Sztukę europejską końca XIX wieku wzbogaciło pojawienie się modernizmu, którego wpływy rozprzestrzeniły się później na muzykę i literaturę. Nazywano go „impresjonizmem”, ponieważ opierał się na najsubtelniejszych wrażeniach, obrazach i nastrojach artysty.
Początki i historia
W drugiej połowie XIX wieku grupę tworzyło kilku młodych artystów. Mieli wspólny cel i te same zainteresowania. Najważniejszą rzeczą dla tej firmy była praca na łonie natury, bez ścian warsztatowych i różnych czynników ograniczających. W swoich obrazach starali się przekazać całą zmysłowość, wrażenie gry światła i cienia. Krajobrazy i portrety odzwierciedlały jedność duszy z Wszechświatem, z otaczającym światem. Ich obrazy to prawdziwa poezja kolorów.
W 1874 r. odbyła się wystawa tej grupy artystów. Krajobraz – Claude Monet „Impresja. Wschód słońca” przykuł uwagę krytyka, który w swojej recenzji po raz pierwszy nazwał tych twórców impresjonistami (od francuskiego impresja – „impresja”).
Warunkiem narodzin stylu impresjonizmu, którego obrazy wkrótce odniosą niesamowity sukces, były dzieła renesansu. Twórczość Hiszpanów Velazqueza, El Greco, angielskiego Turnera, Constable'a bezwarunkowo wpłynęła na Francuzów, którzy byli twórcami impresjonizmu.
Wybitnymi przedstawicielami stylu we Francji byli Pissarro, Manet, Degas, Sisley, Cézanne, Monet, Renoir i inni.
Filozofia impresjonizmu w malarstwie
Artyści malujący w tym stylu nie postawili sobie za zadanie zwrócenia uwagi opinii publicznej na kłopoty. W ich pracach nie można znaleźć tematów aktualnych, nie można otrzymać lekcji moralnej ani dostrzec ludzkich sprzeczności.
Obrazy w stylu impresjonistycznym mają na celu oddanie chwilowego nastroju, rozwijając kolorystykę o tajemniczym charakterze. W pracach jest miejsce tylko na pozytywny początek, mrok unikał impresjonistów.
Właściwie impresjoniści nie zawracali sobie głowy przemyśleniem fabuły i szczegółów. Najważniejszym czynnikiem nie było to, co narysować, ale jak przedstawić i przekazać swój nastrój.
Technika malarska
Różnica między akademickim stylem rysunku a techniką impresjonistów jest kolosalna. Po prostu porzucili wiele metod, a niektóre zmienili nie do poznania. Oto innowacje, które wprowadzili:
- Porzuciliśmy obwód. Zastąpiono go kreskami - małymi i kontrastowymi.
- Przestaliśmy używać palet dla kolorów, które się uzupełniają i nie wymagają łączenia, aby uzyskać określony efekt. Na przykład żółty jest fioletowy.
- Przestałam malować na czarno.
- Całkowicie porzucili pracę w warsztatach. Malowali wyłącznie w plenerze, aby łatwiej było uchwycić chwilę, obraz, uczucie.
- Stosowano wyłącznie farby o dobrej sile krycia.
- Nie czekaliśmy, aż nowa warstwa wyschnie. Natychmiast zastosowano świeże pociągnięcia.
- Stworzyli cykle prac podążających za zmianami światła i cienia. Na przykład „Stogi siana” Claude’a Moneta.
Oczywiście nie wszyscy artyści podążali dokładnie za cechami stylu impresjonistycznego. Na przykład obrazy Edouarda Maneta nigdy nie brały udziału we wspólnych wystawach, pozycjonował się jako odrębny artysta. Edgar Degas pracował wyłącznie w warsztatach, ale nie wpłynęło to na jakość jego dzieł.
Przedstawiciele francuskiego impresjonizmu
Pierwsza wystawa dzieł impresjonistów datuje się na rok 1874. 12 lat później odbyła się ich ostatnia wystawa. Pierwszą pracę w tym stylu można nazwać „Lunchem na trawie” E. Maneta. Obraz ten prezentowany był w „Salonie Odrzuconych”. Spotkało się to z wrogością, gdyż bardzo odbiegało od kanonów akademickich. Dlatego Manet staje się postacią, wokół której skupia się grono wyznawców tego nurtu stylistycznego.
Niestety współcześni nie docenili takiego stylu jak impresjonizm. Obrazy i artyści istnieli w niezgodzie ze sztuką oficjalną.
Stopniowo w gronie malarzy na pierwszy plan wysunął się Claude Monet, który później stał się ich przywódcą i głównym ideologiem impresjonizmu.
Claude Monet (1840–1926)
Twórczość tego artysty można określić jako hymn na cześć impresjonizmu. To on jako pierwszy porzucił w swoich obrazach czerń, powołując się na fakt, że nawet cienie i noc mają inną tonację.
Świat na obrazach Moneta to niewyraźne kontury, przestrzenne kreski, patrząc na nie, można poczuć całe spektrum gry kolorów dnia i nocy, pór roku i harmonii podksiężycowego świata. Tylko moment wyrwany z biegu życia, w rozumieniu Moneta, to impresjonizm. Jego obrazy wydają się pozbawione materialności, wszystkie nasycone są promieniami światła i prądami powietrza.
Claude Monet stworzył niesamowite dzieła: „Gare Saint-Lazare”, „Katedra w Rouen”, cykl „Most Charing Cross” i wiele innych.
August Renoir (1841-1919)
Kreacje Renoira sprawiają wrażenie niezwykłej lekkości, zwiewności i eteryczności. Fabuła narodziła się jakby przez przypadek, ale wiadomo, że artysta dokładnie przemyślał wszystkie etapy swojej pracy i pracował od rana do wieczora.
Cechą charakterystyczną twórczości O. Renoira jest zastosowanie glazury, możliwe jedynie w malarstwie.Impresjonizm w twórczości artysty przejawia się w każdym pociągnięciu. Postrzega człowieka jako cząstkę samej natury, dlatego tak wiele obrazów przedstawiających akty.
Ulubioną rozrywką Renoira było przedstawianie kobiety w całej jej atrakcyjnej i atrakcyjnej urodzie. Portrety zajmują szczególne miejsce w życiu twórczym artysty. „Parasole”, „Dziewczyna z wachlarzem”, „Śniadanie wioślarzy” to tylko niewielka część niesamowitej kolekcji obrazów Auguste'a Renoira.
Georges Seurat (1859-1891)
Seurat wiązał proces powstawania obrazów z naukowym uzasadnieniem teorii koloru. Środowisko lekko-powietrzne zostało narysowane w oparciu o zależność tonów głównych i dodatkowych.
Pomimo tego, że J. Seurat jest przedstawicielem ostatniego etapu impresjonizmu, a jego technika pod wieloma względami różni się od twórców, w ten sam sposób tworzy za pomocą pociągnięć iluzoryczne przedstawienie formy przedmiotu, które można oglądać i widzieć tylko z daleka.
Obrazy „Niedzielne popołudnie”, „Kanan”, „Modele” można nazwać arcydziełami kreatywności.
Przedstawiciele rosyjskiego impresjonizmu
Rosyjski impresjonizm powstał niemal spontanicznie, mieszając wiele zjawisk i metod. Podstawą jednak, podobnie jak u Francuzów, była naturalna wizja procesu.
W rosyjskim impresjonizmie, choć zachowano cechy Francuzów, osobliwości narodowej natury i stanu ducha dokonały znaczących zmian. Na przykład wizje śniegu czy północnych krajobrazów wyrażano nietypowymi technikami.
W Rosji niewielu artystów tworzyło w stylu impresjonistycznym, a ich obrazy do dziś przyciągają uwagę.
Okres impresjonizmu można wyróżnić w twórczości Walentina Serowa. Jego „Dziewczyna z brzoskwiniami” jest najwyraźniejszym przykładem i standardem tego stylu w Rosji.
Obrazy urzekają świeżością i harmonią czystych barw. Głównym tematem twórczości tego artysty jest ukazanie człowieka w naturze. „Północna sielanka”, „W łodzi”, „Fedor Chaliapin” to jasne kamienie milowe w twórczości K. Korovina.
Impresjonizm w czasach nowożytnych
Obecnie ten kierunek w sztuce zyskał nowe życie. Kilku artystów maluje swoje obrazy w tym stylu. Współczesny impresjonizm istnieje w Rosji (Andre Cohn), we Francji (Laurent Parselier), w Ameryce (Diana Leonard).
Andre Cohn to najwybitniejszy przedstawiciel nowego impresjonizmu. Jego obrazy olejne zachwycają prostotą. Artystka widzi piękno w codziennych rzeczach. Twórca interpretuje wiele obiektów przez pryzmat ruchu.
Akwarele Laurenta Parseliera zna cały świat. Jego cykl prac „Dziwny świat” ukazał się w formie pocztówek. Wspaniałe, żywe i zmysłowe, zapierają dech w piersiach.
Podobnie jak w XIX wieku, obecnie artyści zajmują się malarstwem plenerowym. Dzięki niej impresjonizm będzie żył wiecznie. artyści nadal są inspirowani, pod wrażeniem i zachęcani.
Zaledwie rok temu określenie „rosyjski impresjonizm” brzmiało w uszach przeciętnego obywatela naszego rozległego kraju. Każdy wykształcony człowiek zna lekki, jasny i szybki francuski impresjonizm, potrafi odróżnić Moneta od Maneta i rozpoznać słoneczniki Van Gogha ze wszystkich martwych natur. Ktoś słyszał coś o amerykańskiej gałęzi rozwoju tego kierunku malarstwa - bardziej miejskich pejzaży Hassama i portretów Chase'a w porównaniu do francuskich. Ale badacze wciąż spierają się o istnienie rosyjskiego impresjonizmu.
Konstanty Korowin
Historia rosyjskiego impresjonizmu rozpoczęła się od obrazu „Portret chórzystki” Konstantina Korovina, a także od niezrozumienia i potępienia opinii publicznej. Widząc to dzieło po raz pierwszy, I. E. Repin nie od razu uwierzył, że dzieło to wykonał rosyjski malarz: „Hiszpan! Widzę. Pisze odważnie i soczyście. Wspaniały. Ale to tylko malowanie dla samego malowania. Hiszpan jednak z temperamentem...” Sam Konstantin Aleksiejewicz zaczął malować swoje płótna w sposób impresjonistyczny już w latach studenckich, nie znając malarstwa Cezanne'a, Moneta i Renoira na długo przed wyjazdem do Francji. Dopiero dzięki doświadczonemu oku Polenowa Korowin dowiedział się, że posługuje się ówczesną francuską techniką, do której doszedł intuicyjnie. Jednocześnie rosyjskiego artystę zdradzają tematy, których używa w swoich obrazach - uznane arcydzieło „Północna sielanka”, namalowane w 1892 roku i przechowywane w Galerii Trietiakowskiej, ukazuje nam miłość Korovina do rosyjskich tradycji i folkloru. Tę miłość zaszczepił artyście „krąg Mamontowa” - społeczność twórczej inteligencji, w skład której wchodzili Repin, Polenow, Wasniecow, Vrubel i wielu innych przyjaciół słynnego filantropa Savvy Mamontowa. W Abramcewie, gdzie znajdowała się posiadłość Mamontowa i gdzie gromadzili się członkowie środowiska artystycznego, Korovin miał szczęście spotkać się i współpracować z Walentinem Serowem. Dzięki tej znajomości twórczość uznanego już artysty Serowa nabrała cech lekkiego, jasnego i szybkiego impresjonizmu, co widzimy w jednym z jego wczesnych dzieł - „Otwarte okno. Liliowy".
Portret chórzystki, 1883
Północna idylla, 1886
Czeremcha, 1912
Gurzuf 2, 1915
Molo w Gurzuf, 1914
Paryż, 1933
Walenty Sierow
Malarstwo Sierowa jest przesiąknięte cechą właściwą tylko rosyjskiemu impresjonizmowi - jego obrazy odzwierciedlają nie tylko wrażenie tego, co widział artysta, ale także stan jego duszy w tej chwili. Na przykład na obrazie „Plac św. Marka w Wenecji”, namalowanym we Włoszech, dokąd Sierow udał się w 1887 roku z powodu poważnej choroby, dominują zimne odcienie szarości, co daje nam wyobrażenie o kondycji artysty. Ale pomimo dość ponurej palety obraz jest standardowym dziełem impresjonistycznym, ponieważ Sierowowi udało się uchwycić prawdziwy świat w jego mobilności i zmienności oraz przekazać swoje ulotne wrażenia. W liście do narzeczonej z Wenecji Sierow napisał: „W obecnym stuleciu piszą wszystko, co trudne, a nic radosnego. Chcę, chcę, rzeczy satysfakcjonujących i będę pisać tylko rzeczy satysfakcjonujące.
Otwórz okno. Liliowy, 1886
Plac Świętego Marka w Wenecji, 1887
Dziewczyna z brzoskwiniami (Portret V. S. Mamontowej)
Koronacja. Bierzmowanie Mikołaja II w katedrze Wniebowzięcia, 1896
Dziewczyna oświetlona przez słońce, 1888
Kąpiel konia, 1905
Aleksander Gierasimow
Jednym z uczniów Korovina i Sierowa, który przyjął ich ekspresyjne malowanie pędzlem, jasną paletę i szkicowy styl malarstwa, był Aleksander Michajłowicz Gerasimow. Twórczość artysty rozkwitła w czasie rewolucji, co nie mogło nie znaleźć odzwierciedlenia w tematach jego obrazów. Pomimo tego, że Gierasimow oddał swój pędzel na służbę partii i zasłynął dzięki wybitnym portretom Lenina i Stalina, nadal pracował nad bliskimi mu impresjonistycznymi pejzażami. Praca Aleksandra Michajłowicza „Po deszczu” ukazuje nam artystę jako mistrza przekazywania powietrza i światła na obrazie, co Gierasimow zawdzięcza wpływowi swoich wybitnych mentorów.
Artyści w daczy Stalina, 1951
Stalin i Woroszyłow na Kremlu, lata 50. XX wieku
Po deszczu. Mokry taras, 1935
Martwa natura. Bukiet polny, 1952
Igor Grabar
Mówiąc o późnym impresjonizmie rosyjskim, nie sposób nie zwrócić uwagi na twórczość wielkiego artysty Igora Emmanuilovicha Grabara, który dzięki licznym podróżom po Europie przejął wiele technik malarzy francuskich drugiej połowy XIX wieku. Korzystając z technik klasycznych impresjonistów, Grabar w swoich obrazach przedstawia absolutnie rosyjskie motywy pejzażowe i sceny codzienne. Podczas gdy Monet maluje kwitnące ogrody Giverny, a Degas piękne baletnice, Grabar w tych samych pastelowych kolorach przedstawia surową rosyjską zimę i życie na wsi. Przede wszystkim Grabar uwielbiał przedstawiać szron na swoich płótnach i poświęcił mu cały zbiór prac, składający się z ponad stu małych, wielobarwnych szkiców tworzonych o różnych porach dnia i przy różnej pogodzie. Trudność w pracy nad takimi rysunkami polegała na tym, że farba zamarzała na mrozie, więc musieliśmy pracować szybko. Ale to właśnie pozwoliło artyście odtworzyć „ten moment” i przekazać swoje wrażenia z niego, co jest główną ideą klasycznego impresjonizmu. Styl malarski Igora Emmanuilovicha nazywany jest często naukowym impresjonizmem, ponieważ przywiązywał on dużą wagę do światła i powietrza na płótnach oraz stworzył wiele badań nad transmisją kolorów. Jemu też zawdzięczamy chronologiczny układ obrazów Galerii Trietiakowskiej, której był dyrektorem w latach 1920-1925.
Aleja Brzozowa, 1940 rok
Pejzaż zimowy, 1954
Mróz, 1905
Gruszki na niebieskim obrusie, 1915
Narożnik osiedla (Promień słońca), 1901 r
Jurij Pimenow
Zupełnie nieklasyczny, ale jednak impresjonizm rozwinął się w czasach sowieckich, którego wybitnym przedstawicielem jest Jurij Iwanowicz Pimenow, który po pracy w stylu ekspresjonizmu zaczął przedstawiać „ulotne wrażenie w kolorach łóżka”. Jednym z najsłynniejszych dzieł Pimenowa jest obraz „Nowa Moskwa” z lat 30. XX wieku – jasny, ciepły, jakby namalowany zwiewnymi pociągnięciami pędzla Renoira. Ale jednocześnie fabuła tego dzieła jest całkowicie niezgodna z jedną z głównych idei impresjonizmu - odmową wykorzystywania tematów społecznych i politycznych. „Nowa Moskwa” Pimenowa doskonale odzwierciedla zmiany społeczne w życiu miasta, które zawsze inspirowały artystę. „Pimenow kocha Moskwę, jej nowość, jej mieszkańców. Malarz hojnie daje widzowi to uczucie” – pisze w 1973 roku artysta i badacz Igor Dołgopołow. I rzeczywiście, patrząc na obrazy Jurija Iwanowicza, jesteśmy przesiąknięci miłością do sowieckiego życia, nowych dzielnic, lirycznych parapetów i urbanistyki, uchwyconej w technice impresjonizmu.
Twórczość Pimenowa po raz kolejny udowadnia, że wszystko „rosyjskie” przywiezione z innych krajów ma swoją szczególną i niepowtarzalną ścieżkę rozwoju. Podobnie francuski impresjonizm w Imperium Rosyjskim i Związku Radzieckim wchłonął cechy rosyjskiego światopoglądu, charakteru narodowego i sposobu życia. Impresjonizm jako sposób przekazywania jedynie postrzegania rzeczywistości w czystej postaci pozostał obcy sztuce rosyjskiej, ponieważ każdy obraz rosyjskich artystów jest pełen znaczenia, świadomości, stanu zmiennej rosyjskiej duszy, a nie tylko ulotnego wrażenia. Dlatego w najbliższy weekend, kiedy Muzeum Rosyjskiego Impresjonizmu ponownie zaprezentuje wystawę główną Moskalom i gościom stolicy, każdy znajdzie coś dla siebie wśród zmysłowych portretów Sierowa, urbanistyki Pimenowa i nietypowych dla Kustodiewa krajobrazów.
Nowa Moskwa
Parapetówka liryczna, 1965
Garderoba Teatru Bolszoj, 1972
Wczesny poranek w Moskwie, 1961 rok
Paryż. Rue Saint-Dominique. 1958
Stewardessa, 1964
Być może dla większości nazwiska Korovin, Serow, Gierasimow i Pimenow nadal nie są kojarzone z konkretnym stylem sztuki, ale Muzeum Rosyjskiego Impresjonizmu, otwarte w maju 2016 roku w Moskwie, mimo wszystko zgromadziło prace tych artystów pod jednym dachem.
Impresjonizm to kierunek w malarstwie, który narodził się we Francji w XIX-XX wieku i jest artystyczną próbą uchwycenia jakiegoś momentu życia w całej jego zmienności i mobilności. Obrazy impresjonistów są jak dobrze wyprana fotografia, ożywiająca w fantazji kontynuację widzianej historii. W tym artykule przyjrzymy się 10 najsłynniejszym impresjonistom na świecie. Na szczęście utalentowanych artystów jest znacznie więcej niż dziesięciu, dwudziestu, a nawet stu, więc skupmy się na tych nazwiskach, które zdecydowanie musisz znać.
Aby nie urazić ani artystów, ani ich wielbicieli, listę podano w rosyjskim porządku alfabetycznym.
1. Alfreda Sisleya
Ten francuski malarz angielskiego pochodzenia uważany jest za najsłynniejszego pejzażystę drugiej połowy XIX wieku. Jego kolekcja zawiera ponad 900 obrazów, z których najbardziej znane to „Wiejska aleja”, „Mróz w Louveciennes”, „Most w Argenteuil”, „Wczesny śnieg w Louveciennes”, „Trawniki na wiosnę” i wiele innych.
2. Van Gogha
Znany na całym świecie ze smutnej historii o swoim uchu (swoją drogą nie odciął sobie całego ucha, a jedynie płatek), Van Gon zyskał popularność dopiero po swojej śmierci. I w ciągu swojego życia udało mu się sprzedać jeden obraz na 4 miesiące przed śmiercią. Mówią, że był zarówno przedsiębiorcą, jak i księdzem, ale często z powodu depresji trafiał do szpitali psychiatrycznych, więc cały bunt jego istnienia zaowocował legendarnymi dziełami.
3. Kamil Pissarro
Pissarro urodził się na wyspie św. Tomasza, w rodzinie burżuazyjnych Żydów i był jednym z nielicznych impresjonistów, których rodzice wspierali jego pasję i wkrótce wysłali go na studia do Paryża. Przede wszystkim artysta lubił naturę, przedstawiał ją we wszystkich kolorach, a mówiąc ściślej, Pissarro miał szczególny talent do dobierania miękkości kolorów, zgodności, po czym na obrazach zdawało się pojawiać powietrze.
4. Claude Monet
Od dzieciństwa chłopiec zdecydował, że pomimo zakazów rodzinnych zostanie artystą. Po samodzielnej przeprowadzce do Paryża Claude Monet pogrążył się w szarej codzienności ciężkiego życia: dwa lata służby w siłach zbrojnych w Algierii, spory sądowe z wierzycielami z powodu biedy i choroby. Można jednak odnieść wrażenie, że trudności nie gnębiły, a wręcz przeciwnie, zainspirowały artystę do stworzenia tak żywych obrazów, jak „Impresja, wschód słońca”, „Domy parlamentu w Londynie”, „Most do Europy”, „Jesień w Argenteuil”, „Na brzegu” Trouville” i wiele innych.
5. Konstantin Korowin
Miło wiedzieć, że wśród Francuzów, rodziców impresjonizmu, z dumą możemy umieścić naszego rodaka, Konstantina Korovina. Namiętna miłość do natury pomogła mu intuicyjnie nadać statycznemu obrazowi niewyobrażalną żywotność, dzięki połączeniu odpowiednich kolorów, szerokości pociągnięć i doborowi tematu. Nie sposób przejść obojętnie obok jego obrazów „Molo w Gurzufie”, „Ryba, wino i owoce”, „Jesienny krajobraz”, „Księżycowa noc. Zima” oraz cykl jego prac poświęconych Paryżowi.
6. Paul Gauguin
Do 26 roku życia Paul Gauguin nawet nie myślał o malarstwie. Był przedsiębiorcą i miał dużą rodzinę. Kiedy jednak po raz pierwszy zobaczyłam obrazy Camille’a Pissarro, stwierdziłam, że na pewno zacznę malować. Z biegiem czasu styl artysty zmienił się, ale najsłynniejsze obrazy impresjonistyczne to „Ogród w śniegu”, „Na klifie”, „Na plaży w Dieppe”, „Akt”, „Palmy na Martynice” i inne.
7. Paul Cezanne
Cezanne, w przeciwieństwie do większości swoich kolegów, zasłynął już za życia. Udało mu się zorganizować własną wystawę i zarobić na niej znaczne dochody. O jego obrazach wiedzieli dużo – on jak nikt inny nauczył się łączyć grę światła i cienia, kładł duży nacisk na regularne i nieregularne kształty geometryczne, surowość tematu jego obrazów harmonizowała z romantyzmem.
8. Pierre Auguste Renoir
Do 20 roku życia Renoir pracował jako dekorator-fan dla swojego starszego brata, a dopiero potem przeniósł się do Paryża, gdzie poznał Moneta, Basila i Sisleya. Ta znajomość pomogła mu w przyszłości podążać ścieżką impresjonizmu i zyskać na niej sławę. Renoir znany jest jako autor portretów sentymentalnych, do jego najwybitniejszych dzieł należą „Na tarasie”, „Spacer”, „Portret aktorki Jeanne Samary”, „Loża”, „Alfred Sisley i jego żona”, „ Na huśtawce”, „Brodzik” i wiele innych.
9. Edgara Degasa
Jeśli nie słyszeliście nic o „Niebieskich tancerzach”, „Próbie baletowej”, „Szkole baletowej” i „Absyncie”, pospieszcie się i poznajcie twórczość Edgara Degasa. Dobór oryginalnych kolorów, niepowtarzalne motywy obrazów, wyczucie ruchu obrazu – to wszystko i wiele więcej uczyniło Degasa jednym z najbardziej znanych artystów na świecie.
10. Edouarda Maneta
Nie mylcie Maneta z Monetem - to dwie różne osoby, które pracowały w tym samym czasie i w tym samym kierunku artystycznym. Maneta zawsze pociągały sceny z życia codziennego, niezwykły wygląd i typy, jakby przypadkowo „łapane” chwile, uchwycone później przez wieki. Wśród słynnych obrazów Maneta: „Olimpia”, „Obiad na trawie”, „Bar w Folies Bergere”, „Flecista”, „Nana” i inne.
Jeśli będziesz miał choćby najmniejszą okazję zobaczyć na żywo obrazy tych mistrzów, na zawsze zakochasz się w impresjonizmie!
Impresjonizm to jeden z najsłynniejszych, jeśli nie najsłynniejszy, kierunków malarstwa francuskiego. A powstał na przełomie lat 60. i 70. XIX wieku i w ogromnym stopniu wpłynął na dalszy rozwój sztuki tamtych czasów.
Impresjonizm w malarstwie
Sama nazwa” impresjonizm„ został wymyślony przez francuskiego krytyka sztuki Louisa Leroya po wzięciu udziału w pierwszej wystawie impresjonistów w 1874 roku, gdzie skrytykował obraz Claude'a Moneta Impresja: Wschodzące słońce („wrażenie” przetłumaczone na francuski jako „impresja”).
Claude Monet, Camille Pissarro, Edgar Degas, Pierre Auguste Renoir, Frederic Bazille to główni przedstawiciele impresjonizmu.
Impresjonizm w malarstwie charakteryzuje się szybkimi, spontanicznymi i swobodnymi pociągnięciami. Zasadą przewodnią było realistyczne przedstawienie środowiska świetlnego.
Impresjoniści starali się uchwycić ulotne chwile na płótnie. Jeżeli w tym momencie jakiś przedmiot przybiera nienaturalną barwę, ze względu na pewien kąt padania światła lub jego odbicia, to artysta tak go przedstawia: np. jeśli słońce maluje powierzchnię stawu na różowo, to zostanie pomalowany na różowo.
Cechy impresjonizmu
Mówiąc o głównych cechach impresjonizmu, należy wymienić:
- natychmiastowy i optycznie dokładny obraz ulotnej chwili;
- wykonywanie całości prac na świeżym powietrzu – koniec ze szkicami przygotowawczymi i pracami wykończeniowymi w studiu;
- użycie czystego koloru na płótnie, bez wstępnego mieszania na palecie;
- użycie plam jasnej farby, pociągnięć o różnej wielkości i stopniu rozciągnięcia, które wizualnie składają się na jeden obraz tylko oglądany z daleka.
Rosyjski impresjonizm
Standardowy portret w tym stylu uważany jest za jedno z arcydzieł malarstwa rosyjskiego - „Dziewczyna z brzoskwiniami” Aleksandra Sierowa, dla którego impresjonizm stał się jednak tylko okresem pasji. Rosyjski impresjonizm obejmuje także dzieła Konstantina Korovina, Abrama Arkhipowa, Filipa Maliawina, Igora Grabara i innych artystów powstałych na przełomie XIX i XX wieku.
Przynależność ta jest raczej warunkowa, ponieważ impresjonizm rosyjski i klasyczny francuski mają swoją specyfikę. Rosyjski impresjonizm był bliższy materialności, obiektywności dzieł i skłaniał się ku sensowi artystycznemu, podczas gdy impresjonizm francuski, jak wspomniano powyżej, dążył po prostu do ukazywania chwil życia, bez niepotrzebnej filozofii.
W rzeczywistości rosyjski impresjonizm przejął od Francuzów jedynie zewnętrzną stronę stylu, techniki jego malowania, ale nigdy nie przyswoił sobie samego myślenia obrazowego inwestowanego w impresjonizm.
Współczesny impresjonizm kontynuuje tradycje klasycznego impresjonizmu francuskiego. We współczesnym malarstwie XXI wieku wielu artystów pracuje w tym kierunku, na przykład Laurent Parselier, Karen Tarleton, Diana Leonard i inni.
Arcydzieła w stylu impresjonizmu
„Taras w Sainte-Adresse” (1867), Claude Monet
Obraz ten można nazwać pierwszym arcydziełem Moneta. Jest to nadal najpopularniejszy obraz wczesnego impresjonizmu. Pojawia się tu także ulubiony motyw artysty – kwiaty i morze. Płótno przedstawia kilka osób wypoczywających na tarasie w słoneczny dzień. Krewni samego Moneta są przedstawieni na krzesłach tyłem do publiczności.
Cały obraz jest zalany jasnym światłem słonecznym. Wydzielono wyraźne granice pomiędzy lądem, niebem i morzem, organizując kompozycję wertykalnie za pomocą dwóch masztów, jednak kompozycja nie ma wyraźnego środka. Kolorystyka flag łączona jest z otaczającą przyrodą, podkreślając różnorodność i bogactwo barw.
„Bal w Moulin de la Galette” (1876), Pierre Auguste Renoir
Obraz przedstawia typowe niedzielne popołudnie w XIX-wiecznym Paryżu w Moulin de la Galette, kawiarni z parkietem tanecznym na świeżym powietrzu, której nazwa nawiązuje do nazwy znajdującego się nieopodal młyna i jest symbolem Montmartre. Dom Renoira znajdował się obok tej kawiarni; często uczęszczał na niedzielne popołudniowe potańcówki i lubił oglądać szczęśliwe pary.
Renoir wykazuje prawdziwy talent i łączy w jednym obrazie sztukę portretu zbiorowego, martwej natury i malarstwa pejzażowego. Użycie światła w tej kompozycji i gładkość pociągnięć pędzla najlepiej oddają ten styl dla przeciętnego widza. impresjonizm. Obraz ten stał się jednym z najdroższych obrazów, jakie kiedykolwiek sprzedano na aukcji.
„Boulevard Montmartre nocą” (1897), Camille Pissarro
Chociaż Pissarro słynie z obrazów przedstawiających życie wiejskie, namalował także wiele pięknych scen miejskich w XIX-wiecznym Paryżu. Uwielbiał malować miasto ze względu na grę świateł w dzień i wieczorem, ze względu na drogi oświetlane zarówno światłem słonecznym, jak i latarniami.
W 1897 wynajął pokój przy Boulevard Montmartre i przedstawiał go o różnych porach dnia, a praca ta była jedyną pracą w cyklu uchwyconą po zapadnięciu nocy. Płótno wypełnione jest głębokim błękitem i jasnożółtymi plamami świateł miasta. We wszystkich obrazach z cyklu „bulwar” głównym rdzeniem kompozycji jest ciągnąca się w dal droga.
Obraz znajduje się obecnie w National Gallery w Londynie, ale za życia Pissarro nie był nigdzie wystawiany.
Film o historii i warunkach twórczości głównych przedstawicieli impresjonizmu możesz obejrzeć tutaj:
Impresjonizm to ruch głównie w malarstwie francuskim, charakteryzujący się chęcią przekazania ulotnych wrażeń, bogactwa kolorów, niuansów psychologicznych, mobilności i zmienności atmosfery otaczającego świata za pomocą środków sztuki.
Odważne pociągnięcia pędzlem, jasne kolory, sceny z życia codziennego, szczere pozy i, co najważniejsze, dokładny opis światła... To tylko niewielki ułamek cech charakterystycznych jednego z najpopularniejszych ruchów artystycznych. we Francji w połowie XIX w. Przed jego pojawieniem się autorzy zwykle tworzyli w swoich pracowniach martwe natury, portrety, a nawet pejzaże.
Po raz pierwszy w historii sztuki artyści przyjęli zasadę, że nie malują w pracowni, ale w plenerze: nad brzegiem rzeki, na polu, w lesie. Próbując jak najdokładniej wyrazić swoje bezpośrednie wrażenia z rzeczy, impresjoniści stworzyli nową metodę malowania.
PARKETERY, GUSTAVE CAIBOTT
Jeden z pierwszych obrazów przedstawiających miejską klasę robotniczą. Caillebotte ilustruje ciągłe zainteresowanie życiem codziennym. Zwróć uwagę, jak trafnie artysta uchwycił światło wpadające przez okno i cienie. Obraz jest równie realistyczny jak fotografia, mimo to został odrzucony przez najbardziej prestiżowe wystawy i salony sztuki: przedstawienie półnagich mężczyzn z klasy robotniczej uznano za „wulgarny temat”.