Sercem nowego stylu jest twórczość Alphonse'a Muchy.
Kiedyś Salvador Dali powiedział: „Surrealizm to ja” i stwierdzenie to było całkiem rozsądne. Alphonse Mucha nie zauważył podobnego stwierdzenia („Ar Nouveau to ja”), ale gdyby przyszło mu do głowy wymówić te słowa, nikt nie odważyłby się mu zarzucić arogancji – śmiało można powiedzieć, że bez Muchy secesja po prostu nie może istniało, dzieło mistrza stało się sercem i duszą nowoczesności.
Kim był tajemniczy i niezwykle utalentowany Alfons Mucha, którego nazwisko grzmiało na całym świecie na początku XX wieku, później niesprawiedliwie wyśmiewane przez artystów awangardowych i zapomniane przez kilka pokoleń, a w ostatnich dziesięcioleciach odzyskało dawną świetność?
Artysta urodził się 24 lipca 1860 roku w Ivančicach (Morawy), w rodzinie urzędnika i córki zamożnego młynarza, od najmłodszych lat lubił rysować i temu zajęciu poświęcał każdą wolną chwilę. Po szkole próbował wstąpić do Praskiej Akademii Sztuk Pięknych, ale nie udało mu się i został zmuszony do podjęcia pracy - z pomocą ojca wstąpił do sądu jako urzędnik, w wolnym czasie pracował w teatrze. Ogromnym sukcesem artysty była praca nad projektem zamku hrabiego Couen-Belassi: hrabia, podziwiając talent młodego człowieka, zgodził się opłacić jego dalszą edukację w Monachium. Mucha studiował tam przez dwa lata, a następnie przeniósł się do Paryża, aby kontynuować naukę w Akademii Juliena.
Artysta podejmował się wszelkich prac, w jakikolwiek sposób związanych z malarstwem: rysunków do gazet i czasopism, plakatów reklamowych i teatralnych, pocztówek, opakowań itp. I to jest chyba najjaśniejsza cecha Muchy jako twórcy: nie miał bolesnych ambicji, właściwych wielu twórczym indywidualistom, którzy uważają swój talent za tak wielki, że nie chcą go „marnować” na drobnostki - są gotowi tylko pisać monumentalne płótna, ale za „drobną, komercyjną twórczość podejmuje się niechętnie i wyłącznie ze względów materialnych. Mucha natomiast argumentował inaczej: lubił wszelką twórczość, starając się upiększyć każdą, nawet najbardziej banalną i codzienną rzecz. Jak widać osiągnął w tym perfekcję – jego stylu nie da się pomylić z żadnym innym i podziwiamy każde jego dzieło, niezależnie od tego, czy jest to reklama ciastek i opakowanie szampana, czy też okazałe płótno. Wkład Muchy w rozwój reklamy można porównać chyba dopiero z wkładem Andy’ego Warhola pół wieku później.
Symboliczne jest, że pierwszym krokiem Muchy do światowej sławy było właśnie stworzenie plakatu - był to plakat Sarah Bernhardt i jej renesansowego teatru do sztuki Gismonda. Zamówienie trafiło do Muchy niemal przez przypadek, na szczęście Bernard zwrócił się do drukarni należącej do znajomego artysty. Tak czy inaczej, sukces był olśniewający: aktorka od razu znalazła twórcę zachwycającego plakatu i od razu podpisała z nim kontrakt na 6 lat, podczas którego pracował nie tylko nad wieloma zapowiedziami występów, ale także nad scenografią. Z jego udziałem wystawiono Hamleta, Medeę, Damę z kameliami, Toskę i inne znaczące dla teatru przedstawienia oparte na znanych skomplikowanych fabułach.
Równolegle Mucha współpracował z takimi wydawnictwami jak „Życie Ludowe”, „Życie Paryskie”, „Figaro”, „Kokoriko”.
W tym samym czasie stworzył swoje najsłynniejsze cykle obrazów, które po prostu zakochały się w paryżanach: „Pory roku”, „Miesiące”, „Kamienie szlachetne”, „Kwiaty”, „Gwiazdy”, „Poranek, popołudnie, wieczór , Noc” i inne. Drukowano je w dużych nakładach, zdobiły galerie, damskie buduary i ściany modnych restauracji.
W centrum obrazu zawsze znajdowała się postać kobieca - ponętna, tajemnicza, ospała, czasem bliska, czasem wręcz przeciwnie, majestatyczna. Obrazy zmieniają się z obrazu na obraz, aż w życiu i twórczości artysty pozostaje tylko jedna kobieta - Maria Khitilova, jego uczennica, żona i muza. Mukha poznał Khitilovą w Paryżu, poślubił ją w wieku 45 lat, jego kochanek był od niego o 20 lat młodszy. Mieli dwie córki i syna – wszyscy wyrośli na bardzo utalentowanych ludzi, którzy odziedziczyli dar ojca. Maria pozowała do wielu późniejszych obrazów Alphonse'a, a w jego bohaterkach możemy odgadnąć jej rysy.
Co ciekawe, Alphonse Mucha był tak wszechstronny, że stworzył nawet projekty dużej liczby biżuterii, które zostały powołane do życia przez słynnego mistrza i dobrego przyjaciela Muchy, Georgesa Fouqueta. Niestety wiele z nich zaginęło i dotarło do nas jedynie na zdjęciach. Jednak niedawno wnuczka artystki uruchomiła projekt poświęcony tworzeniu biżuterii według szkiców jej dziadka i kto wie, może już niedługo fani twórczości Muchy będą mogli zobaczyć arcydzieła na własne oczy.
W 1901 roku Mucha wydał książkę dla początkujących „Dokumentacja dekoracyjna”, w której szczegółowo opisano różne techniki tworzenia dzieł w stylu secesyjnym, podano przykłady ozdób, wzorów, czcionek; szkice mebli, biżuterii, różnych artykułów gospodarstwa domowego. Kto, jeśli nie Mukha, mógł i powinien był wydać taką publikację dla potomności!
Jak już wspomnieliśmy, twórczość Muchy jest kwintesencją secesji ze wszystkimi jej charakterystycznymi cechami. To kobiecość, kobiecość, miękkość - i to nie tylko oczywista, poprzez przedstawienie odpowiednich obrazów - ale także poprzez ogólną atmosferę obrazów - łagodną, spokojną, uspokajającą. Wszystkie prace Mukhy są pełne gładkich, zakrzywionych linii – loków, draperii, gałęzi, łodyg kwiatów, różnorodnych wzorów – co jest jedną z najważniejszych cech secesji, która rezygnuje z ostrych krawędzi i narożników na rzecz imitacji natury. Wiele wzorów zapożyczono ze sztuki Bizancjum i innych krajów Wschodu, co jest jednocześnie bardzo tradycyjną cechą secesji, która idzie w parze z orientalizmem i eklektyzmem. Ważnym elementem prac Muchy jest półkula, dekorowana na różne sposoby i wszędzie z sukcesem wpisana w ogólną fabułę. Jest symbolem nieskończoności, cykliczności i jednocześnie kobiecości.
Ukoronowaniem twórczości Mukhy jest cykl obrazów „Epos słowiański”, który malował przez 20 lat. Prace te wyróżniają się imponującymi rozmiarami – 8 × 6 m. Tematy do swoich prac znajdował podczas podróży po Europie Wschodniej, m.in. po Rosji. Należy zaznaczyć, że pomimo bezgranicznej i wzajemnej miłości Francuzów do niego, Mucha zawsze podkreślał swoje słowiańskie pochodzenie, nie zapominał o swoich korzeniach. Jasnym akcentem może być fakt, że Mucha uwielbiał występować przed przyjaciółmi w kosovortce.
W cyklu „Epos słowiański” znajdują się dzieła poświęcone różnym kamieniom milowym w historii narodów słowiańskich: na przykład zniesieniu pańszczyzny na Rusi, koronacji cara Stefana Duszana, kazaniu mistrza Jana Husa w kaplicy betlejemskiej i inne . Technika wykonania – tempera olejna i jajeczna. Obrazy te wydają się znacznie bardziej dojrzałe i akademickie w porównaniu z poprzednimi dziełami mistrza, niemniej jednak i tutaj wyczuwalny jest jego niepowtarzalny styl - być może ze względu na „okrągłość”, brak ostrych linii i kątów. Element tajemnicy i zagadek nie jest obcy obrazom – być może wpłynęła na to wieloletnia przyjaźń Muchy ze słynnym wówczas mistykiem Arthurem Strindbergiem.
Wszystkie obrazy artysta podarował Pradze. W ogóle związek Muchy z Czechami jest nieograniczony – nawet mimo tego, że artysta większość życia spędził we Francji i tam przyszedł na niego sukces. Po proklamowaniu Republiki w 1918 roku Alfonsowi Muchie powierzono produkcję pierwszych czechosłowackich znaczków pocztowych, banknotów i godła państwowego.
Artysta zmarł w 1936 roku w wieku 76 lat, szczęśliwie pozostawiwszy po sobie wspomnienia. Zmarł na zapalenie płuc po uznaniu go za wroga III Rzeszy i ciągnięciu za przesłuchania, spędził kilka miesięcy w więzieniu, gdzie przeziębił się.
Alphonse Mucha wniósł nieoceniony wkład w sztukę i pozostawił bogate dziedzictwo artystyczne. W 1998 roku w Pradze otwarto poświęcone mu muzeum, w którym prezentowanych jest wiele jego słynnych dzieł. Ale najważniejszą rzeczą, której nauczył nas Mukha, jest to, że nie ma nieważnej i nudnej pracy, są mierni mistrzowie. Jeśli wykorzysta się talent, każda drobnostka zamieni się w arcydzieło.
Artykuł przygotował M. Prokopenya.
Alfons Maria Mucha(1860-1939) – czeski grafik, malarz, wirtuoz sztuki i rzemiosła. Jego nazwisko wiąże się z pojawieniem się nowego stylu w sztuce, który powstał na przełomie XIX i XX wieku. W sztuce europejskiej styl ten nazywano secesją lub secesją.
Charakterystyczną cechą dzieł w stylu secesyjnym było odrzucenie linii prostych na rzecz naturalnych, naturalnych krzywizn. Alphonse Mucha był uznanym mistrzem nowych wyrafinowanych form. Jego wieloaspektowy talent wywarł wpływ na wielu europejskich architektów, artystów i grafików.
Biografia Alphonse'a Muchy
24 lipca 1860 roku niedaleko Brna, w starym morawskim miasteczku Ivancice, urodził się Alfons Maria Mucha. Chłopiec wcześnie zaczął zajmować się śpiewem i malarstwem.
Po ukończeniu gimnazjum ojciec wysłał swoją pracę do szkoły artystycznej w Pradze z prośbą o przyjęcie. Ale w odpowiedzi profesorowie stwierdzili, że autorowi dzieł nie wystarczy talent.
Po takiej porażce młody człowiek musiał pracować jako urzędnik w miejscowym sądzie. Ale to nie powstrzymało Alphonse'a od wymyślania scenerii, rysowania plakatów i biletów do lokalnego teatru. Pod wieloma względami ten okres życia zdeterminował charakter jego przyszłej twórczości.
Dwa lata później, w 1789 roku, po ogłoszeniu w wiedeńskiej gazecie, Alfons Mucha dostał pracę w warsztacie” Kautsky'ego-Brioche-Burkharta”, który zajmował się produkcją różnych okuć teatralnych.
W 1881 roku warsztat doszczętnie spłonął w pożarze, a artysta zmuszony był wyjechać do małego czeskiego miasteczka Mikulov. Tutaj miał do czynienia z projektem zamku rodzinnego miejscowego hrabiego Kuena Belasiego.
Twórczość Alfonsa wywarła ogromne wrażenie na hrabim, który zaoferował młodemu artyście pomoc i został jego patronem. W 1885 roku Alphonse rozpoczął trzeci rok Akademii Sztuk Pięknych w Monachium. Po dwuletnich studiach artysta postanowił dokończyć edukację artystyczną w Paryżu.
Alphonse Mucha został przyjęty do jednej z najsłynniejszych szkół artystycznych we Francji - Akademia Juliena a potem w Akademia Colarossi. Jednak w 1889 roku został pozbawiony pomocy finansowej hrabiego Kuena-Belassi i pracował jako prosty projektant, ilustrator prasowy.
W 1894 roku artysta otrzymał zamówienie od teatru „ renesans„. Do premiery spektaklu „Gismonda” z brylantem potrzebny był plakat Sara Bernarda. Wybierając wydłużony, poziomy format pracy, dodając kolory i drobne detale, artysta zmienił dotychczasową zasadę zestawiania plakatów.
Twórczość nieznanego artysty wywarła na Sarah Bernhardt ogromne wrażenie. Wielka aktorka chciała się z nim spotkać. W wyniku współpracy powstały następujące prace: „ dama z kamelią», « Medea», « Samarytanin», « Tęsknota», « Mała wioska»
Przez sześć lat po tym szczęśliwym spotkaniu Alphonse Mucha, jako główny dekorator Teatru Renesansowego, rysował plakaty, tworzył dekoracje, projektował kostiumy i scenografię do tych przedstawień.
W tym okresie twórczości artysta rozwija swój charakterystyczny, rozpoznawalny styl.
Centrum semantyczne wydłużonego poziomo panelu stanowi wizerunek tajemniczej nieznajomej z urzekającym uśmiechem na ustach, otoczony misterną dekoracją złożoną z fragmentów fantastycznych kwiatów i roślin, symbolicznych obrazów, wyszukanych splotów arabesek.
Na fali sukcesu, w 1897 roku w paryskiej galerii „ La Bodiniere» pomyślnie odbyła się pierwsza wystawa prac artysty. W następnym roku Salon des Cent(Salon Sta) otworzył drugi, większy. Następnie odbyło się wiele wystaw w całej Europie.
W 1898 roku Alphonse rozpoczął błyskotliwą współpracę z Georgesa Fouqueta, syn przedsiębiorczego paryskiego jubilera. Efektem wspólnej pracy była niezwykła kolekcja biżuterii. Pod wrażeniem sukcesu jubilera zlecił Mukhi udekorowanie elewacji swojego domu i zagospodarowanie wnętrza nowego sklepu.
Oprócz twórczości artystycznej Alphonse Mucha zajmował się działalnością dydaktyczną i analityczną. W 1901 roku ukazała się jego książka Dokumentacja dekoracyjna, która stała się praktycznym przewodnikiem dla wielu artystów.
Zawierała próbki wszelkiego rodzaju ozdób, szkice mebli, artykułów gospodarstwa domowego, szkice biżuterii. Większość prezentowanych rysunków została później wcielona w gotowe produkty.
W 1900 roku w Paryżu odbyła się Wystawa Światowa, dla której Mucha zaprojektował pawilon Bośni i Hercegowiny. W tym czasie w artyście rozwinęło się zainteresowanie historią ludów słowiańskich, które pogłębiło się jeszcze podczas podróży po rodzinnych miejscach. Rośnie w nim coraz większa chęć stworzenia cyklu obrazów patriotycznych w stylu neoklasycystycznym.
Na początku XX wieku Alphonse Mucha zyskał opinię mistrza, którego opinii z szacunkiem słuchało środowisko artystyczne nie tylko w Europie, ale także w Ameryce, którą po raz pierwszy odwiedził w 1904 roku. Imię Alphonse Mucha był dobrze znany w Ameryce.
Gazeta z 3 kwietnia 1904 r. „ codzienne wiadomości z Nowego Jorku"wydrukował jedno ze swoich dzieł -" Przyjaźń„oraz artykuł poświęcony twórczości artysty. W 1906 roku Alphonse Mucha współpracował z „ Teatr niemiecki» w Nowym Jorku: wymyślił scenografię i projekt kurtyny, stworzył panele dekoracyjne i projekty kostiumów. Cztery lata spędził w Stanach Zjednoczonych, z powodzeniem łącząc malarstwo z nauczaniem.
Po powrocie do Czech w 1910 roku artysta rozpoczął pracę nad realizacją swojego dawnego marzenia – stworzeniem cyklu obrazów” Epopeja słowiańska„. Praca ta trwała prawie 18 lat.
W 1913 roku Alfons Mucha odbył podróż do Rosji, odwiedził Moskwę i Petersburg. Wizyta w Ławrze Trójcy Sergiusza wywołała u niego szczególne uczucia. Wrażenia z podróży znalazły odzwierciedlenie w „rosyjskich” płótnach tego cyklu.
W 1918 roku powstała nowa republika czechosłowacka, której rząd zwrócił się do Alfonsa Muchy z prośbą o opracowanie projektu nowego państwa, znaczków pocztowych, godła państwowego i wzorów dokumentów rządowych. Ten okres jego twórczości naznaczony jest powstaniem szkicu słynnego witraża w katedrze św. Wita na Zamku Praskim.
Ostatnie płótno z cyklu Epopeja słowiańska powstało w 1928 roku, a artysta podarował Czechom 20 dzieł, które poetyzowały historię narodów słowiańskich. Prace te wzbudziły mniejsze zainteresowanie wśród publiczności niż jego wczesne prace w stylu secesyjnym, choć dla samego Alphonse'a Muchy praca nad tym wspaniałym pomysłem była głównym znaczeniem jego twórczego życia.
W 1939 roku, po zajęciu Czechosłowacji, artysta został aresztowany przez hitlerowców. W więzieniu 14 lipca 1939 roku zmarł Alfons Mucha i został pochowany na cmentarzu Wyszehradzkim w Pradze. W 1998 roku w stolicy Czech otwarto muzeum ku czci słynnego czeskiego artysty.
Twórczość i twórczość Alphonse'a Muchy
Obrazy Alphonse'a Muchy, z wyjątkiem epickich obrazów „Epos słowiański”, są nieliczne i praktycznie nieznane ogółowi społeczeństwa. Jest to głównie malarstwo kameralne i portretowe:
- « Kobieta w czerwieni", 1902
- « Madonna Lilii", 1920
- « Zimowa noc", 1920
- « Portret Jarosława", 1930
- « Kobieta z płonącą świeczką", 1933
Cykl prac „Epopeja słowiańska”
W latach 1910–1928 Alfons Mucha pracował nad cyklem malarskim „Epos słowiański” w latach 1910–1928. Do Pragi przekazano 20 okazałych płócien. Pracę nad tym cyklem artysta uważał za główne dzieło swojego życia. Część zdjęć z cyklu:
Litografie, plakaty i plakaty
Alphonse Mucha umiejętnie wykorzystywał w swoich pracach szerokie możliwości techniki litograficznej (druk z powierzchni kamienia poddanego obróbce specjalnym składem chemicznym). Za jego pomocą uzyskał niepowtarzalną grę faktur, która potęguje artystyczną ekspresję dzieł znanych dziś całemu światu. Technika litografii pozwala na replikację, a każda odbitka zachowuje swoją artystyczną oryginalność. Dzięki temu artysta szybko stał się znany na całym świecie. W wielu domach można było zobaczyć wizerunki jego pięknych kobiet.
- Plakaty do spektakli teatru „Renesans”, 1894-1900
- » 1897
- ”, seria 1896
- ”, seria 1898
- ”, seria 1900
- ", 1911
Biżuteria
Tworząc plakaty do spektakli, w których błyszczała Sarah Bernhardt, Alphonse Mucha przedstawił na nich niezwykłą biżuterię. W poszukiwaniu nowych form studiował historię i folklor.
Te niewidziane egzemplarze przykuły uwagę Georgesa Fouqueta, paryskiego jubilera. W wyniku szczęśliwej współpracy dwóch utalentowanych artystów powstały całkowicie nowatorskie dzieła sztuki jubilerskiej.
Najsłynniejsze dzieło sztuki jubilerskiej, powstałe według szkicu Muchy w 1899 r. – „ różowe ręce”, złota bransoletka w kształcie węża, ozdobiona rozproszonymi kamieniami szlachetnymi. Po raz pierwszy szkic tej bransoletki pojawił się na plakacie spektaklu „ Medea»
Warto zauważyć, że choć Alphonse Mucha słusznie uważany jest za uznanego mistrza secesji, sam artysta nie dostrzegał jego bliskości z tą sztuką. Kategorycznie sprzeciwiał się temu, aby pamiętano go jedynie ze względu na wspaniałe dzieła zdobnicze.
Pracując nad „eposem słowiańskim”, miał nadzieję przekazać ludziom swój duchowy składnik, patriotyzm, troskę o przyszłość swojego ludu. Jednak w historii sztuki Alphonse Mucha na zawsze pozostał mistrzem doskonałych form.
Muzeum Alfonsa Muchy w Pradze
W 1998 roku w historycznym centrum Pragi, we wspaniałym stylu barokowym Pałac Kaunickich, wybudowane w 1720 roku, otwarto muzeum poświęcone twórczości światowej sławy i ukochanego czeskiego artysty Alfonsa Muchy.
W zbiorach muzeum znajduje się ponad 100 dzieł. Obrazy, rysunki, pastele, litografie, fotografie, przedmioty osobiste. Szczególną uwagę zwracają dzieła z najsłynniejszego, paryskiego okresu twórczości artysty. W muzeum znajduje się sklep z pamiątkami.
Koszt zwiedzania muzeum:
- 180 korony - dorośli
- 120 CZK – dzieci, studenci i seniorzy powyżej 65. roku życia
- 490 CZK - bilet rodzinny (2 osoby dorosłe, 2 dzieci)
Adres muzeum: Praga 1, Panská 7. Lokalizacja na mapie Pragi:
Telefon: +420 221-451-333
Oficjalna strona muzeum: www.mucha.cz
Plan pracy: codziennie od 10:00 do 18:00
Alfons Mucha wniósł naprawdę nieoceniony wkład w rozwój kultury swojej ojczyzny, a Republika Czeska jest wdzięczna za całą jego twórczość.
24 lipca przypada 156. rocznica urodzin światowej sławy czeskiego artysty, ilustratora, projektanta biżuterii i plakacisty Alfons Mucha. Nazywany jest jednym z najsłynniejszych przedstawicieli stylu secesyjnego i twórcą własnego, niepowtarzalnego stylu. „Women of the Fly” (obrazy pór roku, pory dnia, kwiatów itp. w obrazach kobiecych) znane są na całym świecie ze swojej otwartej zmysłowości i urzekającego wdzięku.
Alphonse Mucha od dzieciństwa dobrze rysował, ale jego próba wstąpienia do praskiej Akademii Sztuk nie powiodła się. Dlatego rozpoczął karierę jako dekorator, twórca plakatów i zaproszeń. Nie odmawiał malowania ścian i sufitów w bogatych domach. Kiedyś Mucha pracował przy dekoracji rodzinnego zamku hrabiego Couen-Belassi i był pod takim wrażeniem twórczości artysty, że zgodził się opłacić studia w monachijskiej Akademii Sztuk Pięknych. Tam opanował technikę litografii, która później stała się jego wizytówką.
Po studiach w Monachium Mucha przenosi się do Paryża, gdzie studiuje w Akademii Colarossi i zarabia na życie wykonując plakaty reklamowe, plakaty, menu restauracji, kalendarze i wizytówki. Spotkanie artysty z aktorką Sarą Bernhardt było fatalne. Gdy właściciel drukarni de Brunoff zamówił dla niego plakat, Alphonse poszedł na spektakl i pod wrażeniem naszkicował szkic na marmurowej płycie stołu w kawiarni. Później de Brunoff kupił tę kawiarnię, a stół z rysunkiem Muchy stał się jego główną atrakcją. A gdy Sarah Bernhardt zobaczyła plakat wykonany w technice wielobarwnej litografii, była zachwycona i zapragnęła zobaczyć autora. Z jej polecenia Mukha otrzymał stanowisko głównego dekoratora teatru i od tego czasu zaprojektował wiele plakatów, kostiumów i scenografii do jej przedstawień.
W 1897 roku we Francji odbyła się pierwsza osobista wystawa Alfonsa Muchy. W tym samym czasie pojawiła się koncepcja „Kobiety Mukha”: nie chodziło o jego romantyczne hobby, ale o zwyczaj przedstawiania pór roku, kwiatów, pory dnia, form sztuki, kamieni szlachetnych itp. na kobiecych wizerunkach. Jego kobiety zawsze były rozpoznawalne: pełne wdzięku, ładne, pełne zdrowia, zmysłowe, ospałe – reprodukowano je na pocztówkach, plakatach, ulotkach, kartach do gry.
Jego dziełami zdobiono sale restauracji i ściany bogatych domów, cieszył się niesamowitą popularnością, zamówienia napływały z całej Europy. Wkrótce Mucha nawiązał współpracę z jubilerem Georgesem Fouquetem, który według jego szkiców stworzył ekskluzywną biżuterię. Jednocześnie artysta kontynuował pracę nad projektowaniem opakowań, etykiet i ilustracji reklamowych – od szampana i czekolady po mydło i bibułkę. W 1895 roku Mucha wstąpił do stowarzyszenia symbolistów Salon Hundred. Propagowali nowy styl – secesję i demokratyzację sztuki, która wyrażała się w koncepcji „sztuki dla domu”: powinna ona być niedroga, zrozumiała i dostępna dla jak najszerszych warstw społeczeństwa. Mucha lubił powtarzać: „Bieda też ma prawo do piękna”.
W 1900 roku Mucha brał udział w projektowaniu pawilonu Bośni i Hercegowiny na Wystawie Światowej w Paryżu. W tym czasie zainteresował się historią Słowian, co stało się powodem powstania cyklu Epopei Słowiańskiej. Od 1904 do 1913 r Mucha spędza dużo czasu w Ameryce, dekorując domy, tworząc ilustracje do książek i czasopism, plakaty i projekty kostiumów do przedstawień teatralnych oraz wykłada w Art Institute w Chicago. A potem postanawia wrócić do Czech i od 18 lat pracuje nad słowiańskim eposem.
Alphonse Mucha miał okazję odwiedzić Rosję. Już w 1907 r. odbyła się tu jego osobista wystawa, a w 1913 r. udał się do Moskwy i Petersburga, aby zebrać materiały do Eposu słowiańskiego. Galeria Trietiakowska i Ławra Trójcy Sergiusza zrobiły na nim ogromne wrażenie. Mucha gościł w domu artysty Pasternaka, gdy świętowano wydanie zbioru poezji jego syna Borysa Pasternaka.
Dzieło Alphonse’a Muchy do dziś znajduje swoich następców:
Alfons Maria Mucha urodził się w czeskim mieście Ivancice koło Brna.
w rodzinie drobnego urzędnika sądowego. Budynek sądu, w którym pracował ojciec artysty, stoi do dziś,
a obecnie mieści się w nim muzeum Muchy Jr.
Chłopiec dobrze rysował od dzieciństwa i próbował wstąpić do praskiej Akademii Sztuk Pięknych, ale bezskutecznie.
Po ukończeniu szkoły średniej pracował jako urzędnik, aż dzięki ogłoszeniu znalazł pracę jako asystent.
dekorator w wiedeńskim „Ringtheater” i nie przeniósł się do stolicy Austro-Węgier.
W Wiedniu wieczorami uczęszczał na kursy rysunku i tworzył pierwsze ilustracje.
do pieśni ludowych. Po spaleniu teatru Alphonse został zmuszony do przeniesienia się do niego
czeskiego miasta Mikulov, gdzie malował portrety miejscowej szlachty.
Tam poznał hrabiego Kuen-Belasi, człowieka, który odegrał bardzo ważną rolę w jego życiu.
Mucha zajmował się dekorowaniem zamku hrabiego, a arystokrata był zafascynowany jego twórczością.
W rezultacie Kuen-Belasi został mecenasem młodego artysty.
Zapłacił Alphonse'owi dwa lata studiów w monachijskiej Akademii Sztuk Pięknych.
W 1888 Mucha przeprowadził się do Paryża i tam kontynuował naukę.
Wielu w tamtym czasie aspirowało do stolicy Francji - w końcu było to wówczas centrum nowej sztuki:
Eiffel zbudował już trzystumetrową wieżę, na Wystawach Światowych było głośno, a artyści łamali się
kanony i promował wolność. Jednak sytuacja finansowa hrabiego pogorszyła się,
a Mukha pozostał bez środków do życia.
W Paryżu Alphonse Mucha po raz pierwszy zajął się projektowaniem, nawiązał kontakty z wydawnictwami,
zaczął tworzyć okładki i ilustracje. Malował w technice olejnej
a jego obrazy zostały przetłumaczone na język drzeworytów.
Przez długi czas przerywały mu drobne zamówienia, aż w jego życiu pojawiła się Sarah Bernhardt –
znakomita francuska aktorka.
Być może Fly odniósłby sukces bez niej, ale kto wie…
Sara Bernarda
Sara Bernarda
Sarah Bernhardt na plakacie Muchy do spektaklu Gismonda.
W 1893 roku, przed Bożym Narodzeniem, Mucha otrzymał zamówienie na wykonanie plakatu do sztuki Gismonda.
Teatr „Renesans”, którego właścicielem jest Sarah Bernhardt.
Artystka przedstawiła prima, która odegrała główną rolę w spektaklu, na plakacie o nietypowym kształcie -
długie i wąskie. Podkreślało to jej królewską postawę, rozwiane włosy aktorki Muchy
ozdobiony wieńcem kwiatów, włożył gałązkę palmową w cienką dłoń i wyglądał na ospałego,
tworząc ogólny nastrój czułości i błogości. Nikt nie zrobił czegoś takiego przed Mukhą.
Aby zdobyć plakat, kolekcjonerzy przekupywali plakaty lub nocą odcinali Gismondę od płotów.
Nic dziwnego, że aktorka chciała spotkać się z autorem i podpisała z nim umowę o współpracy.
Bernard Alphonse pracował w teatrze przez sześć lat. „Pani Kameliowa”, „Medea”, „Samarytanka”,
„Lorenzachio” – wszystkie te plakaty przedstawiające Bernarda cieszyły się taką samą popularnością jak „Gismonda”.
dama z kamelią
Samarytanin
Mała wioska
Sporządzał szkice kostiumów i scenografii teatralnej, projektował scenę, a nawet brał udział w reżyserii.
Pod koniec XIX wieku teatr był ośrodkiem życia społecznego, mówiono o nim i mówiono
kłóciły się na salonach, w teatrze panie demonstrowały nowe toalety i
klejnoty, a mężczyźni pokazali kobietom -
ogólnie rzecz biorąc, teatr był źródłem inspiracji i plotek.
Klejnoty
Ametyst
Szmaragd
W tym samym stylu secesyjnym artysta stworzył także kolorowe cykle graficzne:
„Pory roku”, 1896, „Pory roku”, 1899, „Kwiaty”, 1897, „Miesiące”, 1899, „Gwiazdy”, 1900,
które do naszych czasów są szeroko powielane w formie plakatów artystycznych.
Replikowano luksusowe, zmysłowe i leniwe „kobiety Mukhy”.
natychmiast i rozproszone w tysiącach egzemplarzy na plakatach, pocztówkach,
grać w karty. Gabinety świeckich estetów, sale najlepszych restauracji,
buduary damskie zdobiono jedwabnymi panelami, kalendarzami i rycinami mistrza.
Sukces przyszedł do artysty.
Poezja
Obraz
Muzyka
Nieco później Mucha zaczął także współpracować ze znanymi wówczas artystami
jubiler Georges Fouquet, który stworzył biżuterię według szkiców artysty.
produkty. Biżuteria w stylu Muchy jest nadal popularna.
W tym samym okresie Mukha zaprojektowała wiele opakowań, etykiet i
ilustracje promocyjne towarów i produktów różnego rodzaju -
począwszy od drogiego szampana Moet & Chandon po
mydło toaletowe.
Kleopatra
Bizantyjska głowa
Te dwie kompozycje, z których jedna przedstawia sylwetkę blondynki, a druga brunetki,
należą do najbardziej wyrazistych dzieł Alphonse’a Muchy. Oprócz umiejętnie uchwyconych twarzy
i bogactwo niuansów kolorystycznych, ich urok tkwi w luksusowych i fantastycznych nakryciach głowy,
przywołując zaginioną wspaniałość kultury bizantyjskiej.
Bizantyjska głowa
Podczas sześcioletniej współpracy aktorki z Alphonsem Muchą
powstały ciepłe przyjazne stosunki, o czym świadczą ich
korespondencja. I miłość? Czy Sarah Bernard oczarowała Muhu w taki sam sposób jak
galaktyka wielu innych mężczyzn? Oczywiście reporterzy nie przeszli milczeniem
związek aktorki z czeskim artystą, zwłaszcza że miał na imię
mówiąc po swojemu: to samo imię nadano komediowemu bohaterowi, synowi Dumasa
„Monsieur Alphonse”, utrzymujący się z kochanek.
Niektórzy nawet zalecali mu zmianę nazwiska lub podpisanie się imieniem ojca chrzestnego – Maria.
Mucha nie był jednak Alfonsem w sensie, jaki Dumas nadał temu imieniu.
W jego korespondencji z Bernardem nie ma nawet śladu tego, o czym plotkowano w wyższych sferach.
Zodiak
zaduma
Rzeczywiście, po zawarciu umowy z Bernardem, zamówienia spadły na Mukhę,
zdobył przestronny warsztat, stał się mile widzianym gościem w wyższych sferach, gdzie często się pojawiał
w haftowanej słowianofilskiej kosoworotce, przepasanej szarfą.
A. Mucha Autoportrety
Miał także okazję organizować wystawy indywidualne.
W lutym 1897 w Paryżu, w maleńkim pomieszczeniu prywatnej galerii
Otwiera się jego pierwsza wystawa „La Bordiniere” – 448 rysunków, plakatów i
szkice. Odniosła niesamowity sukces i wkrótce mieszkańcy Wiednia,
Praga i Londyn też miały okazję to wszystko zobaczyć.
Alphonse Mucha była piosenkarką piękności. kobiety na
jego litografie są atrakcyjne i, można by rzec, seksowne.
„Les Femmes Muchas” („le femme Musha”, „Kobiety muchy”) –
leniwy, bujny i pełen wdzięku.
Złożone przeplatanie fałd odzieży, loków, kolorów, wzorów.
Nienaganna kompozycja, doskonałość linii i harmonia koloru.
Czeski artysta Alphonse Muchu, podobnie jak wielu innych artystów swoich czasów,
przebity strzałą nowej sztuki. Ciekawe, że gusta artysty nawet od niego wymagały
nowe rozwiązania techniczne w dziedzinie litografii. Art Nouveau, czyli Art Nouveau, ogarnęła Europę
początku lat osiemdziesiątych XIX wieku i dopiero I wojna światowa powróciła do prozy życia
miłośników piękna.
Bluszcz
Oset
A potem upadły normy akademickie, głośno argumentowali historycy sztuki, w modzie
zawierał motywy orientalne. Malarze porzucili linie proste,
na płótnach kwitły fantastyczne lilie, żonkile i orchidee,
fruwały motyle i ważki. Artyści secesji wierzyli w możliwość osiągnięcia
harmonia z naturą, prostota i umiar, kontrastując je z wiktoriańskim luksusem.
Wyrażone w sztuce cnoty te miały przyczyniać się do harmonizacji
relacje między ludźmi – wszak piękno nie wydawało się teraz czymś abstrakcyjnym,
piękno stało się synonimem prawdy.
I oczywiście na sztandarach zwolenników wszystkiego, co nowe, widniało zdanie księcia Myszkina „Piękno uratuje świat”.
Kwiaty
Jednym z pierwszych teoretyków secesji był angielski malarz i krytyk sztuki John Ruskin.
Jego pomysły szybko przejęli kolejni brytyjscy artyści prerafaelici
tradycje florenckich mistrzów wczesnego renesansu („Prerafaelici”, czyli „przed Rafaelem”).
Do ich wspólnoty należeli: John William Waterhouse, John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti…
ci, z których Anglia jest teraz dumna. Pędzel prerafaelitów stworzył nowy wizerunek kobiety
la femme fatale („la femme fatale”, „femme fatale”) - tajemnicza, mistyczna i piękna.
Muzami artystów były Prozerpina, Psyche, Ofelia, Pani z Shalott -
ofiary tragicznej lub nieodwzajemnionej miłości. A malarze czerpali inspirację ze swoich burzliwych
życie osobiste. To właśnie te obrazy zafascynowały Alphonse'a Muchę.
Goździk
Księżniczka Hiacynt
Księżyc
Jego cykle „Pory roku”, „Sztuka”, „Klejnoty”, „Księżyc i gwiazdy” oraz
inne ciekawe litografie, które zostały przedrukowane w formie pocztówek,
karty do gry i natychmiast się rozeszły - wszystkie przedstawiały kobiety.
Mucha dużo pracował z modelkami, które zapraszał do swojego studia, rysował je i fotografował
w luksusowych draperiach. Zdjęcia modelek opatrzył komentarzami -
„piękne ramiona”, „piękne biodra”, „piękny profil”…
a następnie z wybranych „części” ułożył idealny obraz.
Często podczas rysowania Mucha zakrywał twarze modelek chusteczką, aby je
niedoskonałość nie zniszczyła wymyślonego przez niego idealnego obrazu.
Natura
Na przełomie wieków Alphonse Mucha stał się prawdziwym mistrzem, dla którego
słuchane w kręgach środowiska artystycznego.
Czasami nawet styl secesyjny we Francji nazywano „stylem muchowym”.
Dlatego też publikacja w 1901 roku książki artysty wydaje się naturalna.
„Dokumentacja dekoracyjna”.
Ten wizualny przewodnik dla artystów, na stronach którego
reprodukowano różnorodne wzory zdobnicze, czcionki, rysunki
meble, różne naczynia, komplety sztućców, biżuteria, zegarki, grzebienie, broszki.
Technika wykonania oryginałów to litografia, gwasz, rysunek ołówkiem i węgiel.
W 1906 roku Alphonse Mucha wyjeżdża do Ameryki w celach zarobkowych,
niezbędne do spełnienia marzenia całego jego twórczego życia:
tworząc obrazy na chwałę Ojczyzny i wszystkich Słowian.
W tym samym roku poślubia swoją studentkę Marię Khitilovą, którą namiętnie kochał i
który był od niego młodszy o 22 lata.
Maitre Mukha wśród kobiecych wizerunków cyklu Cztery pory roku.
Obraz na ścianie butiku jubilerskiego w Austin w Teksasie.
Niewiele osób wie o monumentalnych płótnach historycznych Alfonsa Muchy,
ale jego „kobiece kolekcje” świat do tej pory podziwia,
choć sam artysta uważał tylko te płótna za główne zajęcie swojego życia.
W 1910 wrócił do Pragi i skoncentrował wszystkie swoje siły
na temat „epopei słowiańskiej”. Ten monumentalny cykl został przez nich podarowany
do Czechów i miasta Pragi, ale nie odniósł sukcesu w obliczu krytyki.
W tym samym czasie zaprojektował projekt witrażu do katedry św. Wita w Pradze.
(wspomnienie świętych Cyryla i Metodego)
i namalował wiele portretów swojej żony, dwóch córek i syna Jiriego.
Po proklamowaniu republiki w 1918 roku Muchie powierzono produkcję pierwszego czechosłowackiego egzemplarza
znaczki pocztowe, banknoty i godło państwowe.
Panel z cyklu „Epopeja słowiańska”
Wiosną 1913 roku Alphonse Mucha udał się do Rosji, aby zebrać materiały do przyszłych obrazów z cyklu.
Artysta podróżował do Petersburga i Moskwy, gdzie odwiedził Galerię Trietiakowską.
Szczególnie silne wrażenie wywarła na nim Ławra Trójcy Sergiusza.
Wybór roku podróży do Rosji nie był przypadkowy. W 1913 roku obchodzono trzystulecie dynastii Romanowów.
Nasz Ojciec
I jeszcze jeden bardzo ważny aspekt życia tej wielkiej wielbicielki kobiecego piękna
(wystarczy spojrzeć na jego poetyckie portrety kobiet).
Jego życie osobiste, rodzinne. Na tle wielu miłości Mukha zawsze była
szczęśliwa miłość do tej jedynej. W 1906 roku, mając już czterdzieści sześć lat,
sławny, poślubił w Paryżu swojego młodego studenta i
rodaczka Maria Shitilova. Była i pozostała do końca życia
jego ukochana Muza, jego modelka. Była o 22 lata młodsza od artystki. I
uwielbiał go. Szczery i bezinteresowny. Bo do czasu ich małżeństwa jego długi
były znacznie większe niż jego majątek. Jednak oboje wiedzieli: „Pieniądze to rzecz
zaborczy” – i przy nierównych, nieregularnych dochodach urodzili i wychowali syna i
dwie córki - rudowłose piękności, tak podobne w twarzy i artykule
olśniewająca matka. Potem je namalował, córki i w
śpiewające wersy ich postaci, w ich rysach wciąż odnajdywał ją, swoją ukochaną
Mary, bo aż do ostatniej godziny nie chciał i nie mógł się pozbyć jej uroków.
córki
Córka Jarosława
artysta
Młoda dziewczyna w stroju morawskim
Kobieta z płonącą świeczką
Mucha zmarł w 1939 roku na zapalenie płuc. Przyczyną choroby było aresztowanie i przesłuchanie.
w okupowanej przez Niemców stolicy Czech: tak słynęła słowianofilia malarza
że znalazł się nawet na nominalnych listach wrogów Rzeszy.
Los
Muzeum w Pradze poświęcone jest twórczości Alfonsa Muchy,
ekspozycja cyklu „Epopeja słowiańska” w Morawskim Krumlovie oraz wystawa poświęcona wczesnym latom jego życia
w odnowionym budynku. sąd w Ivančicach.
Prace Muchy znajdują się w zbiorach wielu wybitnych muzeów i galerii na całym świecie.
Obecnie opracowywane są plany budowy praskiego parku Stromovka,
niedaleko dawnego kompleksu wystawienniczego specjalny budynek do ekspozycji „epopei słowiańskiej”.
Nazywany jest jednym z najsłynniejszych artystów i twórcą własnego, niepowtarzalnego stylu. „Women of the Fly” (obrazy pór roku, pory dnia, kwiatów itp. w obrazach kobiecych) znane są na całym świecie ze swojej otwartej zmysłowości i urzekającego wdzięku.
Alfons Mucha od dzieciństwa uwielbiał rysować, ale jego próba wstąpienia do praskiej Akademii Sztuk Pięknych zakończyła się niepowodzeniem. Dlatego rozpoczął karierę jako dekorator, twórca plakatów i zaproszeń. Nie odmawiał malowania ścian i sufitów w bogatych domach.
Kiedyś Alphonse Mucha pracował przy dekoracji rodzinnego zamku hrabiego Couen-Belassi i był pod takim wrażeniem twórczości artysty, że zgodził się opłacić studia w monachijskiej Akademii Sztuk Pięknych. Tam opanował technikę litografii, która później stała się jego wizytówką.
Po studiach w Monachium przeniósł się do Paryża, gdzie studiował w Académie Colarossi i zarabiał na życie tworząc plakaty, plakaty, menu restauracji, kalendarze i wizytówki.
Spotkanie artysty z aktorką Sarą Bernhardt było fatalne. Kiedy aktorka zobaczyła plakat wykonany w technice wielobarwnej litografii, była zachwycona i zapragnęła zobaczyć autorkę. Z jej polecenia Mukha otrzymała stanowisko głównej dekoratorki teatru i od tego czasu projektowała plakaty, kostiumy i scenografię do swoich przedstawień.
W Rosji nazwisko słynnego czeskiego artysty Alphonse'a Muchy jest mało znane. Tymczasem stał się dosłownie symbolem malarstwa końca „złotych” - początku „srebrnych” wieków. Jego styl (w malarstwie, architekturze, małych formach zdobniczych) nazywany był „stylem Muchy”. Lub - „nowoczesny”, „secesja”, „secesja”. Nazwa pochodzi z Francji. Tak, a sam artysta w Europie jest czasami uważany za Francuza. Ale nie jest.
Alfons Mucha to wybitny czeski artysta, mistrz plakatu teatralnego i reklamowego. Jeden z najwybitniejszych artystów stylu secesyjnego.
Luksusowe i zmysłowe „kobiety muchy” były replikowane i sprzedawane w tysiącach egzemplarzy na plakatach, pocztówkach i kartach do gry. Gabinety świeckich estetów, sale najlepszych restauracji, damskie buduary ozdobiono jedwabnymi panelami, kalendarzami i grafikami mistrza. W tym samym stylu powstały kolorowe cykle graficzne „Pory roku”, „Kwiaty”, „Drzewa”, „Miesiące”, „Gwiazdy”, „Sztuka”, „Kamienie szlachetne”, które do dziś są replikowane w formie plakatów artystycznych.
W latach 1898-1899 Alphonse Mucha pracował nad okładkami i ilustracjami dla paryskiego magazynu Cocorico. Na jej łamach wydrukowano także cykl „12 miesięcy” wykonany ołówkiem i gwaszem - wizerunki postaci kobiecych, czasem nagich, a także pełne wdzięku głowy pań. Kobiety na jego litografiach są atrakcyjne i, można by rzec, seksowne.
Na przełomie wieków Alphonse Mucha stał się prawdziwym mistrzem, którego słuchano uważnie w kręgach środowiska artystycznego. Czasami nawet styl secesyjny we Francji nazywano stylem Mucha. Logiczne wydaje się zatem wydanie w 1901 roku książki artysty „Dokumentacja dekoracyjna”.
To wizualny przewodnik dla artystów, na stronach którego reprodukowane są różnorodne wzory zdobnicze, czcionki, rysunki mebli, różnych przyborów, sztućców, biżuterii, zegarków, grzebieni, broszek.
Technika wykonania oryginałów to litografia, gwasz, rysunek ołówkiem i węglem. Wiele dzieł artystki powstało później w metalu i drewnie, jak np. złote broszki i naszyjnik z portretami Sarah Bernhardt, przeznaczone dla samej aktorki.
W 1906 roku Alphonse Mucha wyjechał do Ameryki, aby zarobić pieniądze potrzebne do spełnienia marzenia całego swojego twórczego życia: tworzenia obrazów na chwałę swojej ojczyzny i wszystkich narodów słowiańskich.
Pomimo sukcesów twórczych i finansowych w Stanach Zjednoczonych, życie w Ameryce mocno ciążyło Muchie, skupiając się wyłącznie na pieniądzach, marzył o powrocie do Czech. W 1910 powrócił do Pragi i całą swą twórczość skoncentrował na eposie słowiańskim. Ten monumentalny cykl został przez niego podarowany narodowi czeskiemu i miastu Pradze, ale nie odniósł sukcesu wśród krytyków sztuki.
Wszystkie prace Mukhy wyróżniają się niepowtarzalnym stylem. Postać pięknej i dziewczęco pełnej wdzięku kobiety, swobodnie, lecz nierozerwalnie wpisana w zdobniczy system kwiatów i liści, symboli i arabesek, stała się jego znakiem rozpoznawczym.
Centrum kompozycji z reguły stanowi młoda zdrowa kobieta o słowiańskim wyglądzie, w luźnych ubraniach, z luksusową koroną włosów, zanurzona w morzu kwiatów - czasem leniwie urzekająca, czasem tajemnicza, czasem pełna wdzięku, czasem nie do zdobycia fatalna, ale zawsze urocza i ładna.
Obrazy Alphonse'a Muchy otoczone są misternymi motywami roślinnymi, które nie kryją ich bizantyjskiego czy orientalnego pochodzenia. W przeciwieństwie do niepokojących obrazów współczesnych mu mistrzów – Klimta, Vrubela, Baksta – dzieła Alphonse’a Muchy tchną spokojem i błogością. Secesja w twórczości Muchy to styl kobiet i kwiatów.
Otwarta zmysłowość twórczości Muchy wciąż urzeka widzów, mimo że każda epoka kreuje swoje nowe formy ideału erotycznego. Wszyscy krytycy zwracają uwagę na „śpiewające” linie na obrazach Mukhy i wykwintną kolorystykę, ciepłą jak kobiece ciało.
Wiele dekoracji na podstawie szkiców Muchy wykonano dla panny młodej, a następnie dla żony artysty, Marii Khitilovej, którą artysta i jego przyjaciele nazywali Marushką. Khitilova była rodaczką Mukhy. Pobrali się w 1903 roku i mieszkali razem przez całe życie.
Maria była o 22 lata młodsza od artysty i przeżyła go mniej więcej tyle samo. W jej uczuciach do artysty nie było kalkulacji materialnej, ponieważ w momencie ich ślubu długi Alphonse'a Muchy znacznie przekraczały jego majątek.
Stałym modelem Mukhy stała się Maria Khitilova, a jej rysy można łatwo odgadnąć na wielu obrazach. W ich małżeństwie urodziły się dwie córki, które gdy dorosły, stały się także bohaterami wielu obrazów artysty. Rudowłose słowiańskie piękności na obrazach Alphonse'a Muchy są podyktowane właśnie wizerunkami żony artysty i jego córek - wszystkie miały ten typ wyglądu.
Wiele elementów wizualnych jego twórczości odnaleźć można w pracach współczesnych projektantów, ilustratorów i twórców reklamy. Mucha skłaniał się ku ideałowi artystycznej wszechstronności. Był nie tylko malarzem i grafikiem. Mucha umiał robić to, co mało kto: wnosił piękno w codzienność, codzienne życie, kazał mu na nowo spojrzeć na sztukę wtórną plakatu, plakatów i projektowania przeróżnych towarów.
Artysta stworzył nie tylko prawdziwe obrazy, ale także proste rzeczy, które nas otaczają, w dzieła sztuki. Będąc typowym ucieleśnieniem poszukiwań artystycznych przełomu XIX i XX wieku, styl Muchy stał się wzorem dla całego pokolenia grafików i projektantów. A dziś prezentujemy styl Art Nouveau poprzez dzieła Alphonse'a Muchy, nie znając nazwiska artysty.
Pamiętamy nie tyle jego nazwisko, co jego dzieła, które do dziś cieszą się dużym zainteresowaniem zarówno wśród zwiedzających muzea, jak i projektantów.
Mucha wyraził styl secesyjny w formach jasnych, wyrazistych i wyrazistych, łatwych do zapamiętania nawet przez niedoświadczonego widza. Czystość wyrazu stylu sprawia, że twórczość Alphonse’a Muchy jest zjawiskiem wyjątkowym w historii.
Artysta zmarł 14 lipca 1939 roku – dokładnie 4 miesiące po zajęciu Czech i Moraw przez wojska hitlerowskie i 10 dni przed swoimi 79. urodzinami.
Dziś w Pradze znajduje się muzeum poświęcone twórczości artysty. Można tam również znaleźć mnóstwo pamiątek z wizerunkami obrazów i ilustracjami Alphonse’a Muchy.
„Epopeja słowiańska”
