Najlepsze obrazy Rubensa. Peter Paul Rubens: biografia i najlepsze dzieła

06.04.2019

Nie wstydził się „triumfu ciała”, wspaniałych form zdobiących jego nieśmiertelne płótna. Jasno, bogato i żartobliwie portretował postacie mitologiczne, dla niego były to stworzenia niemal ziemskie, cieszące się życiem. Jego dzieła zdobią nasz Ermitaż, legendarny Luwr i monachijską Alte Pinakothek.

Biografia Petera Paula Rubensa

Praktyka włoska

Peterowi Paulowi Rubensowi, Flemingowi urodzonemu w Niemczech (to tam musiał się ukrywać „zhańbiony” ojciec przyszłego malarza Jana), udało się powrócić do ojczyzny przodków dopiero w 1587 roku (w wieku dziesięciu lat) ). Jan Rubens zmarł na obczyźnie, Maria przyjechała do Antwerpii, już jako wdowa z dziećmi.

Pierwsze lekcje rysunku Piotr pobierał u malarzy holenderskich, znanych tylko z tego, że to od nich wielki artysta nauczył się podstaw. Jednak dogłębne studia nad podstawami rzemiosła odbyły się u Rubensa już we Włoszech, gdzie kwitł wysoki renesans. Mieszkał w tym słonecznym kraju przez 8 lat, począwszy od 1600 roku. Pracował jako nadworny artysta księcia Gonzago. I on sam wchłonął luksus włoskich krajobrazów i genialne techniki geniuszy renesansu.

W Rzymie Piotr Paweł zachwyca się dziełami Rafaela, da Vinci i Michała Anioła, w Wenecji tworzy kopie obrazów słynnych Veronese i Tycjana. Ponadto realizuje zadania dyplomatyczne dla swojego patrona (był on wówczas księciem Mantui).

Patronat Infantki

Tym samym do ojczyzny wraca już nie zielony młodzieniec, ale utalentowany artysta. Został życzliwie potraktowany przez infantkę Izabelę (wówczas rządzącą Flandrią) i jej męża Alberta. Był to okres rozejmu między potężną Hiszpanią a Holandią, więc Flandria podnosiła się po krwawych bitwach. A hiszpańska Izabela była dobrym gubernatorem, rozumiała, jakie są jej cele, faworyzowała przedstawicieli sztuki, a Rubens stał się wśród nich ulubieńcem.

Dzieła tego okresu podejmują głównie tematykę religijną. Malarz stworzył także wiele portretów członków rodziny królewskiej.

Ciekawe, że bohaterowie mitologii na płótnach Flamandów stali się pięknymi i wesołymi ludźmi. Katolicyzm nie akceptował takich metod, ale patronat możnych pomógł Rubensowi uniknąć tarć z kościołem.

Najlepsze dzieła Petera Paula Rubensa

Dzieła „Bachanalia” i „Porwanie córek Leukipposa” przesiąknięte są erotyzmem.

Obraz „Unia Ziemi i Wody” jest w naszym kraju bardzo znany, replikowany w wielu reprodukcjach i kopiach (oryginał przechowywany jest w Ermitażu w Petersburgu).

„Bitwa Amazonek” i „Powrót Diany z polowania” są dynamiczne i bardzo kolorowe.

W słynnym muzeum w Petersburgu znajduje się także obraz „Perseusz i Andromeda”, uważany za szczyt twórczości Petera Paula Rubensa (jeśli weźmiemy pod uwagę konkretnie starożytny temat). Wspaniałe dzieło sztuki!

Twórczość malarza i jego ciężka praca zadziwiały współczesnych. Nad portretami i scenami myśliwskimi pracował z taką samą łatwością, z jaką malował obrazy o tematyce religijnej czy pejzażowej. We własnym warsztacie wyszkolił całą plejada uczniów, którzy pomagali mu w pracy, uczestnicząc w największych zamówieniach.

Była to na przykład seria paneli dla królowej Francji Marii Medycejskiej. Pałac Luksemburski miał ozdobić 21 scen, uzgodnionych wcześniej z wysoko urodzonym klientem. Alegorie i starożytni bogowie z powodzeniem łączą się w tych pracach ze współczesnymi artyście kostiumami i otoczeniem.

W tych samych latach 20. XVII w. narodziły się słynne portrety, m.in. „Pokojówka infantki Izabeli”, przechowywana w Ermitażu.

Wizerunek swojej zmarłej żony uchwycił w „Autoportrecie z Isabellą Brant”. Kiedy w 1626 roku zmarła, wydawało się, że dla mistrza i jego dwójki dzieci świat się zawalił. Opuścił Antwerpię i podjął tajne misje dyplomatyczne dla Infantki. Ale nie mogłem żyć bez kreatywności i ponownie poświęciłem tylko jej ostatnią dekadę mojego życia.

Wrócić do życia

Rubens przedstawiał wiejskie idylle w „Tańcu chłopskim”, „Kermessie”, „Pejzażu z tęczą” i „Powrocie żniwiarzy”.

Niektórzy powiedzą, że dzieła te przypominają arcydzieła Pietera Bruegla. Ale sam autor nie sprzeciwiłby się takiemu porównaniu: nigdy nie wahał się przyjąć najlepszych technik swoich kolegów.

Ożenił się ponownie z córką znajomego, Eleną Furman, dziewczyną znacznie młodszą od artysty (w chwili ślubu miała zaledwie 16 lat). Stała się jego modelką i muzą.

Jej rysy widzimy w „Batszebie” i „Andromedzie”, późnych arcydziełach Flamandów.

Elena uśmiecha się do nas z obrazu „Futro”, jest także jedną z „Trzech Gracji”.

Podagra uniemożliwiała Rubensowi tworzenie, nękała go coraz bardziej. W wieku 62 lat geniusz zmarł. Pochowano go z niemal królewskimi honorami.

Nazwa: Piotra Rubensa

Wiek: 62 lata

Miejsce urodzenia: Siegen, Dania

Miejsce śmierci: Antwerpia, Belgia

Działalność: wielki malarz

Status rodziny: był żonaty z Eleną Fourman

Peter Paul Rubens – biografia

Peter Paul Rubens przez całe życie obalał powszechne przekonanie o biednych artystach. Cieszył się sympatią królów, był sławny, bogaty i, jak mu się wydawało, kochany. Na szczęście nie dowiedział się, że jego żona i muza mają niską opinię o jego twórczości.

Potomkowie Rubensa nazywali rzemieślnikiem, a jego niezliczone obrazy „rzeźnią”. W obrazach Piotra Pawła naprawdę króluje ciało. Potężne ciała mężczyzn, biała pulchność kobiet. Nawet małe aniołki są tak grube, że ledwo potrafią latać. A przestrzeń wolna od tej cielesnej obfitości jest hojnie wypełniona brokatem, atłasem, połyskującą zbroją i bogatymi meblami.

Takie były wyobrażenia o szczęściu kupieckiej Flandrii, której Rubens był z krwi i kości. W ten sposób region ten był pełnokrwisty i kwitł, aż w XVI wieku Hiszpania, pod której panowaniem znajdowała się Holandia, zaczęła wykorzenić powstały tu protestantyzm. W odpowiedzi zbuntowały się północne prowincje Holandii pod wodzą księcia Wilhelma Orańskiego.

Sędzia miasta Antwerpia Jan Rubens, formalnie służąc królowi Hiszpanii Filipowi, potajemnie pomógł księciu Williamowi. Zostało to ujawnione w 1568 roku. Pod groźbą śmierci Jan wraz z żoną Marią Peipelinks i czwórką dzieci musieli uciekać do Niemiec. Na wygnaniu urodziło się jeszcze troje dzieci, w tym Piotr Paweł, który urodził się w lipcu 1577 r.

Początek jego biografii nie był zbyt szczęśliwy – w obcym kraju jego ojciec, wybitny i bardzo dzielny człowiek, rozpoczął romans z żoną księcia Orańskiego, Anną. Dowiedziawszy się o tym, Wilhelm zachował się humanitarnie - zatrzymał przy sobie żonę i nie dokonał egzekucji towarzysza broni, ale po prostu odebrał mu cały majątek i wysłał go wraz z rodziną do niemieckiego dziedzictwa - miasta Siegen. Aby nakarmić swoje dzieci, Maria uprawiała warzywa i sprzedawała je na rynku.

W 1587 roku Jan zmarł na gorączkę, a wdowa po nim z dziećmi wróciła do Antwerpii, gdzie zapanował względny porządek. To prawda, że dawny dobrobyt miasta należał już do przeszłości - zapominając o pokrewieństwach, holenderscy kupcy blokowali dostęp do morza swoim konkurentom z Antwerpii i Gandawy. Dorosłe dzieci Jana Rubensa musiały zapomnieć o zawodzie, którym zajmowały się pokolenia ich przodków i szukać innych zawodów. Córki wyszły za mąż, średni syn Filip został filozofem i prawnikiem, najstarszy, Jan Baptysta, wybrał karierę artystyczną.

W tym czasie Włochy przestały już królować w sztuce – mała Holandia niemal dorównała im dzięki jednemu niesamowitemu odkryciu. Przez długi czas artyści malowali temperą, której podstawą było szybko schnące żółtko. Bracia Flemingowie Van Eyck jako pierwsi zastosowali olej lniany jako bazę do farb. Farby olejne były jaśniejsze i schły wolniej, co pozwalało mistrzowi pracować bez pośpiechu. Dodatkowo artysta mógł nakładać warstwy farby jedna na drugą, uzyskując niesamowity efekt głębi. Europejscy monarchowie chętnie zamawiali obrazy u flamandzkich mistrzów.

W wieku 15 lat Peter Paul stanowczo powiedział matce, że idąc za przykładem starszego brata, zostanie artystą. Pierwszym nauczycielem w biografii Petera Paula Rubensa był daleki krewny jego matki, Tobias Verhacht. Od niego wkrótce przeniósł się do warsztatu Adama van Noorta, a następnie do najsłynniejszego amsterdamskiego malarza życia tamtych czasów, Otto van Vena. O ile pierwszy mentor tylko nauczył młodego człowieka prawidłowego trzymania pędzla, o tyle drugi zaszczepił w nim miłość i zainteresowanie rodzimą Flandrią, z jej miłością do życia i brutalnych wiejskich rozrywek.

Rola trzeciego okazała się jeszcze większa – wprowadził Piotra Pawła w kulturę starożytną, której znajomość była wówczas wymagana nie tylko przez artystę, ale także przez każdą wykształconą osobę. Jako pierwszy zwrócił uwagę na talent Rubensa i jego wyjątkową ciężką pracę. Venius studiował we Włoszech i teraz zdecydował się wysłać tam swojego najlepszego ucznia.

Na wyjazd Petera Powella jego matka musiała pożyczyć pieniądze od krewnych, którzy nie aprobowali zamiarów młodszego Rubensa. We Flandrii było wówczas więcej artystów niż piekarzy. Ponadto jego brat Jan Baptist studiował już malarstwo we Włoszech, ale wkrótce zmarł, nie znajdując dla siebie sławy. Inny los czekał Piotra Pawła.

Peter Paul Rubens przybył do Włoch w wieku 23 lat i pozostał tam do 31. roku życia. Miał niezwykłe szczęście: zaraz po przybyciu do kraju został nadwornym artystą księcia Mantui, Vincenzo Gonzagi, hojnego mecenasa sztuki. Książę miał bardzo wyjątkowy gust artystyczny. Nie lubił malarstwa współczesnego i zamawiał Rubensowi głównie kopie arcydzieł starożytności i renesansu. I to też można uznać za szczęście – w tym czasie artyści we Włoszech dostali się pod maskę kościoła, który w swojej twórczości dopatrywał się herezji.

Sam Michał Anioł musiał zakryć ubraniami szereg postaci w Kaplicy Sykstyńskiej, a Inkwizycja nie chciała stanąć na ceremonii z malarzem z wolnomyślącej Holandii. Kopiowanie uchroniło Rubensa przed podejrzeniami; Ponadto kosztem księcia, który wysyłał młodego artystę do różnych miast, zapoznawał się z malowniczymi skarbami Wenecji i Florencji. Rzym, a nawet Madryt. Jednocześnie Peter Paul prowadził wyjątkowo grzeczny tryb życia. W każdym razie on, w przeciwieństwie do wielu flamandzkich malarzy studiujących we Włoszech, nigdy nie poszedł do więzienia. Natomiast jego koledzy często byli karani za pijackie bójki.

W 1608 roku Rubens dowiedział się, że jego ukochana matka jest poważnie chora. Pośpiesznie wrócił do Antwerpii, ale nie zastał matki żywej. Piotr Paweł tak bardzo przeżył tę stratę, że odmówił powrotu do księcia Gonzagi – zdecydował się porzucić malarstwo i udać się do klasztoru. Ale życie postanowiło inaczej. Dowiedziawszy się o powrocie artysty z Włoch, zamożni mieszkańcy Antwerpii zaczęli między sobą rywalizować o zamówienie u niego obrazów. Wśród klientów był nawet arcyksiążę Albert i jego żona Izabela, których król Filip II mianował władcami Holandii.

Zaproponowali Rubensowi stanowisko malarza nadwornego i ogromną pensję w wysokości 15 tysięcy guldenów rocznie. Ale w tym celu artysta musiał przenieść się do Brukseli, gdzie znajdowała się rezydencja arcyksięcia. Rubens, nie chcąc ponownie ograniczać się do malarstwa dworskiego, dokonał cudów dyplomacji, aby uzyskać posadę, pozostając jednak w Antwerpii. Jego talent w połączeniu z ciężką pracą pozwolił mu z łatwością realizować liczne zlecenia arcyksięcia, a jednocześnie pracować dla magistratu Antwerpii i malować katedry pobliskiej Gandawy.

Ciężka praca Rubensa była legendarna. Odwiedzający jego pracownię opowiadali, że artysta pracował nad kilkoma obrazami jednocześnie, chętnie rozmawiając z odwiedzającymi, dyktując listy do swojej sekretarki i omawiając sprawy domowe z żoną. Za żonę wziął 18-letnią Isabellę Brant, córkę zamożnego urzędnika sądowego. Po ślubie dla wygody Rubens przez długi czas traktował swoją żonę bardzo powściągliwie. Isabella za nim tęskniła i przez 17 lat spokojnie otaczała męża komfortem i opieką, jednocześnie urodziwszy i wychowując trójkę dzieci.

Choć cóż to za niepozorność, skoro Isabella Brant, która chętnie pozowała dla artystki, na zawsze zapisała się w historii sztuki pod pseudonimem „Rubensianka” – pulchna, z szerokimi biodrami. Jednak wszystkie kobiety na obrazach Rubensa takie były. Wydaje się, że artysta celowo wyolbrzymił te cechy – zgodnie z kanonami kobiecego piękna swoich czasów. Wiadomo, że pracując nad portretami malował jedynie twarze z życia, a ciało uzupełniał z pamięci. Jednocześnie ciała Rubensa okazały się na tyle żywe i naturalne, że rozeszła się plotka, jakoby do swoich farb dodawał prawdziwą krew.

Styl Rubensa okazał się tak popularny, że wkrótce artysta nie mógł już samodzielnie radzić sobie z zamówieniami i musiał rekrutować asystentów. Chętnym do pracy u popularnego mistrza nie było końca: „Jestem tak oblegany prośbami ze wszystkich stron” – pisał Rubens – „że wielu młodych ludzi jest gotowych długo czekać z innymi mistrzami, aby że ich przyjmę... Byłem zmuszony odrzucić jeszcze setkę kandydatów..."

W luksusowej rezydencji zbudowanej według własnego projektu Rubensa na nabrzeżu Wapper w Antwerpii artysta wyposażył na parterze przestronny warsztat. w którym pracowało kilkudziesięciu studentów. Zostały one wyraźnie podzielone na kategorie. Młodsi uczniowie gruntowali płótna i przygotowywali farby, bardziej doświadczeni malowali dekoracje i detale pejzażu, a najzdolniejszym powierzał właścicielowi malowanie postaci.

Wśród asystentów Rubensa byli prawdziwi geniusze malarstwa, tacy jak Jacob Jordane i Frans Snyders. Fakt, że większość życia spędzili w cieniu Rubensa, całkiem im odpowiadał. Rubens dostarczał im zamówienia i nie szczędził na płatnościach. Tylko jeden uczeń mistrza wykazał się uporem - młody Anthony Van Dyck, jedyny, który mógł konkurować z Rubensem talentem. Po burzliwej kłótni odszedł od nauczyciela, za co został pozbawiony rozkazów i zmuszony do wyjazdu do Anglii.

Z biegiem lat „fabryka obrazów” na nabrzeżu Wappera zaczęła działać tak sprawnie, że Rubens czasami wykonywał jedynie szkic przyszłego obrazu, a na koniec przechodził po nim ręką mistrza i składał swój podpis. Inni artyści tamtych czasów stworzyli w swojej karierze co najwyżej sto płócien. Podpis Rubensa znajduje się na półtora tysiąca obrazów.

Kiedy Rubens miał już ponad czterdziestkę, przydomek „władca imperium farb” był już mocno przywiązany do niego. Jego ówczesny styl życia opisał we wspomnieniach bratanek artysty: „Wstał o czwartej rano, z reguły rozpoczynając dzień od uczestnictwa we mszy, chyba że dręczył go atak dny moczanowej; potem zabrał się do pracy, sadzając obok siebie służącego, który czytał mu na głos jakąś dobrą książkę, najczęściej Plutarcha, Tytusa Liwiusza lub Senekę... Pracował do piątej wieczorem, po czym osiodłał konia i poszedł na spacer po mieście lub znalazł inne zajęcie, które przyniosło ulgę od zmartwień.

Po jego powrocie zwykle czekało na niego kilku znajomych, z którymi jadł kolację. Nienawidził obżarstwa i pijaństwa, a także hazardu”. Niemniej jednak artysta miał słabość, na której nie szczędził wydatków: kolekcjonował dzieła sztuki starożytnej. Pierwsze eksponaty swojej kolekcji przywiózł z Włoch. W domu przeznaczył do kolekcji specjalną półkolistą wieżę, która z biegiem czasu zapełniła się setkami obrazów i rzeźb. W zbiorze tym znalazły się także dzieła samego Rubensa, które chciał zachować.

Wśród nich znajduje się słynna „Altana opleciona kwitnącym wiciokrzewem” – jego autoportret z Isabellą Brant. Artysta odważnie się odmłodził, przedstawiając silnego mężczyznę z kręconymi lokami i rudawą brodą - Rubens zaczął wcześnie łysieć, czego się wstydził. Nigdy nie zdejmował w miejscach publicznych hiszpańskiego kapelusza z szerokim rondem.

Oczywiście większość jego obrazów znalazła miejsce w pałacach, ratuszach i katedrach. Ale nie wszystkie wzbudziły jednomyślny zachwyt wśród współczesnych. Zaraz po namalowaniu „Zejścia z krzyża” dla katedry w Antwerpii nieżyczliwi uznali to dzieło za bluźniercze. Wydaje się, że kochający życie Rubens po prostu nie mógł wydobyć niczego pozytywnego z kontemplacji śmierci. Męczeństwo świętych, piekielne cierpienia grzeszników – nic go w ogóle nie pociągało. Ale nikt lepszy od niego nie stworzył obrazów na temat wspaniałych świąt i czynów monarchów.

Z tego względu przypomniała mu się o nim królowa francuska Maria Medycejska, która z okazji pojednania z synem Ludwikiem XIII chciała udekorować swój pałac 21 alegorycznymi malowidłami. Rok spędzony w Paryżu zwrócił artystę przeciwko Francuzom: „To okropni plotkarze i najbardziej złośliwi ludzie na świecie”. Rubens był oburzony, że francuscy artyści szeptali za jego plecami, że przedstawiane przez niego postacie rzekomo wyglądają nienaturalnie, mają za krótkie nogi i w dodatku krzywe.

Jedyne żywe wrażenie, jakie Rubens odniósł z Paryża, było takie, że spotkał tam ambasadora brytyjskiego, księcia Buckingham. Książę zamówił swój portret u Rubensa i w długich rozmowach z artystą zachęcał go do spróbowania swoich sił w nowej dziedzinie – dyplomacji. Rubens, który znał rodzinę królewską niemal całej Europy, z entuzjazmem podjął dla siebie nowy biznes, nie rezygnując z malarstwa.

W tym czasie w Europie wrzało - protestanci walczyli z katolikami, Holandia i jej sojusznicy Anglia dążyła do odebrania Hiszpanii południowej części Holandii, wciągając Hiszpanów w wojnę z Francją. Hiszpania z kolei próbowała zawrzeć pokój z Francją i wraz z nią przeciwstawić się Brytyjczykom. Rubens znalazł się w środku tych intryg w roku 1625. Z jego pomocą książę Buckingham i jego powiernik, poszukiwacz przygód Balthazar Gerbier, rozpoczęli tajne negocjacje z Madrytem. Jako pośrednika wykorzystali patronkę Rubensa, infantkę Izabelę. Artystę tak pochłonęła polityka, że przyjechał nawet na jeden dzień z Madrytu, aby wziąć udział w pogrzebie zmarłej na dżumę swojej żony Isabelli Brant.

Przez pięć lat Rubens był – lub wydawał się – dość znaczącą postacią na szachownicy europejskiej polityki. Służąc różnym siłom, rozegrał swoją grę, aby zakończyć wojnę w rodzinnej Flandrii. Wymagało to pojednania Anglii z Hiszpanią, której poświęcona była lwia część wysiłków Rubensa. Wykorzystywano wszystko – tajne wizyty, szyfrowane listy, kupowanie tajnych informacji. Rubens musiał walczyć z samym kardynałem Richelieu, który obiecał zapobiec zbliżeniu anglo-hiszpańskiemu.

Podróżując między Londynem a Madrytem, Rubensowi udało się osiągnąć pokój między obydwoma krajami w 1630 roku. Za to Hiszpanie przyznali mu dużą sumę, a angielski król Karol I nadał mu tytuł szlachecki. Sukces okazał się jednak efemeryczny: gdy artysta próbował wziąć udział w negocjacjach hiszpańsko-holenderskich, poseł hiszpański, książę Aarschot, wyrzucił go, mówiąc: „Nie potrzebujemy malarzy, którzy wtrącają się w sprawy inne niż własne. ” Wkrótce zmarła infantka Izabela, co pozbawiło Rubensa jego głównego patrona i możliwości wpływania na politykę. Nigdy nie udało mu się powstrzymać wojny, która pustoszyła jego ojczyznę.

Rubens, który miał już ponad pięćdziesiąt lat, wrócił do Antwerpii, gdzie czekała na niego jego młoda żona Elena Fourment. Pod koniec 1630 roku ożenił się z 16-letnią córką nadwornego tapicera. Elena urodziła mu pięcioro dzieci i stała się muzą kilkudziesięciu obrazów, na których nagość została przedstawiona w niespotykany wówczas sposób. Była Dianą, Wenus, Heleną Trojańską – i sobą, bawiącą się z dziećmi lub wychodzącą z łaźni w futrze zalotnie owiniętym na nagim ciele.

W przeciwieństwie do spokojnych relacji z pierwszą żoną, tym razem artysta był poważnie zakochany. I nic dziwnego: Elenę uznano za pierwszą piękność Flandrii, co docenił nawet nowy gubernator kraju, kardynał Infant Ferdynand. Ale sztuki nie da się oszukać - na wszystkich obrazach oczy Eleny są zimne, a wyraz jej twarzy niezadowolony.

W liście do przyjaciela Rubens napisał: „Wziąłem młodą żonę, córkę uczciwych mieszczan, chociaż ze wszystkich stron próbowali mnie przekonać, abym dokonał wyboru na dworze, ale bałem się tej katastrofy szlacheckiej, a zwłaszcza arogancja... Chciałem mieć żonę, która by się nie rumieniła, widząc, że biorę pędzle do ręki... Elena jednak się zarumieniła. Jej, szanowanej mieszczaninie, nie podobało się, że mąż malował ją nago, a nawet przechwalał się tymi obrazami swoim gościom.

W ostatnich latach życia Rubens naprawdę zmienił swój dawny umiar, jakby spieszył się, by nadrobić stracony czas.

Był to rzadki dzień w jego zamku Steen, który nabył w 1635 roku, bez hałaśliwych biesiad. Spotkania trwały do zmroku, po czym goście udali się na spacer bulwarem lub – jak zeznał jeden z przyjaciół artysty – „udali się na modną uroczystość zwaną pielgrzymką Wenus. Czasem śpiewali i tańczyli do późnej nocy, a potem oddawali się miłości w taki sposób, że nie sposób nawet o tym mówić”.

Sam Rubens, jeśli nie brał udziału w takich zabawach, zachęcał je na wszelkie możliwe sposoby. Pomimo artretyzmu i ataków dny moczanowej był bardzo silny i nadal ciężko pracował, odmawiając jakiejkolwiek pomocy ze strony uczniów. Wydaje się. Rubens zdawał sobie sprawę, że u progu wieczności liczy się tylko to, co stworzone własnymi rękami...

W kwietniu 1640 r. nagła słabość zmusiła Piotra Pawła do położenia się spać. 30 maja zmarł trzymając się za ręce ciężarnej żony Eleny i najstarszego syna z pierwszego małżeństwa, Alberta.

Po jego śmierci Elena pośpieszyła kupić obrazy Rubensa, na których została przedstawiona nago. Mieszkając przez dziesięć lat z wielkim artystą, wciąż nie rozumiała, dlaczego fani jego twórczości ją podziwiają. I nie jest to zaskakujące - wielu w Holandii wierzyło, że Rubens „utopił żywą duszę Flandrii w smalcu”. Dopiero sto lat później, kiedy barok, jego filozofia i styl utrwaliły się wszędzie w szybko zmieniającej się Europie, stało się jasne, że geniusz Rubensa przewidywał nową erę.

Peter Paul Rubens słusznie uważany jest za jednego z najwybitniejszych flamandzkich artystów XVII wieku. Jego obrazy przechowywane są w najlepszych galeriach świata, a wiele dzieł artysty jest wizualnie znanych nawet tym, którzy nigdy nie słyszeli jego nazwiska. Najsłynniejsze obrazy Rubensa wraz z nazwami i opisami zostały zaprezentowane w dalszej części artykułu.

Krótka biografia artysty

Peter Paul Rubens urodził się 28 czerwca 1577 roku w Siegen (Niemcy), w zamożnej i znanej rodzinie rzemieślników i kupców. Kiedy przyszły artysta miał 8 lat, rodzina Rubensów przeprowadziła się do Kolonii (Niemcy), gdzie młody człowiek studiował nauki humanistyczne, najpierw w szkole jezuickiej, a następnie w bogatej szkole świeckiej, uczył się greki i wykazywał fenomenalne zdolności pamięci. W wieku 13 lat, dzięki koneksjom rodzinnym, Peter Paul otrzymał stanowisko pazia belgijskiej hrabiny de Lalen. Ale młody człowiek nie chciał być dworzaninem, a rok później zaczął studiować malarstwo. Jego pierwszym znanym mentorem był artysta Otto van Veen.

Na początku XVII wieku początkujący artysta podróżował do Włoch i Hiszpanii, gdzie bardzo inspirowała go szkoła dawnych mistrzów. W tym okresie powstały obrazy Rubensa pod tytułami „Autoportret w kręgu przyjaciół Werony”, „Złożenie do grobu”, „Herkules i Omphale”, „Heraklit i Demokryt”. Wykonał wiele kopii słynnych obrazów artystów włoskich i hiszpańskich, takich jak Rafael i Tycjan.

Po trwającej ponad 8 lat podróży Peter Paul Rubens przybył do belgijskiego miasta Antwerpia i już w 1610 roku w Brukseli otrzymał od księcia Albrechta tytuł malarza nadwornego. W tym okresie pojawiło się wiele obrazów Rubensa o tytułach zawierających imiona samego księcia i jego żony Izabeli Klary Eugenii, gdyż para rządząca nie chciała rozstawać się z artystą - ich wpływ w ogromnym stopniu przyczynił się do twórczego sukcesu i uznania Rubensa. Ale nadal nie chciał pozostać w Brukseli, wrócił do Antwerpii i poślubił Isabellę Brant, która stała się jego ulubioną modelką i matką trójki dzieci. W 1611 roku artysta nabył dla siebie i rodziny ogromną pracownię i od tego momentu rozpoczął się szczególnie owocny okres jego twórczości. Nic nie ograniczało artysty - zapewniono mu pieniądze i czas, a także otrzymało wystarczające umiejętności do swobodnej twórczości.

W trakcie swojej kariery artystycznej Peter Paul Rubens namalował ponad 3000 obrazów, z których wiele wywarło wpływ na twórczość kolejnych pokoleń artystów. Nie był innowatorem, ale udoskonalił klasyczny styl flamandzki do niesamowitego poziomu żywotności i piękna.

W latach 20. XVII wieku Rubens opanował także karierę dyplomatyczną. Sprzyjała temu owocna praca na dworze, obecnie artysta regularnie odwiedzał Anglię i Francję w sprawach politycznych.

W 1626 roku na dżumę zmarła 34-letnia żona Rubensa. Po tym szoku porzucił na jakiś czas malarstwo i zajął się działalnością polityczną i dyplomatyczną. Teraz jego misje rozszerzyły się na Danię i Hiszpanię, ale trudna sytuacja polityczna i wypędzenie Medyceuszy wzbudziły wrogość wobec Rubensa ze strony innych dyplomatów, w pewnym momencie wprost stwierdzili, że „nie potrzebują artystów”. Wciąż próbował nawiązać kontakty polityczne, lecz ostatecznie opuścił te tereny w 1635 roku.

Ale w trakcie działalności dyplomatycznej, w 1630 roku, artysta ponownie poważnie podszedł do pędzli i postanowił ponownie się ożenić - wybranką 53-letniego Rubensa została 16-letnia córka kupiecka Elena Fourment. Od tego momentu stała się głównym wzorem i inspiracją artysty, z którego namalował wiele portretów, a także wykorzystywał ją do przedstawiania bohaterek mitycznych i biblijnych. Elena urodziła Rubensowi pięcioro dzieci, ale mieszkał z nią tylko przez dziesięć lat. Artysta zmarł na dnę moczanową 30 maja 1640 roku.

Autoportrety

Portrety Petera Paula Rubensa, które własnoręcznie namalował, przewyższają liczbę autoportretów jakiegokolwiek artysty przed nim. A potem tylko Rembrandt mógł się z nim równać w tym. Rubens uwielbiał zarówno klasyczne autoportrety, jak i nadawanie własnej twarzy jakiejś postaci w obrazie fabularnym. Pierwszym takim dziełem był „Autoportret z przyjaciółmi z Werony”, namalowany w 1606 roku we Włoszech. Co ciekawe, na płótnie twarz autora różni się od twarzy jego przyjaciół – wydaje się być oświetlony przez niewidzialne źródło i jako jedyny patrzy bezpośrednio na widza.

A najsłynniejszy autoportret można uznać za namalowany w 1623 r. - prawie żadna biografia Rubensa nie jest kompletna bez tego obrazu, którego reprodukcja została przedstawiona powyżej. Innym znanym portretem są „Czterej filozofowie” z 1611 r., które zostaną omówione bardziej szczegółowo poniżej. Ostatnim autoportretem artysty był obraz namalowany na rok przed śmiercią, w 1639 roku. Jej fragment prezentujemy w podtytule „Krótki życiorys artysty”. A oto jeszcze kilka obrazów, na których pojawia się portret autora:

„Autoportret” (1618).
„Autoportret z synem Albertem” (1620 r.).
„Autoportret” (1628).
„Ogród miłości” (1630).
„Autoportret z Heleną Fourment” (1631).
„Rubens, jego żona Helena Fourment i ich syn” (koniec lat trzydziestych XVII wieku).

„Sąd Ostateczny”

Rubens ma dwa obrazy zatytułowane „Sąd Ostateczny”, oba znajdują się w galerii Alte Pinakothek w Monachium. Pierwszy z nich, którego fragment zaprezentowano powyżej, powstał w roku 1617. Wykonany jest w oleju na desce o wymiarach 606 na 460 cm, dlatego drugi obraz o wymiarach 183 na 119 cm nazywany jest często „Małym Sądem Ostatecznym”. Większość płótna zajmują zwykli śmiertelnicy, dosłownie rozproszeni w różnych kierunkach mocą Chrystusa, który do nich zstąpił. Niektórzy z nich są ubrani, niektórzy nadzy, ale na wszystkich twarzach widać przerażenie i rozpacz, a niektórzy są całkowicie wciągani przez demoniczne stworzenia. Bóg w postaci Jezusa Chrystusa jest przedstawiony na samej górze obrazu pośrodku, z niego emanuje światło, zamiast ubrań jest jasnoczerwony materiał, a za nim albo święci, albo umarli, którzy już poszli do nieba . Po bokach Jezusa wyróżniają się Dziewica Maryja i Mojżesz ze świętymi tablicami w rękach.

W drugim obrazie, namalowanym przez Rubensa w 1620 roku, można dostrzec kontynuację lub odmianę pierwszego płótna. Mimo mniejszych rozmiarów płótno jest bardziej wydłużone, Bóg znów jest na samym szczycie, ale teraz pojawił się także obraz piekła. Grzesznicy schodzą w otchłań, gdzie witają ich radosne diabły, a aniołowie z trąbami nie pozwalają ludziom się wspinać, broniąc się przed nimi tarczami.

Tryptyki ołtarzowe

Dla Rubensa ołtarze stały się jednym z głównych rodzajów działalności artystycznej w okresie od 1610 do 1620 roku. Nazywa się je ołtarzami, gdyż artysta malował je głównie do dekoracji kościoła, a niektóre nawet bezpośrednio w kościele, aby prawidłowo uchwycić padanie światła w miejscu, w którym będzie umieszczone płótno. W tym czasie Rubens stworzył siedem obrazów przedstawiających ukrzyżowanie, pięć przedstawiających moment zdjęcia z krzyża i trzy przedstawiające jego wzniesienie, a także wiele innych wizerunków Chrystusa, świętych i tematów biblijnych. Ale najbardziej znane z nich to tryptyki znajdujące się w katedrze Matki Bożej w Antwerpii. Tryptyk „Podwyższenie Krzyża Pańskiego”, którego fragment widać na głównym zdjęciu tego artykułu, został wykonany przez artystę w 1610 roku na ołtarz starożytnego kościoła św. Wolburga, a obrazy przybyły na obecnym miejscu w 1816 r. Tryptyk „Zejście z krzyża” (widać powyżej) powstał specjalnie dla katedry, w której znajduje się do dziś, w latach 1612–1614. Wielu nazywa ten monumentalny obraz najlepszym dziełem Rubensa, a także jednym z najlepszych obrazów epoki baroku w ogóle.

„Unia ziemi i wody”

Obraz Rubensa „Zjednoczenie ziemi i wody”, namalowany w 1618 r., znajduje się w Państwowym Muzeum Ermitażu (St. Petersburg). Płótno przedstawiające boginię Ziemi Cybele, bogów morza Neptuna i Trytona, a także boginię Wiktorię, ma kilka znaczeń jednocześnie. Neptun i Kybele zawierają sojusz, czule trzymając się za ręce i patrząc na siebie, koronuje ich Wiktoria, a syn Neptuna Tryton, wynurzając się z głębin morskich, dmie w muszlę. Przede wszystkim fabuła uosabia boskie połączenie zasad kobiecych i męskich, ponieważ dla artysty pulchna naga kobieta zawsze była symbolem ziemskiego, płodnego, naturalnego. Ale dla Rubensa osobiście „Unia Ziemi i Wody” była także aluzją do trudnej sytuacji Flamandów, którzy podczas holenderskiej blokady zostali pozbawieni dostępu do morza. Najprostszą interpretację można uznać za mitologiczną jedność dwóch elementów, prowadzącą do światowej harmonii. Ponieważ w Ermitażu obraz uznawano za własność, w 1977 roku w ZSRR wydano znaczki pocztowe z tym obrazem.

„Trzy łaski”

Kolejny z najsłynniejszych obrazów artysty powstał w ostatnim roku jego życia – 1639. Obraz o eleganckim tytule „Trzy Gracje” przechowywany jest w hiszpańskim Muzeum Prado. Przedstawia w ulubiony sposób artysty trzy nagie, pulchne kobiety w jakimś raju, uosabiające starożytne rzymskie łaski - boginie zabawy i radości. W starożytnej Grecji boginie te nazywano Charitami. Tańczą płynnie, przytulając się i patrząc na siebie, najwyraźniej w miłej rozmowie. Pomimo identycznych postaci, których przedstawienie u Rubensa zawsze obejmowało wyłącznie gładkie, zaokrąglone linie bez jednego kąta, wprowadził różnice między kobietami w kolorze włosów. Jasna blondynka stoi w jasnej części krajobrazu na tle nieba, brązowowłosa kobieta wręcz przeciwnie jest przedstawiona na tle drzew, a pomiędzy nimi, na granicy światła i ciemności, rudowłosa bogini wygląda harmonijnie.

„Dwa Satyry”

Obraz Rubensa „Dwa satyry” kontynuuje temat mitologicznych stworzeń. Został namalowany w 1619 roku i obecnie znajduje się również w Alte Pinakothek w Monachium. W odróżnieniu od większości monumentalnych dzieł artysty, płótno to ma stosunkowo niewielki format – zaledwie 76 x 66 cm W mitologii starożytnej Grecji satyry były towarzyszami Dionizosa, boga wina, wesołych leśnych demonów z kozimi nogami i rogami. Wiadomo, że satyrowie nie byli zbyt leniwi, aby robić tylko dwie rzeczy - cudzołożyć z nimfami i pić wino. Rubens przedstawił dwa przeciwstawne typy satyrów – ten w tle wyraźnie woli alkohol. Świadczy o tym jego szczupła twarz i nadmiar spływający po kieliszku. Na pierwszym planie wyraźnie ukazany jest zmysłowy mężczyzna – jego pożądliwe spojrzenie i uśmiech dosłownie przeszywają widza, a delikatnie ściskana w jego dłoni kiść winogron wprawi nawet najbardziej wyrafinowanego widza w zakłopotanie.

„Perseusz uwalnia Andromedę”

Powyżej fragmenty trzech obrazów. Pierwsza z nich należy do pędzla Lamberta Sustrisa – „Perseusz uwalnia Andromedę”. Został napisany w połowie XVI wieku. To właśnie to dzieło zainspirowało Rubensa do stworzenia w 1620 roku swojego pierwszego płótna o tej samej nazwie. Zmieniając nieco płaski średniowieczny styl Sustris, artysta odtworzył niemal dosłownie pozy bohaterów i ogólną fabułę mitologiczną (fragment drugi). Obraz ten znajduje się w berlińskiej Galerii Sztuki.

Dwa lata później Rubens ponownie zwrócił się do fabuły Perseusza i Andromedy i namalował kolejny obraz o tej samej nazwie (fragment trzeci). Mimo niewielkiej różnicy charakterystyczny styl artysty zostaje już ujawniony w większym stopniu – bogini zwycięstwa Nike ponownie koronuje głowy bohaterów, a wokół fruwają małe amorki. Pomimo tego, że Perseusz jest starożytnym greckim bohaterem, ubrany jest w strój rzymskiego wojownika. Podobnie jak „Zjednoczenie Ziemi i Wody” obraz ten należy do kolekcji Państwowego Ermitażu.

„Wenus przed lustrem”

W swoim obrazie „Wenus przed lustrem” z 1615 r. Rubens w pewnym stopniu powtarza fabułę stworzoną wcześniej przez Tycjana, w której półnaga Wenus spogląda w lustro trzymane przez Kupidyna. Jednak czarna służąca obecna obok Wenus Rubensa sugeruje, że jego Wenus wcale nie jest boginią, ale ziemską kobietą skłonną do boskiego narcyzmu. Zgodnie ze swoim zwyczajem artysta ponownie przedstawił pulchną, białoskórą kobietę bez ubrania, ale ze złotą biżuterią i cienkim, przezroczystym płótnem u stóp. Pokojówka albo czesze, albo po prostu dotyka pięknych złotych włosów swojej pani. Obecnie obraz znajduje się w wiedeńskim Muzeum Kolekcji Liechtensteinu.

„Czterech Filozofów”

Na obrazie „Czterech filozofów” z 1611 r. Rubens oprócz siebie przedstawił swojego ukochanego brata Filipa, uczonego filozofa Justusa Lipsję i zmarłego w tym roku ucznia Jana Voveriusa. Na płótnie pojawia się także mops, ulubiony pies Lipsi, który pochylił głowę na kolanach Voverii. Obraz nie ma szczególnego tła fabularnego: podobnie jak „Autoportret z przyjaciółmi Werony”, namalowany z okazji śmierci Lipsjusza w 1606 roku, obraz jest dedykacją dla bliskich Rubensa i czasu, jaki udało mu się spędzić obok ich. Obraz można zobaczyć w Palazzo Pitti we Florencji.

„Polowanie na lwa”

W latach 1610-1620 artysta pasjonował się pisaniem scen myśliwskich. Osiągnąwszy ogromne mistrzostwo w przedstawianiu ciała ludzkiego, zapragnął połączyć to z pokazaniem ciał dużych zwierząt, nad czym dopiero czuwał. Jednym z najsłynniejszych obrazów Rubensa na ten temat jest „Polowanie na lwy” namalowane w 1621 roku. Konfrontację między bronią ludzką a siłami dzikich zwierząt doskonale ilustruje odważna konfrontacja dwóch muskularnych lwów z siedmioma myśliwymi, z których połowa atakuje na koniach. Jeden z lwów jest gotowy rozerwać myśliwego sztyletem na ziemię, drugi zębami ściągnął myśliwego z konia, chwytając pazurami ciało zwierzęcia. Pomimo tego, że lew ten zostaje dźgnięty trzema włóczniami na raz, jest zły i nie cofa się, a dopiero miecz jednego z myśliwych daje nadzieję na pokonanie rozwścieczonej bestii. Jeden z myśliwych leży nieprzytomny z nożem w dłoni. Szczególnie interesujący na tym zdjęciu jest fakt, że postacie ze Wschodu i Europy polują razem - widać to po ich ubiorze i broni. Obecnie obraz przechowywany jest w Alte Pinakothek w Monachium.

Portrety kochanków

Dość dużą kolekcję tworzą obrazy Rubensa, których tytuły zawierają imię jego pierwszej żony, Isabelli Brant. Z reguły są to albo jej osobiste portrety, albo wspólne autoportrety pary. W wyborze reprodukcji powyżej możesz zobaczyć:

„Portret Lady Izabeli Brant” (koniec lat dwudziestych XVII wieku).
„Portret Izabeli Brant” (1610).
„Portret Izabeli Brant” (1625).
„Autoportret z Isabellą Brant” (1610).

Ostatni obraz uznawany jest za jeden z najlepszych portretów artysty. On i jego młoda żona zostali przedstawieni niezwykle plastycznie, niczym na fotografii – trudno uwierzyć, że bohaterowie nie zostali uchwyceni w danej chwili. Jednym z najpiękniejszych detali tego obrazu są dłonie kochanków i ich delikatny dotyk, który lepiej przekazuje miłość i interakcję, niż gdyby bohaterowie po prostu na siebie patrzyli. Obecnie płótno przechowywane jest także w Alte Pinakothek w Monachium.

Widoczne powyżej portrety Eleny Fourment stały się głównym tematem malarstwa Rubensa w ostatnich latach jego życia. Prezentowane są fragmenty następujących obrazów:

„Helene Fourment i France Rubens” (1639).
„Portret Heleny Fourment” (1632).
„Futro” (1638).
„Elena Fourment w sukni ślubnej” (1631).
„Portret Heleny Fourment, drugiej żony artysty” (1630).
„Rubens z żoną Heleną Fourment i synem” (1638).

Jednak za najsłynniejszy portret Eleny Fourment autorstwa jej męża uważa się, że został namalowany w 1630 r., a jego reprodukcję przedstawiono powyżej. Przedstawia 16-letnią młodą żonę w przepięknej sukni wieczorowej, pięknym aksamitnym kapeluszu w stylu holenderskim i dwóch delikatnych różanych kwiatach przyciśniętych do brzucha. Uważa się, że w tym okresie druga żona Rubensa była już w ciąży i właśnie to symbolizują kwiaty w pobliżu jej brzucha. Płótno znajduje się w Królewskiej Galerii Sztuki Mauritshuis w Hadze.

Niewielu artystów, nawet tych wielkich, zasługuje na miano twórców nowego stylu w malarstwie. Rubens jest wyjątkiem. Stał się twórcą żywego i pasjonującego stylu wypowiedzi artystycznej, zwanego później barokiem. Wyjątkowe właściwości tego stylu pisania są wyraźnie widoczne w jego wczesnym dziele przejściowym pt. Św. Jerzy zabijający smoka (patrz poniżej). Kobieta stojąca po lewej stronie w zamarzniętej pozie jest ukazana niezwykle szczegółowo, co jest charakterystyczne dla wszystkich poprzedników Rubensa. Ale bohaterska postać rycerza, jego konia, energiczne gesty i jasne kolory świadczą o nowym zainteresowaniu Rubensa asertywnym działaniem, ruchem, emocjami. Obrazy takie jak ten wyprzedzały o około pół wieku powszechne wykorzystanie stylu barokowego przez artystów w innych krajach europejskich.

Jasny, bujny styl Rubensa charakteryzuje się przedstawieniem dużych, ciężkich postaci w szybkim ruchu, podekscytowanych do granic możliwości emocjonalnie naładowaną atmosferą. Ostre kontrasty światła i cienia oraz ciepłe, bogate kolory zdają się nasycać jego obrazy tryskającą energią. Malował prymitywne sceny biblijne, szybkie, ekscytujące polowania na zwierzęta, dźwięczne bitwy wojskowe, przykłady najwyższych przejawów ducha religijnego, a wszystko to czynił z równą pasją przenoszenia na płótno najwyższego dramatu życia. Jeden z jego największych wielbicieli, XIX-wieczny francuski kolorysta Eugene Delacroix, tak pisał o Rubensie: „Jego główną cechą, choć preferowaną od wielu innych, jest przenikliwy duch, to znaczy zdumiewające życie; bez tego żaden artysta nie może być wielki... Tycjan i Paolo Veronese wydają się przy nim strasznie potulni.”

Nikt tak nie przedstawiał ludzi i zwierząt w brutalnej walce jak Rubens. Wszyscy jego poprzednicy dokładnie studiowali oswojone zwierzęta i malowali je w scenach z ludźmi. Prace takie miały zazwyczaj jeden cel – wykazanie znajomości budowy anatomicznej zwierzęcia i opierały się głównie na opowieściach biblijnych lub mitologicznych. Wyobraźnia Rubensa wyniosła go daleko poza rzeczywistość historyczną, zmuszając do stworzenia żywego świata, w którym ludzie i zwierzęta toczą ze sobą spontaniczną walkę. Jego sceny myśliwskie charakteryzują się ogromnym napięciem: namiętność sięga zenitu, podekscytowani ludzie i zwierzęta nieustraszenie i wściekle atakują się nawzajem. Rubens spopularyzował ten gatunek w połowie swojej kariery artystycznej. Słynny obraz „Polowanie na hipopotama” (patrz poniżej), jeden z czterech zamówionych u Rubensa przez księcia Maksymiliana Bawarii do jednego z jego pałaców, przedstawia po prostu niesamowitą walkę pomiędzy krokodylem, wściekłym hipopotamem, trzema psami i trzema końmi i pięciu mężczyzn. Cała kompozycja obrazu Rubensa po mistrzowsku skupia się na postaci hipopotama. Łuk jego pleców kieruje wzrok widza w górę. Tam, w górnej części obrazu, niczym wachlarz, znajdują się długie końskie pyski, wzniesione ramiona myśliwych, piki i miecze, które tworzą potężne przekątne, zwracając wzrok widza na środek płótna, na środek obrazu. walka. Rubens osiąga w swoim malarstwie różnorodne formy, które łącząc się i przenikając, potęgują dramat rozgrywający się na oczach widza, przenosząc całą jego uwagę nie na życie, ale na śmierć tych zwierząt w samym centrum obrazu. zdjęcie.

Artyści

„Kreatywność to bezpośrednie, żywe ucieleśnienie, to indywidualny świat artysty… to niezależność od władzy i wszelkich korzyści” – jak pisał sam wielki japoński artysta. Dziedzictwo twórcze Hokusai jest niezwykle duże: stworzył około trzydziestu tysięcy rysunków i grafik oraz zilustrował około pięciuset...

Pierwszą biografię artysty opracował Jan Orlers, burmistrz Lejdy. „Syn Harmensa Herritsa van Rijna i Neltchen Willems urodził się w Lejdzie 15 lipca 1606 roku. Rodzice wysłali go na naukę łaciny do szkoły Uniwersytetu w Lejdzie, z zamiarem późniejszego zapisania go do...
Repin był przykładem bezinteresownego oddania sztuce. Artysta napisał: "Bardziej kocham sztukę niż cnotę... Kocham ją skrycie, zazdrośnie, jak stary pijak, nieuleczalnie. Gdziekolwiek jestem, nieważne czym się bawię, nieważne, jak bardzo podziwiam, nieważne co Podoba mi się to...
Delacroix rozpoczyna swój esej historyczny o artyście: "Życie Poussina odbija się w jego twórczościach i jest równie piękne i szlachetne jak one. Jest to doskonały przykład dla wszystkich, którzy decydują się poświęcić sztuce". „Jego dzieła służyły za przykład dla najszlachetniejszych umysłów, które...
Twórca własnego stylu abstrakcyjnego – suprematyzmu – Kazimierz Siewierinowicz Malewicz urodził się 23 lutego 1878 r. (według innych źródeł – 1879 r.) w Kijowie. Rodzice Severin Antonovich i Ludwiga Aleksandrowna byli z pochodzenia Polakami. Artysta wspominał później: „Okoliczności, w jakich toczyło się moje życie...
Turner wszedł do historii malarstwa światowego jako twórca zasadniczo nowego podejścia do koloru, twórca rzadkich efektów świetlnych i powietrznych. Słynny rosyjski krytyk V.V. Stasow pisał o Turnerze: „…Mając około 45 lat, odnalazł tu własną drogę i dokonał tu wielkich cudów…
Genialnemu, oryginalnemu artyście XIX i początku XX wieku M.A. Vrubel był zdolny do malarstwa monumentalnego, malarstwa sztalugowego, grafiki i rzeźby. Los artysty jest tragiczny: wiele wycierpiał, a nawet przez lata był na skraju szaleństwa. Vrubel dużo eksperymentował z farbami, dlatego niektóre jego płótna...
TJ. Repin nazwał Kustodiewa „bohaterem malarstwa rosyjskiego”. „Wielki rosyjski artysta - i z rosyjską duszą” – powiedział o nim inny znany malarz M.V. Niestierow. A oto co pisze N.A.: Sautin: „Kustodiew jest artystą o wszechstronnym talencie. Znakomity malarz, wszedł do…
Tintoretto (prawdziwe nazwisko Jacopo Robusti) urodził się 29 września 1518 roku w Wenecji. Był synem farbiarza jedwabiu. Stąd jego przydomek Tintoretto – „mały farbiarz”. Już jako dziecko uzależnił się od rysowania węglem i w swoich pracach wykorzystywał kolorowe materiały ojca.
Twórczość Tiepolo kontynuowała wielkie tradycje malarstwa weneckiego. Jednak dopiero w XX wieku ponownie zyskał uznanie, na jakie zasługuje. Twórczość Tiepolo uważana jest dziś za najważniejsze zjawisko w malarstwie późnego baroku. Giovanni Battista Tiepolo urodził się 5 marca 1696 roku w Wenecji. Jego…
Francuski krytyk Edmond About pisał w 1855 roku: „Monsieur Corot jest jedynym i wyjątkowym artystą ponad wszelkimi gatunkami i szkołami. Niczego nie naśladuje, nawet natury. On sam jest niepowtarzalny. Żaden artysta nie jest obdarzony takim stylem i nie potrafi lepiej przekazać ...
(1401 - ok. 1429) Dzieło Masaccio rozpoczyna się w XV wieku, który był wiekiem największego rozkwitu sztuki florenckiej. Nie będzie przesadą stwierdzenie, że Masaccio wraz z architektem Brunelleschi i rzeźbiarzem Donatello dał decydujący impuls rozwojowi sztuki renesansu. „...Florentyńczyk Tomaso, nazywany Masaccio, pokazał swoje...
Makovsky to jeden z najpopularniejszych rosyjskich artystów gatunkowych drugiej połowy XIX wieku. Znany jest jako autor licznych obrazów, które zgodnie z prawdą i kompleksowo ukazują życie najróżniejszych warstw rosyjskiego społeczeństwa swoich czasów. Władimir Jegorowicz Makowski urodził się 7 lutego 1846 r. w rodzinie Jegora Iwanowicza...
P. Eluard nazwał Rousseau wielkim artystą, który „ożywiał chmury i liście na drzewach, a jednocześnie wiedział, jak napisać sen”. „Na szczęście dla nas” – dodał Eluard – „Rousseau był przekonany, że musi pokazać to, co widzi…
Słynny krytyk Paul Husson tak pisał o Modiglianim w 1922 roku: „Po Gauguinie niewątpliwie wiedział najlepiej, jak wyrazić w swojej twórczości poczucie tragizmu, jednak u niego to uczucie było bardziej intymne i zwykle pozbawione jakiejkolwiek wyłączności. ... To artysta nosi w sobie…
Wybitny mistrz baroku L. Bernini uważał Rafaela za pierwszego z wielkich i przyrównał go do „wielkiego morza, które wchłonęło wodę ze wszystkich rzek”. „Natura dała ten dar światu, gdy podbita przez sztukę Michała Anioła Buonarrotiego, chciała być jednocześnie podbita przez sztukę i uprzejmość Rafaela…
Giovanni Bellini (ok. 1433-1516) to wybitny malarz należący do szkoły weneckiej, jeden z twórców wysokiego renesansu. „Przez pięćdziesiąt lat” – napisał Bernson w 1916 r. – „Giovanni prowadził malarstwo weneckie od zwycięstwa do zwycięstwa. Uchwycił to w tym momencie...

Petera Paula Rubensa

„Peter Paweł Rubens”

Słynny artysta Delacroix powiedział: „Musisz zobaczyć Rubensa, musisz naśladować Rubensa: bo Rubens jest bogiem!”

Zachwycony Rubensem M. Karamzin napisał w „Listach rosyjskiego podróżnika”: „Rubens słusznie nazywany jest flamandzkim Rafaelem… Cóż za bogate myśli! Cóż za zgodność w ogóle! Jakie żywe kolory, twarze, stroje!”

Ojciec Petera Paula Rubensa był prawnikiem i doradcą sędziego w Antwerpii. Jednak po wprowadzeniu do kraju wojsk hiszpańskich w 1567 roku, kiedy rozpoczął się brutalny terror wprowadzony przez księcia Alby, Jan Rubens uciekł do Kolonii. Na wygnaniu, w niemieckim mieście Siegen, 28 czerwca 1577 roku urodził się przyszły wielki artysta. Chłopiec spędził dzieciństwo w Kolonii.

Dopiero po śmierci męża w 1587 roku Maria Peipelinks wróciła z dziećmi do Antwerpii. Tutaj jedenastoletni Piotr Paweł i jego starszy brat Filip zostali wysłani do szkoły łacińskiej. Studiuje języki obce i zaczyna zapoznawać się z historią starożytną i literaturą.

Wczesna pasja do rysunku i zainteresowanie sztuką zaprowadziły czternastoletniego Rubensa do pracowni artysty krajobrazu Tobiasa Verhahata. Drugim nauczycielem Rubensa był Adam van Noort. W 1594 roku Rubens wszedł do warsztatu malarza nadwornego Otto Veniusa, jednego z największych wówczas powieściopisarzy holenderskich. Po czteroletnim pobycie w warsztacie Weniusza Rubens w 1598 roku został przyjęty do cechu artystów św. Łukasz. Daje mu to prawo do samodzielnej pracy, jednak przez kolejne dwa lata Piotr Paweł pozostawał w warsztacie van Veena, uczestnicząc w przygotowaniach do uroczystego wjazdu do Antwerpii nowych władców Hiszpanii – arcyksięcia Alberta i jego żony Izabeli.

W 1600 roku Rubens udał się do Włoch, gdzie zgodnie z wieloletnią tradycją malarze holenderscy uzupełniali swoją edukację artystyczną.

Wkrótce po przybyciu na miejsce artysta wszedł na służbę księcia Mantui Vincenzo Gonzagi. Otrzymał irytująco niewiele rozkazów od Vincenza, lecz książę, rozpoznając w młodym człowieku zadatki na dyplomatę, wysłał go w 1603 roku z misją do króla Hiszpanii.

Następnie Rubens spędził kilka lat w Rzymie, gdzie, jak sam powiedział, „wbrew twierdzeniom wszystkich najlepszych rzymskich artystów” otrzymał duże zamówienie - ołtarz do głównego ołtarza Chiesa Nuova.

Oprócz kompozycji ołtarzowych stale wykonywał zamówienia szlachty włoskiej, dużo pracował jako portrecista, malował takie obrazy jak „Autoportret z przyjaciółmi z Mantui” (ok. 1606 r.), „Margraza Brigida Spinola-Doria” (1606 r. -1607).

Wkrótce po pomyślnym ukończeniu ołtarza w Chiesa Nuova artysta wrócił do Antwerpii.

„Peter Paweł Rubens”

Jego nagły wyjazd z Rzymu wyjaśniono wiadomością o ciężkiej chorobie matki. Niezależnie od tego, jak bardzo się spieszył, nigdy nie udało mu się dotrzeć do umierającej kobiety.

Wracając do Antwerpii jesienią 1608 roku, Rubens ujrzał w przenośnym wyrażeniu jednego ze swoich współczesnych „duże miasto - wielka pustynia”. W wyniku wieloletnich wojen z Hiszpanią i Holandią Antwerpia została zdewastowana i krwawiąca. Ale wiosną 1609 roku ogłoszono rozejm, który trwał dwanaście lat. Flanders w końcu mógł swobodnie oddychać. Rubens odzwierciedlił w swojej sztuce to szczęście spokojnej egzystencji. Wkrótce poślubia młodą mieszkankę Isabellę Brandt.

„Kiedy wrócił do ojczyzny” – mówi pierwszy biograf artysty – „jego sława była już powszechna, a arcyksiążęta Albert i Izabela, chcąc, aby je namalował, mianowali go nadwornym artystą i przywiązali do siebie złotymi łańcuchami, aby tak że nie wróci do Włoch, gdzie mogą go przyciągnąć wysokie ceny za swoje obrazy.”

Rubensowi zaproponowano dobre warunki – oprócz rocznej pensji w wysokości 500 florenów przysługiwała mu specjalna nagroda za każdą pracę zleconą mu przez dostojnych patronów, z wyjątkiem ich portretów. Stanowisko artysty nadwornego zwalniało go także od podatków, a także od wszelkiego rodzaju wyłudzeń.

Jednym z pierwszych zamówień, które Rubens otrzymał po powrocie z Włoch, był wielkoformatowy obraz Pokłonu Trzech Króli dla dużego ratusza w Antwerpii. W następnym roku Rubens rozpoczął pracę nad pierwszą z dwóch monumentalnych kompozycji ołtarzowych, które miały umocnić jego reputację w Antwerpii: Podwyższenia Krzyża dla kościoła św. Walburgi następną dużą kompozycją ołtarzową było „Zejście z krzyża”.

Obie kompozycje ołtarzowe, które doprowadziły do prawdziwej rewolucji w malarstwie antwerpijskim, uważane są za charakterystyczne ilustracje obu stron sztuki Rubensa – „barokowej” i „klasycznej”. Jest to oczywiście duże uproszczenie, ale nie można zaprzeczyć, że oba tryptyki opierają się na odmiennych zasadach. „Uzbrojenie” swoją niezwykle dramatyczną, diagonalną kompozycją ukazuje z całą siłą toczącą się akcję, natomiast „Rozbrajanie”, mimo że ukazana w nim akcja nie jest jeszcze zakończona, zdaje się uwieczniać chwilę spokoju wyrwaną ze strumienia czasu .

„Patos burzliwej dynamiki kosmicznej, walka przeciwstawnych sił dominuje na ogromnych dekoracyjnych płótnach: „Sąd Ostateczny”, „Mniejszy sąd ostateczny”, „Upadek grzeszników”, „Bitwa Amazonek” (1610) , zauważa T. P. Kaptereva – Element pierwotnego chaosu podporządkowany jest nienagannie zorganizowanej kompozycji zbudowanej na przekątnej, elipsie, spirali, na kontrastach ciemnych i jasnych sylwetek, zestawień kolorystycznych i plam, strumieni światła i zacienionych mas obrazowych, złożonej gra rytmicznych harmonii.

„Peter Paweł Rubens”

Zaciętą walkę ludzi z dzikimi zwierzętami ucieleśniają sceny myśliwskie - nowy gatunek malarstwa flamandzkiego stworzony przez Rubensa, który wyróżniał się bardziej konwencjonalnym charakterem („Polowanie na krokodyla i hipopotama”, „Polowanie na dzika”, 1615, „Polowanie na lwa”, 1615-1618), następnie podejście do rzeczywistości, połączenie gatunku zwierzęcego i krajobrazu („Polowanie na dzika”, ok. 1618-1620). Temat zmagań człowieka z siłami natury obecny jest już we wczesnych pejzażowych pracach artysty („Nosiciele kamieni”, ok. 1620 r.).

Już w pierwszych latach pobytu Rubensa w Antwerpii powstał jego warsztat. Zjeżdżają do niego studenci z całego kraju. „Jestem tak oblegany przez petentów” – pisze Rubens w 1611 r. – „że wielu studentów czeka od kilku lat u innych mistrzów, abym mógł ich przyjąć. Jestem zmuszony odrzucić ponad stu kandydatów”. Z warsztatu Rubensa wychodzą nie tylko malarze, ale także architekci, rzeźbiarze i rytownicy.

Współcześni pozostawili wspomnienia tego, jak dystrybuowano prace w warsztacie Rubensa. Oto, co napisał przy tej okazji niemiecki artysta Joachim von Sandrart, jeden z pierwszych biografów Rubensa: „Zawsze sam komponował kompozycję przyszłego obrazu na szkicu wysokim na dwa lub trzy przęsła, według tego szkicu swoich uczniów. ..namalował obraz na dużym płótnie, przez który następnie przeszedł pędzlem lub sam wykonał najważniejsze fragmenty.” Co więcej, jak zauważył Sandrart, Rubens „starannie szkolił” swoich uczniów i „wykorzystywał ich zgodnie z ich skłonnościami i zdolnościami”.

„Nieustanne pragnienie Rubensa wprowadzenia narodowej kultury flamandzkiej do kultury paneuropejskiej wiąże się także z jego zainteresowaniem starożytnością, tradycyjną dla sztuki ówczesnej Europy Zachodniej” – pisze N.S. Priymenko. „Rubens jest genialnym koneserem starożytności, sztuka starożytna, mitologia starożytna. Zachwyt życiem, chęć oddania piękna żywego ciała ludzkiego przybliża go do starożytnych mistrzów. Jednak studiując zabytki sztuki starożytnej Rubens nigdy dosłownie nie powtórzył ideału piękna stworzonego przez starożytnych mistrzów.Reinterpretuje ideał klasyczny zgodnie z narodowym ideałem flamandzkim, starając się oddać piękno zdrowego, silnego, kwitnącego ludzkiego ciała, jego ciepło i cześć.To nie klasyczna surowość i piękno proporcji ekscytują artysta, ale fizyczna siła fizyczna człowieka, ruch ucieleśniony w żywym ciele.Przykładem tego mogą być liczne obrazy Rubensa o tematyce antycznej, powstałe w pierwszej dekadzie twórczości artysty w Antwerpii: „Statua Ceres” , „Zjednoczenie Ziemi i Wody” (ok. 1615 r.), „Gwałt na córkach Leukipposa” (1615-1620), liczne „Bachanalia”, „Wenus i Adonis”, „Powrót Diany z polowania”, „Bitwa pod Amazonki” (1615), „Perseusz i Andromeda” (1620-1621) itd.”

„Obraz „Unia Ziemi i Wody” jest jak wspaniała alegoria światowej harmonii w połączeniu głównych sił, na których opiera się świat.

„Peter Paweł Rubens”

Piękno kompozycji tworzącej luksusową piramidę, piękno koloru, oddającego niezliczoną ilością niuansów dreszcz życia, piękno ludzkiego ciała oraz spokojny majestat gestów i póz tworzą na płótnie tę harmonię, przekonując nas, że jest to możliwe na świecie.

Ale harmonię poprzedza walka: w walce z ciemnymi siłami natury, w walce ze złem dojrzewa osobowość ludzka i rośnie bohater. Cóż za niekontrolowany wicher walki, cóż za wola zwycięstwa w szkicu „Polowanie na lwy”, w którym Rubens z siłą równą Michałowi Aniołowi wychwala ludzką odwagę!

A oto wcielony bohater na zdjęciu, niewątpliwie jeden z najdoskonalszych w jego twórczości - „Perseusz i Andromeda”. Perseusz, syn Zeusa i Danae, zabija potwora morskiego, który pojmał piękną księżniczkę Andromedę i uwalnia ją. Rubens zwraca się do świata starożytnego, aby uchwycić męski heroizm i wieczną kobiecość. Jakże cudowne są niebieskawe cienie na różowawej bieli delikatnego ciała jeńca o nieśmiało spuszczonych oczach i jak uroczy jest młody bohater w jego łatwym, zwycięskim kroku! A nad nim jaśniejąca bogini chwały. Małe amorki trzymają za uzdę skrzydlatego konia Pegaza, być może najpiękniejszego konia, jaki kiedykolwiek narodził się pędzlem artysty. I ten pędzel tworzy tutaj kolorową gamę, która swoimi odcieniami, zwiewną przezroczystością, niepostrzeżenie przechodzącą w najgłębsze, najbardziej nasycone tony, łącząc się w jeden pełnokolorowy strumień, prawdopodobnie stawia Rubensa wraz z Tycjanem przede wszystkim kolorystami Włochy i Flandria” (L.D. Lyubimov).

W latach dwudziestych XVII w. tworzył ogromne rozmiary i skomplikowaną w konstrukcji kompozycje, a także całe serie płócien. W 1624 r. Rubens napisał „Pokłon Trzech Króli” (Antwerpia). „Duży rozmiar obrazu” – mówi artysta – „dodaje nam znacznie większej odwagi, aby dobrze i wiarygodnie wyrazić naszą intencję”.

Obraz ten zadziwia swobodą kompozycji i jasnymi, wyrazistymi kolorami. Tradycyjny temat sztuki chrześcijańskiej w interpretacji Rubensa przekształca się w radosne, ziemskie widowisko. Pędzel artysty pewnie rzeźbi potężne postacie ludzi i zwierząt oraz definiuje kontury trzepoczących fałd odzieży. Każda linia jest pełna napięcia, każde pociągnięcie niesie ze sobą ładunek twórczej energii mistrza.

Spośród portretów z tego okresu na szczególną uwagę zasługuje urokliwy „Portret pokojówki arcyksiężnej Izabeli” (ok. 1625 r.).

Artystce towarzyszy wielka sława. Nazywany jest „królem malarzy” i „malarzem królów”. W 1624 roku król hiszpański nadał Rubensowi tytuł szlachecki z późniejszym prawem dziedziczenia tego tytułu klasowego.

„Peter Paweł Rubens”

W latach dwudziestych artysta realizował szereg zamówień najważniejszych dworów europejskich. Do jego klientów zaliczają się książę Bawarii Maksymilian, król Hiszpanii Filip IV, król Anglii Karol I i francuska królowa Maria Medycejska.

Na zlecenie Marii Medycejskiej Rubens w latach 1622–1625 namalował dużą serię obrazów historycznych poświęconych życiu królowej. Tworzy szczególny rodzaj obrazu historycznego.

„Na ponad dwudziestu dużych obrazach musiał przedstawić różne epizody z życia i panowania królowej” – piszą M.V. Dobroklonsky i N.N. Nikulin. „Same epizody są nieznaczne, ale geniusz Rubensa pozwolił mu rozwiązać to niewdzięczne zadanie z wyjątkowy kunszt artystyczny.Łączy w swoim cyklu elementy autentycznego malarstwa historycznego z wszelkiego rodzaju postaciami mitologicznymi, alegoriami, aluzjami alegorycznymi.I tak w scenie, w której Henryk IV otrzymuje portret Marii, dwóch skrzydlatych geniuszy, uosabiających miłość i małżeństwo, trzymają się wyidealizowany obraz księżniczki przed podziwiającym ją królem. Stojąca nieopodal kobieta, alegoria Francji, radzi mu, aby podążał za pragnieniem serca. Jowisz i Juno protekcjonalnie patrzą na tę scenę z góry. Monumentalna konstrukcja kompozycji , efektowne tła architektoniczne lub krajobrazowe oraz bogactwo barw decydują o niezrównanych walorach dekoracyjnych tych dużych obrazów, wykonanych przy szerokim udziale asystentów Rubensa. Jednak jeszcze doskonalsze są własne szkice mistrza, w szczególności szkic „Koronacja królowej Marii Medycejskiej” (1622-1625) uderza żywiołowością kompozycji, wyrafinowaniem kolorystycznym i wirtuozerską swobodą wykonania.

W 1626 roku zmarła jego ukochana żona Izabela Brant. W jednym ze swoich listów Rubens napisze z bólem: „Straciłem wspaniałego przyjaciela... Ta strata uderza mnie do głębi, a ponieważ jedynym lekarstwem na wszelkie smutki jest zapomnienie, dziecko czasu, Będę musiał położyć w tym całą moją nadzieję. Trzy lata przed tym smutnym wydarzeniem Rubens przeżył kolejną żałobę – śmierć swojej dwunastoletniej córki Clary Sareny.

Po śmierci Izabeli Rubens, nieoczekiwanie dla wielu, porzucił malarstwo i w randze pełnomocnego ambasadora hiszpańskiej Holandii przejął prowadzenie skomplikowanych negocjacji dyplomatycznych. W 1630 roku udaje się do Londynu i tam przygotowuje pokój między Hiszpanią a sojusznikiem Holandii, Anglią. Zakończenie jego kariery dyplomatycznej w tym samym roku zbiegło się z małżeństwem Rubensa z szesnastoletnią Eleną Faurment, daleką krewną zmarłej Isabelli.

W liście do przyjaciela artysta napisał: „Wziąłem młodą żonę, córkę uczciwych mieszczan, chociaż ze wszystkich stron próbowali mnie przekonać, abym dokonał wyboru na dworze, ale bałem się tej katastrofy szlacheckiej i szczególnie arogancja...

Chciałem mieć żonę, która nie zarumieniłaby się, gdyby zobaczyła, jak biorę pędzle…”

Pomimo różnicy wieku późne małżeństwo Rubensa było szczęśliwym połączeniem piękna i talentu.

W. Aleksiejew pisze:

„Wizerunki kobiet Rubensa zawsze łączyły cechy Izabeli i Heleny: „w pierwszym zdawał się antycypować cechy drugiego; w drugim umieścił jakby niezatarte wspomnienie pierwszego. Prawie żaden obraz zmarłego Rubensa nie jest kompletny bez Heleny: namalował ją jako Magdalenę i Batszebę, w futrze ledwo zakrywającym jej nagość, w prymitywnej sukni flamandzkiej damy...

Przed Państwem portret Heleny z dziećmi (ok. 1636 r.), „piękny szkic, ledwo nakreślony sen, pozostawiony przypadkowo lub celowo niedokończony” (Fromentin).

U schyłku życia Rubens opuścił podwórko i porzucił swój warsztat; mieszkał teraz za miastem, wśród swoich kolekcji i obrazów, w zamku Steen, otoczonym pięknym parkiem. Zamek wyglądał jak muzeum na całe życie, ale Elena wniosła do niego ciepło domu. Rubens nie zmienił swoich przyzwyczajeń: nawet gdy był chory, pracował codziennie, ale zmienił się jego sposób bycia. Zaczął malować prościej, ale bardziej przenikliwie, w jego obrazach było więcej światła i powietrza”.

Rubensa dręczy choroba. Kiedy prawa ręka przestaje działać, lewą pisze dalej, uparcie, bohatersko stawiając opór temu, co nieuniknione.

Krajobrazy zmarłego Rubensa odtwarzają epicki obraz natury Flandrii z jej otwartymi przestrzeniami, odległościami, drogami i zamieszkującymi ją ludźmi: „Tęcza” (1632–1635), „Powrót z pola” (1636–1638). Artysta przedstawia pełne wesołych elementów uroczystości ludowe – „Taniec chłopski” (1636-1640), „Kermessa” (ok. 1635).

18+, 2015, strona internetowa, „Zespół Siódmego Oceanu”. Koordynator zespołu:

Zapewniamy bezpłatną publikację na stronie.
Publikacje zawarte w serwisie stanowią własność ich prawnych właścicieli i autorów.