MALARSTWO AMERYKAŃSKIE
Pierwsze dzieła malarstwa amerykańskiego, które do nas dotarły, pochodzą z XVI wieku; są to szkice wykonane przez uczestników wypraw badawczych. Jednak profesjonalni artyści pojawili się w Ameryce dopiero na początku XVIII wieku; jedynym stabilnym źródłem dochodu był dla nich portret; gatunek ten zajmował wiodącą pozycję w malarstwie amerykańskim aż do początku XIX wieku.
Okres kolonialny. Pierwsza grupa portretów, wykonana w technice malarstwa olejnego, pochodzi z drugiej połowy XVII wieku; W tym czasie życie osadników było w miarę spokojne, życie się ustabilizowało i pojawiły się możliwości uprawiania sztuki. Spośród tych dzieł najbardziej znany jest portret pani Frick z córką Marią (1671-1674, Massachusetts, Worcester Museum of Art), namalowany przez nieznanego angielskiego artystę. W latach trzydziestych XVIII wieku w miastach na wschodnim wybrzeżu było już kilku artystów tworzących w bardziej nowoczesny i realistyczny sposób: Henrietta Johnston w Charleston (1705), Justus Englehardt Kuhn w Annapolis (1708), Gustav Hesselius w Filadelfii (1712), John Watson w Perth Amboy w New Jersey (1714), Peter Pelham (1726) i John Smibert (1728) w Bostonie. Malarstwo tych dwóch ostatnich wywarło znaczący wpływ na twórczość Johna Singletona Copleya (1738-1815), uznawanego za pierwszego większego artystę amerykańskiego. Dzięki rycinom z kolekcji Pelham młody Copley zapoznał się z angielskim portretem ceremonialnym i malarstwem Godfreya Knellera, czołowego angielskiego mistrza pracującego w tym gatunku na początku XVIII wieku. Na obrazie Chłopiec z wiewiórką (1765, Boston, Muzeum Sztuk Pięknych) Copley stworzył wspaniały realistyczny portret, delikatny i zaskakująco dokładny w oddawaniu faktury przedmiotów. Kiedy Copley wysłał tę pracę do Londynu w 1765 roku, Joshua Reynolds poradził mu, aby kontynuował studia w Anglii. Jednak Copley pozostał w Ameryce do 1774 roku i nadal malował portrety, dokładnie opracowując w nich wszystkie szczegóły i niuanse. Następnie odbył podróż do Europy i w 1775 r. osiadł w Londynie; W jego stylu pojawił się manieryzm i cechy idealizacji charakterystyczne dla ówczesnego malarstwa angielskiego. Do najwspanialszych dzieł Copleya wyprodukowanych w Anglii należą duże formalne portrety przypominające twórczość Benjamina Westa, w tym Brooke Watson and the Shark (1778, Boston, Museum of Fine Arts). Benjamin West (1738-1820) urodził się w Pensylwanii; Po namalowaniu kilku portretów Filadelfian przeniósł się w 1763 roku do Londynu. Tutaj zyskał sławę jako malarz historyczny. Przykładem jego twórczości w tym gatunku jest obraz Śmierć generała Wolfe'a (1770, Ottawa, National Gallery of Canada). W 1792 roku West zastąpił Reynoldsa na stanowisku prezesa Brytyjskiej Królewskiej Akademii Sztuk.
Wojna o niepodległość i początek XIX wieku. W przeciwieństwie do Copleya i Westa, którzy pozostali na stałe w Londynie, portrecista Gilbert Stuart (1755-1828) wrócił do Ameryki w 1792 roku, robiąc karierę w Londynie i Dublinie. Wkrótce stał się czołowym mistrzem tego gatunku w młodej republice; Stewart malował portrety prawie wszystkich prominentnych osobistości politycznych i publicznych w Ameryce. Jego prace wykonane są w sposób żywy, swobodny, szkicowy, bardzo odmienny od stylu amerykańskich dzieł Copleya. Benjamin West chętnie przyjmował do swojej londyńskiej pracowni młodych amerykańskich artystów; do jego uczniów należeli Charles Wilson Peale (1741-1827) i Samuel FB Morse (1791-1872). Peale został założycielem dynastii malarzy i rodzinnego przedsiębiorstwa artystycznego w Filadelfii. Malował portrety, zajmował się badaniami naukowymi, otworzył Muzeum Historii Naturalnej i Malarstwa w Filadelfii (1786). Spośród jego siedemnastu dzieci wiele zostało artystami i przyrodnikami. Morse, lepiej znany jako wynalazca telegrafu, namalował kilka pięknych portretów i jeden z najwspanialszych obrazów w całym malarstwie amerykańskim, Galerię Luwru. W tej pracy około 37 płócien zostało odtworzonych w miniaturze z niesamowitą dokładnością. Dzieło to, jak wszystkie działania Morse'a, miało na celu wprowadzenie młodego narodu w wielką kulturę europejską. Washington Alston (1779-1843) był jednym z pierwszych artystów amerykańskich, który złożył hołd romantyzmowi; Podczas długich podróży po Europie malował burze morskie, poetyckie sceny włoskie i sentymentalne portrety. Na początku XIX wieku. Powstały pierwsze amerykańskie akademie artystyczne, zapewniające studentom kształcenie zawodowe i biorące bezpośredni udział w organizowaniu wystaw: Pennsylvania Academy of Arts w Filadelfii (1805) i National Academy of Drawing w Nowym Jorku (1825), której pierwszym prezesem był S. R. Morse . W latach dwudziestych i trzydziestych XIX wieku John Trumbull (1756–1843) i John Vanderlyn (1775–1852) namalowali ogromne kompozycje przedstawiające tematy z historii Ameryki, które zdobiły ściany Rotundy Kapitolu w Waszyngtonie. W latach trzydziestych XIX wieku krajobraz stał się dominującym gatunkiem malarstwa amerykańskiego. Thomas Cole (1801-1848) pisał o dziewiczej naturze północy (Nowy Jork). Twierdził, że zniszczone przez pogodę góry i jasne jesienne lasy są bardziej odpowiednimi tematami dla amerykańskich artystów niż malownicze europejskie ruiny. Cole namalował także kilka pejzaży przesiąkniętych znaczeniem etycznym i religijnym; wśród nich znajdują się cztery duże obrazy, Life's Path (1842, Waszyngton, National Gallery) - alegoryczne kompozycje przedstawiające łódź płynącą w dół rzeki, w której siedzi chłopiec, potem młody mężczyzna, potem mężczyzna i wreszcie starzec. Wielu malarzy krajobrazu poszło za przykładem Cole'a i w swoich pracach przedstawiało amerykańską naturę; często łączy się ich w jedną grupę zwaną „szkołą rzeki Hudson” (co nie jest prawdą, gdyż pracowali na terenie całego kraju i pisali w różnych stylach). Wśród amerykańskich malarzy gatunkowych najbardziej znani to William Sidney Mount (1807-1868), który malował sceny z życia rolników na Long Island, oraz George Caleb Bingham (1811-1879), którego obrazy poświęcone są życiu rybaków z brzegów Missouri i wybory w małych prowincjonalnych miasteczkach. Przed wojną secesyjną najpopularniejszym artystą był Frederick Edwin Church (1826-1900), uczeń Cole'a. Malował głównie prace wielkoformatowe, czasami stosował motywy nazbyt naturalistyczne, aby przyciągnąć i oszołomić publiczność. Church podróżował do najbardziej egzotycznych i niebezpiecznych miejsc, zbierając materiały przedstawiające wulkany Ameryki Południowej i góry lodowe mórz północnych; jednym z jego najsłynniejszych dzieł jest obraz Wodospad Niagara (1857, Waszyngton, Corcoran Gallery). W latach sześćdziesiątych XIX wieku ogromne płótna Alberta Bierstadta (1830-1902) wzbudziły powszechny podziw dla piękna przedstawionych na nich Gór Skalistych z ich czystymi jeziorami, lasami i przypominającymi wieże szczytami.
Okres powojenny i przełom wieków. Po wojnie domowej modne stało się studiowanie malarstwa w Europie. W Düsseldorfie, Monachium, a zwłaszcza Paryżu można było zdobyć znacznie bardziej podstawowe wykształcenie niż w Ameryce. James McNeil Whistler (1834-1903), Mary Cassatt (1845-1926) i John Singer Sargent (1856-1925) studiowali w Paryżu, mieszkali i pracowali we Francji i Anglii. Whistler był blisko francuskich impresjonistów; w swoich obrazach szczególną wagę przywiązywał do zestawień kolorystycznych i wyrazistej, lakonicznej kompozycji. Mary Cassatt na zaproszenie Edgara Degasa brała udział w wystawach impresjonistów od 1879 do 1886 roku. Sargent malował portrety najwybitniejszych osobistości Starego i Nowego Świata w sposób odważny, porywczy, szkicowy. Przeciwna strona spektrum stylistycznego impresjonizmu w sztuce końca XIX wieku. zajmowane przez artystów realistów, którzy malowali iluzjonistyczne martwe natury: Williama Michaela Harnetta (1848-1892), Johna Fredericka Peto (1854-1907) i Johna Haeberla (1856-1933). Dwaj najważniejsi artyści końca XIX i początku XX wieku, Winslow Homer (1836-1910) i Thomas Eakins (1844-1916), nie należeli do żadnego z modnych wówczas ruchów artystycznych. Homer rozpoczął karierę twórczą w latach sześćdziesiątych XIX wieku od ilustrowania nowojorskich magazynów; już w latach 90. XIX w. cieszył się opinią znanego artysty. Jego wczesne obrazy przedstawiają sceny z życia na wsi nasycone jasnym światłem słonecznym. Później Homer zaczął sięgać po bardziej złożone i dramatyczne obrazy i motywy: Prąd Zatokowy (1899, Metropolitan) przedstawia rozpacz czarnego marynarza leżącego na pokładzie łodzi na wzburzonym morzu pełnym rekinów. Za życia Thomas Eakins był obiektem ostrej krytyki za nadmierny obiektywizm i bezpośredniość. Obecnie jego prace są wysoko cenione za surowe i jasne rysunki; na jego pędzlach znajdują się wizerunki sportowców i szczere portrety przepojone współczuciem.
XX wiek. Na początku stulecia najbardziej ceniono naśladownictwo francuskiego impresjonizmu. Gustowi społecznemu rzuciła wyzwanie grupa ośmiu artystów: Robert Henry (1865-1929), W. J. Glackens (1870-1938), John Sloan (1871-1951), J. B. Lax (1867-1933), Everett Shinn (1876-1953) , A. B. Davis (1862-1928), Maurice Prendergast (1859-1924) i Ernest Lawson (1873-1939). Krytycy nazywali ich szkołą „śmietników” ze względu na ich upodobanie do przedstawiania slumsów i innych prozaicznych tematów. W 1913 roku na tzw „Armory Show” prezentował prace mistrzów różnych dziedzin postimpresjonizmu. Artyści amerykańscy byli podzieleni: niektórzy zwrócili się w stronę eksploracji możliwości koloru i abstrakcji formalnej, inni pozostali w łonie tradycji realistycznej. Do drugiej grupy należeli Charles Burchfield (1893-1967), Reginald Marsh (1898-1954), Edward Hopper (1882-1967), Fairfield Porter (1907-1975), Andrew Wyeth (ur. 1917) i inni. Obrazy Ivana Albrighta (1897-1983), George'a Tookera (ur. 1920) i Petera Blooma (1906-1992) utrzymane są w stylu „realizmu magicznego” (podobieństwo do natury w ich dziełach jest przesadzone, a rzeczywistość bardziej przypomina sen lub halucynację). Inni artyści, jak Charles Sheeler (1883-1965), Charles Demuth (1883-1935), Lionel Feininger (1871-1956) i Georgia O'Keeffe (1887-1986), łączyli w swoich dziełach elementy realizmu, kubizmu i ekspresjonizmu. dzieła i inne kierunki sztuki europejskiej. Widoki morskie Johna Marina (1870-1953) i Marsdena Hartleya (1877-1943) są bliskie ekspresjonizmowi. Wizerunki ptaków i zwierząt na obrazach Maurice'a Gravesa (ur. 1910) wciąż zachowują związek ze światem widzialnym, choć formy w jego pracach są mocno zniekształcone i doprowadzone do wręcz skrajnych oznaczeń symbolicznych. Po II wojnie światowej malarstwo nieobiektywne stało się wiodącym kierunkiem w sztuce amerykańskiej. Główną uwagę zwrócono obecnie na powierzchnię malarską sam w sobie; był postrzegany jako arena interakcji linii, mas i plam koloru. Najbardziej znaczące miejsce zajął w tych latach ekspresjonizm abstrakcyjny. Stał się pierwszym ruchem w malarstwie, który powstał w Stanach Zjednoczonych i miał znaczenie międzynarodowe. Przywódcami tego ruchu byli Arshile Gorky (1904-1948), Willem de Kooning (Kooning) (1904-1997), Jackson Pollock (1912-1956), Mark Rothko (1903-1970) i Franz Kline (1910-1962). Jednym z najciekawszych odkryć abstrakcyjnego ekspresjonizmu była metoda artystyczna Jacksona Pollocka, który kapał lub rzucał farbę na płótno, tworząc skomplikowany labirynt dynamicznych form linearnych. Inni artyści tego nurtu – Hans Hofmann (1880-1966), Clyford Still (1904-1980), Robert Motherwell (1915-1991) i Helen Frankenthaler (ur. 1928) – uprawiali technikę malowania płócien. Inną odmianą sztuki nieobiektywnej jest malarstwo Josefa Albersa (1888-1976) i Ada Reinharta (1913-1967); ich obrazy składają się z zimnych, precyzyjnie obliczonych geometrycznych kształtów. Inni artyści tworzący w tym stylu to Ellsworth Kelly (ur. 1923), Barnett Newman (1905-1970), Kenneth Noland (ur. 1924), Frank Stella (ur. 1936) i Al Held (ur. 1928); później kierowali hurtowym kierunkiem sztuki. Pod koniec lat pięćdziesiątych Robert Rauschenberg (ur. 1925), Jasper Johns (ur. 1930) i Larry Rivers (ur. 1923), zajmujący się mediami mieszanymi, w tym asamblażem, wypowiadali się przeciwko sztuce niefiguratywnej. Do swoich „obrazów” włączali fragmenty fotografii, gazet, plakatów i innych obiektów. Na początku lat 60. XX w. assemblaż dał początek nowemu ruchowi, tzw. pop-artu, którego przedstawiciele bardzo starannie i wiernie reprodukowali w swoich pracach różne przedmioty i obrazy amerykańskiej popkultury: puszki po coca-coli i konserwy, paczki papierosów, komiksy. Czołowymi artystami tego ruchu są Andy Warhol (1928-1987), James Rosenquist (ur. 1933), Jim Dine (ur. 1935) i Roy Lichtenstein (ur. 1923). W ślad za pop-artem pojawiła się sztuka optyczna, oparta na zasadach optyki i iluzji optycznej. W latach 70. w Ameryce nadal istniały różne szkoły ekspresjonizmu, geometrycznego hard Edge, pop-artu, coraz modniejszego fotorealizmu i innych stylów sztuk pięknych.
LITERATURA
Czegodajew A.D. Sztuka Stanów Zjednoczonych Ameryki od wojny o niepodległość do czasów współczesnych. M., 1960 Chegodaev A.D. Sztuka Stanów Zjednoczonych Ameryki. 1675-1975. Malarstwo, architektura, rzeźba, grafika. M., 1975
Encyklopedia Colliera. - Społeczeństwo otwarte. 2000 .
Zobacz, co „MALARSTWO AMERYKAŃSKIE” znajduje się w innych słownikach:
Sceny codzienne i pejzaże autorstwa amerykańskich artystów lat 20. i 30. XX wieku, wykonane w sposób naturalistyczny, opisowy. Amerykańskie malarstwo gatunkowe nie było ruchem zorganizowanym, było szeroko rozpowszechnione wśród amerykańskiej… Wikipedii
- „Wesele chłopskie”, 1568, Pieter Bruegel, Kunsthistorisches Museum, Wiedeń ... Wikipedia
Współrzędne: 29°43′32″N. w. 95°23′26″ szer d. / 29,725556° n. w. 95,390556° W d. ... Wikipedia
Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku- Jedno z największych muzeów na świecie i największe muzeum sztuki w Stanach Zjednoczonych - Metropolitan Museum of Art, zlokalizowane w Nowym Jorku po wschodniej stronie Central Parku na Manhattanie. To miejsce jest znane jako Mile Muzeów... ... Encyklopedia newsmakers
Wikipedia zawiera artykuły o innych osobach noszących to nazwisko, zobacz Bessonova. Marina Aleksandrovna Bessonova (22 lutego 1945 (19450222), Moskwa 27 czerwca 2001, Moskwa) Rosyjska historyk sztuki, krytyk, działacz muzealny. Spis treści 1... ...Wikipedia
Jedno z największych muzeów sztuki w USA. Założona w Bostonie w 1870 roku. Zawiera wybitne przykłady rzeźby ze starożytnego Egiptu (popiersie Ankhhaf, 3 tysiąclecie p.n.e.), Grecji i Rzymu, tekstyliów koptyjskich, średniowiecznej sztuki Chin i Japonii... ... Wielka encyklopedia radziecka
- (De Kooning, Willem) DE KOONING w swoim warsztacie. (1904-1997), współczesny artysta amerykański, szef szkoły ekspresjonizmu abstrakcyjnego. De Kooning urodził się 24 kwietnia 1904 roku w Rotterdamie. W wieku 15 lat zapisał się na wieczorowe kursy malarstwa... ... Encyklopedia Colliera
- (Chattanooga) miasto w południowo-wschodnich Stanach Zjednoczonych (patrz Stany Zjednoczone Ameryki) (Tennessee); port na rzece Tennessee w Dolinie Wielkich Appalachów; położone pomiędzy Appalachami a płaskowyżem Cumberland, na granicy ze stanem Georgia. Ludność 153,6 tys.... ... Encyklopedia geograficzna
- (Chattanooga), miasto w południowo-wschodnich Stanach Zjednoczonych, w stanie Tennessee. Port nad rzeką Tennessee. mieszkańców (1994; z przedmieściami ok. 430 tys. mieszkańców). Przemysł chemiczny, tekstylny, celulozowo-papierniczy. Metalurgia żelaza, budowa maszyn.... ... słownik encyklopedyczny
Barbara Rose (ur. 1938) to amerykańska historyk i krytyk sztuki. Studiowała w Smith College, Barnard College i Columbia University. W latach 1961-1969 była żoną artysty Franka Stelli. W... ...Wikipedii
Książki
- Malarstwo angielskie i amerykańskie w Washington National Gallery (miękka oprawa), E. G. Milyugina, The Washington National Gallery posiada największe na świecie zbiory malarstwa angielskiego i amerykańskiego o wysokim poziomie artystycznym. Zbiory odzwierciedlają zarówno historię malarstwa światowego,... Kategoria:
Oryginał wzięty z vanatik05 w MALARSTWIE AMERYKAŃSKIM – 5 (Tradycje realistyczne w XX wieku)
W 1913 roku Stowarzyszenie Amerykańskich Malarzy i Rzeźbiarzy zorganizowało pierwszą dużą międzynarodową wystawę sztuki współczesnej, Armory Show, w zbrojowni Gwardii Narodowej przy Lexington Avenue. Stało się ważnym wydarzeniem w historii sztuki amerykańskiej, wywołującym różne emocje: zdziwienie, podziw, oburzenie, uwielbienie i całkowite odrzucenie wśród amerykańskiej publiczności, przyzwyczajonej do realizmu, w pewnym stopniu do impresjonizmu, ale nie do awangardowej sztuki europejskiej które widział na tej wystawie. 1300 obrazów, rzeźb i dzieł dekoracyjnych ponad 300 współczesnych artystów europejskich i amerykańskich odwiedziło nie tylko Nowy Jork, ale także Chicago i Waszyngton.
W recenzjach wystawy pojawiały się oskarżenia o niemoralność, nieprofesjonalizm, szaleństwo, szarlataneria, wiele prac nazywano karykaturami i parodiami malarstwa, a Theodore Roosevelt stwierdził: „To wcale nie jest sztuka!”
Władze cywilne nie ingerowały jednak i nie próbowały zamknąć wystawy, a otaczające ją skandale jedynie przyczyniły się do udanej sprzedaży wielu dzieł, które dziś można oglądać w amerykańskich muzeach, a MoMA (Muzeum Sztuki Nowoczesnej) może powszechnie uważa się za spadkobiercę i następcę tych pierwszych wystaw sztuki współczesnej.
Pośrednio wpłynęło to na artystów ruchu realistycznego, a tradycje realistyczne w Ameryce nigdy nie umarły, nie tylko przyczyniły się do zmian w technikach i tematyce rysunkowej, ale wręcz dały początek nowym nurtom w malarstwie, takim jak „realizm magiczny”*
A jego odgałęzieniem jest „precyzjonizm”**, charakterystyczny specyficznie dla artystów amerykańskich,
I ruch artystyczny „regionalizm”*** (lub regionalizm) zrodzony w Ameryce.
Porozmawiamy o artystach, przedstawicielach różnych dziedzin sztuki realistycznej w Ameryce XX wieku.
Charlesa Burchfielda(1893-1967), jeden z najwybitniejszych akwarelistów Ameryki, malujący swoje obrazy przy sztalugach techniką suchego pędzla, wcześnie (już od 1915 roku) wypracował własny styl neorealistyczny, łączący nurty modernistyczne, tradycyjne malarstwo chińskie i elementy fowizmu .
Przez całe swoje twórcze życie zmieniał kierunki i techniki, malował pejzaże i obrazy o tematyce historycznej, sceny obserwowane z okna swojego domu oraz kwiaty „halucynacyjne”, w duchu realizmu magicznego, poglądów na naturę i jej boską moc.
Na jego cześć w 1966 roku utworzono w Buffalo Centrum Przyrody i Sztuki, zwane Birchfield Penny Art Center, w którym znajduje się także największa na świecie kolekcja dzieł artysty.
Reginalda Marsha(1898-1954), urodzony w Paryżu, w zamożnej rodzinie artystycznej, był uczniem D. Sloana, znanego przede wszystkim jako malarz i ilustrator scen miejskich, życia ulicznego i plaż Nowego Jorku.
Jego obrazy wyróżnia dokumentalna wnikliwość, przepojona ironicznym umiłowaniem bohaterów, malował dużo dla burleski i wodewilu, uważając je za „teatr zwykłego człowieka, wyrażający humor i fantazje biednych, starych i brzydkich”.
Zajmował się olejem i tuszem, akwarelą, temperą jajeczną, a swoje twórcze życie rozpoczął od litografii. Jego styl można określić jako „realizm społeczny”, szczególnie widoczny w okresie Wielkiego Kryzysu, a przywiązanie do dawnych mistrzów, których twórczość darzył czcią, doprowadziło do powstania dzieł zawierających metafory religijne.
Krótko przed śmiercią na zawał serca Marsh otrzymał Złoty Medal Sztuk Graficznych od Amerykańskiej Akademii Sztuk.
Fairfielda Portera(1907-1975) urodził się w rodzinie architekta i poety, studiował na Harvardzie i w Lidze Studentów Amerykańskich, przez całe życie wyznawał kierunek realistyczny, malował głównie pejzaże oraz portrety rodziny i przyjaciół, starając się wydobyć niezwykłość w zwykłym życiu i uczynić je piękniejszym.
W jego twórczości widoczne są wpływy ojca architekta, twórczość Velázqueza, a później artystów Bonnarda i Vuillarda; uważał, że „impresjonizm jest w stanie obrazowo odtworzyć obecność rzeczywistości”.
Być może brak dobrych nauczycieli malarstwa olejnego, ostrożny stosunek do zmysłowości i naturalizmu, charakterystyczny dla wielu Amerykanów tamtych lat, pomaga wyjaśnić nieco prymitywny charakter dzieł Portera, niezdarność, sztywność jego postaci, ich statyczność.
I dopiero w późniejszych pracach zaczyna przekraczać granicę między impresjonizmem a fowizmem, jego rysunek staje się bardziej swobodny, kolory są jaśniejsze, w jego pracach jest więcej światła.
Edwarda Hoppera(1882-1967) urodził się w Nyack, ośrodku budowy jachtów nad rzeką Hudson, w zamożnej rodzinie holenderskiego pochodzenia. Talent artystyczny Hoppera ujawnił się już w wieku 5 lat, rodzice zaszczepili w nim miłość do sztuki francuskiej i rosyjskiej oraz zaszczepili w nim pasję do malarstwa i różnorodne zainteresowania.
Hopper posługiwał się piórem i tuszem, węglem, akwarelą, olejem i litografią, malując portrety i pejzaże morskie, karykatury polityczne i rysunki z życia. W twórczości Hoppera można dostrzec wpływy Roberta Henry’ego, jednego z jego nauczycieli, oraz Maneta i Degasa,
Williama Chase’a i Rembrandta, zwłaszcza jego „Nocną straż” i mieszkając w Paryżu, malując sceny na ulicach, w kawiarniach i teatrach, pozostawał w tradycji sztuki realistycznej, choć niektórzy badacze przypisują jego twórczości precyzję ze względu na wyraźne charakterystyczne dla jego twórczości wyraźne linie, geometryczne kształty, mechaniczność, sterylność i pustka przestrzeni.
Powiedział, że jego „ulubioną rzeczą w malarstwie jest światło słoneczne na ścianie domu”. Podczas Wielkiego Kryzysu Hopper miał więcej szczęścia niż wielu innych artystów – przez resztę życia nadal co roku wystawiał i dobrze się sprzedawał.
Jego twórczość wywarła ogromny wpływ nie tylko na sztuki wizualne, ale także na kino z jego kinowymi kompozycjami i dramatycznym wykorzystaniem światła i ciemności.
Paweł Cadmus(1904-1999), przedstawiciel nurtu „realizmu magicznego”, łączył w swojej twórczości elementy erotyki i krytyki społecznej,
zyskał skandaliczną sławę dzięki jawnym motywom homoseksualnym w swoich obrazach i przedstawieniach nagich postaci męskich.
Urodził się w biednej artystycznej rodzinie, ojciec zachęcił chłopca do zajęcia się rysunkiem, a w wieku 14 lat rozpoczął kursy w Narodowej Akademii Wzornictwa, a następnie do Akademii. Dużo podróżował z przyjaciółmi, malował duże płótna odzwierciedlające wrażenia z Europy, malował wielopostaciowe obrazy z życia rybaków, żeglarzy, sceny z życia miejskiego,
Po spotkaniu z impresario i baletnicą Kirsten Cadmus zaczął tworzyć wiele dzieł o tematyce baletowej, głównie przedstawiających tancerzy.
Paul Cadmus żył długo i zmarł w wieku 95 lat w ramionach swojego przyjaciela i zwykłego modela, który był przy nim przez ostatnie 35 lat jego życia. Cadmus lubił powtarzać słowa Ingresa: „Ludzie mówią, że moje obrazy nie są odpowiednie na ten czas. Być może się mylą, a ja jako jedyny idę z duchem czasu.”
Iwan (Iwan) Albright(1897-1983), jeden z najsłynniejszych przedstawicieli realizmu magicznego, urodził się wraz z bratem bliźniakiem w rodzinie artystycznej.
Bracia byli nierozłączni przez większość życia, obaj studiowali w Art Institute of Chicago, brat Malvin został rzeźbiarzem, a Ivan malarzem, ale zaczynał jako architekt, a podczas I wojny światowej wykonywał rysunki medyczne dla szpitala w Nantes. Zawsze był bardzo wymagający w swojej pracy, starannie spisując wszystkie szczegóły i poświęcając wiele swoich dzieł tak złożonym tematom, jak życie i śmierć, materialność i duch, wpływ czasu na wygląd i wewnętrzny świat człowieka.
Taka praca wymagała dużo czasu, dlatego sprzedaż była rzadka, wiele obrazów pozostało w jego posiadaniu. Albright robił własne farby i węgle i miał obsesję na punkcie oświetlenia do tego stopnia, że nosił czarne ubrania i malował swoje studio na czarno, aby zapobiec odblaskom.
Malował w sposób realistyczny, ale przesadnie szczegółowy, uwielbiał obserwować upływ czasu i tylko w ciągu ostatnich 3 lat życia namalował ponad 20 autoportretów, odzwierciedlających zmiany zachodzące w człowieku.
George’a Claire’a Tookera Jr. (1920-2011), którego twórczość reprezentuje kierunki socrealizmu i realizmu magicznego, urodził się w rodzinie o korzeniach angielsko-francusko-hiszpańsko-kubańskich i amerykańskich, pod naciskiem rodziców studiował literaturę angielską na Harvardzie, ale większość czasu poświęcił malarstwu.
Po służbie w piechocie morskiej, z której został zwolniony ze względu na zły stan zdrowia, uczęszczał na kursy w Lidze Studentów Sztuki, dużo pracował nad temperą jajeczną i podziwiał sztukę włoskiego renesansu.
Obrazy Tookera przedstawiają sceny z codziennego życia Amerykanów, pojawiające się na nich postacie ludzkie często nie mają określonej tożsamości rasowej ani seksualnej, wyrażając samotność, izolację i anonimowość.
Przywiązywał dużą wagę do zachowania proporcji geometrycznych i symetrii, dlatego malował bardzo powoli – nie więcej niż dwa obrazy rocznie. Od czasu swojej pierwszej dużej wystawy w 1951 r. Tooker wystawia swoje prace nieprzerwanie i z sukcesem, a jego prace znajdują się w najważniejszych muzeach Ameryki.
Piotr Blum(Peter Bloom) - (1906-1992), artysta i rzeźbiarz, w którego twórczości znajdują się elementy precyzji, puryzmu, kubizmu, surrealizmu i sztuki ludowej. Urodził się w Rosji w rodzinie żydowskiej, która w 1912 roku wyemigrowała do Ameryki i osiedliła się na Brooklynie.
Po studiach artystycznych w różnych instytucjach edukacyjnych otworzył własną pracownię pod patronatem rodziny Rockefellerów. Podobnie jak wielu współczesnych mu realistów, był miłośnikiem renesansu, podróżował po Włoszech, jego pierwszym obrazem, który zyskał uznanie w 1934 r., było „Wieczne Miasto”, w którym można dostrzec wizerunek Mussoliniego niczym jack- w pudełku, wyłaniający się z Koloseum.
Jego dzieła, często przedstawiające zniszczenia, można jednak interpretować jako symbole odnowy i odnowy po drugiej wojnie światowej, o czym świadczą kamienie, nowe belki i postacie ludzi pracy.
Styl artystyczny Blume'a był ciekawą hybrydą różnych nurtów artystycznych sztuki amerykańskiej i europejskiej, nazywany jest „artystą bajkowym”.
Andrew Newella Wyetha(1917-2009), przedstawiciel nurtu realizmu, w którym przeważał regionalizm, urodził się w rodzinie ilustratora, który dbał o rozwój talentów pięciorga dzieci, ucząc je dobrej literatury, muzyki i poznawania przyrody. Sam ojciec uczył swoje dzieci w domu i wszyscy byli utalentowani: artyści, muzyk, kompozytor, wynalazca.
Ich dom był kreatywnym miejscem, często odwiedzanym przez takie gwiazdy jak Scott Fitzgerald i Mary Pickford. Sam Wyeth, co dziwne, uważał się za abstrakcjonistę i przywiązywał dużą wagę do świadomości głębokiego znaczenia prostych przedmiotów; jego ulubionymi motywami w jego obrazach była ziemia i otaczający go ludzie.
Jego najsłynniejszy obraz, Świat Christiny, przedstawia dziewczynę z sąsiedniej farmy, niepełnosprawną z powodu polio, czołgającą się samotnie w stronę odległego domu.
Helga Testorf poświęciła jednej kobiecie 247 obrazów i rysunków, studiował ją w różnych sceneriach i stanach emocjonalnych, co jest wyjątkowym doświadczeniem w sztuce amerykańskiej.
Chociaż Wyeth stworzył wiele doskonałych technicznie dzieł i miał wielu naśladowców, jego twórczość jest uważana za kontrowersyjną, a krytyk sztuki Rosenblum określił go jako „najbardziej przecenianego i niedocenianego” artystę.
Granta Wooda(1891-1942), jeden z najsłynniejszych przedstawicieli regionalizmu, urodził się w Iowa, wcześnie stracił ojca, pracował w sklepie z narzędziami, studiował w szkole artystycznej, a następnie w Art Institute of Chicago.
Młody Grant czterokrotnie podróżował do Europy, aby studiować style malarskie, zwracając szczególną uwagę na impresjonizm i postimpresjonizm, ale podziwiał dzieła Van Eycka i marzył o połączeniu w swojej twórczości nowoczesnych metod z przejrzystością, precyzją i głębią sztuki średniowiecznej .
Nie bez powodu jego najsłynniejszy obraz nazywany jest „amerykańskim gotykiem”; odzwierciedla on tradycyjny, XIX-wieczny pogląd na rolę mężczyzny i kobiety w Ameryce; obraz został odebrany niejednoznacznie, niektórzy uznali go za karykaturę, a gazety parodiowały go na różne sposoby.
Później, wykładając sztukę na Uniwersytecie Iowa, Wood stał się kluczową postacią w uniwersyteckim społeczeństwie kulturalnym, ale z powodu plotek o jego homoseksualnym romansie z osobistym sekretarzem Wood został zwolniony i wkrótce zmarł na raka trzustki.
Thomasa Harta (Harta) Bentona(1889-1975) urodził się w rodzinie polityków, jego ojciec, pułkownik, prawnik i filantrop, czterokrotnie był wybierany do Kongresu. Ojciec chciał, aby syn poszedł w jego ślady, ale chłopiec zainteresował się sztuką, matka wspierała jego wybór i wstąpił do Art Institute of Chicago, a następnie wyjechał do Paryża, aby kontynuować naukę w Akademii Julian.
Po powrocie do Ameryki i kontynuowaniu malowania służył w marynarce wojennej Stanów Zjednoczonych podczas I wojny światowej, pracując nad kamuflażowymi wizerunkami statków i stoczni, co wymagało realistycznych przedstawień dokumentalnych i później wpłynęło na jego styl. Na początku lat dwudziestych Benton ogłosił się „wrogiem modernizmu”, stał się jednym z czołowych przedstawicieli regionalizmu i wyznawał poglądy „lewicowe”.
Zainteresował się El Greco, wpływ jego twórczości widoczny jest w pracy nad ogromnymi freskami przedstawiającymi różne etapy i wydarzenia z życia kraju.
Benton wykładał w Art Students League w Nowym Jorku, wielu jego uczniów stało się sławnymi artystami (Hopper, Pollack, Marsh), ale został zwolniony za wygłaszanie potępiających wypowiedzi na temat nadmiernego wpływu homoseksualistów na świat sztuki. Po II wojnie światowej regionalizm jako ruch stracił na znaczeniu, Benton nadal malował murale,
działał aktywnie przez około 30 lat, ale nie cieszył się już dawną popularnością.
Johna Stewarta Carrie(1897-1946) urodził się na farmie w Kansas, opiekował się zwierzętami, lubił lekkoatletykę i od dzieciństwa otaczał się reprodukcjami obrazów Rubensa i Doré, co miało wpływ na jego późniejszy wybór stylu artystycznego.
John studiował w Art Institute of Chicago, pracował jako ilustrator czasopism i spędził rok w Paryżu, studiując dzieła Courbeta, Daumiera, Tycjana i Rubensa. Po powrocie do Stanów Zjednoczonych przez pewien czas pracował w swojej pracowni, podróżował z cyrkiem, został mianowany pierwszym artystą na Uniwersytecie Wisconsin-Madison i podróżował po kraju, aby promować rozwój sztuki w społecznościach rolniczych.
Malował murale dla Departamentu Sprawiedliwości w Waszyngtonie i dla Kapitolu w Kansas. Carrie była jednym z trzech (Bentona i Wooda) filarów amerykańskiego regionalizmu, co było szczególnie istotne w czasie Wielkiego Kryzysu.
Przedstawiał sceny z pracy, rodziny i ziemi oraz radzenie sobie z klęskami żywiołowymi, aby pokazać światu wytrwałość, ciężką pracę i wiarę ludzi, które Carrie uważała za esencję amerykańskiego życia.
Szczerze mówiąc, artyści realiści w ogóle mnie nie inspirują, trochę interesuje mnie twórczość tylko pojedynczych przedstawicieli realizmu magicznego (Cadmus, Blume, Hopper), ale w sumie ten okres w sztuce amerykańskiej nie jest mi bliski , co mogę zrobić.
Kolejna i ostatnia część poświęcona będzie współczesnej sztuce amerykańskiej. Zakończenie następuje...
Jak zawsze pokaz slajdów z większą ilością zdjęć i dobrą muzyką:
* magiczny realizm- Jako ruch artystyczny, realizm magiczny rozwinął się na ziemi amerykańskiej, stając się odpowiednikiem europejskiego surrealizmu. Pod wieloma względami, wychodząc naprzeciw gustom i potrzebom amerykańskiej publiczności, dzieła mistrzów realizmu magicznego miały charakter szokujący, szokujący w swojej szczerości, łącząc ją jednak z anegdotą sytuacji i karykaturą bohaterów; rzeczywistość była bardziej jak niespokojny sen lub halucynacyjne delirium.
**Precyzja, czyli prezyginizm (angielska precyzja - dokładność, klarowność) - kierunek charakterystyczny dla malarstwa amerykańskiego lat 30., odmiana realizmu magicznego. Tematem przewodnim dla precyzistów jest wizerunek miasta.Głównym tematem jest estetyka mechanistyczna, przestrzeń obrazów jest sterylna, sprawia wrażenie, jakby wypompowano z nich powietrze, nie ma w nich człowieka.
***Regionalizm czyli regionalizm (z angielskiego regional – local) – ruch artystyczny w sztuce Stanów Zjednoczonych lat 1920-1940, który opierał się na chęci tworzenia sztuki prawdziwie amerykańskiej w przeciwieństwie do ruchów awangardowych wywodzących się z Europy. Inspirowani ideami tożsamości narodowej artyści regionaliści skupili się na przedstawieniu „autentycznej” Ameryki. Tematyką ich prac były amerykańskie krajobrazy, sceny z życia rolników, życia małych miasteczek, epizody z historii, lokalne legendy i podania folklorystyczne.
Na przełomie XIX i XX wieku, kiedy w malarstwie amerykańskim zdominowały dwa odnoszące sukcesy komercyjne i szanowane ruchy - impresjonizm i realizm akademicki, u niektórych artystów pojawiło się i wzmocniło pragnienie odzwierciedlenia prawdziwego, współczesnego życia miasta z jego czasami okrutnymi momentami, przedstawić nielakierowane życie na obrzeżach miasta, dzieci ulicy, prostytutki, alkoholików, życie w apartamentowcach. Uważali, że malarstwo można porównać do dziennikarstwa, chociaż wielu z tych artystów było apolitycznych i nie ograniczało się do odzwierciedlania bolączek i biedy życia miejskiego.
„...bardzo kochałem miasta, kochałem majestatyczną, szybką rzekę,
Wszystkie kobiety, wszyscy mężczyźni, których rozpoznałam, byli mi bliscy...
...I żyłem na świecie, kochałem Brooklyn - obfity w wzgórza, był mój,
I wędrowałem po Manhattanie i pływałem w słonych wodach obmywających wyspę…”
(Walt Whitman. Liście trawy. Na promie brooklyńskim.)
Ideolog tego ruchu, Robert Henry, miłośnik poezji Walta Whitmana, żądał od swoich uczniów, aby ich „kolory były tak rzeczywiste jak ziemia, jak bryły końskiego gówna i śniegu zimą na Broadwayu”. Ruch ten ze względu na swoje upodobanie do takich przedmiotów otrzymał przydomek „szkoła śmietnikowa” lub „szkoła śmietnikowa”, który utkwił mu w pamięci i jest używany w literaturze poświęconej historii sztuki. Ruch ten spotkał się z wrogością wielu krytyków, już po pierwszej wystawie jeden z nich, pod pseudonimem „Jubiler”, napisał: „Na tej wystawie wulgarność rzuca się w oczy... Czy sztuka, która pokazuje nasze rany, może być piękna?” Szkoła Garbage Pail School bywa utożsamiana z Grupą Ośmiu, choć nie wszyscy (tylko 5) jej członków należeli do niej, a trzej artyści – Davis, Lawson i Prendergast – występowali w zupełnie innym stylu.
Roberta Henryka(Cozad), (1865-1929), artysta, pedagog, inspirator „Szkoły Kubeł na Śmieci” i organizator grupy „Ósemka”,
Urodzony w Cincinnati w rodzinie dewelopera i hazardzisty. W potyczce o własność ziemi ojciec zastrzelił przeciwnika i uciekł do Denver, gdzie później przeniosła się cała rodzina, zmieniając imię i nazwisko. Po dwuletnich studiach na Akademii Sztuk Pięknych w Filadelfii młody Robert wyjechał do Paryża, do Académie Julien, aby uczyć się pod okiem akademickich realistów.
Po podróży do Włoch wrócił do Filadelfii i zaczął uczyć w School of Design for Women, uważany był za naturalnego nauczyciela. W wieku trzydziestu lat Henry doszedł do wniosku o konieczności opracowania kierunku w malarstwie, który łączyłby realizm i elementy impresjonizmu, i nazwał go „nowym akademizmem”.
Jego przyjaciele i naśladowcy nie uważali się za jedną zorganizowaną grupę, jednak wystawa w Macbeth Gallery w Nowym Jorku w 1908 roku zwróciła uwagę na artystów nowego ruchu i przyniosła im sławę. W 1910 roku Henryk z pomocą Sloana zorganizował wystawę artystów niezależnych, na której sprzedano zaledwie kilka obrazów; artystów tego kierunku wypierała już nowa sztuka nowoczesna, której zwiastunem i „ojcem” był Robert Henry może być brany pod uwagę.
Kolejne lata przyniosły Henrykowi popularność, spędzał dużo czasu w Irlandii i Santa Fe, wykładał w Lidze Studentów w Nowym Jorku i wywarł ogromny wpływ na rozwój ruchu modernistycznego wśród swoich studenckich artystów. W 1929 roku nowojorska Rada Sztuki uznała go za jednego z trzech najlepszych żyjących artystów amerykańskich. Klasycznymi elementami jego stylu w portrecie są mocne pociągnięcia pędzlem, intensywne efekty kolorystyczne i świetlne, odzwierciedlenie indywidualności człowieka i cech duchowych.
Johna Frencha Sloana(1871-1951), jeden z założycieli Szkoły Wiader na Śmieci, członek Ósemki, artysta i rytownik.
Jego ojciec miał zdolności artystyczne i już od wczesnego dzieciństwa zachęcał swoje dzieci do rysowania. Zaczął pracować wcześnie ze względu na chorobę ojca, a praca sprzedawcy w księgarni dała mu mnóstwo wolnego czasu na czytanie, rysowanie i kopiowanie dzieł Dürera i Rembrandta, których podziwiał. Zaczął też wykonywać ryciny i sprzedawać je w sklepie, a jego kartki i kalendarze odniosły sukces. Później, pracując jako ilustrator, zaczął brać udział w wieczorowych zajęciach w Akademii Sztuk Pięknych w Filadelfii, gdzie poznał Roberta Henry'ego, który przekonał go do zajęcia się malarstwem.
Trudna historia życia rodzinnego (alkoholizm i niezrównoważenie psychiczne żony, byłej prostytutki, którą poznał w burdelu) przeszkodziły mu w twórczości i choć do 1903 roku namalował prawie 60 obrazów, nadal nie miał imienia w świecie sztuki i niewiele sprzedawali swoich dzieł. Po przeprowadzce do Nowego Jorku pracował na pół etatu w czasopismach, rysował karykatury polityczne, ilustrował książki, brał udział w wystawie w Galerii Makbet, a po zorganizowaniu wystawy objazdowej w końcu przyszedł mu sukces.
Przez całe późniejsze życie Sloan był wierny ideom socjalistycznym, co z pewnością znalazło odzwierciedlenie w jego twórczości, kategorycznie jednak sprzeciwiał się twierdzeniom krytyków o świadomej orientacji społecznej jego malarstwa.
Pod koniec lat dwudziestych Sloan zmienił nie tylko technikę, ale także tematykę swoich obrazów na rzecz aktów i portretów, często stosując podmalowanie i cieniowanie, i nigdy więcej nie osiągnął popularności, jaką cieszyły się jego wczesne prace.
Williama J. Glakkensa(1870-1938), także jeden z założycieli szkoły Garbage Pail School, urodził się w Filadelfii, gdzie mieszkało wiele pokoleń jego rodziny. Jego brat i siostra również zostali artystami. Sam William, wykazując zdolności artystyczne jeszcze w szkole, po ukończeniu studiów pracował jako artysta dla gazet, uczęszczał na wieczorowy kurs na Akademii Sztuk Pięknych, gdzie poznał młodego Sloana, który przedstawił go Robertowi Henry'emu.
W 1895 roku Glakkens podróżował z grupą artystów po Europie, podziwiał malarstwo wielkiego „Holendra”, w Paryżu po raz pierwszy zetknął się ze sztuką impresjonistów, następnie przez całe życie często jeździł malować do Paryża i Południe Francji. Po powrocie do Stanów Zjednoczonych Glakkens osiadł w Nowym Jorku i aktywnie uczestniczył w działalności wystawienniczej szkoły Garbage Pail School i Eight Group.
W jego twórczości coraz wyraźniej widać impresjonistyczny kierunek, nazywany jest nawet „amerykańskim Renoirem” i w przeciwieństwie do Sloane’a nie był „kronikarzem społecznym”, ale artystą „czystym”, dla którego liczyła się artystyczna forma, kolor i zmysłowość. znaczenie nadrzędne. Jego paleta rozjaśnia się z biegiem lat, tematyka zmienia znaczenie, dominują pejzaże, sceny plażowe, a u schyłku życia martwe natury i portrety.
Jego twórczość nie odzwierciedla problemów społecznych epoki, czasu Wielkiego Kryzysu, wręcz przeciwnie – „jego obrazy przepełnione są duchem szczęścia, ma obsesję na punkcie kontemplacji radości” (Leslie Keith, „The Persistence Williama Glackensa, 1966”).
George'a Benjamina Laxa(1867-1933) urodził się w Williamsport w rodzinie farmaceuty, którego matka była artystką amatorką i muzykiem. Po przeprowadzce do małego miasteczka w południowej Pensylwanii, położonego w pobliżu złóż węgla, George wcześnie dostrzegł biedę i nauczył się współczucia od swoich rodziców. którzy pomagali rodzinom górników.
Swoją karierę zawodową rozpoczął jako nastolatek, pracując z bratem w wodewilu, ale bardzo wcześnie zdał sobie sprawę, że chce zostać artystą. Po krótkich studiach na Akademii Sztuk Pięknych wyjechał do Europy, studiował w różnych szkołach artystycznych i stał się miłośnikiem malarstwa hiszpańskiego i holenderskiego (zwłaszcza Velazqueza i Fransa Halsa) oraz techniki Maneta. Wracając do Filadelfii, Lax pracuje jako ilustrator gazety, spotyka Glackensa, Sloana i Shinna, uczestniczy w intelektualnych spotkaniach z Robertem Henrym, a po przeprowadzce do Nowego Jorku i pracy jako artysta dla magazynu Pulitzera zaczyna poświęcać więcej czasu malarstwu .
Jest zaangażowany w szkołę Garbage Pail School i Grupę Ośmiu, bierze udział w debatach na temat Nowego Realizmu i intensywnie maluje, przedstawiając życie imigrantów, ich różnorodność etniczną, czerpiąc materiały z Lower East Side i Brooklynu. Oprócz obrazów przedstawiających życie Nowego Jorku Lax malował pejzaże i portrety, uważany był za mistrza mocnych efektów kolorystycznych i świetlnych.
Lax był osobowością oryginalną, urodzonym buntownikiem, dumnym z tego, że otoczenie uważało go za „złego chłopca” amerykańskiej sztuki, tworzył mity na swój temat, pił często do utraty przytomności, był alkoholikiem, aż w końcu został odnaleziony zamordowany na korytarzu w wyniku bójki domowej.
Everetta Shinna(1876-1953), urodzony w Woodstown w rodzinie rolników kwakrów.
Wczesne zdolności pozwoliły mu już w wieku 15 lat rozpocząć poważną naukę podstaw rysunku, rok później wziąć lekcje w Akademii Sztuk Pięknych, a w wieku 17 lat rozpocząć pełnoetatową pracę artystyczną w gazetach. Po przeprowadzce do Nowego Jorku w 1897 roku młody Shinn szybko zyskał sławę jako jeden z utalentowanych realistów przedstawiających życie miasta, przemoc uliczną, wypadki i pożary.
Po podróży z żoną po Europie Shinn zaczął zgłębiać nowe tematy (teatr, balet) i elementy impresjonizmu w malarstwie. Jako jedyny z „Szkoły Wiadra na Śmieci” i „Grupy Ośmiu” ma na swoim koncie wiele prac wykonanych pastelami, a także murale nie tylko w mieszkaniach elity Manhattanu, ale także 18 murali dla słynnego Broadway Belasco Theatre . Shinn uważał, że „był przypadkowym członkiem ósemki”, pozbawionym stanowiska politycznego i zaangażowanym w życie społeczne, ale odzwierciedlającym wycinek amerykańskiej rzeczywistości początku XX wieku w duchu realistycznym i romantycznym.
Zakłada się, że Everett Shinn był prototypem artysty Eugene'a Whittle'a w powieści T. Dreisera „Geniusz”.
Ernesta Lawsona(1873-1939), urodzony w Halifax, przybył do Stanów Zjednoczonych, mieszkał najpierw w Kansas City, a następnie w Nowym Jorku, studiował w Art Students League u Touktmana, który wprowadził go w impresjonizm.
We Francji, podczas studiów w Julien Academy, zainteresował się malarstwem plenerowym i poznał Sisleya i Somerseta Maughamów. Po powrocie do Stanów Lawson rozwinął swój własny styl estetyczny, graniczący z impresjonizmem i realizmem, i został nazwany „ostatnim impresjonistą Ameryki”.
Dużo podróżuje po kraju, maluje opuszczone pejzaże, spotyka się z artystami „Szkoły Wiadra na Śmieci” i zostaje członkiem grupy „Ósemka”, jednak w odróżnieniu od nich unika dramatyzmu w przedstawianiu życia miasta i po wzięciu udziału w wystawa sztuki współczesnej „Armory Show”, nie odrzuca tendencji realistycznych i impresjonistycznych, wykazuje zainteresowanie postimpresjonizmem, zwłaszcza Cezanne'em.
Twórczość Lawsona nie jest tak dobrze znana jak innych jego współczesnych, ale Robert Henry uznał go za „największego malarza pejzażu od czasów Winslowa Hommera”. Utonął w tajemniczych okolicznościach podczas kąpieli w Miami Beach.
George'a Wesleya Bellowsa(1882-1925), był ostatnim i jedynym dzieckiem w rodzinie córki kapitana statku wielorybniczego. Na Ohio State University studiował i z powodzeniem grał w baseball i koszykówkę, ilustrując rocznik uniwersytecki, marzył o zostaniu zawodowym baseballistą i pracował jako ilustrator magazynów. W 1904 roku, nie kończąc studiów, Bellows przeprowadził się do Nowego Jorku, wstąpił do School of Art, dołączył do artystów Garbage Pail School i Group of Eight oraz wynajął własne studio na Broadwayu.
Udział w wystawach ze studentami Roberta Henry'ego i nauczanie w Lidze Studentów Sztuki przyniosły mu sławę, choć wielu krytyków uznało jego twórczość za „surową” nie tylko pod względem tematyki, ale także stylistyki.
Kontynuując w swojej twórczości tematykę życia miejskiego i sportu, Bellows zaczął otrzymywać także zamówienia na portrety od zamożnej elity, a latem malował pejzaże morskie w Maine.
Był bardzo upolityczniony, wyznawał poglądy socjalistyczne, a nawet anarchistyczne, pracował jako ilustrator dla magazynu socjalistycznego. W 1918 roku stworzył cykl grafik i obrazów przedstawiających okrucieństwa, jakich dopuścili się żołnierze niemieccy podczas inwazji na Belgię.
Bellows wniósł także znaczący wkład w litografię i zilustrował wiele książek, w tym kilka wydań H.G. Wellsa. Zmarł w wieku 42 lat na zapalenie otrzewnej po nieudanej operacji, pozostawiając żonę, dwie córki oraz dużą liczbę obrazów i grafik, które obecnie znajdują się w wielu głównych amerykańskich muzeach.
Dwóch kolejnych artystów nie da się w pełni przypisać ani do „Szkoły Wiadra na Śmieci”, ani do grupy „Ósemki”, są raczej bliżsi nurtowi modernistycznemu, są bardziej otwarci na eksperymenty, ich twórczość słusznie można uznać za etap przejściowy do umieszczenia -impresjonizm.
Arthura Bowena Davisa(1853-1928), już w wieku 15 lat wziął udział w objazdowej wystawie w swoim mieście, zorganizowanej przez członków Hudson River School. Po przeprowadzce rodziny do Chicago studiował w Academy of Design, a po przeprowadzce do Nowego Jorku studiował w Art Students League i pracował jako ilustrator dla magazynu.
Trudne okoliczności rodzinne (niewierność Davisa, obecność drugiej nieślubnej żony i nieślubnego dziecka) odcisnęły piętno na jego zachowaniu i skrytym charakterze, ale już w pierwszym roku po ślubie obrazy Davisa zaczęły się pomyślnie sprzedawać, a regularne wyjazdy do Europa oraz twórczość Corota i Milleta pomogły mu udoskonalić wyczucie koloru i rozwinąć własny styl malarski.
W latach dwudziestych uznawany był za jednego z najbardziej szanowanych i odnoszących sukcesy finansowe artystów amerykańskich. Jako członek „Ósemki” był głównym organizatorem Armory Show, miał większą wiedzę o sztuce współczesnej niż jego towarzysze, doradzał wielu zamożnym nowojorczykom w zakupach do ich kolekcji, pomagał wielu młodym artystom w rady i pieniądze.
Arthur B. Davis jest zjawiskiem anomalnym w malarstwie amerykańskim: jego własny styl liryczny można określić jako powściągliwy i konserwatywny, ale jego gusta i zainteresowania były całkowicie awangardowe.
Maurice Brazylia Prendergast(1858-1924) i jego brat bliźniak urodzili się w rodzinie kupca pocztowego w brytyjskiej kolonii w Ameryce Północnej. Po przeprowadzce do Bostonu Maurice, który umiał rysować, został przez ojca terminowany u artysty komercyjnego, co wyjaśnia jasność i „płaskość” jego prac.
Studia w Paryżu w Académie Colarossi, a następnie w Académie Julien, znajomość twórczości angielskich i francuskich artystów awangardowych, studiowanie dzieł Van Gogha i Seurata właściwie doprowadziło go do postimpresjonizmu. Prendergast był jednym z pierwszych Amerykanów, który rozpoznał Cézanne’a, zrozumiał jego twórczość i wykorzystał jego ekspresyjne metody przekazywania formy i koloru. Wracając do Bostonu w 1895 roku, zajmował się głównie akwarelą.
I monotypie, a po podróży do Włoch zyskał sławę i uznanie krytyki dziełami poświęconymi Wenecji.
Spotyka Grupę Ośmiu artystów, bierze z nimi udział w słynnej wystawie w Galerii Makbet w 1908 roku, a Glakkens zostaje jego przyjacielem na całe życie. Siedem prac, które wystawił na Armory Show, pokazało jego dojrzałość stylistyczną i ostateczne przywiązanie do postimpresjonizmu, a jego styl wyłaniał się i trafnie opisywany przez krytyków jako „przypominający gobelin” lub „mozaikowy”.
Prendergast przez całe życie pozostał kawalerem, być może z powodu naturalnej nieśmiałości, złego stanu zdrowia i ciężkiej głuchoty w późniejszych latach.
Co ciekawe, w kolejnych latach nurt realistyczny w malarstwie amerykańskim nie stracił na aktualności, znalazł odzwierciedlenie i rozwinął się w postimpresjonizmie, „realizmie magicznym” i „regionalizmie”. Ale o tym następnym razem.
I jak zawsze pokaz slajdów na ten temat, który zawiera znacznie więcej reprodukcji.
W połowie XIX wieku krajobraz stał się dominującym gatunkiem malarstwa amerykańskiego. Wielu artystów tamtych czasów zjednoczyło się w grupie „Hudson River School”, która obejmowała ponad 50 malarzy pejzażystów dwóch pokoleń.
Można uznać za najsłynniejszego amerykańskiego artystę krajobrazu tamtych lat Thomasa Cole’a (1801-1848),
urodził się w Anglii i przeniósł się do Ameryki w wieku 17 lat wraz z rodzicami. Studiował malarstwo u podróżującego artysty, był samoukiem, dużo podróżował po kraju, odwiedził Anglię i Włochy,
Uważał jednak przyrodę amerykańską za znacznie bardziej malowniczą niż naturę europejską.
Rzeczą najbliższą stylowi Cole’a był jego przyjaciel Ashera Duranda(1796-1886), który zaczynał jako grafik,
Ale po podróży z przyjacielem przez góry Ameryki zainteresował się krajobrazami i dużo malował z życia.
Artysta namalował ten obraz ku pamięci zmarłego przyjaciela, za który na aukcji w 2007 roku zapłacono 35 milionów dolarów.
Jedną z centralnych postaci szkoły Hudson River był Kościół Fryderyka Edwina, która została uczennicą Cole’a w wieku 18 lat.
Od wiosny do jesieni podróżował po kraju i świecie,
Najpierw sam, potem z rodziną, często pieszo, wykonywał szkice, a zimą malował swoje duże, jasne obrazy i z sukcesem je sprzedawał.
Alberta Bierstadta(1830-1902) także dużo podróżował po kraju i Europie, chętnie malował Alpy, ale jego prawdziwą miłością były Góry Skaliste,
Dziki Zachód, Indianie.
Tę miłość udało mu się przekazać na swoich wielkich płótnach, po mistrzowsku wykorzystując efekt światła i cienia.
Tomasz Moran(1836-1926), jako dziecko wyemigrował z rodzicami z Anglii, jako nastolatek pracował jako praktykant w snycerstwie i już w młodym wieku zaczął malować pejzaże.
Podczas studiów w Anglii duży wpływ wywarła na niego twórczość Williama Turnera i jego umiejętność wypełniania płócien światłem.
Moran maluje pejzaże Anglii, widoki Wenecji,
jednak większość jego prac poświęcona jest Dzikiemu Zachodowi i ukochanym Górom Skalistym. Jego udział w wyprawie badawczej w te okolice i jego rysunki przyczyniły się do przekształcenia Yellowstone w park narodowy.
Johna Fredericka Kensetta(1816-1872), przedstawiciel „luminizmu” * w amerykańskim malarstwie pejzażowym szkoły Hudson River. Pierwszą edukację artystyczną otrzymał od ojca, pracując w swojej pracowni grawerskiej, ale marzył o malowaniu pejzaży.
Jeździ do Anglii, potem do Francji, podziwia holenderskie i angielskie malarstwo pejzażowe, podróżuje po Włoszech.
Po powrocie do Ameryki, kontynuując malowanie spokojnych krajobrazów wypełnionych czystym światłem i wykonanych w znakomity sposób, Kensett zyskał popularność wśród kolekcjonerów, sukces i bogactwo.
Johna F. Francisa(1808-1906), artysta samouk, który zaczynał jako portrecista, znany jest ze swoich martwych natur.
To właśnie malarstwo portretowe rozbudziło w nim zainteresowanie drobnymi szczegółami, które tak skutecznie rozwijał w swojej twórczości.
Martwa natura była wówczas popularna, obrazy Francisa cieszyły się dużym zainteresowaniem, dzięki czemu stał się czołowym artystą w gatunku martwej natury „stołowej”, przedstawiającej owoce, orzechy, sery, ciasteczka i inne produkty.
Martin Johnson Heed(1819-1904), urodzony w rodzinie sklepikarza, zaczynał także jako portrecista, utrzymywał przyjazne stosunki z artystami Hudson River School i malował romantyczne pejzaże morskie,
podróżował po Europie, wędrował wzdłuż amerykańskich wybrzeży. Po podróżach po tropikach głównymi tematami jego prac stały się krajobrazy Florydy,
tropikalne ptaki (około 40 obrazów z samymi kolibrami) i kwiaty, zwłaszcza magnolie.
Za życia nie stał się uznanym i sławnym artystą, ale dziś jego prace można znaleźć w najważniejszych muzeach, a czasem nawet w garażach i na pchlich targach.
Thomasa Eakinsa(1844-1916), jeden z twórców ruchu realistycznego, malarz, grafik, rzeźbiarz, fotograf, pedagog,
Jako jeden z pierwszych zajął się przedstawianiem życia miejskiego w Ameryce. Edukację odebrał w Filadelfii, kontynuował ją w Paryżu, podróżował po Europie, podziwiał dzieła hiszpańskich mistrzów realizmu Velazqueza i Ribery oraz działanie światła i cienia u Rembrandta.
To od nich nauczył się przedstawiać nagie ciało w ruchu, dramaturgię rozgrywającej się akcji, a także kontrastować ciemne wnętrze w portrecie z intensywnym światłem skierowanym na twarz i sylwetkę.
Eakins za życia nie zyskał dużego uznania, ale późniejsi potomkowie docenili jego realistyczny styl.
Winslowa Homera(1838-1910), wybitny amerykański malarz i rytownik pejzażowy tworzący w stylu realistycznym.
Początkowe wykształcenie artystyczne otrzymał od matki, która malowała utalentowaną akwarelę, po niej odziedziczył silny charakter, towarzyski charakter i poczucie humoru. Swoją karierę zaczynał od grafiki, przez 20 lat pracował jako ilustrator, w czasie wojny secesyjnej wykonywał szkice i rysunki dotyczące wojny i jej skutków, na podstawie których później stworzył obrazy.
Wkrótce po wojnie Homer wyjechał do Paryża, gdzie kontynuował malowanie pejzaży i scen z życia miasta, jego twórczość była bliska szkole Barbizon. Choć aktywnie wykorzystuje w swoich obrazach grę światła, charakterystyczną dla impresjonistów, nie ma dowodów na ich wpływ na jego twórczość, wypracował już wtedy własny, niezależny styl.
Największą sławę przyniosły mu obrazy o tematyce morskiej,
Sceny z życia na wsi oraz z podróży do Anglii przywiózł obrazy opowiadające o życiu wiosek rybackich, pejzaże morskie i akwarele.
Dużo podróżuje po Stanach Zjednoczonych i Ameryce Środkowej, malując tropikalne i śnieżne krajobrazy, dzieci i zwierzęta. Uważa się, że Homer należał do pokolenia artystów, które stworzyło własną amerykańską szkołę artystyczną.
Jamesa Whistlera(1834-1903), urodzony w rodzinie słynnego inżyniera,
W wieku ośmiu lat przeprowadził się z rodzicami do Petersburga, gdzie jego ojciec został zaproszony do pracy w dziale kolejowym. Tam młody Whistler najpierw pobierał prywatne lekcje rysunku, a w wieku 11 lat wstąpił do Imperial Academy of Arts. Przez pewien czas mieszkał z matką w Londynie, kontynuując naukę sztuki, rysując i kolekcjonując książki o malarstwie.
Po śmierci ojca na cholerę rodzina Whistlera wróciła do Ameryki, żyła skromnie, a on wstąpił do Akademii Wojskowej w West Point, ale ani fizycznie, zewnętrznie, ani moralnie nie był gotowy do kariery wojskowej i został wydalony. Wtedy zdecydowanie zdecydował, że jego przyszłością będzie sztuka, zaczął tworzyć akwaforty, wyjechał do Paryża i już nigdy nie wrócił do ojczyzny. Tam Whistler wynajmował pracownię w Dzielnicy Łacińskiej, prowadził bohemy, palił i pił, ale także dla zarobku malował kopie obrazów wielkich mistrzów w Luwrze, studiował sztukę, czcił Courbeta i Corota, podziwiał japońską grafikę i orientalną sztuka w ogóle.
Po przeprowadzce do Londynu i udanym udziale w wystawie Whistler szybko zyskał sławę nie tylko jako artysta, ale także zyskał wielu przyjaciół wśród artystów i pisarzy dzięki swojemu dowcipowi, wyczuciu ubioru i hojności. Dużo podróżował, studiując twórczość wielkich mistrzów i malując obrazy, w 1869 roku zaczął podpisywać swoje obrazy monogramem – motylem, składającym się z jego inicjałów.
Jego ulubione kolory to szary, czarny i brązowy. Whistler głosił „sztukę dla sztuki”, czystą, nieskrępowaną ideami, odwołującą się raczej do artystycznych uczuć niż emocji, a swoim obrazom często nadawał tytuły muzyczne.
Uważa się, że był bliski impresjonizmu klimatem swoich obrazów, ale nie kolorystyką i efektami świetlnymi.
W tym pokazie slajdów możesz zobaczyć więcej obrazów wszystkich wymienionych artystów.
W końcu doszłam do mojego ulubionego tematu – „Impresjonistów”, ale to już innym razem. Ciąg dalszy nastąpi.
*Luminizm- kierunek w amerykańskim malarstwie pejzażowym, charakteryzujący się nasyceniem światła, wykorzystaniem perspektywy powietrznej i ukrywaniem widocznych pociągnięć. (
Chłopaki, włożyliśmy w tę stronę całą naszą duszę. Dziękuję za to
że odkrywasz to piękno. Dziękuję za inspirację i gęsią skórkę.
Dołącz do nas na Facebook I W kontakcie z
Jasne plamy, plamy światła, iskrzące powietrze – ci artyści postrzegają świat jako wzruszająco piękny i zachwycająco kolorowy.
strona internetowa oferuje spojrzenie na świat oczami tych czarodziejów. Zwracamy uwagę na wybór obrazów współczesnych impresjonistów, którzy po mistrzowsku opanowali kolor i światło.
Prace bułgarskiego artysty Cwiatko Kinczewa w stylu impresjonistycznym to obrazy cyfrowe: powstają na komputerze w Photoshopie. Niezwykle bujne kreacje artysty podkreślają piękno i jasność otaczającego świata.
Holenderski artysta William Henrits tworzy akwarele, akryle i pastele. Jego dzieła to niesamowita delikatność, dźwięczne powietrze, którym oddychają jego kolory, jego wdzięczne linie. Twórczość Williama znana jest na całym świecie w postaci wysokiej jakości plakatów i litografii.
Jurij Petrenko urodził się w Soczi. Zawodowo zajmuje się malarstwem od około 20 lat. Bogate kolory, urocze domy, statki i morze. Jego obrazy przywołują na myśl gorące słońce i słoną bryzę. Jego prace znajdują się w kolekcjach prywatnych niemal we wszystkich krajach świata.
Ormiański artysta Hovik Zohrabyan urodził się w rodzinie słynnego artysty i rzeźbiarza Nikoghosa Zohrabyana. Z charakterystycznych pociągnięć impresjonizmu wyłania się niepowtarzalny styl samego artysty. Jego przytulne, kolorowe miasta i jasne domy są pełne słońca i szczęścia.
Linda Wilder to kanadyjska artystka. Linda uwielbia malować pejzaże, a szpachla jest jednym z jej ulubionych narzędzi. Dzięki jasnym, precyzyjnym pociągnięciom pędzla, subtelnym odcieniom i liniom obrazy Lindy znajdują się w kolekcjach korporacyjnych i prywatnych w Kanadzie i na całym świecie.
Chińsko-amerykański artysta Ken Hong Lung ma doskonałe wyczucie koloru i wie, jak przekazać magię pokoju. Jej wioski rybackie i nadmorskie krajobrazy stały się sensacją w kręgach artystycznych Hongkongu. Ken uważany jest za jednego z najlepszych artystów neoimpresjonistycznych na świecie. Nazywany jest mistrzem zaczarowanych krajobrazów, sennych nastrojów i magicznych odbić światła i koloru.
Johan Messeli mieszka i pracuje w Belgii. Jego obrazy odzwierciedlają przytulny świat zacienionych prowincjonalnych podwórek, starych bram i miłych okien. Johan wie, jak za pomocą nieostrożnych pociągnięć przekazać spokój i ciszę szczęścia. Artystka tworzy w technice olejnej i pasteli.
Jill Charuk to współczesna kanadyjska artystka. Przez dwadzieścia lat pracowała w branży odzieżowej i wyposażenia wnętrz. Uwielbia wyolbrzymiać kolory i wzmacniać kontrasty. Jej żywe obrazy zyskały międzynarodowe uznanie i znajdują się w kolekcjach sztuki współczesnej w Ameryce Północnej, Meksyku i Europie. Jill maluje głównie olejami i akrylami.