Artystów jest wielu, ale tych naprawdę utalentowanych, którzy opanowują swoje rzemiosło i wkładają duszę w swoje dzieła, można policzyć na palcach jednej ręki. Tym cenniejsze są ich dzieła.
Ivan Fomich Chrucki: krótka biografia
Przyszły artysta urodził się w 1810 roku, 27 stycznia. Jego miejsce urodzenia znane jest dziś jako Białoruś. Jednak w tamtych latach był częścią Imperium Rosyjskiego, więc jego mała ojczyzna – prowincja witebska – była częścią Rosji. Moi rodzice należeli do Kościoła katolickiego i byli bardzo pobożni.
Sam artysta od dzieciństwa wykazywał zainteresowanie malarstwem, dlatego wcześnie zaczął rozwijać zdolności w tym kierunku. Kształcił się w Imperial Academy of Arts (Imperial Academy of Arts) i przez długi czas tam pracował. Swego czasu miał dostęp do obrazów z Ermitażu z prawem do ich kopiowania.
Główne style malarskie, w których pracował są następujące:
- kierunek akademicki;
- klasycyzm;
- barokowy.
Zarówno w Rosji, jak i w Polsce Chrucki jest znany jako znakomity malarz, specjalizujący się głównie w pięknych i bogato zabarwionych martwych naturach. Oprócz nich malował pejzaże, portrety i inne obrazy. Jednak to właśnie piękne martwe natury przyniosły mu szeroką sławę w kręgach artystycznych. owoce”) - najbardziej Chruckiego. Martwa natura do dziś wywołuje wiele dyskusji na całym świecie.
Malarstwo „Kwiaty i owoce”
Został napisany przez Iwana Fomicha w 1836 roku. Opis obrazu Chruckiego „Kwiaty i owoce” znajduje dziś wyraz nie tylko w wypowiedziach ustnych, ale także w esejach szkolnych dla dzieci, opisach w artykułach artystycznych i tak dalej.
Za obraz ten artysta otrzymał bardzo dobrą i zasłużoną nagrodę Rady Naukowej – dużą. To praktycznie potwierdziło ogólne wrażenie cichego zachwytu, jakie płótno wywołało wśród publiczności.
Opis obrazu Chruckiego „Kwiaty i owoce”
Obraz przedstawia wazon z kwiatami umieszczony pośrodku płótna. piękne i bardzo urocze małe liliowe i białe kwiaty łączą się z dużymi różowymi i niebieskimi pąkami oraz otwartymi kwiatami. Splendoru bukietowi dodają gałązki trawy pierzastej i piękne, szerokie, długie liście traw polnych.
Ogólne wrażenie wazonu z kwiatami jest radosne i dobre. Obraz wywołuje uczucie świeżości i podnosi na duchu.
Nawet dziecko może opisać obraz Chruckiego „Kwiaty i owoce”. Jest taka prosta i przystępna, a jednocześnie głęboka i pojemna na temat przedstawianych obiektów. Oprócz wazonu z kwiatami na zdjęciu wyraźnie widać szklankę wody. Absolutnie czysta, czysta woda, w której pływa plasterek cytryny.
W kompozycji wyróżniono także kosz kolorowych winogron oraz wiklinowe pudełko z soczystymi brzoskwiniami, dyniami i gruszkami. W tle widać karafkę z wodą.
Jasne akcenty w obrazach
Obraz Chruckiego „Kwiaty i owoce”, namalowany w 1838 roku, niemal całkowicie powtarza fabułę martwej natury „Kwiaty i owoce”. Na obu obrazach widoczne są jasne akcenty – wazon z kwiatami, soczystymi, jakby prawdziwymi owocami i ręcznie robionymi wiklinowymi pudełkami na nie.
Jeśli opis „Kwiatów i owoców” sprowadza się do tak jasnych punktów, jak szklanka wody z plasterkiem cytryny i jasnoniebieskie i różowe pąki kwiatowe w wazonie, to „Kwiaty i owoce” różnią się tylko jednym. Owoce są nieco inne, a wazon z kwiatami jest całkowicie przezroczysty i znajduje się nie pośrodku, ale z boku obrazu.
Ale mimo takiego podobieństwa fabuły i treści oba filmy zasługują na osobne recenzje, osobne dyskusje i opisy. Przecież różnice są oczywiste i ogólne wrażenie z obrazów jest inne.
Naturalność pisma owocowego
Artysta Chrucki starał się malować obrazy tak naturalnie, jak to możliwe. I niewątpliwie mu się to udało. Patrząc na soczyste brzoskwinie, duże winogrona i lśniącą od soku cytrynę, trudno nie poczuć ich smaku i nie chcieć od razu spróbować.
Twórczość malarza zasługuje na szczególną pochwałę ze względu na natywność i naturalność przedstawionych obiektów. Tutaj leży gruszka. Z jednej strony rumiana, jakby właśnie zerwana z drzewa, gdzie z jednej strony była pokryta cieniem liści, a z drugiej zwróciła się w stronę słońca. W pobliżu widać drugą gruszkę, ale już przeciętą na pół. Jest soczyste, lśniące i ma słodką wilgoć. Nawet nasiona są narysowane tak wyraźnie i dokładnie, że nie ma wątpliwości co do ich naturalności.
To dzięki takiej cesze wielkiego artysty, jak naturalność malowania martwych natur, udało mu się zdobyć sławę i stać się bardzo sławnym. Takich ludzi jest niewielu, bo w XVIII-XIX w. niewiele malowało martwe natury, zwłaszcza te tak wysokiej jakości, piękne w wykonaniu i treści.
Opis obrazu Chruckiego „Kwiaty i owoce” można sprowadzić do momentu konstruowania kompozycji do pracy nad obrazem. Oczywiste jest, że artysta przemyślał wszystkie najdrobniejsze szczegóły lokalizacji każdego przedmiotu, rotacji każdego owocu i owocu, położenie wszystkich obiektów na powierzchni stołu.
Popularność dzieła sztuki
Nietrudno ocenić, jak popularne są martwe natury Iwana Fomicha Chruckiego. Rzeczywiście, dziś jego prace „Kwiaty i owoce” oraz „Kwiaty i owoce” są tematami esejów uczniów. Obrazy znajdują się w Galerii Trietiakowskiej i cieszą się stałą uwagą i miłością publiczności.
W 1838 r. Chrucki otrzymał złoty medal w dziedzinie malarstwa za swoje doskonałe dzieło „Kwiaty i owoce”. Do tej pory jego martwe natury są kopiowane i wykorzystywane do dekoracji lokali, restauracji i sal kreatywnych. Każdy (a jest ich wielu) może kupić mały egzemplarz pięknych dzieł artysty. Ale naturalne obrazy cieszą oko tylko na ścianach słynnej galerii.
Trudno wyobrazić sobie współczesne życie każdego z nas bez obecności w nim kwiatów. Przez cały czas zachwycają ludzkie oko różnymi przejawami. Mogą to być świeże lub sztuczne kwiaty, elementy wyposażenia wnętrz lub ubrania z przedstawionymi na nich różnymi kompozycjami kwiatowymi. Niezwykłe piękno kwiatów pozytywnie wpływa na stan emocjonalny człowieka, poprawia nastrój, inspiruje do kreatywności i tworzenia arcydzieł sztuki.
Podobny przykład można śmiało uznać za dzieło „Kwiaty w wazonie” artysty Aleksandra Jakowlewicza Golovina. Obrazek o tak pozornie prostym tytule kryje w sobie ogromną treść, o której można dyskutować bez końca. A.Ya Golovin, jako osoba o „subtelnej” i zmysłowej duszy, przez całe życie kochał kwiaty: rósł, opiekował się, podziwiał, a także przekazywał ich piękno w swoich pracach. Miło jest po chwili spojrzeć na zdjęcie i przypomnieć sobie wszystkie przyjemne chwile z nim związane.
Patrząc na obraz „Kwiaty w wazonie” od razu staje się jasne, że praca została wykonana w pogodny letni dzień, w okresie obfitego kwitnienia w ogrodzie. W swojej pracy artysta przedstawił tylko część stołu przed oknem, a na nim wazon z kwiatami. Ale jaką różnorodność kolorów i ich odcieni zwykł przekazywać widzowi, wydawałoby się, temu małemu fragmentowi pięknej rzeczywistości. A wszystko po to, aby jak najdokładniej i szczegółowo przekazać całe piękno kwitnących letnich kwiatów. Jako główne tło obrazu artysta przyjął jasne kolory, za pomocą których przedstawił zasłonę okienną i śnieżnobiały obrus na stole. Część okna zasłania wzorzysta zasłona przypominająca raczej kobiecą chustę, ponownie ozdobioną mnóstwem najróżniejszych kwiatów i ich elementów. Być może jest to szalik rzucony przez gospodynię lub właściciela, aby nieco przyciemnić pokój przed jasnym południowym słońcem. Na krawędzi stołu przedstawiono złocistobrązową serwetkę, tworząc kontrast i jeszcze większą wyrazistość białego obrusu. Na stole widzimy także zwykłe przedmioty, które służą na co dzień. Jest to ciemny wazon, porcelanowa figurka oraz wiklinowy kosz, służący najprawdopodobniej do przechowywania słodyczy lub pieczywa.
Ale najważniejszym i najważniejszym przedmiotem na tym zdjęciu jest bukiet kwiatów w zwykłym szklanym dzbanku. Wielokolorowe floksy, wśród których są śnieżnobiały, różowy i fioletowy, dodają mu blasku i świetności. Gdzieniegdzie w bukiecie, niczym światła, widać jasne, pomarańczowe lilie. Ale uzupełniają i uzupełniają kompozycję kwiatową kilkoma gałęziami jasnoczerwonych mieczyków. Patrząc na bukiet, ma się wrażenie, że został cięty i wrzucony do wody, jakby w pośpiechu, mijając kwietnik. Ale to zaniedbanie nadaje mu oryginalności i niepowtarzalności. Na lewo od tego luksusowego bukietu artysta przedstawił kilka gałązek róż w zwykłym szklanym słoju. Można się domyślić, że róże umieszczono osobno, aby dokładniej i wyraziście oddać całą delikatność i piękno tych kwiatów. Ponieważ w ogólnej masie całego bukietu mogłyby się zgubić i pozostać niezauważone, ale stojąc osobno, przyciągają uwagę widza na równi z innymi kwiatami.
Analizując treść tego obrazu jako całość, mimowolnie nasuwa się wniosek, że ze zwykłych i prostych rzeczy można stworzyć piękne kompozycje, które budzą podziw innych. W końcu co widzimy w tym dziele? Widzimy kwiaty, są to rośliny najpospolitsze i najbardziej znane dla oka, które można spotkać niemal w każdym ogrodzie. Ale najważniejsze jest, aby nauczyć się dostrzegać całe piękno ich kwitnienia, tak jak wiedział autor tego dzieła. W końcu czasami można spacerować ścieżką lub alejką w ogrodzie i nie zauważyć kwitnącego kwiatu. Ale tak naprawdę, pomimo całej powszechności i prostoty, każdy kwiat nie jest podobny do poprzedniego ani nie rośnie w pobliżu. Nie bez powodu mówi się, że „w prostocie kryje się piękno”, najważniejsze jest, aby nauczyć się je dostrzegać.
Alexander Yakovlevich Golovin jest namiętnym wielbicielem kwiatów. Nie tylko namalował te delikatne stworzenia, ale także je wychował. Wiele obrazów artysty poświęconych jest kwiatom. Ale szczególnie chciałbym zwrócić uwagę na jeden obraz Golovina – „Martwa natura. Kwiaty w wazonie”. Na wielu obrazach Aleksander Jakowlewicz Golovin przedstawia kwiaty otoczone innymi przedmiotami. Mogą to być złote kule lub jasny jedwabny materiał, wykwintny wazon lub porcelanowe naczynia.
Na obrazie „Martwa natura. Kwiaty w wazonie” nie ma nic zbędnego. Nic, co mogłoby odwrócić uwagę widza od kontemplacji wspaniałego bukietu. Prosty biały wazon ginie na tle tych samych białych zasłon i białego obrusu. Jasne światło słoneczne padające z lewej strony dodatkowo wygładza kontury obiektów, nadając im wygląd lekkiej mgły. Na jego tle kwiaty wyglądają jak jasna, wielobarwna plama, przyciągająca wzrok.
Bukiet floksów białych, różowych i liliowych ułożony jest w nieładzie. Wygląda na to, że kwiaty zostały po prostu przycięte i bez tworzenia oryginalnej kompozycji po prostu umieszczono je w wazonie. Wśród floksów lilie wyróżniają się pomarańczową plamą. Ale ten nieprzemyślany bukiet, jego nieporządek, ma swój szczególny urok, którego nie da się sztucznie stworzyć. Ten bukiet i otaczająca go biel są tak czyste, tak wzruszające, że nie sposób nie podziwiać kwiatów, ciesząc się ich nieskazitelnym pięknem.
Druga wersja eseju:
Wielu artystów stworzyło ciekawe płótna i wybitne martwe natury, ale obrazy Golovina są szczególnie zmysłowe i wzruszające. Z jego dzieł emanuje czystość i życzliwość, które przyciągają uwagę najbardziej wyrafinowanego konesera piękna.
Proste kwiaty są skromnie ułożone w wazonie, ale ich prostota jest zwodnicza. Za nim kryje się wyjątkowe wyrafinowanie, które wynika ze sprytnego połączenia ogrodu i polnych kwiatów. W kompozycji wszystkie zostały sprytnie połączone w oryginalny, jasny bukiet, który sprawia wrażenie doskonałości samej w sobie. Aby podkreślić piękno bukietu, artysta zdecydował się na jasne tło.
Martwa natura stworzona przez Golovina przypomina lato, beztroskie dni, które latem po prostu mijają we wsi. Chcesz wdychać aromat tego pięknego bukietu, ale w ostatniej chwili uświadamiasz sobie, że przed tobą jest tylko zdjęcie.
Podobne materiały.
Obrazy wielu artystów pozwalają przyjrzeć się szczegółom. To tak, jakby czas mógł się zatrzymać, a pojawiła się okazja, aby zwrócić uwagę na coś, co w prawdziwym życiu bardzo łatwo przejść obok i nie zauważyć. Wiele rzeczy staje się interesujących, gdy dany temat zostanie dogłębnie przestudiowany.
Tak więc malarz taki jak A.Ya Golovin, który dużo pracował nad scenografią teatralną, zrozumiał, że nawet prosty przedmiot ma wielkie znaczenie i symbolikę. Jego obraz „Kwiaty w wazonie” nie jest przeładowany szczegółami. Nie ma w nim gry jasnych i jaskrawych kolorów. Praca jest prosta, ale ciekawa. To właśnie swoją skromnością i lekkością skłania do refleksji i zapamiętywania siebie.
Co przedstawiła A.Ya? Golovin na swoim płótnie? W centrum kompozycji znajduje się prosty porcelanowy wazon. Jest biały i nie ma na nim żadnych wzorów. Dopiero garncarz nadał mu wdzięk formy. Mistrz wiedział, czego potrzeba, aby porcelana stała się prawdziwą ozdobą każdego domu. Wazon jest srebrzony od blasku okien, naprzeciw których stoi. Ale to nie jest główny szczegół obrazu. A autor nie skupia na tym uwagi. Wręcz przeciwnie, całkowicie się wchłania, rozpuszczając się w białym kolorze tła scenerii. Równe pod względem koloru i odcienia służą podkreśleniu głównego tematu obrazu, czyli bukietu.
Kwiaty na płótnie są przepojone delikatnością. Nie ma w nich prowokującego piękna, są proste i prawie wszystkie wykonane są w pastelowych kolorach. Ich kolor jest jak dźwięk, stonowany. Nie ma tu żadnych krzyków ani wyzywających nut. Z tego obrazu emanuje spokój i równowaga. Golovin A.Ya. przedstawiał proste floksy, biały, różowy i liliowy. I tylko pośrodku bukietu znajduje się jasny szkarłatny kwiat przypominający lilię. Poprzez niego, wyróżniając się spośród innych, malarz zdaje się rozbudzać wyobraźnię i skłaniać do refleksji. Kilka płatków spadło z floksa i teraz smutnie leżą na stole.
Esej na podstawie obrazu Martwa natura. Kwiaty w wazonie opcja 2
Widzę przed sobą bardzo jasny obraz rosyjskiego artysty Aleksandra Jakowlewicza Golovina. Nazywa się „Kwiaty w wazonie”. To martwa natura, która autorka okazała się bardzo żywa i radosna. Zawiera dużo białych, sprzętów gospodarstwa domowego i kwiatów.
Autorka uchwyciła w pracy wiele szczegółów: wazon na słodycze, ceramiczne szkło w kolorze złotym, glinianą figurkę, słój z różami oraz szklany pojemnik z ogromnym bukietem. Wszystkie elementy leżą na białym obrusie. Kolorowy szalik rzucono przez róg stołu. Centralnym punktem kompozycji stał się duży bukiet. Zawiera róże, mieczyki i kwiaty przypominające dzwony.
Podoba mi się, że Alexander Yakovlevich użył wielu szkarłatnych odcieni. Znajdują się zarówno w tle, jak i we wzorze rosyjskiego szalika. W pracy z motywami rodzimymi jest wiele szczegółów. Artysta namalował martwą naturę z życia. Jest to zrozumiałe, ponieważ wszystkie obiekty są ze sobą powiązane, rzucają cienie, mają rozjaśnienia i wyglądają trójwymiarowo.
Ta praca została napisana w ciągu dnia. W tle widzę światło z okna i odblaski na przedmiotach. Małe rzeczy sprawiają, że martwa natura jest radosna. Podoba mi się figurka w kształcie wróżkowego ptaka. A szkło ma złożony wzór. Artysta zręcznie przedstawił ażurową dekorację wazonu. Są sploty i małe różyczki. Dobrze komponują się z bukietami kwiatów. Na zdjęciu jest dużo roślin. Niektóre żyją w wodzie, inne są nadrukowane na szalikach.
Paleta obrazu „Kwiaty w wazonie” jest ciepła. Do elementów roślinnych Golovin użył farb zielonych, białych i różowych. Tu i tam widać inne odcienie. To cienie, są zimne, a szklanka słoiczka jest szara. Wszystkie kolory mówią o jesieni. Róże i mieczyki już kwitną. Kwiatowa martwa natura rozgrzewa mnie bogatą kolorystyką i mnóstwem domowych antyków. Autorka przekazała jesienny dzień w przytulnym domowym otoczeniu.
Esej na podstawie obrazu A.Ya. Golovin „Martwa natura. Kwiaty w wazonie” opcja 3
Słynny artysta Golovin Alexander Yakovlevich nie tylko z pasją lubił rysować kwiaty, ale także je hodować. Byli jego inspiracją i muzą. Autor poświęcił wiele swoich obrazów kwiatom. W jego arsenale znajdują się piękne martwe natury, gdzie kwiaty w drogich porcelanowych wazonach są otoczone innymi rzeczami. Ale jest też taki obraz jak „Martwa natura. Kwiaty w wazonie”. Tutaj całą uwagę zwraca się na kwiaty.
Tłem są białe zasłony. Stół nakryty jest tym samym obrusem i nawet wazon pasuje do tej kolorystyki. Dzięki takiemu doborowi tła cała uwaga skupia się wyłącznie na jasności kolorów. Stoją w wazonie w jakimś nieładzie. Wygląda na to, że zostały po prostu przycięte i wcale nie próbowały ich pięknie ułożyć, a po prostu włożyły do wazonu. Ale to wcale nie psuje wyglądu bukietu, wręcz przeciwnie, staje się on jeszcze piękniejszy, delikatniejszy i bardziej atrakcyjny. Floksy białe, liliowe i pomarańczowe mają różną długość łodygi i ukazują się widzowi w całej okazałości. Wśród nich wyłaniają się płatki lilii w postaci pomarańczowej plamki, a za nimi inne rośliny dodają bukietowi blasku i zieleni.
Ponieważ bukiet ma pewną asymetrię, można odnieść wrażenie, że nie miał to być obraz sztuki, ale być może to właśnie ten chaos tak bardzo uderzył autora, że nie mógł się powstrzymać i przeniósł to wszystko na płótno. W każdym razie obraz okazał się wspaniały i atrakcyjny.