prolog o tym, jak Igor przygotowuje swoją armię do kampanii, obserwując zaćmienie słońca. Następują cztery akty opery. Bardzo uderzającym momentem w dziele jest płacz Jarosławny. Na koniec lud wychwala chwałę księcia Igora i jego żony, mimo że kampania zakończyła się porażką i śmiercią armii. Aby ukazać historycznego bohatera tamtej epoki, bardzo ważny jest muzyczny wizerunek wykonawcy.
Na liście dzieł epickich warto uwzględnić także dzieło „Wrota Bogatyra” Musorgskiego, „Iwana Susanina” Glinki, „Aleksandra Newskiego” Prokofiewa. Bohaterskie czyny swoich bohaterów przekazali za pomocą różnorodnych środków muzycznych kompozytorzy.
Fantastyczny obraz muzyczny
Już samo słowo „bajeczny” kryje w sobie fabułę takich dzieł. Najbardziej uderzającego twórcę baśniowych dzieł można nazwać Rimskim-Korsakowem. Nawet z programu szkolnego dzieci poznają jego słynną baśniową operę „Śnieżna dziewczyna”, „Złoty kogucik”, „Opowieść o carze Saltanie”. Nie sposób nie wspomnieć także suity symfonicznej „Szeherezada” opartej na książce „1001 nocy”. Bajkowe i fantastyczne obrazy w muzyce Rimskiego-Korsakowa pozostają w ścisłej jedności z naturą. To bajki kładą w człowieku fundament moralny, dzieci zaczynają odróżniać dobro od zła, uczą się miłosierdzia, sprawiedliwości, potępiają okrucieństwo i oszustwo. Jako nauczyciel Rimski-Korsakow mówił o wysokich ludzkich uczuciach w języku baśni. Oprócz powyższych oper można wymienić „Kaszchei Nieśmiertelny”, „Noc przed Bożym Narodzeniem”, „Noc majową”, „Narzeczoną carską”. Melodie kompozytora mają złożoną strukturę melodyczno-rytmiczną, są wirtuozowskie i poruszające.
fantastyczna muzyka
Warto wspomnieć o fantastycznych obrazach muzycznych w muzyce. Co roku powstaje mnóstwo fantastycznych dzieł. Od czasów starożytnych znane były różne folklorystyczne ballady i pieśni wychwalające różnych bohaterów. Kultura muzyczna zaczęła być przepełniona fantazją w epoce romantyzmu. Elementy fantasy można znaleźć w dziełach Glucka, Beethovena, Mozarta. Do najwybitniejszych twórców motywów fantastycznych należeli kompozytorzy niemieccy: Weber, Wagner, Hoffmann, Mendelssohn. W ich kompozycjach brzmią intonacje gotyckie. Baśniowo-fantastyczny pierwiastek tych melodii splata się z tematem sprzeciwu człowieka wobec otaczającego go świata. Epopeja ludowa z elementami fantasy jest podstawą twórczości norweskiego kompozytora Edvarda Griega.
Czy fantastyczne obrazy są nieodłącznym elementem rosyjskiej sztuki muzycznej? Kompozytor Musorgski wypełnił swoje dzieła Obrazy z wystawy i Noc na Łysej Górze fantastycznymi motywami. Widzowie będą mogli obejrzeć nocny sabat czarownic w święto Iwana Kupały. Musorgski napisał także interpretację „Jarmarku Soroczyńskiego” Gogola. Elementy fantastyki można dostrzec w twórczości „Syrenki” Czajkowskiego i „Kamiennego gościa” Dargomyżskiego. Tacy mistrzowie jak Glinka („Rusłan i Ludmiła”), Rubinstein („Demon”), Rimski-Korsakow („Złoty Kogucik”) nie stronili od fantazji.
Prawdziwego rewolucyjnego przełomu w sztuce syntetycznej dokonał eksperymentator Skriabin, wykorzystując elementy muzyki rozrywkowej. W swoich pracach specjalnie wpisywał linie dla światła. Jego pisma „Boski poemat”, „Prometeusz”, „Poemat ekstazy” są przepełnione fantazją. Niektóre środki fantazji były obecne nawet wśród realistów Kabalewskiego i Szostakowicza.
Pojawienie się technologii komputerowej sprawiło, że fantastyczna muzyka stała się ulubioną muzyką wielu osób. Na ekranach telewizorów i kin zaczęły pojawiać się filmy z fantastycznymi kompozycjami. Po pojawieniu się syntezatorów muzycznych otworzyły się wspaniałe perspektywy na fantastyczne motywy. Nadeszła era, kiedy kompozytorzy mogą rzeźbić muzykę jak rzeźbiarze.
Pokazy komiksowe w dziełach muzycznych
Trudno mówić o obrazach komicznych w muzyce. Niewielu krytyków sztuki charakteryzuje ten kierunek. Zadaniem muzyki komicznej jest korygowanie śmiechem. To uśmiechy są prawdziwymi towarzyszami muzyki komiksowej. Gatunek komiksu jest lżejszy, nie potrzebuje warunków przynoszących cierpienie bohaterom.
Aby stworzyć komiczny moment w muzyce, kompozytorzy wykorzystują efekt zaskoczenia. I tak J. Haydn w jednej ze swoich londyńskich symfonii stworzył melodię z partią kotłów, która natychmiast wstrząsa słuchaczami. Strzał pistoletowy przerywa płynną melodię walca z niespodzianką („W dziesiątkę!”) Straussa. To natychmiast ożywia pomieszczenie.
Wszelkie żarty, nawet muzyczne, niosą ze sobą zabawne absurdy, zabawne niekonsekwencje. Wielu zna gatunek marszów komiksowych, marszów żartów. Marsz Prokofiewa ze zbioru „Muzyka dla dzieci” od początku do końca jest przepełniony komedią. Postaci komiczne można zobaczyć w „Weselu Figara” Mozarta, gdzie śmiech i humor słychać już we wstępie. Wesoły i bystry Figaro zręcznie przebiegły przed hrabią.
Elementy satyry w muzyce
Innym rodzajem komiksu jest satyra. Sztywność jest nieodłączną cechą gatunku satyrycznego, jest potężna, skwiercząca. Za pomocą momentów satyrycznych kompozytorzy wyolbrzymiają, wyolbrzymiają pewne zjawiska, aby obnażyć wulgarność, zło i niemoralność. Tak więc Dodona z opery Rimskiego-Korsakowa Złoty Kogucik, Farlafa z Rusłana i Ludmiły Glinki można nazwać obrazami satyrycznymi.
Obraz natury
Temat natury jest bardzo aktualny nie tylko w literaturze, ale także w muzyce. Ukazując naturę, kompozytorzy przedstawiają jej prawdziwe brzmienie. Kompozytor M. Messiaen po prostu naśladuje głosy natury. Tacy angielscy i francuscy mistrzowie jak Vivaldi, Beethoven, Berlioz, Haydn potrafili za pomocą melodii przekazać obrazy natury i uczucia, jakie wywołuje. Rimski-Korsakow i Mahler mają szczególny panteistyczny obraz natury. Romantyczne postrzeganie otaczającego świata można zaobserwować w sztuce Czajkowskiego „Pory roku”. Delikatną, marzycielską, przyjazną postacią jest kompozycja Sviridova „Wiosna”.
Motywy folklorystyczne w sztuce muzycznej
Wielu kompozytorów wykorzystywało melodie pieśni ludowych do tworzenia swoich arcydzieł. Proste melodie pieśni stały się ozdobą kompozycji orkiestrowych. Podstawą wielu dzieł były obrazy z podań ludowych, eposów, legend. Używali ich Glinka, Czajkowski, Borodin. Kompozytor Rimski-Korsakow w operze „Opowieść o carze Saltanie” wykorzystał rosyjską pieśń ludową „W ogrodzie, w ogrodzie”, aby stworzyć wizerunek wiewiórki. Melodie ludowe można usłyszeć w operze Chowanszczina Musorgskiego. Kompozytor Bałakiriew oparty na kabardyjskim tańcu ludowym stworzył słynną fantazję „Islamey”. Moda na motywy folklorystyczne w klasyce nie zniknęła. Wiele osób zna współczesną akcję symfoniczną V. Gavrilina „Chimes”.
MIEJSKA PAŃSTWOWA INSTYTUCJA EDUKACYJNA DLA DODATKOWEJ KSZTAŁCENIA DZIECI
Dziecięca Szkoła Artystyczna Penzhinsky
SKRYPT ROZMOWY
„BOHATEROWIE LITERACKI I MUZYCZNI W TWÓRCZOŚCI KOMPOZYTORÓW – KLASYKA”
dla uczniów szkół średnich
Opracował: Selezneva T. I.,
nauczyciel gry na fortepianie i muzyki
dyscypliny teoretyczne PDSH
Z. Kamenskoe
2016
Scenariusz rozmowy
„Bohaterowie literaccy i muzyczni w twórczości kompozytorów klasycznych”
Dzień dobry nasi drodzy widzowie. Witamy w świecie muzyki i literatury. Spotkanie z pięknem to zawsze święto. Tradycyjnie w sylwestra zapraszamy uczniów szkół ponadgimnazjalnych na koncerty przygotowane przez studentów wydziału fortepianu. Tematyka rozmów jest bardzo różnorodna, utwory reprezentują różne style i nurty w sztuce muzycznej. Dzisiaj postanowiliśmy zorganizować nasze wydarzenie wspólnie z uczniami klasy czwartej.
Młodzi muzycy przygotowali mały program koncertowy, dokonali prezentacji na temat kompozytorów, a uczniowie Liceum Ogólnokształcącego wprowadzą nas w bohaterów dzieł literackich, przeczytają fragmenty poetyckie. Aby uatrakcyjnić wydarzenie, w naszym programie uwzględniliśmy quizy, testy, oglądanie i słuchanie fragmentów utworów muzycznych.
Każda praca ma treść i obraz, ujawnia jakiś temat.
Temat może być bohaterski, patriotyczny, liryczny, bajeczny.
Podajmy przykłady dzieł literackich i muzycznych o tematyce heroicznej, baśniowej, liryczno-dramatycznej, liryczno-psychologicznej, codziennej. (Lista dzieci)
Każda praca ma charakter, nastrój, obraz.
W wierszu możemy przedstawić obraz natury, obraz osoby (smutnej lub wesołej, odważnej lub tchórzliwej itp.). Jeśli w dziele literackim poeta lub pisarz oddaje nastrój za pomocą słów, to w muzyce treść ujawnia się za pomocą dźwięków, nut.
Dmitry Eremenko otwiera nasz program, wykona dwa różnorodne utwory, po ich wysłuchaniu proszę określić charakter, nastrój, wymyślić nazwę obrazu muzycznego.
Brzmi „Etiuda” i „Sonatina” (Eremenko Dmitry)
W repertuarze naszych muzyków znajdują się dzieła różniące się stylem i kierunkiem. Przypomnijmy, jakie nurty muzyczne można znaleźć w muzyce i literaturze, co odróżnia dzieła klasyczne od współczesnych. (Styl barokowy, klasyczny, romantyczny, impresjonizm).
Brzmi „Etiuda” i „Samba” (Deinega Polina)
Dzieła muzyczne, podobnie jak dzieła literackie, mają swój własny gatunek. W literaturze jest to opowieść, opowieść, wiersz, epos, opowiadanie, powieść, bajka. Gatunki muzyczne obejmują: operę, balet, koncert na jakiś instrument, operetkę, musical, dzieła symfoniczne.
Każdy gatunek jest podzielony na określone typy: wokalny, taneczny, instrumentalny.
Brzmi „Walc” w wykonaniu Vasiny Elizavety. Jest to utwór instrumentalny posiadający cechy charakterystyczne tańca walcowego. Podaj cechy tego tańca. (Rozmiar trzy czwarte, pełen wdzięku charakter, nawiązuje do tańca towarzyskiego).
Wielu kompozytorów przed napisaniem dzieła sięga do źródła literackiego. Przypomnijmy, jakie bajki czytasz, jaki jest Twój ulubiony bohater z baśni.
Dzieci wymieniają dzieła i autorów.
Nauczyciel. Teraz młodzi muzycy wymienią nam utwory napisane na podstawie baśni.
Dzieci wymieniają utwory muzyczne.
Nauczyciel. Sugeruję zagranie w grę wideo: zidentyfikuj bohatera po kostiumie.
(Wyświetl pliki wideo)
Chłopaki, znacie dobrze bohaterów literackich i muzycznych, wiecie, że aby wystawić spektakl muzyczny, potrzebna jest muzyka i obraz literacki, fabuła. Na spektakl polecam wybrać się do teatru muzycznego. Z czego zbudowany jest teatr?
Dzieci. Teatr składa się ze sceny, widowni, loży, balkonów, kurtyny, opraw oświetleniowych, orkiestronu, ładowni, krat itp.
Jakie przedstawienie muzyczne oglądaliśmy?
Dzieci. Oglądaliśmy Kopciuszka, Dziadka do orzechów, Romea i Julię.
Nauczyciel. Jak nazywa się spektakl, w którym aktorzy nic nie mówią, tylko tańczą i używają gestów.
Dzieci. Takie przedstawienie nazywa się baletem (od słowa ballo - „tańczyć”).
Nauczyciel. Wymień części baletu.
Dzieci. Pas de deux, padet – trois, Divertisement, scena końcowa – apoteoza.
Dziś na naszym spotkaniu wykonane zostaną dzieła różnych gatunków muzycznych, jednym z nich jest balet. Balet ma fantastyczną fabułę. To jest „Śpiąca królewna” P. I. Czajkowskiego. Kompozytora tego zaprezentuje Dmitrij Eremenko
Student. Opowiada biografię kompozytora, przedstawia prezentację
Przeglądanie prezentacji.
Nauczyciel. Treść muzyki Czajkowskiego obejmuje obrazy życia i śmierci, miłości, natury, dzieciństwa, otaczającego życia, odsłania w nowy sposób dzieła literatury rosyjskiej i światowej - A. S. Puszkina i N. V. Gogola, W. Szekspira i Dantego. Wymieńmy te dzieła.
Dzieci. Opera „Eugeniusz Oniegin”, „Dama pik”, uwertura-fantazja „Romeo i Julia”, „Hamlet”. Balety „Jezioro łabędzie”, „Dziadek do orzechów”, „Śpiąca królewna” zostały napisane na baśniach.
Nauczyciel. A kto napisał tę bajkę?
Dzieci. Francuski pisarz Ch. Perro.
Nauczyciel. Przypomnijmy sobie treść opowieści, głównych bohaterów.
Student. Powtarza treść opowiadania.
Nauczyciel. Jak kończy się balet? (zwycięstwo dobra nad złem, życia nad śmiercią)
Nauczyciel. Proponuję obejrzeć fragment baletu „Śpiąca królewna”
Nauczyciel. A teraz, aby przejść do następnej pracy, proponuję zagrać w grę. Dzieci dzielą się na dwie grupy, zadają sobie po kolei pytania, wygrywa ten, który udzieli najwięcej poprawnych odpowiedzi.
Pytania są wskazówkami.
Od jakiego bohatera pochodzi nazwa opery Rimskiego-Korsakowa? (Sadko)
Jak nazywała się morska księżniczka? (Wołchowa)
Jaki epos stał się podstawą fabuły opery „Sadko”
Kto był ojcem Wołchowa? (król morza)
Instrument, na którym gra Sadko? (gusli)
W co zamienia się stado łabędzi? (W pięknych dziewczynach)
Nad brzegiem jakiego jeziora Sadko śpiewał swoją pieśń? (Jezioro Ilmen)
Nauczyciel. Chłopaki, dobrze pamiętacie bohaterów epopei. A co wiesz o kompozytorze Rimskim-Korsakowie i operze, przypomnijmy jej elementy.
Student. Opowiada biografię Rimskiego-Korsakowa.
Dzieci. Składniki opery odpowiadają. Opera (po łacinie opus) oznacza akcję, dzieło, kompozycję. Nawiązuje do gatunku wokalnego, obejmuje 4 akty.
Zawiera uwerturę, wstęp, epilog, arię, ariettę, ariozę, rozrywkę itp.
Nauczyciel. Kto nam powie treść tego eposu?
Dzieci. Przeczytaj fragmenty pracy.
Nauczyciel. Posłuchajmy fragmentu opery Sadko.
Nauczyciel. Na zajęciach z literatury zapamiętujesz fragmenty dzieł. Teraz Eremenko Dmitry wykona dla nas fragment, a Ty określisz autora i nazwiesz dzieło.
Student. Czyta fragment bajki Puszkina „Opowieść o carze Saltanie” (Eremenko D). Dzieci określają dzieło literackie i muzyczne.
Nauczyciel. Powiedzieliśmy już, że kompozytor komponuje muzykę, pisarz pisze libretto, a muzykę wykonuje orkiestra symfoniczna.
Zrobimy mały konkurs. Dla każdej z proponowanych liter musisz wymyślić nazwę instrumentów, wybrać spośród nich instrumenty orkiestry symfonicznej i ludowej.
Trwa gra „Stwórz orkiestrę”.
Nauczyciel. Chłopaki chcieliby, abyście wymienili innego rosyjskiego kompozytora, w którego twórczości jest wiele romansów napisanych do wierszy A. S. Puszkina „Pamiętam cudowną chwilę”, „Nocna pianka”, „Ogień pożądania płonie we krwi” , „Jestem tutaj, Inezillo”; E. Baratyński „Nie kuś”; N. Kukolnik „Skowronek”, „Podążanie”, „Wątpliwość”; Żukowskiego „Nocny przegląd”. W twórczości tego kompozytora znajduje się także opera napisana na podstawie poematu Puszkina. Nazwij go i głównych bohaterów aktorskich, do jakiego gatunku należy.
Dzieci. To opera „Rusłan i Ludmiła”, fantastyczny gatunek.
Nauczyciel. Chcę zwrócić uwagę na quiz muzyczny. Na ekranie zabrzmią fragmenty utworów muzycznych, a Ty musisz ustalić nazwę i kompozytora utworu oraz określić fragment z opery Rusłan i Ludmiła.
Tematy są odtwarzane w nagraniach wideo i audio.
W naszej rozmowie rozmawialiśmy o operze i balecie. Chciałbym Państwu przedstawić dzieła symfoniczne, ale nie wielkie symfonie, lecz małe miniatury, obrazy muzyczne. Dlaczego właśnie dla orkiestry, bo w orkiestrze jest dużo instrumentów, więc łatwiej jest to narysować. W muzyce małe dzieło nazywa się miniaturą. Przedrostek „mini” oznacza „mały”. W muzyce rosyjskiej mistrzem takich miniatur symfonicznych był Anatolij Konstantinowicz Lyadov. (1855 - 1914).
Obrazy symfoniczne nazywane są „Kikimora”, „Magiczne jezioro”, „Baba Jaga”.
W muzycznym „bajkowym obrazie” A. K. Lyadov przedstawił nie tylko „portret” Kikimory, ale także jej złośliwy charakter. „Kikimora (shishimora, maara) – zły duch, dziecko – niewidzialna kobieta, mieszkająca w domu za piecem i zajmująca się przędzeniem i tkaniem”. Postać Kikimory jest wspaniale przedstawiona w bajce A. N. Tołstoja. Utwór muzyczny „Kikimora” poprzedza taki program, w formie fragmentu ze zbioru I. Sacharowa „Opowieści narodu rosyjskiego” .
Student. Czyta opis Kikimory.
Nauczyciel. Posłuchajmy utworu.
Słuchanie utworu „Kikimora”
Nauczyciel. Sugeruję wykonanie gry testowej.
Przeprowadzony test - gra.
Wniosek
Na naszym spotkaniu wszyscy nauczyliście się wielu nowych rzeczy, odkryliście kompozytorów i poetów, o których być może słyszeliście już wcześniej, ale nie bardzo wiedzieliście, jak bardzo łączy się ich twórczość. Teraz, czytając lub słuchając utworów, zwrócisz uwagę na źródło literackie i przypomnisz sobie kompozytora, który napisał operę lub balet na tej fabule.