Jazz - forma sztuki muzycznej, która powstała na przełomie XIX i XX wieku w USA, w Nowym Orleanie, w wyniku syntezy kultur afrykańskiej i europejskiej, a następnie rozpowszechniła się. Początkami jazzu był blues i inna afroamerykańska muzyka ludowa. Cechami charakterystycznymi języka muzycznego jazzu były początkowo improwizacja, polirytm oparty na rytmach synkopowanych oraz unikalny zestaw technik wykonywania faktury rytmicznej – swing. Dalszy rozwój jazzu nastąpił dzięki opracowaniu przez muzyków i kompozytorów jazzowych nowych wzorców rytmicznych i harmonicznych. Gatunki jazzu to: jazz awangardowy, bebop, jazz klasyczny, cool, jazz modalny, swing, smooth jazz, soul jazz, free jazz, fusion, hard bop i wiele innych.
Historia rozwoju jazzu
Zespół jazzowy Vilex College w Teksasie
Jazz powstał jako połączenie kilku kultur muzycznych i tradycji narodowych. Pierwotnie pochodził z Afryki. Każdą muzykę afrykańską charakteryzuje bardzo złożony rytm, zawsze towarzyszy jej taniec, który polega na szybkim tupaniu i klaskaniu. Na tej podstawie pod koniec XIX wieku powstał kolejny gatunek muzyczny – ragtime. Następnie rytmy ragtime'u połączone z elementami bluesa dały początek nowemu kierunkowi muzycznemu - jazzowi.
Blues powstał pod koniec XIX wieku jako fuzja afrykańskich rytmów i europejskiej harmonii, lecz jego korzeni należy szukać już w momencie sprowadzenia niewolników z Afryki na tereny Nowego Świata. Sprowadzani niewolnicy nie pochodzili z tej samej rodziny i zazwyczaj nawet się nie rozumieli. Potrzeba konsolidacji doprowadziła do zjednoczenia wielu kultur i w efekcie do powstania jednej kultury (w tym muzycznej) Afroamerykanów. Procesy mieszania się afrykańskiej kultury muzycznej z europejską (która uległa także poważnym przemianom w Nowym Świecie) trwały od XVIII w. i w XIX w. doprowadziły do powstania „proto-jazzu”, a następnie jazzu w ogólnie przyjętym znaczeniu . Kolebką jazzu było Południe Ameryki, a zwłaszcza Nowy Orlean.
Kluczem do wiecznej młodości w jazzie jest improwizacja
Osobliwością tego stylu jest wyjątkowe indywidualne wykonanie wirtuoza jazzmana. Kluczem do wiecznej młodości w jazzie jest improwizacja. Po pojawieniu się genialnego wykonawcy, który całe życie żył w rytmie jazzu i do dziś pozostaje legendą – Louisa Armstronga, sztuka jazzowego wykonawstwa otworzyła nowe i niezwykłe horyzonty: solowe wykonanie wokalne lub instrumentalne staje się centrum całego występu, całkowicie zmieniając ideę jazzu. Jazz to nie tylko pewien rodzaj muzycznego wykonawstwa, ale także wyjątkowa, pogodna epoka.
Jazz z Nowego Orleanu
Termin Nowy Orlean zwykle odnosi się do stylu muzyków jazzowych, którzy grali jazz w Nowym Orleanie w latach 1900–1917, a także muzyków z Nowego Orleanu, którzy grali i nagrywali w Chicago od około 1917 do lat dwudziestych XX wieku. Ten okres w historii jazzu nazywany jest także epoką jazzu. I tym pojęciem określa się także muzykę wykonywaną w różnych okresach historycznych przez przedstawicieli odrodzenia nowoorleańskiego, którzy starali się wykonywać jazz w tym samym stylu, co muzycy szkoły nowoorleańskiej.
Ścieżki afroamerykańskiego folku i jazzu rozeszły się od czasu otwarcia Storyville, dzielnicy czerwonych latarni w Nowym Orleanie, słynącej z lokali rozrywkowych. Tym, którzy chcieli się dobrze bawić i dobrze bawić, oferowano wiele kuszących możliwości, które oferowały parkiety taneczne, kabarety, występy rozrywkowe, cyrk, bary i bary z przekąskami. I wszędzie w tych placówkach rozbrzmiewała muzyka i muzycy, którzy opanowali nową muzykę synkopowaną, mogli znaleźć pracę. Stopniowo, wraz ze wzrostem liczby muzyków pracujących zawodowo w placówkach rozrywkowych Storyville, liczba marszowych i ulicznych orkiestr dętych malała, a na ich miejsce pojawiały się tzw. zespoły Storyville, których przejaw muzyczny stał się bardziej indywidualny, w porównaniu z grą orkiestr dętych. Kompozycje te, często nazywane „orkiestrami combo”, stały się założycielami stylu klasycznego nowoorleańskiego jazzu. Od 1910 do 1917 roku kluby nocne w Storyville zapewniały idealne środowisko dla jazzu.
Od 1910 do 1917 roku kluby nocne w Storyville zapewniały idealne środowisko dla jazzu.
Rozwój jazzu w USA w pierwszej ćwierci XX wieku
Po zamknięciu Storyville jazz z regionalnego gatunku folkowego zaczyna przekształcać się w narodowy nurt muzyczny, rozprzestrzeniający się na północne i północno-wschodnie prowincje Stanów Zjednoczonych. Ale jego szerokiemu rozpowszechnieniu nie można było oczywiście ułatwić jedynie poprzez zamknięcie jednej dzielnicy rozrywkowej. Obok Nowego Orleanu, St. Louis, Kansas City i Memphis od samego początku odegrały ogromną rolę w rozwoju jazzu. Ragtime powstał w XIX wieku w Memphis, skąd w latach 1890-1903 rozprzestrzenił się na cały kontynent północnoamerykański.
Z drugiej strony występy minstreli, ze swoją pstrokatą mozaiką wszelkiego rodzaju muzycznych ruchów afroamerykańskiego folkloru, od jigów po ragtime, szybko rozprzestrzeniły się wszędzie i utorowały drogę nadejściu jazzu. Wiele przyszłych gwiazd jazzu zaczynało swoją karierę od występów minstreli. Na długo przed zamknięciem Storyville muzycy z Nowego Orleanu wyruszyli w trasę z tak zwanymi zespołami „wodewilowymi”. Od 1904 roku Jelly Roll Morton regularnie koncertował w Alabamie, Florydzie i Teksasie. Od 1914 roku miał kontrakt na występy w Chicago. W 1915 roku do Chicago przeniosła się także biała orkiestra Dixieland Thoma Browne'a. Słynny „Creole Band”, prowadzony przez kornecistę z Nowego Orleanu Freddiego Kepparda, odbył także duże tournée po wodewilu po Chicago. Po oddzieleniu się od Olympia Band artyści Freddiego Kepparda już w 1914 roku z sukcesem występowali w najlepszym teatrze w Chicago i otrzymali propozycję nagrania dźwiękowego swoich występów jeszcze przed Original Dixieland Jazz Band, co jednak Freddie Keppard krótkowzroczne odrzucony. Obszar objęty wpływem jazzu został znacznie poszerzony o orkiestry grające na parowcach wycieczkowych pływających po Missisipi.
Od końca XIX wieku popularne stały się rejsy rzeczne z Nowego Orleanu do St. Paul, najpierw weekendowe, a później całotygodniowe. Od 1900 roku na tych statkach rzecznych występują nowoorleańskie orkiestry, a ich muzyka stała się najatrakcyjniejszą rozrywką dla pasażerów podczas rejsów po rzece. Przyszła żona Louisa Armstronga, pierwszego pianisty jazzowego Lil Hardina, zaczynała w jednej z takich orkiestr „Suger Johnny”. Inny pianista, orkiestra rzeczna Fates Marable, gościła wiele przyszłych gwiazd jazzu z Nowego Orleanu.
Parowce płynące rzeką często zatrzymywały się na mijanych stacjach, gdzie orkiestry organizowały koncerty dla miejscowej publiczności. To właśnie te koncerty stały się twórczymi debiutami Bixa Beiderbecka, Jess Stacy i wielu innych. Inna słynna trasa prowadziła przez Missouri do Kansas City. W tym mieście, gdzie dzięki silnym korzeniom afroamerykańskiego folkloru blues rozwinął się i wreszcie nabrał kształtu, wirtuozowska gra nowoorleańskich jazzmanów znalazła wyjątkowo sprzyjające środowisko. Na początku lat dwudziestych XX wieku głównym ośrodkiem rozwoju muzyki jazzowej stało się Chicago, gdzie dzięki wysiłkom wielu muzyków z różnych części Stanów Zjednoczonych powstał styl, który nazwano chicagowskim jazzem.
Wielkie zespoły
Klasyczna, ugruntowana forma big bandów znana jest w jazzie od początku lat dwudziestych XX wieku. Forma ta pozostawała aktualna do końca lat czterdziestych XX wieku. Muzycy dołączający do większości big bandów z reguły już w okresie dojrzewania grali bardzo specyficzne partie, albo wyuczone na próbach, albo z notatek. Staranne orkiestracje w połączeniu z dużą sekcją instrumentów dętych blaszanych i drewnianych wydobyły bogate harmonie jazzowe i stworzyły rewelacyjnie głośne brzmienie, które stało się znane jako „brzmienie big bandu”.
Big band stał się popularną muzyką swoich czasów, osiągając szczyt sławy w połowie lat trzydziestych XX wieku. Ta muzyka stała się źródłem szaleństwa tańca swingowego. Liderzy słynnych orkiestr jazzowych Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnett skomponowali, zaaranżowali i nagrali istną paradę przebojów, które można było usłyszeć nie tylko na w radiu, ale także wszędzie w salach tanecznych. Wiele dużych zespołów zaprezentowało swoich improwizujących solistów, co podczas dobrze promowanych „bitew zespołów” wprawiło publiczność w stan niemal histerii.
Wiele big bandów pokazało swoich improwizujących solistów, co doprowadziło publiczność do stanu bliskiego histerii
Chociaż popularność big bandów znacznie spadła po drugiej wojnie światowej, orkiestry prowadzone przez Basiego, Ellingtona, Woody'ego Hermana, Stana Kentona, Harry'ego Jamesa i wielu innych często koncertowały i nagrywały przez następne kilka dekad. Ich muzyka stopniowo ulegała przemianom pod wpływem nowych trendów. Grupy takie jak zespoły kierowane przez Boyda Rayburna, Sun Ra, Olivera Nelsona, Charlesa Mingusa i Tada Jonesa-Mal Lewisa badały nowe koncepcje w zakresie harmonii, instrumentacji i swobody improwizacji. Dziś big bandy są standardem w edukacji jazzowej. Orkiestry repertuarowe, takie jak Lincoln Center Jazz Orchestra, Carnegie Hall Jazz Orchestra, Smithsonian Jazz Masterpiece Orchestra i Chicago Jazz Ensemble, regularnie wykonują oryginalne aranżacje kompozycji big bandów.
Jazz północno-wschodni
Chociaż historia jazzu rozpoczęła się w Nowym Orleanie wraz z nadejściem XX wieku, prawdziwy rozkwit muzyki nastąpił na początku lat dwudziestych XX wieku, kiedy trębacz Louis Armstrong opuścił Nowy Orlean, aby tworzyć nową, rewolucyjną muzykę w Chicago. Rozpoczęta wkrótce potem migracja mistrzów jazzu z Nowego Orleanu do Nowego Jorku wyznaczyła trend ciągłego przemieszczania się muzyków jazzowych z południa na północ.
Louis Armstrong
Chicago przejęło muzykę Nowego Orleanu i rozgrzało ją, podnosząc jej intensywność nie tylko dzięki wysiłkom słynnych zespołów Armstronga Hot Five i Hot Seven, ale także innych, w tym takich mistrzów jak Eddie Condon i Jimmy McPartland, których ekipa w Austin High School pomógł ożywić szkoły w Nowym Orleanie. Inni znani mieszkańcy Chicago, którzy przesunęli granice klasycznego stylu jazzowego Nowego Orleanu, to pianista Art Hodes, perkusista Barrett Deems i klarnecista Benny Goodman. Armstrong i Goodman, którzy ostatecznie przenieśli się do Nowego Jorku, stworzyli tam swoistą masę krytyczną, która pomogła miastu zamienić się w prawdziwą światową stolicę jazzu. I choć Chicago w pierwszej ćwierci XX wieku pozostawało przede wszystkim ośrodkiem nagraniowym, tak Nowy Jork stał się także głównym miejscem jazzu, z takimi legendarnymi klubami jak Minton Playhouse, Cotton Club, Savoy i Village Vanguard, a także takimi arenami jako Carnegie Hall.
W stylu Kansas City
W erze Wielkiego Kryzysu i prohibicji scena jazzowa w Kansas City stała się mekką nowomodnych dźwięków końca lat dwudziestych i trzydziestych XX wieku. Styl, który rozkwitł w Kansas City, charakteryzował się serdecznymi, zabarwionymi bluesem utworami wykonywanymi zarówno przez duże zespoły, jak i małe zespoły swingowe, które zawierały energetyczne solówki wykonywane dla klientów barów sprzedających alkohol. To właśnie w tych cukiniach wykrystalizował się styl wielkiego hrabiego Basiego, który zaczynał w Kansas City w orkiestrze Waltera Page'a, a później u Benny'ego Mouthena. Obie te orkiestry były typowymi przedstawicielami stylu Kansas City, którego podstawą była specyficzna forma bluesa, zwana „urban blues”, a ukształtowana w grze wspomnianych orkiestr. Scenę jazzową Kansas City wyróżniła także cała plejada wybitnych mistrzów wokalnego bluesa, której uznanym „królem” był wieloletni solista orkiestry Count Basie, słynny wokalista bluesowy Jimmy Rushing. Słynny saksofonista altowy Charlie Parker, urodzony w Kansas City, po przybyciu do Nowego Jorku szeroko stosował charakterystyczne bluesowe „sztuczki”, których nauczył się w orkiestrach w Kansas City i które później stały się jednym z punktów wyjścia w bopperowskich eksperymentach w lata czterdzieste XX wieku.
Jazz z Zachodniego Wybrzeża
Artyści związani z ruchem cool jazzu lat 50. intensywnie pracowali w studiach nagraniowych w Los Angeles. Ci artyści z Los Angeles, pod dużym wpływem nonetu Milesa Davisa, stworzyli coś, co jest obecnie znane jako „West Coast Jazz”. Jazz z Zachodniego Wybrzeża był znacznie łagodniejszy niż poprzedzający go wściekły bebop. Większość jazzu z Zachodniego Wybrzeża została napisana szczegółowo. Linie kontrapunktu często stosowane w tych kompozycjach zdawały się być częścią europejskich wpływów, które przeniknęły jazz. Muzyka ta pozostawiała jednak sporo miejsca na długie linearne improwizacje solowe. Chociaż West Coast Jazz był wykonywany głównie w studiach nagraniowych, w klubach takich jak Lighthouse w Hermosa Beach i Haig w Los Angeles często występowali jego główni mistrzowie, w tym trębacz Shorty Rogers, saksofoniści Art Pepper i Bud Schenk, perkusista Shelley Mann i klarnecista Jimmy Giuffre .
Rozprzestrzenianie się jazzu
Jazz od zawsze budził zainteresowanie muzyków i słuchaczy na całym świecie, niezależnie od ich narodowości. Wystarczy prześledzić wczesną twórczość trębacza Dizzy’ego Gillespiego i jego syntezę tradycji jazzowych z muzyką czarnych Kubańczyków w latach 40. XX w. czy późniejsze, słynne w twórczości pianisty połączenie jazzu z muzyką japońską, euroazjatycką i bliskowschodnią Dave’a Brubecka, a także genialnego kompozytora i lidera jazzu – Duke Ellington Orchestra, która połączyła muzyczne dziedzictwo Afryki, Ameryki Łacińskiej i Dalekiego Wschodu.
Dave'a Brubecka
Jazz nieustannie wchłaniał nie tylko zachodnie tradycje muzyczne. Na przykład, kiedy różni artyści zaczęli próbować pracować z muzycznymi elementami Indii. Przykład tych wysiłków można usłyszeć w nagraniach flecisty Paula Horne’a w Taj Mahal, czy w nurcie „world music” reprezentowanym chociażby w twórczości grupy Oregon czy projekcie Shakti Johna McLaughlina. Muzyka McLaughlina, wcześniej w dużej mierze oparta na jazzie, zaczęła wykorzystywać nowe instrumenty pochodzenia indyjskiego, takie jak khatam czy tabla, skomplikowane rytmy i powszechne użycie indyjskiej formy raga podczas jego pobytu w Shakti.
W miarę postępującej globalizacji świata na jazz w dalszym ciągu wpływają inne tradycje muzyczne
Art Ensemble of Chicago był wczesnym pionierem w łączeniu form afrykańskich i jazzowych. Później świat poznał saksofonistę i kompozytora Johna Zorna i jego eksploracje żydowskiej kultury muzycznej, zarówno w Masada Orchestra, jak i poza nią. Utwory te zainspirowały całe grupy innych muzyków jazzowych, jak klawiszowiec John Medeski, który nagrywał z afrykańskim muzykiem Salifem Keitą, gitarzysta Marc Ribot i basista Anthony Coleman. Trębacz Dave Douglas z entuzjazmem włącza do swojej muzyki wpływy bałkańskie, a Azjatycko-Amerykańska Orkiestra Jazzowa stała się czołowym orędownikiem konwergencji jazzu i azjatyckich form muzycznych. W miarę postępującej globalizacji świata na jazz w dalszym ciągu wpływają inne tradycje muzyczne, dostarczając dojrzałego pożywki dla przyszłych badań i pokazując, że jazz jest naprawdę muzyką świata.
Jazz w ZSRR i Rosji
Pierwszy zespół jazzowy Valentina Parnakha w RFSRR
Scena jazzowa pojawiła się w ZSRR w latach dwudziestych XX wieku, wraz z jej rozkwitem w USA. Pierwsza orkiestra jazzowa w Rosji Radzieckiej została utworzona w Moskwie w 1922 roku przez poetę, tłumacza, tancerza i działacza teatralnego Walentina Parnacha i nosiła nazwę „Pierwsza Ekscentryczna Orkiestra Zespołów Jazzowych Walentina Parnacha w RFSRR”. Za urodziny rosyjskiego jazzu tradycyjnie uważa się 1 października 1922 roku, kiedy odbył się pierwszy koncert tej grupy. Za pierwszy profesjonalny zespół jazzowy, który wystąpił w radiu i nagrał płytę, uważa się orkiestrę pianisty i kompozytora Aleksandra Tsfasmana (Moskwa).
Wczesne radzieckie zespoły jazzowe specjalizowały się w wykonywaniu modnych tańców (foxtrot, Charleston). W świadomości masowej jazz zaczął zyskiwać dużą popularność w latach 30., w dużej mierze dzięki leningradzkiemu zespołowi prowadzonemu przez aktora i piosenkarza Leonida Utesowa oraz trębacza Ya. B. Skomorovsky'ego. Popularny film komediowy z jego udziałem „Jolly Guys” (1934) był poświęcony historii muzyka jazzowego i miał odpowiednią ścieżkę dźwiękową (napisaną przez Izaaka Dunaevsky'ego). Utesov i Skomorovsky stworzyli oryginalny styl „thea-jazzu” (jazzu teatralnego), oparty na mieszance muzyki z teatrem, operetką, numerami wokalnymi i dużą rolę odgrywał w nim element performansu. Wybitny wkład w rozwój radzieckiego jazzu wniósł Eddie Rosner, kompozytor, muzyk i lider orkiestry. Rozpoczynając karierę w Niemczech, Polsce i innych krajach Europy, Rosner przeniósł się do ZSRR i stał się jednym z pionierów swingu w ZSRR i założycielem białoruskiego jazzu.
W świadomości masowej jazz zaczął zyskiwać dużą popularność w ZSRR w latach trzydziestych XX wieku.
Stosunek władz radzieckich do jazzu był niejednoznaczny: krajowi wykonawcy jazzowi z reguły nie byli zakazani, ale powszechna była ostra krytyka jazzu jako takiego w kontekście krytyki całej kultury zachodniej. Pod koniec lat 40., w okresie walki z kosmopolityzmem, jazz w ZSRR przeżywał szczególnie trudny okres, kiedy prześladowano zespoły wykonujące muzykę „zachodnią”. Wraz z nadejściem odwilży ustały represje wobec muzyków, ale krytyka trwała nadal. Jak wynika z badań profesor historii i kultury amerykańskiej Penny Van Eschen, Departament Stanu USA próbował wykorzystać jazz jako broń ideologiczną przeciwko ZSRR i ekspansji wpływów sowieckich w Trzecim Świecie. W latach 50. i 60. W Moskwie wznowiły działalność orkiestry Eddiego Rosnera i Olega Lundstrema, pojawiły się nowe kompozycje, wśród których wyróżniały się orkiestry Josepha Weinsteina (Leningrad) i Vadima Ludvikovsky'ego (Moskwa), a także Riga Variety Orchestra (REO).
Big bandy wychowały całą plejada utalentowanych aranżerów i solistów-improwizatorów, których twórczość wyniosła radziecki jazz na jakościowo nowy poziom i zbliżyła go do światowych standardów. Są wśród nich Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Aleksiej Zubow, Witalij Dołgow, Igor Kantyukow, Nikołaj Kapustin, Borys Matwiejew, Konstantin Nosow, Borys Rychkow, Konstantin Bakholdin. Rozwój jazzu kameralnego i klubowego rozpoczyna się w całej różnorodności jego stylistyki (Wiaczesław Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golshtein, Nikolay Gromin, Vladimir Danilin, Alexey Kozlov, Roman Kunsman, Nikolay Levinovsky, German Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexey Kuznetsov, Victor Fridman, Andrey Tovmasyan, Igor Bril, Leonid Chizhik itp.)
Klub Jazzowy „Błękitny Ptak”
Wielu z wymienionych mistrzów radzieckiego jazzu rozpoczynało karierę twórczą na scenie legendarnego moskiewskiego klubu jazzowego „Blue Bird”, który istniał od 1964 do 2009 roku, odkrywając nowe nazwiska przedstawicieli współczesnego pokolenia rosyjskich gwiazd jazzu (bracia Alexander i Dmitry Bril, Anna Buturlina, Yakov Okun, Roman Miroshnichenko i inni). W latach 70. szeroko znane stało się trio jazzowe „Ganelin-Tarasow-Czekasin” (GTC) składające się z pianisty Wiaczesława Ganelina, perkusisty Władimira Tarasowa i saksofonisty Władimira Czekasina, które istniało do 1986 roku. W latach 70. i 80. sławę zyskał także kwartet jazzowy z Azerbejdżanu „Gaya” oraz gruzińskie zespoły wokalno-instrumentalne „Orera” i „Jazz Chorale”.
Po spadku zainteresowania jazzem w latach 90., zaczął on ponownie zyskiwać na popularności w kulturze młodzieżowej. Co roku w Moskwie odbywają się festiwale muzyki jazzowej, takie jak „Usadba Jazz” i „Jazz w Ermitażu”. Najpopularniejszym klubem jazzowym w Moskwie jest klub jazzowy „Unia Kompozytorów”, zapraszający światowej sławy wykonawców jazzowych i bluesowych.
Jazz we współczesnym świecie
Współczesny świat muzyki jest tak różnorodny, jak klimat i geografia, których doświadczamy podczas podróży. A jednak dzisiaj jesteśmy świadkami mieszania się coraz większej liczby kultur świata, stale przybliżając nas do tego, co w istocie już staje się „muzyką świata” (muzyką świata). Dzisiejszy jazz nie może już oprzeć się wpływom dźwięków przenikających do niego niemal z każdego zakątka globu. Europejski eksperymentalizm z wydźwiękiem klasycznym w dalszym ciągu wpływa na muzykę młodych pionierów, takich jak Ken Vandermark, awangardowy saksofonista free jazzowy, znany ze współpracy z tak wybitnymi współczesnymi, jak saksofoniści Mats Gustafsson, Evan Parker i Peter Brotzmann. Inni młodzi, bardziej tradycyjni muzycy, którzy nadal poszukują własnej tożsamości, to pianiści Jackie Terrasson, Benny Green i Braid Meldoa, saksofoniści Joshua Redman i David Sanchez oraz perkusiści Jeff Watts i Billy Stewart.
Stara tradycja dźwiękowa jest szybko kontynuowana przez artystów takich jak trębacz Wynton Marsalis, który współpracuje z zespołem asystentów, zarówno we własnych małych grupach, jak i w Lincoln Center Jazz Orchestra, którą prowadzi. Pod jego patronatem pianiści Marcus Roberts i Eric Reed, saksofonista Wes „Warmdaddy” Anderson, trębacz Marcus Printup i wibrafonista Stefan Harris wyrośli na świetnych muzyków. Basista Dave Holland to także wielki odkrywca młodych talentów. Do jego licznych odkryć należą tacy artyści jak saksofonista/basista M Steve Coleman, saksofonista Steve Wilson, wibrafonista Steve Nelson i perkusista Billy Kilson. Inni wielcy mentorzy młodych talentów to pianista Chick Corea oraz nieżyjący już perkusista Elvin Jones i piosenkarka Betty Carter. Potencjalne możliwości dalszego rozwoju jazzu są obecnie dość duże, gdyż sposoby rozwijania talentu i środki jego ekspresji są nieprzewidywalne, mnożąc się dzięki wspólnym wysiłkom różnych gatunków jazzu, które są dziś wspierane.
Streszczenie na temat
„Jazz jest fenomenem czarnej muzyki w kulturze USA i Europy pierwszej połowy XX wieku”
Wykonane:
Sprawdzony:
Sewastopol 2012
Wprowadzenie…………………………………………………………………...3
- Początki jazzu…………………………………………………..4
Wpływ jazzu na kulturę USA i Europy…………………...7
Style jazzowe pierwszej połowy XX wieku………………………11
Referencje……………………………………………………………15
Wstęp
Jazz jest królem improwizacji w świecie stylów muzycznych. Folklor również należy do metod improwizacji, jednak jego izolacja i skupienie na zachowaniu tradycji ogranicza go pod względem środków muzycznych. Jazz jest hymnem kreatywności, a w połączeniu z odważnymi improwizacjami staje się punktem wyjścia do powstania ogromnej liczby gałęzi. Muzyka sprowadzonych do Ameryki czarnych niewolników rozpoczęła swój zwycięski marsz po Europie i dała światu wiele skomplikowanych dzieł na orkiestrę w stylu bluesowym, boogie-woogie, ragtime itp. Wpływ jazzu rozciąga się na niemal wszystkie rodzaje muzyki współczesnej - od akademickie i popularne. Wielu kompozytorów i wykonawców różnych stylów i ruchów czerpie inspiracje z jazzu, który jest praktycznie niewyczerpany dla nowych pomysłów.
Rozdział 1. Rozwój jazzu w pierwszej połowie XX wieku
- Początki jazzu
W 1874 roku w Paryżu grupa młodych nowatorskich artystów zorganizowała wystawę. W prezentowanych pracach zastosowano specjalną technikę odrębnych pociągnięć, półtonów i kolorowych cieni, która oddawała nietrwałość i ulotność wrażeń. Nowy kierunek w sztuce nazwano „impresjonizmem”, a jego najwybitniejszych przedstawicieli – Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pizarro, Edgar Degas, Alfred Sisley i Paul Cezanne – nazwano „impresjonistami”. Twórczość Holendra Vincenta Van Gogha, Oskara Kokoschki (Austria), Edvarda Muncha (Norwegia) utorowała drogę „ekspresjonizmowi”. Wkrótce zaczęły pojawiać się nowe trendy w rzeźbie, literaturze, architekturze i muzyce. Ale był też feedback. Odejście od klasycznych praw harmonii wiązało się z nazwiskiem francuskiego kompozytora Claude'a Debussy'ego, o którym świat muzyczny zaczął mówić w latach 90. XIX wieku. Twórczość Claude'a Debussy'ego i Maurice'a Ravela przekazywała subtelne, zwiewne, pozbawione konkretów uczucia i niosła ze sobą estetykę impresjonizmu. Inni kompozytorzy również rozwinęli ten kierunek i eksperymentowali z rytmem – Arnold Schoenberg, Igor Strawiński, Bela Bartok. Rzeźbiarze w swoich pracach z początku XX wieku, podobnie jak malarze, starali się odejść od konkretu na rzecz abstrakcji (Constantin Brancusi, Henry Moore). Estetyka architektury modernistycznej, którą Frank Lloyd Wright (1869-1959) realizował w swoich budynkach, opierała się na stylu „architektury organicznej”, całkowitej jedności z otaczającym krajobrazem.
Jak wszystko, co nowe, jazz w okresie swojego rozwoju był mobilny i komunikatywny, wpływając na inne formy sztuki i absorbując wszelkie impulsy twórcze. Wiele dzieł sztuki z początku XX wieku jest przesiąkniętych jazzem. Te „jazzowe” nastroje możemy wyczuć w malarstwie – linie, kontury, gra kolorów (np. twórczość P. Picassa znajduje odzwierciedlenie w kompozycjach D. Ellingtona, kubizm i sztuka abstrakcyjna „w harmonii” z dziełami T. Monka, C. Mingusa, O. Colmana); w literaturze - rytm fraz E. Hemingwaya „popycha” do zrozumienia stylu bebopowego, luksus i bogactwo fraz F. S. Fitzgeralda tworzą jedną całość z muzyką „złotego wieku” jazzu - swingu. Wyłania się cała kohorta kompozytorów europejskich i amerykańskich, współczesnych rozwojowi jazzu, skłonnych do poszukiwania nowego języka i techniki. Jazz oddziałuje pośrednio poprzez muzykę akademicką (np. C. Debussy'ego) i balet klasyczny. Pojawienie się nowych sztuk i ruchów plastycznych jest „popychane” przez ukryte powiązanie tych sztuk (w dziele Wacława Niżyńskiego „Popołudnie Fauna”). Motywy jazzowe pojawiają się także w kostiumach opartych na szkicach Lwa Baksta – w liniach, zestawieniach kolorystycznych; w pierwszych plakatach jazzowych, reklamie i projektowaniu nowych nut. Surrealizm S. Dali, R. Magritte'a i H. Mirro, a także ospałe brzmienia i teksty bluesa mają związek z podświadomą motywacją seksualną, którą obwieścił całemu światu w swoich studiach z początku XX wieku stulecia przez psychoanalityka i naukowca Z. Freuda. Pojawienie się jazzu i pojawienie się „freudyzmu” zaskakująco zbiegły się w czasie.
Pierwsze kroki jazzu cechowała ekscentryczność, frywolność i taneczny charakter. Muzyka jazzowa szybko rozprzestrzeniła się w różnych krajach i stała się powszechna. Tym samym jazz w pierwszych dekadach stał się produktem powszechnej konsumpcji. I okazało się, że jazz to zjawisko, którego tak bardzo brakowało do pełni życia.
Przez całe lata 20. i 30. XX wieku jazz stał się ulubieńcem świata, „dzieckiem”, przejawem kultury masowej. Miłośnikami muzyki jazzowej byli przedstawiciele wszystkich warstw społecznych, co pozwala uznać jazz za zjawisko noszące znamiona uniwersalności. Muzyka ta staje się integralną częścią życia artystycznego społeczeństwa, obok muzyki akademickiej, kameralnej, ludowej i baletu.
Gusta mas podyktowały później specyfikę (masowe uczestnictwo, charakter tańca, cechy zewnętrzne, styl zachowania) rozwoju i poszerzania repertuaru jazzowego. Stąd w latach 30. popularne były szybkie tańce, a orkiestry rywalizowały w ognistych wykonaniach tych samych melodii. Albo druga skrajność – zmęczeni tancerze musieli zagrać coś spokojniejszego – w tym przypadku w repertuarze big bandu znalazły się ballady – wolne utwory, w których wokalista najczęściej występował solo. Nie zabrakło także orkiestr grających salonową muzykę – „sweet-bands”. Ogromna liczba tych zespołów popadła w zapomnienie. To był prawdziwy fenomen kultury masowej lat 30. i 40. XX wieku.
Sekret sukcesu jazzu tkwi w jego niezwykłym pulsie, jasności brzmienia, kompozycji instrumentów, zmieniającej się roli każdego z nich i nowym stylu czołowych wokalistów. Wpływ dużej orkiestry na widza zadziwia nie tylko jakością materiału muzycznego, ale także niezwykłym ustawieniem muzyków na scenie. Najczęściej jest to półkole i widz czuje się w epicentrum uwagi i dźwiękowego napięcia, gdzie na rzecz publiczności pracują wszyscy artyści orkiestry jazzowej. Ułatwiają to specjalne pozy artystów. Inscenizowane są „ciągnięte” ruchy dzwonków instrumentów dętych – skrzydła puzonów kołyszą się na boki synchronicznie z rytmem, trębacze wznoszą instrumenty ku niebu, saksofoniści łączą różne zwroty i „kroki”, pianista gestykuluje i uśmiecha się, kontrabasista gra celowo demonstracyjnie, a perkusista, siedząc „ponad wszystkimi” członkami orkiestry, dokonuje cudów rytmu, a czasem żonglowania.
Utrwalony masowy, taneczny charakter muzyki jazzowej popchnął biznesmenów z branży rozrywkowej do stworzenia całego przemysłu jazzowego. Na podstawie udanych i sprawdzonych sampli (hitów) stworzono i powielono ich „bliźniaki”: melodie, piosenki, melodie, ułożone w rytmiczne wzory. To był banał w repertuarze jazzowym. Okres od końca lat 20. do początku lat 40. to swoisty rekord w zakresie czasu zainteresowania muzyką jazzową nie tylko w Ameryce, ale także w krajach europejskich. Ułatwiło to udane połączenie następujących czynników, obecność swego rodzaju „łańcucha”: orkiestr (wykonujących „połączenie”) - tancerzy (aktywne „połączenie” konsumentów) - płyt gramofonowych („połączenie” znacznie zwiększające liczba fanów – ogromna liczba sklepów sprzedających płyty na całym świecie) – audycje radiowe („link”, który błyskawicznie i na dowolną odległość rozpowszechnia muzykę jazzową, poszerzając grono słuchaczy w miarę udoskonaleń technicznych) – reklamę (ten „link” ” było szeroko stosowane i angażowało utalentowanych projektantów w sztukę tworzenia plakatów i plakatów). Rekord ten w okresie zainteresowania zostanie pobity jedynie przez muzykę rockową lat 60. i 90.
W latach 30-40 wśród setek orkiestr wyróżniali się liderzy i aranżerzy big bandów, którzy szukali własnej drogi, próbując pozbyć się komercyjnej zagłady repertuaru. Orkiestry te wypadły z listy tanecznych big bandów (np. D. Ellington). Nawet „król” swingu końca lat 30. B. Goodman w swoich wspomnieniach zanotował, że gra w dużej orkiestrze nie przynosiła tej twórczej satysfakcji, jaką osiąga się grając w małym składzie. Gra z dużą orkiestrą oznaczała „granie dla tańca”. Rozpatrując działalność wielkich orkiestr w latach 30-40, należy zwrócić uwagę na jej główne kierunki: granie w ogromnych salach tanecznych; występy w dużych klubach ze sceną i odpowiednim sprzętem i dekoracją; pracować w małych kawiarniach i restauracjach, gdzie trudno było pomieścić orkiestrę; koncerty w prestiżowych salach, filharmoniach; koncertuje w Ameryce i wyrusza w tournée do krajów europejskich.
Zainteresowanie jazzem w Europie zrodziło się w wyniku pierwszych wizyt amerykańskich jazzmanów w Starym Świecie. Imponujące były występy w Paryżu zespołu Louisa Mitchella „Jazz Kings” (1917 - 1925) (pod jego wpływem znajdował się Valentin Parnach, który zorganizował pierwszy koncert jazzowy w Moskwie w 1922 roku). W 1919 roku Southern Syncopated Orchestra Willa Marion Cooka sprowadziła do Europy klarnecistę Sidneya Becheta. W latach 20-30 liczne orkiestry i zespoły odbywały tournée po Europie. Sami Europejczycy starali się pilnie kopiować swoich idoli z USA, początkowo skupiając się na białych zespołach, później na czarnych wykonawcach. Duże znaczenie miało otwarcie w Paryżu w 1932 roku Hot Club de France, centrum jazzowego kierowanego przez Huguesa Panaciera. W tym klubie powstał słynny kwintet z udziałem francuskiego skrzypka Stephane’a Grappelliego i cygańskiego gitarzysty Django Reinhardta. Warto dodać, że Reinhardt był praktycznie pierwszym jazzowym Europejczykiem dostrzeżonym w ojczyźnie jazzu: Django został zaproszony do wspólnych występów z Duke Ellington Orchestra. Co ciekawe, skrzypce odegrały ważną rolę w kontekście jazzowo-europejskim. Tym samym skrzypek Svend Asmussen stał się czołowym muzykiem jazzowym w Danii.
W Rosji rozwinął się zarówno gatunek orkiestrowy, jak i małe zespoły, pojawiły się nazwiska Aleksandra Tsfasmana, Aleksandra Warlamowa i Leonida Utesowa.
W czasie wojny możliwość rozwoju nurtu jazzu w Europie została przerwana.
- Style jazzowe pierwszej połowy XX wieku
Po ugruntowaniu swojej pozycji i prawa do istnienia jazz zaczął się rozgałęziać na wszelkiego rodzaju ruchy. Obecnie istnieje ponad trzydzieści takich „podgatunkowych” trendów. Blues jest uważany za jeden z najpopularniejszych. Nazwa pochodzi od słowa „niebieski” - melancholia, melancholia. To słowo bardzo wyraźnie ilustruje naturę stylu muzycznego. Ponadto nazwa kojarzy się z angielską frazeologią „niebieskie diabły” - „diabelska melancholia”, kiedy koty drapią się po duszy. Blues jest spokojny i niespieszny, cechuje go płynność i improwizacja. Teksty piosenek bluesowych są niejednoznaczne, prawie zawsze zawierają niewypowiedziane myśli. Obecnie utwory bluesowe nie są zbyt popularne, wykorzystuje się głównie utwory instrumentalne, najczęściej w improwizacjach jazzowych. Najsłynniejsi wykonawcy bluesowi – Louis Armstrong i Duke Ellington – wywarli ogromny wpływ nie tylko na amerykańską kulturę muzyczną, ale także na muzykę światową w ogóle. Do współczesnych przedstawicieli bluesa należy np. Hot Rod Band.Ragtime to kolejny specyficzny kierunek jazzu. Pojawił się pod koniec XIX wieku, a jego nazwę tłumaczy się jako „rozdarty czas”. Słowo „rag” oznacza interwały w uderzeniach. Ragtime stał się jednym z modnych europejskich zainteresowań muzycznych, przerobionym przez Afroamerykanów w nowy sposób. Szczególną popularnością cieszyła się wówczas romantyczna szkoła fortepianowa, której repertuar obejmował dzieła Chopina, Schuberta i Liszta. Ich kompozycje były już wcześniej wykonywane w Stanach Zjednoczonych, jednak zinterpretowane przez Afroamerykanów nabrały odmiennych cech – szczególnego rytmu i dynamiki. Następnie zaczęto zapisywać ragtime w zapisie muzycznym, dodatkowo czerpał korzyści z faktu, że wyznacznikiem wysokiego wówczas statusu rodzinnego była obecność w domu fortepianu, zwłaszcza mechanicznego, na którym grano skomplikowane melodie ragtime. było wygodniejsze. Najpopularniejszymi miastami pod względem rozpowszechniania ragtime'u były Kansas City, St. Louis i Sedalia (Missouri) oraz stan Teksas. Scott Joplin, jeden z najsłynniejszych kompozytorów i wykonawców ragtime'u, pochodzi z Teksasu. Jego występy w klubie Maple Leaf były wielkim sukcesem. Wybitnymi autorami i wykonawcami tego stylu stali się także Joseph Lamb i James Scott.
Kryzys gospodarczy początku lat 30. w Stanach Zjednoczonych doprowadził do upadku większości zespołów, w tym jazzowych. W służbie pozostały jedynie orkiestry grające pseudo-jazzową muzykę taneczną. Nowym etapem rozwoju kierunku jazzowego stał się swing - dopracowany, dopracowany, wygładzony gatunek muzyczno-taneczny (w języku angielskim słowo „swing” oznacza „swing”). Słowo „jazz” było wówczas uważane za żargon, więc podjęto próbę wprowadzenia w zamian nowego pojęcia – „swing”. Główną cechą swingu jest jasna improwizacja solowa i złożony akompaniament.
Wszyscy wykonawcy swingu musieli wyróżniać się niezrównaną techniką, harmonią i znajomością muzycznych zasad organizacji. Do takich występów nadawały się głównie duże big bandy lub orkiestry, które stały się popularne w drugiej połowie lat 30. Stopniowo ukształtowała się standardowa forma składu orkiestry - 10-20 osób.
Kolejną specyficzną gałęzią jazzu, która narodziła się w dobie szerzenia się swingu, jest fortepianowa forma wykonywania utworów bluesowych, zwana później „boogie-woogie”. Trend ten pojawił się po raz pierwszy w Kansas City, rozprzestrzenił się w St. Louis i dotarł do Chicago. Boogie-woogie było właściwie wykonaniem muzyki na banjo i gitarę w aranżacji pianistów. To właśnie fortepianowe boogie-woogie doprowadziło do powstania „chodzącego” basu, na którym gra lewa ręka, prawa ręka została oddana bluesowej improwizacji. Szczególną rolę w popularyzacji tego stylu odegrał pianista Jimmy Yancey. Jednak boogie-woogie osiągnął swój szczyt sukcesu po pojawieniu się Lewisa, Johnsona i Ammonsa przed opinią publiczną. Dzięki nim boogie-woogie stało się muzyką koncertową z muzyki tanecznej. Następnie motywy boogie-woogie były aktywnie wykorzystywane przez orkiestry swingowe, a także przez autorów i wykonawców z gatunku rytmu i bluesa. Prąd miał znaczący wpływ na narodziny rock and rolla.
Wniosek
Początek XX wieku upłynął pod znakiem pojawienia się nowej rzeczywistości artystycznej w kulturze. Jazz, jedno z najważniejszych i najbardziej tętniących życiem zjawisk całego XX wieku, wpłynął nie tylko na rozwój kultury artystycznej, różnych rodzajów sztuk, ale także na codzienne życie społeczeństwa. W wyniku przeprowadzonych badań dochodzimy do wniosku, że jazz w przestrzeni kulturalnej XX wieku rozwijał się w dwóch kierunkach. Pierwszy rozwinął się w komercyjnym przemyśle rozrywkowym, w którym jazz istnieje do dziś; drugi kierunek to sztuka niezależna, niezależna od komercyjnej muzyki popularnej. Te dwa kierunki pozwoliły wyznaczyć ścieżkę rozwoju jazzu od zjawiska kultury masowej do sztuki elitarnej.
Muzyka jazzowa, pokonując wszelkie bariery rasowe i społeczne, pod koniec lat dwudziestych nabrała charakteru masowego i stała się integralną częścią kultury miejskiej. W latach 30.-40. w związku z rozwojem nowych stylów i kierunków jazz ewoluował i nabrał cech sztuki elitarnej, co trwało praktycznie przez cały XX wiek.
Dziś żyją wszystkie ruchy i style jazzowe: jazz tradycyjny, duże orkiestry, boogie-woogie, stride, swing, bebop (neo-bop), feauge, latin, jazz-rock. Podwaliny pod te trendy powstały jednak już na początku XX wieku.
itp.................
Po tym jak Krzysztof Kolumb odkrył nowy kontynent i osiedlili się na nim Europejczycy, statki handlarzy towarami ludzkimi coraz częściej docierały do wybrzeży Ameryki.
Wyczerpani ciężką pracą, tęskniąc za domem i cierpiąc z powodu okrutnego traktowania swoich strażników, niewolnicy znajdowali pocieszenie w muzyce. Stopniowo Amerykanie i Europejczycy zainteresowali się niezwykłymi melodiami i rytmami. Tak narodził się jazz. Czym jest jazz i jakie są jego cechy, rozważymy w tym artykule.
Cechy kierunku muzycznego
Jazz obejmuje muzykę pochodzenia afroamerykańskiego, która opiera się na improwizacji (swing) i specjalnej strukturze rytmicznej (synkopacja). W przeciwieństwie do innych gatunków, gdzie jedna osoba pisze muzykę, a druga ją wykonuje, muzycy jazzowi są także kompozytorami.
Melodia powstaje spontanicznie, okresy komponowania i wykonania oddziela minimalny odstęp czasu. Tak rodzi się jazz. orkiestra? To zdolność muzyków do wzajemnego przystosowania się. Jednocześnie każdy improwizuje sam.
Rezultaty spontanicznych kompozycji zapisywane są w zapisie muzycznym (T. Cowler, G. Arlen „Happy All Day”, D. Ellington „Don’t You Know What I Love?” itp.).
Z biegiem czasu muzyka afrykańska została zsyntetyzowana z muzyką europejską. Pojawiły się melodie łączące w sobie plastyczność, rytm, melodię i harmonię dźwięków (CHEATHAM Doc, Blues In My Heart, CARTER James, Centerpiece itp.).
Wskazówki
Istnieje ponad trzydzieści stylów jazzu. Przyjrzyjmy się niektórym z nich.
1. Bluesa. W tłumaczeniu z angielskiego słowo to oznacza „smutek”, „melancholia”. Początkowo blues był nazwą nadawaną solowej piosence lirycznej Afroamerykanów. Jazz-blues to dwunastotaktowy okres odpowiadający trzywierszowej formie poetyckiej. Kompozycje bluesowe wykonywane są w wolnym tempie, a teksty zawierają pewne niedopowiedzenia. blues - Gertrude Ma Rainey, Bessie Smith i inni.
2. Ragtime. W dosłownym tłumaczeniu nazwa stylu to rozdarty czas. W języku terminów muzycznych „szmata” odnosi się do dodatkowych dźwięków pomiędzy taktami. Ruch pojawił się w USA po tym, jak za granicą zainteresowano się twórczością F. Schuberta, F. Chopina i F. Liszta. Muzyka kompozytorów europejskich wykonywana była w stylu jazzowym. Później pojawiły się oryginalne kompozycje. Ragtime jest typowy dla twórczości S. Joplina, D. Scotta, D. Lamba i innych.
3. Boogie-woogie. Styl pojawił się na początku ubiegłego wieku. Właściciele niedrogich kawiarni potrzebowali muzyków do grania jazzu. Jest rzeczą oczywistą, że taki akompaniament muzyczny wymaga obecności orkiestry, ale zaproszenie dużej liczby muzyków było kosztowne. Pianiści kompensowali brzmienie różnych instrumentów, tworząc liczne kompozycje rytmiczne. Funkcje Boogie:
- improwizacja;
- technika wirtuozowska;
- specjalny akompaniament: lewa ręka wykonuje konfigurację motoryczną ostinantową, odstęp między basem a melodią wynosi dwie lub trzy oktawy;
- ciągły rytm;
- wyłączenie pedału.
W Boogie-woogie grali Romeo Nelson, Arthur Montana Taylor, Charles Avery i inni.
Legendy stylu
Jazz jest popularny w wielu krajach na całym świecie. Wszędzie ma swoje gwiazdy, otoczone armią fanów, ale niektóre nazwiska stały się prawdziwymi legendami. Są znani i kochani na całym świecie, a do takich muzyków należy w szczególności Louis Armstrong.
Nie wiadomo, jaki byłby los chłopca z biednej czarnej dzielnicy, gdyby Louis nie trafił do obozu poprawczego. Tutaj przyszła gwiazda została zapisana do orkiestry dętej, chociaż zespół nie grał jazzu. i jak tego dokonano, młody człowiek odkrył sam znacznie później. Armstrong zyskał światową sławę dzięki pracowitości i wytrwałości.
Za twórczynię śpiewu jazzowego uważa się Billie Holiday (prawdziwe nazwisko Eleanor Fagan). Piosenkarka osiągnęła szczyt swojej popularności w latach 50. ubiegłego wieku, kiedy zamieniła sceny nocnych klubów na scenę teatralną.
Niełatwe życie miała właścicielka trzyoktawowego zakresu, Ella Fitzgerald. Po śmierci matki dziewczynka uciekła z domu i prowadziła niezbyt przyzwoity tryb życia. Początkiem kariery piosenkarki był występ na konkursie muzycznym Amateur Nights.
George Gershwin jest znany na całym świecie. Kompozytor tworzył dzieła jazzowe oparte na muzyce klasycznej. Nieoczekiwany sposób wykonania zachwycił słuchaczy i współpracowników. Koncertom niezmiennie towarzyszył aplauz. Najbardziej znane dzieła D. Gershwina to „Błękitna rapsodia” (współautorstwo z Fredem Grofem), opery „Porgy and Bess”, „Amerykanin w Paryżu”.
Popularnymi wykonawcami jazzowymi byli i pozostają także Janis Joplin, Ray Charles, Sarah Vaughn, Miles Davis i inni.
Jazz w ZSRR
Pojawienie się tego ruchu muzycznego w Związku Radzieckim wiąże się z nazwiskiem poety, tłumacza i bywalca teatru Walentina Parnacha. Pierwszy koncert zespołu jazzowego prowadzonego przez wirtuoza odbył się w 1922 roku. Później A. Tsfasman, L. Utesov, Y. Skomorovsky utworzyli kierunek teatralnego jazzu, łącząc występy instrumentalne i operetkę. E. Rosner i O. Lundstrem zrobili wiele dla popularyzacji muzyki jazzowej.
W latach czterdziestych jazz był szeroko krytykowany jako zjawisko kultury burżuazyjnej. W latach 50. i 60. ustały ataki na wykonawców. Zespoły jazzowe powstały zarówno w RFSRR, jak i w innych republikach związkowych.
Dziś jazz jest wykonywany swobodnie w salach koncertowych i klubach.
Jazz to fenomen muzyczny XX wieku
Jazz jest znaczącą częścią amerykańskiej kultury muzycznej. Powstały na bazie muzyki ludowej i muzyki czarnoskórych Amerykanów jazz stał się wyrazistą sztuką profesjonalną, wywierającą znaczący wpływ na rozwój muzyki współczesnej.
Muzykę jazzową nazwano sztuką amerykańską, amerykańskim wkładem w sztukę. Jazz zyskał uznanie także wśród tych, którzy wychowali się głównie na tradycjach zachodnioeuropejskiej muzyki koncertowej.
Dziś jazz ma zwolenników i wykonawców we wszystkich częściach świata i przeniknął do kultury wszystkich krajów. Można śmiało powiedzieć, że jazz jest muzyką świata i pierwszą pod tym względem.
Jazz (angielski jazz) rozwinął się w południowych stanach USA na przełomie XIX i XX wieku w wyniku syntezy europejskiej i afrykańskiej kultury muzycznej. Nosicielami kultury afrykańskiej byli amerykańscy czarni – potomkowie niewolników zabranych z Afryki. Przejawiało się to w tańcach rytualnych, pieśniach pracy, hymnach duchowych - duchowych, lirycznym bluesie i ragtime, pieśniach gospel (psalmy murzyńskie), które powstały w XVIII - XX wieku w procesie asymilacji przez Czarnych kultury białej populacji ludności Stany Zjednoczone.
Do głównych cech jazzu zalicza się zasadniczą rolę rytmu, regularną pulsację metryczną, czyli „beat”, akcenty melodyczne tworzące wrażenie falowego ruchu (swing), improwizacyjny początek itp. Jazz nazywany jest także orkiestrą składającą się głównie z instrumenty dęte, perkusyjne i akustyczne przeznaczone do wykonywania takiej muzyki.
Jazz to przede wszystkim sztuka performatywna. Słowo to po raz pierwszy pojawiło się w 1913 roku w jednej z gazet San Francisco, w 1915 weszło do nazwy orkiestry jazzowej T. Browna, która występowała w Chicago, a w 1917 pojawiło się na płycie gramofonowej nagranej przez słynną orkiestrę nowoorleańską Oryginalny zespół DixieIand Jazz (Jass).
Pochodzenie słowa „jazz” samo w sobie jest raczej niejasne. Niemniej jednak nie ma wątpliwości. Że miało ono dość wulgarne znaczenie w czasach, gdy zaczęto je stosować w tego typu muzyce – około 1915 roku. Warto podkreślić, że początkowo nazwę tę nadawali muzyce biali, okazując w ten sposób swoją pogardę.
Początkowo słowo „jazz” można było usłyszeć jedynie w połączeniu „jazz band”, co oznaczało niewielki zespół składający się z trąbki, klarnetu, puzonu i sekcji rytmicznej (mogło to być banjo lub gitara, tuba lub kontrabas). , interpretując melodie Spirits i ragtime, blues i popularne piosenki. Spektakl był zbiorową improwizacją polifoniczną. Później zbiorową improwizację zachowano jedynie w początkowych i końcowych odcinkach, w pozostałych jeden głos był solistą, wspieranym przez sekcję rytmiczną i proste akordowe brzmienie instrumentów dętych.
W XVIII-wiecznej Europie, kiedy improwizacja była powszechną cechą wykonań muzycznych, improwizował tylko jeden muzyk (lub piosenkarz). W jazzie, jeśli istnieje pewna zgoda, może improwizować nawet ośmiu muzyków jednocześnie. Tak właśnie działo się w najwcześniejszym stylu jazzu – w tak zwanych zespołach Dixielandowskich.
Blues jest najważniejszym i najbardziej wpływowym ze wszystkich afroamerykańskich idiomów jazzowych. Blues używany w jazzie niekoniecznie odzwierciedla smutek i smutek. Forma ta stanowi połączenie elementów tradycji afrykańskiej i europejskiej. Blues śpiewany jest z melodyjną spontanicznością i dużą ilością emocji. Na początku lat dwudziestych, a może i wcześniej, blues stał się nie tylko gatunkiem wokalnym, ale także instrumentalnym.
Autentyczny ragtime pojawił się pod koniec lat 90. XIX wieku. Od razu zyskała popularność i podlegała najróżniejszym uproszczeniom. W swej istocie ragtime był muzyką graną na instrumentach wyposażonych w klawiaturę podobną do fortepianu. Nie ma wątpliwości, że taniec Cakewalk (pierwotnie oparty na eleganckiej, stylizowanej parodii uroczych manier białych południowców) powstał wcześniej niż ragtime, więc musiała istnieć muzyka Cakewalk.
Istnieją tak zwane style jazzu nowoorleańskiego i chicagowskiego. Tubylcy Nowego Orleanu stworzyli najsłynniejsze zespoły i dzieła jazzowe. Wczesny jazz wykonywany był przeważnie przez małe orkiestry składające się z 5 do 8 instrumentów i charakteryzował się specyficznym stylem instrumentalnym. Do jazzu przenikają uczucia, stąd większy wzlot emocjonalny i głębia. W końcowej fazie centrum rozwoju jazzu przeniosło się do Chicago. Jej najwybitniejszymi przedstawicielami byli trębacze Joe King Oliver i Louis Armstrong, klarneciści J. Dodds i J. Nui, pianista i kompozytor Jelly Roll Morton, gitarzysta J. St. Cyr i perkusista Warren Baby Dodds.
Wykonania sztuk jednego z pierwszych zespołów jazzowych - Original Dixieland Jazz-Band - zostały zarejestrowane na płytach gramofonowych w 1917 r., a w 1923 r. rozpoczęto systematyczne nagrywanie spektakli jazzowych.
Szeroki krąg amerykańskiej publiczności zetknął się z jazzem zaraz po zakończeniu I wojny światowej. Jego technika została przejęta przez wielu wykonawców i odcisnęła piętno na całej muzyce rozrywkowej w USA i Europie Zachodniej.
Jednak od lat dwudziestych do połowy lat trzydziestych XX wieku powszechne było bezkrytyczne stosowanie słowa „jazz” do prawie wszystkich rodzajów muzyki, na które jazz miał wpływ pod względem rytmicznym, melodycznym i tonalnym.
Symphojazz (ang. simphojazz) to odmiana stylu jazzowego połączona z muzyką symfoniczną z gatunku lekkiego. Termin ten został po raz pierwszy użyty w latach dwudziestych XX wieku przez słynnego amerykańskiego dyrygenta Paula Whitemana. W większości przypadków była to muzyka taneczna z domieszką „salonu”. Jednak ten sam Whiteman był inicjatorem powstania i pierwszym wykonawcą słynnej „Błękitnej rapsodii” George’a Gershwina, w której fuzja jazzu i muzyki symfonicznej okazała się niezwykle organiczna. Próbowano odtworzyć podobną syntezę w nowej jakości i późniejszym czasie.
Na początku lat trzydziestych jazz nowoorleański i chicagowski został zastąpiony stylem „swing”, którego uosobieniem były „big bandy” składające się z 3-4 saksofonów, 3 trąbek, 3 puzonów i sekcji rytmicznej. Termin „swing” pochodzi od Louisa Armstronga i był używany do określenia stylu, w którym silnie odczuwano jego wpływ. Zwiększenie składu spowodowało konieczność przejścia na wykonanie gotowych aranżacji, zapisanych na nutach lub wyuczonych bezpośrednio ze słuchu, według bezpośrednich wskazówek autora. Największy wkład w „swing” wnieśli F. Henderson, E. Kennedy, Duke Ellington, W. Chick Webb, J. Landsford. Każdy z nich łączył talenty lidera orkiestry, aranżera, kompozytora i instrumentalisty. W ślad za nimi pojawiły się orkiestry B. Goodmana, G. Millera i innych, które zapożyczyły dorobek techniczny czarnoskórych muzyków.
Pod koniec lat trzydziestych „swing” wyczerpał się, przekształcając się w zespół technik formalnych i technicznych. Wielu wybitnych mistrzów „swingu” zaczyna rozwijać gatunki jazzu kameralnego i koncertowego. Występując w małych składach tworzą cykl spektakli adresowanych zarówno do tanecznej publiczności, jak i do stosunkowo wąskiego kręgu słuchaczy-koneserów. Ellington nagrał ze swoją orkiestrą suitę „Reminiscence in Tempo”, która wyniosła jazz poza trzyminutowy numer taneczny.
Decydujący punkt zwrotny nastąpił na początku lat 40., kiedy grupa muzyków wyznaczyła nowy kierunek jazzu, nazywając go onomatopeicznym słowem „bebop”. Położył podwaliny pod modern jazz (angielski modern jazz – modern jazz) – terminem tym zwykle określa się style i nurty jazzu, które powstały po dominacji swingu. Bebop zapoczątkował ostateczny rozłam pomiędzy jazzem a królestwem muzyki rozrywkowej. Artystycznie otworzył drogę do samodzielnego rozwoju jazzu jako jednej z gałęzi współczesnej sztuki muzycznej.
W latach czterdziestych najpopularniejszą orkiestrą była Glenn Miller Orchestra. Jednak prawdziwą kreatywność w jazzie w tych latach przypisuje się Duke’owi Ellingtonowi, który według jednego z krytyków tworzył arcydzieła pozornie co tydzień.
Pod koniec lat 40. wyłonił się kierunek „cool” jazzu, charakteryzujący się umiarkowaną dźwięcznością, przejrzystością barw i brakiem ostrych kontrastów dynamicznych. Pojawienie się tego nurtu wiąże się z działalnością trębacza M. Davisa. W późniejszym okresie „cool” jazz uprawiany był głównie przez grupy działające na zachodnim wybrzeżu Stanów Zjednoczonych.
W jazzie lat 40. i 50. język harmoniczny stawał się coraz bardziej chromatyczny, wręcz „neodebussowski”, a muzycy wykonywali złożone, popularne melodie. Jednocześnie nadal wyrażają tradycyjną esencję bluesa. A muzyka zachowała i rozszerzyła żywotność swoich rytmicznych podstaw.
Najważniejsze wydarzenia w historii jazzu skupiają się wokół kompozytorów, którzy syntetyzują muzykę i nadają jej ogólne formy, a następnie wokół poszczególnych muzyków, pomysłowych solistów, którzy okresowo aktualizują słownictwo jazzowe. Czasami te etapy są wymienne, od syntezy Mortona do innowacji Armstronga, od syntezy Ellingtona do innowacji Parkera.
Od drugiej połowy XX wieku wzrasta liczba bardzo odmiennych koncepcji artystycznych i stylów wykonywania muzyki jazzowej. Wymierny wkład w udoskonalenie techniki komponowania jazzu wniósł zespół Modern Jazz Quartet, który syntezował zasady „bebopu”, „cool jazzu” i europejskiej polifonii XVII-XVIII wieku. Tendencja ta doprowadziła do powstania rozbudowanych spektakli dla orkiestr mieszanych, w tym dla orkiestrantów akademickich i improwizatorów jazzowych. To jeszcze bardziej pogłębiło przepaść pomiędzy jazzem a dziedziną muzyki rozrywkowej i całkowicie zniechęciło do niej dużą część publiczności.
W poszukiwaniu odpowiedniego substytutu taneczna młodzież zaczęła zwracać się w stronę gatunku codziennej czarnej muzyki „rhythm-and-blues”, łączącej wyrazisty wokal w stylu bluesowym z energicznym akompaniamentem perkusji i nutami gitary elektrycznej lub saksofonu. W tej formie muzyka była poprzedniczką „rock and rolla” lat 50. i 60., który miał ogromny wpływ na komponowanie i wykonywanie popularnych piosenek. Z kolei „boogie-woogie”, które było bardzo popularne w Stanach Zjednoczonych pod koniec lat 30. (w rzeczywistości jest znacznie starsze), to style bluesa grane na fortepianie.
Pod koniec lat 50. do rytmu i bluesa dołączył kolejny popularny gatunek – soul, będący świecką wersją jednego z odłamów murzyńskiej muzyki sakralnej.
Kolejny trend w jazzie przełomu lat 60. i 70. wynikał z rosnącego zainteresowania folklorem i profesjonalną sztuką muzyczną Azji i Afryki. Pojawia się szereg przedstawień różnych autorów, opartych na materiale melodii i tańców ludowych Ghany, Nigerii, Sudanu, Egiptu i krajów Półwyspu Arabskiego.
Pod koniec lat 60. w Stanach Zjednoczonych rozwinął się gatunek muzyki jazzowej wykorzystujący tradycyjny rock, pod wpływem czarnoskórego muzyka Milesa Davisa i jego uczniów, którzy starali się, aby ich muzyka była wyraźniejsza i bardziej przystępna. Rozkwit „inteligentnego” rocka i nowatorstwo stylu sprawiły, że stał się on niezwykle popularny w połowie lat 70. Później jazz-rock podzielił się na kilka bardziej specyficznych form, część jego zwolenników powróciła do tradycyjnego jazzu, część przeszła do muzyki wręcz popowej, a tylko nieliczni nadal poszukiwali sposobów na głębsze przenikanie się jazzu i rocka. Nowoczesne formy jazz rocka są lepiej znane jako fusion.
Przez dziesięciolecia rozwój jazzu miał charakter w przeważającej mierze spontaniczny i w dużej mierze zdeterminowany zbiegiem okoliczności. Pozostając przede wszystkim fenomenem kultury afroamerykańskiej, system języka muzycznego jazzu i zasady jego wykonywania stopniowo zyskują charakter międzynarodowy. Jazz potrafi z łatwością przyswoić elementy artystyczne dowolnej kultury muzycznej, zachowując przy tym jej oryginalność i integralność.
Pojawienie się jazzu w Europie pod koniec lat 10. XX wieku natychmiast przyciągnęło uwagę czołowych kompozytorów. Pewne elementy struktury, intonacji oraz zwrotów i technik rytmicznych wykorzystywali w swoich utworach C. Debussy, I. F. Strawiński, M. Ravel, K. Weil i inni.
Jednocześnie wpływ jazzu na twórczość tych kompozytorów był ograniczony i krótkotrwały. W USA fuzja jazzu z muzyką tradycji europejskiej dała początek twórczości J. Gershwina, który przeszedł do historii muzyki jako najwybitniejszy przedstawiciel jazzu symfonicznego.
Historię jazzu można zatem opowiedzieć na podstawie rozwoju sekcji rytmicznych i związku muzyków jazzowych z partią trąbki.
Europejskie zespoły jazzowe zaczęły powstawać na początku lat dwudziestych XX wieku, jednak do końca II wojny światowej brak wsparcia masowej publiczności zmusił je do wykonywania głównie repertuaru popowego i tanecznego. Po 1945 roku w ciągu kolejnych 15-20 lat w większości stolic i dużych miast Europy ukształtowała się kadra instrumentalistów, którzy opanowali technikę wykonywania niemal wszystkich form jazzu: M. Legrand, H. Littleton, R. Scott, J. Dankworth, L. Gullin, V. Schleter, J. Kwaśnicki.
Jazz funkcjonuje w środowisku, w którym konkuruje z innymi formami muzyki popularnej. Jednocześnie jest sztuką na tyle popularną, że zyskała najwyższe i powszechnie akceptowane uznanie i szacunek oraz przyciąga uwagę zarówno krytyków, jak i badaczy. Co więcej, zmiany w innych rodzajach muzyki popularnej wydają się czasem kaprysem mody. Jazz ze swej strony ewoluuje i rozwija się. Wykonawcy zaczerpnęli wiele z muzyki z przeszłości i na niej zbudowali swoją muzykę. I jak stwierdził S. Dance „najlepsi muzycy zawsze wyprzedzali swoją publiczność” .
Wykaz używanej literatury
Encyklopedia jazzu / muzyki. T. 2. s. 211-216.
Michajłow J.K. Refleksje o muzyce amerykańskiej // USA. Ekonomia, polityka, ideologia. 1978. Nr 12. s. 28-39.
Pereverzev L. Piosenki robocze ludu murzyńskiego // Sov. muzyka. 1963. nr 9. s. 125-128.
Troitskaya G. Piosenkarka jazzowa. Na zagraniczne tournée sceniczne // Teatr. 1961. Nr 12. s. 184-185.
Williams M. Krótka historia jazzu // USA. Ekonomia, polityka, ideologia. 1974. Nr 10. s. 84-92. nr 11. s. 107-114.
Jazz to forma sztuki muzycznej, która powstała na początku XX wieku w USA w wyniku syntezy kultur afrykańskiej i europejskiej, a następnie rozpowszechniła się.
Jazz to muzyka niesamowita, żywa, stale rozwijająca się, wykorzystująca rytmiczny geniusz Afryki, skarby tysiącletniej sztuki gry na bębnach, śpiewów rytualnych i ceremonialnych. Dodaj chóralny i solowy śpiew kościołów baptystów i protestantów - przeciwne rzeczy połączyły się, dając światu niesamowitą sztukę! Historia jazzu jest niezwykła, dynamiczna, pełna niesamowitych wydarzeń, które wpłynęły na światowy proces muzyczny.
Co to jest jazz?
Cechy charakteru:
- polirytm oparty na rytmach synkopowanych,
- bit - pulsacja regularna,
- swing – odchylenie od rytmu, zespół technik wykonywania faktury rytmicznej,
- improwizacja,
- kolorowy zakres harmonii i barwy.
Ten rodzaj muzyki powstał na początku XX wieku w wyniku syntezy kultur afrykańskiej i europejskiej jako sztuka oparta na improwizacji połączonej z z góry przemyślaną, choć niekoniecznie pisaną, formą kompozycji. Kilku wykonawców może improwizować jednocześnie, nawet jeśli w zespole wyraźnie słychać głos solowy. Pełny obraz artystyczny dzieła zależy od interakcji członków zespołu ze sobą i z publicznością.
Dalszy rozwój nowego kierunku muzycznego nastąpił dzięki opanowaniu przez kompozytorów nowych wzorców rytmicznych i harmonicznych.
Oprócz szczególnej ekspresyjnej roli rytmu odziedziczono inne cechy muzyki afrykańskiej - interpretację wszystkich instrumentów jako perkusyjnych, rytmicznych; dominacja intonacji konwersacyjnej w śpiewie, naśladowanie mowy konwersacyjnej podczas gry na gitarze, pianinie i instrumentach perkusyjnych.
Historia jazzu
Początki jazzu sięgają tradycji muzyki afrykańskiej. Za jego założycieli można uznać narody kontynentu afrykańskiego. Niewolnicy sprowadzeni do Nowego Świata z Afryki nie pochodzili z tej samej rodziny i często się nie rozumieli. Potrzeba interakcji i komunikacji doprowadziła do zjednoczenia i powstania jednej kultury, w tym muzyki. Charakteryzuje się złożonymi rytmami, tańcami z tupaniem i klaskaniem. Razem z motywami bluesowymi nadały nowy kierunek muzyczny.
Procesy mieszania się afrykańskiej kultury muzycznej z europejską, które uległy zasadniczym przemianom, zachodzą od XVIII wieku, a w XIX doprowadziły do wyłonienia się nowego kierunku muzycznego. Dlatego też światowa historia jazzu jest nierozerwalnie związana z historią amerykańskiego jazzu.
Historia rozwoju jazzu
Historia narodzin jazzu ma swój początek w Nowym Orleanie, na południu Ameryki. Etap ten charakteryzuje się zbiorową improwizacją kilku wersji tej samej melodii przez trębacza (głos główny), klarnecistę i puzonistę na tle marszowego akompaniamentu dętego basu i perkusji. Znaczący dzień – 26 lutego 1917 – wówczas w nowojorskim studiu firmy Victor pięciu białych muzyków z Nowego Orleanu nagrało pierwszą płytę gramofonową. Przed wydaniem tej płyty jazz pozostawał zjawiskiem marginalnym, muzycznym folklorem, a potem w ciągu kilku tygodni zadziwił i zszokował całą Amerykę. Nagranie należało do legendarnego „Original Dixieland Jazz Band”. W ten sposób amerykański jazz rozpoczął swój dumny marsz po świecie.
W latach 20. odkryto główne cechy przyszłych stylów: jednolitą pulsację kontrabasu i perkusji, co przyczyniło się do swingu, wirtuozowskiej solówki oraz sposób improwizacji wokalnej bez słów, wykorzystującej pojedyncze sylaby („scat”). Znaczące miejsce zajął blues. Później oba etapy – Nowy Orlean i Chicago – łączy termin „Dixieland”.
W amerykańskim jazzie lat 20. wyłonił się harmonijny system zwany „swingiem”. Swing charakteryzuje się pojawieniem się nowego typu orkiestry – big bandu. Wraz z powiększeniem się orkiestry musieliśmy porzucić zbiorową improwizację i przejść do wykonywania aranżacji zapisanych na nutach. Aranżacja stała się jednym z pierwszych przejawów początków kompozytora.
Big band składa się z trzech grup instrumentów - sekcji, z których każda może brzmieć jak jeden instrument polifoniczny: sekcja saksofonowa (później z klarnetami), sekcja „dęta” (trąbki i puzony), sekcja rytmiczna (fortepian, gitara, kontrabas, perkusja).
Pojawiła się improwizacja solowa oparta na „kwadracie” („refren”). „Kwadrat” to jedna wariacja o czasie trwania (liczbie taktów) tematu, wykonywana na tle tego samego akompaniamentu akordowego co temat główny, do którego improwizator dostosowuje nowe zwroty melodyczne.
W latach trzydziestych XX wieku popularny stał się amerykański blues, a 32-taktowa forma utworu stała się powszechna. W swingu „riff” – rytmicznie elastyczna wskazówka o długości od dwóch do czterech taktów – zaczął być szeroko stosowany. Wykonywana jest przez orkiestrę, podczas gdy solista improwizuje.
Do pierwszych big bandów zaliczały się orkiestry prowadzone przez znanych muzyków jazzowych – Fletchera Hendersona, Counta Basiego, Benny’ego Goodmana, Glena Millera, Duke’a Ellingtona. Ci drudzy już w latach 40. zwrócili się ku dużym formom cyklicznym, bazującym na folklorze murzyńskim i latynoamerykańskim.
Amerykański jazz lat trzydziestych XX wieku został skomercjalizowany. Dlatego wśród miłośników i koneserów historii powstania jazzu narodził się ruch na rzecz odrodzenia wcześniejszych, autentycznych stylów. Decydującą rolę odegrały małe czarne zespoły z lat 40., które odrzuciły wszystko, co miało służyć efektowi zewnętrznemu: różnorodność, taniec, śpiew. Temat był grany unisono i prawie nigdy nie brzmiał w pierwotnej formie, akompaniament nie wymagał już tanecznej regularności.
Ten styl, który zapoczątkował epokę nowożytną, nazwano „bop” lub „bebop”. Eksperymenty utalentowanych amerykańskich muzyków i wykonawców jazzowych - Charliego Parkera, Dizzy'ego Gillespiego, Theloniousa Monka i innych - właściwie położyły podwaliny pod rozwój niezależnej formy sztuki, jedynie zewnętrznie powiązanej z gatunkiem pop-dance.
Od końca lat 40. do połowy lat 60. rozwój przebiegał w dwóch kierunkach. Pierwsza obejmowała style „fajne” - „fajne” i „zachodnie wybrzeże” - „zachodnie wybrzeże”. Cechuje je szerokie wykorzystanie doświadczeń muzyki poważnej klasycznej i współczesnej – rozwinięte formy koncertowe, polifonia. Drugi kierunek obejmował style „hardbop” - „hot”, „energetyczny” i zbliżony do niego „soul-jazz” (w tłumaczeniu z angielskiego „soul” - „soul”), łącząc zasady starego bebopu z tradycjami czarny folklor, temperamentne rytmy i intonacje duchowe.
Obydwa te kierunki łączy wiele wspólnego w chęci uwolnienia się od podziału improwizacji na odrębne kwadraty, a także swingowania walca i bardziej skomplikowanych metrów.
Podejmowano próby tworzenia dzieł o dużej formie – jazzu symfonicznego. Na przykład „Błękitna rapsodia” J. Gershwina, szereg dzieł I.F. Strawiński. Od połowy lat 50. eksperymenty łączenia zasad jazzu i muzyki współczesnej ponownie stały się powszechne, już pod nazwą „część trzecia”, także wśród wykonawców rosyjskich („Koncert na orkiestrę” A.Ya. Eshpai, utwory M.M. Kazhlaeva, II koncert na fortepian z orkiestrą R.K. Szczedrina, I Symfonia A.G. Schnittke). Ogólnie rzecz biorąc, historia powstania jazzu jest bogata w eksperymenty i jest ściśle powiązana z rozwojem muzyki klasycznej i jej innowacyjnymi kierunkami.
Od początku lat 60. aktywne eksperymenty zaczynają się od spontanicznej improwizacji, nie ograniczającej się nawet do konkretnego tematu muzycznego - Freejazz. Jednak zasada trybu jest jeszcze ważniejsza: za każdym razem wybierana jest na nowo seria dźwięków - tryb, a nie wyraźnie rozróżnialne kwadraty. W poszukiwaniu takich modów muzycy zwracają się do kultur Azji, Afryki, Europy itp. Lata 70-te. dochodzą instrumenty elektryczne i rytmy młodzieżowej muzyki rockowej, opartej na mniejszych niż dotychczas beatach. Styl ten nazywany jest po raz pierwszy „fusion”, tj. "stop".
Krótko mówiąc, historia jazzu to opowieść o poszukiwaniach, jedności, odważnych eksperymentach i gorącej miłości do muzyki.
Rosyjscy muzycy i melomani są z pewnością ciekawi historii powstania jazzu w Związku Radzieckim.
W okresie przedwojennym jazz w naszym kraju rozwijał się w ramach orkiestr popowych. W 1929 roku Leonid Utesov zorganizował orkiestrę popową i nazwał swoją grupę „Tea-jazz”. Style „Dixieland” i „swing” były praktykowane w orkiestrach A.V. Varlamova, N.G. Minha, A.N. Tsfasmana i innych. Od połowy lat 50. Zaczynają się rozwijać małe grupy amatorskie („Osiem TsDRI”, „Leningrad Dixieland”). Rozpoczęło się tam życie wielu wybitnych wykonawców.
W latach 70. rozpoczęto kształcenie na wydziałach popowych szkół muzycznych, wydano pomoce dydaktyczne, nuty i płyty.
Od 1973 roku pianista L.A. Chizhik zaczął występować na „wieczorach improwizacji jazzowej”. Regularnie koncertują zespoły prowadzone przez I. Brila, „Arsenal”, „Allegro”, „Kadans” (Moskwa) oraz kwintet D.S. Goloshchekin (Leningrad), grupy V. Ganelina i V. Chekasina (Wilno), R. Raubishko (Ryga), L. Vintskevich (Kursk), L. Saarsalu (Tallin), A. Lyubchenko (Dniepropietrowsk), M. Yuldybaeva ( Ufa), orkiestra O.L. Lundstrem, zespoły K.A. Orbelyan, A.A. Kroll („Współczesny”).
Jazz we współczesnym świecie
Dzisiejszy świat muzyki jest różnorodny, dynamicznie się rozwija, pojawiają się nowe style. Aby swobodnie się po nim poruszać i rozumieć zachodzące procesy, trzeba poznać chociaż krótką historię jazzu! Dziś jesteśmy świadkami mieszania się coraz większej liczby kultur świata, stale przybliżając nas do tego, co w istocie już staje się „muzyką świata” (muzyką świata). Dzisiejszy jazz łączy w sobie brzmienia i tradycje niemal z każdego zakątka globu. Na nowo przemyślena zostaje także kultura afrykańska, od której wszystko się zaczęło. Europejski eksperymentalizm z wydźwiękiem klasycznym w dalszym ciągu wpływa na muzykę młodych pionierów, takich jak Ken Vandermark, awangardowy saksofonista znany ze współpracy z tak wybitnymi współczesnymi, jak saksofoniści Mats Gustafsson, Evan Parker i Peter Brotzmann. Inni młodzi muzycy o bardziej tradycyjnej orientacji, którzy nadal poszukują własnej tożsamości, to pianiści Jackie Terrasson, Benny Green i Braid Meldoa, saksofoniści Joshua Redman i David Sanchez oraz perkusiści Jeff Watts i Billy Stewart. Stara tradycja dźwiękowa jest kontynuowana i aktywnie podtrzymywana przez artystów takich jak trębacz Wynton Marsalis, który współpracuje z zespołem asystentów, gra we własnych małych grupach i prowadzi Lincoln Center Orchestra. Pod jego patronatem pianiści Marcus Roberts i Eric Reed, saksofonista Wes „Warmdaddy” Anderson, trębacz Marcus Printup i wibrafonista Stefan Harris wyrośli na wielkich mistrzów.
Basista Dave Holland to także wielki odkrywca młodych talentów. Do jego licznych odkryć należą saksofoniści Steve Coleman, Steve Wilson, wibrafonista Steve Nelson i perkusista Billy Kilson.
Inni wspaniali mentorzy młodych talentów to legendarny pianista Chick Corea oraz nieżyjący już perkusista Elvin Jones i piosenkarka Betty Carter. Potencjał dalszego rozwoju tej muzyki jest obecnie duży i różnorodny. Przykładowo saksofonista Chris Potter wydaje mainstreamowe wydawnictwo pod własnym nazwiskiem i jednocześnie bierze udział w nagraniach z innym znakomitym awangardowym perkusistą Paulem Motianem.
Przed nami jeszcze setki wspaniałych koncertów i odważnych eksperymentów, jesteśmy świadkami pojawienia się nowych kierunków i stylów – ta historia nie została jeszcze dopisana do końca!
Oferujemy szkolenia w naszej szkole muzycznej:
- lekcje gry na fortepianie – różnorodne utwory od klasyki po współczesną muzykę pop, wizualizacje. Dostępne dla każdego!
- gitara dla dzieci i młodzieży – uważni nauczyciele i pasjonujące lekcje!