W niedawno zrekonstruowanym pawilonie nr 66 „Kultura” VDNH, wystawa „Zawsze nowoczesni. Sztuka XX-XXI wieku.” Otwarcie Galerii ROSIZO. Wystawa przybliży widzom najbardziej kultowe dzieła rosyjskich artystów, w tym nazwiska zarówno uznanych klasyków początku ubiegłego wieku, jak i ikonicznych współczesnych naszych czasów.
Pomimo tego, że prezentowane obrazy należą do różnych ruchów stylistycznych i powstały w różnych okresach historii Rosji, organizatorzy podkreślają, że prace „nie tylko nie są ze sobą sprzeczne, ale wręcz przeciwnie, wchodzą w dialog”. A dzieła naszych czasów kontynuują tradycje artystyczne poprzednich pokoleń.
Wystawa obejmuje trzy działy: sztuka pierwszej połowy XX wieku, lata 60. i 80. XX wieku oraz twórczość naszych współczesnych. Każdy okres koncentruje się na poszukiwaniach stylistycznych i rozwiązaniach artystycznych, wymaganiach czasu i odpowiedziach na nie artystów.
W pierwszej części zaprezentowane zostaną dzieła rosyjskiej awangardy, które zrewolucjonizowały rozumienie zadań sztuki. Można tu zobaczyć dzieła w stylu neoimpresjonizmu w wersji Aleksandry Ekster, Cézanneizmu (Martwa natura Iwana Malyutina), Kubo-futuryzmu (Portret aktora Michaiła Le-Dantu), Kubizmu (Widok miasta Aleksieja Griszczenki , Kompozycja Kubizm – Georgy Noskov ), Suprematyzm („Suprematyzm” Ivana Klyuna) i inne kierunki.
Druga część wystawy przybliży twórczość artystów lat 60. i 80. XX wieku. W sztuce radzieckiej tamtych czasów, wraz z socrealizmem (rzeźby Mikołaja Tomskiego, Lwa Kerbela), nastąpiły także jego modyfikacje stylistyczne - na przykład „styl surowy” („W szafie” Gelija Korzheva, „Wnętrze Absheron” Taira Salachowa). Odwiedzający będą mogli zapoznać się z takimi dziedzinami malarstwa, jak fotorealizm („Zmiana” Leonida Semeyki, „Eksperyment w kosmosie” Lemminga Nagela), ekspresjonizm („Postacie kołyszące się na huśtawce” Natalii Nesterowej), realizm fantastyczny, surrealizm ( „Złoty wiek” Alexandra Sitnikova, „Rodzina. Moi współcześni” Olgi Bułhakowej) i inni.
W trzeciej części zaprezentowana zostanie twórczość autorów współczesnych od końca XX wieku do współczesności. Ekspozycja tej części pokaże, jak w naszych czasach różne style malarskie stały się narzędziami języka artystycznego, a tworzący go artyści cytują słynne dzieła swoich poprzedników i posługują się już rozpoznawalnymi technikami. Sztukę XXI wieku reprezentują dzieła takich ikonicznych artystów, jak Erik Bułatow, Igor Makarevich, Georgy Guryanov, Irina Nakhova i inni.
Goście WOGN zapoznają się także z obrazami ze zbiorów Państwowego Muzeum i Centrum Wystawowego „ROSIZO”, Muzeum Sztuki w Jarosławiu, Muzeum Historyczno-Artystycznego Serpuchowa, Państwowego Centralnego Muzeum Historii Współczesnej Rosji, Wszechrosyjskiego Centrum Twórczości Organizacja Publiczna „Związek Artystów Rosji”, a także z kolekcji prywatnych i wielu moskiewskich galerii.
Informacje o "ROSIZO"
Początki Państwowego Centrum Muzealno-Wystawienniczego „ROSIZO” sięgają 1959 roku, kiedy to przy Ministerstwie Kultury RFSRR utworzono Dyrekcję ds. Funduszy Sztuki i Projektowania Zabytków. W latach 1977-1994 funkcjonowało Republikańskie Centrum Wystaw Artystycznych i Promocji Sztuk Pięknych „Rosizopropaganda”. Ośrodek organizował wystawy objazdowe i dystrybuował dzieła sztuki do muzeów w ZSRR. 1 stycznia 2010 roku Państwowe Centrum Muzealno-Wystawiennicze „ROSIZO” uzyskało status muzeum. Założycielem centrum jest Ministerstwo Kultury Federacji Rosyjskiej. Jest organizacją multidyscyplinarną, która opracowuje i realizuje projekty wystawiennicze we współpracy z wiodącymi na świecie instytucjami muzealnymi i kulturalnymi. Obecnie fundusz ROSIZO dysponuje około 40 000 jednostek magazynowych.
Historia sztuki, która obejmuje zjawiska i bada procesy rozwojowe Sztuka XX wieku zagłębiając się w ich schematy i identyfikując kluczowe punkty tych procesów, nie jest w stanie ocenić ich całościowo na podstawie ich końcowych rezultatów. Historyk sztuki minionych epok ma prawo rozpatrywać badany materiał w świetle wynikających z niego wniosków i konsekwencji, a nawet poprzedzać nimi główne przedstawienie. Historia sztuki XX wieku na coś takiego nie pozwala. Przeciwwskazane jest podejmowanie prób ostatecznego osądu na temat niedokończonych procesów. Mówimy przede wszystkim o bezpodstawności pewnych ogólnych definicji XX wieku jako epoki, która zmieniła niemal cały charakter sztuki i na zawsze ustanowiła swój nowy styl. Zwykle takie totalne oceny wywodzą się z jednej z linii procesu artystycznego, z efemerycznych, konkretnych zjawisk, które są uznawane za początek nowej ery. Przykładów takich doświadczeń i ich hańby w rzeczywistej historii sztuki XX wieku można by podać wiele. Fakt, że badacz również odgrywa tutaj rolę Sztuka XX wieku on sam jest zanurzony w jego przepływie i obserwuje go, że tak powiem, od środka. Z takiego punktu widzenia łatwo mogą pojawić się pewne błędy optyczne. Nikt nie ma od nich gwarancji, a oni sami z kolei tworzą część historii artystycznej samoświadomości Kultura XX wieku.
Okoliczności, w jakich rozgrywa się akcja Sztuka XX wieku, przestrzegam przed pokusą formułowania lub kodyfikacji jego ogólnych właściwości we wstępie. Bardziej sprawiedliwe byłoby ograniczenie się do pewnych przesłanek historyczno-artystycznych, na podstawie których będziemy dalej rozważać samą sztukę. Wyjściowe założenie można przedstawić w formie postulatu: sztuka XX wieku jest sztuką przełomową, a nie tylko starą czy tylko nową, nie tylko starą czy tylko nowym okresem swojej historii. Niewybaczalną naiwnością byłoby widzieć w tym albo bezpośrednie i konsekwentne blaknięcie przeszłości, albo jedynie liniowy ruch w górę, którego wszystkie zasady kształtujące styl zostały już z całą pewnością ukształtowane, i pozostaje tylko czekać do dojrzewania owoców lub w najtrudniejszych przypadkach przekształcenia brzydkiego kaczątka w pięknego łabędzia To sztuka kryzysowa w oryginalnym, słownikowym znaczeniu tego słowa, wyrażająca najwyższe napięcie punktu zwrotnego. Jego aktywność życiowa ujawnia wzorce zarówno umierania starego, jak i rozwoju nowego. To stare i nowe (o tym, co one oznaczają, zostanie omówione poniżej) nie układają się w elementarną sekwencję, ale działają we wzajemnym przecięciu, obejmując przestrzeń globalną i rozległy czas historyczny. Z tych powodów w Sztuka XX wieku prawa nieodłącznie związane z punktem zwrotnym rządzą się z niezwykłą i w dużej mierze determinującą siłą. Przejawiają się one nie tylko w tym, co i jak sztuka odzwierciedla, na przykład w alegoryzmie charakterystycznym dla takich okresów, jak rodzaj myślenia artystycznego wyrażającego nowe idee w starych formach czy w uznaniu niemożności urzeczywistnienia tych idei w formie obrazowej; w rozwoju tendencji ochronnych i innowacji związanych z zaprzeczaniem przeszłości itp. W nie mniejszym stopniu wpływ praw punktu zwrotnego znajduje odzwierciedlenie w ogólnym szoku, w jaki wchodzi sztuka, tracąc dawny w wielkich historycznych granicach i zyskując nowy grunt dla swego rozwoju. W tych okolicznościach, z niespotykaną w klasycznych epokach historii sztuki ostrością, pojawiają się pytania o to, co ona oznacza, dlaczego istnieje i czego sztuka może dokonać, a wśród odpowiedzi na nie znajdują się dość niezwykłe dla nieklasycznych czasach, zmitologizowana idea sztuki o sobie jako o wszechpotężnej życiodajnej sile i obrazoburcze samozaprzeczenie twórczości artystycznej.
Sztuka XX wieku- nie pierwszy punkt zwrotny, nieklasyczna epoka w powszechnej historii sztuki. Z punktu widzenia epok klasycznych, które tworzą niewątpliwe wartości artystyczne, harmonijnie korespondujące ze środowiskiem, które je zrodziło i estetycznie w pełni rozwiązujące ich ideowe i artystyczne problemy społeczne, sztuka epoki nieklasycznej wygląda pod wieloma względami niezadowalająco. Tak to jest przedstawiane Sztuka XX wieku w odbiorze znacznej części współczesnych; wiele z tego, co przedstawia się jako pozytywne wartości, jest niejednoznacznych; sztuka często przepojona jest niezadowoleniem z siebie i otaczającego nas życia; bardzo wątpliwe jest też to, czy zawsze w sposób zadowalający wyraża swoje niezadowolenie z rzeczywistości itp. Jednocześnie umiejscowienie punktów zwrotnych pomiędzy epokami, gdy powstanie tego czy innego wielkiego stylu osiąga swój szczyt, czy też, co jest o wiele szersze i bardziej znacząca, kultura artystyczna całej formacji społeczno-historycznej, głęboko naturalna. Obydwa są ściśle powiązane w jeden łańcuch procesu historycznego i artystycznego, a dyskusja na temat pierwotności epok klasycznych i nieklasycznych byłaby jak spór o to, co było pierwsze – kura czy jajko. Równie naturalne są niekonsekwencje i niestabilność, które stanowią o specyfice sztuki punktu zwrotnego. Zmiany doświadczane w tych epokach obejmują zarówno wewnętrzną strukturę sztuki, jak i praktycznie całą sferę jej relacji ze światem zewnętrznym, w której funkcjonują nie tylko rzeczywiste siły artystyczne i stylistyczne, ale także cały zespół sił lewicowych. Można je pogrupować w trzy główne obszary: zagadnienia ideowo-artystyczne, zagadnienia społeczno-historycznego charakteru sztuki, cechy o charakterze narodowym i międzynarodowym. Wszystkie korespondują z historią sztuki, są w niej zakorzenione i istnieją w formie wzajemnie powiązanej. Jest oczywiste, że takie wydarzenia, jak pojawienie się nowych gałęzi twórczości artystycznej, restrukturyzacja gatunkowo-gatunkowej kompozycji sztuk pięknych, typologia struktur architektonicznych, pojawienie się szkół narodowych, rozwój międzynarodowych ruchów artystycznych i wiele innych dotyczących Ideologicznej struktury, form i funkcji sztuki nie można sprowadzić jedynie do ewolucji stylu, zachodzącej w jej własnym, stosunkowo niezależnym porządku. Każdy z punktów zwrotnych ma swoją specyfikę trzech wymienionych przez nas aspektów historii sztuki i ich relacji. Społeczno-historyczną panoramę sztuki krajów i ludów świata w XX wieku tworzą kultury artystyczne najróżniejszych typów: od prymitywnej natury twórczości ludów i plemion na poziomie układu plemiennego, oraz od średniowiecznych kultur artystycznych po różnorodne wysoko rozwinięte kultury nowoczesne. Historyczne i artystyczne właściwości wszystkich tych różnych sztuk istnieją na świecie jednocześnie, tworząc integralne sekcje artystyczne Kultura XX wieku.
Z punktu widzenia kwestii krajowych i międzynarodowych Sztuka XX wieku wygląda jak wieloaspektowa panorama sztuki narodowej, jej wspólnot regionalnych i międzynarodowych ruchów artystycznych. Całość tworzy system, który śmiało można nazwać sztuką światową. W XX wieku system ten obejmuje wszystko, co istnieje w twórczości artystycznej na geograficznej mapie świata. Nie ma już po niej „białych plam”, znika swego rodzaju strefa ciszy, w którą europocentryczna ogólna historia sztuki ma tendencję do umieszczania kultur artystycznych obcych europejskiemu doświadczeniu estetycznemu. Sztuka światowa XX wieku integruje sztuki niemal wszystkich typów etnicznych i regionalnych, niezależnie od tego, jaką typologię społeczno-historyczną reprezentują. Włączając się w obieg międzynarodowego życia artystycznego, każda sztuka narodowa, duża czy mała, rozwinięta czy zacofana w sensie historycznym, zostaje uznana za nowoczesną wartość estetyczną, obdarzoną w życiu sztuki światowej tym samym znaczeniem i niepowtarzalnością, jakie narody, ludy i kraje, które go stworzyły, mają nowoczesną egzystencję całej ludzkości. Wartości tej nie da się zmierzyć poprzez porównanie przewag narodowych: teorie „wybranych” i „podrzędnych” kultur narodowych służą tu najniższym celom nacjonalistycznym i szowinistycznym, rasistowskim. Przeciwnie, właściwości historyczne i artystyczne tej lub innej sztuki narodowej wymagają dość dokładnych pomiarów. Stąd panorama świata Sztuka XX wieku, rozpatrywany w świetle problemów społecznych i narodowych, ukazuje coś wielce niezwykłego. Relacje pomiędzy tworzącymi ją sztukami, różniącymi się typologią społeczno-historyczną i narodowym charakterem, mają dwojaki charakter. Diachroniczne, odpowiadające ich lokalizacji i roli w historycznym rozwoju kultury artystycznej ludzkości, oraz synchroniczne, ponieważ wszystkie są ze sobą powiązane jako współcześni tej samej epoki. Oznacza to, że połączone w jednym okresie chronologicznym kultury artystyczne odnoszą się do siebie zarówno jako stare, jak i nowe, zgodnie ze swoją genezą historyczną, oraz jako istniejące jednocześnie społeczne i narodowe siły artystyczne, których wzajemne oddziaływanie i kontakty zachodzą na tym samym polu i bardzo często polegają na zderzeniu różnych odpowiedzi na te same pytania. Z tych przesłanek wypływają pewne wnioski metodologiczne. Zgodnie z naturą zjawiska, badanie Sztuka XX wieku polega na połączeniu podejść diachronicznych i synchronicznych, ich wzajemnej korekcie. Obydwa są istotne, ale każdy z nich rozpatrywany osobno może dać zniekształcony obraz. Zatem analiza diachroniczna, bez której nie sposób sobie wyobrazić rozwoju historycznego, zidentyfikować w nim postęp i reakcję, zmierza do rozłożenia wszystkiego, co dzieje się w sztuce naszych czasów, na etapy sekwencyjnej ewolucji, umieszczone jeden nad drugim, gdzie jeden płynnie przepływa. od drugiego, ukrywając jednocześnie mnogość realnych powiązań łączących współczesne zjawiska artystyczne. Podobnie jak na wystawie muzealnej, dzieła sztuki rozmieszczone są w różnych pokojach idealnie-ewolucyjnego apartamentu, sprawiając, że zapomina się, że reprezentują one towarzyszy i przeciwników, którzy nie raz złamali włócznie w estetycznych bitwach. Analiza synchroniczna, pozwalająca uchwycić rzeczywiste znaczenie i powiązania zjawisk sztuki współczesnej, odmiennych pod względem społeczno-historycznym, narodowym, systemowym ideowym i artystycznym, skłania się do ukazywania ich w formie statycznej różnorodności. Podobnie jak w ekspozycji wystawy sztuki współczesnej, tutaj wyraźnie ujawniają się podobieństwa i różnice, powiązania i zmagania sił artystycznych, ale z tego nie wynika w żaden sposób, w jakich kierunkach i kolejności podąża rozwój sztuki oraz czy to się w ogóle dzieje. Warto zauważyć, że połączenie podejść diachronicznych i synchronicznych odgrywa ważną rolę w badaniu sztuki minionych epok. Zwłaszcza do oświetlania czasów krytycznych, na przykład do zrozumienia renesansu i ruchów późnośredniowiecznych, które istniały w tym samym czasie. Dla badań nad sztuką XX wieku połączenie to ma ogromne znaczenie, ponieważ w tym czasie proces ogólnej internacjonalizacji kultur artystycznych nabrał niespotykanej intensywności i złożoności. Naiwnością byłoby uznawać jakikolwiek powód za źródło globalnych procesów historycznych i artystycznych XX wieku. Historia sztuki naszego stulecia przeżywa na swoich głównych granicach całe zespoły przemian społecznych, narodowych i stylistycznych. Te zespoły przyczyn wyznaczają etapy rozwoju historii sztuki i nabierają zasadniczego znaczenia jej periodyzacji. Pierwszy etap kończy się w latach 1917-1918, w epoce I wojny światowej i rewolucji październikowej w Rosji, kiedy światowa kultura artystyczna przeżyła zasadniczy punkt zwrotny. Drugi etap historii Sztuka XX wieku przynosi nie tylko złożone zmiany stylistyczne. Za nimi stoją fundamentalne zmiany w strukturze społecznej, a także przebudowa regionalnego podziału świata Kultura XX wieku. Od 1917 roku kształtuje się radziecka kultura artystyczna, rozwijająca się na własnych podstawach społecznych, uzyskująca funkcję polityczną i orientację stylistyczną. Z tych powodów analiza i ocena sztuki narodów ZSRR, jej zasad ideologicznych i artystycznych, wolności i totalitaryzmu, wzorców i anomalii są rozpatrywane osobno w „Małej historii sztuki”. Poza tym tylko pobieżnie zostały tu omówione tendencje artystyczne innych totalitarnych reżimów, które upadły w 1945 roku. To znaczy te fragmenty historii Sztuka XX wieku pozostanie poza zakresem tej książki. Trzeci etap, którego początek można liczyć od 1945 roku, to narodziny światowego systemu sztuki, obejmującego wielonarodowe i narodowe kultury artystyczne, różniące się strukturą społeczną i odmienną orientacją stylową. Zmiany, którym podlega świat Sztuka XX wieku od etapu do etapu swojego rozwoju, skupiają się w zjawiskach i procesach stylistycznych, ideologicznych i artystycznych. Próba scharakteryzowania ich wszystkich na raz byłaby oczywiście daremna – cała książka jest poświęcona tej tematyce. Na razie warto zwrócić uwagę jedynie na kilka wstępnych zapisów. Mianowicie nie da się określić jakiegoś ogólnego, jednolitego stylu świata sztuka XX wieku i umieszcza wszystkie składające się na nią ruchy artystyczne w jedną serię ewolucji stylistycznej. Powiedzmy więc, że fowizm czy kubizm nie jest konsekwencją rozwoju realizmu na przełomie XIX i XX w., ani neorealizm końca lat 40. nie wywodzi się z abstrakcjonizmu czy neoklasycyzmu lat 30. itp. Co więcej, żaden z istniejący Sztuka XX wieku nawet największy ciąg ewolucji stylistycznych nie wyczerpuje całego jej rozwoju i nie obejmuje tego rozwoju w całości. Na przykład wydawałoby się, że zwykła linia ruchu od postimpresjonizmu do abstrakcjonizmu odpowiada tylko jednej stronie historii procesu artystycznego XX wieku. Poza rozwojem realizmu pozostaje także znaczna liczba bardzo znaczących zjawisk. Oczywiste jest zatem, że w skali globalnej Sztuka XX wieku, jak to jest naturalne w kulturze artystycznej punktu zwrotnego, w którym działają różne siły społeczno-historyczne, narodowe i międzynarodowe, rozwój następuje w kilku rzędach. Każdy z nich charakteryzuje się własnymi wzorami, a relacja takiego ciągu ruchów stylistycznych łączy w sobie zasady diachroniczne i synchroniczne. Tylko w swojej całości i interakcjach tworzą one historię Sztuka XX wieku.
Można także zauważyć odmienność tego rodzaju ruchów stylistycznych, nowych i tradycyjnych, rosnących i upadających, lokalnych i powszechnie znaczących, głębokich i powierzchownych, ściśle odpowiadających warunkom społecznym czy narodowym, w jakich się rozwijały lub sformalizowały, pozwalając na wypełnienie różnymi treść społeczna i odmienna interpretacja narodowa. Musimy być również przygotowani na to, że prawdziwa historia Sztuka XX wieku pokaże, jak niektóre ruchy artystyczne, powstające w sposób wybuchowy, szybko się wyczerpują, jak np. kubizm, inne natomiast istnieją stabilnie przez wszystkie dekady XX wieku, zmieniając się jedynie na pewnych etapach i w różnych warunkach społecznych i narodowych, jak np. na przykład neoklasycyzm. Ze względu na te okoliczności moment powstania tego czy innego ruchu nie zawsze determinuje jego miejsce w historii i procesach artystycznych XX wieku. Często ważniejszą rolę odgrywa żywotność takich ruchów. Wszystko to znów staje się przedmiotem konkretnego studium historii. Sztuka XX wieku, którego zrozumienie wiąże się również z pojęciami, które mają znacznie bardziej ogólne znaczenie niż właściwości jakiegokolwiek ruchu artystycznego. Dlatego należy raz po raz zdawać sobie sprawę z historycznej natury społecznych, narodowych i stylistycznych sił świata Sztuka XX wieku. Każdy z nich i wszystkie razem są właśnie historyczne, a nie wieczne, skończone, absolutne. Widzimy, jak powstają i rozpadają się systemy ideologiczne i artystyczne XX wieku, pretendujące do posiadania najwyższego, najbardziej wszechstronnego znaczenia. W swoim oszukiwaniu przeciwstawiają się globalnym procesom historycznym i artystycznym, izolują się od nich i uważają się za koronę całego społecznego, narodowego i stylistycznego światowego doświadczenia sztuki. Mając na uwadze te zastrzeżenia, zwracamy się do wielosylabowego Sztuka XX wieku.
W kwietniu 2016 roku wernisaż wystawy „Zawsze nowocześni. Sztuka XX–XXI wieku”, który przybliża widzom najbardziej kultowe dzieła sztuki rosyjskich mistrzów sztuk pięknych, w tym uznanych klasyków początku XX wieku i ikonicznych współczesnych.
Pomimo tego, że obrazy znajdujące się na wystawie powstały w różnych latach historii naszego kraju i należą do różnych stylistycznych ruchów artystycznych, organizatorzy projektu podkreślają, że obrazy nie tylko nie są ze sobą sprzeczne, ale wręcz na wręcz przeciwnie – zdają się wchodzić w dialog.
Wystawa podzielona jest na trzy części, z których każda koncentruje się na różnorodnych rozwiązaniach artystycznych i poszukiwaniach stylistycznych, wymaganiach czasu i odpowiedziach na nie samych autorów.
Sztuka pierwszej połowy XX wieku. Rosyjska awangarda
W tej części widzom prezentowane są dzieła artystyczne rosyjskiej awangardy, które dokonały prawdziwej rewolucji w rozumieniu zadań sztuki pięknej. Można tu zobaczyć obrazy G. Noskowa, I. Klyuna, A. Grishchenko, M. Le-Dantu, I. Malyutina i innych w stylu neoimpresjonizmu, kubizmu, Cezanne'a, kubofuturyzmu, suprematyzmu i innych nurtów.
Sztuka rosyjska lat 60. i 80. XX wieku.
Ta część wystawy poświęcona jest dziełom sztuki z lat 60. i 80. XX wieku. W sowieckiej sztuce tamtych lat, równolegle z socrealizmem, istniały różne jego modyfikacje stylistyczne - na przykład tak zwany „styl surowy”. Prezentowane są tu także takie dziedziny malarstwa, jak ekspresjonizm, fotorealizm, surrealizm, realizm fantastyczny itp. W tej sekcji zwiedzający zapoznają się z twórczością O. Bułhakowej, A. Sitnikowa, N. Nesterowej, L. Nagela, L. Semeiko, T. Salakhova i wielu innych. itp.
Twórczość naszych współczesnych
Sekcja ta wprowadza widza w twórczość współczesnych artystów końca XX – XXI wieku. Prace zawarte na wystawie pokazują, jak w naszych czasach różne style malarstwa stały się prawdziwymi narzędziami języka artystycznego, a sami mistrzowie, kształtując go, cytują najsłynniejsze dzieła swoich poprzedników i wykorzystują w swojej twórczości rozpoznawalne już techniki . W tej części wystawy znajdują się prace tak znanych współczesnych artystów, jak I. Makarevich, E. Bulatov, I. Nakhova, G. Guryanov i inni.
Czas mija szybko. Jedna epoka niepostrzeżenie zastępuje inną. To XXI wiek – „wiek szybkości”, „wiek integracji”, „wiek informacji”, wiek nowych technologii, telefonów komórkowych, Internetu i nowej, postępowej młodzieży. Era nowych, współczesnych ludzi, których życie jest zawsze w ruchu. Człowiek XXI wieku to człowiek informacji. Próbuje ogarnąć wszystkie sfery życia, dąży do wolności, poprzez sztukę przekształca rzeczywistość, przekracza granice, zmienia życie, osiąga harmonię i wolność.
Sztuka XXI wieku jest rodzajem odzwierciedleniem naszego dzisiejszego życia, które oddaje nastrój, problemy, pragnienia danej epoki ludzi. Co to jest sztuka 21? Co czyni go wyjątkowym? Aby odpowiedzieć na te pytania, proponuję przeanalizować kilku artystów i rzeźbiarzy, którzy w swoich dziełach bezpośrednio odzwierciedlają naszą epokę.
Sztuka czy magia?
Sztuka na granicy magii i rzeczywistości, którą łatwo pomylić z mirażem, iluzją, iluzją optyczną – taki efekt wywołują arcydzieła artystki Cornelii Conrads na nieprzygotowanym i niedoświadczonym odbiorcy. Jej instalacje zdobią parki i place miejskie w Niemczech i za każdym razem zaskakują przechodniów, nie tylko gości, ale także mieszkańców. Cornelia tworzy swoje arcydzieła w stylu land artu. Land art to stosunkowo nowy kierunek w sztuce. W Stanach Zjednoczonych pojawił się dopiero w ostatniej trzeciej połowie XX wieku. Jednak zyskała już znaczną popularność i znalazła swoich zwolenników na Zachodzie. Platformę artystyczną dla mistrzów tego gatunku stanowi przede wszystkim naturalny krajobraz i jego poszczególne elementy. Cornelia Conrads to jedna z najwybitniejszych przedstawicielek land artu. Swoje powołanie znalazła w dekorowaniu owocami swojej wyobraźni znanych krajobrazów parków i ogrodów. Trzeba powiedzieć, że większość jej pomysłów jest bardzo nietypowa, ale mimo to szybko przypadły do gustu nieświadomym widzom – mieszkańcom miasta.
Zrobię sobie tatuaż dla tego i tamtego!
W XXI wieku malarstwo już dawno wyszło poza płótno. Począwszy od lat sześćdziesiątych XX wieku na Zachodzie zaczęło się rozwijać malowanie ciała w ramach zmiany moralności publicznej w kierunku większych swobód. Odrodzone na Zachodzie malowanie ciała jest błędnie uważane za młodą sztukę. Znani artyści wykorzystywali sztukę ciała w swoich wystawach i performansach. Stopniowo body art zaczęto wykorzystywać do celów komercyjnych – promocyjnych i reklamowych. Teraz co druga osoba ma tatuaż. Cel „zrobienia tatuażu” jest dla każdego inny: ktoś głupio próbuje udowodnić rodzicom, że już dorósł, ktoś robi sobie tatuaż na ramieniu z imieniem ukochanej osoby, ale wśród dziewcząt popularność tatuaży sokoła z delfinami i sercami trwa.
Artysta tatuażu i fotograf Brian Cummings uważa, że tatuaż jest formą sztuki, a ciało to tylko kolejne płótno. Praca Briana jest dość interesująca. Wykonuje tatuaże, a następnie fotografie, które zdobią i podkreślają tę kreację. Jako artysta lubi kontrasty. Kontrast światła i ciemności, czerni i bieli, dramatu i komedii itp. Brian wykorzystuje obie skrajności. Artystę interesuje maksymalizacja odstępu pomiędzy dwoma przeciwległymi punktami.
„Tatuaże są dla mnie formą sztuki. Z jednej strony dla niektórych jest to coś zabronionego. Z drugiej strony jest to forma sztuki o długiej tradycji, kojarzona z pięknem i osobistym znaczeniem” – mówi Brian.
Zmysłowa przestrzeń życiowa
Patrząc na śnieżnobiały reliefowy panel mozaikowy młodej rosyjskiej artystki Iriny Żuk, mimowolnie stajesz się świadkiem białego szumu. Zgodnie z tytułem tej pracy, hałas najpierw lekko szeleści, a następnie gromadzi się w uszach. Chcesz go po prostu dotknąć palcami. Poczuj szorstkość oślepiającej bieli, ciepłego drewna i zmarzniętego, zimnego tynku. To tak, jakby pod twoim dotykiem te śnieżnobiałe guziki zaczęły chaotycznie unosić się i opadać.
Błyszczące białe płótno z nieprzezroczystego szkła z jaskrawoczerwonym kołem pośrodku, symbolicznie przedstawiającym wypukłą twarz gejszy, przenosi zwiedzających do Japonii. Rozkwit czarnego hieroglifu w dolnym rogu tablicy po raz kolejny potwierdza przynależność dzieła do tematyki orientalnej.
Sama Irina Zhuk opisuje siebie jako dyrygentkę współczesnej przestrzeni życiowej za pośrednictwem ręki dowolnego użytkownika.
„Moja sztuka wykracza poza fizjologiczne ograniczenia, w której przestrzeń życiowa odbierana jest zmysłowo poprzez skórę i oczy. Dotykająca sztuka powinna być dostępna dla każdego, pozwala uczyć się od siebie nawzajem, wymieniać informacje i czuć energię sąsiadów. Osiągnięcie jednego poziomu zrozumienia i postrzegania kreatywności jednoczy nas i czyni równymi użytkownikami każdej przestrzeni. Ten kod kulturowy jest zawsze dla każdego inny: kontrastowy, kolorowy, monochromatyczny, ale w mojej filozofii zawsze jest namacalny” – mówi Irina.
Podsumowując, mogę powiedzieć jedno: sztuka XXI wieku jest bardzo różnorodna, wielobiegunowa. Współczesną twórczość wyróżnia różnorodność stylów i trendów, z których wiele nie jest jeszcze do końca jasnych dla zwykłego człowieka. Niektórzy po prostu plują i stoją godzinami przed dziełem, domyślając się, co autor chciał powiedzieć. Dzieła z różnych konwencjonalnych wieków żywo oddają uczucia osobistego nastroju. Średniowiecze było okresem wojen, potem upadku. Renesans odsłania barwę ludzkiej duszy i harmonię. A jeśli jest barokowy, to poraża dynamiką i jaskrawymi kolorami. Ale w przeciwieństwie do tego ostatniego, sztuka współczesna czasami ją wchłaniała, a czasami rozpraszała. Wrażenia te pozostały niemal całkowicie niezauważone, po czym nastąpiło echo starożytnych tradycji. Ludzie nauczyli się widzieć piękno w nowym obrazie. Niektóre przedstawiają proste wątki, inne wymagają skomplikowanych idei filozoficznych na temat świata. Idea duchowości człowieka pozostaje ważna.
Nawet kropla na liściu powie Ci znacznie więcej niż złożona, wielofigurowa kompozycja. Sztuka nie wymaga rzeczy niepotrzebnych. Podobnie jak w architekturze jest tylko podstawa i niezbędne elementy. Wszystko i wszędzie jest wyjątkowe. Nie ma takich rzeczy, których nie da się rozróżnić. Technika i materiał odgrywają ważną rolę w tej refleksji. A to wskazuje na zbliżanie się do ideału. Każdy może stworzyć piękne rzeczy. Najważniejsze to zrozumieć i pewnie dążyć do celu. Tylko poprzez sztukę możemy przekazać, niczym w pieśni, nasze najlepsze uczucia, pozostawiając osobisty, niepowtarzalny ślad w jej historii.
lubię
Rosyjska sztuka ludowa i rzemiosło.
Wiek.
Rzeźbienie w drewnie. Z drewna wykonywano meble, naczynia, narzędzia, wznoszono chaty. Ludność rozwinęła wiele technik rzeźbiarskich: geometryczną, nawiasową, przelotową, reliefową itp. Dachy chat chłopskich zwieńczono monumentalną rzeźbą konia i ptaka. Drewniane rzeźbione i wydrążone naczynia(miski, naczynia figurowe, paliki - głębokie miski z pokrywką).
Malarstwo na drewnie i łyku. Malowali naczynia, kołowrotki, szafki, kołyski, skrzynie i sanie. Powstały dwa obrazy: obrazowy i graficzny. Do malowniczych należy malowanie Khokhloma farbami olejnymi na toczonych drewnianych naczyniach. Łyżki, miski, miski Khokhloma
Rzeźba z kości. W Morzu Białym wydobywano materiał - kieł morsa, który przyczynił się do sukcesu rzeźbienia w kościach. Głównymi technikami zdobienia wyrobów są grawerowanie i płaskorzeźba. Przedstawiały zwierzęta, całe sceny polowań, picia herbaty, spacerów, a także sceny biblijne. Malowali tabakierki, różne pudełka, czasem w kształcie butów, czasem serc, grzebieni, szkatułek, wachlarzy. Produkowane są niedrogie produkty dla życia chłopskiego - grzebienie, szkatułki w formie wież, kolczyki.
Ceramika. Zajmują się ceramiką i zabawkami. Naczynia polerowane na czarno o niebieskawo-czarnym kolorze, powstałe w wyniku wystawienia na działanie dymiącego płomienia, dekorowane są polerowaniem - ciągłym lub ozdobnym. Miski, dzbanki, umywalki. Proste formy szkliwionych naczyń ożywiają kolorowe płynne szkliwa w kolorze zielonym, czerwono-brązowym, rozprzestrzeniające się w trakcie wypalania. Naczynia z majoliki Gzhel to produkty wykonane z kolorowej gliny, pokryte nieprzezroczystą szklistą kompozycją - emalią. Przedstawiają domy, ptaki, zwierzęta, drzewa, trawę, kwiaty.
Zabawka. Trinity-Sergiev Posad stał się jednym z największych ośrodków produkcji drewnianych zabawek malowanych. Siergijew gwiżdże, ptaki, łyżwy, lalki. W 2. połowie 19 wiek Zabawka z majoliki Gzhel stała się powszechna. Formowano go ręcznie lub w formie dwuskrzydłowej. Gliniana zabawka– kobiety w spódnicach w kształcie stożków, jeźdźcy, ptaki. . Byli sławni Zabawki Wiatki(osada Dymkowo) - gliniani panowie na koniu w kapeluszu, ważne damy, nosiciele wody, ptaki, półbajkowe zwierzęta.
Tkaniny, hafty, koronki. Tkanie ręczne– kobiety tkały na krośnie ręcznym płótno, len i tkaniny wzorzyste. Materiał: len, konopie, bawełna. Tkaniny zdobiono wzorami tkanymi i materiałami drukowanymi. Podstawą tkania ręcznego jest tkanie poprzez liczenie nitek: pionowej i poziomej. Koszule, fartuchy, ręczniki i prześcieradła ozdobiono wzorzystą tkaniną. Drukowana pięta- metoda nanoszenia wzoru na tkaninę za pomocą rzeźbionej deski pokrytej wcześniej farbą. Haft dekoracja świątecznej odzieży i artykułów gospodarstwa domowego - ręczników, szalików, obrusów. Złote haftowane nakrycia głowy ślubne. Sznurówka w odzieży odświętnej i artykułach gospodarstwa domowego stosuje się go razem z haftem. Najwcześniejszą gęstą i prostą techniką jest koronka Michajłowska (tkana była z szorstkich nici lnianych lub bawełnianych). Słynna koronka Wołogdy (elementy wzoru - kwiat przypominający stokrotkę, stylizowany ptak - pawia, ułożony warkoczem - wiluszka).
Architektura Białorusi.
Architektura czasów nowożytnych 1990 rok. Lata 2000. charakteryzują się innowacyjnymi poszukiwaniami. Następują zmiany w koncepcji urbanistycznej: rozwój struktury planistycznej miast przebiega poprzez przejście do układu „miasto-przedmieście”. Rośnie rola budownictwa niskich i indywidualnych budynków mieszkalnych. Rozpowszechniły się obwodnice, umożliwiające ominięcie miasta (Logojsk, Kobryń, Homel). Rozpowszechniła się rzeźba i kolorystyka (pomniki książąt Dawida w Daivd-Gorodok, Borysa w Borysowie, F. Skoryny, M. Gusowskiego i K. Turowskiego na dziedzińcu BSU). Od początku 2000 kształtowanie artystycznego wyglądu białoruskich miast odbywa się za pomocą środków graficznych i oświetlenia dekoracyjnego, które służą jako przewodnik po przestrzeni, pełnią funkcje informacyjne i otwierają nowe aspekty estetyczne budynków i budowli (budynki przy alei Niepodległości, Partizansky, Pobediteley - w Mińsku, Sobór Piotra i Pawła oraz Pałac Rumiancewów - Paskiewicza w Homlu, Stela Zwycięstwa w Mozyrzu), świątynia imienia Czcigodnej Eufrazyni Księżnej Połockiej w Mińsku, Cerkiew Objawienia Pańskiego w Grodnie. Zastosowano szyby przyciemniane i lustrzane z nowych materiałów budowlanych (Pałac Lodowy w Mińsku, Homlu, Grodnie, Żłobinie, Witebsku), budynku głównego dworca kolejowego, centrum biurowego XXI wieku w Mińsku, budynku Biblioteki Narodowej w Mińsku. Nowoczesne projekty opierają się na połączeniu metalowych ram i przeszkleń zewnętrznych oraz ścian pełniących funkcję użytkową i dekoracyjną. Ze względu na różnorodność materiałów budowlanych, budownictwo mieszkaniowe odbywa się przy użyciu konstrukcji żelbetowych, stosuje się konstrukcje panelowe i cegły. Odradzają się wysokie, niskie i indywidualne budynki mieszkalne budowane według standardowych projektów. W latach 1992-1997 utworzono w mieście obóz mieszkaniowy dla personelu wojskowego. Rejon Ross Wołkowyski. Powszechna stała się budowa indywidualnych budynków mieszkalnych typu chałupniczego na obszarach podmiejskich (wiesie Borowlany, Nowinki, obwód miński). Architektura chat nawiązuje do motywów baroku, klasycyzmu, secesji, gotyku i architektury ludowej. W 2000 roku w Grodnie wybudowano zespół pamiątkowy żołnierzy Straży Granicznej oraz tablicę architektoniczną „Partyzantom białoruskim w Mińsku”. Budynek głównego budynku dworca kolejowego w Mińsku, architekci - Kramarenko, Winogradow, otrzymali Nagrodę Państwową B. 2004.
Do zabytków architektury należą: Zamek Mir, Zamek w Nieświeżu, Zamek Grodno, Kanał Agińskiego, Mur Twierdzy w Grodnie, Kościół Zwiastowania w Witebsku, Zamek w Lidzie, Cerkiew Teresy w Szczeczynie.
Sztuka piękna końca XX i początku XXI wieku.
W drugiej połowie lat 80. XX w. ukształtowały się wszystkie główne kierunki sztuki plastycznej XX w. - początek XXI w.: malarstwo sakralne, w tym malarstwo ikonowe (N. Mukhin, W. Bałabanow, I. Głazunow, E. Maksimov, W. Szyłow); „szkoła szkicu” malarska, charakteryzująca się tradycyjnym rosyjskim pejzażem (V. Sidorov, V. Shcherbakov, V. Telin, V. Połotnow); awangarda (Złotnikow, Jankilewski, Nasedkin); rosyjski postmodernizm (Dubow, Kislitsin, Markelova, Tereshchenko); "Sztuka współczesna" Cecha sztuki pięknej przełomu XX i XXI wieku. polega na tym, że uwolniła się od cenzury, od wpływów państwa, ale nie od gospodarki rynkowej. Jeśli w czasach sowieckich profesjonalni artyści otrzymywali pakiet gwarancji socjalnych, ich obrazy kupowano na krajowe wystawy i galerie, ale teraz mogą polegać tylko na własnych siłach.
W 1947 roku utworzono Akademię Sztuk Pięknych. W latach 50. wprowadzono rygorystyczny system. Artysta studiujący na uniwersytecie musi przejść przez kilka etapów.
I etap – ukończenie szkoły plastycznej
Etap 2 – ukończenie szkoły lub instytutu artystycznego.
Zakończ szkolenie dużym obrazem tematycznym. Następnie zostaje członkiem związku artystów. Okresowo prezentuje swoje nowe prace na oficjalnej wystawie. Głównym odbiorcą dzieł artystycznych mistrzów było państwo. Pod koniec lat 50. nad Moskwą wznosiły się wieżowce z iglicami. Nazywano je „High-Rise”. Było ich 7. 1967 W Moskwie zbudowano wieżę telewizyjną Astana. Projekt samochodu Nikitina 1907-1973 architekt ten brał udział w budowie zespołów Pałacu Kultury w Warszawie, pomnika „Ojczyzna wzywa!” wieża telewizyjna i restauracja Seventh Heaven. Zaczęły pojawiać się zespoły mieszkaniowe nawiązujące do postmodernistycznej kultury Zachodu. Następnie w Moskwie architekturę blokową zastąpiono różnorodnością kształtów i stylów materiałów (szkło). Biblioteka Narodowa została zbudowana w Mińsku w stylu high-tech w 2002 roku. Szczególnie popularny jest styl moskiewski - odrestaurowana Katedra Chrystusa Zbawiciela, która znalazła się na szczycie listy największych. Ale najbardziej ambitnym projektem w Moskwie jest „CITY” z dziesiątkami drapaczy chmur. W XXI wieku powstaje 25-piętrowy budynek. Trwa renowacja kompleksu Khatyn (Silichanow, Zankowicz). „Twierdza Brzeska” - Wołchok, Sysojew, Zankowicz, Nazarow, brali udział rzeźbiarze - Bobyl, Bembel. Vablio zaczął rozprzestrzeniać się w malarstwie. Jest to gatunek ironicznych rysunków, w którym znajduje się werbalne echo popularnego filmu Gugariewa i jego dzieła „Nocna straż”. Następnym okresem jest egocentryzm. Innowacyjność i konformizm polegają na tym, że w pracach można doszukać się metafory i koncepcji, które zastępuje się kierunkami tematycznymi. A. Bosolyga – „Modlitwa”. W XXI wieku chrześcijaństwo powraca, ikona odradza się, odnawiane są świątynie i kościoły. We współczesnej szkole XXI wieku nie ma wpływów sztuki zachodnioeuropejskiej. W grafice wolna linia jest intelektualną grą linii. Yu Podolin „Lusterka”. W XXI wieku w grafice odradzają się drobne formy pocztówek, reklam, plakatów i grafiki książkowej. Grafika pojawia się w kolorze. Rozwija się grafika komputerowa. W tym kierunku: Borozna, Jakowenko. Drukowane grafiki osłabiły ich rozwój poprzez litografię, która wykonywana jest na metalowych płytach. Autor Zventsov „Podstawy grafiki”. Fotografia artystyczna przeżywa renesans i wywiera silny wpływ na grafikę. Rozwija się sztuka intuicyjna.