Rodzina komików. Rodzina komików Okres różowy Pabla Picassa

Szczupła postać linoskoczka – wyraźny kontrast z masywną sylwetką siłacza na pierwszym planie – zwieńczona jest ramionami skierowanymi ku niebu. W ten sposób bohaterka próbuje odnaleźć równowagę na niestabilnej piłce. Sam obraz nie jest wyjątkowy: okres róży Picassa (około 1904-1906) nazywany jest często także okresem cyrku; wiele jego dzieł z tego okresu stanowią artyści cyrkowi, w tym akrobaci i linoskoczki. Niemniej jednak w „Dziewczynie na balu” artystce udało się znaleźć ciekawe rozwiązanie kompozycyjne: gest głównej bohaterki zdaje się łączyć jej sylwetkę z niebem – łatwo zauważyć, że kolor jej rajstop jest najbliższy niebieskawemu odcień nieba.

Pablo Picasso. Rodzina komików. 1905Narodowa Galeria Sztuki w Waszyngtonie

Pablo Picasso. Aktor. 1904–1905 Wikimedia Commons

Pablo Picasso. Akrobata i młody arlekin. 1905 Wikimedia Commons

W przeciwieństwie do szczupłej, bezcielesnej sylwetki dziewczyny, monumentalne plecy sportowca, które zajmują dobrą połowę pierwszego planu obrazu, utrzymane są w kolorze ochry, „suchotniczym”, zdaniem Apollinaire’a, tonami, które odbijają się echem w ziemiste wzgórza krajobrazu tła. Centralna dla „Dziewczyny na balu” opozycja zostaje zatem zaakcentowana na wielu płaszczyznach jednocześnie: nie tylko „kobiecość – męskość”, nie tylko „młodość – dojrzałość”, nie tylko „kruchość – stabilność”, ale także „niebo – ziemia”, „duch jest materią”.

Według niektórych badaczy wizerunek dziewczynki na piłce nawiązuje do renesansowej ikonografii bogini losu, natomiast stabilna kostka, na której siedzi sportowiec, kojarzona jest z koncepcją Waleczności. Łacińskie przysłowie mówi: „Sedes Fortunae rotunda, sedes Virtutis quadrata” (dosłownie: „Siedziba fortuny jest okrągła, siedziba męstwa jest kwadratowa”). Nie wiadomo, czy Picasso miał na myśli taką interpretację obrazów na obrazie, wydaje się to jednak całkiem możliwe, biorąc pod uwagę jego zamiłowanie do alegorii artystycznych, a także fakt, że już od 1905 roku poruszał się już od kilku lat w paryskich kręgach intelektualnych i uczęszczał wykłady poety Moreasa, który głosił powrót do ideałów literatury grecko-łacińskiej.

Wikimedia Commons

Pomimo tego, że artysta pokazuje sportowca od tyłu i widzimy tylko jedną z jego nóg, jeśli przyjrzysz się uważnie, na zdjęciu można rozróżnić drugą stopę i prawe kolano: początkowo poza strongmana była nieco inna, ale potem Picasso zmienił kompozycję. Według jednej z hipotez wynikało to z troski malarza o temat wsparcia – zarówno w sensie moralnym (artyści cyrkowi, jak i artyści awangardowi byli uważani za wyrzutków społeczeństwa i mogli liczyć jedynie na siebie) inne) i materialno-fizyczne. W ostatecznej wersji „Girls on a Ball” okazuje się, że linoskoczek częściowo polega na sportowcu: jeśli usuniesz w myślach jego postać z obrazu, krucha równowaga zostanie zniszczona i dziewczyna upadnie. Najwyraźniej druga noga osłabiła ten efekt, dlatego zdecydowano się z niej zrezygnować. Motyw wsparcia jest wyraźnie ucieleśniony w innych dziełach Picassa, na przykład w „”. Z drugiej strony czasami w swoich pracach traktował ludzkie kończyny dość swobodnie: w późniejszym „Portrecie Pawła w kostiumie arlekina” synowi artysty zdaje się wyrastać dodatkowa noga.

Muzeum Puszkina im. A. S. Puszkina

„Dziewczyna na balu” to rzadki przykład kompozycji Picassa, w której sukcesywnie otwierają się przed widzem plany przestrzenne: w pierwszej występuje sportowiec; z drugiej - ekwilibrysta; na trzeciej postać matki z dziećmi i psem; wreszcie w ostatnim, czwartym, w krajobrazie pasie się biały koń. Koń jest obrazem przekrojowym w malarstwie artysty z tego okresu: pojawia się także w „Chłopcu prowadzącym konia” oraz w dużej liczbie szkiców - na przykład „Arlekin na koniu” i „”.

Muzeum Puszkina im. A. S. Puszkina

Cyrkowcy Picassa nigdy nie są pokazywani przy pracy – sceny z ich udziałem przenoszone są w przestrzeń pewnego konwencjonalnego pustynnego krajobrazu. Tak właśnie dzieje się w przypadku „Dziewczyny na balu”: krajobraz za plecami głównych bohaterów przedstawiony jest w formie sekwencji poziomych planów w różnych kolorach - na tym tle pionowa dynamika sportowca i liny walker są postrzegane szczególnie żywo. W tle postacie ludzkie - typowy sztafaż Sztafet- postacie ludzi i zwierząt przedstawiane w dziełach malarstwa pejzażowego dla ożywienia widoku i o drugorzędnym znaczeniu.: malarze XVI-XVII wieku przyjęli zasadę przedstawiania ich na swoich płótnach. Charakterystyczne jest, że postacie te są odwrócone plecami do głównej sceny obrazu i wyraźnie oddalają się, obojętne na sztuczki ćwiczone przez siłacza i linoskoczka. Według jednej wersji jest to wypowiedź artysty o braku popytu na swoją sztukę, którą w dużej mierze porównał do swojej.

Opis obrazu Pabla Picassa „Rodzina komików”

W prawie zniszczonym starym hostelu Bateau Lavoir w Paryżu w 1904 roku Pablo Picasso znajduje swoje nowe mieszkanie w pobliżu brzegów Sekwany.

Na płótnach pojawia się zwiewny różowy „okres”. Pojawiają się nowe, większe przestrzenie, a bezruch zmienia się w ruch.

Artystą zainteresował się cyrk, do którego zabrali go najbliżsi przyjaciele Salmon i Apollinaire. Zaczyna aktywnie wymyślać i tworzyć nowe szkice z życia cyrku i przedstawień teatralnych. Obraz „Rodzina komediantów” z 1905 roku powstał w okresie „różowym”. Pisanie dzieła odbyło się na styku dwóch kierunków twórczości.

Obraz został przepisany cztery razy. Sześć przedstawionych postaci wygląda na zjednoczonych, ale jednocześnie wydaje się być od siebie odrębnych, jest coś wspólnego w ich twarzach, wyrazie oczu i figurach.

Zbiorowa izolacja oddaje smutek i nastrój bohaterów. Dominujący kolor oznacza optymistyczny początek, a nie pesymistyczne zakończenie. Sposób pisania i kolorystyka cieni wprawiają w melancholijny nastrój.

Po bliższej analizie można rozpoznać kobietę o bladej karnacji, oddaloną od grupy na pierwszym planie. Pięć osób stojących w tle nie patrzy na siebie, ich oczy są w cieniu drzewa. Zagubieni, smutni komicy wychodzą poza zielone wzgórza. Nastrój bohaterów oddaje pustkę istnienia i nastrój nieoczekiwanego oczekiwania.

Na podstawie szkiców możesz śledzić rozwój każdego komika. Siedząca kobieta w kapeluszu i mała dziewczynka trzymająca kosz kwiatów, starzejący się mąż w czerwonych legginsach, Arlekin trzymający dziewczynę za rękę.

Obraz znajduje się obecnie w Waszyngtonie, w National Gallery of Art.

Pablo Picasso „Rodzina komików” (1905).
Płótno, olej. 212,8 x 229,6 cm
Narodowa Galeria Sztuki w Waszyngtonie

Jednym z głównych dzieł okresu „różowego” jest obraz „Rodzina komediantów” z 1905 roku, symbolizujący przejście Picassa z jednej fazy twórczości do drugiej. Znaczne rozmiary płótna świadczą o znacznych inwestycjach artysty, co wyjaśnia, dlaczego wielokrotnie wykorzystywał on materiał. Picasso zmieniał go 4 razy – dodał postacie, urozmaicił kompozycję, dodając pewne dodatki, m.in. ramiona kobiety i jej kapelusz, kolor dziecięcych baletnic, które jako upiorne kontury pojawiły się dopiero w końcowej fazie pracy.

Picasso zwykle datował swoje dzieła, ale rzadko je nadawał. „Rodzina komików” początkowo była bezimienna, dopiero potem nadano nazwę w oparciu o treść. W tej pracy Picasso zebrał liczne studia swoich przyjaciół z cyrku i zgrupował ich wszystkich pod błękitnym niebem, wykorzystując jako tło opuszczony, niekończący się krajobraz. Sześć postaci, które na pierwszy rzut oka wyglądają na zdystansowane i trzymają się z daleka, tak naprawdę łączy jedność celu.

Artysta przedstawił nie tylko styl życia prawdziwych komików, ale także oczywisty smutny nastrój bohaterów, zbiorową izolację. Obraz nie odzwierciedla pesymizmu społecznego, dominująca w nim barwa wskazuje na liryczny, osobisty smutek, a nie pesymistyczną rozpacz. Bohaterowie przedstawiają wspólne życie, chociaż związek psychologiczny nie jest do końca jasny. Efekty kolorystyczne zredukowane są do powściągliwej, dyskretnej harmonii, a prace pędzla i kolorystyka nadają temu obrazowi spokojny, melancholijny urok. Kolorystyka obrazu utrzymana jest w stylistyce zimnej, zacierają ją jedynie niewyraźne nuty ciepłej palety. Rodzina komediantów przedstawia pozbawionych praw wyborczych, oderwanych ludzi, którzy żyją w centrum społeczeństwa.

Artysta ukazuje grupę performerów jako wędrowców z prostymi rekwizytami w pustym, pustynnym, upiornym krajobrazie. Praca stanowi pomost pomiędzy melancholią okresu „niebieskiego” i „różowego”. Podobno Rodzina komików to autobiograficzne dzieło Picassa, przedstawiające jego krąg przyjaciół. Analizując obraz, na pierwszym planie widać siedzącą bladą młodą kobietę, oddaloną od reszty grupy, jej wzrok skierowany jest w prawo, w dal i wydaje się, że poszukuje samotności i wycofania. Można przypuszczać, że nie pasuje trochę do ogólnej kolorystyki obrazu, być może nie należy do grupy cyrkowej.

W tle stoi pięć osób, nie odwracają od siebie wzroku, ich oczy są w cieniu. Ci, którzy powinni być szczęśliwie żyjącą trupą, wyglądają na zagubionych i smutnych. Komicy wyjeżdżają, by zniknąć za grzbietem piaszczystych wzgórz, zagubić się we wszechświecie. Artyści bez widzów: Picasso wypełnił większość płótna smutnymi komediantami, a pusta przestrzeń wokół nich sprawia wrażenie, jakby znajdowali się na bezkresnej przestrzeni pustyni. Tu i ówdzie artysta mieszał kolor nieba z ziemią. Chmury są wykonane w ten sam sposób, w przeciwieństwie do szczegółowego rysunku postaci. W rezultacie niebo i ziemia kontrastują z postaciami, a komicy w ogóle nie wpisują się w krajobraz, zdając się odpływać, gdyby nie cienie przytrzymujące ich przy ziemi. Otaczająca pustka oddaje nastrój bohaterów.

We wczesnej wersji Rodziny komika tłem była scena rozgrywająca się na torze wyścigowym, w której jeden z jeźdźców spada z konia. W ostatecznej wersji wszystko to zostało wyeliminowane, w wyniku czego powstało wrażenie rozproszonych postaci stojących w oderwanych pozach, wyraźnie czekających na jakiś rozkaz. Niestabilna równowaga kompozycji z pięcioma postaciami zgrupowanymi w lewej połowie płótna i samotną postacią dziewczyny siedzącej w prawym rogu tworzy dodatkowy nastrój i oczekiwanie na jakieś nieprzewidziane wydarzenie. Proces rozwoju i kształtowania się każdej z postaci można prześledzić poprzez szkice. Siedząca kobieta pojawiła się już wcześniej jako główny bohater jednego z obrazów Picassa, na którym ma na sobie spiczasty kapelusz, owinięta welonem.

Na pierwszym szkicu dziewczynka pojawiła się bez kosza kwiatów, zamiast tego głaskała psa. Starzejący się bufon z sporym brzuchem rozciągający czerwone rajstopy, najwyraźniej ojciec założyciel zespołu lub jego „gwiazda” – ma obszerną historię, ucieleśnioną przez wielu jego poprzedników. Jednak najbardziej rozpoznawalną postacią jest tutaj wysoka postać Arlekina - na zdjęciu znajduje się po lewej stronie. Ta znajoma postać stoi, trzymając za rękę małą dziewczynkę i patrzy w twarz starego błazna. W ostatniej chwili Picasso nadał mu swój własny profil, jeszcze bardziej utożsamiając się ze swoimi towarzyszami wędrówki.

Istnieją sugestie, że obraz powstał w wyniku pewnych wydarzeń, które miały miejsce między Picassem i Fernandem Olivierem. Nie ma całkowitej pewności, że kolejny odcinek miał miejsce w tych latach, ale jednak. W 1904 roku Picasso poznał modelkę Fernande Oliviera, która zainspirowała go do stworzenia wielu znaczących dzieł tego okresu. Te kilka lat było szczęśliwe w ich związku. Fernanda Olivier, która sama nie mogła urodzić dziecka, trafiła do sierocińca przy ulicy Caulaincourt. Tam adoptowała dziewczynkę w wieku ośmiu lub dziesięciu lat i przywiozła ją do Bateau-Lavoir. Przez jakiś czas karmili dziewczynkę słodyczami, kupowali jej lalki i zabawki.

Picasso i wszyscy w Bateau-Lavoir byli dla niej mili, zwłaszcza przyjaciel artysty Max Jacob. Nagle Fernandzie znudziło się to wszystko i stwierdziła, że ​​nie nadaje się do macierzyństwa. Zdecydowano o zwróceniu dziecka i los padł na Maxa Jacoba. Kiedy przywiózł ją do sierocińca, okazało się, że w obecnej sytuacji dziecka zabranego z sierocińca nie można już zwrócić. Dziewczyna rozpłakała się i zaczęła błagać, żeby jej nie zostawiać. W końcu załatwił dziecku zamieszkanie z konsjerżem. Być może ta historia jest ukrytą fabułą filmu. Studium kontekstu pokazuje, że dzieło przedstawia Picassa, jego przyjaciół, Fernandę i dziecko: Picassa jako arlekina, czerwonego klauna – Guillaume Apollinaire, wysokiego akrobatę – André Salmona, młodego chłopca – Maxa Jacoba, samą Fernandę i ta dziewczyna stojąca tyłem do widza. Chociaż żadna z postaci nie jest dokładnym portretem. Napięcie emocjonalne i niepokój o los dziecka wyrażają się we wszystkich bohaterach obrazu i można je odczytać w ich oczach.

Na styku dwóch okresów – „niebieskiego i różowego” – „Dziewczyna na balu” Pabla Picassa.

Dziewczyna na piłce

„Rodzina komików” należy do tzw. różowego okresu twórczości Picassa, który zastąpił smutny „niebieski okres”. Artystę zainteresowały obrazy ze świata teatru i cyrku, w jego palecie pojawiły się odcienie różowo-złote, czerwonawe i różowo-szare, a bohaterami obrazów byli wędrowni artyści - klauni, tancerze, żonglerzy i akrobaci z Cyrku Medrano , gdzie malarz często odwiedzał i malował swoich przyjaciół .

Autor umieścił postacie komików w opuszczonym, pozbawionym roślinności krajobrazie na tle błękitnego nieba pokrytego chmurami. Po lewej stronie - podobny do samego Picassa Arlekin, trzymający dziewczynę za rękę, obok nich dyrektor trupy - grubas ubrany w czerwone rajstopy i czapkę błazna, po prawej stronie dwóch młodych akrobatów. Całą kompozycję równoważy samotna postać siedzącej dziewczyny na pierwszym planie. Bohaterowie są statyczni, nie ma między nimi wewnętrznej intymności. I chociaż są razem, każdego z nich skuwa chłód wewnętrznej samotności. Cyrkowcy zamarli, jakby czekali na jakiś rozkaz lub rozkaz, aby ruszyć dalej. Większość dzieł Picassa z „okresu róż” przepojona jest duchem tragicznej samotności i nędzy.

„Rodzina komediantów” należy do tzw. różowego okresu twórczości Picassa, który zastąpił smutny „niebieski okres”. Artystę zainteresowały obrazy ze świata teatru i cyrku, w jego palecie pojawiły się odcienie różowo-złote, czerwonawe i różowo-szare, a bohaterami obrazów byli wędrowni artyści - klauni, tancerze, żonglerzy i akrobaci z Cyrku Medrano , gdzie malarz często odwiedzał i malował swoich przyjaciół . Autor umieścił postacie komików w opuszczonym, pozbawionym roślinności krajobrazie na tle błękitnego nieba pokrytego chmurami. Po lewej stronie Arlekin przypominający samego Picassa, trzymający za rękę dziewczynę, obok nich dyrektor trupy - gruby mężczyzna ubrany w czerwone rajstopy i czapkę błazna, po prawej stronie dwóch młodych akrobatów . Całą kompozycję równoważy samotna postać siedzącej dziewczyny na pierwszym planie. Bohaterowie są statyczni, nie ma między nimi wewnętrznej intymności. I chociaż są razem, każdego z nich skuwa chłód wewnętrznej samotności. Cyrkowcy zamarli, jakby czekali na jakiś rozkaz lub rozkaz, aby ruszyć dalej.

Okres róży Pabla Picassa

Za prace” okres róż„Cyrk Medrano, położony u podnóża wzgórza Montmartre, zapewnił mnóstwo materiału. Wyjazd do Hiszpanii w 1906 roku dał nowy impuls do poszukiwań artysty i zakończył „różowy okres”.

Akrobaci (matka i syn)

Chłopiec prowadzący konia

Akrobata i młody Arlekin

Rodzina akrobatów

Większość dzieł Picassa z „okresu róż” przepojona jest duchem tragicznej samotności i nędzy.

Od 1904 roku Picasso osiadł na Montmartrze, gdzie pracował nad obrazem „Rodzina akrobaty z małpą”. W 1907 roku poznał artystę Georgesa Braque’a. Wkrótce wspólnie odeszli od naturalizmu, wymyślając nową formę malarstwa – kubizm. Jego płótna wypełniają kanciaste bryły, figury geometryczne, fragmenty martwych natur i twarzy, w których trudno dostrzec coś ludzkiego.

W 1904 roku Picasso osiadł w Paryżu, gdzie znalazł schronienie w słynnym schronisku dla biednych artystów na Montmartre, Bateau Lavoir: rozpoczął się tak zwany „Okres Róż”, w którym smutek i bieda „Okresu Niebieskiego” zostały zastąpione obrazami z tętniącego życiem świata teatru i cyrku. Artysta preferował odcienie różowo-złote i różowo-szare, a bohaterami byli głównie podróżujący performerzy – klauni, tancerze i akrobaci; obrazy tego okresu przepojone są duchem tragicznej samotności pokrzywdzonych, romantycznego życia podróżujących komików („Rodzina akrobaty z małpą”, 1905).

Rodzina Akrobatów

Picasso stał się twórcą kubizmu, przedstawiając osobę jako serię połączonych płaszczyzn. Osiągnięto w ten sposób, jak powiedzieli, brzydkie podobieństwo. I to podziwiałem. Mówił, że przedstawia świat nie takim, jakim go widzi, ale takim, jakim go sobie wyobraża.

Autoportret Picassa

Picasso o 15

Autoportret – Pablo Picasso. 35 lat.

Pablo Picasso (1881-1973) malował sporo obrazów własnych i, co ciekawe, w różnych stylach artystycznych. Prezentowany autoportret powstał w tzw. okresie afrykańskim. Do tego czasu styl twórczy mistrza uległ znaczącym zmianom, stając się dość nieoczekiwany i innowacyjny jak na swoje czasy. W 1905 roku pod wpływem malarstwa Cezanne'a dążył do nadania formom większej prostoty, materialnej wagi i znaczenia. Tendencje te nasiliły się podczas podróży latem 1906 roku do Andory, gdzie Picasso po raz pierwszy zwrócił się w stronę prymitywizmu, zmysłowego i formalnego. Do 1907 roku powstały już najbardziej znane i nowatorskie dzieła tego okresu twórczości - „Akt” i „Les Demoiselles d'Avignon” (oba znajdują się obecnie w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku). Obraz, który stworzył malarz, jest bardzo nietypowy. Bezlitośnie zamieniał kształty swojej twarzy w geometryczne bloki, celowo wyolbrzymiając i szorstkując swój wygląd. Pracując twardą linią, Picasso pozbawia obraz światłocienia, a chwytliwe i abstrakcyjne ciemnoczerwone tło podkreśla płaskość i wyrazistość autoportretu. Z obrazu patrzy smutny, poważny i niespokojnie spięty mężczyzna, wydaje się, że jakiś ukryty ból zamienia jego twarz w maskę, za którą stara się ukryć swoją głęboko wrażliwą duszę. „Kto jest smutny, jest szczery” – wierzył artysta.

Pablo Picasso to wspaniały malarz, który namalował wiele obrazów. Najlepsze płótna artysta stworzył po 70. roku życia. Malował sporo obrazów i co najciekawsze, większość z nich utrzymana była w różnych stylach rysunkowych. W okresie afrykańskim Picasso przedstawił autoportret powstały 30 czerwca 1972 roku i tym dziełem sztuki uzupełnia cykl autoportretów. Osobliwością rysunku jest to, że został wykonany kolorowymi ołówkami. Wszystkie portrety artysty miały głęboki sens, tak jak ten, który powstał 9 miesięcy przed śmiercią. Wszystkie wiązały się z wydarzeniami z życia twórcy i odzwierciedlały jego stan, nastrój, myśli itp. Pablo uczynił ze swojej twarzy „laboratorium” formalnych eksperymentów. To dzieło Picassa nosi tytuł „Oblicze śmierci”. Przecież autor stworzył bardzo nietypowy obraz, nad którym pracował przez 3 miesiące. Artysta bez litości zamienił swoją twarz w ciężkie geometryczne bloki, co znacznie krępuje wygląd twórcy.

28 listopada 2012

Rodzina komików

1905; 212x229cm
Galeria Narodowa w Waszyngtonie

Okres „niebieski” zastępuje „różowy”: ten okres twórczy zrodził się z barwnego paryskiego życia, gdyż w 1904 roku artysta osiadł na stałe w stolicy Francji.

Nastrój obrazów staje się bardziej liryczny, a kolorystyka staje się delikatna i przejrzysta: Picasso jest zakochany. Jego pierwsza muza, Fernanda Olivier, była zapaloną miłośniczką cyrku, a artysta, jak sam przyznaje, „nie zauważył, jak stał się bywalcem cyrku Medrano u podnóża Montmartre” i przestrzeni swoich obrazów „ było pełne arlekinów, orlików, akrobatów i innych komików”.

Odchodząc od pesymistycznego „niebieskiego” okresu, artysta wybiera jasne odcienie różu, szarości i ochry, które nadają obrazom artystki pewną poetycką melancholię. W tych filmach nie znajdziemy żadnych błyszczących świecidełek, krzykliwych kostiumów, żadnych zapierających dech w piersiach akrobacji. Picasso nie reprezentuje splendoru areny, ale kulisy cyrku – ze zmęczonymi twarzami, zrelaksowanymi pozami i wieczną troską o swój chleb powszedni.

Komicy przygotowują się do wyjazdu: być może są zmęczeni koczowniczym życiem, ale wyraz zagłady na twarzy Arlekina mówi nam, że artyści nie mają innego sposobu na utrzymanie się, jak włóczenie się po miastach i wsiach oraz zabawianie tłumów widzów kwadraty...

Dziewczyna na piłce

1905; 147x95cm
Muzeum nazwane na cześć Puszkin, Moskwa

Na obrazie z moskiewskiego muzeum widza uderza kontrast pomiędzy siedzącym kolosem, ubranym w różowe i niebieskie rajstopy, a kruchą dziewczyną balansującą na piłce. Apollinaire napisał o niej: „Kiedy wspięła się na piłkę, jej wątłe ciałko zagrało piękną melodię, obok której nikt nie mógł pozostać obojętny”.

Według wielu badaczy artysta często utożsamiał się z Arlekinem. Francuski krytyk sztuki Pierre Dax w eseju „Picasso Stwórca” (1987) zauważył: „W każdym obrazie Picassa, na którym pojawia się wizerunek Arlekina, mamy do czynienia bezpośrednio z samym autorem, z jego myślami i uczuciami, z jego stanowiskiem ideologicznym . W Rodzinie komediantów szeroka przestrzeń, w którą zagląda Harlequin-Picasso, jest nieskończoną przestrzenią czystego malarstwa. Malarstwo, które jest bardzo bliskie poezji…”

Trudno nie zgodzić się z badaczem, choć jak na poetę, niech czytelnik wybaczy mimowolną grę słów, Picasso jest zbyt prozaiczny. „Uważam, że poszukiwania w malarstwie nie mają absolutnie żadnego sensu” – pisał. – Ich wynik jest ważny. Niestety same dobre intencje nie wystarczą, aby dzieło odniosło komercyjny sukces.”

Uwaga techniczna

Błękitne refleksy na twarzach dwójki bohaterów „Rodziny komediantów” pojawiają się jako echo nieba nad głowami postaci. Niebieskawy kolor gleby prześwituje spod ciepłej masy farby, zmieniając się w niebieskie cienie.

Tytuł, angielski: Rodzina Saltimbanques.
oryginalne imię: La famille de saltimbanques.
Rok zakończenia: 1905.
Wymiary: 212,8 × 229,6 cm.
Technika: olej na płótnie.
Lokalizacja: Waszyngton, Narodowa Galeria Sztuki

W 1904 roku Picasso przeprowadził się do Paryża i znalazł schronienie w słynnym hostelu Bateau Lavoir na Montmartre – dziwnym, zniszczonym budynku, który przypomina pływające pralnie na brzegach Sekwany. Paryscy przyjaciele wprowadzają go do literackich klubów Paryża, wprowadzają w artystyczne życie artystów i poetów Montmartre z jego romantycznym twórczym romansem i atmosferą życiowego nieładu. Częstymi gośćmi Picassa byli Max Jacob, Andre Salmon, Guillaume Apollinaire, Alfred Jarry, Charles Vildrac, Georges Duhamel. Jego życiową partnerką w tamtych latach była Fernanda Olivier. Szczęśliwy, stosunkowo szczęśliwy - okres „różowy” daje poczucie łatwego oddechu po dusznej izolacji okresu „niebieskiego”. W postaciach na obrazach Picassa znika sztywność, przestrzeń się rozszerza, tony stają się bardziej przejrzyste i zwiewne, bezruch zostaje zastąpiony ruchem. Francuskie pochodzenie łagodzi hiszpańską surowość.

Artysta swoją pasję do cyrku zawdzięcza przede wszystkim przyjaciołom Salmonowi i Apollinaire’owi. Podobnie jak poprzednio, Picasso czerpie swoje obrazy z otaczającej rzeczywistości - tym razem źródłem jego inspiracji jest Cyrk Medrano. Okres „różowy”, czyli „cyrkowy” zaczyna nabierać rozpędu, smutek i ubóstwo okresu „niebieskiego” ustępują obrazom z bardziej tętniącego życiem świata teatru i cyrku, gdyż Barcelona nie dostarcza już artystycznych impulsów i tematu przewodniego „dno” życia zostało wyczerpane. Artysta preferował bardziej radosną stylizację w tonacji różowo-złotej i różowo-szarej, a bohaterami jego prac są wędrowni performerzy – klauni, tancerze, błazny, sportowcy i akrobaci. Ich zręczność i zamiłowanie do sztuki iluzji zachwyciły Picassa, ich hipnotyczne życie poruszyło artystę, który sam szukał nowych horyzontów w swojej twórczości. Wędrująca grupa aktorów była szczególnym mikrokosmosem wolnych ludzi, w którym istnieją szczere przywiązania, w którym nie ma miejsca na egoizm i oszustwo. Osoby te odsłoniły przed artystą nowe aspekty ludzkiego społeczeństwa swoją samotnością, dyskryminacją, a jednocześnie łagodnością i empatią. To nie przypadek, że Picasso swoich bohaterów czyni z komediantów: samo życie jest dla niego jak teatr, pełne ducha przemian, ciągłych przejść od powagi do humoru i od wzlotów do niskich (ten temat metamorfoz życia stanie się później wiodącym jeden w twórczości artysty). Picassa pociągały osoby ze środowiska cyrkowego, z których wielu było jednocześnie jego hiszpańskimi rodakami. Podziwiali ich zwinność i sztukę iluzji, ich życie poruszyło artystę. Zaprzyjaźnił się z artystami, wszedł do ich namiotów i zanurzył się w tym cudownym świecie, z dala od codziennej bieganiny. Tutaj zajmowali się jedynie sztuką, tutaj panowała całkowita wolność od okowów nieruchomości, luksusu i innych atrybutów osiadłego życia. Arlekin, komiczna postać w kolorowym, obcisłym trykocie wykonanym z regularnych rombów i trójkątów, stał się osobistym symbolem Picassa. Jest jeszcze inny motyw, który przewija się przez wczesne lata twórczości i wyraża wiarę w dobroć relacji międzyludzkich – w okresie „różowym” staje się on dominujący – jest to temat przyjaźni między dwoma istotami, gdzie silny wspiera i chroni drugą osobę. słaby, bezbronny. Na próżno jednak szukać cyrku, cyrkowego spektaklu na płótnach – Picassa interesuje sam aktor, twórcza, twórcza osobowość. Artyści cyrkowi pokazywani są poza boiskiem, okazjonalnie na próbach, częściej w życiu codziennym, w rodzinie, gdzie dzielą się sukcesami i goryczą porażek. Ćwiczą i po prostu żyją, jakby odgrywali na oczach widza sceny z życia. Zawsze ubrani są w kostiumy swoich bohaterów – jest to dla nich znak odmienności od ogólnej masy. Sam artysta włączył się w ten świat. Jego bohaterowie należą dziś do świata sztuki, wolnego plemienia wędrownych komików, połączonych więzami duchowego braterstwa. Picasso malował życie artystów cyrkowych w bladoróżowym świetle, nie ma w nim zakulisowych intryg, zazdrości i zazdrości. Ich obrazy ucieleśniają czułość macierzyństwa, wdzięk młodości czy mądrość starości, ale jednocześnie wydają się bardziej wieloznaczne i poetycko nieuchwytne w porównaniu z poprzednim „niebieskim” okresem. Picasso dotkliwie, a nawet boleśnie odczuwał sprzeczności życia. Rozumiał, jak kruchy i iluzoryczny był stworzony przez niego świat komików, zagubiony w ogromnym, niespokojnym, zakurzonym świecie. Niepokój artysty odbija się na zawoalowanym smutku i ostrożności na twarzach jego bohaterów, odsłaniając nastrój niepewności i niespokojnego oczekiwania.

Jednym z głównych dzieł okresu „różowego” jest obraz „Rodzina komediantów” z 1905 roku, symbolizujący przejście Picassa z jednej fazy twórczości do drugiej. Znaczne rozmiary płótna świadczą o znacznych inwestycjach artysty, co wyjaśnia, dlaczego wielokrotnie wykorzystywał on materiał. Picasso zmieniał go 4 razy – dodał postacie, urozmaicił kompozycję, dodając pewne dodatki, m.in. ramiona kobiety i jej kapelusz, kolor dziecięcych baletnic, które jako upiorne kontury pojawiły się dopiero w końcowej fazie pracy. Picasso zwykle datował swoje dzieła, ale rzadko je nadawał. „Rodzina komików” początkowo była bezimienna, dopiero potem nadano nazwę w oparciu o treść. W tej pracy Picasso zebrał liczne studia swoich przyjaciół z cyrku i zgrupował ich wszystkich pod błękitnym niebem, wykorzystując jako tło opuszczony, niekończący się krajobraz. Sześć postaci, które na pierwszy rzut oka wyglądają na zdystansowane i trzymają się z daleka, tak naprawdę łączy jedność celu. Artysta przedstawił nie tylko styl życia prawdziwych komików, ale także oczywisty smutny nastrój bohaterów, zbiorową izolację. Obraz nie odzwierciedla pesymizmu społecznego, dominująca w nim barwa wskazuje na liryczny, osobisty smutek, a nie pesymistyczną rozpacz. Bohaterowie przedstawiają wspólne życie, chociaż związek psychologiczny nie jest do końca jasny. Efekty kolorystyczne zredukowane są do powściągliwej, dyskretnej harmonii, a prace pędzla i kolorystyka nadają temu obrazowi spokojny, melancholijny urok. Kolorystyka obrazu utrzymana jest w stylistyce zimnej, zacierają ją jedynie niewyraźne nuty ciepłej palety. Rodzina komediantów przedstawia pozbawionych praw wyborczych, oderwanych ludzi, którzy żyją w centrum społeczeństwa. Artysta ukazuje grupę performerów jako wędrowców z prostymi rekwizytami w pustym, pustynnym, upiornym krajobrazie. Praca stanowi pomost pomiędzy melancholią okresu „niebieskiego” i „różowego”. Podobno Rodzina komików to autobiograficzne dzieło Picassa, przedstawiające jego krąg przyjaciół. Analizując obraz, na pierwszym planie widać siedzącą bladą młodą kobietę, oddaloną od reszty grupy, jej wzrok skierowany jest w prawo, w dal i wydaje się, że poszukuje samotności i wycofania. Można przypuszczać, że nie pasuje trochę do ogólnej kolorystyki obrazu, być może nie należy do grupy cyrkowej. W tle stoi pięć osób, nie odwracają od siebie wzroku, ich oczy są w cieniu. Ci, którzy powinni być szczęśliwie żyjącą trupą, wyglądają na zagubionych i smutnych. Komicy wyjeżdżają, by zniknąć za grzbietem piaszczystych wzgórz, zagubić się we wszechświecie. Artyści bez widzów: Picasso wypełnił większość płótna smutnymi komediantami, a pusta przestrzeń wokół nich sprawia wrażenie, jakby znajdowali się na bezkresnej przestrzeni pustyni. Tu i ówdzie artysta mieszał kolor nieba z ziemią. Chmury są wykonane w ten sam sposób, w przeciwieństwie do szczegółowego rysunku postaci. W rezultacie niebo i ziemia kontrastują z postaciami, a komicy w ogóle nie wpisują się w krajobraz, zdając się odpływać, gdyby nie cienie przytrzymujące ich przy ziemi. Otaczająca pustka oddaje nastrój bohaterów.

We wczesnej wersji Rodziny komika tłem była scena rozgrywająca się na torze wyścigowym, w której jeden z jeźdźców spada z konia. W ostatecznej wersji wszystko to zostało wyeliminowane, w wyniku czego powstało wrażenie rozproszonych postaci stojących w oderwanych pozach, wyraźnie czekających na jakiś rozkaz. Niestabilna równowaga kompozycji z pięcioma postaciami zgrupowanymi w lewej połowie płótna i samotną postacią dziewczyny siedzącej w prawym rogu tworzy dodatkowy nastrój i oczekiwanie na jakieś nieprzewidziane wydarzenie. Proces rozwoju i kształtowania się każdej z postaci można prześledzić poprzez szkice. Siedząca kobieta pojawiła się już wcześniej jako główny bohater jednego z obrazów Picassa, na którym ma na sobie spiczasty kapelusz, owinięta welonem. Na pierwszym szkicu dziewczynka pojawiła się bez kosza kwiatów, zamiast tego głaskała psa. Starzejący się bufon z sporym brzuchem rozciągający czerwone rajstopy, najwyraźniej ojciec założyciel zespołu lub jego „gwiazda” – ma obszerną historię, ucieleśnioną przez wielu jego poprzedników. Jednak najbardziej rozpoznawalną postacią jest tutaj wysoka postać Arlekina - na zdjęciu znajduje się po lewej stronie. Ta znajoma postać stoi, trzymając za rękę małą dziewczynkę i patrzy w twarz starego błazna. W ostatniej chwili Picasso nadał mu swój własny profil, jeszcze bardziej utożsamiając się ze swoimi towarzyszami wędrówki.

Istnieją sugestie, że obraz powstał w wyniku pewnych wydarzeń, które miały miejsce między Picassem i Fernandem Olivierem. Nie ma całkowitej pewności, że kolejny odcinek miał miejsce w tych latach, ale jednak. W 1904 roku Picasso poznał modelkę Fernande Oliviera, która zainspirowała go do stworzenia wielu znaczących dzieł tego okresu. Te kilka lat było szczęśliwe w ich związku. Fernanda Olivier, która sama nie mogła urodzić dziecka, trafiła do sierocińca przy ulicy Caulaincourt. Tam adoptowała dziewczynkę w wieku ośmiu lub dziesięciu lat i przywiozła ją do Bateau-Lavoir. Przez jakiś czas karmili dziewczynkę słodyczami, kupowali jej lalki i zabawki. Picasso i wszyscy w Bateau-Lavoir byli dla niej mili, zwłaszcza przyjaciel artysty Max Jacob. Nagle Fernandzie znudziło się to wszystko i stwierdziła, że ​​nie nadaje się do macierzyństwa. Zdecydowano o zwróceniu dziecka i los padł na Maxa Jacoba. Kiedy przywiózł ją do sierocińca, okazało się, że w obecnej sytuacji dziecka zabranego z sierocińca nie można już zwrócić. Dziewczyna rozpłakała się i zaczęła błagać, żeby jej nie zostawiać. W końcu załatwił dziecku zamieszkanie z konsjerżem. Być może ta historia jest ukrytą fabułą filmu. Studium kontekstu pokazuje, że dzieło przedstawia Picassa, jego przyjaciół, Fernandę i dziecko: Picassa jako arlekina, czerwonego klauna – Guillaume Apollinaire, wysokiego akrobatę – Andre Salmona, młodego chłopca – Maxa Jacoba, samą Fernandę i ta dziewczyna stojąca tyłem do widza. Chociaż żadna z postaci nie jest dokładnym portretem. Napięcie emocjonalne i niepokój o los dziecka wyrażają się we wszystkich bohaterach obrazu i można je odczytać w ich oczach.

Obraz znajduje się obecnie w National Gallery of Art w Waszyngtonie.