Rodzaj sztuki abstrakcyjnej. Kompozycja abstrakcyjna (zasady ukazywania ludzkich wrażeń). W każdej niejasnej sytuacji skorzystaj z analizy formalnej

10.07.2019

Sztuka abstrakcyjna (łac. abstrakcja– usunięcie, odwrócenie uwagi) lub sztuka niefiguratywna- kierunek artystyczny, który w malarstwie i rzeźbie porzucił przedstawianie form bliskich rzeczywistości. Jednym z celów sztuki abstrakcyjnej jest osiągnięcie „harmonizacji” poprzez przedstawienie określonych kombinacji kolorów i kształtów geometrycznych, wywołując u widza poczucie kompletności i kompletności kompozycji. Wybitne postacie: Wassily Kandinsky, Kazimierz Malewicz, Natalia Goncharova i Michaił Larionow, Piet Mondrian.

Fabuła

Abstrakcjonizm(sztuka spod znaku „form zerowych”, sztuka nieobiektywna) to kierunek artystyczny, który ukształtował się w sztuce pierwszej połowy XX wieku, całkowicie rezygnując z reprodukcji form realnego świata widzialnego. Za twórców sztuki abstrakcyjnej uważa się V. Kandinsky'ego , P. Mondriana I K.Malewicz.

V. Kandinsky stworzył własny rodzaj malarstwa abstrakcyjnego, uwalniając impresjonistyczne i „dzikie” plamy od wszelkich oznak obiektywności. Piet Mondrian doszedł do swojej nieobiektywności poprzez geometryczną stylizację natury zapoczątkowaną przez Cézanne'a i kubistów. Ruchy modernistyczne XX wieku, skupione na abstrakcjonizmie, całkowicie odchodzą od tradycyjnych zasad, zaprzeczając realizmowi, ale jednocześnie pozostając w ramach sztuki. Historia sztuki przeżyła rewolucję wraz z pojawieniem się sztuki abstrakcyjnej. Ale ta rewolucja nie nastąpiła przez przypadek, ale całkiem naturalnie i została przewidziana przez Platon! W swoim późnym dziele Filebus pisał o pięknie linii, powierzchni i form przestrzennych samych w sobie, niezależnych od jakiejkolwiek imitacji przedmiotów widzialnych, od jakiejkolwiek mimesis. Ten rodzaj piękna geometrycznego, w odróżnieniu od piękna naturalnych „nieregularnych” form, zdaniem Platona, nie jest względny, ale bezwarunkowy, absolutny.

XX wiek i czasy nowożytne

Po I wojnie światowej 1914-18 tendencje w sztuce abstrakcyjnej często przejawiały się w indywidualnych pracach przedstawicieli Dady i surrealizmu; Jednocześnie pojawiła się chęć znalezienia zastosowania form niefiguratywnych w architekturze, sztuce zdobniczej i dizajnie (eksperymenty grupy Style i Bauhausu). Kilka grup sztuki abstrakcyjnej („Sztuka betonowa”, 1930; „Koło i kwadrat”, 1930; „Abstrakcja i twórczość”, 1931), zrzeszających artystów różnych narodowości i ruchów, powstało na początku lat 30., głównie we Francji. Jednak sztuka abstrakcyjna nie stała się powszechna w tamtym czasie i już w połowie lat 30. XX wieku. grupy się rozpadły. Podczas II wojny światowej 1939–45 w Stanach Zjednoczonych wyrosła szkoła tzw. ekspresjonizmu abstrakcyjnego (malarze J. Pollock, M. Tobey itp.), która rozwinęła się po wojnie w wielu krajach (pod nazwą taszyzm, czyli „sztuka bezkształtna”) i ogłosiła jako swoją metodę „czysty automatyzm umysłowy” i subiektywną podświadomą impulsywność twórczości, kult nieoczekiwanych połączeń kolorów i faktur .

W drugiej połowie lat 50. w Stanach Zjednoczonych narodziła się instalacja i pop-art, który nieco później gloryfikował Andy'ego Warhola jego niekończącym się obiegiem portretów Marilyn Monroe i puszek z psią karmą - abstrakcjonizm kolażowy. W sztukach plastycznych lat 60. popularna stała się najmniej agresywna, statyczna forma abstrakcji, minimalizm. W tym samym czasie Barnetta Newmana, założyciel amerykańskiej sztuki abstrakcji geometrycznej wraz z A. Liberman, A. Held I K. Nolanda z sukcesem zaangażował się w dalszy rozwój idei holenderskiego neoplastycyzmu i rosyjskiego suprematyzmu.

Inny nurt malarstwa amerykańskiego nazywany jest abstrakcjonizmem „chromatycznym” lub „postmalarskim”. Jej przedstawiciele w pewnym stopniu inspirowali się fowizmem i postimpresjonizmem. Sztywny styl, wyraźnie ostre kontury dzieła E. Kelly, J. Jungerman, F. Stella stopniowo ustąpiły miejsca malarstwu o kontemplacyjnym, melancholijnym charakterze. W latach 70. i 80. w malarstwie amerykańskim powrócił do figuratywności. Co więcej, tak ekstremalny przejaw, jak fotorealizm, stał się powszechny. Większość historyków sztuki zgadza się, że lata 70. to moment prawdy dla sztuki amerykańskiej, ponieważ w tym okresie ostatecznie uwolniła się ona od wpływów europejskich i stała się czysto amerykańska. Jednak pomimo powrotu tradycyjnych form i gatunków, od portretu po malarstwo historyczne, abstrakcjonizm nie zniknął.

Obrazy i dzieła sztuki „nieprzedstawiającej” powstawały jak dawniej, gdyż powrót do realizmu w USA został przezwyciężony nie przez abstrakcjonizm jako taki, ale przez jego kanonizację, zakaz sztuki figuratywnej, utożsamianej przede wszystkim z naszym socrealizmem , i dlatego nie mógł nie zostać uznany za odrażający w „wolnym demokratycznym” społeczeństwie, zakaz „niskich” gatunków, społecznych funkcji sztuki. Jednocześnie styl malarstwa abstrakcyjnego nabrał pewnej miękkości, której wcześniej mu brakowało - opływowych tomów, rozmytych konturów, bogactwa półtonów, subtelnej kolorystyki ( E. Murray, G. Stefan, L. Rivers, M. Morley, L. Chese, A. Białobrod).

Wszystkie te trendy położyły podwaliny pod rozwój nowoczesnego abstrakcjonizmu. W twórczości nie może być nic zamrożonego ani ostatecznego, gdyż oznaczałoby to dla niej śmierć. Ale bez względu na to, jaką drogą podąża abstrakcjonizm, bez względu na to, jakim przekształceniom ulega, jego istota zawsze pozostaje niezmieniona. Chodzi o to, że abstrakcjonizm w sztukach pięknych jest najbardziej dostępnym i szlachetnym sposobem uchwycenia osobistej egzystencji i to w najbardziej adekwatnej formie - jak faksymile. Jednocześnie abstrakcjonizm jest bezpośrednią realizacją wolności.

Wskazówki

W abstrakcjonizmie można wyróżnić dwa wyraźne kierunki: abstrakcję geometryczną, opierającą się przede wszystkim na jasno określonych konfiguracjach (Malewicz, Mondrian) oraz abstrakcję liryczną, w której kompozycja zorganizowana jest ze swobodnie płynących form (Kandinsky). Istnieje również kilka innych dużych niezależnych ruchów w sztuce abstrakcyjnej.

Kubizm

Awangardowy ruch w sztuce, który powstał na początku XX wieku i charakteryzuje się wykorzystaniem zdecydowanie konwencjonalnych form geometrycznych, chęcią „rozszczepienia” rzeczywistych obiektów na stereometryczne prymitywy.

Regionalizm (rayizm)

Ruch w sztuce abstrakcyjnej lat 1910-tych, oparty na przesunięciu widm światła i transmisji światła. Idea wyłaniania się form z „przecięcia promieni odbitych różnych obiektów” jest charakterystyczna, ponieważ tym, co człowiek faktycznie postrzega, nie jest sam przedmiot, ale „suma promieni pochodzących ze źródła światła i odbitych od obiekt."

Neoplastycyzm

Określenie nurtu sztuki abstrakcyjnej, który istniał w latach 1917–1928. w Holandii i zrzeszonych artystów skupionych wokół magazynu „De Stijl” („Styl”). Charakterystyczne są wyraźne prostokątne kształty w architekturze i malarstwie abstrakcyjnym w układzie dużych prostokątnych płaszczyzn, malowanych w podstawowych barwach widma.

Orfizm

Kierunek w malarstwie francuskim lat 1910-tych. Artyści-orfiści starali się wyrazić dynamikę ruchu i muzykalność rytmów za pomocą „regularności” przenikania się barw podstawowych widma i wzajemnego przecinania się zakrzywionych powierzchni.

Suprematyzm

Ruch w sztuce awangardowej założony w latach 1910-tych XX wieku. Malewicz. Wyrażało się to w zestawieniach wielobarwnych płaszczyzn o najprostszych kształtach geometrycznych. Połączenie wielobarwnych geometrycznych kształtów tworzy zrównoważone, asymetryczne, suprematystyczne kompozycje przesiąknięte wewnętrznym ruchem.

Taszyzm

Ruch w zachodnioeuropejskiej sztuce abstrakcyjnej lat 50. – 60. XX wieku, który najbardziej rozpowszechnił się w Stanach Zjednoczonych. To malowanie plamami, które nie odtwarzają obrazów rzeczywistości, lecz wyrażają nieświadomą aktywność artysty. Kreski, linie i plamy taszizmu nanoszone są na płótno szybkimi ruchami ręki, bez wcześniej przemyślanego planu.

Abstrakcyjny ekspresjonizm

Ruch artystów malujących szybko i na dużych płótnach, przy użyciu niegeometrycznych pociągnięć, dużych pędzli, czasem skapując farbę na płótno, aby w pełni ujawnić emocje. Ekspresyjny sposób malowania jest tu często równie ważny jak sam obraz.

Abstrakcjonizm we wnętrzu

Ostatnio abstrakcjonizm zaczął przenosić się z obrazów artystów do przytulnego wnętrza domu, korzystnie go aktualizując. Minimalistyczny styl wykorzystujący klarowne formy, czasem dość nietypowe, sprawia, że pomieszczenie jest niezwykłe i ciekawe. Ale z kolorem bardzo łatwo przesadzić. Rozważ połączenie koloru pomarańczowego w tym stylu wnętrza.

Biały najlepiej rozcieńcza bogatą pomarańczę i niejako ją ochładza. Kolor pomarańczowy sprawia, że w pomieszczeniu wydaje się cieplej, i to trochę; nie zapobiegać. Nacisk należy położyć na meble lub ich design, na przykład pomarańczową narzutę. W takim przypadku białe ściany zagłuszą jasność koloru, ale sprawią, że pomieszczenie będzie kolorowe. W tym przypadku obrazy w tej samej skali będą doskonałym dodatkiem - najważniejsze, aby nie przesadzić, w przeciwnym razie wystąpią problemy ze snem.

Połączenie koloru pomarańczowego i niebieskiego szkodzi każdemu pomieszczeniu, chyba że dotyczy pokoju dziecięcego. Jeśli wybierzesz niezbyt jasne odcienie, będą one dobrze ze sobą współgrać, dodadzą nastroju i nie będą miały szkodliwego wpływu nawet na nadpobudliwe dzieci.

Pomarańcz dobrze komponuje się z zielenią, tworząc efekt drzewa mandarynki i czekoladowego odcienia. Brąz to kolor wahający się od ciepłego do chłodnego, dlatego idealnie normalizuje ogólną temperaturę w pomieszczeniu. Ponadto to połączenie kolorów nadaje się do kuchni i salonu, gdzie trzeba stworzyć atmosferę bez przeciążania wnętrza. Po udekorowaniu ścian w kolorach bieli i czekolady możesz spokojnie ustawić pomarańczowe krzesło lub powiesić jasny obraz o bogatym kolorze mandarynki. Będąc w takim pomieszczeniu, będziesz w świetnym nastroju i będziesz chciał zrobić jak najwięcej rzeczy.

Obrazy znanych artystów abstrakcji

Kandinsky był jednym z pionierów sztuki abstrakcyjnej. Poszukiwania rozpoczął od impresjonizmu, a dopiero potem doszedł do stylu abstrakcjonizmu. W swojej twórczości wykorzystywał relację między kolorem i formą, aby stworzyć przeżycie estetyczne, które obejmowało zarówno wizję, jak i emocje widza. Uważał, że całkowita abstrakcja daje pole do głębokiej, transcendentnej ekspresji, a kopiowanie rzeczywistości tylko zakłóca ten proces.

Malarstwo było dla Kandinsky’ego głęboko duchowe. Starał się przekazać głębię ludzkich emocji za pomocą uniwersalnego języka wizualnego abstrakcyjnych kształtów i kolorów, który przekraczałby granice fizyczne i kulturowe. On widział abstrakcjonizm jako idealny tryb wizualny, który może wyrazić „wewnętrzną potrzebę” artysty oraz przekazać ludzkie idee i emocje. Uważał się za proroka, którego misją było dzielenie się tymi ideałami ze światem dla dobra społeczeństwa.

Ukryte w jasnych kolorach i wyraźnych czarnych liniach przedstawiają kilku Kozaków z włóczniami, a także łodzie, figurki i zamek na szczycie wzgórza. Jak wiele obrazów z tego okresu, przedstawia apokaliptyczną bitwę, która doprowadzi do wiecznego pokoju.

Aby ułatwić rozwój nieobiektywnego stylu malarstwa, opisanego w dziele O duchowości w sztuce (1912), Kandinsky redukuje przedmioty do symboli piktograficznych. Usuwając większość odniesień do świata zewnętrznego, Kandinsky wyraził swoją wizję w bardziej uniwersalny sposób, przekładając duchową istotę podmiotu poprzez wszystkie te formy na język wizualny. Wiele z tych symbolicznych postaci zostało powtórzonych i udoskonalonych w jego późniejszych pracach, stając się jeszcze bardziej abstrakcyjnymi.

Kazimierz Malewicz

Poglądy Malewicza na temat formy i znaczenia w sztuce w jakiś sposób prowadzą do koncentracji na teorii abstrakcyjnego stylu artystycznego. Malewicz zajmował się różnymi stylami malarskimi, jednak najbardziej skupiał się na badaniu czystych kształtów geometrycznych (kwadraty, trójkąty, koła) i ich wzajemnych relacji w przestrzeni obrazu. Dzięki kontaktom na Zachodzie Malewicz mógł przekazywać swoje idee malarskie przyjaciołom artystów w Europie i Stanach Zjednoczonych, a tym samym wywarł głęboki wpływ na ewolucję sztuki współczesnej.

„Czarny kwadrat” (1915)

Ikoniczny obraz „Czarny kwadrat” został po raz pierwszy pokazany przez Malewicza na wystawie w Piotrogrodzie w 1915 roku. Praca ta ucieleśnia teoretyczne zasady suprematyzmu rozwinięte przez Malewicza w jego eseju „Od kubizmu i futuryzmu do suprematyzmu: nowy realizm w malarstwie”.

Na płótnie przed widzem pojawia się abstrakcyjna forma w postaci czarnego kwadratu narysowanego na białym tle – jest to jedyny element kompozycji. Choć obraz sprawia wrażenie prostego, pod czarnymi warstwami farby widoczne są takie elementy jak odciski palców i pociągnięcia pędzla.

Dla Malewicza kwadrat oznacza uczucia, a biel oznacza pustkę, nicość. Postrzegał czarny kwadrat jako boską obecność, ikonę, jakby mógł stać się nowym sakralnym obrazem dla sztuki niefiguratywnej. Nawet na wystawie obraz ten został umieszczony w miejscu, w którym zwykle umieszcza się ikonę w rosyjskim domu.

Pieta Mondriana

Piet Mondrian, jeden z założycieli holenderskiego ruchu De Stijl, jest ceniony za czystość swoich abstrakcji i metodyczną praktykę. Dość radykalnie upraszczał elementy swoich obrazów, aby oddać to, co widział, nie bezpośrednio, ale w przenośni, a także stworzyć w swoich płótnach jasny i uniwersalny język estetyczny. W swoich najsłynniejszych obrazach z lat dwudziestych Mondrian zredukował formy do linii i prostokątów, a paletę do najprostszej. Zastosowanie równowagi asymetrycznej stało się fundamentalne w rozwoju sztuki współczesnej, a jego kultowe abstrakcyjne prace pozostają wpływowe w projektowaniu i są znane dzisiejszej kulturze popularnej.

„Szare drzewo” jest przykładem wczesnego przejścia Mondriana do stylu abstrakcjonizm. Trójwymiarowe drewno zredukowane jest do najprostszych linii i płaszczyzn, używając jedynie szarości i czerni.

Obraz ten należy do serii dzieł Mondriana, które powstały w bardziej realistycznym podejściu, gdzie np. drzewa są przedstawione w sposób naturalistyczny. Podczas gdy późniejsze prace stawały się coraz bardziej abstrakcyjne, na przykład linie drzewa są redukowane, aż kształt drzewa jest ledwo zauważalny i wtórny w stosunku do ogólnej kompozycji linii pionowych i poziomych. Tutaj nadal widać zainteresowanie Mondriana porzuceniem zorganizowanej organizacji linii. Ten krok był znaczący dla rozwoju czystej abstrakcji Mondriana.

Roberta Delaunaya

Delaunay był jednym z pierwszych artystów sztuki abstrakcyjnej. Jego twórczość wpłynęła na rozwój tego kierunku, opartego na napięciu kompozycyjnym, jakie wywoływało przeciwstawienie kolorów. Szybko wpadł pod wpływy neoimpresjonistycznej kolorystyki i bardzo ściśle przestrzegał kolorystyki dzieł utrzymanych w stylu abstrakcyjnym. Kolor i światło uważał za główne narzędzia, za pomocą których można wpływać na rzeczywistość świata.

Do 1910 roku Delaunay wniósł własny wkład w kubizm w postaci dwóch serii obrazów przedstawiających katedry i Wieżę Eiffla, które łączyły sześcienne formy, dynamiczny ruch i jasne kolory. Ten nowy sposób wykorzystania harmonii kolorów pomógł odróżnić ten styl od ortodoksyjnego kubizmu, który stał się znany jako orfizm, i natychmiast wywarł wpływ na europejskich artystów. Żona Delaunaya, artystka Sonia Turk-Delone, nadal malowała w tym samym stylu.

Główne dzieło Delaunaya poświęcone jest Wieży Eiffla, słynnemu symbolowi Francji. Jest to jeden z najbardziej imponujących z serii jedenastu obrazów poświęconych Wieży Eiffla w latach 1909–1911. Pomalowany jest na jaskrawą czerwień, co od razu odróżnia go od szarości otaczającego miasta. Imponujący rozmiar płótna jeszcze bardziej zwiększa majestat tego budynku. Wieża niczym duch wznosi się ponad okoliczne domy, metaforycznie wstrząsając fundamentami starego porządku. Malarstwo Delaunaya oddaje poczucie bezgranicznego optymizmu, niewinności i świeżości czasów, które nie były jeszcze świadkami dwóch wojen światowych.

Franciszek Kupka

Frantisek Kupka to czechosłowacki artysta malujący w tym stylu abstrakcjonizm, absolwentka Praskiej Akademii Sztuk Pięknych. Jako student malował przede wszystkim o tematyce patriotycznej i pisał kompozycje historyczne. Jego wczesne prace miały charakter bardziej akademicki, jednak z biegiem lat jego styl ewoluował i ostatecznie przeniósł się w stronę sztuki abstrakcyjnej. Napisane w sposób bardzo realistyczny, nawet jego wczesne prace zawierały mistyczne, surrealistyczne motywy i symbole, które były kontynuowane podczas pisania abstrakcji. Kupka wierzył, że artysta i jego dzieło biorą udział w ciągłej działalności twórczej, której charakter nie jest ograniczony, niczym absolut.

„Amorfa. Fuga w dwóch kolorach” (1907-1908)

Począwszy od lat 1907-1908 Kupka zaczął malować cykle portretów dziewczynki trzymającej w dłoni piłkę, jakby miała się nią bawić lub tańczyć. Następnie opracowywał coraz bardziej schematyczne obrazy, aż w końcu otrzymał serię całkowicie abstrakcyjnych rysunków. Wykonano je w ograniczonej palecie czerwieni, błękitu, czerni i bieli. W 1912 roku w Salonie d'Automne jedno z tych abstrakcyjnych dzieł zostało po raz pierwszy publicznie wystawione w Paryżu.

Współcześni artyści abstrakcji

Od początku XX wieku artyści, m.in. Pablo Picasso, Salvador Dali, Kazemir Malewicz, Wassily Kandinsky, eksperymentowali z kształtami przedmiotów i ich percepcją, a także kwestionowali istniejące kanony w sztuce. Przygotowaliśmy wybór najsłynniejszych współczesnych artystów abstrakcjonistów, którzy postanowili przekroczyć granice wiedzy i stworzyć własną rzeczywistość.

Niemiecki artysta Davida Schnella(David Schnell) uwielbia wędrować po miejscach, które kiedyś były pełne natury, a obecnie są zaśmiecone budynkami ludzkimi – od placów zabaw po fabryki. Wspomnienia tych spacerów rodzą jego jasne abstrakcyjne krajobrazy. Dając upust swojej wyobraźni i pamięci, zamiast fotografiom i filmom, David Schnell tworzy obrazy przypominające komputerową wirtualną rzeczywistość lub ilustracje do książek science fiction.

Amerykańska artystka tworząc swoje wielkoformatowe obrazy abstrakcyjne Krystyna Baker(Kristin Baker) czerpie inspiracje z historii sztuki oraz wyścigów Nascar i Formuły 1. Najpierw nadaje wymiar swoim pracom poprzez nałożenie kilku warstw farby akrylowej i zaklejenie sylwetek taśmą. Następnie Christine ostrożnie go zdziera, odsłaniając leżące pod spodem warstwy farby i sprawiając, że powierzchnia jej obrazów wygląda jak wielowarstwowy, wielobarwny kolaż. Na ostatnim etapie pracy zdrapuje wszelkie nierówności, przez co jej obrazy sprawiają wrażenie prześwietlenia.

W swoich pracach artystka pochodzenia greckiego z Brooklynu w Nowym Jorku, Eleannę Anagnos(Eleanna Anagnos) bada aspekty życia codziennego, które często wymykają się ludzkiemu spojrzeniu. W trakcie jej „dialogu z płótnem” zwykłe pojęcia zyskują nowe znaczenia i oblicza: negatywna przestrzeń staje się pozytywna, a małe formy powiększają się. Próbując w ten sposób tchnąć „życie w swoje obrazy”, Eleanna stara się obudzić ludzki umysł, który przestał zadawać pytania i być otwarty na coś nowego.

Rodząc jasne plamy i smugi farby na płótnie, amerykański artysta Sarah Spitler(Sarah Spitler) stara się odzwierciedlić w swojej pracy chaos, katastrofę, brak równowagi i nieporządek. Pociągają ją te koncepcje, ponieważ są poza ludzką kontrolą. Dlatego ich niszczycielska siła sprawia, że abstrakcyjne prace Sarah Spitler są mocne, energetyczne i ekscytujące. Oprócz. powstały obraz na płótnie wykonanym z tuszu, farb akrylowych, ołówków grafitowych i emalii podkreśla efemeryczność i względność tego, co dzieje się wokół.

Zainspirowany architekturą artysta z Vancouver w Kanadzie, Jeffa Dapnera(Jeff Depner) tworzy wielowarstwowe abstrakcyjne obrazy składające się z geometrycznych kształtów. W artystycznym „chaosie”, który tworzy, Jeff szuka harmonii w kolorze, formie i kompozycji. Każdy z elementów w jego obrazach łączy się ze sobą i prowadzi do następnego: „Moje prace eksplorują strukturę kompozycyjną [obrazu] poprzez relacje kolorów w wybranej palecie...”. Według artysty jego obrazy to „abstrakcyjne znaki”, które powinny przenieść widza na nowy, nieświadomy poziom.

Abstrakcja w sztuce!

Abstrakcjonizm!

Abstrakcjonizm- to kierunek w malarstwie, który jest podkreślony w szczególnym stylu.

Malarstwo abstrakcyjne, sztuka abstrakcyjna lub gatunek abstrakcyjny, implikuje odmowę przedstawiania rzeczywistych rzeczy i form.

Abstrakcjonizm ma na celu wywołanie u człowieka określonych emocji i skojarzeń. W tym celu obrazy w stylu abstrakcyjnym starają się wyrazić harmonię kolorów, kształtów, linii, plam i tak dalej. Wszystkie kształty i kombinacje kolorów znajdujące się w obwodzie obrazu mają pomysł, swój własny wyraz i znaczenie. Jakkolwiek by się to mogło wydawać widzowi, patrząc na obraz, na którym nie ma nic poza liniami i plamami, wszystko w abstrakcji podlega pewnym regułom wyrazu, tzw. „kompozycji abstrakcyjnej”.

Abstrakcja w sztuce!

Abstrakcjonizm, jako kierunek w malarstwie, narodził się na początku XX wieku jednocześnie w kilku krajach europejskich.

Uważa się, że malarstwo abstrakcyjne zostało wynalezione i rozwinięte przez wielkiego rosyjskiego artystę Wasilija Kandinskiego.

Uznanymi twórcami i inspiratorami abstrakcjonizmu są artyści Wassily Kandinsky, Kazimierz Malewicz, Piet Mondrian, Frantisek Kupka i Robert Delaunay, którzy w swoich pracach teoretycznych kształtowali podejścia do definicji „abstrakcjonizmu”. Różniąc się celami i zadaniami, ich badania łączyły jedno: abstrakcjonizm, jako najwyższy etap rozwoju twórczości wizualnej, tworzy formy właściwe tylko sztuce. Artysta „uwolniony” od kopiowania rzeczywistości myśli w specjalnych obrazowych obrazach o niezrozumiałej duchowej zasadzie wszechświata, wiecznych „esencjach duchowych”, „siłach kosmicznych”.

Malarstwo abstrakcyjne, które dosłownie wysadziło świat sztuki, stało się symbolem początku nowej ery w malarstwie. Ta era oznacza całkowite przejście od ram i ograniczeń do całkowitej wolności słowa. Artysta nie jest już niczym związany, może malować nie tylko ludzi, sceny codzienne i rodzajowe, ale nawet myśli, emocje, doznania i używać do tego dowolnej formy wyrazu.

Dziś abstrakcja w sztuce jest tak szeroka i różnorodna, że sama dzieli się na wiele typów, stylów i gatunków. Każdy artysta lub grupa artystów stara się stworzyć coś własnego, coś wyjątkowego, co najlepiej trafi w uczucia i doznania danej osoby. Osiągnięcie tego bez użycia rozpoznawalnych postaci i przedmiotów jest bardzo trudne. Z tego powodu płótna artystów abstrakcjonistów, które naprawdę wywołują szczególne wrażenia i zachwycają pięknem i wyrazistością abstrakcyjnej kompozycji, zasługują na wielki szacunek, a sam artysta uważany jest za prawdziwego geniusza malarstwa.

Malarstwo abstrakcyjne!

Od czasu pojawienia się sztuki abstrakcyjnej wyłoniły się w niej dwie główne linie.

Pierwsza to abstrakcja geometryczna lub logiczna, kreowanie przestrzeni poprzez łączenie geometrycznych kształtów, kolorowych płaszczyzn, linii prostych i łamanych. Ucieleśnia się w suprematyzmie K. Malewicza, neoplastycyzmie P. Mondriana, orfizmie R. Delaunaya, w twórczości mistrzów abstrakcji postmalarskiej i op-artu.

Druga to abstrakcja liryczno-emocjonalna, w której kompozycje zorganizowane są ze swobodnie płynących form i rytmów, reprezentowanych przez twórczość V. Kandinsky'ego, dzieła mistrzów abstrakcyjnego ekspresjonizmu, taszyzmu i sztuki nieformalnej.

Malarstwo abstrakcyjne!

Sztuka abstrakcyjna, jako malarstwo o szczególnym wyrazie osobistym, początkowo przez długi czas znajdowała się w podziemiu. Sztuka abstrakcyjna, podobnie jak wiele innych gatunków w historii malarstwa, była wyśmiewana, a nawet potępiana i cenzurowana jako sztuka pozbawiona jakiegokolwiek znaczenia. Jednak z biegiem czasu pozycja abstrakcji uległa zmianie i obecnie istnieje ona na równi ze wszystkimi innymi formami sztuki.

Jako zjawisko artystyczne abstrakcjonizm wywarł ogromny wpływ na kształtowanie się i rozwój nowoczesnego stylu architektonicznego, wzornictwa, sztuki przemysłowej, użytkowej i dekoracyjnej.

Uznani mistrzowie sztuki abstrakcyjnej: Wassily Kandinsky, Kazimierz Malewicz, Franciszek Kupka. Paul Klee, Piet Mondrian, Theo Van Doesburg, Robber Delaunay, Michaił Larionow, Lyubov Popova, Jackson Pollock, Josef Albers.

Nowoczesny abstrakcjonizm w malarstwie!

We współczesnej sztuce pięknej abstrakcjonizm stał się ważnym językiem głębokiej komunikacji emocjonalnej między artystą a widzem.

We współczesnym abstrakcjonizmie pojawiają się nowe ciekawe kierunki, które wykorzystują na przykład specjalne obrazy o różnych formach kolorystycznych. Tak więc w pracach Andrieja Krasulina, Walerego Orłowa, Leonida Pelikha przestrzeń bieli - najwyższe napięcie koloru - jest na ogół wypełniona nieskończonymi zmiennymi możliwościami, pozwalającymi na wykorzystanie zarówno metafizycznych idei dotyczących duchowych, jak i optycznych praw światła odbicie.

We współczesnym abstrakcjonizmie przestrzeń zaczyna odgrywać nowe role i formować różne ładunki semantyczne. Istnieją na przykład przestrzenie znaków i symboli, które wyłaniają się z głębin archaicznej świadomości.

We współczesnym abstrakcjonizmie rozwija się także kierunek fabuły. W tym przypadku, przy zachowaniu nieobiektywności, abstrakcyjny obraz jest konstruowany w taki sposób, że wywołuje określone skojarzenia – na różnych poziomach abstrakcji.

Współczesny abstrakcjonizm jest nieskończony w swoich granicach: od sytuacji obiektywnej po poziom filozoficzny figuratywnych kategorii abstrakcyjnych. Z drugiej strony we współczesnym malarstwie abstrakcyjnym obraz może wyglądać jak obraz jakiegoś fantastycznego świata - na przykład abstrakcyjnego surrealizmu.

Inne artykuły w tej sekcji:

Systemy komunikacji językowej! Języki jako główny czynnik w systemie rozwoju wiedzy!
Tradycje. Czym jest tradycja? Tradycja w dialektycznym rozwoju społeczeństwa.
Przestrzeń i czas. Prawa przestrzeni. Otwarta przestrzeń. Ruch. Przestrzeń światów.
Ewolucja i koewolucja. Ewolucja i koewolucja w systemie współczesnej wiedzy. Zasady ewolucji i koewolucji. Ewolucja biologiczna i koewolucja przyrody żywej.
Synergetyka i prawa natury. Synergetyka jako nauka. Synergetyka jako podejście i metoda naukowa. Uniwersalna teoria ewolucji to synergetyka.
Jest to możliwe lub nie! Kalejdoskop wydarzeń i działań przez pryzmat jest niemożliwy i możliwy!
Świat religii! Religia jako forma świadomości człowieka w świadomości otaczającego świata!
Sztuka - Sztuka! Sztuka to umiejętność, która potrafi budzić podziw!
Realizm! Realizm w sztuce! Realistyczna sztuka!
Nieoficjalna sztuka! Nieoficjalna sztuka ZSRR!
Thrash – Thrash! Śmieci w sztuce! Śmieci w kreatywności! Śmieci w literaturze! Kinowy śmieć! Cyberśmieci! Thrash metal! Teletrash!
Obraz! Malarstwo to sztuka! Malarstwo to sztuka artysty! Kanony malarstwa. Mistrzowie malarstwa.
Wernisaż – „wernisaż” – uroczyste otwarcie wystawy sztuki!
Realizm metaforyczny w malarstwie. Pojęcie „realizmu metaforycznego” w malarstwie.
Koszt obrazów współczesnych artystów. Jak kupić obraz?

Wzór pojedynczej lufy, William Morris

„Sztuka abstrakcyjna”, zwana także „sztuką niefiguratywną”, „niefiguratywną”, „nieprzedstawiającą”, „abstrakcją geometryczną” lub „sztuką konkretną”, jest raczej niejasnym terminem ogólnym określającym dowolne dzieło malarskie lub rzeźby, które nie przedstawia rozpoznawalnych obiektów ani scen. Jak jednak widać, nie ma jednoznacznego konsensusu co do definicji, rodzajów czy estetycznego znaczenia sztuki abstrakcyjnej. Picasso uważał, że coś takiego w ogóle nie istnieje, natomiast niektórzy historycy sztuki uważają, że wszelka sztuka jest abstrakcyjna – bo na przykład żaden obraz nie może być niczym więcej niż tylko przybliżonym podsumowaniem tego, co widzi artysta. Dodatkowo istnieje ruchoma skala abstrakcji, od półabstrakcyjnej do całkowicie abstrakcyjnej. Tak więc, choć teoria jest stosunkowo jasna – sztuka abstrakcyjna jest oderwana od rzeczywistości – praktyczne zadanie oddzielenia dzieł abstrakcyjnych od nieabstrakcyjnych może być znacznie bardziej problematyczne.

Jaka jest idea sztuki abstrakcyjnej?

Zacznijmy od bardzo prostego przykładu. Weźmy zły (nienaturalistyczny) rysunek czegoś. Wykonanie obrazu pozostawia wiele do życzenia, jednak jeśli jego kolory są piękne, projekt może nas zadziwić. To pokazuje, jak jakość formalna (kolor) może zastąpić jakość reprezentacyjną (rysunek).
Z drugiej strony fotorealistyczny obraz, powiedzmy, domu może prezentować doskonałą grafikę, ale tematyka, kolorystyka i ogólna kompozycja mogą być całkowicie nudne.
Filozoficzne uzasadnienie doceniania artystycznych walorów formalnych wywodzi się z twierdzenia Platona, że: „Proste linie i koła… są nie tylko piękne… ale wieczne i absolutnie piękne”.

Konwergencja, Jackson Pollock, 1952

Zasadniczo powiedzenie Platona oznacza, że nienaturalistyczne obrazy (koła, kwadraty, trójkąty itp.) mają absolutne, niezmienne piękno. Zatem obraz można docenić jedynie za linię i kolor, nie musi on przedstawiać naturalnego obiektu czy sceny. Francuski artysta, litograf i teoretyk sztuki Maurice Denis (1870-1943) miał to samo na myśli, pisząc: „Pamiętajcie, że obraz, zanim stanie się koniem bojowym lub nagą kobietą, jest w zasadzie płaską powierzchnią pokrytą z kolorem zebranym w określonej kolejności.”

Franka Stellę

Rodzaje sztuki abstrakcyjnej

Aby uprościć sprawę, sztukę abstrakcyjną możemy podzielić na sześć głównych typów:

Krzywolinijny
Na podstawie koloru lub światła
Geometryczny
Emocjonalne lub intuicyjne
Gesty
Minimalistyczny

Niektóre z tych typów są mniej abstrakcyjne niż inne, ale wszystkie polegają na oddzieleniu sztuki od rzeczywistości.

Krzywoliniowa sztuka abstrakcyjna

Wiciokrzew, William Morris, 1876

Ten typ jest silnie kojarzony ze sztuką celtycką, która wykorzystuje szereg abstrakcyjnych motywów, w tym sęki (osiem głównych typów), wzory przeplotów i spirale (w tym triskele lub triskelion). Motywy te nie zostały wymyślone przez Celtów; wiele innych wczesnych kultur korzystało z tych celtyckich wzorów na przestrzeni wieków. Jednak można śmiało powiedzieć, że celtyccy projektanci tchnęli nowe życie w te wzory, czyniąc je bardziej skomplikowanymi i złożonymi. Powróciły później w XIX wieku i były szczególnie widoczne w okładkach książek, tkaninach, tapetach i projektach perkalu, takich jak prace Williama Morrisa (1834–96) i Arthura Maczmurdo (1851–1942). Abstrakcję krzywoliniową charakteryzuje także koncepcja „niekończącego się malarstwa” – szeroko rozpowszechniona cecha sztuki islamskiej.

Sztuka abstrakcyjna oparta na kolorze lub świetle

Lilia wodna, Claude Monet

Przykładem tego typu są prace Turnera i Moneta, którzy wykorzystują kolor (lub światło) w taki sposób, aby oddzielić dzieło sztuki od rzeczywistości, gdy obiekt rozpuszcza się w wir pigmentu. Przykładami są obrazy Lilia wodna Claude'a Moneta (1840-1926), Talizman (1888, Musee d'Orsay, Paryż), Paula Seruziera (1864-1927). Kilka ekspresjonistycznych obrazów Kandinsky'ego z czasów jego pracy z Der Blaue Reiter jest bardzo bliskich abstrakcji. Abstrakcja koloru pojawiła się ponownie pod koniec lat czterdziestych i pięćdziesiątych XX wieku w formie malarstwa kolorowego opracowanego przez Marka Rothko (1903-70) i Barnetta Newmana (1905-70). We Francji w latach pięćdziesiątych XX wieku pojawiła się równoległa odmiana malarstwa abstrakcyjnego związanego z kolorem, zwana abstrakcją liryczną.

Talizman, Paul Seruzier

Abstrakcja geometryczna

Boogie-Woogie na Broadwayu, Piet Mondrian, 1942

Ten rodzaj intelektualnej sztuki abstrakcyjnej istnieje od 1908 roku. Wczesną, podstawową formą był kubizm, w szczególności kubizm analityczny, który odrzucił perspektywę linearną i iluzję głębi przestrzennej w malarstwie, skupiając się na jego dwuwymiarowych aspektach. Abstrakcja geometryczna nazywana jest także sztuką konkretną i sztuką bezprzedmiotową. Jak można się spodziewać, charakteryzuje się on obrazami nienaturalistycznymi, zwykle kształtami geometrycznymi, takimi jak koła, kwadraty, trójkąty, prostokąty itp. W pewnym sensie abstrakcjonizm geometryczny, w pewnym sensie nie zawierający żadnego odniesienia ani związku ze światem przyrody, jest najczystszym forma abstrakcji. Można powiedzieć, że sztuka konkretna jest tym dla sztuki abstrakcyjnej, czym weganizm dla wegetarianizmu. Abstrakcję geometryczną reprezentuje Czarny okrąg (1913, Państwowe Muzeum Rosyjskie w Petersburgu), namalowany przez Kazimierza Malewicza (1878-1935) (twórcę suprematyzmu); Boogie-Woogie na Broadwayu (1942, MoMA, Nowy Jork) Piet Mondrian (1872-1944) (twórca neoplastycyzmu); oraz Kompozycja VIII (Krowa) (1918, MoMA, Nowy Jork) Theo Van Doesburga (1883-1931) (założyciela De Stijl i Elementarism). Inne przykłady to dzieła „Adres do placu” Josefa Albersa (1888–1976) i „Op-Art” Victora Vasarely’ego (1906–1997).

Czarne koło, Kazimierz Malewicz, 1920

Kompozycja VIII, Theo Van Doesburg

Emocjonalna lub intuicyjna sztuka abstrakcyjna

Ten rodzaj sztuki obejmuje połączenie stylów, których wspólnym tematem jest tendencja naturalistyczna. Naturalizm ten przejawia się w zastosowanych kształtach i kolorach. W przeciwieństwie do abstrakcji geometrycznej, która jest niemal antynaturowa, abstrakcja intuicyjna często przedstawia naturę, ale w mniej reprezentatywny sposób. Dwa ważne źródła tego typu sztuki abstrakcyjnej to: abstrakcja organiczna (zwana także abstrakcją biomorficzną) i surrealizm. Być może najbardziej znanym artystą specjalizującym się w tej formie sztuki był urodzony w Rosji Mark Rothko (1938-70). Inne przykłady obejmują obrazy Kandinsky'ego, takie jak Kompozycja nr 4 (1911, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen) i Kompozycja VII (1913, Galeria Trietiakowska); Kobieta (1934, zbiory prywatne) Joan Miró (1893-1983) i podzielność nieokreślona (1942, Allbright-Knox Art Gallery, Buffalo) Yvesa Tanguya (1900-55).

Nieokreślona podzielność, Yves Tanguy

Sztuka abstrakcyjna gestów (gestów).

Bez tytułu, D. Pollock, 1949

Jest to forma abstrakcyjnego ekspresjonizmu, w której proces tworzenia obrazu staje się ważniejszy niż zwykle. Na przykład farba jest nakładana w nietypowy sposób, pociągnięcia są często bardzo luźne i szybkie. Do znaczących amerykańskich przedstawicieli malarstwa gestycznego zalicza się Jackson Pollock (1912-56), wynalazca Action-Painting i jego żona Lee Krasner (1908-84), którzy zainspirowali go do wynalezienia własnej techniki, tzw. „malowania kroplowego”; Willem de Kooning (1904-97), znany z serialu Kobieta; i Roberta Motherwella (1912-56). W Europie tę formę reprezentuje grupa Cobra, w szczególności Karel Appel (1921-2006).

Minimalistyczna sztuka abstrakcyjna

Nauka rysowania, Ed Reinhardt, 1939

Ten rodzaj abstrakcji był rodzajem sztuki awangardowej, pozbawionej wszelkich zewnętrznych odniesień i skojarzeń. To właśnie widzisz - i nic więcej. Często przybiera kształt geometryczny. W nurcie tym dominują rzeźbiarze, choć obejmuje także kilku wielkich artystów, takich jak Ad Reinhardt (1913-67), Frank Stella (ur. 1936), których obrazy charakteryzują się dużą skalą i skupiskami form i kolorów; Sean Scully (ur. 1945) irlandzko-amerykański artysta, którego prostokątne formy koloru zdają się naśladować monumentalne formy prehistorycznych budowli. Również Joe Baer (ur. 1929), Ellsworth Kelly (1923-2015), Robert Mangold (ur. 1937), Brice Marden (ur. 1938), Agnes Martin (1912-2004) i Robert Ryman (ur. 1930).

Elswortha Kelly’ego

Franka Stellę

Naturą ludzką jest sortowanie wszystkiego na półkach, znajdowanie dla wszystkiego miejsca i nadawanie mu nazwy. Może to być szczególnie trudne w sztuce, gdzie talent jest taką kategorią, że nie pozwala wcisnąć człowieka czy całego ruchu w komórkę ogólnego, uporządkowanego katalogu. Abstrakcjonizm jest właśnie taką koncepcją. Dyskutuje się o tym od ponad wieku.

Abstractio - odwrócenie uwagi, separacja

Wyrazistymi środkami malarskimi są linia, kształt, kolor. Jeśli oddzielimy je od zbędnych wartości, odniesień i skojarzeń, staną się idealne, absolutne. Platon mówił także o prawdziwym, właściwym pięknie linii prostych i figur geometrycznych. Brak analogii między tym, co ukazane, a realnymi obiektami otwiera drogę do oddziaływania na widza czegoś jeszcze nieznanego, niedostępnego dla zwykłej świadomości. Znaczenie artystyczne samego obrazu powinno być wyższe niż znaczenie tego, co przedstawia, ponieważ utalentowane malarstwo rodzi nowy świat zmysłowy.

Tak rozumowali artyści-reformatorzy. Dla nich abstrakcjonizm jest sposobem poszukiwania metod, które mają niewidzianą wcześniej moc.

Nowy wiek - nowa sztuka

Krytycy sztuki spierają się o to, czym jest sztuka abstrakcyjna. Historycy sztuki z zapałem bronią swojego punktu widzenia, zapełniając białe plamy w historii malarstwa abstrakcyjnego. Jednak większość była zgodna co do daty jego urodzin: w 1910 roku w Monachium Wassily Kandinsky (1866-1944) wystawił swoją pracę „Bez tytułu. (Pierwsza abstrakcyjna akwarela).”

Wkrótce Kandinsky w swojej książce „O duchowości w sztuce” ogłosił filozofię nowego ruchu.

Najważniejsze jest wrażenie

Nie należy sądzić, że abstrakcjonizm w malarstwie wziął się znikąd. Impresjoniści pokazali nowe znaczenie koloru i światła w malarstwie. Jednocześnie rola perspektywy linearnej, ścisłe trzymanie proporcji itp. straciła na znaczeniu. Wszyscy czołowi mistrzowie tamtych czasów znaleźli się pod wpływem tego stylu.

Pejzaże Jamesa Whistlera (1834-1903), jego „nokturny” i „symfonie” zaskakująco przypominają arcydzieła artystów abstrakcyjnego ekspresjonizmu. Nawiasem mówiąc, Whistler i Kandinsky mieli synestezję - zdolność nadawania kolorom dźwięku o określonej właściwości. A kolory w ich pracach brzmią jak muzyka.

W twórczości Paula Cézanne’a (1839-1906), zwłaszcza w późnym okresie jego twórczości, kształt przedmiotu ulega zmianie, nabierając szczególnego rodzaju wyrazistości. Nie bez powodu Cezanne nazywany jest prekursorem kubizmu.

Ogólny ruch do przodu

Abstrakcjonizm w sztuce ukształtował się jako pojedynczy ruch w toku ogólnego postępu cywilizacyjnego. Intelektualistów fascynowały nowe teorie z filozofii i psychologii, artyści szukali powiązań pomiędzy światem duchowym i materialnym, jednostką i kosmosem. Zatem Kandinsky w swoim uzasadnieniu teorii abstrakcji opiera się na ideach wyrażonych w książkach teozoficznych Heleny Bławatskiej (1831-1891).

Fundamentalne odkrycia w fizyce, chemii i biologii zmieniły wyobrażenia o świecie i sile wpływu człowieka na przyrodę. Postęp technologiczny zmniejszył skalę Ziemi, skalę Wszechświata.

Wraz z szybkim rozwojem fotografii wielu artystów zdecydowało się nadać jej funkcję dokumentacyjną. Argumentowali: zadaniem malarstwa nie jest kopiowanie, ale tworzenie nowej rzeczywistości.

Sztuka abstrakcyjna to rewolucja. A utalentowani ludzie o wrażliwym podejściu mentalnym poczuli: nadchodzi czas zmian społecznych. Nie mylili się. Wiek XX rozpoczął się i trwał bezprecedensowymi wstrząsami w życiu całej cywilizacji.

Ojcowie założyciele

Wraz z Kandinskim, u podstaw nowego ruchu stanęli Kazimierz Malewicz (1879-1935) i Holender Piet Mondrian (1872-1944).

Kto nie zna „Czarnego kwadratu” Malewicza? Od chwili pojawienia się w 1915 roku ekscytuje zarówno profesjonalistów, jak i zwykłych ludzi. Niektórzy postrzegają to jako ślepy zaułek, inni jako zwykłe oburzenie. Ale cała twórczość mistrza mówi o otwarciu nowych horyzontów w sztuce, o ruchu naprzód.

Rozwinięta przez Malewicza teoria suprematyzmu (łac. supremus – najwyższy) głosiła prymat koloru wśród innych środków malarskich, przyrównywała proces malowania do aktu Kreacji, „czystej sztuki” w najwyższym tego słowa znaczeniu. Głębokie i zewnętrzne oznaki suprematyzmu można odnaleźć w twórczości współczesnych artystów, architektów i projektantów.

Twórczość Mondriana wywarła taki sam wpływ na kolejne pokolenia. Jego neoplastycyzm opiera się na uogólnieniu formy i ostrożnym wykorzystaniu otwartego, niezniekształconego koloru. Proste czarne poziome i pionowe linie na białym tle tworzą siatkę z komórkami o różnych rozmiarach, a komórki są wypełnione lokalnymi kolorami. Ekspresyjność obrazów mistrza zachęcała artystów albo do ich twórczego zrozumienia, albo do ślepego kopiowania. Artyści i projektanci wykorzystują abstrakcjonizm do tworzenia bardzo realnych obiektów. Motywy Mondriana są szczególnie powszechne w projektach architektonicznych.

Rosyjska awangarda - poezja terminów

Rosyjscy artyści okazali się szczególnie otwarci na idee swoich rodaków – Kandinsky’ego i Malewicza. Idee te wpisują się szczególnie organicznie w burzliwą epokę narodzin i kształtowania się nowego systemu społecznego. Teorię suprematyzmu przekształcili Ljubow Popowa (1889-1924) i (1891-1956) w praktykę konstruktywizmu, która wywarła szczególny wpływ na nową architekturę. Obiekty powstałe w tamtej epoce do dziś są przedmiotem badań architektów na całym świecie.

Michaił Larionow (1881-1964) i Natalya Goncharova (1881-1962) stali się założycielami Rayonizmu, czyli regionalizmu. Starali się oddać misterne sploty promieni i płaszczyzn świetlnych emitowanych przez wszystko, co wypełnia otaczający świat.

Alexandra Esther (1882-1949), (1882-1967), Olga Rozanova (1886-1918), Nadieżda Udaltsova (1886-1961) uczestniczyła w różnym czasie w ruchu kubofuturystycznym, który zajmował się także poezją.

Abstrakcjonizm w malarstwie zawsze był wyrazicielem idei skrajnych. Idee te irytowały władze państwa totalitarnego. W ZSRR, a później w nazistowskich Niemczech ideolodzy szybko ustalili, jaki rodzaj sztuki będzie zrozumiały i potrzebny ludziom, i na początku lat 40. XX wieku centrum rozwoju sztuki abstrakcyjnej przeniosło się do Ameryki.

Kanały jednego strumienia

Sztuka abstrakcyjna jest definicją dość niejasną. Wszędzie tam, gdzie przedmiot twórczości nie ma konkretnej analogii w otaczającym świecie, mówimy o abstrakcji. W poezji, muzyce, balecie, architekturze. W sztukach pięknych formy i rodzaje tego kierunku są szczególnie różnorodne.

Można wyróżnić następujące rodzaje sztuki abstrakcyjnej w malarstwie:

Kompozycje kolorystyczne: w przestrzeni płótna kolor jest najważniejszy, a przedmiot rozpływa się w grze kolorów (Kandinsky, Frank Kupka (1881-1957), Orfist (1885-1941), Mark Rothko (1903-1970) , Barnetta Newmana (1905-1970)).

Abstrakcjonizm geometryczny jest bardziej intelektualnym, analitycznym typem malarstwa awangardowego. Odrzuca perspektywę linearną i iluzję głębi, rozwiązując problem relacji form geometrycznych (Malewicz, Mondrian, elementalista Theo van Doesburg (1883-1931), Josef Albers (1888-1976), zwolennik op-artu (1906-1997) )).

Ekspresyjny abstrakcjonizm - szczególnie ważny jest tu proces tworzenia obrazu, czasem sam sposób nakładania farby, jak na przykład wśród artystów tachi (od tache - plama) (Jackson Pollock (1912-1956), malarz tachi Georges Mathieu (1921-2012), Willem de Kooning (1904-1997), Robert Motherwell (1912-1956)).

Minimalizm to powrót do korzeni artystycznej awangardy. Obrazy są całkowicie pozbawione zewnętrznych odniesień i skojarzeń (ur. 1936), Sean Scully (ur. 1945), Ellsworth Kelly (ur. 1923)).

Czy sztuka abstrakcyjna to już przeszłość?

Czym zatem jest obecnie sztuka abstrakcyjna? Teraz w Internecie można przeczytać, że malarstwo abstrakcyjne to już przeszłość. Rosyjska awangarda, czarny kwadrat – komu to potrzebne? Teraz przyszedł czas na szybkość i przejrzystość informacji.

Informacja: jeden z najdroższych obrazów 2006 roku został sprzedany za ponad 140 milionów dolarów. Nazywa się „Nr 5.1948”, autorem jest Jackson Pollock, ekspresyjny artysta abstrakcyjny.

Dla mnie styl abstrakcjonizmu to przede wszystkim sprzeciw wobec logiki cywilizacji. Cała historia cywilizacji ubiegłego wieku zbudowana jest na formułach, algorytmach, zasadach, równaniach i regułach. Jednak naturą człowieka jest dążenie do równowagi i harmonii. W związku z tym u zarania stulecia rewolucji naukowo-technicznej pojawia się taki ruch artystyczny, który nie przestrzega klasycznych kanonów rysunku, a wręcz przeciwnie, ma na celu zapewnienie wolności nieświadomości i chaotyczny, na pierwszy rzut oka pozbawiony znaczenia, ale dający w ten sposób człowiekowi możliwość uwolnienia się od wpływu norm i dogmatów oraz utrzymania wewnętrznej harmonii.

Abstrakcjonizm(z łac. Abstractus - zdalny, abstrakcyjny) bardzo szeroki nurt w sztuce XX wieku, który powstał na początku lat 1910-tych w kilku krajach europejskich. Abstrakcjonizm charakteryzuje się wykorzystaniem wyłącznie elementów formalnych do ukazywania rzeczywistości, gdzie naśladownictwo czy wierne przedstawienie rzeczywistości nie było celem samym w sobie.

Założycielami sztuki abstrakcyjnej są artyści rosyjscy i Holender Piet Mondrian, Francuz Robert Delaunay i Czech Frantisek Kupka. Ich sposób rysowania opierał się na chęci „harmonizacji”, tworzeniu pewnych zestawień kolorystycznych i geometrycznych kształtów, aby wywołać u patrzącego różnorodne skojarzenia.

Kubizm- awangardowy ruch w sztuce, który powstał na początku XX wieku i charakteryzuje się wykorzystaniem zdecydowanie konwencjonalnych form geometrycznych, chęcią „rozszczepienia” rzeczywistych obiektów na stereometryczne prymitywy.

Regionalizm (rayizm)- kierunek w sztuce abstrakcyjnej lat 10. XX w., oparty na przesunięciu widm świetlnych i transmisji światła. Idea wyłaniania się form z „przecięcia promieni odbitych różnych obiektów” jest charakterystyczna, ponieważ tym, co człowiek faktycznie postrzega, nie jest sam przedmiot, ale „suma promieni pochodzących ze źródła światła i odbitych od obiekt."

Neoplastycyzm- określenie kierunku sztuki abstrakcyjnej, jaki istniał w latach 1917-1928. w Holandii i zrzeszonych artystów skupionych wokół magazynu „De Stijl” („Styl”). Charakterystyczne są wyraźne prostokątne kształty w architekturze i malarstwie abstrakcyjnym w układzie dużych prostokątnych płaszczyzn, malowanych w podstawowych barwach widma.

Orfizm- kierunek w malarstwie francuskim lat 1910-tych. Artyści-orfiści starali się wyrazić dynamikę ruchu i muzykalność rytmów za pomocą „regularności” przenikania się barw podstawowych widma i wzajemnego przecinania się zakrzywionych powierzchni.

Suprematyzm- ruch w sztuce awangardowej założony w latach 1910-tych XX wieku. Malewicz. Wyrażało się to w zestawieniach wielobarwnych płaszczyzn o najprostszych kształtach geometrycznych. Połączenie wielobarwnych geometrycznych kształtów tworzy zrównoważone, asymetryczne, suprematystyczne kompozycje przesiąknięte wewnętrznym ruchem.

Taszyzm- ruch w zachodnioeuropejskiej sztuce abstrakcyjnej lat 50. i 60. XX wieku, najbardziej rozpowszechniony w USA. To malowanie plamami, które nie odtwarzają obrazów rzeczywistości, lecz wyrażają nieświadomą aktywność artysty. Kreski, linie i plamy taszizmu nanoszone są na płótno szybkimi ruchami ręki, bez wcześniej przemyślanego planu.

Abstrakcyjny ekspresjonizm- ruch artystów malujących szybko i na dużych płótnach, przy użyciu niegeometrycznych pociągnięć, dużych pędzli, czasem ściekając farbą na płótno, aby w pełni ujawnić emocje. Ekspresyjny sposób malowania jest tu często równie ważny jak sam obraz.