Stylizuj proste naturalne formy w grafice. Streszczenie lekcji projektowania projektowego „stylizacja form naturalnych”. Jak stylizowane rośliny wykorzystują miłośnicy robótek ręcznych

15.07.2019

W słowniku encyklopedycznym stylizację w sztukach plastycznych interpretuje się jako „przedstawienie przedmiotów, postaci w formie warunkowo uproszczonej”. Rysunek wykonany metodą stylizacji charakteryzuje się skrajnym uogólnieniem, wręcz szkicowością formy i uwypukleniem głównych detali. Stylizacja jako jedna z metod artystycznych to sposób na odzwierciedlenie obiektów rzeczywistości w procesie ich twórczego przetwarzania i modyfikacji, przy możliwie maksymalnym lub minimalnym lub niezbędnym uogólnieniu artystycznym. Generalizacja jest czynnikiem decydującym w trakcie stylizacji. Przez „uogólnienie” w literaturze filozoficznej rozumie się logiczny proces przejścia od liczby pojedynczej do ogólnej, od mniej ogólnej do bardziej ogólnej.

Uogólnienie to mentalne połączenie obiektów i zjawisk rzeczywistości, które są podobne pod pewnymi znakami, cechami. Każde uogólnienie może opierać się na różnych cechach podobnych obiektów. Generalizacja jest ważna w życiu każdego człowieka, ponieważ wiedza o otaczającym świecie, dzięki uogólnieniu, stanowi niezbędną podstawę dla naszych wyobrażeń i koncepcji dotyczących obiektywnej rzeczywistości. Orientacja człowieka w otaczającym go świecie następuje w systemie skrajnie uogólnionych wyobrażeń i wiedzy o świecie.

Stylizacja to szczególna forma uogólnienia, uproszczenia obiektów rzeczywistości, z uwzględnieniem cech czasowych i przestrzennych, z uwzględnieniem stylu. Styl to podstawowa kategoria sztuki, którą charakteryzuje się jako „artystyczny wyraz postrzegania świata, charakterystyczny dla ludzi określonej epoki i kraju”. Terminu „styl” używa się w historii sztuki, gdzie jego treść jest bliska pojęciom metody twórczej, kierunku artystycznego, ruchu, szkoły czy maniery. Jest to styl, który wyraża istotę, wyjątkowość samego fenomenu twórczości artystycznej w jedności wszystkich jej składników: treści i formy, obrazu i ekspresji, osobowości i epoki. Rozpatrując styl jako system wewnętrznych powiązań wszystkich elementów procesu twórczego, trzeba powiedzieć o nieskończonej różnorodności tego zjawiska: stylu pojedynczego dzieła lub zespołu dzieł; styl indywidualny, autorski; styl niektórych krajów, narodów; styl głównych ruchów artystycznych; styl niektórych epok historycznych.

Łącząc elementy kompozycji dzieła sztuki, styl nadaje im szczególną „żywotność”, nową rzeczywistość, odmienną od rzeczywistości codziennej i przewyższającą ją siłą wrażenia. „Jedną z funkcji stylu jest łączenie niezgodnego, osiągnięcie integralności przeciwieństw, doprowadzenie sprzecznych aspiracji artysty do figuratywnej jedności”.

Stylizacja jest zatem procesem kształtowania polegającym na twórczym przetwarzaniu, modyfikacji przedmiotów i zjawisk otaczającej rzeczywistości, przy największym uogólnieniu artystycznym. Stylizacja jako metoda twórcza opiera się na takim pojęciu jak „uogólnianie”. Generalizacja obejmuje różne formy odzwierciedlenia otaczającej rzeczywistości w procesie działania wizualnego poprzez eliminację szczegółów i identyfikację najbardziej charakterystycznych w przedmiotach i zjawiskach otaczającej rzeczywistości w celu stworzenia wyrazistego obrazu artystycznego. Generalizacja, prowadząca do uporządkowania pojęć i sprowadzenia ich do prostej, uproszczonej struktury, była stosowana i stosowana w całym rozwoju sztuk pięknych i zdobniczych. Uogólniona wizja natury przechodzi przez wszystkie procesy aktywności poznawczej artysty (percepcja, myślenie, pamięć, wyobraźnia), ujawnia najbardziej charakterystyczne cechy przedstawianego przedmiotu i tworzy w procesie rysowania pełnoprawny obraz artystyczny. Dlatego problem uogólnionej wizji natury jest istotny dla wszystkich rodzajów rysunków: naturalnego, dekoracyjnego, tematycznego itp.

Głównymi cechami wspólnymi powstającymi w procesie stylizacji obiektów i elementów w grafice są: prostota form, ich uogólnienie i symbolika, ekscentryczność, geometryczność, barwność, zmysłowość. Stylizację charakteryzuje przede wszystkim uogólnienie i symbolika przedstawianych obiektów i form. Ta metoda artystyczna zakłada świadome odrzucenie całkowitej autentyczności obrazu i jego szczegółowych szczegółów. Metoda stylizacji polega na oddzieleniu od obrazu wszystkiego, co zbędne, wtórne, zakłócające klarowną percepcję wzrokową, aby wydobyć istotę przedstawianych obiektów, wydobyć to, co w nich najważniejsze, zwrócić uwagę widza na ukryte wcześniej piękno i wywołać odpowiednie w nim żywe emocje.

Najwyższą formą odmowy przedstawienia w kompozycji dekoracyjnej nieistotnych realistycznych detali obiektów przy jednoczesnym zastąpieniu ich elementami abstrakcyjnymi jest stylizacja abstrakcyjna, która występuje w dwóch postaciach: abstrakcji mającej realistyczny wzór w otaczającym świecie oraz abstrakcji nieposiadającej taki wzór - abstrakcja wyobrażeniowa (nieobiektywna). Aby wyraźniej i bardziej zmysłowo oddać istotę stylizowanego przedmiotu, oddziela się od niego i usuwa wszystko, co niepotrzebne, zbędne i wtórne. Na przykład do przedstawienia obiektów przyrody ożywionej i nieożywionej (drzewa, rośliny, kwiaty i owoce, przedstawiciele świata zwierząt, brzegi rzek i mórz, góry, wzgórza itp.) Wykorzystuje się ich najbardziej charakterystyczne i najbardziej uderzające cechy oraz jednocześnie z reguły charakterystyczne cechy przedstawianego obiektu są w różnym stopniu wyolbrzymione, a czasem zniekształcone w celu stworzenia abstrakcji. W przypadku takich artystycznych przesady naturalne formy (na przykład kształty liści) zbliżone do geometrycznych zostają ostatecznie zamienione na geometryczne, wszelkie formy wydłużone są jeszcze bardziej rozciągane, a zaokrąglone zaokrąglane lub ściskane.

Bardzo często spośród kilku charakterystycznych cech stylizowanego przedmiotu wybiera się jedną i dominuje, inne zaś cechy charakterystyczne przedmiotu są zmiękczane, uogólniane, a nawet całkowicie odrzucane. W efekcie dochodzi do świadomego zniekształcenia i zniekształcenia wielkości i proporcji przedstawianych obiektów przyrodniczych, które ma na celu: zwiększenie efektu dekoracyjnego, zwiększenie wyrazistości (ekspresji), ułatwienie i przyspieszenie percepcji widza. zamierzenie autora. W tym procesie twórczym spontanicznie powstaje sytuacja, w której im bardziej obraz zbliża się do istoty natury przedmiotu, tym bardziej staje się uogólniony i warunkowy. Z reguły stylizowany obraz można następnie łatwo przekształcić w abstrakcyjny.

Wszystkie rodzaje i metody stylizacji obiektów naturalnych opierają się na jednej zasadzie malarskiej - artystycznej transformacji prawdziwych obiektów naturalnych przy użyciu różnych środków obrazowych i technik obrazkowych. Najczęściej takie przekształcenie przeprowadza się poprzez zmianę i uproszczenie kształtu rzeczywistych obiektów flory i fauny, powiększenie lub pomniejszenie charakterystycznych części tych obiektów, zmianę liczby charakterystycznych szczegółów obiektów w górę lub w dół, zmianę naturalnego koloru obiekty. Dość często stylizowany obraz polega na połączeniu kilku różnych części, z których każda jest kopiowana z jakiegoś obiektu natury lub obiektu otaczającego życia i twórczo modyfikowana. Na przykład kwiat konkretnej rośliny jest przedstawiany nie w celu dokładnego przekazania oryginału, ale jest tworzony sformalizowany, przy użyciu indywidualnych szczegółów właściwych kwiatom i innym roślinom, „odrzucając” drobne szczegóły charakterystyczne dla kwiatu tej konkretnej rośliny . Lub na przykład liść klonu jest przedstawiony w taki sposób, że jego kształt przyjmuje geometryczny kształt sześciokąta.

Artystyczne przekształcanie obiektów naturalnych ma główny cel - przekształcenie prawdziwych form naturalnych w stylizowane lub abstrakcyjne, obdarzone wyrazistością i emocjonalnością o takiej sile, jasności i zapamiętywaniu, które są nieosiągalne w realistycznych obrazach. Dlatego stylizacja i abstrakcja obrazu są dość ściśle powiązane z jego wyrazistością (ekspresywnością). Jeśli obraz lub kompozycja ma charakter wyrazisty, to niezależnie od tego, czy powstają w sposób stylizowany, abstrakcyjny czy realistyczny, ich fundament opiera się na abstrakcji, rozumianej jako uogólnienie i symbolika całego obrazu lub jego części w celu lepszego wyrazić głęboką istotę kompozycji. A to oznacza, że stosując stylizację i abstrakcję w obrazach przedmiotów, musisz umieć za ich pomocą pokazać i przekazać ekspresję.

Lekcja plastyki

w 7 klasie „A”.

Temat: „Stylizacja prostych form naturalnych (obraz roślin)”.

Cel lekcji:

1. Kształcenie moralne i estetyczne uczniów poprzez studiowanie sztuki grafiki sylwetkowej, zdobycie wiedzy o praktycznych umiejętnościach wykonywania wizerunków stylizowanych form naturalnych.

Cele Lekcji:

Edukacyjny:

Kształtowanie wiedzy na temat grafiki sylwetkowej;

Kształcenie umiejętności i zdolności do wykonywania wizerunku stylizowanych form naturalnych.

Opracowanie:

Rozwój wyobraźni twórczej w technice grafiki sylwetkowej;

Rozwój uwagi, myślenia, pamięci;

Rozwój aktywności poznawczej i twórczej;

Rozwój zainteresowań sztuką sylwetki;

Rozwój małej motoryki i dokładności ruchów rąk.

Rozwój dokładności i umiejętności graficznych.

Edukacyjny:

Zwiększanie zainteresowania grafiką sylwetkową;

Kształcenie zamiłowań estetycznych do sztuki grafiki sylwetkowej.

Sprzęt:

Dla nauczyciela: pomoce wizualne, tablica, kreda, podsumowanie lekcji

Dla uczniów: ołówki, gumka, gwasz czarno-biały, tusz, pędzel, woda, album.

Podczas zajęć

Pozdrowienia.

Organizowanie czasu

Główna część lekcji

Pojęcie stylizacji i stylu

W kompozycji dekoracyjnej ważną rolę odgrywa to, jak twórczo artysta potrafi przerobić otaczającą rzeczywistość i wnieść w nią swoje myśli i uczucia, indywidualne odcienie. To się nazywa stylizacja. Stylizacja jako proces pracy to dekoracyjne uogólnienie przedstawionych obiektów (figur, przedmiotów) za pomocą szeregu warunkowych metod zmiany kształtu, relacji objętościowych i kolorystycznych.

W sztuce dekoracyjnej stylizacja jest metodą rytmicznej organizacji całości, dzięki której obraz nabiera cech wzmożonej dekoracyjności i jest postrzegany jako swego rodzaju motyw wzorniczy (wówczas mówimy o stylizacji dekoracyjnej w kompozycji).

Stylizację można podzielić na dwa typy:

A) powierzchnia zewnętrzna, nie mająca indywidualnego charakteru, ale sugerująca obecność gotowego wzoru do naśladowania lub elementów już stworzonego stylu (np. panel dekoracyjny wykonany technikami malarskimi Khokhloma);

B) dekoracyjny, w którym wszystkie elementy dzieła podlegają warunkom już istniejącego zespołu artystycznego (na przykład panel dekoracyjny, podporządkowany opracowanemu wcześniej środowisku wewnętrznemu).

Stylizacja dekoracyjna różni się od stylizacji w ogóle powiązaniem z otoczeniem przestrzennym. Dlatego dla pełnej jasności problemu rozważmy koncepcję dekoracyjności.

Dekoracyjność jest zwykle rozumiana jako wartość artystyczna dzieła, która powstaje w wyniku zrozumienia przez autora relacji jego dzieła z otoczeniem przedmiotowo-przestrzennym, dla którego jest przeznaczone. W tym przypadku pomyślany i zrealizowany jest odrębny utwór, będący elementem szerszej całości kompozycyjnej.

Można powiedzieć, że styl to artystyczne przeżycie czasu, a dekoracyjna stylizacja to artystyczne doświadczenie przestrzeni.

Stylizacja form naturalnych

Otaczająca nas przyroda jest doskonałym obiektem do artystycznych stylizacji. Ten sam przedmiot można studiować i prezentować nieskończoną liczbę razy, stale odkrywając jego nowe aspekty, w zależności od zadania.

W programie kompozycji zdobniczych wiele uwagi poświęca się zagadnieniu stylizacji form naturalnych, gdyż obiekty te są zawsze dostępne, a praca z nimi pozwala opanować analityczne myślenie i sposoby oryginalnego wyrażania natury w formach przetworzonych, tj. powodują załamanie tego, co widać poprzez indywidualność artysty. Stylizowany wizerunek badanych obiektów pozwala na odnalezienie nowych, oryginalnych sposobów ukazywania rzeczywistości, odmiennej od iluzorycznego, fotograficznego obrazu.

Stylizację form naturalnych można rozpocząć od wizerunku roślin. Mogą to być kwiaty, zioła, drzewa, mchy, porosty w połączeniu z owadami i ptakami.

W procesie dekoracyjnej stylizacji motywami naturalnymi można postępować na dwa sposoby: początkowo szkicować przedmioty z natury, a następnie przetwarzać je w kierunku ujawnienia walorów dekoracyjnych lub od razu wykonać stylizowany szkic dekoracyjny, zaczynając od naturalnych cech przedmiotów . Możliwe są oba sposoby, w zależności od tego, który sposób przedstawienia jest bliski autorowi. W pierwszym przypadku należy dokładnie narysować szczegóły i stopniowo studiować formy podczas pracy. W drugiej metodzie artysta długo i uważnie bada szczegóły przedmiotu i podkreśla jego najbardziej charakterystyczne cechy. Na przykład kłujący kamień nazębny wyróżnia się obecnością cierni i kanciastości w postaci liści, dlatego podczas szkicowania można używać ostrych narożników, prostych linii, złamanej sylwetki, stosować kontrasty w graficznym przetwarzaniu kształtu, linii i punktowe, jasne i ciemne, z kolorystyką - kontrastem kolorów uzupełniających i różnych odcieni światła.

Loach charakteryzuje się gładką ciągliwością pni oraz miękką plastycznością form liści i kwiatów, dlatego w szkicu dominować będą kręte, zaokrąglone kształty i delikatne opracowanie detali przy użyciu głównie cienkiej linii, miękkich relacji tonalnych i kolorystycznych.

Ten sam motyw można przekształcać na różne sposoby: blisko natury lub w formie jej podpowiedzi, skojarzeniowo; Należy jednak unikać zbyt naturalistycznej interpretacji i skrajnego schematyzmu pozbawiającego uznanie. Można wziąć dowolną cechę i uczynić ją dominującą, a kształt przedmiotu zmienia się w kierunku cechy charakterystycznej, dzięki czemu staje się on symboliczny.

Wstępne prace szkicowe są bardzo ważnym etapem tworzenia rysunku stylizowanej kompozycji, gdyż wykonując naturalne szkice, artysta głębiej wnika w naturę, ujawniając plastyczność form, rytm, wewnętrzną strukturę i fakturę naturalnych obiektów. Etap szkicu i szkicu jest kreatywny, każdy odnajduje i wypracowuje swój własny styl, swój indywidualny styl w przenoszeniu znanych motywów.

Podkreślmy podstawowe wymagania dotyczące szkicowania form roślinnych:

Rozpoczynając pracę, ważne jest, aby zidentyfikować najbardziej wyraźne cechy kształtu rośliny, jej sylwetki, zakrętów perspektywicznych.

Układając motywy należy zwrócić uwagę na ich orientację plastyczną (pionowa, pozioma, ukośna) i odpowiednio rozmieścić rysunek.

Zwróć uwagę na charakter linii tworzących zarys przedstawionych elementów: stan kompozycji jako całości (statyczny lub dynamiczny) może zależeć od tego, czy ma ona konfiguracje proste, czy miękkie, opływowe.

Ważne jest nie tylko naszkicowanie tego, co się widzi, ale odnalezienie rytmu i ciekawych ugrupowań form (łodygi, liście), dokonując selekcji widocznych detali w otoczeniu przedstawionym na arkuszu.

Szkicując kwiaty, należy szczegółowo przestudiować strukturę kwiatu, układ i kształt płatków, ich ugrupowanie i kolor, ponieważ będą to naturalne cechy przedmiotu, które pozwolą na ich dekoracyjne przekształcenie.

Pracując z tak naturalnymi motywami jak kora, kawałki drzew, mech, kamienie, muszle, artysta staje przed zadaniem przekształcenia teksturowanej powierzchni motywu w dekor, wyrazisty w rytmie i plastyczności, ujawniający cechy przedmiotu.

Badając części i szczegóły formy, możesz posłużyć się lupą, mikroskopem - pozwala to na rozłożenie obrazu na części, operowanie cięciami w celu osiągnięcia określonych zadań kompozycyjnych i oddania naturalnych cech przedstawionych obiektów.

Podsumowanie lekcji

Dzieci biorą się do pracy. Zanim przystąpią do wykonania w tonie, najpierw pokazują mi wstępny rysunek.

Analiza prac dzieci, pokaz prac dzieci (wystawa prac dzieci).

Cel dzisiejszej lekcji: Poznaj techniki stylizacji i wykorzystaj wiedzę w praktyce, wykonując dwa ćwiczenia.

Stylizacja

Zasady stylizacji: a) przekształcenie formy trójwymiarowej w płaską i uproszczenie konstrukcji, b) uogólnienie formy ze zmianą zarysu, c) uogólnienie formy w jej granicach, d) uogólnienie i skomplikowanie formy, dodanie szczegółów, których nie ma w naturze.

Praca psychologiczna nad stworzeniem uogólnionego obrazu dekoracyjnego jest procesem abstrakcji od szeregu szczegółowych szczegółów. Jak wiadomo, bogactwo szczegółów w temacie zakłóca jego holistyczne postrzeganie. Podobnie obfitość szczegółów na niektórych obrazach utrudnia tworzenie nowych, bardziej oryginalnych obrazów. Oznacza to, że należy dążyć do wyodrębnienia z poszczególnych obrazów cech najbardziej wspólnych i połączenia ich w nowy obraz. W tę stronę powinno iść malarstwo dekoracyjne.

W procesie twórczym projektowania ozdoby należy odrzucić nieistotne detale i detale przedmiotów, a pozostawić jedynie cechy ogólne, najbardziej charakterystyczne i wyróżniające. Na przykład kwiat rumianku lub słonecznika może wyglądać w ozdobie uproszczonym. fotografia") .

Artysta może dowolnie zmieniać temat, odejście od natury może być bardzo znaczące. Kwiat, liść, gałąź można interpretować niemal tak, jak można zachować geometryczne kształty lub naturalne gładkie kontury. Na przykład możliwe jest przekształcenie prawdziwego obrazu kwiatu w obraz dekoracyjny, a nawet abstrakcyjny za pomocą malarstwa:

Uogólnienie formy za pomocą środków obrazowych: a) obraz realistyczny, b) obraz dekoracyjny, c) obraz abstrakcyjny

Stopień uogólnienia formy i dobór środków wyrazu artystycznego wyznacza zadanie, zamierzony sposób.

Przykładem stylizacji może być proces tworzenia ikonicznych obrazów w projektowaniu graficznym. Cechami charakterystycznymi znaku są uogólnienie i umowność w przedstawianiu obiektywnych form oznaczających dowolną postać lub zjawisko otaczającego świata.

Znak różni się zasadniczo od obrazu konkretnego przedmiotu, jedynie wskazuje lub wyznacza zewnętrzne cechy jakiegoś przedmiotu. Znak można nazwać symbolem abstrakcyjnym.

Stylizację można podzielić na dwa typy:

a) powierzchnia zewnętrzna nie ma charakteru indywidualnego, ale zakłada obecność gotowej próbki
do naśladowania lub elementów już stworzonego stylu (na przykład panel dekoracyjny wykonany technikami malarstwa Khokhloma);

b) dekoracyjny, w którym wszystkie elementy dzieła podlegają warunkom już istniejącego zespołu artystycznego (na przykład panel dekoracyjny, podporządkowany opracowanemu wcześniej środowisku wewnętrznemu).

Stylizacja dekoracyjna różni się od stylizacji w ogóle powiązaniem z otoczeniem przestrzennym. Aby nie mylić stylizacji dekoracyjnej z ogólną, należy jasno zdefiniować pojęcie dekoracyjności.

Można powiedzieć, że styl to artystyczne przeżycie czasu, a dekoracyjna stylizacja to artystyczne doświadczenie przestrzeni.

Dekorując przedstawiony obiekt należy dążyć do tego, aby kompozycja (panel) spełniała zasadę architektoniczności, tj. konieczne jest zbudowanie systemu połączeń poszczególnych części i elementów w jedną całość dzieła.

Rola stylizacji jako metody artystycznej ostatnio wzrosła, wraz ze wzrostem potrzeby tworzenia przez ludzi integralnego stylistycznie, estetycznie znaczącego otoczenia.

Wraz z rozwojem architektury wnętrz konieczne stało się tworzenie dzieł sztuki i rzemiosła, które bez stylizacji nie spełniałyby współczesnych wymogów estetycznych.

Ćwiczenie numer 1.

Stylizacja prostej rośliny (liść, drzewo) na formacie A4 na 4-5 różnych sposobów za pomocą czarnego długopisu.

Etapy zadania:

Układ arkusza (określ położenie każdego szkicu)
Szkic ołówkiem (do późniejszych poprawek)
Oglądanie na poziomie średniozaawansowanym, wskazówki od chłopaków i nauczyciela
Korekta i pociągnięcie pisakiem (z uwzględnieniem grubości linii i kreskowania)

Stylizacja obiektu

Stosowanie stylizowanych obrazów naturalnych jest szeroko rozpowszechnione nie tylko w sztuce i rzemiośle, ale także w innych obszarach, na przykład w rozwoju tożsamości korporacyjnej. Tworząc logo, wykorzystuje się zapadające w pamięć stylizowane obrazy naturalnych form.

Artyści wykonują stylizację rysunku tradycyjnie – „ręcznie”.
Projektanci korzystają z różnych edytorów komputerowych, które przekształcają obrazy za pomocą narzędzi do transformacji, które umożliwiają skalowanie, obracanie, odbijanie lustrzane i zniekształcanie obrazu.

W projektowaniu i rzemiośle stylizacja jest powszechnie rozumiana jako proces dekoracyjnego uogólnienia obrazu polegający na zmianie kształtu, opracowaniu graficznym, modyfikacji koloru i objętości.

W zależności od stopnia zmiany pierwotnej formy stylizację dzieli się na trzy typy:

- stylizacja powierzchni zewnętrznej wiąże się z drobnymi zmianami i uproszczeniami gotowego egzemplarza;

- stylizacja dekoracyjna zakłada uproszczenie lub przekształcenie formy ze świadomą rezygnacją z nieistotnych elementów obiektu obrazu i jego szczegółowego uszczegółowienia;

- stylizacja abstrakcyjna (nieobiektywna) ma na celu zastąpienie realistycznych szczegółów obiektu obrazowego elementami wyimaginowanymi.

Aby poznać przedmiot stylizacji, należy go zbadać i zidentyfikować jego charakterystyczne cechy. Proces stylizacji powinien być przeprowadzony nie tylko w oparciu o cechę postrzeganą zewnętrznie, ale także cechę wewnętrzną, której nawet wizualnie nie można zaobserwować. Głównym celem stylizacji jest osiągnięcie wyrazistości przy częściowym lub całkowitym odrzuceniu wiarygodności obrazu.

Główne cechy stylizacji to: geometryczność, prostota form, generalizacja, symbolika. Odrzucenie nieistotnych szczegółów przedstawianego obiektu pozwala na tworzenie abstrakcyjnych stylizacji. Często z niektórych charakterystycznych cech obiektu wybiera się tę najważniejszą, która jest dalej rozważana i dopracowywana bardziej szczegółowo, wszystkie pozostałe detale są łagodzone lub odrzucane.

Pierwszą techniką stylizacji jest uproszczenie relacji kolorystycznych. Wszystkie odcienie obserwowane w prawdziwej formie z reguły sprowadzają się do kilku kolorów. Możliwe jest również całkowite odrzucenie prawdziwego koloru, uproszczenie relacji tonalnych i kolorystycznych itp.

Kolejną techniką stylizacji jest rytmiczna organizacja całości, która polega na doprowadzeniu kształtu lub projektu przedstawianego przedmiotu do określonej konfiguracji geometrycznej, zdobniczej lub plastycznej. Na obrazach symbolicznych linie i plamy mogą przekształcić się w bardziej złożone kombinacje.

Stylizując formy naturalne, stosuje się różne środki wyrazu artystycznego, takie jak: plama, linia, transformacja poprzez geometryzację i wypełnienie formy ornamentem.

Wykorzystanie tego samego obrazu pozwala artyście na sięganie po różne techniki i środki stylizacji, przepracowując wiele różnych obrazów, pozwalając mu wcielić w życie swój potencjał twórczy.

Wstęp

Koncepcja stylizacji

Metody stylizacji

Wybieranie obiektu do stylizacji

Szkice form roślinnych

Wniosek

Wstęp

Temat zajęć: „Stylizacja form naturalnych”. Jako uzasadnienie konieczności przeprowadzenia zajęć można podać: jest on końcowy w nauce dyscypliny „Rysunek” i ma na celu utrwalenie materiału dyscypliny, nabycie umiejętności rysowania i stylizacji.

Można również śmiało powiedzieć, że tematyka zajęć jest bardzo istotna, ponieważ w ostatnim czasie wzrosła rola stylizacji jako metody artystycznej, wraz ze wzrostem potrzeby ludzi w zakresie tworzenia integralnego stylistycznie, znaczącego estetycznie środowiska.

Wraz z rozwojem architektury wnętrz konieczne stało się tworzenie dzieł sztuki i rzemiosła, które bez stylizacji nie spełniałyby współczesnych wymogów estetycznych.

Celem zajęć jest realizacja stylizowanej kompozycji, znalezienie oryginalnego rozwiązania plastycznego w rozwinięciu stylizowanego motywu.

Zadania stojące przed wykonaniem tej pracy: podać koncepcję stylizacji i jej metod, wybrać przedmiot do stylizacji, wykonać szkice form roślinnych, a następnie uzupełnić kompozycję na podstawie przestudiowanego i przeanalizowanego materiału.

Koncepcja stylizacji

Zanim zaczniemy mówić o stylizacji, trochę o tym, czym jest dekoracyjność, jako jedna z form wyrażania piękna.
Wystrój oznacza dekorację, dekoracyjny oznacza udekorowany lub elegancki. Dekoracyjność to szczególna cecha formy sztuki, która zwiększa jej emocjonalną ekspresję. Dekoracyjność to zarówno zwiększona jasność kolorów, harmonia kolorów, rozwiązania tonalne lub kontrastowe, jak i płaskość obrazu, dekoracyjność i konwencjonalność rozwiązania tematu, a czasem i ograniczony kolor, to znaczy wszystko, co jest nieodłączne Sztuka ludowa. Stylizacja to jedna z dróg prowadzących do dekoracyjności.
Stylizacja to modyfikacja i obróbka motywu naturalnego o największym uogólnieniu artystycznym w celu zidentyfikowania jego warunkowych walorów dekoracyjnych. Czasami stylizacja nazywana jest obróbką dekoracyjną.

Stylizacja to celowe naśladowanie najbardziej charakterystycznych cech danego stylu w nietypowym dla niego kontekście artystycznym i kulturowym. Technika ta weszła w praktykę twórczości różnych artystów od końca XVIII wieku. Nie tylko posługiwali się technikami zapożyczonymi z dzieł antyku i renesansu, ale także przemyśleli w swoim stylu współczesne obrazy. Stylizacja zawsze wymaga kreatywnego przemyślenia, a nie tylko kopiowania. Dlatego należy odróżnić to od naśladownictwa, które występuje także w sztuce.

Stylizacja jako proces pracy to dekoracyjne uogólnienie przedstawionych obiektów (figur, przedmiotów) za pomocą szeregu warunkowych metod zmiany kształtu, relacji objętościowych i kolorystycznych.

Zanim zaczniemy mówić o różnych sposobach stylizacji, warto zwrócić się do istoty terminu „styl”.

W toku procesu historycznego wypracowano i doprowadzono do perfekcji pewne cechy charakterystyczne dla całych epok historycznych, w wyniku czego powstały style historyczne.

Styl jest najbardziej ogólną kategorią myślenia artystycznego, charakterystyczną dla pewnego etapu rozwoju historycznego. Styl wyraża istotę, wyjątkowość twórczości artystycznej w jedności wszystkich jej składników, treści i formy, obrazu i ekspresji, osobowości i epoki. Najczęściej styl definiuje się jako system wewnętrznych powiązań pomiędzy wszystkimi elementami procesu twórczego. Treść i forma, kolor i technika, konstrukcje przestrzenne. Jeśli porównamy styl i manierę, to maniera jest szczególną cechą procesu twórczego, a styl jest jego końcowym rezultatem, obowiązkową syntezą, integralnością wszystkich składników dzieła sztuki.

Takie wizualne środki kompozycji, jak objętość przestrzenna, kolor, linia, faktura, dzięki pewnej organizacji przez artystę, nabierają indywidualnego charakteru, a co za tym idzie kolorystyki stylistycznej.

Historyk sztuki B. Wiener napisał: „Każdy artysta ma metodę i manierę, ale styl może nie mieć miejsca”.

Styl dzieła nosi cechy stylu epoki, które ulegają przemianie na indywidualnym poziomie kreatywności konkretnej osoby. Styl dzieła powstaje, gdy w myśleniu artysty dokonuje się praca twórcza, w wyniku której przedstawiony przedmiot zyskuje nową rzeczywistość, odmienną od zwykłej rzeczywistości i przewyższającą ją siłą wrażenia; kiedy odcienie uczuć wlewają się w naturalną kolorystykę przedmiotu, a dynamika form oddaje ruch myśli autora.

Stylizację można podzielić na 2 typy:

A) powierzchnia zewnętrzna, która nie ma indywidualnego charakteru, ale implikuje obecność gotowego wzoru do naśladowania lub elementów już stworzonego stylu (na przykład panel dekoracyjny wykonany technikami malarskimi Khokhloma);

B) dekoracyjny, w którym wszystkie elementy dzieła podlegają warunkom już istniejącego zespołu artystycznego (na przykład panel dekoracyjny podporządkowany opracowanemu wcześniej środowisku wewnętrznemu).

Abstrakcja jest charakterystyczna dla stylizacji dekoracyjnej - mentalne odwrócenie uwagi od nieistotnych, przypadkowych z punktu widzenia artysty znaków, w celu skupienia uwagi na bardziej znaczących szczegółach, oddających istotę przedmiotu. Dekorując przedstawiony obiekt należy dążyć do tego, aby kompozycja (panel) spełniała zasadę architektoniczności, tj. konieczne jest zbudowanie systemu połączeń poszczególnych części i elementów w jedną całość dzieła.

Metody stylizacji

Stylizacja opiera się na motywie naturalnym. W przyszłości motyw stanie się częścią ozdoby lub jej głównym elementem. Każdą stylizację rozpoczynamy od linearnego szkicu naturalnego motywu. Linia leży u podstaw języka obrazowego. Elementy liniowe, poddane decyzji artystycznej, mogą zamienić się w niepowtarzalne obrazy plastyczne.
Natura jest pełna niewyczerpanych wartości, jest nieskończenie różnorodna w jedności harmonii. Praca na linearnych szkicach pozwala na bliższy kontakt z naturą, dostrzeżenie piękna tam, gdzie oko wcześniej się nie zatrzymywało. Ważne jest, aby poczuć plastyczność, zgięcie, ruch, zajrzeć w każdy szczegół i poczuć go za pomocą ołówka (długopisu, pędzla, długopisu, pisaka) w dłoni. Należy oddać na rysunku najważniejsze cechy, co najważniejsze, drobne szczegóły można pominąć lub osłabić. W przyszłości sprawi to, że stylizacja będzie jak najbardziej wyrazista.

Po liniowych szkicach następuje sylwetka motywu. Sylwetka pozwoli zobaczyć szkic jako całość, bez nadmiernych szczegółów. Miejsce odgrywa tutaj ważną rolę. Powinien wyrażać charakter motywu roślinnego. W przyrodzie każdy przedmiot ma formę, czasem prostą, a czasem bardzo złożoną. Musisz zrozumieć temat swojego obrazu, spróbować przekazać formę sylwetką, a jednocześnie możesz odrzucić nieistotne szczegóły. Aby dekoracyjnie przetworzyć naturalny motyw, czasami nie trzeba czegoś wymyślać, wystarczy uważnie przyjrzeć się pięknu, które stworzyła już natura. Być może trzeba coś uprościć, usprawnić, usystematyzować, wprowadzić lub wzmocnić rytm.

Stylizacja to kreacja określonego wizerunku, ujawnienie jakiegoś pomysłu. Jednocześnie pożądane jest zachowanie lub zwiększenie naturalnej plastyczności. Elementy dekoracyjne powinny podkreślać formę motywu, a nie ją niszczyć.
Istnieją cztery główne zasady stylizacji: 1) uogólnienie formy w jej granicach; 2) uogólnienie formy ze zmianą zarysu i uproszczeniem projektu; 3) przekształcenie formy trójwymiarowej w płaską; 4) zmiana charakteru formy na bardziej dekoracyjną.
Pierwszym etapem stylizacji jest grafika, w której wykorzystuje się wyłącznie dwa kolory: czarny i biały. Wykorzystuje takie techniki jak rytm, linia, punkt, udar. Po grafice następuje stylizacja kolorystyczna.

Różne zastosowania stylizacji
Wybieranie obiektu do stylizacji

Jako obiekt rozwoju w swojej pracy wybrałam taki kwiat jak gardenia. Zdecydowałem się na ten konkretny kwiat, więc bardzo zainteresowała mnie niesamowita plastyczność i wyrafinowanie tej rośliny.

Sam kwiat ma zaokrągloną sylwetkę, a jego liście są owalne. Gardenia wyróżnia się obecnością ostrych punktów w postaci liści, dlatego podczas szkicowania można używać spiczastych narożników, stosować kontrasty w obróbce graficznej formy, linii i plamki, jasnych i ciemnych, różnych jasnych tonów.

Gardenię charakteryzuje miękka plastyczność kształtów kwiatów, dlatego w szkicu dominować będą kręte, zaokrąglone kształty i delikatne opracowanie detali, wykorzystując głównie miękkie rozwiązania tonalne.
Wniosek

W tej pracy kursowej osiągnęliśmy nasze cele i zadania, ponieważ w pełni ujawniliśmy koncepcję stylizacji i jej metody.

W wyniku długich i wnikliwych badań szczegółów obiektu oraz wybrania najbardziej charakterystycznych dla niego detali, identyfikacji formy plastycznej, rytmu, struktury wewnętrznej i faktury, wykonano szkice form roślinnych. Stylizację obiektu uzyskano poprzez zastosowanie różnych technik: kreski, wyraźnej linii, plamki, kropki jako elementu obróbki powierzchni oraz różnego rodzaju dekoracji.

Lista wykorzystanych źródeł

1.Logvinenko G.M. „Kompozycja dekoracyjna” – M.: wyd. ośrodek VLADOS, 2006.

2.Kirtser Yu.M. „Rysunek i malarstwo” – M.: Wyższa. szkoła, 2007.

3. Sokolnikova N.M. Podstawy kompozycji, podstawy rysunku. Obnińsk. Wydawnictwo „Titul”. 1996.

PRACA METODOLOGICZNA

Na temat:

„Stylizacja form roślinnych w zdobieniu”

Polishchuk Olga Veniaminovna

Nauczyciel dziecięcej szkoły plastycznej nr 1 im. N.P. Shleyna.

Kostroma 2015

„Sztuka jest abstrakcją, wydobądź ją z natury, fantazjuj na jej podstawie i myśl bardziej o procesie tworzenia niż o rezultacie”.

Paul Gauguin

Treść

1. Nota wyjaśniająca. Pojęcie ozdoby i jej rodzaje.

5. Podsumowanie lekcji na temat: „Stylizacja form roślinnych w zdobnictwie na lekcjach kompozycji dekoracyjnej”.

6. Lista referencji.

7. Twórczość uczniów Dziecięcego Zespołu Plastycznego.

8. Wykaz dyplomów wystaw-konkursów miejskich, regionalnych, regionalnych i międzynarodowych.

1. Nota wyjaśniająca

Współczesna kultura światowa jest właścicielem ogromnego dziedzictwa w dziedzinie wszystkich rodzajów sztuk pięknych. Studiując najwspanialsze zabytki architektury, malarstwa, rzeźby oraz sztuki zdobniczej i użytkowej nie można pominąć innego obszaru twórczości artystycznej. Chodzi o dekorację.Ozdoba jest częścią materialnej kultury społeczeństwa. Dokładne badanie i rozwój najbogatszego dziedzictwa tego składnika światowej kultury artystycznej przyczynia się do kultywowania gustu artystycznego, kształtowania idei z zakresu historii kultury i sprawia, że świat wewnętrzny staje się bardziej znaczący.

Literatura na temat ozdób może być obszerna. Tekst we wszystkich utworach pełni rolę drugorzędną. Doszedłem do wniosku, że na lekcjach kompozycji trzeba rozmawiać o ozdobniku, co dałoby uczniowi pojęcie o jego głównych formach. Zajmę się bardziej tematem ozdoby kwiatowej. Swoją pracę zatytułowałam „Stylizacja form roślinnych w zdobnictwie”, chcę w niej pokazać, w jaki sposób rośliny można przekształcić w formę sztuki.

Wiadomo, że natura i sztuka są ze sobą ściśle powiązane. Malarstwo i rzeźba opierają się na mniej lub bardziej bezpośrednim naśladowaniu natury. Ozdoba również opiera się na imitacji natury i rzeczywiście, w przyrodzie istnieje wiele prototypów ozdoby.

Prototypem ozdoby są rośliny, zwierzęta, ludzie i dzieła sztuki ludzkiej. Jak zatem artysta powinien przekształcić wzór zaczerpnięty z natury w formę i kolor, który w formie ozdoby odpowiadałby jego przeznaczeniu? Czym jest ozdoba w porównaniu z pierwowzorem w przyrodzie? Jest to ozdoba wykonana ludzką ręką, przetworzona przez jego wyobraźnię.

Ornament- wzór oparty na powtarzaniu i naprzemienności jego elementów składowych; przeznaczone do ozdabiania różnych przedmiotów. Ozdoba to jeden z najstarszych rodzajów ludzkiej działalności malarskiej, który w odległej przeszłości miał znaczenie symboliczne i magiczne.

Pojawienie się ozdoby sięga wieków wstecz, a jej ślady po raz pierwszy uchwycono w epoce paleolitu (15-10 tys. lat p.n.e.). W kulturze neolitycznej ozdoba osiągnęła już szeroką gamę form i zaczęła dominować. Z biegiem czasu ozdoba traci swoją dominującą pozycję i znaczenie poznawcze, zachowując jednak ważną rolę upiększającą i dekoracyjną w systemie sztuki plastycznej. Każda epoka, styl, konsekwentnie wyłaniająca się kultura narodowa wypracowała swój własny system; dlatego ozdoba jest niezawodnym znakiem przynależności dzieł do określonego czasu, ludzi, kraju. Określono cel ozdoby - dekorowanie. Ozdoba osiąga szczególny rozwój tam, gdzie przeważają warunkowe formy odzwierciedlenia rzeczywistości: na starożytnym Wschodzie, w Ameryce prekolumbijskiej, w azjatyckich kulturach starożytności i średniowiecza, w europejskim średniowieczu. W sztuce ludowej od czasów starożytnych ukształtowały się trwałe zasady i formy zdobnictwa, które w dużej mierze determinują narodowe tradycje artystyczne.

Ozdoby można umieszczać w różnych miejscach, a charakter ozdoby powinien być zgodny z charakterem części przedmiotu, którą zdobi. Zatem ozdoba (dekoracja) to wzór zbudowany na rytmicznym powtarzaniu elementów geometrycznych - motywów roślinnych lub zwierzęcych i przeznaczony do ozdabiania różnorodnych rzeczy (przedmiotów gospodarstwa domowego, mebli, odzieży, broni itp.), konstrukcji architektonicznych.

W zależności od motywów (motyw jest częścią ozdoby, jej głównym elementem) ozdoby dzieli się na kilka grup:geometryczne, wegetatywne, zoomorficzne, antropomorficzne i kombinowane.

ozdoba geometryczna może składać się z punktów, linii, okręgów, rombów, wielościanów, gwiazd, krzyży, spiral itp.

Ozdoba kwiatowa Składa się ze stylizowanych liści, kwiatów, owoców, gałęzi itp. Najczęstszym motywem wśród wszystkich ludów jest motyw „drzewa życia” - jest to ozdoba kwiatowa. Jest przedstawiany zarówno jako kwitnący krzew, jak i bardziej dekoracyjnie - w uogólniony sposób. Kompozycje takiej ozdoby są bardzo różnorodne.

ozdoba zoomorficzna przedstawia stylizowane postacie lub części postaci zwierząt rzeczywistych i fantastycznych.

Ozdoba antropomorficzna wykorzystuje jako motywy stylizowane postacie męskie i żeńskie lub części twarzy i ciała osoby.

Ozdoba teratologiczna. Jego motywami są postacie stworzone przez fantazję danej osoby, mogą one jednocześnie mieć znaki różnych zwierząt lub zwierzęcia i człowieka, syreny, centaury, syreny.

ozdoba kaligraficzna . Składa się z pojedynczych liter lub elementów tekstowych, czasem w skomplikowanych kombinacjach z elementami geometrycznymi lub kwiatowymi.

Ozdoba heraldyczna . Jako motywy wykorzystywane są znaki, emblematy, herby, elementy wyposażenia wojskowego – tarcze, broń, flagi.

Często we wzorach występują połączenia różnych motywów. Taką ozdobę można nazwaćłączny.

Ze względu na skład ozdoby dzielą się na kilka typów: w pasku (fryzy), w kwadracie, w okręgu, w trójkącie (rozety).

Istnieją trzy rodzaje: ozdoby liniowe, komórkowe, zamknięte.

Ozdoby liniowe - są to ozdoby w pasie z pionową lub poziomą przemianą motywu.

Ozdoba komórkowa lub rapportowa - jest to motyw powtarzający się zarówno w pionie, jak i w poziomie, jest to ozdoba niekończąca się we wszystkich kierunkach. Rapport jest elementem ozdoby, jej głównym motywem.

zamknięta ozdoba ułożone w prostokąt, kwadrat, okrąg. Motyw w nim albo się nie powtarza, albo powtarza się z zakrętem w samolocie.

Ozdoba może być symetryczna lub asymetryczna.

Symetria (ze starożytnej greki - proporcjonalność) - zgodność, niezmienność, objawiająca się wszelkimi zmianami, powtórzeniami, reprodukcją. Na przykład symetria dwustronna oznacza, że prawa i lewa strona wyglądają tak samo w stosunku do jakiejś płaszczyzny.Asymetria - brak lub naruszenie symetrii.

Oś symetrii to wyimaginowana linia dzieląca figurę na dwie lustrzanie równe części. Ze względu na liczbę osi symetrii figury są: z jedną osią symetrii, z dwiema, z czterema, a w okręgu z reguły jest nieskończona liczba osi symetrii.

W sztukach wizualnych symetria jest środkiem tworzenia formy artystycznej. Jest obecny w kompozycji zdobniczej i jest jednym z przejawów rytmu w ornamencie.

Rytm w kompozycji ozdobnej nazywają wzór naprzemienności i powtarzalności motywów, figur i odstępów między nimi. Rytm jest główną właściwością każdej kompozycji dekoracyjnej. Cechą charakterystyczną ornamentu jest rytmiczne powtarzanie motywów i elementów tych motywów, ich nachylenia i zakręty.

Konstrukcja rytmiczna - to wzajemne ułożenie motywów w kompozycji zdobniczej. Rytm organizuje pewien ruch w ornamencie: przejścia od małego do dużego, od prostego do złożonego, od jasnego do ciemnego lub powtórzenia tych samych form w określonych odstępach czasu.

W zależności od rytmu wzór staje się statyczny lub dynamiczny.

Rytm nierówny nadaje kompozycji dynamikę, jednolity – uspokaja.

2. Cele i zadania pracy metodycznej oraz nauczania stylizacji na lekcjach kompozycji dekoracyjnej.

We współczesnej Rosji poważną rolę w wychowaniu dzieci i młodzieży odgrywa system edukacji dodatkowej, którego głównym celem jest motywowanie dziecka do wiedzy i kreatywności.

W szkole artystycznej nie chodzi tylko o zdobycie podstawowej wiedzy i umiejętności umiejętności wizualnych, ale także o rozwijanie zdolności twórczych.

Zajęcia w szkole artystycznej powinny uczyć dzieci konsekwentnego i kompetentnego prowadzenia pracy twórczej, rozwijać umiejętność myślenia figuratywnego oraz umiejętność dostrzegania i refleksji ciekawej, ważnej, zaskakującej. W tym celu nauczyciel wykorzystuje szereg technik metodologicznych obserwacji, skojarzeń, emocji, które zachęcają dziecko do określonych doświadczeń. Różnorodne formy mające na celu rozwój potencjału twórczego dziecka. Zadaniem nauczyciela jest zachowanie cech charakterystycznych dla dzieci: świeżości i bezpośredniości percepcji, bogactwa wyobraźni, entuzjazmu dla procesu obrazowego.

Podstawą każdej pracy powinna być chęć zaszczepienia uczniom umiejętności nie tylko przedstawiania rzeczywistości, ale także wyrażania swojego stosunku do niej, czyli tworzenia obrazu artystycznego.

Należy przemyśleć bogactwo emocjonalne zajęć, podczas których pracują z farbami i innymi materiałami. Nauczyciel musi kształcić wrażliwość dzieci na to, jakie uczucia, nastroje, kolory są w stanie jako takie wyrazić, ich gradację i kombinacje. Pomaga w tym „technologia nastroju emocjonalnego”. Przewiduje różne techniki: odwoływanie się do dziecięcej wyobraźni, rozbudzanie zainteresowania za pomocą momentów gry, słuchanie muzyki, tekstów itp.

Nowość sytuacji, nietypowy początek pracy, piękna różnorodność materiałów pomagają uniknąć monotonii i nudy. Wszystko to rozwija wyobraźnię, wrażliwość emocjonalną dzieci, ujawnia zdolności twórcze poprzez ustanawianie powiązań między światem obrazów a światem uczuć i emocji. Prace są różne, ale każdy jest kreatywny.

Po wielu latach praktyki nauczycielskiej rozumiesz, że nauczanie dziecka rysowania jest dość ekscytującą, intensywną i twórczą ścieżką. Dziecko, które przychodzi do szkoły, początkowo po prostu płonie chęcią nauki: jest uważne, skupione, gotowe do nauki, ale potrafi się przestraszyć, po prostu „oszołomić” teorią grafiki pięknej.

moty, złożone pojęcia i wyrażenia. Wszystko więc zależy od nauczyciela.

Typowe programy nauczania nastawione są głównie na nauczanie zasad i zadań akademickich i nie zawierają materiału służącego rozwojowi zdolności twórczych, nie wprowadzają nowych technologii, technik i technik.

We współczesnym świecie szkoły dodatkowe muszą stale wykazywać się wysokim poziomem aktywności, udział w różnych konkursach, wystawach obliguje je do poznawania nowych materiałów plastycznych, nowoczesnych technik i metod pracy. To z kolei powoduje, że istnieje potrzeba restrukturyzacji ich pracy.

Praca metodologiczna została opracowana z uwzględnieniem trendu w sztukach pięknych naszych czasów. Zadania pracy metodycznej:

Poszerzanie i wzbogacanie wiedzy i pomysłów dzieci w zakresie umiejętności wizualnych, koloru, kształtu.

Rozwijanie zdolności estetycznych, kształtowanie gustu artystycznego uczniów.

Naucz się stosować metodę demonstracyjną i technikę wizualizacji w nauczaniu (nie da się prowadzić zajęć bez tabel, modeli i rysunków).

Cele i zadania nauczania stylizacji.

Cele:

Rozwój artystyczny i estetyczny osobowości uczniów w oparciu o nabytą przez nich w procesie opanowywania programu stylizację, umiejętności i zdolności do przekładania swoich pomysłów na formy artystyczne.

Pomoc w kształtowaniu światopoglądu dziecka, pielęgnowaniu myślenia artystycznego i figuratywnego, gustu, postrzegania piękna w naturze.

Identyfikacja dzieci zdolnych w zakresie kompozycji dekoracyjnej, ich dalszy twórczy rozwój.

Zadania:

Wprowadzenie do technik stylizacji.

Dowiedz się, jak stylizować kształty roślin na różne sposoby.

Naucz się stosować techniki graficzne w stylizacjach.

Naucz się umiejętności samodzielnej pracy ze szkicami.

Nabycie przez studentów doświadczenia działalności twórczej.

3. Sztuka dekoracyjna i użytkowa, stylizacja w zdobnictwie.

Artyści sztuki i rzemiosła przez cały czas zwracali dużą uwagę na badanie różnych form świata roślin i ich przedstawianie na przedmiotach gospodarstwa domowego: naczyniach, tkaninach, produktach drewnianych i nie tylko.

Rzemieślnicy ludowi tworzyli zupełnie odmienne obrazy świata roślin na płaszczyźnie lub w formie trójwymiarowej, w oparciu o swoją wizję i zgodnie ze swoim gustem. Kwiaty i rośliny można było za ich pomocą przedstawić zarówno w formie rysunku liniowego, jak i w formie złożonej formy przestrzennej. Zależało to od stopnia stylizacji motywu naturalnego. Artystka nie wykorzystuje motywów natury do ozdabiania przedmiotów bez jakiegokolwiek stopnia stylizacji. Stylizacja, zmieniająca rzeczywisty wygląd przedstawianego, osiągana jest zawsze poprzez jego uogólnienie. Celem stylizacji jest przedstawienie uogólnionego i uproszczonego obrazu przedstawianego przedmiotu, uczynienie motywu bardziej zrozumiałym, jak najbardziej wyrazistym dla widza, a co ważne, artysta czuje się komfortowo w wykonaniu. Materiał, na którym zostanie wykonany obraz oraz miejsce przeznaczone na dekorację, zmuszają artystę do wyboru takiej czy innej opcji stylizacji.

Rośliny - kwiaty, liście, owoce można stylizować w sposób uproszczony, renderować w sposób naturalistyczny lub ich wizerunek może być skomplikowany. Liście przedstawiano jako masę liści, czasami osobno jako liść papirusu w Egipcie, liść laurowy i liść akantu w Grecji. Ulubionym motywem były kwiaty, na przykład lilia w sztuce Morza Egejskiego, róża w sztuce gotyckiej, lotos i lilia w sztuce egipskiej, chryzantema w Japonii itp.

W XVIII wieku sam mistrz wynalazł produkt i wykonywał go samodzielnie aż do ostatniej operacji. Tworząc wzór ozdobny, zawsze skupiał się na wizualnym wzorze kanonicznym. Wielcy mistrzowie renesansu we Włoszech wykonywali rysunki na gobeliny, tkaniny i ceramikę. Motywy malarskie tego okresu wyróżniają się realizmem i świąteczną kolorystyką.

Na początku XIX wieku w Europie wzrosło zainteresowanie motywami roślinnymi. Wizerunek roślin staje się odrębnym tematem w sztuce. Szkoły artystyczno-przemysłowe stają się coraz bardziej powszechne. Obsługa szybko rozwijającej się produkcji artykułów zdobionych ornamentami doprowadziła do pojawienia się pierwszych metod przedstawiania różnorodnych motywów, takich jak metoda „wyznaczania doskonałych form roślin” i stylizacja naturalnych szkiców roślin jako ozdób przeszłości. Jednocześnie zachowano kopiowanie przykładowych rysunków. Metoda ta jest klasyczna i istnieje w pierwszej połowie XIX wieku. Polegał on na wykorzystaniu jako motywu zdobniczego wyidealizowanej formy rośliny lub jej części, uzyskanej w wyniku twórczego uogólnienia form naturalnych. Forma roślinna, zgodnie z metodą „form doskonałych”, została zinterpretowana przez artystę, biorąc pod uwagę zdobnictwo minionych wieków i pewne prawa konstruowania artystycznego wizerunku roślin. Twórczą generalizację rozumiano w nim jako elementarną stylizację - schematyzację opartą na podobieństwie zarysu kwiatu, liścia, owocu o różnych kształtach geometrycznych (trójkąt, kwadrat, koło itp.).

W drugiej połowie XIX wieku większość dzieł sztuki użytkowej została przesycona ornamentyką roślinną, co spowodowało powtórzenie opracowanych wcześniej motywów. Nadzieje na odnowienie motywów zdobniczych zaczęto wiązać z rosnącym ruchem „powrotu do natury”. Są zadania polegające na rysowaniu roślin z natury.

W Niemczech i Austrii wydawane są książki i podręczniki dotyczące rysowania i stylizacji roślin, w szczególności: „Kwiaty i ozdoby” Karla Krumboltsa, „Rośliny w sztuce” Josepha Rittera von Stocka, „Rysowanie roślin stylizowanych i naturalnych” Johanna Stauffagera, „Formy roślin. Próbki i wykorzystanie roślin w zdobnictwie” Meurer.

Wykonali szkice dwóch typów. Pierwszy typ obejmuje szkice grup roślin z zachowaniem wszelkich przypadkowych kątów, proporcji, kolorów. Drugi typ wyróżnia się tym, że kąty przedstawiania roślin dobierane są z uwzględnieniem większej identyfikacji cech. Praca opatrzona jest świetną analizą projektu i rysunku. Ozdobność uzyskano poprzez spłaszczenie naturalnego obrazu poprzez wprowadzenie konturu o tej samej grubości, równomiernego wypełnienia kolorem, bez przepuszczania światłocienia.

M. Meurerowi udało się połączyć wszystkie zgromadzone osiągnięcia w jedną metodę. Kurs porównawczy form roślinnych Meurera obejmował: teoretyczne studium podstaw botaniki, czerpanie roślin z życia, rysowanie zielnika, kopiowanie dawnych ozdób. Następnie uczniowie mogli przejść do modyfikowania naturalnych form roślinnych w artystyczne, bazując na swojej wyobraźni. Jednocześnie w procesie przekształcania form roślin należało pomyśleć nie tylko o pięknie, ale także wziąć pod uwagę materiał, z którego wykonana będzie ozdoba, a także same rośliny, kwiaty i liście, powinien być rozpoznawalny.

Zatem,celkreatywna stylizacja w sztuce i rzemiośle - to stworzenie nowego obrazu artystycznego, który zwiększył wyrazistość i dekoracyjność oraz stoi ponad naturą, ponad realnymi przedmiotami otaczającego świata.

4. Zasady stylizacji form roślinnych. Koncepcja stylizacji.

Czym zatem jest stylizacja?Termin „stylizacja” utożsamiany jest w sztukach wizualnych z pojęciem „dekoracji”.

Stylizacja – jest to celowe naśladownictwo lub swobodna interpretacja języka artystycznego dowolnego stylu charakterystycznego dla danego autora, nurtu, kierunku, szkoły narodowej itp. w innym sensie, mającym zastosowanie wyłącznie do sztuk plastycznych,stylizacja - dekoracyjne uogólnienie przedstawionych postaci i przedmiotów przy użyciu szeregu konwencjonalnych technik, uproszczenie wzoru i kształtu, proporcji objętościowych i kolorystycznych. W sztuce dekoracyjnej stylizacja jest naturalnym sposobem rytmicznej organizacji całości; najbardziej typowa stylizacja na ornament, w której przedmiot obrazu staje się motywem wzoru.

Zajęcia ze stylizacji są jednymi z najważniejszych w procesie kształtowania artystycznego myślenia figuratywnego studentów. Jak pokazuje praktyka, zajęcia stylizacyjne muszą być prowadzone w ścisłej współpracy z akademickim rysunkiem i malarstwem, a także powiązaniami interdyscyplinarnymi, np. z kompozycją, nauką o kolorze.

Nauczyciele stoją przed ważnym zadaniem – dziecko musi przyjrzeć się rzeczom, zjawiskom, które nas otaczają, przeanalizować wewnętrzną strukturę, stan przedmiotu, aby móc go przekształcać, modyfikować, upraszczać, czynić go wygodniejszym, a w końcu stworzyć nowy, autorski model. Dlatego należy pomóc uczniom w rozwinięciu planarno-ozdobnej wizji natury oraz myślenia figuratywno-skojarzeniowego.

Pojęcie stylizacji i stylu

Stylizacjajak proces pracy polega na dekoracyjnym uogólnieniu przedstawionych obiektów (figur, przedmiotów) za pomocą szeregu warunkowych metod zmiany kształtu, relacji objętościowych i kolorystycznych.

Stylizację można podzielić na dwa typy:

a) powierzchnia zewnętrzna , który nie ma indywidualnego charakteru, ale zakłada obecność gotowego wzoru do naśladowania lub elementów już stworzonego stylu (na przykład panel dekoracyjny wykonany technikami malarstwa Khokhloma);

b) dekoracyjne , w którym wszystkie elementy dzieła podlegają warunkom już istniejącego zespołu artystycznego (na przykład panel dekoracyjny podporządkowany wcześniej opracowanemu środowisku wewnętrznemu).

Stylizacja dekoracyjna różni się od stylizacji w ogóle powiązaniem z otoczeniem przestrzennym. Dlatego dla pełnej jasności problemu rozważmy koncepcję dekoracyjności. Dekoracyjność jest zwykle rozumiana jako wartość artystyczna dzieła, która powstaje w wyniku zrozumienia przez autora relacji jego dzieła z otoczeniem przedmiotowo-przestrzennym, dla którego jest przeznaczone. W tym przypadku pomyślany i zrealizowany jest odrębny utwór, będący elementem szerszej całości kompozycyjnej. Można tak powiedziećstyl to artystyczne przeżycie czasu, a dekoracyjna stylizacja to artystyczne doświadczenie przestrzeni.

Stylizacja form naturalnych

Stylizację form naturalnych można rozpocząć od wizerunku roślin. Mogą to być kwiaty, zioła, drzewa, mchy, porosty w połączeniu z owadami i ptakami.

Na przykład kłujący oset wyróżnia się obecnością cierni i kanciastością w kształcie liści, dlatego podczas szkicowania można używać ostrych narożników, prostych linii, złamanej sylwetki, stosować kontrasty w graficznym przetwarzaniu kształtu, linii i punktowe, jasne i ciemne, z kolorystyką - kontrast i różne tonacje

Ten sam motyw można przekształcać na różne sposoby: blisko natury lub w formie jej podpowiedzi, skojarzeniowo; Należy jednak unikać zbyt naturalistycznej interpretacji i skrajnego schematyzmu pozbawiającego uznanie. Można wziąć jedną cechę i uczynić ją dominującą, natomiast kształt obiektu zmienia się w kierunku cechy charakterystycznej tak, że staje się ona symboliczna.

Podkreślmy podstawowe wymagania dotyczące szkicowania form naturalnych:

Rozpoczynając pracę, ważne jest, aby zidentyfikować najbardziej wyraźne cechy kształtu rośliny, jej zwierzęcą sylwetkę, skrócone zakręty.

Układając motywy należy zwrócić uwagę na ich orientację plastyczną (pionowa, pozioma, ukośna) i odpowiednio rozmieścić rysunek.

Ważne jest nie tylko naszkicowanie tego, co się widzi, ale odnalezienie rytmu i ciekawych ugrupowań form, dokonując selekcji widocznych detali w przedstawionym na arkuszu otoczeniu.

Główne wspólne cechy powstające w procesie stylizacji dla przedmiotów i elementów kompozycji dekoracyjnej, jestprostota form, ich uogólnienie i symbolika, ekscentryczność, geometryczność, barwność, zmysłowość.

Stylizację dekoracyjną cechuje przede wszystkim uogólnienie i symbolika przedstawianych przedmiotów i form. Ta metoda artystyczna zakłada świadome odrzucenie całkowitej autentyczności obrazu i jego szczegółowych szczegółów.Metoda stylizacji wymaga oddzielenia od obrazu wszystkiego, co zbędne, wtórne, zakłócające wyraźną percepcję wzrokową, aby wydobyć istotę przedstawianych obiektów, wydobyć to, co w nich najważniejsze, zwrócić uwagę widza na ukryte wcześniej piękno i wywołać odpowiadające mu żywe emocje w nim.

Aby wyraźniej i bardziej zmysłowo oddać istotę stylizowanego przedmiotu, oddziela się od niego i usuwa wszystko, co niepotrzebne, zbędne i wtórne.Wykorzystuje się ich najbardziej charakterystyczne i najbardziej rzucające się w oczy cechy, przy czym z reguły cechy charakterystyczne przedstawianego przedmiotu są w różnym stopniu wyolbrzymiane, a czasem zniekształcane w celu stworzenia abstrakcji. W przypadku takich artystycznych przesady naturalne formy (na przykład kształty liści) zbliżone do geometrycznych zostają ostatecznie zamienione na geometryczne, wszelkie formy wydłużone są jeszcze bardziej rozciągane, a zaokrąglone zaokrąglane lub ściskane. Bardzo często spośród kilku charakterystycznych cech stylizowanego przedmiotu wybiera się jedną i dominuje, inne zaś cechy charakterystyczne przedmiotu są zmiękczane, uogólniane, a nawet całkowicie odrzucane. W efekcie dochodzi do świadomego zniekształcenia i zniekształcenia wielkości i proporcji przedstawianych obiektów przyrodniczych, które ma na celu: zwiększenie efektu dekoracyjnego, zwiększenie wyrazistości (ekspresji), ułatwienie i przyspieszenie percepcji widza. zamierzenie autora. W tym procesie twórczym spontanicznie powstaje sytuacja, w której im bardziej obraz zbliża się do istoty natury przedmiotu, tym bardziej staje się uogólniony i warunkowy. Z reguły stylizowany obraz można następnie łatwo przekształcić w abstrakcyjny.

Efektem twórczej stylizacji jest obraz przedmiotu o uogólnionych cechach, które nadają obrazowi symbolikę.

Wszystkie rodzaje i metody stylizacji obiektów naturalnych opierają się na jednej zasadzie obrazowej -przemiana artystyczna rzeczywistych obiektów naturalnych za pomocą różnorodnych środków wizualnych i technik wizualnych.

Artystyczne przekształcanie obiektów przyrodniczych ma główny cel - przekształcenie rzeczywistych form naturalnych w stylizowane lub abstrakcyjne, obdarzone ekspresją i emocjonalnością takiej mocy,jasność i zapamiętywalność, które są nieosiągalne w realistycznych obrazach.

Podsumowanie lekcji na temat: „Stylizacja form roślinnych w ozdobniku wstążkowym na lekcjach kompozycji dekoracyjnej”.

Temat lekcji : "Stylizacja form roślinnych w ornamencie pasiastym"

Cele Lekcji:

Edukacyjny: zapoznaćstudencize specyfiką stylizacji form roślinnych, ujawnić koncepcję „stylizacji”, opowiedzieć wszystko o ozdóbce, jego rodzaje. Opanowanie stylizacji jako sposobu przełożenia zewnętrznych form roślin na motywy zdobnicze.

Organizacja ozdoby wstążkowej składającej się z motywów roślinnych uzyskanych w procesie stylizacji.

Opracowanie: brać w czymś udziałrozwój twórczego myślenia i umożliwienie jego realizacji poprzez stworzenie w klasie warunków do wyboru twórczego rozwiązania własnej kompozycji z motywem roślinnym,poszerzanie horyzontów i wiedzy studentów z zakresu kompozycji dekoracyjnej.

Edukacyjny: zaszczepić uczniom poczucie miłości do sztuki, ukształtować poczucie kompozycji, zaszczepić dokładność w wykonywaniu pracy.

Zadania:

1. Napraw koncepcję „ozdoby”.

2. Podaj koncepcję stylizacji.

3. Badanie struktury form roślinnych.

4. Nauczyć stylizacji tych form roślinnych za pomocą środków wyrazu graficznego.

5. Napraw pojęcia symetrii, asymetrii.

6. Rozwój poczucia rytmu.

Metody: werbalne, wizualne,praktyczny.

Etapy pracy:

1. Przeanalizuj strukturę tej formy rośliny (w jakich kształtach geometrycznych można ją przedstawić na obrazku).

2. Stylizuj tę formę rośliny za pomocą wyrażeń graficznych:

Utwórz linearny obraz motywu zdobniczego w oparciu o elementy geometryczne (figury).

Utwórz obraz motywu dekoracyjnego na podstawie plamy.

3. Korzystając z powstałego obrazu, utwórz motyw kwiatowy, który będzie relacją do ozdoby wstążkowej (praca na szkicu).

4. Powiększ obraz ozdoby. Ozdobę należy ograniczyć do 2-3 powtarzających się motywów roślinnych (raportów).

5. Zrób kolorowy obraz ozdoby.

Postęp kursu.

Zgłoszenie tematu, omówienie celu lekcji. Więc,Dzisiajtemat naszej lekcji: „Stylizacja form roślinnych w ozdobniku wstążkowym”.

Celem lekcji jest zapoznanie się ze specyfiką stylizacji form roślinnych i zastosowanie zdobytej wiedzy w praktyce. Najpierw przypomnimy sobie, czym jest ozdoba i jej rodzaje, a następnie przejdziemy do stylizacji. Ozdoba to dekoracja.Pochodzenie ozdoby nie jest pewne. Pojawienie się ozdoby ma swoje korzenie głęboko w wiekach. Ozdoba to niezawodny znak, że dzieło należy do określonego czasu, ludzi, kraju.

Ozdoba to wzór zbudowany na rytmicznej powtarzalności elementów geometrycznych – motywów roślinnych, zwierzęcych itp., przeznaczony do ozdabiania różnorodnych rzeczy (przedmiotów gospodarstwa domowego, mebli, odzieży, broni, architektury).

W zależności od motywu ozdoby dzieli się na: geometryczne, kwiatowe, zwierzęce, antropomorficzne itp. Rozważymy dekorację kwiatową. Ozdoby roślinne bazują na roślinach faktycznie występujących w przyrodzie: kwiatach, liściach, owocach itp. Ze względu na skład ozdoby dzielą się na kilka rodzajów: w pasku (co z tobą zrobimy), w kwadracie, w prostokącie, w okręgu. Na tej podstawie wyróżnia się trzy rodzaje ozdób: liniowe, komórkowe, zamknięte.

Ozdoby liniowe to ozdoby w pasie z liniową przemianą motywu.

Ozdoby komórkowe to motyw powtarzający się zarówno w pionie, jak i w poziomie. Ta ozdoba jest nieskończona we wszystkich kierunkach.

Zamknięte ozdoby układają się w prostokąt, kwadrat, okrąg.

Patrząc na te wszystkie ozdoby, zauważamy, że naturalna forma, siłą wyobraźni za pomocą warunkowych linii, plam, zamienia się w coś nowego. Domyślamy się, jaka to roślina, choć to wciąż nie to samo, co w naturze. Istniejąca forma zostaje uproszczona do postaci geometrycznej uogólnionej w granicach. Pozwala to na wielokrotne powtarzanie motywu ozdoby bez dodatkowego wysiłku. To, co utraciła naturalna forma podczas uproszczeń i uogólnień, doprowadziło do płaskości obrazu. Na tym właśnie polega stylizacja - dekoracyjne uogólnienie, uproszczenie, spłaszczenie ukazanych obiektów, poprzez zmianę kształtu i koloru.

Jak naturalne formy zamieniają się w motywy zdobnicze? Najpierw powstaje szkic z natury. Dalej - reinkarnacja - przejście od szkicu do formy warunkowej. Konieczne jest uproszczenie, rozłożenie obrazu na proste kształty geometryczne. To transformacja, stylizacja motywu. Stylizacja zakłada odwrócenie uwagi od cech nieistotnych i skupienie się na cechach bardziej znaczących, przekazujących istotę (np. kolczasty oset). Z jednego szkicu można stworzyć różne ozdoby. Następnie powtarzając motyw powstaje Twoja własna, niepowtarzalna ozdoba.

Wstępne prace szkicowe to bardzo ważny etap w tworzeniu rysunku stylizowanej kompozycji. Praca na lekcji przebiega w dwóch etapach: w pierwszym uczniowie wykonują szkic z natury, a w drugim przekładają go na formę geometryczną. Roślina ta powinna być rozpoznawalna.

Po pełnym przedstawieniu ozdoby zaczynamy myśleć o kolorze. Kolor jest jednym z ważnych środków zdobniczych i jest ściśle powiązany z kompozycją. Kombinacje kolorów można rytmicznie powtarzać. jak również elementy formy. Mogą być ostre, kontrastowe lub miękkie. Kontrastowe zestawienia powstają poprzez zastosowanie kolorów o różnej jasności i nasyceniu. Największy kontrast tworzy połączenie czerni z jasnymi kolorami. Łagodniejsza kombinacja tworzy połączenie z szarością. Kolory uzupełniające, odcienie ciepłe i zimne są ostro oddzielone kontrastem. Miękkość barw osiąga się poprzez kolory przyjęte w różnych tonacjach. Kolorowe kombinacje można tworzyć z różnymi odcieniami tego samego koloru.

1. Przykład przełożenia szkicu kwiatu z natury na stylizowany kształt geometryczny na lekcji kompozycji dekoracyjnej, bez naruszania wizerunku tej rośliny.

Sylwetka powinna wpisywać się w proste geometryczne kształty.

Opracowując motyw zdobniczy, wskazane jest przekształcenie formy wolumetryczno-przestrzennej w płaską. Jeśli potrzebujesz obrazu trójwymiarowego, pamiętaj o zastosowaniu uogólnień, konwencji.

2. Przykład kwiatu Trandoon stylizowanego na różne kształty na lekcji kompozycji dekoracyjnej. Ważne jest nie tylko naszkicowanie tego, co się widzi, ale odnalezienie rytmu i ciekawych ugrupowań form (łodygi, liście), dokonanie selekcji widocznychDetalew środowisku przedstawionym na arkuszu.

Ten sam motyw można przekształcić na różne sposoby: blisko natury lub w formie jej nuty,asocjacyjny; jednak żadna roślina nie powinna być pozbawiona uznania podczas stylizacji (materiał poglądowy - zdjęcia i rysunki z przykładami stylizacji roślin).

Podczas pracy nadszkice motywów (kwiat.) należy zwrócić uwagę na jego charakterystyczne, najbardziej uderzające cechy, porzucając szczegóły drugorzędne. Jednocześnie cechy kwiatu można maksymalnie wyolbrzymić i sprowadzić do poziomu ikonicznego.

Jak zmienić kształt obiektu? Na przykład, jeśli dzwon ma wydłużony kształt, można go aktywniej wydłużać, a kwiat mniszka lekarskiego o kształcie zbliżonym do koła można maksymalnie zaokrąglić.

Ważne jest również zwrócenie uwagi na kąt przedstawianego obiektu. Nakompozycja statyczna wskazane jest unikanie trzech czwartych zwojów i stosowanie widoku z góry lub z boku, umieszczając motyw wzdłuż osi pionowej lub poziomej.

Wdynamiczna kompozycja rozsądniej jest używać kątów i nachyleń.

Transformacji podlega także barwa i barwa kompozycji zdobniczej. Może być warunkowy, całkowicie oderwany od wersji naturalnej.

Prace dzieci wykonane na lekcjach kompozycji.