Syntetyczny obraz kubizmu. Kubizm – co to jest? Kubizm w sztuce. Przedstawiciele kierunku i malarstwa w stylu kubizmu

10.04.2019

1. Wstęp.

2. Narodziny kubizmu.

3. Innowacja kubistyczna.

4. Twórczość Georgesa Braque’a.

5. Pablo Ruiz Picasso.

5.1. Edukacja. Barcelona.

5.2. Pierwsza podróż do Paryża. Okresy „niebieskie” i „różowe”.

5.3. Przed kubizmem.

5.4. Kubizm.

5.5. Późniejsze życie i praca.

5.6. „Dziewczyny z Awinionu”

6. Poeci kubizmu.

7. Wpływ kubizmu na sztukę.

8. Kubizm w Rosji.

9. Artysta Kazimierz Malewicz.

10. Wniosek.

11. Wykaz używanej literatury.

„Trzeba umieć wybierać. Jeden

i nie może być tego samego

zarówno prawdziwe, jak i wiarygodne.”

Georgesa Braque’a

1. Wstęp.

kubizm- (kubism francuski, od sześcianu - sześcianu) kierunek w sztuce pierwszej ćwierci XX wieku. Plastyczny język kubizmu opierał się na deformacji i rozkładzie przedmiotów na płaszczyzny geometryczne, plastycznym przesunięciu formy.

Kubizm zaprzecza przedstawianiu przedmiotów w formie, w jakiej je reprezentujemy. Szuka sposobu na wyrażenie ich istoty. Kubizm sprowadza formy do podstawowych wzorów geometrycznych, rozkłada przedmioty na części składowe i łączy je w abstrakcyjną całość płaskiego dekoracyjnego obrazu.

Pablo Picasso, jeden z pierwszych artystów kubistycznych, mawiał: „Maluję przedmioty tak, jak o nich myślę, a nie tak, jak je widzę”. Rzeczywiście, kiedy patrzymy na ludzką twarz z profilu, widzimy tylko jedno oko i jedną brwi. I postrzegamy obiekt w całości, przypuszczając, że oczywiście ma on również drugie oko. Na portrecie kubistycznym, czy to twarzy, czy profilu, przedmiot pojawia się przed nami widziany przez autora z kilku punktów jednocześnie. Autorka łączy je w jeden obraz. Artyści kubistyczni stawiali pierwsze kroki właśnie w gatunkach portretu, martwej natury, pejzażu. Z reguły były to płótna monochromatyczne.

Wielu rosyjskich artystów przeszło fascynację kubizmem, często łącząc jego zasady z technikami innych współczesnych ruchów artystycznych - futuryzmem i prymitywizmem. specyficzną wersją interpretacji kubizmu na ziemi rosyjskiej był kybofutypizm.

Wpływ kubizmu na sztuki wizualne trwał do lat 60. XX wieku. K. Malewicza ze swoim słynnym obrazem „Czarny kwadrat” można przypisać rosyjskim kubofuturystom

W mojej pracy będę opowiadał o początkach tego nurtu w sztuce, o wybitnych twórcach kubizmu, szczegółowo omawiając twórczość Georgesa Braque'a i Pabla Picassa, a także rosyjskiego artysty Kazimierza Malewicza; Zwrócę szczególną uwagę na obraz Picassa „Dziewczyny z Awinionu”, a także spróbuję spojrzeć na świat oczami tych tajemniczych i atrakcyjnych mistrzów ich tajemniczej i atrakcyjnej sztuki.

2. Narodziny kubizmu.

Od połowy XIX wieku odejście od tradycji naturalistycznej, która dominowała wówczas w sztukach plastycznych, gwałtownie przyspieszyło. Malarstwo, grafika, rzeźba odwołują się do tego, co niedostępne bezpośredniej („dosłownej”) reprodukcji. Rozwój nowych środków wizualnych, chęć pisania, wzmożenie ekspresji, tworzenie uniwersalnych symboli,

skompresowane formuły plastyczne mają na celu z jednej strony ukazanie wewnętrznego świata człowieka, jego stanu (mentalnego, emocjonalnego), z drugiej strony zwiększenie wyrazistości, informatywności „cielesnej” struktury rzeczy, aktualizację wizja świata obiektywnego aż po zadanie stworzenia „niezależnego obrazowego (obrazowego)) faktu”, konstrukcji „nowej rzeczywistości”.

Kobieca postać stojąca. P. Picasso. 1907

Ostatnia wystawa impresjonistów w 1886 roku oznacza koniec klasycznego okresu sztuki europejskiej. Od tego czasu w malarstwie europejskim wyłoniły się kolejno liczne nurty, które istniały mniej lub bardziej długo: art nouveau, ekspresjonizm, neoimpresjonizm, pointylizm, symbolizm, kubizm, fowizm.
„W anarchii wartości emocjonalnych końca ubiegłego wieku” – pisał austriacki malarz Wolfgang Paalen – „ludzie, którzy zwracali się do sztuki w ostateczności, zaczynają rozumieć, że wewnętrzna natura rzeczy jest równie istotna jak zewnętrzna jeden. Dlatego Seurat, Cezanne, Van Gogh i Gauguin otwierają nową erę w malarstwie: Seurat swoim dążeniem do strukturalnej jedności, do obiektywnej metody, Van Gogh swoim kolorem, który przestaje pełnić rolę opisową, Gauguin ze śmiałą transcendencją estetyki zachodniej, a zwłaszcza Cezanne’a – rozwiązywanie problemów przestrzennych. Paalen zwięźle scharakteryzował najważniejsze etapy procesu artystycznego, które bezpośrednio poprzedzały odkrycie sztuki prymitywnej oraz punkt zwrotny, jaki zarysował się w sztuce europejskiej około 1907 roku.

Rok 1907 uznawany jest za punkt zwrotny w stosunku do sztuki tradycyjnej, przede wszystkim afrykańskiej, jednocześnie jest kamieniem milowym, z którego wywodzą się najnowsze nurty artystyczne. Rok 1906 – rok śmierci Cezanne’a – to początek szczególnie głębokiego wpływu na całe pokolenie artystów. Później okres ten historycy sztuki nazwali „Cezanne” lub „Murzyn”.

Analizując twórczość Cezanne’a, a w szczególności jego najnowsze dzieła, w których jest on najbliższy rozwiązania postawionych problemów przestrzennych, porównując je z najbardziej charakterystycznymi przykładami afrykańskiej plastyczności, będącymi czasami idealnymi przykładami ucieleśnienia tych rozwiązań przestrzennych, możemy śmiało powiedzieć, że to dzieło Cezanne’a stało się ostatnim i być może decydującym w szeregu czynników, które zmusiły nas do świeżego spojrzenia na sztukę prymitywną.

Namacalny ciężar obrazów, które Cezanne starał się osiągnąć, próbując przeniknąć istotę rzeczy i zjawisk poprzez identyfikację rytmicznych, geometrycznych struktur i ukazać tę esencję, jest niewątpliwie główną cechą afrykańskiego plastiku. Tym samym twórczość Cezanne’a, będąca logicznym następstwem całego dotychczasowego rozwoju malarstwa europejskiego, w pewnym sensie bliska twórczości Van Gogha, Gauguina i Seurata, odegrała decydującą rolę w stworzeniu obiektywnych warunków, w jakich sztuka afrykańska została włączona w światowy proces artystyczny.

Nadchodzi chwila zgodność: obcy system estetyczny zostaje nie tylko rozpoznany, ale i „przyjęty” przez praktykę artystyczną. Co więcej, sama sztuka prymitywna stała się narzędziem odkryć i na tym polega głęboka istota rozważanego procesu. Otworzyła oczy artystom, którzy odkryli tam, gdzie najmniej się spodziewali, nowy system wartości artystycznych, zasadniczo odmienny od tego, którym przez tysiące lat kierowała się sztuka europejska.

Zatem koncepcja kubizmu opierała się na kulturze „pogańskiej”, która kiedyś ożywiła sztukę starożytną, a później dała nowe kiełki w renesansie. Uwolniła twórczość artystyczną od salonowej lekkości, przywróciła ją do ujawnienia istoty rzeczy i zjawisk, czyniąc sztukę, zgodnie z ówczesnym trendem, narzędziem wiedzy. Nowy nurt, w swoich kolejnych przejawach, umownie nazywany „kubizmem”, odsłaniał przed widzami struktury, które niejako eksponowały szkielety przedmiotów.

Odczucia widza, który znalazł się na wystawie przed obrazami kubistów, można porównać z uczuciami człowieka, który miał odbyć przyjemną podróż, a zamiast tego otrzymał zaproszenie do udziału w wyznaczaniu nowych ścieżek.

Reakcja publiczności pokazała, że przejście na nowy kierunek odbyło się skokowo, pomimo długiego okresu przygotowawczego, podczas którego metropolitalna europejska publiczność powinna znacznie poszerzyć swoje horyzonty. Po uznaniu Van Gogha nie można było już uważać gładkiego pisma i naturalistycznej kolorystyki za niezbędny warunek „dobrego malarstwa”; życie i twórczość Gauguina zwracały uwagę na kultury „prymitywne” i uczyły je widzieć nie tyle ich niedojrzałość, ile ich jakościowo odmienny stan, który sugerował wiele cennych i pouczających rzeczy; Twórczość Seurata była przykładem możliwości wykorzystania metod naukowych do rozwiązywania problemów artystycznych; wreszcie metoda twórcza Cezanne’a, zwłaszcza technika jego ostatnich dzieł, tak bliska technice wczesnych kubistycznych dzieł Braque’a, zdawała się przyczyniać jeśli nie do zrozumienia, to przynajmniej uznania prawa do istnieje ten eksperyment, który nazywany jest najodważniejszym w historii sztuki. A jednak twórczość Braque’a, podobnie jak późniejsza twórczość kubistów, została odrzucona przez jury i na długi czas stała się przedmiotem krytyki i przedmiotem skandalu opinii publicznej.

Nowy nurt w sztukach wizualnych i literaturze, zrodzony w epoce odkrycia „l'art negre” (sztuki murzyńskiej) i ściśle z nim związany, oczywiście, nie był jedynym tyglem, w którym fuzja nowej kultury artystycznej powstał.

Związek kubizmu z odkryciem rzeźby afrykańskiej jest oczywisty. Choć pytanie, kto właściwie jest odkrywcą rzeźby afrykańskiej, pozostaje dyskusyjne, nikt nie wątpi, że jej lekcję po raz pierwszy dogłębnie przyjął młody, ale już wówczas dość znany, hiszpański malarz Pablo Picasso.

3. Innowacja kubistyczna.

O ile malarstwo impresjonistów głosiło warunkowy charakter koloru, o tyle kubiści wyrazili nowe podejście do rzeczywistości poprzez warunkowy charakter przestrzeni. J. Brak napisał: „Nawet nie trzeba próbować

naśladuj rzeczy przemijające i stale zmieniające się, które mylimy z czymś niezmiennym. Amerykański historyk sztuki J. Golding napisał, że kubizm to „najbardziej kompletna i radykalna rewolucja artystyczna od czasów renesansu”.

Juana Grisa. Miska na owoce i karafka. 1914

Nurt ten jako jeden z pierwszych ucieleśniał wiodące nurty dalszego rozwoju sztuki XX wieku. Jednym z tych trendów była dominacja koncepcji nad wartością artystyczną samego obrazu. Już Hegel (1770-1831) zauważył, że sztuka współczesna w coraz większym stopniu przesiąknięta jest refleksją, myślenie figuratywne zastępowane jest myśleniem abstrakcyjnym, przez co granica między krytyką artystyczną a twórczością praktyczną staje się zbyt cienka. Jeśli w kubizmie nurt ten był obecny w powijakach, to w sztuce postmodernizmu staje się dominujący.

Kubizm to rozpoznawalny, niezwykły styl, który eksponuje naturę, ludzi, przedmioty nieożywione, bez uciekania się do naśladownictwa. Kubizm w malarstwie powstał w pierwszej ćwierci XX wieku i stał się jednym z nurtów rozwoju kultury modernistycznej.

Funkcje stylu

Główną cechą jest odrzucenie trójwymiarowego obrazu rzeczywistości. Obrazy utrzymane w stylu kubistycznym są rozpoznawalne dzięki płaskiemu wyglądowi, pozbawionemu światłocienia i perspektywy. Obrazy są zdeformowane, nielogiczne, irracjonalne, podzielone na osobne detale – martwa natura, portret, przypominają zbiór oddziałujących na siebie kształtów geometrycznych.

Ten kierunek sztuki stał się szczególną formą awangardy, w której dominującą rolę odgrywają ostre narożniki, proste linie i neutralna kolorystyka. Obrazy - martwa natura, portret - nie powinny wyglądać realistycznie, są jak puzzle, które widz musi ułożyć w myślach. Kubizm przypisywany jest różnym dziedzinom malarstwa – abstrakcjonizmowi, prymitywizmowi, awangardie.

Podstawa obecnych i pierwszych twórców

Pierwsze prace kojarzone są z twórczością Pabla Picassa i Georgesa Braque’a. Za czas pojawienia się kierunku uważa się rok 1907. Jednym z pierwszych jasnych i reprezentatywnych dzieł jest obraz „Dziewczyny z Awinionu”. Twórczość Picassa wyróżniała się pociętymi, szorstkimi liniami, ostrymi narożnikami, brakiem gry cieni i perspektywy. Nierealistyczne przedstawienie nagich kobiet jest charakterystyczne dla kubizmu.

Krwawy rysunek czerwonymi kredkami

Artysta zastosował neutralną, naturalną kolorystykę. Zdaniem historyków sztuki maski afrykańskie są symbolem pojawienia się nowego nurtu w malarstwie.

Twórca kubizmu nadał obrazowi nazwę „Filozoficzny burdel”, a nazwę przemianował Andre Salmon – pisarz, przyjaciel artysty. Na płótnie widać wpływy obrazu Cezanne’a „Kąpiący się”.

Według historyka sztuki Ernsta Gombricha założycielem kubizmu jest Paul Cezanne, a Pablo Picasso był jego uczniem. To Cezanne w liście do Picassa przedstawił rady dotyczące stosowania prostych, geometrycznych kształtów: kul, cylindrów, stożków. Autor listu miał na myśli podstawę, podstawę do stworzenia obrazu, ale Pablo Picasso zinterpretował tę radę dosłownie.

Od czasów renesansu artyści starali się maksymalizować realizm przesyłanego obrazu. Kubizm całkowicie oderwał się od realizmu, naturalności, harmonii w przekazywaniu światła i cienia. Chęć stworzenia płaskiego obrazu w martwej naturze, portretu zamiast trójwymiarowego, jest główną cechą twórczości pierwszych kubistów. Wykorzystali figury geometryczne do abstrakcyjnego przekazu obrazów ludzi, przyrody, przedmiotów. Formy przekazane w obrazach są namacalne, nieskomplikowane, proste. Martwa natura i portrety oddają istotę, emocje, ale nie prawdziwy, realistyczny obraz.
Termin „kubizm” pojawił się w 1908 roku za sprawą krytyka Louisa Vauxcellesa. Przedstawiając swoją opinię na temat obrazów Braque'a, nazwał je „dziwactwami sześciennymi”.

Puentylizm jako styl w malarstwie

Francja uważana jest za kolebkę kubizmu, ale kierunek malarstwa aktywnie rozwijał się poza jej granicami - w Rosji (w formie kubofuturyzmu), Czechosłowacji. Nowoczesny styl kubizmu skłania się w stronę abstrakcji, futuryzmu.

Kubizm nie od razu zakorzenił się w świecie sztuki – często stawał się przedmiotem kpin i ostrej krytyki. Ten radykalny nurt w malarstwie, zastępujący realizm, był przedmiotem niepochlebnych recenzji. Przedmiotem zainteresowania prasy stali się także przedstawiciele stylu, którzy w tym stylu pracowali. Sześcienna martwa natura i inne gatunki były odważnym eksperymentem twórczym. Wielbicieli nowego, nietypowego stylu było niewielu, ale nie zabrakło wśród nich krytyków i mecenasów.

Rozwój kierunku

W ewolucji stylu można wyróżnić trzy okresy:

Cezanne’a

Wczesny okres rozwoju, czyli „kubizm Cezanne’a” – ukształtowanie się nowego kierunku w malarstwie pod wpływem dzieł Cezanne’a i afrykańskich kompozycji rzeźbiarskich. Trwał okres od 1907 do 1909 roku. W pracach artystów objętość przekazywana jest za pomocą koloru - mocne obrazy nie mieszczą się jeszcze w ramach płaskiego obrazu.

Impresjonizm jako styl w malarstwie

Analityka

Okres analityczny (1910 - 1912) to etap ponownego przemyślenia kubizmu. Kolor na zdjęciu jest praktycznie nieobecny, formy są niejasne, niewyraźne, każdy obiekt jest podzielony na małe twarze. Jednym z najbardziej reprezentatywnych dzieł drugiego okresu jest „Na cześć I.S. Bacha” J. Braque’a. Gatunki - martwa natura, portret.

Artyści prezentują obiekty bardziej szczegółowo, bazując na własnej wizji. Elementy podzielone są na bloki, detale o geometrycznych kształtach. Czasami wizja artysty narusza przestrzeń i czas. Rozbijając całość na geometryczne kształty, artyści próbowali przeniknąć istotę rzeczy.

Dzieła charakterystyczne dla okresu analitycznego uważane są za najbardziej wskazujące na kubizm - dla wielu cały kierunek kojarzy się z takimi płótnami. Najbardziej znanymi przykładami kubizmu analitycznego są dzieła Pabla Picassa „Butelka i książki”, „Stół architekta”, „Człowiek z klarnetem”, „Człowiek ze skrzypcami”.

Rozwój

Okres syntetyczny (1913 - 1914) - okres rozwiniętego kubizmu. Zdjęcia stają się bardziej wyraziste, jasne, dekoracyjne. Za twórcę tego nurtu uważany jest Juan Gris. Czas pojawienia się to rok 1912, ale styl został najpełniej ujawniony w 1913 roku. Twórcy starali się przekazać na obrazie samowystarczalny, a nie iluzoryczny obiekt. Najbardziej rozwiniętym gatunkiem jest martwa natura.

Konceptualizm jako styl w malarstwie

Obraz jest płaski, połączony z naklejkami, napisami. Popularne są kolaże bezwymiarowych geometrycznych kształtów, kolorowego papieru czy gazet, niektórzy artyści malowali je całkowicie bez użycia dodatkowych materiałów. Przedstawiciele kubizmu syntetycznego – Pablo Picasso, Georges Braque.

Kolory i objętość straciły swoje zwykłe znaczenie. Wraz z rozwojem kubizmu odcienie stały się szkicowe: aby przekazać wystające obiekty z martwej natury lub innego gatunku, przedstawione na pierwszym planie, zastosowano jasne, ciepłe odcienie, dla odległych obiektów - ciemne odcienie.

Po I wojnie światowej Braque i Picasso, którzy pracowali razem, zakończyli współpracę. Twórczość każdego z nich wywarła zauważalny wpływ na futuryzm, puryzm, wiryzm.

Słynne płótna

„Mandora”, J. Braque

Przykład kubizmu we wczesnej fazie analitycznej, martwa natura przedstawiona w neutralnej, ponurej tonacji. Obraz przedstawia instrument muzyczny – mandorę. Eksperci nazywają ten obraz rozkładem pracy w ponurych tonach. Artysta zdecydował się porzucić jasne kolory, skupiając się na kompozycji i detalu.

„Trzej zamaskowani muzycy”, P. Picasso

Dzieło reprezentuje kubizm syntetyczny, powstały na krótko przed reorientacją malarza w stronę surrealizmu. Zastosowano jasne kolory, wyraźne kształty geometryczne. Centralne postacie płótna wyglądają jak kolorowe papierowe aplikacje naklejone na płótno.

Minimalizm jako styl w malarstwie

Fantomas, H. Gris

Sztuka jest wdzięczna Grisowi za rozwój technik kolażu. Abstrakcyjne obrazy przeplatają się z wycinkami z gazet i czasopism. Fantomas jest żywym przykładem syntetycznego kubizmu. To Gris jako pierwszy zaczął używać w swoich pracach jasnych kolorów - miało to wpływ na twórczość Pabla Picassa i Georgesa Braque'a.

„Człowiek w kawiarni”, H. Gris

Malarz z powodzeniem zastosował jasne kolory i faktury. Obraz można nazwać reprezentatywnym przykładem kubizmu syntetycznego - zastosowano technikę tworzenia kolażu.

„Dama w błękicie”, F. Leger

Obraz jest wykonany przy użyciu jasnych kolorów. Płótno przypisuje się zarówno syntetycznemu kubizmowi, jak i wczesnej abstrakcji. Główną ideą Leger jest oddanie charakteru, wewnętrznego świata kobiety, bez zagłębiania się w szczegóły jej wyglądu.

ODPOWIEDŹ:

Cechą charakterystyczną kubizmu jest brak palety barw. Zastosowano wyłącznie odcienie brązu, czerni i szarości. Zrobiono to celowo, aby nie rozbudzić komponentu emocjonalnego i nie odciągnąć od wiedzy na ten temat.

Kubizm – pierwsza ćwierć XX wieku. Jako kierunek „czysty” rozwinął się głównie we Francji (w innych krajach, w tym w Rosji, bardziej popularny był kubofuturyzm, będący efektem fuzji kubizmu i futuryzmu). Za założycieli uważa się P. Picassa i J. Braque'a. Obiekt jako obraz wizualny zaczyna tracić na atrakcyjności dla artystów. Przez wiele stuleci przedmiot na płótnie był taki sam jak w życiu, a dokładnie - przedmiot.

Zasadą był rozkład formy na elementy elementarne (sześcian, kula, stożek itp.). Ponadto temat został przedstawiony nie jako całość, ale w częściach i nie z jednego, ale z kilku punktów widzenia jednocześnie. Artyści próbowali jednocześnie zobaczyć obiekt w całej jego pełni, w czterech wymiarach, nie tylko z zewnątrz, ale także od wewnątrz, ale w efekcie rozpadł się on na fragmenty, rozpadł na krawędzie.

Koniec pracy -

Ten temat należy do:

Neoklasycyzm i eklektyzm w architekturze XIX wieku

Pytanie.. neoklasycyzm i eklektyzm w architekturze stulecia.. odpowiedź neoklasycyzm to termin używany w rosyjskiej krytyce artystycznej w odniesieniu do zjawisk artystycznych ostatniej tercji XIX wieku i pierwszej ćwierci..

Jeśli potrzebujesz dodatkowych materiałów na ten temat lub nie znalazłeś tego czego szukałeś, polecamy skorzystać z wyszukiwarki w naszej bazie dzieł:

Co zrobimy z otrzymanym materiałem:

Jeśli ten materiał okazał się dla Ciebie przydatny, możesz zapisać go na swojej stronie w sieciach społecznościowych:

Wszystkie tematy w tym dziale:

Nowy kierunek w kulturze europejskiej - romantyzm, jego wpływ na poszukiwania stylu w architekturze
Odpowiedź: Romantyzm jest fenomenem kultury europejskiej XVIII-XIX w., kierunkiem ideologicznym i artystycznym w kulturze europejskiej i amerykańskiej końca X w.

Rtęć
Thorvaldsen zręcznie bawił się kontrastami i zawsze osiągał harmonijną całość obrazu. Jego dłuto z zadziwiającą wiarygodnością oddaje drżące stany przejścia od spoczynku do ruchu. Takie są liczby

Portret Mademoiselle Riviere
Portret został wykonany z najwyższym mistrzostwem rysunku, co było podstawą maniery twórczej Ingresa. Cechą charakterystyczną twórczości Ingresa była nieproporcjonalność wizerunku modela. Szyja wydaje się skończona

Bonaparte odwiedza ofiary zarazy w Jaffie
Gro otrzymał rozkaz ucieleśnienia fabuły wizyty Bonapartego w szpitalu zarazy w Jaffie. Obraz ten miał przypominać o boskiej magicznej mocy Bonapartego, w którą wierzył

Napoleon na polu bitwy pod Elau
W 1808 roku Gros stworzył jedno ze swoich najsłynniejszych dzieł – „Bitwę pod Eylau” (1808), w którym dał piękny obraz opuszczonego zimowego krajobrazu z obozującymi w nim grupami rannych.

Analiza porównawcza portretów Niccolò Poganiniego autorstwa Eugene'a Delacroix i Auguste'a Ingresa
Odpowiedź: De Lacroix - (romantyzm) 1. Sylwetka zlewa się z tłem 2. Muzyk w trakcie gry 3. Nie widać szczegółów 4. Kontrast światła i cienia (wybór

Pytanie 7.
Gustave Courbet jest założycielem szkoły naturalnej. Poszukiwanie nowych sposobów malarstwa na przykładzie obrazu „Pogrzeb w Ornan” Odpowiedź: Uważany jest za jeden z ukończonych

Realizm w malarstwie francuskim. Pejzaże artystów szkoły barbizonskiej: Theodore’a Rousseau, Julesa Dupré i Charlesa Francois Daubigny’ego
Odpowiedź: Typowy: -tradycyjny krajobraz -tradycyjna konstrukcja kompozycji, zwykle pejzaż ze sztafażem -motyw wiejski lub po prostu natura

Obrazy chłopskie w twórczości Jean-Francois Milleta. Porównaj z rozwiązaniem tematu chłopskiego w twórczości Louisa Le Naina i Aleksieja Venetsianova
Odpowiedź: Millais jest realistą. Tematem przewodnim są chłopi i ich praca. Charakterystyczne dla dzieł: - monumentalność i znaczenie obrazów, pomimo małości

Pytanie 10.
Camille Corot i Edouard Manet są prekursorami liryzmu impresjonistów. Rozważmy na przykładzie dzieł - „Przewóz siana” (Camille Corot), „Bar w Folies Bergère” (E. Manet) Odpowiedź:

Nowa artystyczna wizja świata: impresjonizm. Claude Monet, Edgar Degas, Auguste Renoir i Camille Pissarro
Odpowiedź: Charakterystyczne dla impresjonistów: 1. Widzenie zdystansowane (tzw. spojrzenie dziecka) 2. Poetyka (poetyka wszelkich przejawów współczesnego życia miejskiego)

Pytanie 12.
Przeprowadź analizę porównawczą obrazów Boulevard des Capucines (Claude Monet), Boulevard Montmartre w Paryżu (Camille Pissarro), Paryż. Bulwar Kapucynów” (Konstantin Korovin)

Pissarro - Boulevard Montmartre w Paryżu
- szczególną uwagę zwrócono na obraz oświetlanych obiektów w powietrzu. Od tego czasu światło i powietrze stały się wiodącym tematem twórczości Pissarro. - paleta staje się jaśniejsza, dominująca

Postimpresjoniści. Paula Cezanne’a. Henriego Toulouse-Lautreca. Paul Gauguin. Vincent van Gogh
Odpowiedź: Jeśli impresjoniści przeciwstawili swoją sztukę salonowi, to postimpresjoniści zaprzeczyli burżuazyjnemu sposobowi życia. Impresjonizm starał się uchwycić ten moment

Podstawa historyczna i cechy kompozycyjne grupy rzeźbiarskiej „Obywatele Calais” Auguste’a Rodina
Odpowiedź: Obywatele Calais – rzeźba z brązu autorstwa francuskiego rzeźbiarza Auguste’a Rodina, poświęcona jednemu z epizodów wojny stuletniej. Po zwycięstwie w 1346 r

grupa rzeźbiarska
Rodin pracował nad grupą sześciu postaci od 1884 do 1888 roku. Wykonanie pomnika przez Rodina wydawało się wówczas niezwykle kontrowersyjne. Klienci oczekiwali rzeźby w formie pojedynczej postaci, symbolizującej

Charakterystyczne cechy sztuki rosyjskiej XIX wieku. Przyczyny mniejszego (w porównaniu z Europą Zachodnią) rozwoju romantyzmu w sztuce Rosji
Odpowiedź: Typowe dla: Architektury - 1. Dominuje styl Empire 2. Zwiększenie skali. Związane z rozwiązaniem przestrzeni miejskiej. 3.

Obraz historyczny w twórczości Wasilija Surikowa
Odpowiedź: Charakterystyka - 1. Temat historyczny obrazów 2. Wybór punktów zwrotnych w historii 3. Temat ludzi 4. Malarstwo kolorystyczne

Wpływ estetyki symboliki na kształtowanie się stylu secesyjnego na przełomie XIX i XX wieku. Charakterystyczne cechy stylu
Odpowiedź: Nowoczesny, secesyjny – kierunek artystyczny w sztuce, najpowszechniejszy w ostatniej dekadzie XIX – początku XX wieku (

Pytanie 22.
Cechy symboliki w rzeźbie francuskiej i rosyjskiej. Rozważmy na przykładzie dzieł Aristide'a Maillola („Morze Śródziemne”, „Góra”, „Flora”, „Rzeka”) i Aleksandra Matwiejewa („Spokój”, „Myśli

Wykres angielski autorstwa Aubrey Beardsley. Charakterystyczne cechy twórczości
ODPOWIEDŹ: W licznych ilustracjach do czasopism rozwinął tendencje dekadenckie i symbolistyczne w sztuce późnych prerafaelitów, łącząc je z wpływami ryciny japońskiej. Na

PYTANIE 26.
NOWOCZESNOŚĆ I SYMBOLIKA W MALARSTWIE ROSYJSKIM PRZEŁOMU XIX-XX WIEKU. ROZWAŻ NA PRZYKŁADACH WALENTINA SEROWA „PORTRET IDY RUBINSTEIN”, WIKTORA BORYZOWA-MUSATOWA „TASPESTRY”, PAWŁA KUZNIECOWA „MIRAŻ W STEPIE”

PYTANIE 27.
PODKREŚLENIA IMPRESJONIZMU W MALARSTWIE WALENTINA SIEROWA („DZIEWCZYNA Z BRZOSKWISKAMI”) I IGORA GRABAR („NIECZYSTY STOŁ”) ODPOWIEDŹ: Sierow, Walentin Aleksander

Bauhaus” i jego liderzy: Walter Gropius i Ludwig Mies van der Rohe. Nowe funkcje w pracy architektów
ODPOWIEDŹ: Bauhaus to stowarzyszenie artystyczne, które powstało w ramach tej instytucji i odpowiadający mu nurt w architekturze.W XX wieku wiele zasad, które determinowały

Niemiecki ekspresjonizm i stowarzyszenie „most”. Wpływ Edvarda Muncha na Edwarda Ludwiga Kirchnera
ODPOWIEDŹ: W 1905 roku niemiecki ekspresjonizm ukształtował się w grupie Bridge, która zbuntowała się przeciwko powierzchownej prawdziwości impresjonistów, starając się odwzajemnić niemieckie roszczenia

Giorgio de Chirico i malarstwo metafizyczne
ODPOWIEDŹ: Malarstwo metafizyczne (wł. Pittura metafisica) to nurt w malarstwie włoskim początku XX wieku. Przodek metafizyki żyje

Neoplastycyzm. Kolorowe „kraty” Pieta Mondriana
ODPOWIEDŹ: Neoplastycyzm to określenie kierunku sztuki abstrakcyjnej wprowadzonego przez Pieta Mondriana, który istniał w latach 1917-1928. w Holandii i

PYTANIE 37.
DADAIZM. CECHY CHARAKTERYSTYCZNE KIERUNKU. ROZWAŻ NA PRZYKŁADZIE PRAC MARCELA DUCHAMPA „KOŁO ROWEROWE NA STOŁKU” I „MONA LISA Z WĄSAMI” ODPOWIEDŹ:

PYTANIE 38.
CECHY CHARAKTERYSTYCZNE SURREALIZMU. KORZYSTANIE Z TECHNIK DADA ODPOWIEDŹ: Obrazy zjawiskowe, obrazy naturalistyczne. Surrealistyczne&

PYTANIE 39.
GENEZA POP-ARTU. ROZWAŻ CHARAKTERYSTYCZNE CECHY KIERUNKU NA PRZYKŁADZIE PRACY ANDY'EGO WARHOLA „200 puszek zupy CAMPBELL” ODPOWIEDŹ: Pop-art (angielski pop a

	Wstęp


	„Dziewczyny z Awinionu” jako początek kubizmu
	Rozwój kubizmu jako jednego z nurtów w sztuce
	Podstawowe zasady artystyczne kubizmu
	Okresy rozwoju kubizmu i ich charakterystyka
	Wpływ kubizmu na sztukę XX wiek
	Wniosek
	Aplikacja

Wstęp

Wiek XX naznaczony był wieloma innowacjami w sztuce i literaturze, związanymi z katastrofalnymi zmianami w świadomości społecznej podczas rewolucji i wojen światowych. Nowe warunki rzeczywistości społecznej wpłynęły na całą kulturę artystyczną jako całość, z jednej strony dając nowy oddech tradycji klasycznej, z drugiej dając początek nowej sztuce – awangardzie, czyli modernizm, który najpełniej odzwierciedlał oblicze czasu.

W istocie termin „modernizm” odnosi się do nurtów, nurtów, szkół i działań artystycznych poszczególnych mistrzów XX wieku, którzy porzucili dawną formę malarską, zerwali z koncepcją stylu jako integralności formy, przestrzeni, płaszczyzny, koloru i głosili wolność słowa jako podstawę swojej metody twórczej.

Kultura artystyczna doświadczyła wspaniałego rozpadu na zupełnie różne ruchy, niespotykane dotychczas. Powstały formy nieobecne w naturze i właściwe tylko sztuce. Sztuka piękna odeszła od „kopiowania natury”: nacisk położono na stworzenie formy odzwierciedlającej duchową stronę natury, niewidzialną, a zatem nie do opisania. W tych burzliwych i licznych ruchach artystycznych można wyróżnić kilka głównych: fowizm, ekspresjonizm, abstrakcjonizm, futuryzm, kubizm, surrealizm, puryzm, orfizm, konstruktywizm i inne.

Powstał jeden z nurtów modernizmu – kubizmw pierwszej dekadzieXX wiek. Kubiści wywodzili się z przekonania, że wszystkie przedmioty i zjawiska, w tym człowiek, można przedstawić jako sumę figur geometrycznych. Podobnie jak ekspresjoniści porzucili iluzoryczną przestrzeń, stawiając na czele swojej twórczości ścisłą konstrukcję przedmiotu prezentowanego na płaszczyźnie z różnych punktów widzenia. Jej przedstawiciele Pablo Picasso, Georges Braque, Fernand Leger, Robert Delaunay wyznawali prawdziwą pasję eksperymentowania, poszukiwania nowych środków i technik wyrazu. Dążyli do radykalnej odnowy języka artystycznego. Sztuka pełniła dla nich rolę tworzenia form plastycznych obdarzonych niezależnym istnieniem i znaczeniem.

Uważa się, że pojawienie się kubizmu było wynikiem wpływu na światopogląd jego twórców Picassa i Braque'a, sprowadzonych wówczas do Europy przez rzeźbę afrykańską. Przy zapoznawaniu się z nim zapożyczono ideę upraszczania obiektów do geometrycznych kształtów kuli, walca, pryzmatu, sześcianu. Dlatego ich twórczość została drwiąco nazwana „sztuką kostek”. Świat, który kreowali w swoich pracach, był fasetowany i kanciasty.

Trafność tematu.Kubizm to jeden ze znaczących ruchów artystycznych modernizmu, który wpłynął na sztukę całego XX wieku. Jej specyficzne środki nie opierają się na obowiązkowym naśladowaniu natury. Świat zewnętrzny jest jedynie impulsem do wyrażenia indywidualności twórcy. Odrzucenie wiarygodnego naśladownictwa otaczającego świata otworzyło przed artystą niezwykle szerokie możliwości. Sztuka dostała szansę pozostać żywa i aktualna w świecie, w którym obrazy malarskie stają się coraz bardziej dostępne i nie wymagają pewnych kanonów.

Zrozumienie twórczości kubistów jest bardzo ważne dla współczesnego człowieka, nie tylko dlatego, że zdeterminowało ono charakter sztuki europejskiej XX wieku, ale także dlatego, że rozwijając się przez siedem dekad, od początku wieku i niemal do jego w końcu był katalizatorem i reflektorem jej idei filozoficznych i estetycznych, refleksją genialnego artysty o załamaniach i sprzecznościach tego nieludzkiego stulecia.

Wspaniały, choć trudny do zrozumienia artysta, cały czas utrzymuje widza w napięciu intelektualnym i duchowym. Idąc w stronę malarstwa kubizmu znajdującego się w muzeum, widz musi dysponować pewnym zasobem wiedzy estetycznej i filozoficznej, aby w muzeum móc kontynuować nie tylko odkrywanie świata malarstwa kubistycznego, ale także tworzenie własnego, wewnętrznego świata. Spotykając się z kubizmem, ale i w ogóle z dziełami malarstwa zachodniego, odbiorca tworzy wirtualne, idealne przedmioty, poszerzając w ten sposób pole swojej świadomości i wzbogacając je jakościowo. Kulturolodzy nazwali to zjawisko „nowym zmysłem estetycznym”.

Celem zajęć jest poznanie kubizmu, przyczyn jego powstania.

W zależności od celu w trakcie pracy należy rozwiązać następujące zadania:

ujawnij nr przesłanki pojawienia się kubizmu i jego społeczno-psychologicznego wpływu na społeczeństwo;

Ukazanie roli ojców kubizmu;

Poznaj podstawowe zasady artystyczne kubizmu;

Rozważ okresy kubizmu i scharakteryzuj je;

Poznaj doświadczenia społeczeństwa związane z nowym postrzeganiem świata

Wskaż oznaki wpływu kubizmu na sztukę XX wiek.

Przy pisaniu pracy semestralnej korzystano z literatury edukacyjno-naukowej z zakresu historii sztuki i kulturoznawstwa.

Stopień opracowania tematu: naukowa analiza obrazowych i technicznych technik kubizmu została omówiona w książce „O kubizmie” (autorzy: Jean Metzinger, Albert Gleizes).

Struktura pracy kursu składa się ze wstępu, 2 rozdziałów, zakończenia i spisu literatury. Pierwszy rozdział opisujepojawienie się kubizmu jako ruchu artystycznego w sztuce. Rozdział drugi dotyczyrozwój kubizmu jako jednego z wiodących nurtów w sztuceMalarstwo zachodnioeuropejskie XX wiek.

1 Pojawienie się kubizmu jako ruchu artystycznego w sztuce

1.1 Przesłanki powstania kubizmu i jego społeczno-psychologiczny wpływ na społeczeństwo

Od połowy XIX w. odejście od dominującej wówczas w malarstwiesztuka tradycji naturalistycznej nabiera tempa. Malarstwo, grafika,rzeźba odnosi się do tego, co niedostępne bezpośrednio („dosłownie”)odtwarzanie nagranego dźwięku. Rozwój nowych środków wizualnych, dążenie dotypizacja, wzmożenie ekspresji, tworzenie uniwersalnych symboli, skompresowane formuły plastyczne mają na celu z jednej strony ukazaniewewnętrzny świat człowieka, jego stan (mentalny, emocjonalny), zdrugi dla zwiększenia wyrazistości, informatywności „cielesnej” strukturyrzeczy, aktualizując wizję obiektywnego świata do zadania tworzenia„niezależny fakt obrazowy”, konstrukcja„nowa rzeczywistość”.

Ostatnia wystawa impresjonistów w 1886 roku oznacza koniec klasycyzmuokres sztuki europejskiej. Od tego czasu w Europiemalarstwie, jeden po drugim, powstają liczne nurty, istniejące ponadlub krócej: secesja, ekspresjonizm, neoimpresjonizm,Pointylizm, symbolizm, kubizm, fowizm.

„W anarchii wartości emocjonalnych końca ubiegłego wieku” – napisał Austriakmalarz Wolfgang Paalen, ludzie, którzy zwrócili się ku sztuce jako ostatnischronienia, zacznij rozumieć, że wewnętrzna natura rzeczy również jestistotne, jak i zewnętrzne. Dlatego Seurat, Cezanne, Van Gogh i Gauguinotwierają nową erę w malarstwie: Seurat ze swoim dążeniem do strukturalizmujedność, do obiektywnej metody, Van Gogha z jego kolorem, który przestajeodgrywają rolę opisową, Gauguin odważnie przekracza zachodnią estetykę izwłaszcza Cezanne’a poprzez rozwiązywanie problemów przestrzennych”. paalen skompresowanyscharakteryzował bezpośrednio najważniejsze etapy procesu artystycznegoktóre poprzedziły odkrycie sztuki prymitywnej i punktem zwrotnymzarysowany w sztuce europejskiej około 1907 roku

Rok 1907 uznawany jest za punkt zwrotny przede wszystkim w stosunku do tradycjiSztuka afrykańska jest jednocześnie kamieniem milowym, z którego wywodzi sięnajnowsze trendy w sztuce. 1906 Śmierć Cezanne’awyznacza początek szczególnie głębokiego wpływu na całe pokolenieartyści. Później okres ten został nazwany przez historyków sztuki„Cezanne” lub „Murzyn”.

Analizując twórczość Cezanne’a, a w szczególności jego najnowsze dzieła, w którychjest najbliższy rozwiązania postawionych problemów przestrzennych,porównanie ich z najbardziej charakterystycznymi przykładami rzeźby afrykańskiej,które są czasami idealnymi przykładami realizacji tych rozwiązań przestrzennych,można śmiało powiedzieć, że to dzieło Cezanne’a stało się ostatnimi być może decydujący w wielu czynnikach, które zmusiły nas do świeżego spojrzeniasztuka prymitywna.

Namacalny ciężar obrazów, które Cezanne starał się osiągnąć, próbując przeniknąć istotę rzeczy i zjawisk poprzez identyfikację struktur rytmicznych, geometrycznych i ukazać tę esencję, jest w ogóleuznanie, główna jakość afrykańskich tworzyw sztucznych. Zatem kreatywnośćCezanne’a, co było logicznym następstwem całego poprzedniego rozwojuMalarstwo europejskie, w pewnym sensie bliskie twórczości Van Gogha,Gauguin i Seurat odegrali decydującą rolę w stworzeniu obiektywnych warunków, m.inktóra sztuka afrykańska została włączona w światowy proces artystyczny.

Nadchodzi chwila zgodność: obcy system estetyczny zostaje nie tylko rozpoznany, ale i „przyjęty” przez praktykę artystyczną. Co więcej, sama sztuka prymitywna stała się narzędziem odkryć i na tym polega głęboka istota rozważanego procesu. Otworzyła oczy artystom, którzy odkryli tam, gdzie najmniej się spodziewali, nowy system wartości artystycznych, zasadniczo odmienny od tego, którym przez tysiące lat kierowała się sztuka europejska.

Nowy nurt w sztukach wizualnych i literaturze, zrodzony w epoce odkrycia „lart negre” (sztuki murzyńskiej) i ściśle z nim związany, oczywiście, nie był jedynym tyglem, w którym powstała fuzja nowej kultury artystycznej .

Kubizm uważany jest za najpotężniejszy ruch artystyczny od czasów włoskiego renesansu. Ten ruch awangardowy zrewolucjonizował na początku europejskie malarstwo i rzeźbę XX wieki. Wielką pokusą dla artystów była nauka, jako dziedzina nie dotknięta kryzysem. Artyści niczym naukowcy pracujący w swoich laboratoriach zagłębili się w swoje pracownie, zanurzyli się w świat słów, dźwięków, form. Być może okazało się to skuteczniejszym sposobem uczestniczenia w otaczającym życiu niż jego realistycznym odzwierciedleniem. Dlatego tak ogromnego znaczenia nabiera obsesja artystów kubistycznych na punkcie poszukiwania form.

Kolejnym bodźcem do powstania kubizmu było zainteresowanie artystów sztuką nie dotkniętą kryzysem cywilizacyjnym, w której jest coś „transpersonalnego”. W sztuce tej odnajdywali integralność, organiczną naturę świadomości artystycznej, naturalną bezpośredniość aktu twórczego. Pragnienie artystów dotknięcia „początków” podsycane było zarówno nowoczesnymi odkryciami z zakresu podświadomości, jak i skłonnością do intuicjonizmu w filozofii..

Pojawienie się kubizmu było naturalną reakcją na naturalizm impresjonizmu i naturalnym etapem rozwoju analitycznych tendencji postimpresjonizmu. Bezpośrednim impulsem do ukształtowania się metody wizualnej kubizmu była wystawa obrazów Cezanne’a w „Salonie Jesiennym” w 1904 roku w Paryżu. To, co impresjoniści zrobili z malarstwem, zastępując formę i kompozycję grą światła, koloru i refleksów, nie zadowoliło wielu. Cezanne jako pierwszy poczuł, że ta droga prowadzi w ślepy zaułek bezprzedmiotowości i subiektywizmu. Dlatego napisał słowa, które swoim mottem uczynili młodzi kubistyczni artyści: „Interpretuj naturę poprzez walec, kulę, stożek…”.

Kształtowaniu się kubizmu jako pewnego nurtu w sztuce ułatwiła także pierwsza wystawa fowistów w 1905 roku. W 1907 roku młody Picasso namalował swój słynny obraz, jedno z dzieł programowych kubizmu, Dziewice z Awinionu, co wywołało głośny skandal, a krytycy nazwali to „znakiem burdelu”. Mówiąc obrazowo, jeśli wcześniej budynek wzniesiono za pomocą rusztowań, to P. Picasso i jego współpracownicy zaczęli udowadniać, że artysta może opuścić rusztowanie i usunąć sam budynek, aby cała architektura została zachowana w rusztowaniu.

Prace kubistyczne zostały po raz pierwszy wystawione w 1908 roku w Salonie Niezależnych. W 1911 roku odbyła się zbiorowa wystawa kubistów. Po pierwsze, w skład tej grupy wchodzą Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Fernand Léger, Robert Delaunay, Marcel Duchamp i inni. W latach 1911-1912 Picasso i Braque namalowali serię przeważnie owalnych kompozycji, wypełnionych niesamowitą gęstą ligaturą miażdżących form, przenikających się, półprzezroczystych, łączących się, uciekających. Wśród nich wzrok przykuwają krawędzie szklanych kielichów, plamy wachlarza, skręcanie muszli, cyfry, litery, nuty. Wszechświat w miniaturze. Owale Picassa i Braque’a dają widzowi poczucie, że na obrazie „coś się dzieje” bez końca.

Pierwsza zbiorowa wystawa kubistyczna odbyła się w 1911 roku w Salonie Niezależnych, gdzie 41. Sala Kubistyczna zrobiła furorę. Szczególnie wyróżnione zostały dzieła Metzingera, Gleizesa, Młoda dziewczyna Marie Laurencin, Wieża Roberta Delaunaya, Obfitość Le Fauconniera. Do osiągnięć kubizmu przyczyniła się współpraca Braque’a i Picassa, którzy blisko współpracowali ze sobą przez siedem lat. Taki dialog pomógł im zrozumieć i zgłębić technikę iluzjonistycznego obrazu.

1.2 Pablo Ruiz Picasso i Georges Braque jako ojcowie kubizmu

Całość przenika twórczość Pabla Picassa (1881-1973). XX wiek.

Pablo Ruiz, który później zmienił zbyt powszechne w Hiszpanii nazwisko ojca na rzadkie nazwisko matki Picasso, urodził się 25 października 1881 roku w Maladze. Pierwszym nauczycielem Pabla został jego ojciec, José Ruiz Blasco, nauczyciel rysunku w miejscowej szkole artystycznej i rzemieślniczej.. Lata spędzone w Akademii Sztuk Pięknych San Fernando w Madrycie (1897-1898) to odejście od akademizmu i odwołanie się do malarstwa dawnych mistrzów, których dzieła studiował w Prado. W 1900 roku po raz pierwszy przyjechał do Paryża. Był to decydujący etap w twórczości Picassa, który stał się impulsem do dalszych poszukiwań. . W latach 1900-1902. Picasso trzykrotnie przyjeżdżał do Paryża, by w kwietniu 1904 roku ostatecznie tam zamieszkać.

Jesienią 1901 roku Picasso wkracza na nową ścieżkę, zwaną „niebieskim okresem” (1901-1904). Na obrazach Picassa wizerunki żebraków, wyrzutków, niosących swoje nieszczęście jako wybraniec, są wielokrotnie zróżnicowane. Około połowy 1901 roku do eksperymentów kompozycyjnych dołączyło coraz wyraźniejsze pragnienie nierealistycznej palety, z umiarem skłaniając się w stronę zniuansowanej monotonii. Picasso reprodukuje kolorystyczne i fakturalne smakołyki późnego impresjonizmu.

Moravia uważa, że monochromatyczność jest najbardziej zdecydowanym krokiem Picassa w kierunku „manieru”, w kierunku „eksperymentalnej obojętności na bogactwo i złożoność autentycznej wizji świata”. Unicolor oznacza uproszczenie, stylizację, ujednolicenie, wskazuje na czysto formalne wyobrażenie o świecie „kolorowej idei”. I nie chodzi tu o dominację jednego koloru, tak jak to miało miejsce w przypadku koloru zielonego w twórczości El Greco. Mówimy o „zanurzeniu” świata w jednej tonacji, o pojawieniu się pomiędzy okiem artysty a światem iluzorycznych okularów. Tak naprawdę świat nie jest niebieski - świat jest biedny, uciskany, głodny, pozbawiony środków do życia, nieszczęśliwy, jak sam Picasso obiektywnie przyznaje w swoich obrazach z tego okresu. Ale to błękit zaprzecza biedzie i głodowi już w momencie, w którym artysta je przedstawia. Co więcej, kolor ten potwierdza wolę i pragnienie Picassa, aby za pomocą totalitarnego i demiurgicznego koloru wysunąć na pierwszy plan swoją ogólną witalność.

„Dziewczyna na balu” to najbardziej symboliczny obraz „niebieskiego okresu” i jeden z jego najatrakcyjniejszych obrazów. Uwagę przyciąga kontrast pomiędzy pełną wdzięku kruchością akrobaty balansującego na piłce a ogromnymi ramionami i masywnymi nogami sportowca siedzącego na sześcianie. Picassa interesuje relacja pomiędzy tymi dwiema postaciami, której nadaje tajemnicze, symboliczne, bardzo szczególne znaczenie, dalekie od zmysłowych uogólnień. Taki jest związek pomiędzy powietrzną witalnością akrobaty i całkowicie ziemską witalnością sportowca.

Kolejny okres poszukiwań Picassa nazywany jest potocznie „okresem różowym” (1905-1906). Delikatne odcienie kwiatów przenikają przez niebieskawą gamę zmierzchu. W tym czasie pojawiają się wizerunki kochanków, matek z dziećmi. Formy stopniowo coraz bardziej zastygają na płaszczyźnie i uzyskują prostoliniowe granice, Picasso coraz bardziej zbliżał się do pewnej schematyzacji.

W jego wczesnych pracach ujawnia się zdolność Picassa do żywego dostrzegania wpływów impresjonistów, Van Gogha, Toulouse-Lautreca i artystów grupy Nabis. Kontynuuje linię przedstawiania smutnej komedii życia w charakterystycznych dla kultury francuskiej wizerunkach artystów cyrkowych i błaznów.

W 1907 roku nastąpił punkt zwrotny w twórczości Picassa. Zwraca się ku kubizmowi. Głównym zadaniem jego twórczości jest konstruowanie brył geometrycznych lub spekulatywno-analityczny rozkład tych brył na sumę składowych i porównywalnych płaszczyzn. „Dziewczyny z Awinionu” (1907) to jedno z jego najsłynniejszych, choć nie najlepszych płócien. Jest zerwanie z tradycjami, ale nie ma wewnętrznej integralności. Są ślady wpływów: płaskorzeźby asyryjskie, maski afrykańskie. A z postaci po prawej stronie, z odwróconymi martwymi głowami, osadzonych na ciałach z różowej terakoty, już tchnie groza dzikich rytuałów. Picasso rezygnuje tutaj z iluzorycznego efektu malarstwa, tworzonego za pomocą perspektywy, światłocienia, faktury i podejmuje próbę przekazania trójwymiarowości na płaszczyźnie bez zakłócania wizualnego wrażenia płaszczyzny. Taka jest zasada mozaiki lub witraży. Tutaj położono już podstawy koncepcji kubizmu. Błędy w kanciastych formach, matowe kontrasty kolorów, ogólny zmierzch kolorów w wielu rzeczach Picassa oddają niepokój i podekscytowanie artysty.

W „Portrecie Vollarda” (1910) wszystkie główne linie prowadzą do twarzy. Zarówno tło, jak i postać nie różnią się fakturą ani przestrzenią. W tym portrecie jest magiczna sztuczka: jeśli spojrzysz z pewnej odległości, wszystkie płaszczyzny, rogi, krawędzie zostaną ukryte, twarz wydaje się mocno uformowana plastycznie i żywa..

Od 1914 roku Picasso tworzy coraz bardziej realistyczne dzieła. Są to martwe natury: kompot z bananami i jabłkami, arlekiny. W tym czasie Picasso stworzył kostiumy do innowacyjnych przedstawień zespołu baletowego Diagilewa, w tym do baletu „Parada” do muzyki Satie. W powojennej Europie rośnie chęć oparcia się na czymś wiecznym, niewzruszonym. Picasso ma elementy neoklasycyzmu. Na jego płótnach pojawiają się przysadziste, krótkorękie kobiety o regularnych rysach. („Trzy kobiety przy fontannie”, „Źródło”). W 1918 roku Picasso poślubia rosyjską baletnicę Olgę Khokhlową i mają syna. Naturalnie, temat macierzyństwa zajmuje duże miejsce w twórczości artystki w latach dwudziestych XX wieku.

Lata dwudzieste i trzydzieste XX wieku charakteryzują się przejściem do kompozycji surrealistycznych. Odrzucając kubistyczne konstrukcje, tworzy obrazy oparte na wyrazistej deformacji ludzkiego ciała, mocno zniekształcającej jego wygląd. Potrafi napisać tę samą kobietę idealną, anielską, nieskończenie atrakcyjną, a dzień lub miesiąc później potworną. Uderzająco kompatybilna, niestosowna akwarela „Akt na tle krajobrazu” (1933). Morze, kwiaty, świątynia i koszmar, fragmentacja. Naga dłoń przechodzi z pędzla w coś przypominającego futrzaną łapę. („Kobieta w fotelu”, 1927, „Artysta i jego model”, 1927, „Kąpiąca się na stojąco”, 1929).

W 1930 roku artysta wykonał 30 rycin do Metamorfoz Owidiusza w stylu klasycznym, z lat 30-tych. seria 100 rycin zatytułowanych „Apartament Vollarda”, w których jednym z głównych obrazów jest Minotaur – pół-człowiek, pół-zwierzę, czasem zabawny, czasem dziki i okrutny.

Dowiedziawszy się o zniszczeniu małego baskijskiego miasteczka Guernica przez frankistowskie samoloty, Picasso rozpoczyna pracę nad obrazem „Guernica”, który miał trafić do pawilonu hiszpańskiego na Wystawę Światową w Paryżu w 1937 roku. Panel symbolizuje nowe czasy, masową śmierć, ucieleśnia tragedię i gniew. Ostrość emocjonalnego oddziaływania osiąga niespokojny rytm kompozycji, mocne deformacje, dramatyczna wyrazistość ludzkich twarzy pełnych rozpaczy i grozy. Obraz olejny w czerni, bieli i szarości stał się uznanym arcydziełem i symbolem bezsensownej zagłady wojny. Artysta napisał: „Sztuka jest kłamstwem, które pomaga zrozumieć prawdę”.

W takich dziełach jak „Masakra” w 1948 r., „Wojna w Korei” w 1952 r. wyrażone jest obywatelskie stanowisko Picassa. Od 1947 roku Picasso pracuje w ośrodku produkcji ceramiki we Francji, Valoris, nad rzeźbami ceramicznymi i malowaniem ceramiki. W 1946 roku Picasso wykonał szereg paneli i obrazów dla muzeum w Antibes, które później stało się Muzeum Picassa.

W ciągu ostatnich 30 lat twórczości Picassa sięga do dziedzictwa wielkich mistrzów malarstwa, wskrzeszając ich wizerunki na swoich obrazach. I tak w latach 1950-1960. stworzył trzy cykle poświęcone Algierskim kobietom Delacroix, Obiad na trawie Maneta i Las Meninas Velazqueza (44 wersje). .

Inspirując się malarstwem Velazqueza, Picasso tworzy szereg artystycznych analiz kompozycji, wykazując się bogactwem wyobraźni. Rozkłada dzieło, przekształcając jego bohaterów w „nowe” postacie, nie tracąc przy tym majestatycznego klimatu. Cykl Las Meninas można postrzegać jako repertuar technik malarskich Picassa, kontrastowo łączący płaskie obrazy z niezliczonymi deformacjami natury.

Sztuka Picassa narodziła się w czasach, gdy wszystko przeniosło się ze swoich zwykłych miejsc, wszystkie wartości zostały przewartościowane. Jego sztuka to system otwarty, niekończący się łańcuch metafor.

Georges Braque (1992-1963) urodził się 13 maja 1882 roku w Argenteuil. Kiedy chłopiec miał osiem lat, jego rodzina przeprowadziła się do Le Havre. Pierwsze lekcje umiejętności zawodowych pobierał u ojca i dziadka, którzy byli zawodowymi dekoratorami. W 1900 r. przyjechał do Paryża i wśród swoich kolegów nieraz nie bez dumy deklarował, że jest „samoukiem bez akademickiego wykształcenia”.Od jakiegoś czasu studiuje w Szkole Sztuk Pięknych i chłonie najnowsze trendy artystyczne. Zafascynowany sztuką Matisse'a w 1906 roku przyłącza się do fowistów i tworzy serię pejzaży, które zdają się pochłaniać całą moc południowego słońca i jasność barw Prowansji. W tych pejzażach zachowane zostało tradycyjne przedstawienie motywu naturalnego, jednak radosna, wybuchowa siła koloru i plastyczna ekspresja nadają obrazom niemal kosmiczny charakter. Charakterystyczną cechą dzieł Małżeństwa tego okresu było nie tylko szczególne piękno dekoracyjne, ale także większa konstruktywność kompozycji niż w przypadku innych fowistów.

Dwa wydarzenia, które miały miejsce w 1907 roku, radykalnie zmieniły twórcze losy Braque’a: wystawa Cezanne’a i spotkanie z Picassem.Wpływ dzieł Cezanne’a i Picassa prowadzi do radykalnej zmiany stylu Braque’a. Jednym z jego najsłynniejszych dzieł tego okresu jest obraz „Domy w Estace”. Konkretny motyw zostaje tu jeszcze bardziej zdecydowanie przekształcony w swego rodzaju model wszechświata, jaki mamy przed sobą, będący nie tyle widokiem miasta, ile obrazem stworzenia świata. Ale zamiast dawnych płynnych form pojawiają się potężne zgeometryzowane objętości, zamieszanie kolorów, świąteczne spalanie kolorów zostaje zastąpione ascetyczną gamą „Cezanne’a” o stonowanych żółtawo-ochrowych, zielonych i szaro-niebieskich odcieniach, a dynamika jest teraz połączona z niewzruszoną statyką. To właśnie o „Domy w Estaca” Matisse, a po nim jeden z krytyków, użył określenia „kostki”, co dało początek nazwie nowego kierunku, który miał odegrać tak znaczącą rolę w sztuce XX wiek.

Od końca 1909 roku Braque ściśle współpracował z Picassem ipo nim wkracza okres „kubizmu analitycznego”. Maluje w tym czasie głównie martwe natury, w których „sześciany” „Domy w Estace” zaczynają rozpadać się na małe twarze, które wypełniają całą powierzchnię płótna. Te krawędzie mają swój kolor i kierunek, wydają się wystające, potem pogłębiają się, świecą lub przyciemniają; miękkie pociągnięcia malarskie łączą się z ostrymi konturami. Detale przedmiotów wywodzą się z form abstrakcyjnych, jednak zgodnie z doktryną kubizmu artysta nie przedstawia przedmiotu, ale stara się przekazać sumę plastycznych wrażeń i wyobrażeń na jego temat. Po raz pierwszy od czasów renesansu uznano prawo malarstwa do ukazywania tego, czego z jednego punktu widzenia nie widać, a czego w ogóle nie widać. Jednak odrzucenie konkretnego piktorializmu nieuchronnie doprowadziło do kastracji figuratywnej treści obrazu. Przed widzem zamykane były w prostokątnych lub owalnych ramach, kolorystycznie i rytmicznie zorganizowane powierzchnie barwne, oddające to samo abstrakcyjne „stawanie się” poruszającej się substancji materialnej.

Małżeństwo przedstawiało przedmioty z różnych perspektyw, porzucając w ten sposób centralną perspektywę przyjętą wcześniej w sztuce. Ponadto artysta przekazał przedmioty i postacie w niezwykle uproszczonej formie: dlatego nie znając tytułu obrazu, trudno było odgadnąć, co zostało na nim przedstawione.

Na początku 1912 roku Braque tworzył kubistyczne rzeźby, konstrukcje z papieru. Wiosną Picasso zainspirowany nimi tworzy kolaż.

Latem następnego roku Brak kontynuuje poszukiwania i w rezultacie odkrywa nowe zastosowanie papieru tematycznego („ papierowe kolaże » «Papier colle”), co pozwala Braque’owi przywrócić malarstwu kolor i „wyraźnie oddzielić kolor od formy i dostrzec jego całkowitą niezależność w stosunku do formy”. To z kolei oznacza przejście do kubizmu „syntetycznego”.

W okresie „kubizmu syntetycznego” Małżeństwo, podobnie jak Picasso, ostatecznie zrywa z tradycyjną „naturą”. Obraz nie jest już „analogiem” tematu, ale rodzajem „nowej rzeczywistości”. Na czystej powierzchni płótna swobodna gra płaszczyzn barwnych namalowanych w jasnych, lokalnych kolorach, realistyczne rysunki konturowe obiektów, napisy i elementy „żywej” natury „wbudowane” w kompozycję w formie kolażu lub malowniczej imitacji kawałków gazet, tapet, naklejek itp. Za pomocą tych technik uzyskano nie tylko nowe efekty dekoracyjne, ale stworzono ogólny klimat życia współczesnego miasta, z jego rytmami i dokumentalnymi znakami, a czasem także jakimś rodzajem obrazów muzycznych („Aria Bacha”).

Po I wojnie światowej kubizm stopniowo odchodził do lamusa. Jego metamorfozy ukazały zgubność wypierania zasady obrazowości z malarstwa. Od lat dwudziestych XX wieku Braque posługiwał się jedynie pewnymi elementami stylistycznymi i technikami kubizmu, porzucając jego abstrakcyjne tendencje. Jednak podobnie jak Picasso i większość współczesnych mistrzów, opiera się on na wolności zdobytej podczas poprzednich poszukiwań, aby przedstawić nie tylko to, co „widzialne”, ale także „myślalne”. Odtąd jego twórczość niejako balansuje pomiędzy naturą a wewnętrznym światem artysty i jest pod wieloma względami poezją „uprzedmiotowioną”. Język obrazowy posługuje się poetyckimi „ścieżkami”, nasyconymi szczególną duchowością, stara się przekazać w widzialnych formach nie tyle wygląd, co wewnętrzną istotę zjawisk.

W 1914 Brak został zmobilizowany, a rok później został ciężko ranny na froncie i zwolniony. Gdy tylko zdrowie pozwoliło, a mianowicie w 1917 roku ponownie zabrał się do pracy i zaraz po zakończeniu wojny tworzy kilka martwych natur, które pokazują, że wizja mistrza pozostaje kubistyczna. Rozkłada przedmioty na elementy i plany, przestawia i jakby skompresowane ścisłymi rytmami plastycznymi i dekoracyjnymi.

Obok martwych natur w latach dwudziestych Braque malował portrety i serie aktów, urzekających potężną plastycznością, bogactwem rytmu i pięknem koloru. Równolegle z tymi kobiecymi wizerunkami po raz pierwszy w jego sztuce pojawiają się starożytne postacie - „kanefory”, dziewczęta niosące święte dary w postaci owoców i kwiatów. W przeciwieństwie do neoklasycznych obrazów Picassa, „canefores” Braque’a nie zawierają groteski i łączą monumentalność z niemal eteryczną lekkością. Zmitologizowane postacie żyją swobodnie w przestrzeni obrazów artysty; Już samo ich pojawienie się nie jest przypadkowe, wynika z całej poetyki Małżeństwa. W przyszłości wielokrotnie wracał do tematyki antycznej (cykl ilustracji do Hezjoda, liczne litografie, ryciny i prace plastyczne przedstawiające bóstwa greckie itp.). W samym stylu malarstwa Braque’a, z jego gamą odcieni złota, brązu i czerni oraz wykwintną liniowością, jest coś wspólnego z archaicznym malarstwem wazowym.

We wczesnych latach trzydziestych na Braque przez krótki czas pozostawał pod wpływem surrealizmu (seria martwych natur z uogólnionymi liniowo-płaskimi obrazami obiektów i irracjonalnymi formami przypominającymi mięczaki). W przyszłości jego malarstwo zyskuje nową poetycką i przestrzenną szerokość, a także szczególne wyrafinowanie kolorystyczne i liniowe; wypełniony światłem. Na początku lat 30. w Normandii tworzy serię morskich widoków, a następnie maluje wnętrza, w których znajdują się stoły z martwymi naturami lub zamyślonymi kobietami o połączonej twarzy i profilu, zarysowanym falistym „barokowym” konturem. Szereg prac poświęconych jest tematowi „artysta i jego model”. Jej interpretacja pozbawiona jest dramatyzmu i bogactwa Małżeństwa aspektów właściwych takim dziełom Picassa, zgodnie z całym jego magazynem. Małżeństwo podkreśla przede wszystkim tajemniczy i kontemplacyjno-liryczny początek twórczości. Do tego samego cyklu należy cykl jego „Warsztatów” (1949–1956), w złożonym nawarstwieniu obrazów, w którym często dominuje lecący ptak – motyw przewodni całej późnej twórczości artysty. Onstara się zjednoczyć wszystkie swoje wspomnienia, wszystkie poszukiwania i wszystkie tematy swojej twórczości.
Wspaniale ucieleśniał wieczność ruchu artystycznego w postaci latających ptaków, a w swoich najlepszychmonumentalne dzieło malarskie sali Etrusków w Luwrze. Twórczość małżeństwa nie ogranicza się do malarstwa i grafiki. Stworzył wyrafinowaną i wyrazistą rzeźbę, nawiązującą do archaiczności greckiej. Do najwyższych osiągnięć francuskiej sztuki użytkowej zaliczają się witraże i biżuteria. Klasyką stały się także jego dzieła teatralne – inscenizacje baletów Diagilewa w Paryżu w latach dwudziestych XX wieku.
Dzieła Georgesa Braque'a to wyjątkowość jego wizji świata i sztuki, sam proces szybkiego, iście rewolucyjnego rozwoju sztuki XX wieku.

1.3 „Dziewczyny z Awinionu” jako początek kubizmu

W 1905 roku Picasso stworzył swoje słynne cykle „Akrobaci”, „Dziewczyna na balu”, „Rodzina akrobatów” i inne kompozycje z okresu „różowego”, wypełnione miękkim liryzmem, jeszcze bardziej szczegółowe, bliskie naturze niż poprzednie dzieła. Nie zwiastują owego przełomu w twórczości artystki, który następuje nagle i po raz pierwszy objawia się z całą ostrością w dużej kompozycji „Dziewczyny z Awinionu”. Obraz ten rozpoczął się w 1906 roku w sposób dość zbliżony do poprzednich: portretu Gertrudy Stein „Dwie nagie kobiety” (oba obrazy powstały w 1906 roku). Kiedy jednak w 1907 roku został ukończony, nie pozostało w nim nic, co przypominałoby dawnemu Picassowi o okresie „różowym”. Pięć nagich postaci kobiecych, ukazanych pod różnymi kątami, wypełniających niemal całą powierzchnię płótna, jakby z grubsza wyrzeźbionych z twardego drewna lub kamienia. Ciała są niezwykle uogólnione, twarze pozbawione wyrazu. Fałdy draperii tworzące tło obrazu stwarzają wrażenie rozpadu i dysharmonii.

Obraz wywarł głęboko przygnębiające wrażenie na znajomych artysty. Niektórzy uznali to za mistyfikację, inni zaczęli mówić o chorobie psychicznej autora. J. Braque, który jako jeden z pierwszych oglądał Dziewice z Awinionu, z oburzeniem oświadczył, że Picasso chce go zmusić, aby „jał hol i pił naftę”. Zdaniem Gertrudy Stein, słynna rosyjska kolekcjonerka S.I. Szczukin, wielka wielbicielka malarstwa Picassa, po wizycie u niej w pracowni artysty, niemal ze łzami w oczach wykrzyknęła: „Co za strata dla malarstwa francuskiego!”. Marchandowie, którzy wcześniej wykupili wszystkie dzieła Picassa, odmówili zakupu tego obrazu, którego znaczenie w 1907 roku zdawało się rozumieć tylko dwie osoby: Guillaume Apollinaire i Daniel Henri Kahnweiler. To właśnie ten obraz, który pozostał nierozpoznany, wyznacza początek nowego, „murzyńskiego” okresu w twórczości Picassa i nowego nurtu w sztuce światowej - kubizmu.

„Obraz „Dziewczyny z Awinionu” nie jest we właściwym tego słowa znaczeniu obrazem kubistycznym” – pisze John Golding, czołowy angielski badacz. Kubizm jest realistyczny... w pewnym sensie jest sztuką klasyczną. „Dziewczyny” natomiast sprawiają wrażenie skrajnego napięcia… Jednocześnie płótno to niewątpliwie wyznacza punkt zwrotny w twórczości Picassa, a ponadto początek nowej ery w historii sztuki . Jest to logiczny punkt wyjścia w historii kubizmu. Analiza obrazu wyraźnie pokazuje, że większość problemów, nad którymi Braque i Picasso będą później wspólnie pracować w procesie tworzenia stylu, została już tutaj postawiona, może jeszcze niezdarnie, ale po raz pierwszy dość wyraźnie.

Według G. Steina (którego portret Picasso ukończył jesienią 1906 r.) to właśnie w okresie pracy nad „Dziewicami z Awinionu” artysta dzięki Matisse’owi zetknął się z rzeźbą afrykańską. M. Georges-Michel w książce „Malarzy i rzeźbiarze, których znałem” wspomina wizytę Picassa z Apollinaire'em na wystawie sztuki murzyńskiej w Muzeum Etnograficznym Trocadero. Według słów Georgesa-Michela Picasso „początkowo bawił się frywolnie, ale potem namiętnie dał się ponieść prostym, barbarzyńskim formom”. Można dodać, że w 1906 roku Picasso spotkał Deraina, który był wówczas pod wielkim wrażeniem odkrytej w British Museum rzeźby afrykańskiej.

Poeta i krytyk André Salmon, który zdecydowanie popierał nowy kierunek w sztuce, jako pierwszy wskazał na związek pomiędzy powstaniem słynnego malarstwa i rzeźbą afrykańską. Salmon pisze, że w 1906 roku Picasso przeżywał poważny kryzys. „Dzień i noc potajemnie pracuje nad obrazem, próbując urzeczywistnić w nim swoje nowe pomysły. W tym czasie artysta był już urzeczony sztuką Murzynów, uważając ją za doskonalszą od egipskiej. Co więcej, szczególnie cenił jego konstruktywność, uważając, że obrazy dahomejskie czy polinezyjskie z najwyższą lakonizmem oddają plastyczną istotę przedmiotu”.

Według Cezanne’a Picasso doskonale zdawał sobie sprawę, że w rzeźbie afrykańskiej pociągała go pozbawiona sztuki plastyczność, bezpośredniość. W tym miejscu warto wspomnieć także o uwadze rosyjskiego krytyka Tugendholda zawartej w artykule na temat kolekcji
S.I. Szczukin. „Kiedy byłem w pracowni Picassa” – napisał Tugendhold – „widziałem tam czarne bożki Konga, przypomniałem sobie słowa rzeźb A.N.… Wcale nie, odpowiedział mi, interesuje mnie ich geometryczna prostota.

Geometryczna prostota figur jest właśnie tym, co przede wszystkim uderza w „Avignon Girls”. Co więcej, twarze dwóch postaci po prawej stronie kojarzą się bezpośrednio z afrykańskimi maskami rytualnymi. Rysunkiem i kolorem głowy te znacznie różnią się od pozostałych, a kompozycja jako całość sprawia wrażenie niekompletności. Rentgen obrazu pokazał, że obie te postacie, najbardziej nowatorskie, a jednocześnie najbardziej „czarne”, zostały początkowo namalowane w taki sam sposób jak pozostałe, ale wkrótce zostały przepisane na nowo. Uważa się, że zostały one przerobione po wizycie artysty w muzeum etnograficznym, kiedy „z pasją porwał” afrykańską rzeźbę.

„Namalowałem połowę obrazu” – wyjaśnił Picasso. „Czułem, że to nie w porządku! Zrobiłem to inaczej. Zadałem sobie pytanie, czy powinienem wszystko powtórzyć. Potem powiedział: nie, zrozumieją, co chciałem powiedzieć.

2 Rozwój kubizmu jako wiodącego nurtu w sztuce

2.1 Podstawowe zasady artystyczne kubizmu

Kubizm, jako trend, który rozpowszechnił się w pierwszych dekadach XX stulecia na całym świecie, przykład sojuszu „magii i matematyki”. Twórcy kubizmu inspirowali się słynnym postulatem Cezanne’a „interpretować formy natury jako formy walca, kuli, stożka”. Kubistyczni artyści, teoretycy tego nurtu, Albert Gleizes i Jean Metzinger napisali w książce „O kubizmie” (1946): „Każda z części, na które podzielona jest powierzchnia płótna, ma niezależny charakter formy, ale wszystkie są rytmicznie sprzężony. Pomieszczenie jest wyłączone przez wiele części o identycznym kształcie, długości i lekkości. Największą intensywność wszystkich tych relacji artysta osiąga w obrębie płótna, wówczas płótno stwarza wrażenie dynamicznego i złożonego życia - ostatecznego nasycenia działaniem największej przestrzeni obrazu. Kubiści stwierdzili, że naśladowanie natury jedynie przeszkadza, bez niego specyficzne prawa rewitalizacji przestrzeni mogą ujawnić się w swojej czystości i absolutności. Nie podporządkowując się nakazom natury, zwłaszcza widzianej z jednej strony, artysta ma swobodę nasycania płótna jak najintensywniejszą grą form, reliefów i linii, kolorów, cieni i świateł w ich styku, kontrastach, zbieżności i rozbieżności..

Kubizm był próbą pogłębienia malarstwa, ujawnienia jego głębokiej treści i takimi, zdaniem artystów, były idee. Kubiści rozumieli idee jako rzeczywistość istniejącą w umyśle artysty. W przeciwieństwie do wrażeń, na których polegali impresjoniści, idee, ich treść są surrealistyczne, a czasem niewiarygodne.

Kubizm zwinął jedną z odmian abstrakcjonizmu. Uwolnił treść dzieła od obiektywnych obrazów i zastąpił je abstrakcjami geometrycznymi. Dla kubisty prawdziwym wydarzeniem jest myślenie dokonujące się u twórcy lub widza, natomiast przedstawiony cylinder sam w sobie jest przedmiotem nierealnym. Gasset zauważył, że idee dla kubistów to „subiektywne rzeczywistości zawierające wirtualne przedmioty, cały świat w tajemniczy sposób wyłaniający się z głębi psychiki i różniący się od widzialnego”. Cielesne formy w twórczości kubistów zastępowane są geometrycznymi, fikcyjnymi obrazami, kojarzonymi z rzeczywistością jedynie metaforycznie.

Od czasów Cezanne’a artyści przedstawiają idee. To najważniejsza cecha nowej sztuki. XX wiek. Idee są także przedmiotami, tyle że intrasubiektywnymi. Pablo Picasso już w swoich wczesnych pracach ma zaokrąglone ciała o niebotycznie wystających, obszernych formach („Dwie kobiety w barze”, „Dachy Barcelony”, „Para”, „Prasownica”). Jednocześnie w innych pracach burzył zamkniętą formę obiektu i umieszczał jego odmienne detale (nos, brwi, wąsy) w czystych euklidesowych płaszczyznach, których zadaniem ma być symboliczny kod idei. Wybitny włoski pisarz A. Moravia w swojej pracy nad Picassem wyjaśnił istotę sztuki zachodnioeuropejskiej XX wieku: twórcy nowej sztuki, w przeciwieństwie do swoich poprzedników, takich jak Van Gogh, nie chcieli nam nic o sobie powiedzieć. Jeśli Van Gogh w swoich obrazach w taki czy inny sposób mówił o sobie i za ich pośrednictwem możemy prześledzić jego „eskalację szaleństwa”, to Picasso w ciągu kilku lat swojej twórczości „spala karierę tradycyjnego artysty związanego z z przedstawieniem rzeczywistości”, „przenosząc swoje dzieła z życia do kultury. Odtąd dzieła powstają nie jako odpowiedź na zapotrzebowanie rynku, ale jako odpowiedź na wymagania kultury. A w przypadku Picassa jego „autobiografia szybko zamienia się w wyraz witalności”. A środkiem, którego Picasso użył do rozbicia własnej wizji świata i przekształcenia jej w „czysty witalizm”, był powrót formy. Picasso postrzegał tę formę jako pozbawioną jakiegokolwiek znaczenia, z wyjątkiem znaczenia biologicznego. Porzucił wszelką historyczność w imię „niehistorycznego” „impulsu życiowego”. Termin „hellenic witalny” jest podstawowym pojęciem „filozofii życia”, pod wpływem której rozwinęła się cała sztuka europejska, zwłaszcza pierwszej połowy XX w. XX wiek.

Kolejną cechą charakterystyczną kubizmu było stworzenie nowej koncepcji piękna. „Nie ma nic bardziej beznadziejnego niż bieganie z pięknem na równi lub pozostawanie w tyle. Musimy iść do przodu, wymęczyć ją i uczynić brzydką. To zmęczenie nadaje nowemu pięknu piękne szaleństwo głowy Meduzy Gorgony” – pisze J. Cocteau w swoich wspomnieniach Picassa. „Dręczyć” piękno, aby nie było doskonałością, którą można jedynie dotrzymać w nieskończoność, nigdy nie osiągając – taka była estetyczna zasada kubistów. Głoszonemu przez nich nowemu pięknu brakuje harmonii i wyrazistości. Jest to wynik połączenia tego, co niekompatybilne: wysokiego i niskiego.

Podejście do twórczości artystycznej jako aktu twórczego, w wyniku którego powstaje nowa rzeczywistość, jest jednym z głównych postulatów kubizmu. Maska i figurka zawsze były żywą rzeczywistością, gdyż ucieleśniały dość specyficzne duchy i zmarłych przodków (nie przedstawiały i nie eksponowały, czyliucieleśniony, reprezentowanynich, tj. byli nimi i w tym sensie byli częścią otaczającej rzeczywistości, rodzajem tej „dodatkowej rzeczywistości”, o której mówił A. Jarry i to w nieco innej formie Apollinaire, Braque, Reverdy, Gris i inni praktycy i teoretycy kubizmu) .

Zatem celem twórczości artystycznej zarówno kubistów, jak i artystów prymitywnych i tradycyjnych nie jest refleksja czy refleksja, ale stworzenie nowej, innej rzeczywistości - zjawisk na równi ze zjawiskami rzeczywistości, a nie pochodnymi z nich. „Celem” – mówi Braque – „nie jest odtworzenie faktu narracyjnego, ale stworzenie aktu obrazowego. Fabuła nie jest przedmiotem, jest nową jednością”.

Niezależnie jednak od subiektywnego stosunku do twórczości artystów prymitywnych i tradycyjnych, bez względu na cel, jaki sobie przyświecali, rzeźbiąc z drewna figurkę przodka czy malując figurę zwierzęcia na ścianie jaskini, efektem był mniej lub bardziej konwencjonalny obraz osoby lub zwierzęcia, czyli ostatecznie wyświetlanie obiektów otaczającego świata.

Najbardziej warunkowe dzieła kubistyczne Braque'a, Grisa, Picassa, Légera zachowują związek z naturą. Przedmioty ukazane w ich martwych naturach nabierają czasem b O większa waga, materialność niż sama natura, a portrety złożone z figur geometrycznych zachowują nawet zewnętrzne podobieństwo do oryginału.

To samo dotyczy afrykańskich masek i figurek: zbudowane, jak się wydaje, z czystych brył geometrycznych, niemniej jednak z zadziwiającą dokładnością oddają etniczną oryginalność, rysy twarzy i ciała. Artysta kubistyczny nie skupia się na znakach wyglądu, ale na projekcie, architekturze przedmiotu, nie na fakturze, ale na strukturze. Pracując nad obrazem stara się go jak najbardziej uwolnić od wszystkiego, co przemijające, zmienne, nietrwałe, aby odsłonić jego prawdziwą istotę. Jeśli weźmiemy za przykład postać ludzką i uznamy zasadę etniczną za prawdziwą istotę, wówczas rzeźbę afrykańską należy uznać za idealny przykład ucieleśnienia wymagań kubizmu.

2.2 Okresy rozwoju kubizmu i ich charakterystyka

Na wczesnym etapie kubizmu, na który wpływ miał Cezanne („Cezan Cubism”, 1907-1909), geometryzacja form podkreślała stabilność, nienaruszalność podstawowych elementów świata. Ściany brył są rozłożone na płaszczyźnie, tworząc rodzaj reliefu. W obrazach z tego okresu masywne tomy przypominają formy plastyczności murzyńskiej (Picasso „Trzy kobiety”, 1909; Małżeństwo „Estac”, 1908).

W kolejnym etapie, zwanym „analitycznym” (1909-1912), forma, przedmioty rozpadają się na wiele twarzy i zbiegają się w kątach płaszczyzny; używany jest ograniczony zestaw kolorów. Przykładem kubizmu analitycznego jest portret Ambroise’a Vollarda (1910), którego twarz jest podzielona na fasety, kolor jest prawie nieobecny. Jednym z najlepszych dzieł kubizmu analitycznego był portret Kahnweilera, na którym każda faseta obrazu jest ukazana pod kątem, dzieląc obraz. Niebezpieczeństwo przekształcenia obrazu w niedostępny dla percepcji kryptogram zmusiło twórców kubizmu do podjęcia próby nawiązania połączenia z nieuchwytną rzeczywistością za pomocą elementów samej rzeczywistości, tak więc na obrazach pojawiły się rzeźbione litery, fragmenty tekstu firmy Braque.

W tym okresie Picasso i Braque współpracowali ze sobą tak blisko, że trudno rozróżnić ich dzieła. Ich celem jest stworzenie w obrazie obiektywnej formy, która ma w sobie wartość i określoną funkcję.

Obiekty na obrazach Picassa i Braque'a można od razu rozpoznać po kształtach: talerzach, szklankach, owocach, instrumentach muzycznych, późniejszych kartach do gry, literach alfabetu, cyfrach. Oznacza to, że artyści pracują z materiałem przyswojonym mentalnie, który nie wymaga pogodzenia się z rzeczywistością. Oddziaływanie obrazu jest tym silniejsze, im mniej rozpoznawalne są obiekty i tym większym szokiem będzie nieprzygotowany widz, chcący nauczyć się postrzegać formę jako integralną część przedmiotu. Czasami ciężko jest rozróżnić przedmioty, linie, formy, które wchodzą ze sobą w grę. Czasami artyści dają wskazówki umożliwiające odczytanie obrazu, zostawiają nieruchomy przedmiot, np. fajkę, aby zidentyfikować osobę palącą. W 1910 roku Braque i Picasso stworzyli niemal monochromatyczne, subtelnie zniuansowane pejzaże, portrety, z piramidalnymi kompozycjami i rozkładem tematu na równoważne harmonijne elementy.

W ostatnim, „syntetycznym” okresie preferowany jest dekoracyjny początek. Obraz zamienia się w kolorowy planarny początek (Picasso „Gitara i skrzypce”, 1918; Małżeństwo „Kobieta z gitarą”, 1913). W latach 1912-1914. to Picasso i Braque zrewolucjonizowali sztukę, włączając cytaty słowne do asamblaży i kolaży. Zaczęto w niektórych obrazach zamiast farby olejnej stosować lakiery malarskie, naklejać na płótno kawałki ceraty, naklejać rysunki na wklejane fragmenty tapet, wykraczając poza nie. I tak w „Martwej naturze ze słomianym krzesłem” Picasso wykorzystuje technikę kolażu za pomocą kawałków materiału, stron gazet, Małżeństwo w formie „papier-colle” wykorzystuje papier naklejony na płótno. Tak narodziła się technika kolażu. Kompozycja kolażowa, której materiały źródłowe mogą należeć do różnych dziedzin artystycznych (tekst gazetowy, fotografie, naklejki, fragmenty tapet itp.) Tym samym w jednej przestrzeni łączą się obiekty o różnym stopniu realności.

2.3 Wpływ kubizmu na sztukę XX wiek

Kubizm nie miałby takiego wpływu na rozwój sztuki światowej, gdyby pozostał dziełem jednego lub dwóch malarzy. Sprawa ta, pochwycona przez dziesiątki i setki artystów ze wszystkich krajów świata, okazała się o tyle znacząca, że poszerzała horyzonty artystyczne, przesuwając granice europejskiej estetyki.

Dwadzieścia-trzydzieści lat później, kiedy ostatnie peryferyjne nurty tego ruchu stopniowo przekształcały się i zanikały, stało się oczywiste, że nowe kierunki, które powstały w jego miejsce, zachowują cechy gatunkowe, choć nie zawsze wywodzą z niego swoją oficjalną genealogię. Oficjalna genealogia kubizmu rozpoczyna się od „Dziewic z Awinionu”, z wejściem Picassa w okres „murzyński”, z początkiem wspólnej twórczości grupy francuskich artystów i poetów, w centrum której znajdują się Pablo Picasso, Georges Braque, Juan Gris, Fernand Léger, Guillaume Apollinaire, Mano Jacob i inni.

Jednym z pierwszych, którzy pozostali pod wpływem sztuki afrykańskiej, był A. Deren. W jego obrazie „Kąpiący się” (1906) można odnaleźć cechy łączące go z jednej strony z rzeźbą afrykańską, z drugiej zaś z twórczością Cezanne’a. Wielu badaczy, w szczególności bardzo autorytatywny John Golding, uważa, że obraz miał pewien wpływ na Picassa w okresie, gdy tworzył „Dziewczyny z Awinionu”.

To właśnie obrazy Picassa z lat 1910-tych i szkice przygotowawcze pozwalają zobaczyć, jak i z czego kształtują się główne parametry nowego kierunku, jak i pod wpływem tego, jaki dokładnie nastąpił punkt zwrotny, i na tym przykładzie (który okazało się tak zaraźliwe nie przez przypadek), aby zrozumieć zmiany, jakie zaszły w tym czasie w sztuce francuskiej. Twórczość P. Picassa, J. Braque'a, H. Grisa, F. Legera, J. Metzingera, A. Gleize i innych stała się decydująca dla wczesnego etapu kubizmu i odpowiadającego mu okresu w historii sztuki francuskiej i światowej.

Przez długi czas, a właściwie cały tak zwany heroiczny okres kubizmu, była oficjalna krytykaostro wrogi nowemu kierunkowi. Wśród ówczesnych francuskich historyków sztuki chyba tylko Maurice Reynal konsekwentnie bronił kubizmu. Jednak od pierwszych kroków kubizm cieszył się aktywnym poparciem francuskich poetów. Oprócz Apollinaire'a nowy kierunek gorąco wspierali Andre Salmon, Max Jacob, Pierre Reverdy, Blaise Cendrars, Jean Cocteau i inni. Picasso powiedział, że był to czas, „kiedy malarze i poeci wywierali na siebie wzajemny wpływ”. Rzeczywiście już w latach bezpośrednio poprzedzających kubizm wspólnota ta kształtowała się w warsztatach na Montmartrze, co później zaowocowało owocną współpracą. „Picasso – pisał Apollinaire – „który wynalazł nowy obraz i jest niewątpliwie niezwykłą postacią naszych czasów, spędza całe swoje dni wyłącznie w towarzystwie poetów, do których mam zaszczyt należeć”.

Z poetów starszego pokolenia, którzy wpłynęli na kształtowanie się koncepcji kubizmu, nazywa się Stefana Mallarme i Alfreda Jarry'ego. Z kolei twórczość artystów kubistycznych wywarła niezaprzeczalny wpływ na bezpośrednie środowisko poetyckie. Przejawiało się to w nadrzędnej roli przypisanej wyobraźni poetyckiej i chęci tworzenia pojemnych obrazów, a nawet w bezpośrednim zapożyczaniu wątków. „Oczywiście przykład malarzy wpłynął na ich współczesne dzieła poetyckie, od „Alkoholów” po „Cornet a de” i „Śpiącą gitarę” – pisze Pierre José.

Zbiór poezji Apollinaire'a Alkohole, wydany w 1913 roku równolegle z książką The Cubist Painters, otwiera słynny wiersz Strefa, będący w pewnym sensie poetycką projekcją problemów, jakie stawiali sobie malarze kubiści. Poeta i otaczający go świat ukazują się tu w najróżniejszych i nieoczekiwanych perspektywach. Trudno uznać za przypadek, że wiersz ten, szczególnie ceniony przez samego Apollinaire'a i umieszczany przez niego na pierwszym miejscu w zbiorze, kończy się wersami mówiącymi o „fetyszach Oceanii i Gwinei” jako o bogach „mrocznych nadziei”.

Pierre Reverdy, największy poeta kubizmu, w którego twórczości nowa estetyka znajduje jeszcze bardziej organiczne ucieleśnienie niż Apollinaire, uważał, że tworząc „dzieło estetyczne”, „szczególne wzruszenie”, poeta zbliża się do zrozumienia jakichś „głębokich i uniwersalnych” prawd ludzkich. Rozważania Reverdy'ego na temat celu poezji rezonują z definicją nowej sztuki, celami stawianymi przez artystów kubistycznych. „To, co odróżnia kubizm od poprzedniego malarstwa, to to, że nie jest sztuką opartą na naśladownictwie, ale na koncepcji i dążeniu do wzniesienia się do kreacji” – pisał Apollinaire. „Nie należy naśladować tego, co się ma stworzyć” – czytamy w „Myślach i refleksjach o sztuce” Braque’a.

Reverdy był wówczas jednym z nielicznych, którzy rozumieli historyczne znaczenie kubizmu. Uważał, że przed kubizmem od czasu odkrycia perspektywy w malarstwie nie powstało w sztuce nic tak znaczącego. „My – pisał Reverdy – „jesteśmy świadkami zasadniczej przemiany sztuki. Nie chodzi o zmianę wrażeń, ale o nową strukturę, a co za tym idzie, zupełnie nowy cel. Uważał, że koncepcja ta przybliża poezję do sztuk pięknych w tym sensie, że dzieło poetyckie staje się równie obiektywne, autonomiczne, niemal materialne jak obraz czy rzeźba. Jest to nie tyle odbicie czy ukazanie rzeczywistości, ile sama rzeczywistość, inna rzeczywistość. „Dzieło będące jedynie dokładnym odzwierciedleniem epoki znika w czasie równie szybko, jak ta epoka”.

Najwyraźniej to nie przypadek, że idea języka uniwersalnego (esperanto) jest wytworem tej samej epoki. Pogłębianie się pod wpływem czynników ekonomicznych i społeczno-politycznych, świadomość wspólnoty ogólnoludzkiej, szybki rozwój idei internacjonalizmu, radykalnie zmieniły warunki i charakter wszelkiego rodzaju działalności ludzkiej. Gigantyczne zmiany w dziedzinie nauki i technologii, wysunięcie się mas na pierwszy plan historii doprowadziły do głębokich zmian w dziedzinie sztuki, aż do powstania nowych form (druk, nagrywanie dźwięku, fotografia, kino, design).

W panującym do końca XIX początkach XX wieku. tej sytuacji żaden z istniejących rodzajów twórczości artystycznej (malarstwo, rzeźba, poezja itp.) nie mógł zachować swojego znaczenia, pozostając w ramach dotychczasowego procesu ewolucyjnego, którego początki sięgają renesansu. Kubizm odzwierciedlał nowe trendy w całej ich złożoności i niespójności: nieświadome pragnienie demokratyzacji twórczości artystycznej, uznanie prymitywistów, tzw. malarzy niedzielnych i odrzucenie prywatnej, indywidualnej izby w sztuce; wiara w naukę, poszukiwanie obiektywnych metod, odrzucenie intuicyjnej kreatywności, chęć stworzenia „gramatyki sztuki”.

Tendencja, wyrażająca się w odrzuceniu naśladownictwa, w rozumieniu twórczości jako tworzenia „nowej jedności”, jako konstruowania nowych form, odpowiadała wymogom rodzącej się estetyki przemysłowej, a później znalazła swój ostateczny wyraz we wzornictwie i nie tylko. rodzaje współczesnej sztuki użytkowej, która nie przez przypadek osiągnęła szczególnie wysoki poziom w tych krajach, gdzie nowe ruchy artystyczne, wywodzące swój rodowód z kubizmu, zdołały zająć trwałe miejsce w procesie artystycznym.

Pomimo nieustannego oporu opinii publicznej, w latach 1912-1914 pojawił się nowy trend. rozciąga się na wszystkie obszary twórczości artystycznej. Najpierw Picasso, potem Henri Laurens i Jacques Lipchitz tworzą pierwsze kubistyczne rzeźby; malarze kubiści malują scenografie teatralne, ilustrują książki i czasopisma. Sonia Delaunay, artystka, żona słynnego malarza i teoretyka kubizmu R. Delaunaya, tworzy projekty tkanin i modeli odzieży; w muzyce, od Bartóka, Ravela, Debussy’ego, Prokofiewa po Poulenca i Strawińskiego, także istnieje tendencja do odnowy opartej na folklorze. Parada Jeana Cocteau (1917) w wykonaniu baletu Diagilewa z muzyką Erica Satie i scenografią Picassa przeszła do historii jako triumf nowej sztuki.

Nowe techniki opracowane przez francuskich kubistów przyciągają uwagę czołowych artystów we wszystkich krajach. Można przytoczyć dziesiątki i setki nazwisk malarzy i rzeźbiarzy, którzy niegdyś składali hołd kubizmowi.

Wniosek

Pomimo wszystkich sprzeczności, trudności i kataklizmów historycznych, kultura w XX wieku rozwinęła się całkiem pomyślnie. Wiele wielkich osiągnięć w malarstwie, architekturze, rzeźbie, muzyce i filozofii przypada na to stulecie. Dlatego też mówiąc o zjawiskach kryzysowych stulecia, należy pamiętać, że pojęcie „kryzysu” nie odnosi się do kultury jako takiej, ale do tych sprzeczności, które powstają w społeczeństwie i powodują poważne problemy egzystencji człowieka i istnienie, rzucanie wyzwanie kulturze.

Odpowiadając na to wyzwanie, kultura generuje odpowiadające jej nowe formy, niezwykłe z punktu widzenia tradycji i postrzegane jako „kryzysowe”, dlatego reakcją kultury na liczne wydarzenia historyczne było pojawienie się dużej liczby nowych sposoby odzwierciedlania świata. Nigdy wcześniej nie stworzyła tak wielu nowych kierunków swego rozwoju i nigdy tak szybko nie zmieniała swoich wartości i zasad w nadziei uzyskania nowego obrazu świata, nowego jego obrazu na tle dynamicznych zjawisk historycznych.

Współczesna kultura światowa nie jest zjawiskiem całościowym. Składa się z szeregu nurtów, które różnią się celami i środkami wyrazu i często okazują się być sobie wprost przeciwne. Ale przy całej różnorodności współczesnej kultury, tworzące ją nurty i style łączy jedno - wszystkie starają się odzwierciedlać świat w formie wyrażania uczuć i nastrojów artysty. Początek tego kierunku w twórczości założyli postimpresjoniści, a później nazwano go modernizmem.

I tak w pierwszej dekadzie XX wieku w kulturze europejskiej ukształtował się jeden z nurtów modernizmu, kubizm.

Kubizm, który narodził się w epoce reakcji na impresjonizm i secesję, przeciwko kultywowaniu w sztuce elementów zmienności, przemijania, stawiał sobie za cel, zdaniem Juana Grisa, poszukiwanie w przedstawianych obiektach elementów jak najmniej niestabilnych.

Trudno zgodzić się z tymi, którzy za najważniejsze osiągnięcie kubizmu uznają „nieograniczoną wolność”. Kubizm nie ma nic wspólnego z nieograniczoną wolnością, z wolnością od jakichkolwiek zasad i ograniczeń. Znamienne jest, że znana formuła „postęp w sztuce nie polega na luzie, ale na poznaniu swoich granic” należy do nie kogo innego, jak J. Braque’a. Odkrycie kubizmu było odkryciem innych ograniczeń, innej dyscypliny, w pewnym sensie jeszcze bardziej sztywnej niż poprzednia. Jeżeli było to wyzwolenie, to było to wyzwolenie od przestarzałych zasad w imię ustanowienia nowych, bardziej uniwersalnych. Już sztukę Seurata, podlegającą ścisłemu systemowi kolorystycznemu, oraz Cezanne’a, który zalecał „interpretację natury poprzez cylinder, kulę, stożek itp.”, można uznać za poszukiwanie obiektywnych, uniwersalnych metod twórczości.

N. Bierdiajew widział w kubizmie Picassa grozę rozkładu, śmierci, „zimowego kosmicznego wiatru”, wymiatającego starą sztukę i byt. A jednak „rozprzestrzenianie się” dawnego harmonijnego kosmosu, zbudowanego po raz pierwszy przez Hellenów, w sztuce było nie tylko zaprzeczeniem, lecz jedynie znakiem końca. Namiętne zainteresowanie kubistów archaiką, „barbarzyństwem”, afrykańską maską i prymitywnym bożkiem, zostało poddane także czemuś więcej niż zwykłej ucieczce w przeszłość. Wektor tego ruchu: przez przyszłość w przeszłość.

Czym był kubizm, który jako grupa artystów wymarł wraz z wybuchem I wojny światowej i dlaczego jego wpływ do dziś jest odczuwalny w sztuce współczesnej? W dzisiejszych czasach każda osoba o otwartym umyśle, patrząc na dzieła impresjonistów, wyraźnie widzi konwencjonalność znanego nam koloru. A kiedyś stała się rewolucją w sztuce. To kubizm, opierając się na zdobytej przez postimpresjonistów swobodzie przedstawiania nie tylko tego, co widać, ale także tego, co możliwe do wyobrażenia, analizuje wszystkie składniki malarstwa, potwierdza umowność formy, koloru i perspektywy linearnej oraz objętości.

Wykaz używanej literatury

1 Emokhonova L. G. Światowa kultura artystyczna. - M.: Centrum Wydawnicze „Akademia”, 2001.-544s

2 Grushevitskaya T.G., Sadokhin A.P. Kulturologia: Podręcznik. M.: Wydawnictwo Unity-Dana, 2010 688 s.

3 Lvova E. P., Sarabyanov D. V., Kabkova E. P., Fomina N. N., Khan-Magomedova V. D., Savenkova L. G., Averyanova G. I. Światowa kultura artystyczna. XX wiek. Sztuki piękne i projektowanie. Piotr, 2007 464 s.

4 Petkova S. M. Podręcznik poświęcony światowej kulturze i sztuce. Feniks, 2010 507 s.

5 „Wielcy artyści, ich życie, inspiracje i twórczość”. Kijów, 2003 32s.

6" Georges Braque, galeria obrazów, biografia. Georgesa Braque’a„. Paweł Ying //

http://www.artcontext.info/pictures-of-great-artists/55-2010-12-14-08-01-06/550-jorj-brak.html

7 Sokolnikova NM Historia sztuk pięknych: podręcznik dla studentów. Instytucje wyższe prof. edukacja: w 2 tomach T. 2 / N. M. Sokolnikova. wyd. 5, ster. M.: Centrum Wydawnicze „Akademia”, 2012. 208 s.

8 Kulturologia. Historia kultury światowej. Podręcznik dla uniwersytetów / wyd. NO Zmartwychwstanie. M.: UNITI-DANA, Unity, 2003. 759 s.

9 Kulturologia. Historia kultury światowej: Podręcznik dla uniwersytetów / wyd. prof. A. N. Markova. Wydanie 2, poprawione. i dodatkowe M.: INITI-DANA, 2006. 600 s.

10 Borzova E. P. Historia kultury światowej. Petersburg: Wydawnictwo Lan, 2001. 672 s.

11 „U początków kubizmu”. Wil Marimanow, doktor sztuki. //http://eng.1september.ru/article.php?ID=200100701

Załącznik A

Malarstwo „Dziewczyny z Awinionu”

Załącznik B

Malarstwo „Dziewczyna na piłce”

Załącznik C

Obraz „Portret Vollarda”

Szczegóły Kategoria: Różnorodność stylów i trendów w sztuce oraz ich cechy Opublikowano 14.07.2015 13:25 Wyświetleń: 5015

Pojawienie się kubizmu przypisuje się latom 1906-1907. Zwykle ten nurt w sztuce kojarzony jest z nazwiskiem Pabla Picassa i uważany jest za twórcę kubizmu.

To prawda. Ale nowe zjawisko w sztuce nigdy nie pojawia się nagle: zawsze są poprzednicy i przesłanki. O tym właśnie porozmawiamy.

O terminie

Termin „kubizm” przyszedł do sztuki z języka francuskiego: cubisme, sześcian – sześcian. Po raz pierwszy zastosował go krytyk Léon Vossel w 1908 roku, opisując twórczość J. Braque’a.

Georgesa Braque’a(1882-1963) – francuski malarz, grafik, rzeźbiarz i dekorator; jest twórcą kubizmu wraz z Picassem. W 1908 roku Braque stworzył nowatorski jak na tamte czasy cykl pejzaży. Pejzaże te nie zostały zaakceptowane przez Salon Jesienny (stowarzyszenie artystów we Francji, założone w 1903 roku). Henri Matisse powiedział wówczas, że krajobrazy składają się z sześcianów. Stąd właśnie wzięło się słowo „kubizm”. Przyjrzyjmy się tym pracom J. Braque’a.

J. Braque „Droga pod Estac” (1908)

J. Małżeństwo „Przystań w Normandii” (1909)

Historia kubizmu

W 1907 roku P. Picasso stworzył obraz „Dziewczyny z Awinionu”, który wywarł na niej duże wrażenie J.Braca. W 1908 roku Braque i Picasso rozpoczęli ścisłą współpracę, wypracowując zasady nowego kierunku artystycznego. Początkowo analitycznie niszczyli utarte wizerunki przedmiotów, jakby „rozkładając” je na odrębne formy i struktury przestrzenne. J. Brak uważał, że „uczucia deformują się, kształtuje się rozum”. Można zatem przypuszczać, że artysta doszedł do kubizmu nie intuicyjnie, ale racjonalnie - właśnie w tym kierunku mógł pełniej się realizować.
W 1912 roku zaczęli pracować w technice kolażu i aplikacji i zainteresowali się procesem odwrotnym - syntezą obiektów z odmiennych elementów.
Jak P. Picasso doszedł do kubizmu? Także nie od razu.

Pablo Picasso (1881-1973)

P. Picasso „Autoportret”

P. Picasso to hiszpański artysta, rzeźbiarz, grafik, artysta teatralny, ceramik i projektant. Jego twórczość wywarła wyjątkowy wpływ na rozwój sztuk pięknych XX wieku. Jest najsłynniejszym artystą spośród tych, którzy żyli w ciągu ostatnich 100 lat, a także jest bardzo „popularny” wśród złodziei obrazów.

H. Grisa „Portret P. Picassa” (1912). Instytut Sztuki (Chicago)
Najpierw były eksperymenty z kolorem. Od 1901 do 1906 - „niebieski” i początek „różowego” okresu w jego malarstwie. Potem pojawiła się chęć oddania nastroju – to pragnienie formuł oddających to, co typowe, uniwersalne w sztuce, co odpowiadało głębokim procesom cywilizacji europejskiej przełomu wieków. Wreszcie Picasso zwrócił się ku analizie formy: świadomej deformacji i destrukcji (od łacińskiego destructio – „zniszczenie, rozpad konstrukcji”) natury.

P. Picasso „Dziewczyny z Awinionu” (1907). Płótno, olej. 243,9 x 233,7 cm Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku
W 1907 roku napisał „Dziewczyny z Awinionu”. Uważa się, że obraz ten położył podwaliny pod kubizm w twórczości artysty, a następnie pod cały ruch artystyczny. A jego korzenie sięgają jednostronnej interpretacji systemu Cezanne’a, który zalecał młodemu artyście Picasso „rozważanie natury jako zbioru prostych form – kul, stożków, cylindrów”. Uważa się, że Picasso, podobnie jak J. Braque, potraktował tę radę dosłownie. Ponadto w tym okresie Picasso interesował się rzeźbą afrykańską, co znalazło odzwierciedlenie także w jego nowej twórczości.
Na zdjęciu widzimy zdeformowane, szorstkie postacie, pozbawione perspektywy i światłocienia. Obraz ukazuje radykalne zerwanie z tradycyjnym punktem widzenia w malarstwie. Pięć nagich kobiet z postaciami złożonymi z płaskich geometrycznych kształtów i postrzępionych odłamków, niektóre z nich w afrykańskich maskach. Ten obraz jest strategią przyszłego rozwoju kubizmu w twórczości Picassa.
Kubizm odrzucił tradycje naturalizmu oraz figuratywną i poznawczą funkcję sztuki. Oznaczało to całkowite zerwanie z realistycznym przedstawianiem natury, jakie dominowało w malarstwie europejskim od czasów renesansu. Celem twórczym Picassa i Braque'a było skonstruowanie trójwymiarowej formy na płaszczyźnie, dzieląc ją na elementy geometryczne. Fabuła obrazów artystów kubistycznych (na razie mówimy tylko o twórczości Picassa i Braque'a) jest nieskomplikowana, zwłaszcza we wczesnym okresie - nazywa się to kubizmem „Cezanne'a” (1907-1909). Powstał pod wpływem rzeźby afrykańskiej i twórczości Cezanne’a. Na płótnie przedstawiono potężne objętości, a kolor jeszcze bardziej zwiększa tę objętość.

P. Picasso „Kobieta z wachlarzem” (1908)

P. Picasso „Trzy kobiety” (1909)
Okres w kubizmie 1910-1912 nazywany „analitycznym”: obiekt jest rozbijany na drobne twarze, wyraźnie od siebie oddzielone, zatraca się forma obiektu na płótnie, kolor jest praktycznie nieobecny.

J. Małżeństwo „Dedykacja dla I.S. Bahu” (1912)

P. Picasso „Portret Ambroise’a Vollarda” (1910)

P. Picasso „Skrzypce” (1912)
Ostatni okres znany jest jako kubizm „syntetyczny” (1913-1914). Charakteryzuje się blaskiem, większą dekoracyjnością, obrazy stają się jak kolorowe panele. Na rysunku pojawiają się szablony liter, naklejki tworzące kolaże.

P. Picasso „Tawerna („Szynka”) (1914)

P. Picasso „Wazon na owoce i kiść winogron” (1914)

W tym okresie przyłącza się do kubistów Juana Grisa(1887-1927), hiszpański malarz, rzeźbiarz, grafik i dekorator. Tworzył głównie w Paryżu, gdzie mieszkał od 1906 roku. To właśnie on uważany jest za twórcę „syntetycznego” kubizmu. W latach dwudziestych XX wieku Gris odchodzi od sztywnych form geometrycznych. Wśród jego dzieł znajdują się liczne ilustracje książkowe oraz liczne scenografie i kostiumy teatralne, m.in. do baletów Diagilewa.

H. Gris „Człowiek w kawiarni” (1914), Nowy Jork
Oczywiście Picasso uważany jest za najwybitniejszego przedstawiciela kubizmu. Po mistrzowsku zamieniał formy w całe geometryczne bloki, jak ma to miejsce na obrazie „Fabryka w Horta de Ebro”.

P. Picasso „Fabryka w Horta de Ebro” (1909)
W „Portrecie Fernandy Oliviera” rozcina formę na płaszczyzny i twarze, wypełniając nimi cały obraz.

P. Picasso „Portret Fernarda Oliviera” (1909)
Czasem wydaje się, że Picasso odchodzi już od kubizmu – pierwotnym celem kubizmu było bardziej przekonujące odtworzenie poczucia przestrzeni i ciężkości mas, jednak obrazy Picassa często stają się niezrozumiałą zagadką. Na przykład zdjęcie „Nago”.

P. Picasso „Akt” (1910)
Pierwsza wojna światowa położyła kres współpracy Braque’a i Picassa. Jednocześnie kończy się okres kubizmu w twórczości Picassa, chociaż w niektórych pracach artysta stosuje pewne techniki kubistyczne aż do 1921 roku.