Kobieta z kotem. 1875

Francuski malarz, grafik i rzeźbiarz, jeden z głównych przedstawicieli impresjonizmu. Renoir dał się poznać przede wszystkim jako mistrz portretu świeckiego, niepozbawionego sentymentalizmu; był pierwszym z impresjonistów, któremu udało się pozyskać bogatych paryżan. W połowie lat 80. XIX w. właściwie zerwał z impresjonizmem, powracając do linearności klasycyzmu, do engrizmu.

Autoportret. 1876

Auguste Renoir urodził się 25 lutego 1841 roku w Limoges, mieście położonym na południu środkowej Francji. Renoir był szóstym dzieckiem biednego krawca imieniem Léonard i jego żony Marguerite.

Portret matki Renoira. 1860

W 1844 roku Renoirowie przenieśli się do Paryża i tutaj Auguste wstąpił do chóru kościelnego przy wielkiej katedrze Saint-Eustache. Miał taki głos, że dyrektor chóru Charles Gounod próbował przekonać rodziców chłopca, aby posłali go na studia muzyczne. Jednak oprócz tego Auguste wykazał się talentem artystycznym i już w wieku 13 lat zaczął pomagać rodzinie, podejmując pracę u mistrza, od którego nauczył się malować porcelanowe talerze i inne naczynia. Wieczorami Auguste uczęszczał do szkoły malarskiej.

Taniec w Bougival. 1883

W 1865 roku w domu swojego przyjaciela, artysty Julesa Le Coeura, poznał 16-letnią dziewczynę Lisę Treo, która wkrótce stała się kochanką Renoira i jego ulubioną modelką. W 1870 roku urodziła się ich córka Jeanne Marguerite, choć Renoir odmówił oficjalnego uznania swojego ojcostwa. Ich związek trwał do 1872 roku, kiedy Lisa opuściła Renoira i poślubiła innego.

Autoportret. 1875

Kariera twórcza Renoira została przerwana w latach 1870–1871, kiedy został powołany do wojska podczas wojny francusko-pruskiej, która zakończyła się miażdżącą porażką Francji.

Taniec na wsi. 1883

Portret Aline Charigot, żony Renoira, powstał prawdopodobnie podczas pobytu rodziny na wsi we wschodniej Francji. 1885

W 1890 roku Renoir poślubił Alinę Charigot, którą poznał dziesięć lat wcześniej, gdy miała 21 lat jako krawcowa.

Macierzyństwo. 1886

Mieli już syna Pierre'a, urodzonego w 1885 r., a po ślubie mieli jeszcze dwóch synów - Jeana, urodzonego w 1894 r. i Claude'a (znanego jako „Coco”), urodzonego w 1901 r. i stał się jednym z najbardziej ukochanych modeli ojca .

Malarstwo Jeana Renoira. 1901

Zanim w końcu powstała jego rodzina, Renoir osiągnął sukces i sławę, został uznany za jednego z czołowych artystów Francji i udało mu się otrzymać od państwa tytuł Kawalera Legii Honorowej.

Rodzina artysty. 1896

Osobiste szczęście i sukcesy zawodowe Renoira zostały przyćmione przez chorobę. W 1897 roku Renoir złamał prawą rękę po upadku z roweru. W efekcie nabawił się reumatyzmu, na który cierpiał do końca życia. Reumatyzm utrudniał Renoirowi zamieszkanie w Paryżu, dlatego w 1903 roku rodzina Renoirów przeprowadziła się do posiadłości zwanej „Colette” w małym miasteczku Cagnes-sur-Mer.

Autoportret. 1899

Po ataku paraliżu, który nastąpił w 1912 roku, pomimo dwóch operacji chirurgicznych, Renoir został przykuty do wózka inwalidzkiego, ale nadal malował pędzlem, który pielęgniarka włożyła mu między palce.

Augusta Renoira. Autoportret 1910

W ostatnich latach życia Renoir zyskał sławę i powszechne uznanie. W 1917 roku, kiedy jego „Parasolki” były wystawiane w London National Gallery, setki brytyjskich artystów i zwykłych miłośników sztuki przesłały mu gratulacje, w których napisano: „Od chwili, gdy Twój obraz wisiał w tym samym rzędzie z dziełami dawnych mistrzów , przeżyliśmy radość, że nasz współczesny zajął należne mu miejsce w malarstwie europejskim.

Parasole. 1883

Obraz Renoira był także wystawiany w Luwrze, a w sierpniu 1919 roku artysta po raz ostatni odwiedził Paryż, aby mu się przyjrzeć.

Autoportret. 1910

3 grudnia 1919 roku w wieku 78 lat w Cagnes-sur-Mer zmarł Pierre-Auguste Renoir na zapalenie płuc. Pochowany w Essui.

Wiosenny bukiet. 1866

kreacja

Wybór gatunków 1862-1873

Na początku 1862 roku Renoir zdał egzaminy w Szkole Sztuk Pięknych Akademii Sztuk Pięknych i zapisał się do pracowni Gleyre'a. Tam poznał Fantina-Latoura, Sisleya, Basila i Claude’a Monetów. Wkrótce zaprzyjaźnili się z Cezanne’em i Pizarro, tak że powstał kręgosłup przyszłej grupy impresjonistów.

Kamila Moneta. 1873

We wczesnych latach Renoir pozostawał pod wpływem twórczości Barbizonów, Corota, Prudhona, Delacroix i Courbeta.

Latem 1868 r

W 1864 r. Gleyre zamknął warsztat, zakończyło się szkolenie. Renoir zaczął malować swoje pierwsze płótna, a następnie po raz pierwszy zaprezentował Salonowi obraz „Esmeralda tańcząca wśród włóczęgów”. Została przyjęta, ale kiedy płótno wróciło do niego, autor je zniszczył.

Portret Sisleyów. 1868

Brodzik dla dzieci. 1869

Wybierając w tamtych latach gatunki dla swojej twórczości, nie zmieniał ich aż do końca życia. To pejzaż – „Jules le Coeur w lesie Fontainebleau” (1866), sceny codzienne – „Żaba” (1869), „Pont Neuf” (1872), martwa natura – „Wiosenny bukiet” (1866), „ Martwa natura z bukietem i wachlarzem” (1871), portret – „Lisa z parasolką” (1867), „Odaliska” (1870), akt – „Łowczyni Diana” (1867).

Odaliska. 1870

Martwa natura z bukietem i wachlarzem. 1871

W 1872 roku Renoir i jego przyjaciele utworzyli Anonimowe Partnerstwo Spółdzielcze.

Mademoiselle Sicot. 1865

Madame Clementine Valensi Stora. 1870

Kamila Moneta. 1872

Pani Edouard Bernier. 1871

Kobieta z papugą. 1871

Rafa Mater.1871

Niepotrzebny parasol. 1872

Przejazd do Lasku Bulońskiego. 1873

Walka o uznanie 1874-1882

Pierwsza wystawa partnerstwa została otwarta 15 kwietnia 1874 roku. Renoir zaprezentował pastele i sześć obrazów, wśród których były „Tancerz” i „Loża” (oba - 1874). Wystawa zakończyła się niepowodzeniem, a członkowie spółki otrzymali obraźliwy przydomek – „Impresjoniści”.

Wigwam. 1874

Obraz przedstawia kobietę (na pierwszym planie) i mężczyznę (w tle) siedzących w loży operowej. Do tego zdjęcia pozowali brat Renoira, dziennikarz Edmond Renoir i modelka z Montmartre Nini Lopez.

Uśmiechnięta kobieta. Portret Madame Pechi. 1875

Handlarka ryb. 1875

Pani Wiktor Choquet. 1875

Mimo biedy to właśnie w tych latach artysta stworzył swoje główne arcydzieła: Grands Boulevards (1875), Spacer (1875), Bal w Moulin de la Galette (1876), Akt (1876), Akt w świetle słońca” (1876). ), „Huśtawka” (1876), „Pierwszy wyjazd” (1876/1877), „Ścieżka w wysokiej trawie” (1877).

Bal w Moulin de la Galette. 1876

Huśtać się. 1876

Portret Madame Alphonse Daudet. 1876

Nagi. 1876

Młoda kobieta splatająca włosy. 1876

Renoir stopniowo przestał uczestniczyć w wystawach impresjonistów. W 1879 r. przedstawił na Salonie w 1879 r. pełnopostaciowy Portret aktorki Joanny Samary (1878) i Portret Madame Charpentier z dziećmi (1878), uzyskując powszechne uznanie, a następnie niezależność finansową. Kontynuował pisanie nowych płócien - w szczególności słynnego „Bulwaru Clichy” (1880), „Śniadania wioślarzy” (1881), „Na tarasie” (1881), który stał się sławny.

Młoda dziewczyna czyta książkę. 1876

Portret Madame Charpentier. 1877

Portret aktorki Jeanne Samary. 1877

Portret aktorki Jeanne Samary. 1878

Filiżanka czekolady. 1878

W tajemnicy 1878

Portret Alfonsine’a Pechi. 1879

Kolacja wioślarzy nad brzegiem rzeki. 1879

Młoda kobieta szyje. 1879

Portret Teresy Berard. 1879

Blisko jeziora. 1880

Śniadanie wioślarzy. 1881

Obraz został namalowany w restauracji Fournaise, położonej na wyspie na Sekwanie, położonej w Chatou, nieco na zachód od Paryża. Renoir pokochał to miejsce – powstało tu nie tylko „Śniadanie wioślarzy”, ale także inne obrazy. Tak naprawdę zdjęcie jest portretem grupowym ze spotkania przyjaciół. Panuje radosna, luźna atmosfera, nie ma przepychu, wszyscy są w naturalnych, przypadkowych pozach. Za balustradą widać gęstą zieleń, za którą wychyla się Sekwana.Na obrazie Renoir przedstawił wielu swoich przyjaciół i znajomych.

Dwie siostry (Na tarasie). 1881

Albert Caen, francuski kompozytor operowy, 1881

Dziewczyna z fanem. 1881

Dziewczyny w czerni. 1881

Portret Alfreda Berarda z psem. 1881

Szycie Marie-Thérèse Durand-Ruel. 1882

„Okres Engrova” 1883-1890

Renoir udał się do Algierii, następnie do Włoch, gdzie z bliska zapoznał się z dziełami klasyków renesansu, po czym zmienił się jego gust artystyczny. Renoir namalował cykle obrazów „Taniec na wsi” (1882/1883), „Taniec w mieście” (1883), „Taniec w Bougival” (1883), a także takie płótna jak „W ogrodzie” (1885 ) i „Parasole” (1881/1886), w których wciąż widoczna jest impresjonistyczna przeszłość, ale pojawia się nowe podejście Renoira do malarstwa.

Dziewczyna w słomkowym kapeluszu. 1884

Rozpoczyna się tak zwany „okres Ingres”. Najbardziej znanym dziełem tego okresu są Wielcy kąpiący się (1884/1887). Do konstrukcji kompozycji autor najpierw użył szkiców i szkiców. Linie rysunku stały się jasne i zdefiniowane. Kolory straciły dawną jasność i nasycenie, obraz jako całość zaczął wyglądać bardziej powściągliwie i zimniej.

Wielcy kąpiący się. 1884-1887.

Na pierwszym planie ukazane są trzy nagie kobiety – dwie stoją na brzegu, trzecia stoi w wodzie i najwyraźniej zamierza je spryskać. Postacie kobiet są zapisane bardzo wyraźnie i realistycznie, co było charakterystycznym stylem dla tego okresu twórczości Renoira, zwanego okresem „suchym” lub „Ingres” (od nazwiska artysty Dominique Ingres).

Do obrazu Renoir pozował (od lewej do prawej) Aliny Sharigot, przyszłej żony Renoira (w 1885 r. urodził się ich pierwszy syn, Pierre, a małżeństwo zostało oficjalnie zawarte w 1890 r.) i Suzanne Valadon (prawdziwe nazwisko Marie-Clementine Valadon ), który później stał się sławnym artystą.

Renoir pracował nad tym obrazem przez około trzy lata, w trakcie których narysował dużą liczbę szkiców i szkiców, w tym co najmniej dwie pełnowymiarowe wersje wielofigurowe. Po Wielkich kąpiących się nie było ani jednego obrazu, któremu poświęciłby tyle czasu i wysiłku.

Na samym brzegu morza. 1883

Taniec w mieście. 1883

Młode panie grające w badmintona. 1885

Portret Suzanne Valadon. 1885

Młoda dziewczyna czyta. 1886

Fryzura. 1888

Młoda dziewczyna ze stokrotkami. 1889

Pani de Vernon. 1889

Dziewczyna w różowo-czarnym kapeluszu. 1890

„Okres perłowy” 1891-1902

W 1892 roku Durand-Ruel otworzył dużą wystawę obrazów Renoira, co okazało się wielkim sukcesem. Uznanie spotkało się także ze strony urzędników państwowych – obraz „Dziewczyny przy fortepianie” (1892) został zakupiony dla Muzeum Luksemburskiego.

Dziewczyny przy pianinie. 1892
Obraz przedstawia dwie młode dziewczyny: jedna siedzi przy fortepianie, a druga stoi obok niej. Obie dziewczyny z uwagą i entuzjazmem przyglądają się nutom, najwyraźniej wybierając jakąś melodię. Taki spokojny, idylliczny obraz był symbolem ówczesnej francuskiej kultury burżuazyjnej.

Kobieta w kapeluszu. 1891

Dziewczyny czytają. 1891

Christina Lerolle haftuje. 1895

Grać na gitarze. 1897

Renoir udał się do Hiszpanii, gdzie zapoznał się z twórczością Velasqueza i Goi.
Na początku lat 90. w sztuce Renoira nastąpiły nowe zmiany. W malowniczy sposób pojawiła się opalizująca barwa, dlatego okres ten nazywany jest czasami „masą perłową”.
W tym czasie Renoir namalował takie obrazy jak „Jabłka i kwiaty” (1895/1896), „Wiosna” (1897), „Syn Jean” (1900), „Portret pani Gaston Bernheim” (1901). Wyjechał do Holandii, gdzie zainteresował się malarstwem Vermeera i Rembrandta.

Madame Paul Gallimard, z domu Lucie Duce. 1892

Dziewczyny oglądające album. 1892

Dziewczyna szczotkuje włosy. 1894

Kobieta z czerwonym rumieńcem. 1896

Trzej kąpiący się z krabem. 1897

Portret Christiny Lerolle.1897

Młoda Hiszpanka gra na gitarze. 1898

Yvonne i Christine przy fortepianie. 1898

„Okres czerwony” 1903-1919

Okres „perłowy” ustąpił miejsca „czerwonemu”, nazwanemu tak ze względu na upodobanie do odcieni czerwonawych i różowych kwiatów.
Renoir nadal malował słoneczne pejzaże, martwe natury w jasnych kolorach, portrety swoich dzieci, nagie kobiety, stworzył Spacer (1906), Portret Ambroise Vollarda (1908), Gabriel w czerwonej bluzce (1910), Bukiet róż ”( 1909/1913), „Kobieta z mandoliną” (1919).

Portret Marty Denis. 1904

zamyślenie. 1906

Portret Ambroise’a Vollarda. 1908

Ambroise Vollard – jeden z najważniejszych handlarzy dziełami sztuki (marchantów) w Paryżu XIX – początku. XX wieki Wspierał finansowo i moralnie dużą liczbę znanych i nieznanych artystów, w tym Cezanne'a, Maillola, Picassa, Rouaulta, Gauguina i van Gogha. Dał się poznać także jako kolekcjoner i wydawca.

Gabriel, do cholery. 1908

Pani z wentylatorem. 1908

Państwo Bernheim de Villers. 1910

Myć się. 1912

Kobieta przy piecu. 1912

Interesujące fakty

Bliskim przyjacielem Auguste'a Renoira był Henri Matisse, który był od niego prawie 28 lat młodszy. Kiedy O. Renoir był w zasadzie przykuty do łóżka z powodu choroby, codziennie odwiedzał go A. Matisse. Renoir, prawie sparaliżowany przez artretyzm, przezwyciężając ból, nadal malował w swojej pracowni. Pewnego razu Matisse, obserwując ból, z jakim zadaje mu się każde pociągnięcie pędzla, nie mógł tego znieść i zapytał: „Auguste, dlaczego nie zostawisz malarstwa, tak bardzo cierpisz?” Renoir ograniczył się jedynie do odpowiedzi: „Ból przemija, ale piękno pozostaje”. I to był cały Renoir, który pracował do ostatniego tchnienia.

Szczegóły Kategoria: Sztuki piękne i architektura końca XVI-XVIII w. Opublikowano 27.04.2017 14:46 Wyświetleń: 3249

Na początku XVIII w. we Francji pojawił się nowy styl - rokoko.

Przetłumaczone z francuskiego rokoka (rocaille) - „muszla”. Nazwa tego stylu artystycznego ujawnia jego charakterystyczną cechę - zamiłowanie do skomplikowanych kształtów, dziwacznych linii, przypominających elegancką sylwetkę muszli.
Styl rokoko nie przetrwał długo (około lat 40. XX wieku), ale jego wpływ na kulturę europejską okazał się bardzo silny.
W drugiej połowie XVIII w. rozpoczął się nowy wzrost zainteresowania kulturą starożytną. Było to częściowo spowodowane wykopaliskami w Pompejach, podczas których odkryto unikalne zabytki sztuki. Z drugiej strony do tego zainteresowania przyczyniły się idee francuskiego oświecenia, które widziały ideał sztuki i życia społecznego w historii i kulturze starożytnej Grecji i starożytnego Rzymu. W ten sposób powstał nowy styl - neoklasycyzm. Nie we wszystkich krajach tak było. Na przykład we Włoszech styl barokowy istniał jednocześnie ze stylem rokoko, podczas gdy we Francji barok nie rozwinął się zbytnio. W Rosji rokoko i neoklasycyzm uzupełniały się.
W XVIII wieku. klienci nie odgrywali już większej roli w losach artysty: głównym sędzią dzieł sztuki stała się opinia publiczna. Pojawiła się krytyka artystyczna: Denis Diderot, Jean Jacques Rousseau i inni.
Ważne wydarzenie w życiu artystycznym Francji XVIII wieku. stały się wystawami publicznymi - Salonami. Od 1667 roku organizowały je corocznie Paryska Królewska Akademia Malarstwa i Rzeźby przy wsparciu dworu królewskiego. Sukcesem na Salonie było uznanie dla malarza lub rzeźbiarza. Do udziału w Salonach aspirowali nie tylko Francuzi, dlatego Paryż stopniowo przekształcał się w ogólnoeuropejskie centrum sztuki.

Jean Antoine Watteau (1684-1721)

Rozalba Carriera. Portret Antoine’a Watteau (1721)
Antoine Watteau to francuski malarz pierwszej tercji XVIII wieku, twórca stylu rokoko.
W malarstwie odkrył sferę najsubtelniejszych emocji, współbrzmiących z tekstami pejzażu.
A. Watteau urodził się w prowincjonalnym miasteczku w rodzinie dekarza. Już we wczesnych latach ujawniły się jego zdolności artystyczne, a ojciec dał go jako ucznia miejscowemu malarzowi o niewielkim talencie. Bardzo szybko mentor przestał być przydatny przyszłemu artyście. Antoine Watteau wbrew woli ojca potajemnie opuszcza rodzinne miasto Valenciennes i pieszo udaje się do Paryża, gdzie zostaje zatrudniony w pracowni malarskiej na moście Notre Dame, której właściciel organizował seryjną produkcję tanich egzemplarzy obrazy w „wspólnym guście” dla odbiorców hurtowych. Watteau mechanicznie kopiował te same popularne obrazy, a w wolnym czasie malował z życia. Był wyjątkowo pracowity.

Antoine Watteau „Kapryśny” (ok. 1718). Państwowe Muzeum Ermitażu (Petersburg)
Wkrótce Watteau znalazł pierwszych mecenasów – Pierre’a Mariette’a i jego syna Jeana, rytowników i kolekcjonerów, właścicieli dużej firmy zajmującej się handlem grafikami i obrazami. W Mariettes Watteau miał okazję zapoznać się z dziełami Rembrandta, Tycjana, Rubensa. Za pośrednictwem Mariette Watteau zostaje uczniem artysty Claude’a Gillota, mistrza scenografii teatralnej i twórcy małych obrazów. „Od tego mistrza Watteau przejął jedynie zamiłowanie do groteski i komizmu, a także zamiłowanie do tematów współczesnych, którym później się poświęcił. A jednak trzeba przyznać, że Gillo Watteau w końcu zrozumiał siebie i od tego czasu oznaki talentu, który należało rozwinąć, stały się bardziej wyraźne ”(Biograf artysty Edm-Francois Gercin).

Antoine Watteau „Aktorzy komedii francuskiej” (ok. 1712). Państwowe Muzeum Ermitażu (Petersburg)
W wieku 33 lat Watteau staje się najpopularniejszym malarzem w Paryżu, co przyczyniło się do jego europejskiej sławy.

Antoine Watteau „Gilles” (1718-1719). Luwr (Paryż)
Oto jak Watteau M.Yu mówi o tym zdjęciu. German, czołowy badacz Muzeum Rosyjskiego: „W historii sztuki Gilles praktycznie nie ma analogii. Niewiele osób w ogóle pisało aktorów. Co więcej, nikt nie odważył się pokazać aktora w całkowitej bezczynności. Dla samego Watteau był to odważny krok: namalować postać na samym środku płótna, wypełniając jego większą część szeroką bluzą z kapturem, która całkowicie zakrywa ciało komika, a w głębi przedstawić twarze innych aktorów , ostro kontrastujący z niemal nieruchomą twarzą bohatera... Pozbawiony gestów i mimiki, symetrycznie i płasko wpisany w płótno, spokojnie egzystuje w czasie, jakby zatrzymał się dla niego na zawsze. Wszystko, co ulotne i przemijające, jest mu obce. Krzątanina za nim tkwi w ruchach aktorów. Przed nim śmiech i zabawa publiczności. I pozostaje niezmiennie nieruchomy, z zabawnym i wzruszającym wyrzutem w okrągłych, czułych i inteligentnych oczach.
Już dość chory Watteau wziął szyld sklepu z antykami „The Great Monarch” na moście Notre Dame. Sklep ten należał do jego przyjaciela Gersena.

Antoine’a Watteau. Szyld sklepu Gersina (1720-1721). Pałac Charlottenburg (Berlin)
Watteau namalował obraz-znak na dwóch oddzielnych płótnach, a następnie włożył je w jedną ramę. Akcja obrazu przeniesiona jest z pejzażu do wnętrza. Płótno przedstawia przestronny sklep, który według planu artysty wychodzi bezpośrednio na paryski chodnik.
Na pierwszym planie, po lewej stronie, służba umieszcza w skrzyni portret niedawno zmarłego Ludwika XIV. W górnym rogu wisi portret jego teścia, króla Hiszpanii Filipa IV, po prawej stronie koneserzy uważnie przyglądają się obrazowi w owalnej ramce; pejzaże i martwe natury współistnieją tu ze scenami mitologicznymi.
Główną cechą tej pracy jest jej programowy charakter. Według Louisa Aragona Watteau pod przykrywką znaku przedstawił historię malarstwa taką, jaką znał. Obraz ten stał się swego rodzaju artystycznym testamentem autora. Antoine Watteau zmarł w wieku 36 lat na gruźlicę.

Pomnik Antoine’a Watteau w jego rodzinnym mieście Valenciennes (1884)
Rozwój stylu rokoko związany jest także z twórczością Francois Bouchera.

Francois Boucher (1703-1770)

F. Boucher – francuski malarz, rytownik, dekorator. Jego dzieła charakteryzują się wykwintnymi formami, liryczną delikatnością kolorystyczną, wdziękiem, kokieteryjnością, czasem sięgającą słodyczy.

Gustafa Lundberga. Portret Francois Bouchera
Boucher był mistrzem rytownika, ilustrował książki Owidiusza, Boccaccia, Moliera. Tworzył dekoracje do oper i spektakli, obrazy dla królewskich manufaktur gobelinowych; wykonywał ozdobne obrazy na porcelanie Sevres, malował wachlarze, wykonywał miniatury itp.
W malarstwie sięgał po tematykę alegoryczną i mitologiczną, malował sceny rodzajowe, pasterskie (poetyzowanie spokojnego i prostego życia wiejskiego), pejzaże i portrety.

F. Busha. Portret Madame de Pompadour
Bush otrzymał tytuł malarza nadwornego. Dekorował rezydencje króla i Madame de Pompadour, prywatne rezydencje w Paryżu. W ostatnich latach życia był dyrektorem Królewskiej Akademii Malarstwa i Rzeźby oraz „pierwszym malarzem króla”.

F. Busha. Portret Marie Buseau, żony artysty (1733)
Inny obraz F. Bouchera ilustruje odcinek opowiadania La Fontaine’a „Pustelnik”. Nieopodal pod postacią pustelnika osiedla się młody mężczyzna, który postanawia uwieść piękną, ale nieśmiałą dziewczynę ze wsi. Udaje mu się przekonać matkę dziewczynki o jej świętości, a ona sama zabiera do niego córkę, aby wysłuchała jego dobrych nauk. Boucher ukazuje oryginalną interpretację twórczości Lafontaine’a, jednak w jego kompozycji główne miejsce zajmuje pejzaż.

F. Boucher „Pejzaż z pustelnikiem. Brat Luce” (1742). Muzeum Sztuk Pięknych. A. S. Puszkin (Moskwa)

Demokratyczne poglądy na sztukę francuską

Ucieleśniały je prace „malarza trzeciej władzy” Jeana Baptiste’a Simeona Chardina, portrety Maurice’a Quentina de Latoura.

Jean Baptiste Siméon Chardin (1699-1779)

Chardin. autoportret
Chardin świadomie unikał wątków typowych dla sztuki swoich czasów. Malował głównie martwe natury i sceny codzienne, ale w nich wyrażał własne spostrzeżenia. Interesował się życiem ludzi „trzeciego stanu” (wszystkich grup ludności z wyjątkiem uprzywilejowanych: duchowieństwa i szlachty).
Działalność Chardina jako artysty kontynuowała tradycje mistrzów holenderskich i flamandzkich i reprezentowała rozkwit realizmu w XVIII wieku. Nawet jego martwa natura była aspektem przedstawiania rzeczywistości. Źródłami kompozycji do przedstawienia harmonijnego bytu stały się dla niego najzwyklejsze przedmioty: dzbany, stare garnki, warzywa itp.

Chardin „Scat” (1728). Luwr (Paryż)
Artysta potrafił doskonale oddać różnorodność kolorów, wyczuwał wewnętrzne powiązanie obiektów. Małymi pociągnięciami przekazywał odcienie koloru, posiadał umiejętność uwzględnienia w obrazie wpływu światła słonecznego.
Przechodząc do malarstwa rodzajowego, do zwykłych scen domowych, Chardin odtworzył na płótnie spokojny, wyważony sposób życia codziennego, bliski każdemu człowiekowi. To właśnie te obrazy ugruntowały dla niego jedno z czołowych miejsc w historii malarstwa francuskiego. W 1728 został członkiem paryskiej Akademii Sztuk, w 1743 - jej doradcą; później został członkiem Akademii Nauk, Literatury i Sztuk Pięknych w Rouen.
Uduchowiał najbardziej przyziemne przedmioty i czynności: Praczka (1737), Słoik Oliwny (1760), Atrybuty Sztuki (1766).

Chardin „Martwa natura z atrybutami sztuki” (1766 Państwowe Muzeum Ermitażu (Petersburg). Obraz powstał na zamówienie Katarzyny II dla gmachu budowanej Akademii Sztuk w Petersburgu
D. Diderot porównał swoje umiejętności do czarów: „Och, Chardin, to nie białą, czerwoną i czarną farbę wcierasz na paletę, ale samą esencję przedmiotów; bierzesz powietrze i światło z czubka pędzla i kładziesz je na płótnie!”

Chardin „Bańki mydlane” (1733-1734). Narodowa Galeria Sztuki, Waszyngton (USA)
Twórczość Jeana Honore Fragonarda wyróżnia swoiste połączenie malarstwa „galantowego” z gatunkiem codziennym.

Jean Honore Fragonard (1732-1806)

Francuski malarz i rytownik. Wykonany w stylu rokoko. Autor ponad 550 obrazów (nie licząc rysunków i rycin).

J.O. Fragonarda. Autoportret (ok. 1760-1770)
Był uczniem F. Bouchera i J.B.S. Chardin. Początkowo lubił malarstwo historyczne, później zaczął pisać w duchu Watteau i Bouchera. Często ma sceny z życia intymnego, treści erotyczne, panele dekoracyjne, portrety, miniatury, akwarele, pastele. Zajmował się także akwafortą.
Ale w epoce klasycyzmu stracił popularność.

J.O. Fragonarda „Zatrzask” (1777). Luwr (Paryż)
Obraz przedstawia scenę miłosną: pan, nie odrywając wzroku od damy, prawą ręką sięga do drzwi, na których zamyka górną zasuwę. Lewa ręka kobiety niejako powtarza ten ruch. Na stole leży jabłko, biblijny symbol pokusy i upadku w grzech.
W obrazach historycznych Fragonard nie jest zbyt oryginalny. Jego pejzaże są dość upiększone. Z kolei obrazy rodzajowe artysty wyróżniają się umiejętną kompozycją, elegancją rysunku, delikatną kolorystyką i delikatnym smakiem: „Lekcja muzyki”, „Pastoralna”, „Kąpiący”, „Śpiąca nimfa”, „Amorek zdejmujący koszulę z Piękno”, „Młody gitarzysta”, „Ukradkowy pocałunek”.

J.O. Fragonard „Ukryty pocałunek” Ermitaż (Petersburg)
W połowie XVIII w. Oświecenie francuskie wysunęło klasyczne ideały środków edukacyjnych. W malarstwie pojawił się kierunek sentymentalny i moralistyczny, w którym wyróżniał się artysta Jean-Baptiste Greuze.

Jean-Baptiste Greuze (1725-1805)

J.-B. Sny. autoportret
Greuze szczególnie odniósł sukces w gatunku życia rodzinnego z jego problemami i dramatami - tutaj ma niewielu rywali w malarstwie francuskim.

J.-B. Greuze „Klątwa ojca” (1777). Luwr (Paryż)
Obraz przedstawia scenę z dramatu rodzinnego, kiedy syn oznajmia ojcu, że wyjeżdża do wojska, a ojciec go przeklina.
Jako portrecista również był w najlepszej formie, ponieważ. rozumiał portret inaczej niż jego współcześni, którzy przedstawiali mężczyzn jako Apollosa, a kobiety jako Floresa i Wenus. Jego portrety są pełne podobieństwa, przepełnione życiem i uczuciami.

J.-B. Greuze’a „Portret dziewczynki”. Narodowe Muzeum Sztuki Azerbejdżanu
W Ermitażu w Petersburgu znajduje się 11 dzieł Greuze'a.
W XVIII-wiecznej Francji wzrost zainteresowania malarstwem przyrodniczym i pejzażowym. Typ krajobrazu charakterystyczny dla neoklasycyzmu („fantazja architektoniczna”) stworzył Hubert Robert.

Hubert Robert (1733-1808)

Vigée-Lebrun, Marie Elisabeth Louise. Portret Huberta Roberta (1788) Luwr (Paryż)
francuski pejzażysta; zyskał europejską sławę dzięki swoim wielowymiarowym płótnom z romantycznymi wizerunkami starożytnych ruin otoczonych wyidealizowaną przyrodą. Jego pseudonim brzmiał „Robert z ruin”.

Hubert Robert „Starożytne ruiny” (1754-1765). Budapeszt

Jacques-Louis David (1748-1825)

J L. Dawid. Autoportret (1794)
Francuski malarz i pedagog, czołowy przedstawiciel francuskiego neoklasycyzmu w malarstwie. Wrażliwy kronikarz swoich burzliwych czasów.
Urodzony w rodzinie hurtownika żelaza. Wychowywał się głównie w rodzinie spokrewnionej. Kiedy dostrzeżono zdolność dziecka do rysowania, zakładano, że zostanie architektem, podobnie jak obaj jego wujowie.
David pobierał lekcje rysunku w Akademii św. Łukasz. W 1764 r. krewni przedstawili go Francoisowi Boucherowi, jednak z powodu choroby nie mógł uczyć się u młodego człowieka. W 1766 roku David wstąpił do Królewskiej Akademii Malarstwa i Rzeźby i rozpoczął naukę w warsztacie w Vienne. W latach 1775-1780. David studiował na Akademii Francuskiej w Rzymie, studiował sztukę starożytną i twórczość mistrzów renesansu.
W 1783 został wybrany na członka Akademii Malarstwa.
Aktywnie uczestniczył w ruchu rewolucyjnym, został wybrany na członka Konwencji Narodowej, wstąpił do Montagnardów pod przewodnictwem Marata i Robespierre'a, głosował za śmiercią króla Ludwika XVI. Maluje szereg obrazów poświęconych rewolucjonistom: „Przysięga w sali balowej” (1791, nieukończona), „Śmierć Marata” (1793). Również w tym czasie organizował masowe festiwale folklorystyczne i stworzył Muzeum Narodowe w Luwrze.

J L. Davida „Śmierć Marata” (1793). Królewskie Muzea Sztuk Pięknych (Bruksela)
To płótno jest jednym z najsłynniejszych obrazów poświęconych Wielkiej Rewolucji Francuskiej.
Jean Paul Marat jest dziennikarzem radykalnej gazety Friend of the People, przywódcą jakobinów. Zachorowawszy na chorobę skóry, Marat nie wychodził z domu i aby złagodzić swoje cierpienia, brał kąpiele. 13 lipca 1793 roku został zasztyletowany w swoim mieszkaniu przez szlachciankę Charlotte Corday.
Na drewnianym postumencie znajduje się dedykacja autora: „MARATU, David”. W ręku Marata znajduje się kartka z tekstem: „13 lipca 1793, Marie Anna Charlotte Corday – obywatelowi Maratowi. Jestem nieszczęśliwy i dlatego mam prawo do Twojej ochrony. W rzeczywistości Marat nie miał czasu na otrzymanie tej notatki, ponieważ. Korday zabił go już wcześniej.
W 1794 roku został uwięziony za poglądy rewolucyjne.
W 1797 był świadkiem uroczystego wjazdu do Paryża Napoleona Bonaparte i od tego czasu stał się jego zagorzałym zwolennikiem, a po dojściu do władzy – dworskim „pierwszym artystą”. David tworzy obrazy poświęcone przejściu Napoleona przez Alpy, jego koronacji, a także szereg kompozycji i portretów osób bliskich Napoleonowi. Po klęsce Napoleona w bitwie pod Waterloo w 1815 roku uciekł do Szwajcarii, a następnie przeniósł się do Brukseli, gdzie mieszkał do końca życia.

J L. Dawid „Bonaparte na przełęczy św. Bernarda” (1801)
Ten obraz Dawida otwiera erę romantyzmu w malarstwie europejskim. Jest to wysoce romantyczny portret konny generała Napoleona Bonaparte, który w maju 1800 roku poprowadził armię włoską przez przełęcz św. Bernarda wysoko w Alpach.
Naturalne tło nadaje obrazowi romantyczne znaczenie: strome górskie klify, śnieg, silny wiatr i zła pogoda. Poniżej, jeśli przyjrzysz się uważnie, możesz zobaczyć wyryte imiona trzech wielkich dowódców, którzy przeszli tę drogę: Hannibala, Karola Wielkiego i Bonapartego.

J L. Dawid „Koronacja Napoleona” (1805-1808)
Płótno powstało pod wrażeniem obrazu Rubensa „Koronacja Marii Medyceuszy”.
Jacques-Louis David został pochowany w Brukseli, a jego serce przewieziono do Paryża i pochowano na cmentarzu Pere Lachaise.
W XVIII wieku. Malarze historyczni Jean Jouvenet, Nicolas Colombel, Pierre Subleyra, portreciści Claude Lefebvre, Nicolas Largilier i Hyacinthe Rigaud pracowali we Francji.
W połowie XVIII w. słynna była rodzina Vanlo, zwłaszcza bracia Jean-Baptiste i Charles oraz inni artyści.

Francuscy artyści to największe nazwiska światowej kultury. Co więcej, to francuscy mistrzowie pobili wszelkie rekordy cen dzieł sztuki na najlepszych aukcjach. Szkoda tylko, że ich autorzy zyskali dopiero pośmiertną sławę, ale takie są koleje losu wielu twórców piękna.

Francuscy artyści: fenomen francuskiego impresjonizmu

Tak więc francuscy artyści XX wieku stali się najdroższymi, a przez to najbardziej znanymi i rozpoznawalnymi na świecie. Nawet ludzie zupełnie niedoświadczeni w sztukach pięknych znają ich imiona. Przede wszystkim są to artyści impresjoniści. Francja za ich życia była dla nich niegościnna, lecz po śmierci stali się prawdziwą dumą narodową.

Są najwięksi artyści Francji, którzy zdobyli światowe uznanie, sławę i sławę w szerokich kręgach Pierre'a Renoira, Edwarda Maneta, ‎Edgara Degasa, Paula Cezanne’a, Claude Monet I Paul Gauguin. Wszyscy są przedstawicielami najsłynniejszego i najlepiej sprzedającego się nurtu w malarstwie XX wieku – impresjonizmu. Nie trzeba dodawać, że nurt ten ma swój początek we Francji i najpełniej ujawnia swoje miejsce i znaczenie w historii sztuki światowej. Niesamowite połączenie oryginalnej techniki i dużej wyrazistości emocjonalnej fascynowało i nadal fascynuje koneserów piękna na całym świecie w impresjonizmie.

Artyści Francji: powstawanie malarstwa francuskiego

Ale francuscy artyści to nie tylko impresjonizm. Jak wszędzie w Europie, rozkwit malarstwa przypadł tutaj na okres renesansu. Oczywiście Francja nie może pochwalić się takimi gigantami jak Leonardo da Vinci czy Raphael, ale mimo to wniosła swój wkład we wspólną sprawę. Jednak wpływy włoskie były zbyt silne, aby stworzyć pierwotną szkołę narodową.

Pierwszym wielkim francuskim artystą, który całkowicie uwolnił się od wpływów zewnętrznych, był Jacques Louis David, słusznie uważany za twórcę narodowej tradycji malarstwa. Najsłynniejszym obrazem artysty był słynny portret konny cesarza Napoleona zatytułowany „Napoleon na przełęczy św. Bernarda” (1801).

Artyści francuscy XIX wieku, pracujący w kierunku realistycznym, są oczywiście mniej znani niż impresjoniści, ale mimo to wnieśli wymierny wkład w rozwój malarstwa światowego. Ale XX wiek był triumfem sztuki francuskiej, a Paryż stał się centrum muz. Słynna dzielnica stolicy Francji Montmartre, która dała schronienie dziesiątkom biednych artystów, którzy później weszli do złotego funduszu dziedzictwa ludzkości, łącznie z nazwiskami Renoira, van Gogh, Toulouse-Lautreca, I Picasso I Modiglianiego, stał się centrum sztuk pięknych i nadal przyciąga rzesze turystów. Na Montmartre tradycyjnie mieszkają także znani współcześni francuscy artyści.

Każdy kraj ma swoich bohaterów sztuki współczesnej, których nazwiska są powszechnie znane, których wystawy przyciągają rzesze fanów i ciekawskich, a których dzieła rozproszone są w prywatnych kolekcjach.

W tym artykule przedstawimy Państwu najpopularniejszych współczesnych artystów we Francji.

Malika Favre

Malika Favre została wprowadzona w świat sztuk pięknych przez swoją matkę artystkę – w ich domu nie było telewizji i gier wideo, te rozrywki zastąpiło rysowanie. Po ukończeniu studiów Favre przeprowadziła się do Londynu, gdzie mieszka i pracuje do dziś. To właśnie w Londynie, po czterech latach pracy w Airside, znalazła swoje powołanie i została profesjonalną ilustratorką.

Tomasza Mainardisa

Thomas jest francuskim artystą samoukiem. Jego obrazy, których styl artysta określa mianem popekspresjonizmu, to subiektywne wrażenia i chwile wyrwane współczesnej popkulturze, nasycone emocjami i fantazjami. Obecnie artysta mieszka i pracuje w małym miasteczku pomiędzy Paryżem a Lille.

Nuszka

Artystka Nushka mieszka i pracuje w Paryżu, maluje od ponad 10 lat. Malarstwa Nushki uczyła się w Detroit u amerykańskiego artysty Zawakiego, który nauczył ją podstaw malarstwa, oraz u Maggie Siner, która zapoznała ją z mechaniką kolorów. Studiowała także u artysty Hashpy. Dzięki tak bogatej bazie malarstwo artysty łączy warsztat techniczny i styl z tematyką współczesną.

Laurenta Botellę

Laurent studiował malarstwo w pracowni Maithe Rovino w Osson oraz w szkole artystycznej Beaux Arts w Tuluzie. Jego obrazy wykonane są w technice impresjonistycznej - a technika dla Laurenta ma ogromne znaczenie: kompozycja i kolorystyka mają na celu podkreślenie fabuły obrazu. Od 1991 roku Laurent Botella regularnie uczestniczy w wystawach i konkursach, gdzie wielokrotnie otrzymywał nagrody i wyróżnienia.

Laurenta Dauptaina

Laurent Doptin posiada tytuł magistra malarstwa. Fabuła jego prac jest nietypowa: artysta w zasadzie rysuje własne portrety, eksperymentując z różnymi technikami. Od czasu do czasu Laurent próbuje swoich sił w innych gatunkach, ale zawsze wraca do autoportretu. Od 1981 roku Dopten stale wystawia, wielokrotnie brał udział w różnych konkursach i wielokrotnie otrzymywał nagrody za swoją twórczość, z których najważniejsze to Peintres de l „Armee Salon Grand Prix, 2003, Taylor Prize, 2001 oraz nagroda złoty medal Artysta Salonu Francji, 1997.

Michel Delacroix Michel Delacroix

Michel Delacroix urodził się w 1933 r. Jego miłość do rysunku sięga czasów niemieckiej okupacji Paryża. To właśnie Paryż, który już wtedy pozostał Paryżem, jest bohaterem jego obrazów – ciche, spokojne miasto dzieciństwa artysty. Delacroix długo eksperymentował ze stylami, aż w końcu zdecydował się na kierunek, który stał się jego znakiem rozpoznawczym – „naiwny” styl malarstwa. Delacroix zdobył wiele nagród, w tym Grand Prix des Amateurs d'Art, Paryż 1973, Grand Prix de la Cote d'Azur, Cannes, 1976, Premier Prix de Sept Collines, Rzym, 1976 itp. Jego prace znajdują się w kilku kolekcjach publicznych i prywatnych, m.in. w Narodowym Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Paryżu i Międzynarodowym Muzeum Sztuki Naiwnej.

Sylwester Evrard

Francuski artysta Sylvester Evrard mieszka i pracuje w Lille. W zasadzie bohaterami jego obrazów są ludzie. Styl i nastrój obrazów artysty, jak sam mówi, można krótko scharakteryzować wyrażeniem Andre Malraux: „Sztuka to obecność w życiu tego, co powinno należeć do śmierci”.

Patricia Perrier-Radix

Prace Patrycji cechuje lekkość, swoboda i perfekcja. Artystka nie ustaje w poszukiwaniu swojego stylu, stale wzbogaca swoją wiedzę studiując różne materiały, lecz najchętniej pracuje farbą akrylową i olejną na płótnie. Jej obrazy zaskakują emocjonalnością – rysując bohaterów bez twarzy, Patricia po mistrzowsku oddaje najdrobniejsze odcienie uczuć i nastrojów z dokładnością ulotnych gestów i póz.

Henryk Lamy

Współczesny francuski artysta figuratywny Henri Lamy studiował malarstwo olejne, ale zafascynowała go spontaniczność i spontaniczność akrylu, który wzbogaca jego prace ostrymi, wyrazistymi kolorami. Obrazy Henriego powstają poprzez kapanie farby z noża, którego smugi przeplatają się, łączą i wysychają niemal natychmiast. Z bliska te akrylowe obrazy mogą wyglądać abstrakcyjnie i pokazywać swoje prawdziwe kolory tylko widzowi, który cofnie się o kilka kroków.

Joanna Perdu

Joanna, znana także wśród kolegów i miłośników sztuki jako La D'Jo, uzyskała dyplom ze sztuk pięknych i poświęciła mu się w całej jej różnorodności, od malarstwa po fotografię. Swoje pomysły czerpie ze świata rozrywki: muzyki, tańca, teatr, cyrk.. a jej obrazy zawsze znajdują się w centrum żywych stworzeń tego magicznego świata. Dziś jej obrazy można znaleźć w galeriach w różnych częściach świata. Celowo naiwna twórczość Perdu zdobyła uwagę krytyków i zasłużyła na im wiele recenzji, zazwyczaj entuzjastycznych.

Sztuka i projektowanie

7404

24.09.15 01:41

„Tak mała, że ​​najwyraźniej ją przeceniono!” – chrząkają niektórzy turyści, którzy przyjechali do Luwru specjalnie, aby zobaczyć miejscową świątynię, Mona Lisę… Luwr Luwr, ale nie zapominajcie, że wielu znanych malarzy urodziło się w samej Francji. Zróbmy krótką wycieczkę w przeszłość tego kraju i przypomnijmy sobie najlepszych francuskich artystów.

Najlepsi francuscy artyści

Wielki klasycysta

Urodzony pod koniec XVI wieku Nicolas Poussin z entuzjazmem przyjął techniki mistrzów wysokiego renesansu, m.in. autora Giocondy da Vinci i Rafaela. Na jego obrazach często pojawiają się postacie biblijne, sceny mitologiczne (nawet cykl pejzaży poświęconych porom roku, i to inspirowany Biblią). U początków klasycyzmu stał Norman Poussin, którego wkładu w sztukę francuską nie można przecenić. W naszej Ermitażu znajduje się jego obraz „Odpoczynek w drodze do Egiptu”.

Piosenkarz epoki waleczności

Antoine Watteau, urodzony prawie dwie dekady po śmierci Poussina, zdecydowanie królował na „Olympusie” francuskich artystów. W jego czasach nie było w Europie malarza, który mógłby z nim konkurować umiejętnościami. Żył tylko 36 lat, ale udało mu się pozostawić wiele arcydzieł. Codzienne sceny, pejzaże, portrety Watteau są urocze i eleganckie, nazywa się go prekursorem stylu rokoko. Aby zostać przyjętym do Akademii Sztuk Pięknych, młody człowiek namalował dwie wersje obrazu „Pielgrzymka na wyspę Cythera” (jedna przechowywana jest w Berlinie, druga w Luwrze w Paryżu). W Ermitażu znajduje się kilka dzieł francuskiego artysty, w tym obraz „Aktorzy komedii francuskiej”.

Utalentowany pejzażysta

Pierwszorzędny malarz morski i krajobrazowy Claude Joseph Vernet przez długi czas pracował we Włoszech. Wybrzeże Neapolu i potężny Tyber odcisnęły piętno na jego twórczości. W kolekcji Luwru znajdują się „Widok mostu i zamku Świętego Anioła” oraz „Widok Neapolu z Wezuwiuszem”, a w Ermitażu eksponaty „Skały w pobliżu morza”, „Poranek w Castellammare” i kilka innych arcydzieł mistrza.

Romantyczni koledzy

Eugene Delacroix, przedstawiciel nurtu romantycznego w sztuce, urodził się na przełomie XVIII i XIX w. i otrzymał dobre wykształcenie. Uwielbiał kopiować arcydzieła dawnych mistrzów – na nich doskonalił swoją sztukę. Eugene przyjaźnił się z Alexandrem Dumasem i podziwiał twórczość Géricaulta. Do najsłynniejszych obrazów Delacroix (często wybierał tematykę historyczną) należą „Wolność na barykadach” i „Śmierć Sardanapala”.

Inny romantyk, Theodore Gericault, był zaledwie kilka lat starszy od Delacroix, ale był dla swojego kolegi wielkim autorytetem. Niestety los zmierzył mu bardzo krótki czas – w wieku 32 lat malarz spadł z konia i rozbił się. Theodor wolał sceny batalistyczne na dużą skalę, naśladował Rubensa, będąc zagorzałym wielbicielem Fleminga. Nawet jeśli nie słyszeliście nazwiska tego francuskiego artysty, prawdopodobnie natknęliście się na reprodukcje arcydzieła Gericaulta „Tratwa Meduzy” (dzieło to jest dumą Luwru).

Wieczny wędrowiec

Eugene Henri Paul Gauguin jest nam lepiej znany. Postimpresjonista złapał początek XX wieku, ale opuścił go dość wcześnie: zmarł w wieku 54 lat w 1903 roku w Polinezji Francuskiej. Mówią, że geniusza zabiła choroba (najgorsza z nich to nieuleczalny trąd). W młodości dużo podróżował: Paweł służył jako prosty marynarz na okręcie wojennym, był palaczem na statkach floty handlowej. Wrażenia te oczywiście znalazły odzwierciedlenie w twórczości malarza. Prawie poświęcił swoje życie pośrednictwu, jednak w porę się zatrzymał i poświęcił się kreatywności. Nawet niewtajemniczeni ludzie znają żywe obrazy stworzone przez Gauguina, na przykład „Kobieta trzymająca owoc”.

latające sylwetki

Każdy z Was słyszał wyrażenie „Degas Ballerinas”. Ta francuska artystka naprawdę czerpała inspirację ze szkół baletowych i prób. Jego jasnymi pastelowymi pociągnięciami udało się uchwycić wdzięczne, lekkie pochylenia głowy, piruety, ukłony, skoki - widzimy to na płótnach impresjonisty „Lekcja tańca” czy „Niebiescy tancerze”. Powszechnie znane są jego sceny z życia codziennego: „Absynt”, „Prasownice”.

Ojciec impresjonizmu

Inny klasyk malarstwa europejskiego – Edouard Manet (jeden z „ojców” impresjonizmu) – podobnie jak Degas, lubił przedstawiać życie mieszczan: ich spacery po ogrodzie czy pikniki na łonie natury. Jego portrety wyróżniają się prostotą i prostotą, a pod koniec życia nagle zainteresował się martwymi naturami. Olimpia, Kolej, Śniadanie na trawie uznawane są za arcydzieła światowej sławy.

Sentymentalny i perłowy

Ulubionym gatunkiem Pierre-Auguste Renoira był portret. Świecka pożądliwość, młode niewinne panny, zakochane pary ożywają pod pewnymi pociągnięciami pędzla mistrza. Zaczynając jako impresjonista, Pierre stopniowo rozczarował się nim i dołączył do klasycyzmu. Jego sztuka jest sentymentalna i perłowa. Spójrz na „Dziewczyny przy fortepianie” lub „Wiosenny bukiet”, płótna zdają się świecić od wewnątrz.

Czy chłop, czy myśliciel...

Paul Cezanne, ze swoimi wyrzeźbionymi w kamieniu sylwetkami w portretach i lekko „rozmazanymi” krajobrazami, jest jasnym przedstawicielem postimpresjonizmu. Zarówno w twórczości, jak iw życiu był skąpy w emocjach, lakoniczny i niezbyt emocjonalny - coś w nim pochodziło od chłopa, coś od naukowca-myśliciela. Co ciekawe, to jego arcydzieło „Gracze w karty” – jeden z najdroższych obrazów świata (w 2012 roku został zakupiony do kolekcji emira Kataru za 250 milionów dolarów).

Zła skała arystokraty

Ostatni na naszej liście najlepszych francuskich artystów jest biedny Henri Marie Raymond de Toulouse Lautrec. Dlaczego biedny facet? Tak, należał do starożytnej rodziny powiatowej, ale w wieku 13 i 14 lat młodemu człowiekowi udało się złamać najpierw udo jednej nogi, potem drugiej, przez co przestały rosnąć. Henri pozostał półkarłem z niepełnosprawnością. Niemożność zrobienia kariery wojskowej zszokowała całą rodzinę, a samego Henriego zachęcono do zajęcia się malarstwem. Uczył się u mistrzów (bardzo lubił twórczość Degasa i Cezanne'a), a kiedy przybył do Paryża, stał się bywalcem kabaretów i pubów, upił się, zachorował na syfilis i zmarł w wieku 37 lat. Jego grafiki i obrazy zostały docenione po jego śmierci. Portrety artystów i prostytutek Moulin Rouge, z których usług Toulouse Lautrec zmuszony był skorzystać, uważane są obecnie za arcydzieła.