Nonkonformizm. Pod tą nazwą zwyczajowo jednoczy się przedstawicieli różnych ruchów artystycznych w sztukach pięknych Związku Radzieckiego lat 50. i 80. XX wieku, którzy nie mieścili się w ramach socrealizmu - jedynego oficjalnie dozwolonego kierunku w sztuce.
Artyści nonkonformistyczni zostali faktycznie wyrzuceni z publicznego życia artystycznego kraju: państwo udawało, że ich po prostu nie ma. Związek Artystów nie uznał ich sztuki, pozbawiono ich możliwości pokazania swoich prac w salach wystawowych, krytycy nie pisali o nich, muzealnicy nie odwiedzali ich pracowni.
1. Dmitrij Plawinski „Muszla”, 1978
„Stworzenie ludzkiej myśli i rąk prędzej czy później zostaje wchłonięte przez odwieczne elementy natury: Atlantyda – przez ocean, świątynie Egiptu – przez piasek pustyni, pałac i labirynt w Knossos – przez lawę wulkaniczną, Azteków piramidy - przy winorośli dżungli. Dla mnie największym zainteresowaniem nie jest rozkwit tej czy innej cywilizacji, jej śmierć i moment narodzin następnej..."
Dmitrij Plawinski, artysta
2. Oscar Rabin „Martwa natura z rybami i gazetą „Prawda”, 1968
„Im dalej, tym dotkliwiej odczuwałem, że nie mogę obyć się bez malarstwa, dla mnie nie było nic piękniejszego niż los artysty. Jednak patrząc na obrazy oficjalnych artystów radzieckich, zupełnie nieświadomie czułem, że nigdy umieć tak malować. I wcale nie dlatego, że „że ich nie lubiłem – podziwiałem kunszt, czasami otwarcie im zazdrościłem – ale w sumie mnie nie dotykali, pozostawiali obojętnym. Coś ważnego było brakuje mi ich.”
"Nie doświadczyłem na siebie żadnego wpływu, nie zmieniłem stylu, moje credo twórcze również pozostało niezmienne. Różnorodność rosyjskiego życia mogłem przekazać poprzez symbol - śledź w gazecie "Prawda", butelkę wódki, paszport - to jest jasne dla wszystkich. Albo namalowałem cmentarz Lianozowski i nazwałem obraz „Cmentarz imienia Leonarda da Vinci”. Moim zdaniem w mojej sztuce nie pojawiło się nic nowego, nowomodnego, powierzchownego. Czym byłem, pozostaje takie samo, jak mówi piosenka. Nie mam własnej galerii, która karmi i kieruje moją twórczością. Nie chciałbym być królikiem domowym. Wolę być wolnym zającem. Biegam, gdzie chcę! ”
Oskar Rabin, artysta
3. Lew Kropivnitsky „Kobieta i chrząszcze” 1966
"Malarstwo abstrakcyjne pozwala maksymalnie zbliżyć się do rzeczywistości, wniknąć w istotę rzeczy, ogarnąć wszystko, co istotne, czego nie dostrzegają nasze pięć zmysłów. Nowoczesność odczuwałem jako połączenie osiągnięć dramatycznych, napięć psychicznych, intelektualnych przesycenia. Próbowałem i próbuję, opierając się na swoim doświadczeniu i przeczuciach, stworzyć formę obrazową odpowiadającą duchowi czasu i psychologii stulecia.
Lew Kropivnitsky, artysta.
4. Dmitrij Krasnopevtsev „Rury”, 1963
„Obraz to też autograf, tylko bardziej złożony, przestrzenny, wielowarstwowy. A jeśli z autografu, z pisma określa się (i nie bezskutecznie) charakter, kondycję i niemal choroby pisarza, jeśli nie potrafią tego nawet kryminolodzy pomińmy to rozszyfrowanie, wówczas obraz dostarcza nieporównywalnie więcej materiału do domysłów i wniosków co do tożsamości autora.Od dawna zauważono, że namalowany przez artystę portret jest jednocześnie jego autoportretem – to sięga dalej – do każdego kompozycje, pejzaże, martwe natury, do wszelkich gatunków, a także do nieobiektywnej sztuki abstrakcyjnej - do „wszystkiego, co artysta przedstawia. I niezależnie od jego obiektywizmu, beznamiętności, jeśli chce uciec od siebie, stać się bezosobowym, nie będzie mógł się ukryć, jego dzieło, jego charakter pisma zdradzi jego duszę, jego umysł, jego serce, jego twarz.”
Dmitrij Krasnopevtsev, artysta.
5. Władimir Nemukhin „Niedokończony pasjans”, 1966
"Inwentarz elementów języka figuratywnego składa się przede wszystkim z przedmiotów. Istniały już wcześniej - drzewa, banki, pudełka, gazety, czyli proste, rozpoznawalne przedmioty. Pod koniec lat 50. wszystko to zamieniło się w abstrakcję, a wkrótce „To bardzo abstrakcyjna forma zaczęła mnie męczyć. Jest to stan, który wznawia zainteresowanie przedmiotem, a ono z kolei odwzajemnia. Uważam, że przedmiot jest bardzo ważny dla widzenia, bo przez niego oglądana jest sama wizja."
„W 1958 roku zacząłem tworzyć swoje pierwsze prace abstrakcyjne. Czym jest sztuka abstrakcyjna? Dzięki niej można od razu zerwać z całą sowiecką rzeczywistością. Stało się innym człowiekiem. Abstrakcja jest z jednej strony sztuką podświadomości , a z drugiej - nową wizję. Sztuka musi być wizją, a nie rozumowaniem."
Władimir Niemukhin, artysta.
6. Nikołaj Vechtomov „Droga”, 1983
"Moje życie to tworzenie własnej przestrzeni artystycznej, którą zawsze starałem się wzbogacać i bardzo się o to starałem. Zdałem sobie sprawę, że każdy z nas jest zawsze sam na sam z kataklizmami XX wieku. "
"Żyjemy w ciemności i już się do tego przyzwyczailiśmy, potrafimy w pełni rozróżniać przedmioty. A mimo to czerpiemy stamtąd światło, z blasku zachodzącego Kosmosu, to właśnie ono daje nam energię widzenia. Dlatego dla mnie , nie przedmioty są ważne, ale ich odbicia, bo zawierają w sobie oddech obcego żywiołu.”
Nikolay Vechtomov, artysta.
7. Anatolij Zverev Portret kobiety. 1966
„Anatolij Zverev to jeden z najwybitniejszych rosyjskich portrecistów urodzonych na tej ziemi, któremu udało się wyrazić pełen czci dynamizm chwili i mistyczną wewnętrzną energię ludzi, których portrety namalował. Zverev jest jednym z najbardziej wyrazistych i spontanicznych artystów naszych czasów. Jego styl jest na tyle indywidualny, że w każdym jego obrazie od razu można rozpoznać charakter pisma autora. Za pomocą kilku pociągnięć osiąga ogromny efekt dramatyczny, spontaniczność i natychmiastowość. Artystce udaje się przekazać poczucie bezpośredniego związku pomiędzy nim a jego modelką ."
Włodzimierz Długi, artysta.
„Zverev to pierwszy rosyjski ekspresjonista XX wieku i pośrednik między wczesną i późną awangardą w sztuce rosyjskiej. Uważam tego wspaniałego artystę za jednego z najbardziej utalentowanych w Rosji Radzieckiej”.
Gregory Costakis, kolekcjoner.
8. Włodzimierz Jankilewski „Prorok”, lata 70. XX w
„Nonkonformizm” jest cechą konstytutywną prawdziwej sztuki, gdyż opiera się banału i piętnu konformizmu, dostarczając nowych informacji i tworząc nową wizję świata. Los prawdziwego artysty jest często tragiczny, niezależnie od społeczeństwa, w którym żyje. To normalne, bo los artysty to los jego wglądu, jego wypowiedzi o świecie, która przełamuje utarte stereotypy postrzegania i myślenia, stworzone przez „kulturę masową” i intelektualny snobizm. Być twórcą i „w odpowiednim czasie” zostać kanonizowanym „bohaterem” społeczeństwa, supergwiazdą, to paradoks niemal nie do pokonania. Próby przezwyciężenia tego są drogą do kariery konformisty.”
Władimir Jankilewski, artysta.
9. Lydia Masterkova „Kompozycja”, 1967
"Cały czas, z niesłabnącą mocą w jej abstrakcyjnych kompozycjach, magiczne kolory albo płoną, albo błyszczą, albo migoczą dogasającym ogniem. Wydaje się, że zawsze z różnych stron zbliża się do magicznej powierzchni płótna. Czasem pogodny blask płonących dźwięki, wijące się i pędzące w górę dziwne kształty przywodzą na myśl akordy organowe Bacha, a czasem zielonkawo-szare, splecione płaszczyzny kojarzące się z formami biologicznymi kojarzą się z „Stworzeniem świata” Milhauda.Rysunek Masterkowa wiele mówi. On organizuje plamy na płaszczyźnie i charakter kolorowych akcentów. Jest oryginalny i bardzo wyrazisty w wykonaniu autora."
Lew Kropivnitsky, artysta.
10. Władimir Jakowlew „Kot i ptak”, 1981
„Sztuka jest sposobem na pokonanie śmierci”.
Władimir Jakowlew, artysta.
„Obrazy Władimira Jakowlewa są jak nocne niebo pełne gwiazd. W nocy nie ma światła, światło jest gwiazdą. Jest to szczególnie widoczne, gdy Jakowlew przedstawia kwiaty. Jego kwiat jest zawsze gwiazdą. Stąd szczególny smutek radości, kiedy kontempluj to obrazy”.
Ilja Kabakow, artysta.
11. Ernst Neizvestny „Serce Chrystusa”, 1973-1975
„Dzielę działalność artystyczną (pisanie, muzykę i sztuki wizualne) na dwa typy: pragnienie arcydzieła i pragnienie przepływu. Pragnienie arcydzieła pojawia się wtedy, gdy artysta staje przed pewną koncepcją piękna, które chce ucieleśnić , stwórz kompletne, pojemne arcydzieło. Pragnienie przepływu jest egzystencjalną potrzebą kreatywności, gdy staje się analogiczne do oddychania, bicia serca, pracy całej osobowości. Dla artystów przepływu sztuka jest zmaterializowanym istnieniem, poruszając się, powstając i umierając z każdą sekundą. A kiedy chcę zbudować swoje „Drzewne życie”, zdaję sobie sprawę z niemal klinicznej, patologicznej niemożliwości tego planu. Ale potrzebuję tego, aby działać. A wielość nie przeraża mnie, bo spaja ją matematyczna jedność, jest samozamykająca się. Wszystko to jest próbą połączenia kilku zasad, próbą połączenia odwiecznych fundamentów sztuki i jej tymczasowej treści. Podłe, żałosne, nieistotne są stale zjednoczone i wiecznie w wierze, aby stać się szlachetnym, majestatycznym, znaczącym.”
Ernst Neizvestny, artysta.
12. Eduard Steinberg „Kompozycja z rybą”, 1967
"Nie mogę powiedzieć, że jestem na dobrej drodze. Ale czym jest prawda? To jest słowo, obraz. Camus ma wspaniały "Mit o Syzyfie", kiedy artysta wciąga kamień na górę, a potem spada, on znowu podnosi, znowu ciągnie - to jest w przybliżeniu wahadło mojego życia.
"Praktycznie nic nowego nie odkryłem, po prostu nadałem rosyjskiej awangardzie inną perspektywę. Którą? Raczej religijną. Moje przestrzenne struktury geometryczne opieram na malowidłach ze starych katakumb i oczywiście na malarstwie ikon."
Eduard Steinberg, artysta.
13. Michaił Roginski „Czerwone drzwi”. 1965
„Zmusiłem się do odtworzenia rzeczywistości w oparciu o moje wyobrażenie o niej. Nadal to robię”.
Michaił Roginski, artysta.
„Czerwone drzwi” to wybitne dzieło, które odegrało przełomową rolę w historii sztuki rosyjskiej XX wieku. Wraz z kolejnym cyklem fragmentów i detali wnętrz (ściany z gniazdkami, włącznikami, fotografiami, komodami, podłogami wyłożonymi kafelkami) praca ta zapoczątkowała nowy realizm obiektowy. „Dokumentalizm” (jak Roginsky wolał nazywać swój kierunek) z góry przesądził o pojawieniu się nie tylko pop-artu, ale w ogóle nowej awangardy w radzieckiej sztuce „podziemnej”, skupionej na światowym procesie artystycznym. „Czerwone drzwi” otrzeźwiły i sprowadziły na ziemię wielu artystów radzieckich, porwanych utopijnymi i metafizycznymi poszukiwaniami w otoczeniu życia wspólnotowego. Praca ta skłoniła artystów do uważnej analizy i opisu estetycznych aspektów codziennego życia w ZSRR. To jest granica iluzji obrazowej, pomost łączący obraz z przedmiotem.
Andrey Erofeev, kurator, krytyk sztuki
14. Oleg Tselkov „Kalwaria” 1977
"Teraz zupełnie nie mam potrzeby wystawiać. Za pół wieku niezwykle interesujące będzie dla mnie pokazywanie moich prac. Dziś otaczają mnie tacy głupcy jak ja. Rozumieją nie więcej niż ja. Ludzie piszą, żeby coś zrozumieć. The ręką artysty nie kieruje chęć wystawiania, ale chęć opowiedzenia o tym, co przeżyłem. Kiedy obraz jest namalowany, nie mam już nad nim kontroli. Może pozostać żywy lub umrzeć. Moje obrazy są moim listem w butelce wrzucona do morza. Może tej butelki już nikt nie złapie, a ona rozbije się o skałę.
Oleg Tselkov, artysta.
15. Hulot Sooster „Czerwone jajko”, 1964
„W jego spojrzeniu na naturę nie ma żywiołowości, zaskoczenia, zachwytu. Jest to raczej pogląd naukowca pragnącego zgłębić tajemnicę rzeczy. Artysta zdaje się szukać jakiejś idealnej formuły natury, jej centryczności, formuła tak kompletna i złożona jak forma jajek”.
Od lutego 1974 roku władze rozpoczęły akcję za akcją mającą na celu tłumienie ruchu artystów nonkonformistów, czyli tych malarzy, rzeźbiarzy i grafików, którzy nie akceptowali założeń martwej sztuki socrealizmu i bronili prawa do wolność kreatywności.
A wcześniej, przez prawie dwadzieścia lat, próby wystawiania tych artystów poszły na marne. Ich wystawy natychmiast zamknięto, a prasa nazwała nonkonformistów albo „dyrygentami burżuazyjnej ideologii”, albo „beztalentnymi partaczami”, albo wręcz zdrajcami Ojczyzny. Można więc tylko dziwić się odwadze i wytrwałości tych mistrzów, którzy mimo wszystko pozostali wierni sobie i swojej sztuce.
I tak w 1974 roku rzucono przeciwko nim siły KGB. Artystów przetrzymywano na ulicach, zastraszano, wywożono odpowiednio na Łubiankę w Moskwie i do Wielkiego Domu w Leningradzie, szantażowano i próbowano przekupić.
Zdając sobie sprawę, że jeśli będą milczeć, zostaną uduszeni, grupa nieoficjalnych malarzy zorganizowała 15 września 1974 roku wystawę plenerową na pustej działce w rejonie Bielajewa-Bogorodskoje. Przeciwko tej wystawie wysłano buldożery, maszyny do podlewania wody i policję. Trzy obrazy zginęły pod gąsienicami, dwa spłonęły w płomieniach, które tam rozpalono, a wiele zostało okaleczonych. Inicjator tej wystawy, przywódca moskiewskich artystów nonkonformistów Oskar Rabin i czterech innych malarzy zostali aresztowani.
Ten pogrom buldożerowy, który przeszedł do historii sztuki rosyjskiej, wywołał eksplozję oburzenia na Zachodzie. Następnego dnia artyści ogłosili, że za dwa tygodnie wrócą ze swoimi obrazami w to samo miejsce. I w tej sytuacji rządzący się wycofali. 29 września w Parku Izmailowskim odbyła się pierwsza oficjalnie dozwolona wystawa nieoficjalnej sztuki rosyjskiej, w której wzięło udział nie dwunastu, ale ponad siedemdziesięciu malarzy.
Ale oczywiście ci, którzy postanowili rozprawić się z wolną sztuką rosyjską, nie złożyli broni. Zaraz po wystawie w Izmailowie w czasopismach i gazetach ponownie pojawiły się oszczercze artykuły na temat nieoficjalnych artystów, a karne władze zaatakowały szczególnie aktywnych artystów i kolekcjonerów, którzy brali udział w organizacji dwóch wrześniowych wystaw plenerowych. A tak na marginesie, to właśnie w latach 1974-1980 większość mistrzów mieszkających obecnie na Zachodzie opuściła kraj. Było ich ponad pięćdziesięciu, w tym Ernst Nieizwestny, Oleg Tselkow, Lidia Masterkowa, Michaił Roginski, Witalij Komar i Aleksander Melamid, Aleksander Leonow, Jurij Żarkich i wielu innych. Oscar Rabin został pozbawiony obywatelstwa sowieckiego w 1978 r. (W 1990 r. dekretem prezydenta przywrócono mu obywatelstwo radzieckie). Jeszcze wcześniej, na początku lat siedemdziesiątych, Michaił Szemyakin i Jurij Cooper osiedlili się w Europie.
Oczywiście duża grupa naszych wspaniałych nieoficjalnych malarzy pozostała w Rosji (Władimir Niemukhin, Ilja Kabakow, Dmitrij Krasnopewcew, Eduard Steinberg, Borys Swiesznikow, Władimir Jankilewski, Wiaczesław Kalinin, Dmitrij Pławinski, Aleksander Kharitonow i inni), ale praktycznie jest ich więcej nie organizowano prawdziwie darmowych wystaw, a o tych, którzy wyjechali, krążyły uporczywe pogłoski (nawet listy szły z Zachodu), mówią, że nikt w Europie i USA ich nie potrzebuje, nikt nie jest zainteresowany ich twórczością, są prawie umierając z głodu. Przedstawiciele władz artystycznych ostrzegli tych, którzy pozostali: „Jeśli zaczniecie się buntować, wykopiemy was, będziecie tam biedni”.
Tymczasem na Zachodzie właśnie w tym czasie (druga połowa - koniec lat 70.) zainteresowanie nieoficjalną sztuką rosyjską było szczególnie duże. Jedna po drugiej ogromne wystawy rosyjskich artystów odbywały się w muzeach i salach wystawowych Paryża, Londynu, Berlina Zachodniego, Tokio, Waszyngtonu i Nowego Jorku. W 1978 roku z wielkim sukcesem odbyło się Biennale Rosyjskiej Sztuki Nieoficjalnej w Wenecji. W ciągu miesiąca wystawę odwiedziło 160 000 osób. „Już dawno nie mieliśmy tylu widzów” – powiedział Prezydent Biennale Carlo Rippe di Meanno.
To prawda, sceptycy argumentowali, że to zainteresowanie ma charakter czysto polityczny: mówią, że musimy zobaczyć, jakie to obrazy są zakazane w ZSRR. Kiedy jednak przypomniano im o zachodnich kolekcjonerach, którzy coraz chętniej zaczęli nabywać obrazy i grafiki rosyjskich artystów, sceptycy ucichli. Rozumieli, że żaden kolekcjoner nie będzie wydawał pieniędzy na obrazy ze względów politycznych. Tym bardziej, że z takich powodów zachodnie galerie nie będą współpracować z artystami. I oczywiście, ze względów politycznych, poważni krytycy sztuki nie będą pisać monografii ani artykułów o żadnym artyście. Ale wiele takich artykułów zostało opublikowanych. Monografie o twórczości Ernsta Nieizwiestnego, Olega Tselkowa, Witalija Komara i Aleksandra Melamida, Michaiła Szemyakina ukazywały się w różnych krajach. Wydano kilkadziesiąt cenionych katalogów wystaw indywidualnych i zbiorowych.
Gdzieś pod koniec lat 70. w jednym z francuskich magazynów artystycznych ukazał się artykuł „Front rosyjski w postępie”. Jej publikacja wynikała z faktu, że w tym czasie w Paryżu odbywały się jednocześnie trzy wystawy współczesnej sztuki rosyjskiej. Czy to wygląda na brak zainteresowania?
W Paryżu, jak mówią, mieszka i pracuje około stu tysięcy artystów. W Nowym Jorku jest ich jeszcze więcej. Każdy chce współpracować z galeriami. Konkurencja jest zacięta. Jednocześnie wielu rosyjskich artystów-emigrantów albo ma stałe kontrakty z galeriami w Paryżu i Nowym Jorku, albo regularnie wystawia w różnych galeriach w Europie i USA.
Przez wiele lat Yuri Cooper, Boris Zaborov, Yuri Zharkikh, Michaił Shemyakin (przed przeprowadzką do USA) pracowali i nadal współpracują ze słynnymi paryskimi galeriami. W Nowym Jorku kontrakty z galeriami związani są Witalij Komar i Aleksander Melamid, Ernst Neizvestny i Shemyakin. Paryżanin Oleg Tselkov od wielu lat współpracuje z nowojorską galerią Eduarda Nakhamkina. Kolejny rosyjski „Francuz” Oscar Rabin podpisał kontrakt z jedną z paryskich galerii.
Stale i często z sukcesem Władimir Titow, Michaił Roginski, Aleksander Rabin wystawiają w europejskich galeriach. W USA Lev Mezhberg, Leonid Sokov i inni malarze i graficy z powodzeniem współpracują z galeriami.
W wielu prywatnych kolekcjach francuskich i amerykańskich wielokrotnie spotykałem dzieła wszystkich powyższych mistrzów, a także Włodzimierza Grigorowicza, Walentyny Kropiwnickiej, Witalija Długiej, Walentyny Szapiro... Co więcej, ciekawe jest to, że na Zachodzie, zwłaszcza w Paryżu, już w połowie lat 70. zaczęli pojawiać się kolekcjonerzy wolnej sztuki rosyjskiej.
„Jak żyją ci artyści i gdzie pracują?” – może zapytać czytelnik.
Odpowiem, że jeśli chodzi o mieszkanie i przestrzeń do pracy, wszystko jest przyzwoicie zaaranżowane. W najgorszym przypadku jeden z pokoi w mieszkaniu służy artyście za pracownię. Wielu ma osobne studia - powiedzmy Komar, Melamid, Shemyakin, Zaborov, Sokov. A niektórzy wolą nawet mieć mieszkanie i warsztat w jednym miejscu, że tak powiem, bez marnowania czasu w drodze (Nieznany, Cooper, O. Rabin, Mezhberg).
„Czy to naprawdę możliwe” – zapyta niedowierzający czytelnik – „czy wszystko jest tak dobre dla artystów-emigrantów, ciągłe sukcesy i osiągnięcia?”
Oczywiście nie. Niektórzy z naszych utalentowanych mistrzów nie mogli odnaleźć się na Zachodzie, nie wytrzymali konkurencji i załamali się. Nie chcę tu wymieniać nazwisk – to już jest dla ludzi trudne psychicznie.
Są oczywiście artyści, którzy nie są w stanie utrzymać się ze sprzedaży swoich dzieł. Są zmuszeni zarabiać na życie inną pracą. Ale wśród zachodnich malarzy i grafików jest ich bardzo wielu. Można się tylko dziwić, ilu rosyjskich mistrzów, w porównaniu z malarzami zachodnimi (w procentach), już od dawna żyje na Zachodzie wyłącznie dzięki swojej twórczości.
Ale ciekawe, że nawet ci z naszych artystów, którzy znaleźli się na Zachodzie, nie są w najlepszej sytuacji materialnej i zmuszeni są zarabiać na życie albo wzornictwem przemysłowym, albo projektowaniem gazet czy książek, albo w inny sposób nie troszczą się o swój los, nie żałują. Dlaczego?
Kiedy pisałem książkę o naszych artystach żyjących na Zachodzie, wydaną za granicą w 1986 roku, miałem okazję przeprowadzić całkiem sporo wywiadów. Jeden z malarzy, którego losy w tamtym czasie (połowa lat 80.) nie były zbyt pomyślne, powiedział mi: „Nie, niczego nie żałuję. Trudny? Oczywiście, że to trudne. Nieprzyjemne jest to, że muszę się oderwać od sztalugi, żeby zarobić na życie, czasem szkoda, że kolekcjonerzy jeszcze do mnie nie dotarli. Ale czy przyjechaliśmy tu dla pieniędzy? Wyszliśmy po to, abyśmy mogli swobodnie, bez strachu przed kimkolwiek i niczym, pisać co i jak chcemy i swobodnie wystawiać, gdzie chcemy. Pisałem jednak swobodnie także w Rosji. Ale można powiedzieć, że w wystawach nie można było brać udziału. A tu w ciągu czterech lat wystawiałem już jedenaście razy. I nawet sprzedałem trochę rzeczy na tych wystawach. Nie to jest najważniejsze, ale z punktu widzenia podtrzymania ducha jest nadal ważne.
Z różnymi odmianami słyszałem jednak mniej więcej to samo od innych artystów-emigrantów, którzy nie odnieśli na Zachodzie takiego sukcesu jak na przykład Komar i Melamid czy Yuri Cooper.
I nie sądzę, żeby którykolwiek z nich miał dobrą minę, jak to mówią, kiedy gra słabo. W końcu możliwość szerokiej wystawy jest koniecznością dla większości artystów. A dla rosyjskich malarzy, pozbawionych tego w swojej ojczyźnie, czynnik ten jest szczególnie istotny. W latach 1979-1986 prowadziłem statystyczną ewidencję wystaw rosyjskich na Zachodzie. Za każdym razem było ich ponad siedemdziesiąt rocznie. To dużo. A geografia tych wystaw była szeroka. Indywidualne wystawy Shemyakina odbywały się m.in. w Paryżu, Nowym Jorku, Tokio i Londynie; O. Rabin – w Nowym Jorku, Oslo i Paryżu; Cooper – we Francji, USA i Szwajcarii; Zaborov – w Niemczech Zachodnich, USA i Paryżu; Komara i Melamid - w Europie i USA...
I ile na przestrzeni lat odbyło się zbiorowych wystaw współczesnej sztuki rosyjskiej, w których brali udział ci i inni rosyjscy artyści-emigranci. Ich geografia jest również szeroka: Francja, Włochy, Anglia, Kolumbia, USA, Belgia, Japonia, Szwajcaria, Kanada…
I jak już mówiłem, o tych wystawach (zarówno osobistych, jak i zbiorowych) pisali dość dużo zachodni krytycy sztuki i dziennikarze. Niemal każdej większej wystawie towarzyszyło wydanie katalogów. Oto na mojej półce z książkami: Ernst Neizvestny, Yuri Cooper, Oscar Rabin, Michaił Shemyakin, Boris Zaborov, Leonid Sokov, Vladimir Grigorovich, Harry Fife, Vitaly Komar, Alexander Melamid, Valentina Kropivnitskaya... A oto katalogi wystaw zbiorowych ; „Współczesna sztuka rosyjska” (Paryż), „Nowa sztuka rosyjska” (Waszyngton), „Nieoficjalna sztuka rosyjska” (Tokio), „Biennale sztuki rosyjskiej” (Turyn)… A oto książka „Nieoficjalna sztuka rosyjska z ZSRR”, wydanej w 1977 roku w Londynie, a wznowionej w Nowym Jorku rok później.
Jak więc widać, dla rosyjskich artystów-emigrantów może nie dla wszystkich, ale dla większości życie na Zachodzie w ogóle ułożyło się dobrze. Nikt z nich nie głoduje. Mają gdzie mieszkać. Wiele z nich ma warsztaty. Każdy ma możliwość zakupu płócien i farb. Część z nich współpracuje z prestiżowymi galeriami. Wszystko jest odsłonięte.
I jak miło jest wiedzieć, że Twoje obrazy kupują kolekcjonerzy, zwłaszcza muzea lub Ministerstwo Kultury, powiedzmy, we Francji. Nie mniej przyjemnie jest patrzeć, jak miłośnicy sztuki zachodniej stoją bezczynnie przed Twoimi obrazami. Swoją drogą, w przeciwieństwie do krytyków sztuki, których znaczna część nie od razu zaakceptowała niespodziewanie narzuconych na nich rosyjskich artystów, zachodni widzowie bardzo szybko potrafili docenić wolną sztukę rosyjską. Nie raz słyszałem od nich w Paryżu, Brunszwiku i Nowym Jorku, że w tej sztuce rosyjskiej odnajdują coś, czego nie znajdują w sztuce współczesnej. Co dokładnie? Żywe ludzkie uczucia (ból, melancholia, miłość, cierpienie...), a nie zimny szalunek, który niestety tak często można spotkać na wielu wystawach w galeriach Europy i USA.
Innymi słowy, w wolnej sztuce rosyjskiej odnajdują duchową zasadę, która zawsze była charakterystyczna dla prawdziwej sztuki rosyjskiej, nawet najbardziej awangardowej. Nie bez powodu książka wielkiego Wassily’ego Kandinsky’ego nosi tytuł „O duchowości w sztuce”.
W prezentowanych Państwu artykułach występuje 13 artystów. Eseje im poświęcone nie są ułożone alfabetycznie. Dzielą się na trzy grupy, odpowiadające trzem pokoleniom mistrzów nieoficjalnej (jak to nazywano w czasach przedpierestrojkowych) sztuki rosyjskiej.
Mam nadzieję, że dzięki inicjatywie wydawnictwa Znanie miłośnicy sztuki współczesnej poznają losy tych naszych malarzy, którzy w imię wolności twórczej zmuszeni byli kiedyś opuścić ojczyznę.
Nonkonformizm sowiecki
Kierunek
Sztuka nieoficjalna ZSRR (lub inna sztuka, sztuka alternatywna, sztuka nonkonformistyczna, sztuka podziemna, underground) - pod tą nazwą zrzeszają przedstawicieli różnych ruchów artystycznych w sztukach plastycznych ZSRR lat 50.-80. XX wieku, którzy m.in. z powodów cenzury politycznej i ideologicznej, zostały przez oficjalne władze wyparte z publicznego życia artystycznego. Ze względu na swoje „podziemne” istnienie sztuka nieoficjalna w ZSRR była ściśle związana z nieformalnymi ruchami młodzieżowymi (m.in. moskiewscy konceptualiści i hipisi, Leningradzkie Stowarzyszenie Eksperymentalnych Sztuk Pięknych, Mitki i rockmani).
Do kamieni milowych w historii sztuki nieoficjalnej można zaliczyć wystawę Moskiewskiego Związku Artystów (1962), krytyczną przez N. Chruszczowa, „wystawę Dwunastu” (1967) w klubie Drużba przy autostradzie Entuziastov w Moskwie, Wystawa Buldożerów (1974), jednodniowa wystawa z tego samego roku w Parku Izmailowskim w Moskwie, wystawy artystów nonkonformistów w Pałacu Kultury im. Gaza i Newski Pałac Kultury w latach 1974-75 w Leningradzie, pierwsza oficjalnie dozwolona osobista wystawa artysty nonkonformisty w Leningradzie w 1978 r. (wystawa Jewgienija Michnowa-Wojtenki w Pałacu Kultury Dzierżyńskiego), wystawy Sekcji Malarstwa Muzeum Moskiewski Wspólny Komitet Artystów grafiki w legendarnej sali wystawowej na Malaya Gruzinskaya 28 (zorganizowana w 1976 r.). Wielu przedstawicieli sztuki nieoficjalnej było prześladowanych przez władze i KGB i przez lata wyemigrowało z ZSRR.
Równolegle podobne zjawiska występowały w życiu literackim i muzycznym, miały miejsce w teatrze i kinie (filmy „z półki”, zakazane spektakle).
„Południowy” kierunek nieoficjalnej sztuki ZSRR stał się w Odessie sztuką nieoficjalną w drugiej połowie XX wieku.
Za początkami „drugiej awangardy odeskiej” – zdaniem krytyków sztuki – stał Oleg Sokołow. Punktem wyjścia „odesskiego nonkonformizmu” był rok 1967, kiedy młodzi artyści Walentin Chruszcz i Stanisław Sychew zorganizowali „płotową” wystawę swoich dzieł „Sychik + Chruszczik” na płocie Opery w Odessie. Ta wystawa trwała tylko trzy godziny. W ten sposób rozpoczął się ruch odeskiej sztuki nieoficjalnej.
Artyści będący ucieleśnieniem „obcej” kultury, drogę do widza znaleźli poprzez „wystawy mieszkaniowe”. Trzon odeskiego nonkonformizmu stanowili W. Chruszcz, Lucien Dulfan, S. Sychev, Ludmiła Jastreb, A. Anufriew, W. Strelnikow. Do tej głównej grupy, której nazwę nadała Ludmiła Jastreb, „nonkonformiści”, dołączyli następnie E. Rachmanin, O. Wołoszynow, W. Ciupko. „Nonkonformizm odeski” różnił się od nieoficjalnej sztuki Moskwy brakiem upolitycznienia, odwrotem do „czystej sztuki” i poszukiwaniem estetycznych form autoekspresji.
Wydanie samizdatu „Artyści z Odessy” z 1980 r. podaje listę artystów odeskiej awangardy: Walentina Chruszcza, Jewgienija Rachmanina, Nikołaja Morozowa, Władimira Tsyupko, Igora Bożko, Aleksandra Stowbura, Walerija Basaneca, Michaiła Kowalskiego, Siergieja Kniaziewa, Władimira Naumetsa, Nikołaj Stiepanow, Aleksander Dmitriew, Nadieżda Gajduk, Witalij Sazonow, Wiktor Risowicz, Michaił Czeresznia, Jewgienij Godenko, Rusłan Makojew, Anatolij Shopin, Oleg Sokołow, Jurij Jegorow, Aleksander Anufriew, Władimir Strelnikow, Ludmiła Jastreb, Wiktor Marinyuk.
Większość członków grupy wyemigrowała, zmarła lub przeniosła się do Moskwy w latach 80. Kontynuatorem ówczesnego awangardowego nonkonformizmu był Alexander Roitburd (ur. 1961), artysta i kurator, którego działalność twórcza służyła promocji Odessy i sztuki ukraińskiej na arenie międzynarodowej; Valery Geghamyan (1925-2000), który został założycielem wydziału plastycznego i graficznego Odeskiego Instytutu Pedagogicznego i jego dziekanem; Aleksiej Iljuszyn (ur. 1926) to prawdopodobnie ostatni przedstawiciel „odesskiego nonkonformizmu”, mieszkający w Odessie i widzący wszystkie jego okresy, twórca jasnych pejzaży i obrazów rodzajowych, mistrz przemyślanej kompozycji.
W latach 90. wiele przykładów „sztuki nieoficjalnej” znalazło się w zbiorach i wystawach Państwowej Galerii Trietiakowskiej, Muzeum Rosyjskiego, Moskiewskiego Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Państwowego Centrum Sztuki Współczesnej (NCCA), nie wspominając o galeriach prywatnych .
Muzeum Sztuki Nonkonformistycznej w Petersburgu zostało utworzone przez Partnerstwo Wolnej Kultury w 1998 roku jako część Centrum Sztuki „Puszkinskaja, 10”.
W 2000 roku na Rosyjskim Państwowym Uniwersytecie Humanitarnym (RGGU) otwarto muzeum „Inna sztuka”. Powstała w oparciu o kolekcję nieoficjalnej sztuki, którą zgromadził legendarny moskiewski kolekcjoner Leonid Prochorowicz Tałoczkin (1936-2002).
To jest część artykułu w Wikipedii używanego na licencji CC-BY-SA. Pełny tekst artykułu tutaj →
Wikipedia:11 lutego w Galerii Victoria otwarta zostanie wystawa „Nonkonformizm jako punkt odniesienia”, na której znajdą się dzieła nieoficjalnej sztuki rosyjskiej drugiej połowy XX wieku ze zbiorów Moskiewskiego Muzeum Sztuki Nowoczesnej. Na niespotykanej dla Samary skali wystawie zaprezentuje się ponad 30 autorów, którzy zaprezentują całe spektrum rosyjskiej sztuki nieoficjalnej od lat 50. XX wieku po współczesność. Kurator galerii Siergiej Balandin na zlecenie Wielkiej Wsi przygotował program edukacyjny do nowej wystawy.
O czym rozmawiali nonkonformiści?
Najwcześniejszą pracą na wystawie był obraz „Wiosna” z 1950 roku Borys Swiesznikow. Napisał ją w wieku 23 lat, podczas odbywania kary w obozie. Dla Swiesznikowa, podobnie jak dla większości nonformistów, ważne jest odwołanie się do duchowej istoty człowieka. W warunkach sowieckiej bezbożności wymyślali własne obrazy, którym nadawali sakralne znaczenie: malarstwo było dla nich czymś w rodzaju mistycznej przysięgi. Nonkonformiści to nazwa nadana kręgowi artystów reprezentujących nieoficjalną sztukę ZSRR: samokrytyka uczeni, dysydenci, filozofowie – do sztuki podchodzili różnymi drogami, ale łączy ich chęć odnalezienia własnego, nieoficjalnego języka artystycznego.
Borys Swiesznikow
Do przedstawicieli nonkonformizmu zaliczają się także Michaił Szwartman, Marlena Spindler, Dmitrij Krasnopewcew, Władimir Jakowlew
Wielu „nieoficjalnych” artystów pozostawało pod wpływem Kazimierza Malewicza, jak na przykład Władimir Sterligow, który był jego bezpośrednim uczniem. Nietrudno dostrzec kompozycje suprematystyczne w twórczości Eduarda Steinberga; w „Rodzinie” Oleg Cełkowa„Chłopów” Malewicza trzeba zobaczyć: płaskie twarze, postacie wydające się zakrzywione jak blacha lub folia, jasne kolory aniliny, małe oczy - artysta zrobił wszystko, aby z sowieckiej konstruktywistycznej utopii zrobić boleśnie monotonne i nudne piekło. W 1977 roku artysta opuścił kraj i przez 38 lat żył jako bezpaństwowiec.
Oleg Cielkow. Rodzina. 1985 Na wystawie prezentowane są także prace Grishy Bruskina, Piotra Belenoka i Jewgienija Rukhina
Aleksander Roginski niektórzy uważają go za jedynego przedstawiciela pop-artu w Rosji. Na długo przed powstaniem sztuki społecznej zaczął przedstawiać życie społeczne narodu radzieckiego: „Czerwone drzwi” wiszące na ścianie, „Czerwona ściana” z rozetą, „Podłoga” wyłożona płytkami to jego najsłynniejsze dzieła. Nie śmieje się i nie naśmiewa z siebie jak artyści Sotsa, w biedzie kuchni sowieckiej widzi szczególną filozofię i tajemnicę rosyjskiego życia.
Aleksander Roginski. Mosgaz. 1964 Lianozowitowie i ich „mały człowiek”
Na wystawie znajdują się prace Włodzimierza Niemuchina, który także jest członkiem lianozowitów
Tak nazywano poetów i artystów, przyjaciół rodziny Kropiwnickich, którzy gromadzili się w swoim mieszkaniu w domu typu koszarowego nr 2 na stacji Lianozovo na przedmieściach Moskwy. Wyróżnia ich dbałość o codzienną rzeczywistość, z której budują, za pomocą bezpośrednich cytatów, skąpy i absurdalny świat nowego „małego człowieka”. Najbardziej aktywny z nich i najsłynniejszy stał się później Oskar Rabin. To on zorganizował owianą złą sławą „Wystawę Buldożerów”, która została zniszczona przez władze, a następnie zmusił je do zatwierdzenia wystawy w Parku Izmailowskim. Nieugięty, silny charakter artysty, który pokazał jako ambasador niezależnych artystów, zdaje się nie mieć w ogóle odzwierciedlenia w jego pracach: pozbawione radości, czarne, jakby zwęglone pejzaże z widokami na przedmieścia.
Oskar Rabin Fikcyjny świat moskiewskich konceptualistów
Do konceptualistów zaliczają się także dzieła Wiktora Piwowarowa, Igora Makarewicza, Andrieja Monastyrskiego
Słynny krytyk Boris Groys nazwał konceptualizm w Rosji „romantycznym”, ponieważ jego przedstawiciele nie robili nic innego, jak tylko fantazjowali. Uciekli z sowieckiej rzeczywistości w swego rodzaju spekulacyjny świat, w którym zamieszkiwali zupełnie nietypowi bohaterowie.
Najwybitniejszym wizjonerem w historii sztuki był Ilia Kabakow. Wymyślił „siedzącego Primakowa w szafie”, „dekoratora Malygina”, który rysował tylko marginesy, nawet jeśli kartka była pusta, „człowieka, który ze swojego mieszkania poleciał w kosmos” i wiele innych historii i zagadek dla publiczności. Ostatecznie wszedł do historii sztuki światowej jako twórca „instalacji totalnej”, czyli instalacji, w której człowiek zostaje całkowicie otoczony, do tego stopnia, że może nawet zapomnieć, gdzie dokładnie się znajduje. A wszyscy bohaterowie Kabakowa, podobnie jak on sam, to ludzie chcący uciec od rzeczywistości.
Ilia Kabakow. Vala nadchodzi. 1972 Inny konceptualista - Dmitrij Prigow- prawdziwy człowiek renesansu: artysta, poeta, myśliciel, jako aktor filmowy grał epizodyczne role u Lungina i Germana. Jego słynny cykl wierszy o „milicjancie” był kultowy w środowiskach dysydenckich, a w rysowanych przez niego długopisem grafikach i projektach wielkoformatowych instalacji jednym z najważniejszych obrazów był „wszech- widzące oko.” Wielki Brat jest tu spleciony w mistyczny węzeł, utkany z archetypowych potworów i symboli, których, podobnie jak Boscha, po prostu nie da się złamać.
Dmitrij Prigow Ponowne przemyślenie życia mieszkańców Sretensky
Inni artyści tego ruchu: Oleg Wasiliew, Siergiej Szablawin, Eduard Steinberg
Grupa Sretensky Boulevard zrzeszała artystów, których warsztaty znajdowały się w pobliżu. Często zbierając i dyskutując o sztuce, wywierali na siebie wpływ, testowali te same techniki, uzyskując różne rezultaty. Przede wszystkim w centrum uwagi tej grupy znalazła się praca z przestrzenią: zarówno przestrzenią domu, jak i przestrzenią krajobrazu. Zaczynał jako surrealista typu jungowskiego, Władimir Jankilewski w swoich pracach łączy fragmenty codzienności: wagon metra, windę, korytarz, toaletę itp. - z symbolami archetypowymi lub abstrakcyjnymi, tak że jeśli jego bohaterowie gdzieś się poruszają, to okazuje się, że ruch ten następuje w kole samsary.
Władimir Jankilewski. Dedykowany rodzicom moich rodziców. 1972 Iwan Czuikow bawi się elementami otoczenia domowego: oknami, drzwiami, gniazdkami, szafkami - zamieniając je w dzieła klasycznych gatunków: portrety, pejzaże, martwe natury, łącząc przedmioty codziennego użytku z obrazami rzeczywistości artystycznej.
Iwan Czuikow. Okno LXIV. 2002 Zabawa artystów Nowej Fali
Kolejnym przedstawicielem kierunku jest Vadim Zakharov
„Nowa fala”, która zastąpiła starsze pokolenie konceptualistów, nazywana jest zwykle „marzycielami”, których obrazy od filozoficznych i marzycielskich stały się otwarcie hedonistyczne, absurdalne i pogodne. Zamiast „historii” oferują widzom „halucynacje”. Kolejną cechą charakterystyczną była twórczość zbiorowa. Jedną z najbardziej znanych tego typu grup artystycznych były „Grzyby”, z których później wyłonił się artysta Konstantin Zvezdochetov. Jego jasne obrazy swobodnie łączą postacie humorystycznego magazynu „Krokodyl” z obrazami rosyjskiego malarstwa klasycznego, bohaterów Repina i Sierowa. Śmiech artysty powinien obnażać i podważać powagę panującą w świecie.
Konstantin Zvezdochetov. Kozacy piszą list. 2005 Satyra na świat konsumpcji artystów socjalistycznych
Innymi przedstawicielami kierunku są Borys Orłow i Aleksander Kosolapow
Artyści, którzy zdecydowali się przenieść amerykański pop-art do sowieckiej rzeczywistości, stali się założycielami nowego kierunku, „sots art”, który zajmował się nie tyle filozoficznym rozumieniem konsumpcjonizmu, ile satyrą na estetyczną nędzę kultury masowej i prezentacja materiału ideologicznego w ZSRR. W pracach artystów socjalistycznych często pojawiają się wizerunki znanych osób, zwłaszcza przywódców. Rzeźbiarz Leonid Sokow odtwarza zasadę rosyjskiej zabawy ludowej z człowiekiem i niedźwiedziem piłującym kłodę, odwzorowując baśniowe postacie Stalina i Hitlera - tyrani biją świat. Sokowa wyróżnia klarowność i bezpośredniość przekazu, ironiczny dydaktyk oraz trafny dobór formy artystycznej.
Leonid Sokow. Hitlera i Stalina. 2006 Narodowe gotowe produkty Leningradu „Nowi artyści”
„Nowi Artyści” – plejada artystów samouków pod przewodnictwem Timur Nowikow i który celowo pracował brudno i wyraziście. Tymczasem twórczość Novikova dążyła do umiaru, lakonizmu i czystych kolorów. Artysta szczególnie intensywnie pracował z tkaniną, która w jego interpretacji stała się albo zasłoną, gobelinem, albo sztandarem. Jednocześnie wykorzystuje fabryczny wzór czy fakturę tkanin, zestawia obrazy z magazynów i albumów, stając się rosyjskim Duchampem i wymyślając narodowy Ready Made.
Timur Nowikow. Z cyklu „Zapomniane ideały szczęśliwego dzieciństwa”. 2000 Prace krajobrazowe z artystami lądowymi
W ZSRR artystom tym nie pozwolono nie tylko pracować, ale także normalnie żyć. Wyrzucano ich z uniwersytetów, nie dopuszczano do związków twórczych, a nawet umieszczano w szpitalach psychiatrycznych. A to tylko dlatego, że nie działały zgodnie z zaleceniami.
Maksym Kantor. "Czerwony dom"
„Malarstwo z czasów głasnosti” („Malerei der Glasnost-Zeit”) to tytuł wystawy, która odbywa się w Dolnej Saksonii Emden, w Kunsthalle Museum of Contemporary Art, które w tym roku obchodzi swoje 25-lecie. Zakazanych w ZSRR artystów nonkonformistów, których prace tu prezentowane, odkrył w latach 80. dla Zachodu twórca tego muzeum, jednocześnie założyciel i były redaktor naczelny słynnego niemieckiego magazynu Stern, Henri Nannen. Ale w jaki sposób dzieła te trafiły do Niemiec? Jak udało im się wydostać ich z ZSRR? I dlaczego znaleźli swoją „rejestrację” w Emden?
Pacjenci psychiatryczni
Oddział szpitalny. Podłoga wyłożona zimnymi płytkami. Słabe łóżka wzdłuż ścian. Nieszczęśni pacjenci tego najprawdopodobniej szpitala psychiatrycznego leżą i siadają na nich. Siedmiu mężczyzn pochylało się przy stole nad gazetą z krzyżówką – wydawało się, że to jedyny powód do przemyśleń. Ta siódemka nie jest jak inni pacjenci: ich twarze są zbyt wyraziste, ich oczy są zbyt inteligentne... Czy naprawdę są zajęci rozwiązywaniem krzyżówki? A może jest to tajne zgromadzenie dysydentów ukryte w szpitalu psychiatrycznym? Autor obrazu „Krzyżówka” Maksym Kantor nie udziela bezpośredniej odpowiedzi. Musimy to zrobić.
Maksym Kantor. „Krzyżówka” (1985)
Prace Kantora stanowią trzon wystawy „Malarstwo z czasów głasnosti”. Kunsthalle po raz pierwszy zaprezentowało wiele swoich eksponatów już w latach 80-tych. Właśnie wtedy zorganizowano pierwszą wystawę poświęconą twórczości młodych ekspresjonistów, realistów i spirytystów Moskwy i Leningradu (jak Niemcy klasyfikowali sowieckich nonkonformistów).
Prace artystów, którzy odważyli się nie tworzyć zgodnie z odgórnymi zaleceniami, ale dokonali bezkompromisowego wyboru na rzecz swobodnej twórczości, wywołały prawdziwą sensację. Media zachodnioniemieckie entuzjastycznie wypowiadały się o Maksymie Kantorze, Leonidzie Puryginie, Lwie Tabenkinie, Aleksieju Sundukowie. Dziś ich nazwiska są znane na całym świecie. A potem fakt, że w Związku Radzieckim byli tak odważni, a jednocześnie niezwykle utalentowani mistrzowie, stał się dla Zachodu prawdziwym odkryciem. Przecież sztuka radziecka zwykle kojarzyła się z nudnym i pretensjonalnym socrealizmem.
„Rejs” po pracowni zakazanych artystów
Jak powiedziała kuratorka wystawy, krytyczka sztuki Lena Nievers, obrazy trafiły do Emden dzięki Henriemu Nannenowi, pochodzącemu z tego miasta, znanemu dziennikarzowi, założycielowi i wieloletniemu redaktorowi naczelnemu magazynu Stern. Często podróżował do Związku Radzieckiego, gdzie zbierał materiały do swoich reportaży. Swego czasu towarzyszył nawet kanclerzowi Niemiec Konradowi Adenauerowi podczas jego pierwszego spotkania z Chruszczowem w Moskwie.
Przez lata utworzył krąg przyjaciół w stolicy ZSRR. Za ich pośrednictwem Nannen, wielki miłośnik sztuki i właściciel znakomitej kolekcji obrazów, nawiązał kontakt z przedstawicielami sztuki „nieoficjalnej” w ZSRR.
Na początku lat 80. Henry Nannen odbył swego rodzaju 14-dniowy „rejs” po półpodziemnych warsztatach 50 nieformalnych artystów w Moskwie i Leningradzie. A to, co zobaczył w tych nędznych piwnicach, powaliło go na miejscu. Kupił wszystko, co się dało, a nawet udało mu się wywieźć obrazy do Niemiec. To prawda, że w tym celu musiał pokonać wiele progów i wykorzystać wszystkie swoje moskiewskie połączenia. W 1982 roku Nannen zorganizował wystawę, która odwiedziła Monachium, Stuttgart, Düsseldorf, Wiesbaden i oczywiście Emden i odniosła ogromny sukces.
Kilka lat później dziennikarz wraz z żoną Eske Ebert-Nannen i słynnym krytykiem sztuki Gerhardem Finkiem ponownie pojechali do pracowni w Moskwie i Leningradzie. W sumie w latach 80. nabył tam ponad 100 dzieł. W 1986 roku filantrop sfinansował utworzenie Kunsthalle w Emden. Miłośnik sztuki zainwestował prawie wszystkie swoje oszczędności w budowę tego muzeum, które stało się prezentem Nannena dla jego rodzinnego miasta. W 1996 roku zmarł Henry Nannen, a Kunsthalle kierowała wdowa po nim.
Nie znając strachu
"Ta wystawa mną wstrząsnęła. W czasie II wojny światowej walczyłem na froncie wschodnim, potem trafiłem do niewoli sowieckiej. I co teraz? My, pokonani, długo cieszyliśmy się życiem i wolnością. A oni, zwycięzcy, tyle lat żyli jak w obozie”.
"Niesamowite, wręcz rozdzierające serce płótna. W czasach sowieckiej dyktatury takie mogli tworzyć tylko ludzie, którzy nie znali strachu i głęboko kochali swoją ojczyznę. "
Takie recenzje wystawy „Malarstwo z czasów Głasnosti” można przeczytać w Księdze Przeglądów Muzeum Emden.
Na pniu znajduje się kot z szeroko otwartymi oczami z przerażenia. Próbuje uciec z rąk dziewczynki. Ona także umiera ze strachu i stara się nie patrzeć na biedne zwierzę, ale z całych sił przyciska je do drzewa. W pobliżu jest strasznie chuda kobieta. Już podniosła topór. „Chcę żyć...” to tytuł obrazu namalowanego przez Leninę Nikitinę, ocalałą z oblężenia Leningradu, przedstawicielkę starszego pokolenia sowieckiego podziemia.
Aleksiej Sundukow. „Przejście” (1988)
„Przejście” Aleksieja Sundukowa. Szerokie przejście do metra z trudem pomieści ciasno stłoczony tłum. Każdy jest ubrany inaczej: jedni w zimowych, inni w letnich. Nie jest jasne, jaka jest pora roku. Są skórzane płaszcze przeciwdeszczowe, płaszcze z futrzanym kołnierzem, mundury oficerskie i lekkie sukienki z odkrytymi ramionami. Wiejskie szale, czapki z dzianiny, czapki. Łyse głowy, eleganckie fryzury, skromne fryzury. Obraz jest przesycony obrazami. Jest światło na końcu tunelu. Ludzie idą w jego stronę. Chociaż - czy się poruszają? A może po prostu tam stoją? Przedstawione są tylko plecy, głowy i ramiona. Nogi – podobnie jak twarze – nie są widoczne. I dlatego pozostaje tajemnicą, czy tłum ten przejdzie do nowego stanu, czy zostanie oczarowany jasnym światłem wolności.