Różne rodzaje sztuki dekoracyjnej i użytkowej. Rodzaje sztuk pięknych. Sztuka dekoracyjna i użytkowa. Materiały plastyczne

Sztuka dekoracyjna i użytkowa, dział sztuki; obejmuje szereg branż kreatywnych, które zajmują się tworzeniem produktów artystycznych przeznaczonych przede wszystkim do użytku codziennego. Jego dziełami mogą być: rozmaite naczynia, meble, tkaniny, narzędzia, pojazdy, a także odzież i wszelkiego rodzaju biżuteria. Wraz z podziałem dzieł sztuki dekoracyjnej i użytkowej według ich praktycznego przeznaczenia w literaturze naukowej 2. połowy XIX wieku. ustalono klasyfikację gałęzi przemysłu według materiału (metal, ceramika, tekstylia, drewno) lub techniki (rzeźba, malarstwo, haft, materiały drukowane, odlewanie, tłoczenie, intarsja itp.). Klasyfikacja ta wynika z ważnej roli zasady konstrukcyjnej i technologicznej w sztuce dekoracyjnej i użytkowej oraz jej bezpośredniego związku z produkcją. Rozwiązywanie łącznie, podobnie jak architektura, problemów praktycznych i artystycznych, sztuki dekoracyjnej i użytkowej należy jednocześnie do sfer tworzenia wartości zarówno materialnych, jak i duchowych. Dzieła tego typu sztuki są nierozerwalnie związane z kulturą materialną ich współczesnej epoki i są ściśle związane z odpowiadającym jej życiem codziennym, z takimi czy innymi lokalnymi cechami etnicznymi i narodowymi oraz różnicami grup społecznych. Stanowiąc organiczną część obiektywnego środowiska, z którym człowiek styka się na co dzień, dzieła sztuki dekoracyjnej i użytkowej, swoimi walorami estetycznymi, strukturą figuratywną i charakterem, stale wpływają na stan ducha, nastrój człowieka i są ważnym czynnikiem źródłem emocji wpływających na jego stosunek do otaczającego go świata.

Estetycznie nasycając otoczenie człowieka, dzieła tego gatunku zdają się być nim jednocześnie wchłonięte, gdyż są zwykle postrzegane w powiązaniu z jego projektem architektoniczno-przestrzennym, z innymi wchodzącymi w jego skład przedmiotami lub ich zespołami (serwis, komplet mebli, garnitur, komplet biżuterii). Dlatego też treść ideową dzieł sztuki dekoracyjnej i użytkowej można najpełniej zrozumieć jedynie dzięki jasnemu wyobrażeniu (rzeczywistemu lub odtworzonemu mentalnie) o owych relacjach przedmiotu z otoczeniem i z człowiekiem.

Architektonika obiektu, zdeterminowana jego przeznaczeniem, możliwościami konstrukcyjnymi i właściwościami plastycznymi materiału, często odgrywa zasadniczą rolę w kompozycji dzieła artystycznego. Często w sztuce dekoracyjnej i użytkowej piękno materiału, proporcjonalne relacje części i rytmiczna struktura służą jako jedyne środki ucieleśnienia emocjonalnej i figuratywnej treści produktu (na przykład niedekorowane produkty szklane lub inne niebarwione materiały ). Wyraźnie widać tu szczególne znaczenie dla sztuki dekoracyjnej i użytkowej czysto emocjonalnych, niefiguratywnych środków języka artystycznego, których użycie upodabnia ją do architektury. Emocjonalny i wymowny obraz często aktywuje obraz skojarzeniowy (porównanie kształtu produktu z kroplą, kwiatem, postacią ludzką, zwierzęciem, jego poszczególnymi elementami, z jakimś innym produktem – dzwonkiem, tralką itp.). ). Dekor pojawiający się na produkcie znacząco wpływa także na jego strukturę figuratywną. Często to właśnie dzięki swojemu wystrojowi przedmiot gospodarstwa domowego staje się dziełem sztuki. Posiadanie własnej emocjonalnej wyrazistości, własnego rytmu i proporcji (często kontrastujących z formą, jak na przykład w wyrobach mistrzów Khokhloma, gdzie różni się skromny, prosty kształt misy i eleganckie, odświętne malowanie powierzchni w ich emocjonalnym brzmieniu), wystrój wizualnie modyfikuje kształt, a jednocześnie łączy się z nim w jeden artystyczny obraz.

Do tworzenia dekoracji powszechnie stosuje się ozdoby i elementy (osobno lub w różnych kombinacjach) sztuk pięknych (rzeźba, malarstwo i rzadziej grafika). Środki sztuk plastycznych i zdobniczych służą nie tylko do tworzenia dekoracji, ale czasami wnikają w kształt przedmiotu (elementy mebli w postaci palmet, wolut, zwierzęcych łap, głów; naczynia w postaci kwiatu, owocu, figury ptak, zwierzę, człowiek). Czasami podstawą projektu produktu staje się ozdoba lub obraz (wzór kratki, koronki, wzór tkaniny, dywan). Konieczność harmonizacji wystroju z formą, obrazu ze skalą i charakterem produktu, z jego praktycznym i artystycznym przeznaczeniem, prowadzi do transformacji motywów wizualnych, do konwencji interpretacji i porównywania elementów natury (np. połączenie w projekcie nogi stołu motywów łapy lwa, skrzydeł orła i głowy łabędzia).

Syntetyczny charakter sztuki dekoracyjnej i użytkowej przejawia się w jedności funkcji artystycznych i użytkowych produktu, we przenikaniu się formy i wystroju, zasad delikatnych i tektonicznych. Jego prace są zaprojektowane tak, aby można je było odbierać zarówno wzrokiem, jak i dotykiem. Dlatego ujawnienie piękna faktury i właściwości plastycznych materiału, umiejętność i różnorodność technik jego obróbki nabierają znaczenia szczególnie aktywnych środków oddziaływania estetycznego w sztuce dekoracyjnej i użytkowej.

Obraz

Malarstwo, rodzaj sztuki plastycznej, dzieła sztuki powstające przy użyciu farb nakładanych na dowolną twardą powierzchnię. Malarstwo, podobnie jak inne formy sztuki, spełnia zadania ideowe i poznawcze, a także jest sferą tworzenia obiektywnych wartości estetycznych, będąc jedną z wysoko rozwiniętych form pracy ludzkiej.

Malarstwo odzwierciedla i ocenia treść duchową epoki i jej rozwój społeczny w świetle określonych koncepcji. Silnie oddziałując na uczucia i myśli widzów, zmuszając ich do doświadczenia rzeczywistości przedstawionej przez artystę, stanowi skuteczny środek edukacji publicznej. Wiele dzieł malarstwa ma wartość dokumentacyjną i informacyjną.

Ocena życia artysty wyrażona w jego twórczości, dzięki klarowności obrazu, nabiera dla widza szczególnej przekonywującej siły. Tworząc obrazy artystyczne, malarstwo wykorzystuje kolor i design, ekspresję pociągnięć, co zapewnia elastyczność jego języka, pozwalając mu odtworzyć na płaszczyźnie barwne bogactwo świata, objętość przedmiotów, ich jakościową oryginalność i materialną cielesność, głębia przedstawianej przestrzeni, z kompletnością niedostępną dla innych rodzajów sztuk pięknych, środowiskiem świetlno-powietrznym. Malarstwo nie tylko bezpośrednio i wyraźnie ucieleśnia wszystkie widzialne zjawiska świata rzeczywistego (w tym przyrodę w jej różnych stanach), ukazuje szerokie obrazy życia ludzi, ale także stara się odsłonić i zinterpretować istotę procesów zachodzących w życiu i świecie wewnętrznym człowieka.

Obszerność i kompletność pokrycia rzeczywistej rzeczywistości dostępnej dla tego rodzaju sztuki znajduje również odzwierciedlenie w bogactwie nieodłącznych jej gatunków (historycznych, codziennych, bitewnych, zwierzęcych itp.).

Celowo, ze względu na charakter wykonania i obrazów, wyróżniają: malarstwo monumentalne i dekoracyjne (malowidła ścienne, abażury, panele), uczestniczące w organizacji przestrzeni architektonicznej, tworzące bogate ideologicznie środowisko dla ludzi; sztalugi (obrazy) o charakterze bardziej intymnym, zwykle nie kojarzącym się z konkretnym miejscem; scenografia (szkice scenografii i kostiumów teatralnych i filmowych); malowanie ikon; miniatura (ilustracje rękopisów, portretów itp.).

Ze względu na charakter substancji wiążących pigment (barwnik), zgodnie z technologiami utrwalania pigmentu na podłożu, malarstwo olejne, malowanie farbami wodnymi na tynku – na mokro (fresk) i na sucho (a secco), tempera, malowanie klejem, malowanie woskiem, emalia, malowanie wyróżnia się farby ceramiczne (spoiwa - szkło topliwe, topniki, szkliwa - utrwalane poprzez wypalanie na ceramice), farby silikatowe (spoiwo - szkło rozpuszczalne) itp. Bezpośrednio z nimi związane są mozaiki i witraże, które rozwiązują te same problemy, co malarstwo monumentalne, sztuki piękne - zadania dekoracyjne. Do tworzenia obrazów używa się również akwareli, gwaszu, pasteli i tuszu.

Główny środek wyrazu malarstwa – kolor – swoją ekspresją i zdolnością do wywoływania różnorodnych skojarzeń zmysłowych, wzmaga emocjonalność obrazu, wyznacza szerokie możliwości wizualne i dekoracyjne tego rodzaju sztuki. W pracach tworzy integralny system (kolor). Zwykle stosuje się taką lub inną serię powiązanych ze sobą kolorów i ich odcieni (gama barwna), chociaż zdarza się również malowanie w odcieniach tego samego koloru (monochromatyczne). Kompozycja kolorystyczna (system rozmieszczenia i relacji plam barwnych) zapewnia pewną jedność kolorystyczną dzieła, wpływa na przebieg jego odbioru przez widza, będąc częścią specyficznej dla dzieła jego struktury artystycznej. Inny wyrazisty środek malarski – rysunek (linia i światłocień) – rytmicznie i kompozycyjnie wraz z kolorem porządkuje obraz; Linia oddziela od siebie bryły, często stanowi podstawę konstrukcyjną formy obrazowej, pozwala w sposób uogólniony lub szczegółowy odtworzyć zarysy obiektów oraz zidentyfikować ich najmniejsze elementy.

Architektura

Architektura (łac. Architectura, z gr. architéкtón – budowniczy), architektura, system budynków i budowli tworzących przestrzenne środowisko życia i działania ludzi, a także sama sztuka tworzenia tych budynków i budowli zgodnie z prawami piękna . Architektura jest niezbędną częścią środków produkcji i materialnych środków egzystencji społeczeństwa ludzkiego. Jej obrazy artystyczne odgrywają znaczącą rolę w życiu duchowym społeczeństwa. Funkcjonalne, konstrukcyjne i estetyczne walory architektury (użyteczność, siła, piękno) są ze sobą powiązane.

Dziełami architektury są budynki o zorganizowanej przestrzeni wewnętrznej, zespoły budynków, a także konstrukcje służące do dekoracji przestrzeni otwartych (pomniki, tarasy, nasypy itp.).

Przedmiotem celowej organizacji jest przestrzeń zaludnionego miejsca jako całość. Tworzenie miast, miasteczek i regulacja całego układu osadniczego stała się obszarem szczególnym, nierozerwalnie związanym z architekturą – urbanistyką.

Najważniejszym środkiem rozwiązywania praktycznych funkcji oraz problemów ideowo-artystycznych architektury jest sprzęt budowlany. Określa możliwość i ekonomiczną wykonalność realizacji określonych układów przestrzennych. Właściwości estetyczne dzieł architektonicznych w dużej mierze zależą od rozwiązania projektowego. Budynek musi nie tylko być, ale także wyglądać na trwały. Nadmiar materiału sprawia wrażenie nadmiernej ciężkości; widoczna (pozorna) niedoskonałość materiału wiąże się z niestabilnością, zawodnością i powoduje negatywne emocje. W miarę rozwoju technologii budowlanej nowe zasady kompozycji architektonicznej, odpowiadające właściwościom nowych materiałów i konstrukcji, mogą stać w sprzeczności z tradycyjnymi poglądami estetycznymi. Jednak w miarę rozpowszechniania się i dalszego doskonalenia projektu, definiowane w nim formy nie tylko przestają być postrzegane jako niezwykłe, ale także zamieniają się w masowej świadomości w źródło oddziaływania emocjonalnego i estetycznego.

Jakościowe zmiany w technologii budownictwa, powstawanie nowych konstrukcji i materiałów znacząco wpłynęły na współczesną architekturę. Szczególne znaczenie ma zastąpienie rzemieślniczych metod budownictwa przemysłowymi, co wiąże się z ogólnymi procesami rozwoju produkcji, z koniecznością zwiększenia tempa budownictwa masowego i co wymagało wprowadzenia standaryzacji, ujednoliconych projektów i części.

Głównymi środkami kreowania obrazu artystycznego w architekturze są kształtowanie przestrzeni i architektonika. Tworząc kompozycję wolumetryczno-przestrzenną (w tym wewnętrzną organizację konstrukcji), stosuje się zasady symetrii lub asymetrii, niuanse lub kontrasty przy porównywaniu elementów, ich różne relacje rytmiczne itp. W architekturze szczególne znaczenie mają proporcjonalność części i całości względem siebie (układ proporcji) oraz proporcjonalność konstrukcji i jej poszczególnych form do człowieka (skala). Do środków artystycznych architektury zalicza się także fakturę i kolor, których różnorodność osiąga się poprzez różne metody obróbki powierzchni budynku. Holistyczny system artystyczny i wyrazisty form dzieł architektury, spełniający wymagania funkcjonalne i konstrukcyjne, nazywany jest kompozycją architektoniczną.

Trwała wspólność charakterystycznych cech artystycznej formy architektury oraz jej programu ideowego i treściowego tworzy jej styl. Najważniejsze cechy stylu przejawiają się w systemie organizacji funkcjonalno-przestrzennej budynków, w ich architekturze, proporcjach, plastyczności i wystroju.

Rzeźba

Rzeźba (łac. sculptura, od sculpo - rzeźbić, wycinać), rzeźba plastyczna (gr. plastike, od plasso - rzeźbić), forma sztuki oparta na zasadzie trójwymiarowego, fizycznie trójwymiarowego obrazu przedmiotu. Z reguły przedmiotem obrazu w rzeźbie jest osoba, rzadziej zwierzęta (gatunek zwierzęcy), a jeszcze rzadziej przyroda (pejzaż) i rzeczy (martwa natura). Umiejscowienie figury w przestrzeni, transmisja jej ruchu, postawy, gestu, modelowanie światła i cienia wzmagające relief formy, architektoniczna organizacja bryły, wizualny efekt jej masy, stosunki wagowe, dobór proporcji , specyficzny w każdym przypadku charakter sylwetki są głównymi środkami wyrazu tego typu sztuki. Wolumetryczna forma rzeźbiarska budowana jest w rzeczywistej przestrzeni zgodnie z prawami harmonii, rytmu, równowagi, interakcji z otaczającym środowiskiem architektonicznym lub naturalnym oraz w oparciu o cechy anatomiczne (strukturalne) konkretnego modelu obserwowane w przyrodzie.

Istnieją dwa główne typy rzeźb: rzeźba okrągła, swobodnie umieszczona w przestrzeni, oraz płaskorzeźba, w której obraz znajduje się na płaszczyźnie stanowiącej jej tło. Do dzieł pierwszego, wymagających zwykle widoku wszechstronnego, zalicza się: posąg (postać pełnometrażowa), grupę (dwie lub więcej postaci tworzących jedną całość), figurkę (figura znacznie mniejsza od życia -rozmiar), tułów (obraz ludzkiego tułowia), popiersie (obraz klatki piersiowej osoby) itp.

Ze względu na treść i funkcje rzeźbę dzieli się na monumentalno-dekoracyjną, sztalugową i tzw. rzeźba małych form. Chociaż odmiany te rozwijają się w ścisłej interakcji, każda z nich ma swoje własne cechy. Monumentalno-dekoracyjna: rzeźba przeznaczona jest dla konkretnego środowiska architektonicznego, przestrzennego lub naturalnego. Ma ona wyraźny charakter publiczny, skierowana jest do mas widzów, a lokowana jest przede wszystkim w miejscach publicznych – na ulicach i placach miasta, w parkach, na elewacjach i wnętrzach budynków użyteczności publicznej. Rzeźba monumentalna i dekoracyjna ma na celu konkretyzację obrazu architektonicznego i uzupełnienie wyrazistości form architektonicznych nowymi odcieniami. Zdolność rzeźby monumentalnej i dekoracyjnej do rozwiązywania dużych problemów ideologicznych i figuratywnych szczególnie kompletnie ujawnia się w dziełach zwanych monumentalnymi, do których zaliczają się zwykle pomniki miejskie, pomniki i budowle pamięci. Majestat form i trwałość materiału łączą się w nich z wzniesieniem struktury figuratywnej i szerokością uogólnień. Rzeźba sztalugowa, która nie jest bezpośrednio związana z architekturą, ma charakter bardziej intymny. Hale wystawowe, muzea, wnętrza mieszkalne, gdzie można je obejrzeć z bliska i ze wszystkimi szczegółami, to jego typowe otoczenie. Determinuje to cechy plastycznego języka rzeźby, jej wymiary i ulubione gatunki (portret, gatunek codzienny, akt, gatunek zwierzęcy). Rzeźbę sztalugową, w większym stopniu niż rzeźbę monumentalną i dekoracyjną, charakteryzuje zainteresowanie wewnętrznym światem człowieka, subtelny psychologizm i narracja. Rzeźba małych form obejmuje szeroką gamę dzieł przeznaczonych przede wszystkim do wnętrz mieszkalnych i pod wieloma względami jest ściśle powiązana ze sztuką zdobniczą i użytkową.

Cel i treść dzieła rzeźbiarskiego determinuje charakter jego struktury plastycznej, a to z kolei wpływa na wybór materiału rzeźbiarskiego. Technika rzeźby w dużej mierze zależy od cech naturalnych i sposobów ich obróbki. Do modelowania używa się miękkich substancji (glina, wosk, plastelina itp.); w tym przypadku najczęściej używanymi narzędziami są krążki i stosy drutu. Substancje stałe (różne rodzaje kamienia, drewna itp.) przetwarza się poprzez siekanie (rzeźbienie) lub rzeźbienie, usuwanie zbędnych części materiału i stopniowe uwalnianie ukrytej w nim formy objętościowej; Do obróbki bloku kamiennego stosuje się młotek (młotek) i zestaw narzędzi metalowych, do obróbki drewna stosuje się głównie dłuta kształtowe i wiertła. Do odlewania rzeźb przy użyciu specjalnie wykonanych form wykorzystuje się substancje przechodzące ze stanu ciekłego w stan stały (różne metale, gips, beton, tworzywa sztuczne itp.).

Teatr

Teatr (od greckiego théatron – miejsce spektaklu, spektakl), rodzaj sztuki. Teatr jest formą świadomości społecznej, jest nierozerwalnie związany z życiem ludzi, ich narodową historią i kulturą. Teatr osiąga zazwyczaj rozwój artystyczny wtedy, gdy przepojony zaawansowanymi ideami epoki, walczy o ideały humanistyczne, głęboko i zgodnie z prawdą odsłania złożoność wewnętrznego świata człowieka i jego dążeń.

Artystyczne odbicie życia, afirmacja pewnych idei, światopoglądów i ideologii dokonuje się w teatrze poprzez akcję dramatyczną wykonywaną przez aktorów przed publicznością. Walka bohaterów, ujawnianie konfliktów społecznych i psychologicznych, które wpływają na losy ludzi, ich relacje leżą w centrum spektaklu i spektaklu. Specyfika teatru wymaga emocjonalnej i duchowej jedności sceny i publiczności, obecności wspólnych zainteresowań twórców spektaklu i publiczności. Teatr odgrywa ważną rolę w edukacji estetycznej, moralnej i politycznej. W tym celu dysponuje bogatymi środkami artystycznego uogólnienia, wyrazistości i oddziaływania na masową publiczność.

Podstawą spektaklu teatralnego jest dramat. Teatr przenosi dzieło literackie w obszar akcji scenicznej i specyficznej obrazowości teatralnej; Postacie i konflikty dramatu ucieleśniają żywe twarze i działania. Słowo „mowa” jest najważniejszym środkiem, w jaki dramat wyposaża teatr. W teatrze słowo także podlega prawom akcji dramatycznej. W niektórych przypadkach zamienia mowę w środek codziennej charakterystyki postaci, w innych poprzez werbalną tkankę roli odsłania złożone konflikty świadomości i psychologii bohatera. Mowa na scenie może mieć formę dłuższej wypowiedzi (monolog), mieć charakter rozmowy z partnerem (dialog), być skierowana do widza, przypominać odbicie bohatera, jego „monolog wewnętrzny” itp.

Teatr jest sztuką zbiorową. Spektakl to dzieło charakteryzujące się artystyczną jednością i harmonią wszystkich elementów. Powstaje pod kierunkiem reżysera i zgodnie z jego planem, dzięki wspólnemu wysiłkowi aktorów, scenografa, kompozytora, choreografa i wielu innych. Spektakl opiera się na reżyserskiej interpretacji spektaklu, jego gatunku i decyzji stylistycznej. Akcja spektaklu zorganizowana jest w czasie (tempo, rytm, narastanie i opadanie napięcia emocjonalnego) i w przestrzeni (zabudowa sceny, zasada jej wykorzystania, mise-en-scène, sceneria, ruch itp.).

Głównym nośnikiem akcji teatralnej jest aktor, którego twórczość ucieleśnia istotę teatru: umiejętność porywania publiczności sztuką. spektakl życia przepływający bezpośrednio przed ich oczami, twórczy proces jego ucieleśnienia. Wizerunek aktora tworzony jest na podstawie spektaklu i jego interpretacji przez reżysera spektaklu. Ale nawet w systemie ściśle zorganizowanego spektaklu aktor pozostaje niezależnym artystą, zdolnym jedynie samodzielnie, przy użyciu dostępnych mu środków, odtworzyć na scenie żywy obraz człowieka, oddać złożoność i bogactwo ludzkiej psychologii. Praca nad sobą i nad rolą na próbie to, jak uważał K. S. Stanisławski, dwa nierozerwalnie powiązane aspekty działania aktora.

Często aktor tworzy na scenie obraz odmienny od jego własnego, zmieniający się zewnętrznie i wewnętrznie w różnych rolach. Wcielając się w wygląd i charakter postaci, performer posługuje się środkami plastycznej i rytmicznej ekspresji, sztuką mowy, mimiką i gestem. Historia teatru światowego zna aktorów, którzy posiadali wirtuozerską umiejętność zewnętrznej transformacji.

W teatrze muzycznym akcja ucieleśnia się za pomocą dramaturgii muzycznej, która opiera się na ogólnych prawach dramatu - obecności wyraźnie wyrażonego konfliktu centralnego, ujawniającego się w walce przeciwstawnych sił, pewnej sekwencji etapów ujawniania się dramaty. plan. W każdym typie muzycznej sztuki scenicznej te ogólne wzorce znajdują swoiste załamanie w zależności od natury środków wyrazu: w operze akcja rozgrywająca się na scenie wyrażana jest przez muzykę, czyli śpiew postaci, jak np. a także przy dźwiękach orkiestry; w balecie rolę zbliżoną do śpiewu w operze pełni taniec i pantomima. Jednocześnie w obu przypadkach muzyka jest głównym środkiem uogólniającym, spajającym wszystkie elementy dramatu. W operetce, która jest rodzajem opery z dialogiem mówionym, ogromne znaczenie ma piosenka i taniec wierszowany. W gatunku muzycznym wykorzystywane są ekspresyjne środki sztuk dramatycznych, operowych i choreograficznych, muzyki pop i codziennej.

Muzyka

Muzyka (od greckiego musike, dosłownie – sztuka muz), rodzaj sztuki, która odzwierciedla rzeczywistość i oddziałuje na człowieka poprzez znaczące i specjalnie zorganizowane sekwencje dźwiękowe, składające się głównie z tonów. Muzyka jest specyficznym rodzajem dźwiękowej aktywności człowieka. Łączy się z innymi odmianami (mową, sygnalizacją dźwiękowo-instrumentalną itp.) poprzez zdolność do wyrażania myśli, emocji i procesów wolicjonalnych człowieka w formie słyszalnej i służy jako środek komunikacji między ludźmi i kontroli ich zachowania. Jednocześnie różni się znacznie od wszystkich innych rodzajów ludzkiej aktywności dźwiękowej. Zachowując pewne pozory dźwięków prawdziwego życia, dźwięk muzyczny zasadniczo różni się od nich ścisłą wysokością tonu i organizacją czasową (rytmiczną). Dźwięki te są częścią historycznie ustalonych systemów, których podstawą są tony. W każdym utworze dźwięki tworzą swój własny system powiązań pionowych i ciągów poziomych – swoją formę.

W treści muzycznej dominującą rolę odgrywają stany i procesy emocjonalne (oraz dążenia wolicjonalne). Ich wiodące miejsce w treści muzycznej jest z góry określone przez brzmienie (intonację) i chwilowy charakter muzyki, co pozwala jej z jednej strony oprzeć się na wielowiekowym doświadczeniu ludzi zewnętrznie ujawniających swoje emocje i przekazujących je innym członkom społeczeństwa. społeczeństwo przede wszystkim i głównie poprzez dźwięki, z drugiej zaś odpowiednio wyrażać przeżycie emocjonalne jako ruch, proces ze wszystkimi jego zmianami i odcieniami, dynamicznymi wzlotami i upadkami, wzajemnymi przejściami emocji i ich zderzeniami.

Spośród różnych rodzajów emocji muzyka ucieleśnia przede wszystkim nastroje. Emocjonalne aspekty intelektualnych i wolicjonalnych cech jednostki (oraz odpowiadające im procesy) są również szeroko reprezentowane w treści muzycznej. Pozwala to temu rodzajowi sztuki ukazać nie tylko stany psychiczne ludzi, ale także ich charaktery. W najbardziej konkretnym (choć nie przełożonym na słowa), bardzo subtelnym i „zaraźliwym” wyrażaniu emocji muzyka nie ma sobie równych. Na tym opiera się powszechna definicja go jako „języka duszy” (A. N. Serow).

Dążąc do szerszego ujęcia świata idei filozoficznych i społecznych, kompozytorzy często wykraczają poza tzw. muzykę czystą (instrumentalną nieprogramową), zwracając się do słowa jako nośnika określonej treści konceptualnej (wokalna i programowa muzyka instrumentalna zob. program muzyczny), a także do akcji scenicznej. Dzięki syntezie ze słowami, czynami itp. powstają nowe typy obrazów muzycznych, które w świadomości społecznej na stałe kojarzą się z koncepcjami i ideami wyrażanymi przez inne składniki syntezy, a następnie przechodzą do „czystej” muzyki jako nośników te same koncepcje i pomysły. Do wyrażania myśli kompozytorzy posługują się także symbolami dźwiękowymi (wyłonionymi w praktyce społecznej melodiami lub melodiami istniejącymi w określonym środowisku społecznym, które stały się „muzycznymi emblematami” określonych koncepcji) lub tworzą własne, nowe „znaki muzyczne” (np. motywy przewodnie). W rezultacie treść M. obejmuje ogromną i stale wzbogacaną gamę pomysłów.

W muzyce dostępne są różne typy treści: epickie, dramatyczne, liryczne. Jednocześnie jednak teksty piosenek ze względu na swój niefiguratywny charakter są jej najbliższe.

Materialnym ucieleśnieniem treści muzyki, sposobem jej istnienia jest forma muzyczna - ten system dźwięków muzycznych, w którym realizują się emocje, myśli i idee figuratywne kompozytora. Nawet rozpatrywane indywidualnie, dźwięki muzyczne mają już podstawowe możliwości ekspresji. Każdy z nich jest w stanie wywołać fizjologiczne uczucie przyjemności lub niezadowolenia, podniecenia lub spokoju, napięcia lub odprężenia, a także odczucia synestetyczne (ciężar lub lekkość, ciepło lub zimno, ciemność lub światło itp.) oraz proste skojarzenia przestrzenne.

W każdym utworze muzycznym z poszczególnych elementów jego formy, w procesie ich unifikacji i podporządkowania, powstaje ogólna struktura, złożona z kilku odrębnych struktur. Do tych ostatnich zaliczają się struktury: melodyczna, rytmiczna, modowo-harmoniczna, teksturowana, barwowa, dynamiczna itp. Szczególne znaczenie ma struktura tematyczna, której elementami są tematy muzyczne (wraz z różnymi rodzajami i etapami ich zmiany i rozwoju). W większości stylów muzycznych tematy są materialnymi nośnikami obrazów muzycznych.

Muzyka ma swoją strukturę. Tak więc w rozwiniętej kulturze muzycznej kreatywność reprezentowana jest przez wiele odmian, które można różnicować według różnych cech. 1) Według rodzaju treści: liryczne, epickie, dramatyczne, a także bohaterskie, tragiczne, humorystyczne itp.; w innym aspekcie - muzyka poważna i muzyka lekka. 2) Wykonując cel: wokalny i instrumentalny; w innym aspekcie - solo, zespołowo, orkiestrowo, chóralnie, mieszanie (z możliwością dalszego doprecyzowania kompozycji: na przykład na orkiestrę symfoniczną, na orkiestrę kameralną, na jazz itp.). 3) Przez syntezę z innymi rodzajami sztuki oraz ze słowem: muzyka teatralna, muzyka taneczna, program instrumentalny, melodramat (czytanie do muzyki), wokal ze słowem. Muzyka poza syntezą – wokalizy (śpiew bez słów) i „czysty” instrumentalny (bez programu). Z kolei pierwsza dzieli się na rozrywkę i koncert, druga na mszę i rytuał. Każdą z czterech powstałych odmian (grup gatunkowych) można dalej różnicować.

Sztuka filmowa

Kinematografia, rodzaj sztuki, której dzieła powstają poprzez filmowanie rzeczywistych, specjalnie inscenizowanych lub odtworzonych wydarzeń rzeczywistości za pomocą animacji.

W sztuce filmowej właściwości estetyczne literatury, sztuk teatralnych, wizualnych i muzyki syntezowane są w oparciu o właściwe tylko jej środki wyrazu, z których głównymi są fotograficzny charakter obrazu, który pozwala odtworzyć dowolny obraz rzeczywistości z najwyższą niezawodnością i montażem. Mobilność aparatu filmowego i różnorodność optyki stosowanej podczas fotografowania pozwalają na ukazanie w kadrze ogromnych przestrzeni i dużych mas ludzi (plan ogólny), małych grup osób w ich relacjach (plan średni), portretu ludzkiego lub osobny szczegół (zbliżenie). Dzięki temu w kadrze można wyeksponować najważniejsze, istotne estetycznie aspekty przedstawianego obiektu. Połączenie klatek w montażu stanowi wyraz myśli autora, tworzy ciągłość w rozwoju akcji, porządkuje wizualną narrację i pozwala poprzez porównanie różnych części. Plany interpretacji akcji metaforycznie kształtują rytm filmu.

Tworzenie dzieła sztuki filmowej to z reguły złożony proces twórczy i produkcyjny, w którym łączą się prace artystów różnych specjalności: dramaturga filmowego (autora scenariusza); reżyser, który ustala interpretację i realizację koncepcji oraz kieruje pracą pozostałych uczestników przedstawienia; aktorzy wcielający się w postacie; operator charakteryzujący akcję poprzez interpretację kompozycyjną, świetlną i kolorystyczną kadrów; artysta odnajdujący wizualne cechy otoczenia i kostiumy bohaterów (a w animacji zewnętrzne cechy bohaterów); kompozytor itp.

W trakcie rozwoju kinematografii ukształtowały się 4 główne typy kinematografii: kinematografia fabularna (fabularna), która ucieleśnia dzieła dramatu filmowego lub adaptowane dzieła prozatorskie, dramatyczne i poetyckie za pomocą twórczości wykonawczej; kinematografia dokumentalna, będąca szczególnym rodzajem dziennikarstwa figuratywnego, opierającego się przede wszystkim na bezpośrednim zapisie rzeczywistości na filmie; kinematografia animowana, „animowanie” postaci graficznych lub lalkowych; kinematografii popularnonaukowej, wykorzystującej środki tych 3 typów do popularyzacji wiedzy naukowej.

Kino fabularne ma dostęp do możliwości eposu, liryzmu i dramatu, jednak w filmach o charakterze narracyjnym zawsze pojawiają się cechy przybliżające je do dramatu, zwłaszcza konfliktu dramatycznego. Kino dokumentalne ma w sobie pełnię możliwości publicystycznych gatunków literatury i publicystyki. Łączy w sobie zarówno twórczość figuratywnego dziennikarstwa filmowego, jak i filmów informacyjnych (reportaż filmowy). Obrazy animacji graficznej i trójwymiarowej powstają poprzez filmowanie stacjonarnych kolejnych faz ruchu rysowanych lub marionetkowych postaci. Szczególną uwagę poświęca tworzeniu filmów dla dzieci. Kino popularnonaukowe wprowadza widza w życie przyrody i społeczeństwa, odkrycia i wynalazki naukowe, odtwarza przebieg poszukiwań twórczych naukowców i artystów, w klarowny sposób ukazuje procesy fizyczne, chemiczne i biologiczne. Aby rozwiązać te problemy, posługuje się zarówno środkami czysto dydaktycznymi, jak i artystyczno-figuratywnymi, w zależności od tematu i celu filmu.

Gatunki filmowe, które na wczesnych etapach rozwoju kina były stosunkowo wyraźnie odgraniczone (melodramat, film przygodowy, komiks itp.), ulegają zmianom i mają tendencję do łączenia się, przenikania, a nawet rozpadu. Nowatorskie aspiracje twórców filmowych determinują połączenie w jednym dziele cech charakterystycznych dla prozy, dramatu i tekstu.

Człowiek od zawsze starał się upiększyć swoje życie, wprowadzając do niego elementy estetyki i kreatywności. Rzemieślnicy, tworząc artykuły gospodarstwa domowego - naczynia, ubrania, meble, dekorowali je rzeźbami, inkrustowali drogimi kamieniami, zamieniając je w prawdziwe dzieła sztuki.

Sztuka dekoracyjna istniała wprawdzie już w czasach prehistorycznych, kiedy ludzie dekorowali swoje domy malowidłami naskalnymi, jednak w literaturze akademickiej została ona wyróżniona dopiero w latach 50. XIX wieku.

Znaczenie terminu

Łacińskie słowo Decorare można przetłumaczyć jako „ozdabiać”. To właśnie jest źródłem pojęcia „dekoracyjny”, czyli „dekorowany”. Dlatego termin „sztuka dekoracyjna” dosłownie oznacza „umiejętność dekorowania”.

Dzieli się na następujące składowe rodzaje sztuki:

• monumentalne - dekoracja, malarstwo, mozaiki, witraże, rzeźby budynków i budowli;
• stosowany - dotyczy wszystkiego, w tym naczyń, mebli, odzieży, tekstyliów;
• design - kreatywne podejście do projektowania świąt, wystaw i witryn sklepowych.

Główną cechą odróżniającą dekorację od elegancji jest jej praktyczność, możliwość wykorzystania w życiu codziennym, a nie tylko treść estetyczna.

Na przykład obraz jest dziełem sztuki, a rzeźbiony świecznik lub malowana płyta ceramiczna jest dziełem sztuki użytkowej.

Klasyfikacja

Gałęzie tej formy sztuki są klasyfikowane według:

• Materiały użyte w procesie pracy. Może to być metal, kamień, drewno, szkło, ceramika, tekstylia.
• Technika wykonania. Stosowane są różnorodne techniki - rzeźbienie, intarsja, odlewanie, drukowanie, tłoczenie, haft, batik, malarstwo, wikliniarstwo, makrama i inne.
• Funkcje – przedmiot może służyć na różne sposoby, na przykład jako mebel, naczynia lub zabawka.

Jak widać z klasyfikacji, pojęcie to ma bardzo szeroki zakres. Ściśle związany ze sztuką, architekturą, designem. Przedmioty sztuki dekoracyjnej i użytkowej kształtują otaczający człowieka świat materialny, czyniąc go piękniejszym i bogatszym pod względem estetycznym i figuratywnym.

Powstanie

Rzemieślnicy na przestrzeni wieków próbowali ozdabiać owoce swojej pracy. Byli wykwalifikowanymi rzemieślnikami, mieli doskonały gust i doskonalili swoje umiejętności z pokolenia na pokolenie, pilnie strzegąc tajemnic rodzinnych. Ich filiżanki, chorągwie, gobeliny, ubrania, sztućce i inne artykuły gospodarstwa domowego, a także witraże i freski wyróżniały się wysokim kunsztem.

Dlaczego definicja „sztuki dekoracyjnej” pojawiła się w połowie XIX wieku? Wynika to z faktu, że w okresie szybkiego rozwoju produkcji maszynowej produkcja towarów z rąk rzemieślników przeniosła się do fabryk i fabryk. Produkty stały się ustandaryzowane, nieunikalne i często nieatrakcyjne. Jego głównym zadaniem była jedynie przybliżona funkcjonalność. W takich warunkach rzemiosło użytkowe dosłownie oznaczało wytworzenie pojedynczego produktu o wysokich walorach artystycznych. Rzemieślnicy wykorzystali swoje umiejętności do tworzenia ekskluzywnych, zdobionych artykułów gospodarstwa domowego, które w okresie boomu przemysłowego zaczęły cieszyć się szczególnym popytem wśród zamożnych warstw społeczeństwa. Tak narodził się termin „sztuka dekoracyjna i użytkowa”.

Historia rozwoju

Wiek sztuki zdobniczej jest równy wiekowi ludzkości. Pierwsze odkryte obiekty twórcze pochodzą z epoki paleolitu i są to malowidła naskalne, biżuteria, figurki rytualne, kościane lub kamienne przedmioty gospodarstwa domowego. Biorąc pod uwagę prymitywność narzędzi, sztuka dekoracyjna w starożytnym społeczeństwie była bardzo prosta i surowa.

Dalsze doskonalenie środków pracy powoduje, że przedmioty, które służą celom praktycznym, a jednocześnie ozdabiają życie codzienne, stają się coraz bardziej eleganckie i wyrafinowane. Rzemieślnicy inwestują swój talent, gust i nastrój emocjonalny w przedmioty codziennego użytku.

Ludowa sztuka zdobnicza przesiąknięta jest elementami kultury duchowej, tradycji i poglądów na temat narodu oraz charakteru epoki. Obejmuje w swoim rozwoju rozległe warstwy czasowe i przestrzenne, materiał wielopokoleniowy jest naprawdę ogromny, dlatego nie da się umieścić wszystkich jego gatunków i typów w jednej linii historycznej. Etapy rozwoju umownie dzieli się na najważniejsze okresy, w których wyróżniają się najbardziej uderzające arcydzieła sztuki dekoracyjnej i użytkowej.

Świat starożytny

Sztuka zdobnicza Egiptu to jedna z najważniejszych kart w historii sztuki użytkowej. Egipscy rzemieślnicy doprowadzili do perfekcji takie rzemiosła artystyczne, jak rzeźbienie w kościach i drewnie, obróbka metali, wytwarzanie biżuterii, wytwarzanie kolorowego szkła i fajansu oraz najlepsze wzorzyste tkaniny. Najlepiej kwitły rzemiosła skórzane, tkackie i garncarskie. Egipscy artyści stworzyli wspaniałe pomniki sztuki, które dziś podziwia cały świat.

Nie mniej znaczące w historii sztuki użytkowej były osiągnięcia starożytnych mistrzów Wschodu (Sumer, Babilon, Asyria, Syria, Fenicja, Palestyna, Urartu). Sztuka zdobnicza tych państw szczególnie wyraźnie wyrażała się w takich rzemiosłach, jak rzeźbienie w kości słoniowej, gonitnictwo w złocie i srebrze, inkrustowanie kamieniami szlachetnymi i półszlachetnymi oraz kucie artystyczne. Charakterystyczną cechą produktów tych narodów była prostota form, zamiłowanie do wystroju drobnych i szczegółowych detali oraz bogactwo jasnych kolorów. Osiągnął bardzo wysoki poziom

Wyroby starożytnych rzemieślników zdobią wizerunki roślin i zwierząt, mitycznych stworzeń i bohaterów legend. W pracy wykorzystano metal, w tym metale szlachetne, fajans, kość słoniową, szkło, kamień i drewno. Kreteńscy jubilerzy osiągnęli najwyższe umiejętności.

Sztuka dekoracyjna krajów Wschodu – Iranu, Indii – przepojona jest głębokim liryzmem, wyrafinowaniem obrazów połączonym z klasyczną wyrazistością i czystością stylu. Po wiekach zachwyt budzą tkaniny - muślin, brokat i jedwab, dywany, wyroby złote i srebrne, tłoczenia i ryciny, malowana ceramika szkliwiona. Połysk i płytki graniczne używane do ozdabiania budynków świeckich i sakralnych są niesamowite. Kaligrafia artystyczna stała się techniką wyjątkową.

Sztuka zdobnicza Chin wyróżnia się wyjątkową oryginalnością i ekskluzywnymi technikami, które wywarły poważny wpływ na twórczość mistrzów z Japonii, Korei i Mongolii.

Sztuka europejska ukształtowała się pod wpływem sztuki zdobniczej i użytkowej Bizancjum, która wchłonęła ducha starożytnego świata.

Tożsamość Rusi

Ludowe przedmioty dekoracyjne były pod wpływem kultury scytyjskiej. Formy artystyczne osiągnęły wielką siłę malarską i wyrazistość. Słowianie używali szkła, kryształu górskiego, karneolu i bursztynu. Rozwinęło się jubilerstwo i obróbka metali, rzeźbienie w kościach, ceramika i dekoracyjne malowanie świątyń.

Szczególne miejsce zajmuje wyrób pysankar, rzeźba w drewnie, haft i tkactwo. Słowianie osiągnęli wyżyny w tego typu sztuce, tworząc wyrafinowane, wykwintne produkty.

Podstawą sztuki dekoracyjnej stały się narodowe ozdoby i wzory.

wystrój- dekorować) - dział sztuki zdobniczej, obejmujący tworzenie wyrobów artystycznych o przeznaczeniu użytkowym.

Dzieła sztuki dekoracyjnej i użytkowej spełniają kilka wymagań: mają walory estetyczne; zaprojektowany z myślą o efekcie artystycznym; używany do dekoracji domu i wnętrz. Do takich wyrobów należą: odzież, tkaniny odzieżowe i dekoracyjne, dywany, meble, szkło artystyczne, porcelana, ceramika, biżuteria i inne wyroby artystyczne. W literaturze naukowej drugiej połowy XIX wieku ustalono klasyfikację gałęzi sztuki zdobniczej i użytkowej według materiału (metal, ceramika, tekstylia, drewno), techniki (rzeźba, malarstwo, haft, materiał drukowany, odlewnictwo) , tłoczenie, intarsja itp.) oraz według cech użytkowych związanych z przeznaczeniem przedmiotu (meble, naczynia, zabawki). Klasyfikacja ta wynika z ważnej roli zasady konstrukcyjnej i technologicznej w sztuce dekoracyjnej i użytkowej oraz jej bezpośredniego związku z produkcją.

Odwoływanie się do sztuki ludowej zyskało mocne miejsce w pracy współczesnego nauczyciela z dziećmi. W ostatnich latach dużą popularnością cieszą się zajęcia plastyczne i rękodzielnicze. Wyroby wykonane własnoręcznie przez dzieci mogą służyć jako dekoracja wnętrz szkolnych, gdyż posiadają walory estetyczne.

Zajęcia plastyczne i rękodzielnicze niewątpliwie otworzą przed wieloma dziećmi nowe możliwości rozumienia sztuki ludowej, wzbogacą ich wewnętrzny świat i pozwolą pożytecznie spędzać wolny czas.

Główne rodzaje sztuki dekoracyjnej i użytkowej:

1. (palenie drewna, skóry, tkaniny itp.)
2. Frezowanie

Skupmy się na ostatnim z powyższych.

Tkanie koralików to starożytna sztuka. Historia beadingu sięga ponad pięciu tysięcy lat. Jednak techniki tkania pozostają takie same i nawet dzieci są w stanie tworzyć proste rękodzieło z koralików.

Frezowanie dla dzieci: czy jest to konieczne? Być może wiele osób uważa, że ​​takie wprowadzenie dzieci w wieku szkolnym do sztuki dekoracyjnej i użytkowej, w szczególności do koralików, jest wskazane tylko w ośrodkach artystycznych, w których istnieją warunki do prawdziwego szkolenia zawodowego. Doświadczenie pokazuje, że tak nie jest. Faktem jest, że oprócz piękna jest to dość przydatna sztuka pod każdym względem. W procesie beadingu dzieci rozwijają smak, wyobraźnię i kreatywność. Dziecko uczy się podstaw liczenia, co jest ważne dla przedszkolaków. Rozwijają się motoryka mała i precyzja ruchów, co przydaje się w każdym przypadku. Udowodniono, że rozwój motoryki małej przyczynia się do rozwoju pamięci, uwagi i myślenia, co również się przyda. Biżuteria ręcznie robiona jest cenniejsza niż biżuteria zakupiona. Obecność domowej roboty oryginalnej biżuterii może podnieść samoocenę niepewnego siebie dziecka i pomóc mu zająć swoje miejsce w zespole. Koraliki pomagają dzieciom wyrażać emocje.

Zajęcia z koralików odbywają się w grupach i dają możliwość komunikacji z rówieśnikami, jednocześnie ciesząc się procesem pracy z koralikami.

Zapoznanie dzieci ze sztuką zdobniczą i użytkową, z opanowaniem jej technik, wcale nie oznacza, że ​​wszystkie dzieci będą w przyszłości pracować w kierunku artystycznym. Znaczenie estetyczne wiąże się z samym procesem tworzenia rzeczy pięknych, potrzebnych i użytecznych. O wiele ważniejsza dla ogólnego rozwoju artystycznego dzieci jest umiejętność ich tworzenia na początku, wpajając im zdrowe zasady moralne, szacunek do pracy, choćby w pewnym stopniu wiedzę o sobie i rozwój gustu artystycznego.

Wyświetlenia: 20 782

Sztuka i rzemiosło(od łac. deco- dekorowanie) to szeroka dziedzina sztuki plastycznej, obejmująca różne gałęzie działalności twórczej, których celem jest tworzenie wyrobów artystycznych o funkcjach użytkowych i artystycznych. Termin zbiorowy, który tradycyjnie łączy dwa szerokie rodzaje sztuki: dekoracyjny I stosowany. W odróżnieniu od dzieł sztuki, przeznaczonych dla przyjemności estetycznej i z nimi związanych czysta sztuka, liczne przejawy sztuki i rzemiosła mogą mieć praktyczne zastosowanie w życiu codziennym.

Dzieła sztuki dekoracyjnej i użytkowej spełniają kilka cech: mają walory estetyczne; zaprojektowany z myślą o efekcie artystycznym; używany do dekoracji domu i wnętrz. Do takich wyrobów należą: odzież, tkaniny odzieżowe i dekoracyjne, dywany, meble, szkło artystyczne, porcelana, ceramika, biżuteria i inne wyroby artystyczne.
W literaturze naukowej od drugiej połowy XIX wieku powstała klasyfikacja gałęzi sztuki zdobniczej i użytkowej według materiału (metal, ceramika, tekstylia, drewno), techniką (rzeźba, malowanie, haft, druk, odlewanie, tłoczenie, intarsja itp.) oraz według cech funkcjonalnych użytkowanie przedmiotu (meble, zabawki). Klasyfikacja ta wynika z ważnej roli zasady konstrukcyjnej i technologicznej w sztuce dekoracyjnej i użytkowej oraz jej bezpośredniego związku z produkcją.

Specyfika gatunkowa DPI

• Szycie- tworzenie ściegów i szwów na materiale za pomocą igły i nici, żyłki itp. Szycie to jedna z najstarszych technologii produkcji, której początki sięgają epoki kamienia.
  • Flowermaking - wykonywanie biżuterii damskiej z tkaniny w formie kwiatów
  • Patchwork (szycie z resztek), kołdra patchworkowa - technika patchworkowa, mozaika patchworkowa, mozaika tekstylna - rodzaj robótek ręcznych, w których cały produkt jest zszyty z kawałków materiału na zasadzie mozaiki.
    • Aplikacja – sposób uzyskania obrazu; technika plastyczna i rzemieślnicza.
  • Pikowanie, pikowanie - przeszyte dwa kawałki materiału i umieszczona pomiędzy nimi warstwa mrugnięcia lub waty.
• Haft- sztuka zdobienia wszelkiego rodzaju tkanin i materiałów różnorodnymi wzorami, od najgrubszych i najgęstszych, takich jak płótno, płótno, skóra, po tkaniny najdelikatniejsze - batyst, muślin, gaza, tiul itp. Narzędzia i materiały do haft: igły, nici, tamborek, nożyczki.
• Robienie na drutach- proces wytwarzania wyrobów z nitek ciągłych poprzez zaginanie ich w pętelki i łączenie pętelek ze sobą za pomocą prostych narzędzi, ręcznie lub przy użyciu specjalnej maszyny.
• Artystyczna obróbka skóry- produkcja różnorodnych przedmiotów ze skóry zarówno do celów domowych, jak i dekoracyjno-artystycznych.
• Tkactwo- produkcja tkanin na krosnach, jedno z najstarszych rzemiosł człowieka.
• Tkanie dywanów- produkcja dywanów.
• Wypalić się- wzór nanosi się na powierzchnię dowolnego materiału organicznego za pomocą gorącej igły.
  • Spalanie drewna
  • Wypalanie tkanin (gilosz) to technika rękodzielnicza polegająca na wykańczaniu wyrobów ażurową koronką i wykonywaniu aplikacji poprzez wypalanie przy użyciu specjalnej aparatury.
  • Na podstawie innych materiałów
  • Hot-stamping to technologia artystycznego znakowania produktów metodą hot-stampingu.
  • Obróbka drewna kwasami
• Rzeźba artystyczna- jeden z najstarszych i najbardziej rozpowszechnionych rodzajów obróbki materiałów.
  • Rzeźbienie w kamieniu to proces nadawania pożądanego kształtu, który odbywa się poprzez wiercenie, polerowanie, szlifowanie, piłowanie, grawerowanie itp.
  • Rzeźbienie w kościach jest rodzajem sztuki dekoracyjnej i użytkowej.
  • Rzeźbienie w drewnie
• Rysunek na porcelanie, szkle
• Mozaika- kształtowanie wizerunku poprzez układanie, osadzanie i utrwalanie na powierzchni wielobarwnych kamieni, smalty, płytek ceramicznych i innych materiałów.
• Witraż- dzieło sztuki dekoracyjnej o charakterze delikatnym lub ozdobnym, wykonane z kolorowego szkła, przeznaczone do oświetlenia przelotowego i przeznaczone do wypełnienia otworu, najczęściej okna, w dowolnej konstrukcji architektonicznej.
• Dekupaż- technika zdobnicza tkanin, naczyń, mebli itp., polegająca na skrupulatnym wycinaniu z papieru obrazów, które następnie przykleja się lub w inny sposób mocuje do różnych powierzchni w celu dekoracji.
• Modelarstwo, rzeźba, florystyka ceramiczna- nadawanie kształtu tworzywom sztucznym za pomocą rąk i narzędzi pomocniczych.
• Tkactwo- metoda wytwarzania sztywniejszych konstrukcji i materiałów z mniej trwałych materiałów: nici, łodyg roślin, włókien, kory, gałązek, korzeni i innych podobnych miękkich surowców.
  • Bambus - tkanie z bambusa.
  • Kora brzozy - tkanie z górnej kory brzozy.
  • Koraliki, koraliki - tworzenie biżuterii, wyrobów artystycznych z koralików, w których w przeciwieństwie do innych technik, w których są stosowane, koraliki są nie tylko elementem dekoracyjnym, ale także konstrukcyjnym i technologicznym.
  • Kosz
  • Koronka - elementy dekoracyjne wykonane z tkaniny i nici.
  • Makrama to technika tkania węzłów.
  • Winorośl to rzemiosło polegające na wytwarzaniu wyrobów wiklinowych z wikliny: przyborów gospodarstwa domowego i pojemników o różnym przeznaczeniu.
  • Mata – tkanie podłóg, podłóg z dowolnego materiału szorstkiego, maty, maty.
• Obraz:
  • Malarstwo Gorodets to rosyjskie rzemiosło sztuki ludowej. Malarstwo jasne, lakoniczne (sceny rodzajowe, figurki koni, kogutów, wzory kwiatowe), wykonane swobodną kreską z biało-czarnym konturem graficznym, zdobione wirujące koła, meble, okiennice i drzwi.
  • Malarstwo Polchowsko-Majdanowe - produkcja malowanych wyrobów tokarskich - lalek gniazdowych, pisanek, grzybów, solniczek, kubków, materiałów eksploatacyjnych - bogato zdobione bujnym malarstwem ozdobnym i tematycznym. Wśród motywów obrazowych najczęstsze są kwiaty, ptaki, zwierzęta, pejzaże wiejskie i miejskie.
  • Malowanie drewna Mezen to rodzaj malowania sprzętów gospodarstwa domowego - kołowrotków, chochli, pudełek, bratinów.
  • Malarstwo Zhostovo to ludowe rzemiosło polegające na artystycznym malowaniu metalowych tac.
  • Malarstwo Semenowskiej - wykonanie drewnianej zabawki za pomocą malowania.
  • Khokhloma to starożytne rosyjskie rzemiosło ludowe, które powstało w XVII wieku w rejonie Niżnego Nowogrodu
  • Malarstwo witrażowe - ręczne malowanie na szkle, imitacja witrażu.
  • Batik jest malowany ręcznie na tkaninie przy użyciu mieszanek rezerwowych.
    • Zimny ​​batik to technika malowania tkanin wykorzystująca specjalną masę rezerwową na zimno.
    • Gorący batik - wzór powstaje przy użyciu roztopionego wosku lub innych podobnych substancji.
• Scrapbooking- projektowanie albumów fotograficznych
• Wyrób z gliny- tworzenie kształtów i przedmiotów z gliny. Można rzeźbić za pomocą koła garncarskiego lub ręcznie.

Dla mnie (o kratce):

Gobelin(fr. gobelin), Lub krata, - jeden z rodzajów sztuki zdobniczej i użytkowej, jednostronny, niestrzępiący się dywan ścienny z fabułą lub kompozycją ozdobną, tkany ręcznie metodą krzyżowego tkania nici. Tkacz przepuszcza nić wątku przez osnowę, tworząc zarówno obraz, jak i samą tkaninę. W Słowniku Encyklopedycznym Brockhausa i Efrona gobelin definiuje się jako „ręcznie tkany dywan, na którym przy użyciu wielobarwnej wełny i częściowo jedwabiu odtworzono obraz i specjalnie przygotowaną tekturę mniej lub bardziej znanego artysty”.

Gobeliny szyto z wełny, jedwabiu, czasami wprowadzano do nich złote lub srebrne nici. Obecnie do ręcznego wytwarzania dywanów wykorzystuje się szeroką gamę materiałów: preferowane są nici z włókien syntetycznych i sztucznych, w mniejszym stopniu materiały naturalne. Technika ręcznego tkania jest pracochłonna, jeden rzemieślnik może wyprodukować około 1-1,5 m² (w zależności od gęstości) krat rocznie, dlatego produkty te są dostępne tylko dla zamożnych klientów. A obecnie ręcznie robiony gobelin (krata) nadal jest kosztowną pracą.

Od średniowiecza aż do XIX wieku praktykowano produkcję gobelinów w cyklach (zespołach), łączących wyroby związane z jedną tematyką. Ten zestaw krat miał za zadanie ozdobić pokój w tym samym stylu. Liczba krat w zestawie zależała od wielkości pomieszczeń, w których miały być umieszczone. W tym samym stylu, co gobeliny ścienne, wykonano baldachimy, zasłony i poszewki na poduszki, które również stanowiły komplet.

Trapezami nie można nazywać niestrzępiących się, ozdobnych dywanów, a jedynie te, na których obrazy powstają samą techniką tkania, czyli tzw. przeplatanie się nitek wątku i osnowy, dzięki czemu stanowią one organiczną część samej tkaniny, w przeciwieństwie do haftu, którego wzory nanoszone są dodatkowo na tkaninę za pomocą igły. Średniowieczne gobeliny wytwarzano w warsztatach klasztornych w Niemczech i Holandii, w miastach Tournai w zachodniej Flandrii i Arras w północnej Francji. Najbardziej znane to millefleurs (francuskie millefleurs, od mille - „tysiąc” i fleurs - „kwiaty”). Nazwa wzięła się stąd, że postacie na takich kratach są ukazane na ciemnym tle usianym wieloma drobnymi kwiatami. Cecha ta wiąże się z wieloletnim zwyczajem obchodzenia katolickiego święta Bożego Ciała (obchodzonego w czwartek po Trójcy Świętej). Ulice, którymi przemieszczała się świąteczna procesja, udekorowano transparentami utkanymi z wielu świeżych kwiatów. Wywieszano je za oknami. Uważa się, że tkacze przenieśli ten wystrój na dywany. Najstarszy znany millefleur powstał w Arras w 1402 roku. Dywany z tego miasta były tak popularne, szczególnie we Włoszech, że otrzymały włoską nazwę „arazzi”.

Karton w malarstwie- rysunek węglem lub ołówkiem (lub dwoma ołówkami - białym i czarnym), wykonany na papierze lub na zagruntowanym płótnie, z którego obraz jest już zamalowany farbami.

Początkowo rysunki tego typu wykonywano wyłącznie do fresków; gruby papier (wł. karton), na którym wykonano rysunek, przebijany wzdłuż jego konturu, nanosił na podłoże przygotowane pod fresk i posypywał w miejscu nakłucia mączką węglową, a następnie w ten sposób uzyskano słaby czarny kolor obwodu masy. Fresk został namalowany od razu, bez poprawek, dlatego konieczne było zastosowanie gotowego, całkowicie przemyślanego konturu. Gotowe deski często mają wartość obrazów, bez farb; takie są kartony Michała Anioła, Leonarda da Vinci, Rafaela (tektury dla „Szkoła ateńska” przechowywane w Mediolanie), Andrea Mantegna, Giulio Romano i inni. Często znani artyści wykonywali tektury na obrazy z tkanych dywanów (kraty); znanych jest siedem kartonów Rafaela „Dzieje Apostolskie”, wykonane przez niego dla tkaczy flamandzkich (przechowywane w Kensington Museum w Londynie), cztery kartony Mantegny. Z kartonów XIX w. możemy wymienić dzieła Friedricha Overbecka, Juliusa Schnorra von Carolsfelda, P. J. Corneliusa ( „Zniszczenie Troi”, „Sąd Ostateczny” itp.), Wilhelma von Kaulbacha ( „Zniszczenie Jerozolimy”, „Bitwy Hunów” itp.), Ingres – za malowanie na szkle w grobowcu rodu orleańskiego. W Rosji obrazy wykonano na kartonach w katedrze św. Izaaka (niezachowane). Czasem kartony tworzy jeden artysta, a obrazy na ich podstawie inni. W ten sposób Peter Joseph Cornelius oddał do dyspozycji swoich uczniów część kartonów niemal w całości.

Materiały, technologia

Do XVIII wieku podstawą krat była wełna – materiał najbardziej dostępny i łatwy w obróbce, najczęściej wełna owcza. Głównym wymaganiem dla materiału podstawowego jest wytrzymałość. W XIX wieku podstawę kraty czasami wykonywano z jedwabiu. Bawełniany spód znacząco zmniejsza wagę produktu, jest trwały i bardziej odporny na niekorzystne wpływy środowiska.

W tkaniu kratowym o gęstości dywanu decyduje liczba nitek osnowy na 1 cm, im większa gęstość, tym tkacz ma większe możliwości dokończenia drobnych detali i wolniej postępuje praca. W średniowiecznym gobelinie europejskim na 1 cm przypada około 5 nitek osnowy, produkty z brukselskich manufaktur z XVI wieku miały tę samą niską gęstość (5-6 nitek), ale miejscowi tkacze byli w stanie oddać złożone niuanse obrazu. Z biegiem czasu krata zbliża się do malowania, jej gęstość wzrasta. W manufakturze Gobelin gęstość gobelinów w XVII wieku wynosiła 6-7 nitek na 1 cm, a w XVIII wieku już 7-8. W XIX wieku gęstość wyrobów manufaktury w Beauvais sięgała 10-16 nitek. Taki gobelin stał się w zasadzie jedynie imitacją malarstwa sztalugowego. Jean Lursa rozważał zmniejszenie jego gęstości jako jeden ze sposobów przywrócenia gobelinowi jego walorów dekoracyjnych. W XX wieku francuskie manufaktury powróciły do ​​gęstości gobelinu wynoszącej 5 nitek. We współczesnym tkaniu ręcznym przyjmuje się, że gęstość wynosi 1-2 nitki na cm, a gęstość większą niż 3 nitki uważa się za wysoką.

Gobeliny są tkane ręcznie. Nitki osnowy napinane są na maszynie lub ramie. Nici osnowy przeplatają się z kolorowymi nićmi wełnianymi lub jedwabnymi, a osnowa jest całkowicie zakryta, dzięki czemu jej kolor nie odgrywa żadnej roli.

Najwcześniejszym i najprostszym urządzeniem do pracy tkackiej była rama z naprężonymi nitkami osnowy. Podstawę można mocować poprzez naciągnięcie jej na wbite w ościeżnicę gwoździe, zastosowanie ramki z równomiernie rozmieszczonymi nacięciami wzdłuż górnej i dolnej krawędzi lub po prostu nawinięcie nitki na ościeżnicę. Jednak ten drugi sposób nie jest zbyt wygodny, gdyż nitki osnowy mogą się przemieszczać podczas tkania.

Później pojawiły się krosna wysokie i niskie. Różnica w pracy na maszynach polega głównie na ułożeniu nitek osnowy, poziomym - na niskiej maszynie - i pionowym - na wysokiej. Wynika to z ich specyficznej budowy i wymaga charakterystycznych ruchów podczas pracy. W obu przypadkach sposób tworzenia przejść objętościowych i kolorystycznych na rysunku jest taki sam. Nici o różnych kolorach przeplatają się i tworzą efekt stopniowej zmiany tonu lub poczucia objętości.

Obraz został skopiowany z karton - rysunek przygotowawczy w kolorze naturalnej wielkości kraty, wykonany na podstawie szkicu artysty. Z jednej tektury można stworzyć kilka krat, za każdym razem nieco różniących się od siebie.

Mechanicznie technika wykonania gobelinu jest bardzo prosta, wymaga jednak od mistrza dużej cierpliwości, doświadczenia i wiedzy artystycznej: tylko wykształcony artysta, na swój sposób malarz, może być dobrym tkaczem, różniącym się od prawdziwego jedyny w tym, że tworzy obraz nie farbami, ale kolorową nicią. Jako artysta musi rozumieć rysunek, kolor i światło i cień, a ponadto musi także posiadać pełną wiedzę na temat technik tkania gobelinów i właściwości materiałów. Dość często nie da się wybrać nici w różnych odcieniach tego samego koloru, dlatego tkacz musi podczas pracy zabarwiać nici.

Podczas pracy na maszynie pionowej podstawa jest odwijana z górnego wału, gdy produkt jest gotowy, a gotowa krata jest nawijana na dolną. Dywany wykonane na krośnie pionowym nazywane są dywanami haute-lisse(gotlis, od ks. wysoki„wysoki” i Lisse"podstawy"). Technika Gottlissa pozwala na wykonanie bardziej złożonego rysunku, ale jest też bardziej pracochłonna. Miejsce pracy tkacza znajduje się na spodniej stronie dywanu, gdzie zabezpieczone są końce nici. Obraz z tektury przenoszony jest na kalkę, a z niej na dywan. Za plecami tkacza znajdowała się tektura, a na przedniej stronie pracy lustro. Rozsuwając nitki osnowy, rzemieślnik może sprawdzić dokładność pracy na tekturze.

Inne dywany, przy produkcji których osnowa jest umieszczona poziomo pomiędzy dwoma wałami, co znacznie ułatwia pracę tkacza, nazywane są basse-lisse(baslis, od ks. bas„niski” i Lisse"podstawy"). Nitki osnowy są rozciągnięte pomiędzy dwoma wałami w płaszczyźnie poziomej. Krata jest zwrócona do tkacza swoją odwrotną powierzchnią, wzór z tektury zostaje przeniesiony na kalkę umieszczoną pod nitkami osnowy, dzięki czemu przednia strona produktu powtarza tekturę w lustrzanym odbiciu. Mistrz pracuje z małymi szpulkami, na które nawinięte są nici w różnych kolorach. Przepuszczając przez osnowę szpulkę z nitką dowolnego koloru i splatając ją z nią, powtarza tę czynność wymaganą ilość razy, po czym ją opuszcza i podejmuje kolejną z nitką w innym kolorze, aby powrócić do pierwszą szpulkę, gdy będzie potrzebna ponownie.

Po wyjęciu kraty z maszyny nie da się rozróżnić, w której z dwóch technik została wykonana. Aby to zrobić, musisz zobaczyć karton - krata Baslis powtarza to w odbiciu lustrzanym, Gotlis - w bezpośrednim odbiciu.

Cechy artystycznego języka DPI

Przedmiot działalności artysty w sztuce zdobniczej i użytkowej wyznacza cechy metody twórczej. Najczęściej w odniesieniu do tych cech używa się trzech głównych terminów: abstrakcja, geometria, stylizacja.

Abstrakcja(Abstrakcja łacińska - „odwrócenie uwagi”) polega na wyabstrahowaniu obrazu dekoracyjnego z określonego przedmiotowo-przestrzennego środowiska naturalnego, gdyż rolę takiego środowiska, w odróżnieniu od sztuki sztalugowej, przejmuje dekorowana powierzchnia. Stąd podstawowa konwencja przedstawienia dekoracyjnego, w którym z łatwością można łączyć różne momenty czasu i przestrzeni. Przekonująco pisał o tym koneser ceramiki rosyjskiej A. B. Saltykov, zauważając „brak jedności miejsca, czasu i działania” jako podstawową zasadę kompozycji dekoracyjnej. W szczególności wystrój umieszczony na wolumetrycznym kształcie naczynia, oddziałujący z krzywoliniową przestrzenią jego powierzchni, jest umiejscowiony w zależności od „geografii” obiektu, a nie według codziennych wyobrażeń. Krzywizna, kolor i faktura dekorowanej powierzchni, np. białe tło w malarstwie porcelanowym czy glinianym, równie łatwo może wskazywać na wodę, niebo, ziemię czy powietrze, ale przede wszystkim na walory estetyczne powierzchni jako takiej. V.D. Blavatsky napisał, że obraz starożytnej greckiej kylix (miski) należy oglądać, obracając naczynie w rękach. Teraz możemy okrążyć muzealną gablotę.

Przejściowe etapy procesu abstrakcji i geometryzacji obrazu dekoracyjnego nazywane są „ornamentem wizualnym” i według odmian gatunkowych dzielą się na roślinne, zwierzęce, mieszane... Jedna z najciekawszych odmian gatunkowych mieszanego ornamentu figuratywnego w historia sztuki to groteska.

Stylizacja w najogólniejszym znaczeniu tego słowa odnoszą się do zamierzonego, świadomego stosowania przez artystę form, metod i technik kształtowania, znanych wcześniej w historii sztuki. Jednocześnie artysta zostaje mentalnie przeniesiony do innego stulecia, jakby zanurzony „w otchłań czasu”. Dlatego taką stylizację można nazwać tymczasową. Stylizacja może mieć charakter prywatny, fragmentaryczny, wówczas poszczególne tematy, formy, motywy i techniki zostają wybrane jako przedmiot artystycznej zabawy. Czasami ten sposób kształtowania nazywany jest stylizacją motywu. Znaczna część dzieł sztuki „Art Nouveau” („nowej sztuki”) przełomu XIX i XX wieku. zbudowana jest w oparciu o stylizację jednego motywu: fal, pędów roślin, pasm włosów, zgięcia łabędziej szyi. Linie te były modne w kulturze przełomu wieków. W szczególności słynny francuski artysta dekoracyjny i projektant odzieży Paul Poiret (1879–1944) wymyślił gładko zakrzywioną linię damskiej sukienki, którą nazwano linią Poireta.

Stylizację motywu można uznać za szczególny przypadek stylizacji dekoracyjnej, gdyż wysiłki artysty zmierzają do włączenia odrębnego dzieła, jego fragmentu lub stylizowanego motywu w szerszą całość kompozycyjną (co odpowiada ogólnemu znaczeniu pojęcia dekoracyjności ). Artysta, stosując metodę stylizacji holistycznej, przenosi się mentalnie do innej epoki dekoracyjnej – stara się myśleć organicznie w wytworzonym już wokół niego środowisku obiektowo-przestrzennym. Pierwszą metodę nazwaliśmy metodą stylizacji temporalnej, drugą można nazwać przestrzenną.

Oczywiste jest, że metoda dekoracyjnej stylizacji najpełniej przejawia się w sztuce dekoracyjnej, a zwłaszcza w sztuce efektownych plakatów i ilustracji książkowych, choć zdarzają się wyjątki. W ten sposób wspaniały malarz i rysownik A. Modigliani zbudował delikatną ekspresję swoich obrazów na szczerej stylizacji linii i hiperbolizacji formy, a jego „maski” stylizują afrykańskie próbki.

Twórczość wielu artystów organicznie łączy metody abstrakcji, geometryzacji i stylizacji.

Na dekoracyjność wpływa również gęstość, nasycenie obrazu, przewaga postaci nad tłem. W niektórych przypadkach prowadzi to do tzw. ornamentyzacji wystroju, w innych do „stylu dywanowego”. Procesy transformacji elementów wizualnych spaja koncepcja geometryzacji. Ostatecznie tendencja ta prowadzi do niezwykle abstrakcyjnego lub ozdoba geometryczna.

Oprócz podstawowych metod - abstrakcji, geometryzacji i stylizacji - artysta sztuki dekoracyjnej i użytkowej posługuje się prywatnymi metodami kształtowania, czyli ścieżkami artystycznymi (gr. tropos - „obróć, obróć”).

W sztukach wizualnych porównania dokonuje się na podstawie geometryzacja. Wspaniałymi przykładami takich porównań są dzieła w „stylu zwierzęcym”. Styl ten dominował w wyrobach „małych form” na rozległych obszarach Eurazji od dolnego Dunaju, północnego regionu Morza Czarnego i stepów kaspijskich po południowy Ural, Syberię i północno-zachodnią część Chin w VII – IV wieku. pne mi.

Klasycznymi przykładami upodobnienia formy do formatu są kompozycje w okręgu, w szczególności kompozycje spodów starożytnych greckich kylixów – okrągłych szerokich misek na nodze z dwoma poziomymi uchwytami po bokach. Z takich misek pito wino rozcieńczone wodą. W starożytnych domach, w przerwach między sympozjami (biesiadami), kylixy wieszano zwykle za jeden z uchwytów ze ściany. Dlatego obrazy umieszczono na zewnątrz czaszy, na całym obwodzie, tak aby były dobrze widoczne.

Główne problemy DPI

Wszystkie dzieła starożytności organicznie łączą wartość materialną i duchową, użytkową, estetyczną i artystyczną. Co ciekawe, we wczesnej starożytności nie było odrębnego rozumienia cech naczynia jako pojemnika, jego znaczenia symbolicznego, wartości estetycznej, zawartości i dekoracji.

Później zaczęto dzielić malarską przestrzeń rzeczy na wewnętrzny pojemnik i zewnętrzną powierzchnię, kształt i ornament, przedmiot i otaczającą przestrzeń. W wyniku takiego procesu różnicowania powstał problem organicznego powiązania funkcji i formy produktu, jego harmonii z otoczeniem.

Jednocześnie stwierdzenie, że prawdziwie dekoracyjny obraz powinien być płaski, nie jest prawdziwe. Abstrakcja dekoracji nie polega na adaptacji, ale na interakcji formy obrazowej i otoczenia. Dlatego iluzoryczne obrazy, które wizualnie „przebijają się” przez powierzchnię, mogą być równie dekoracyjne, jak te, które „pełzają po płaszczyźnie”. Wszystko zależy od intencji artysty i zgodności rozwiązania kompozycyjnego z ideą.

To samo dotyczy problemu identyfikacji naturalnych właściwości materiału dekorowanej powierzchni. Całkowicie złocony wazon porcelanowy lub filiżanka o wyglądzie metalu mogą być nie mniej piękne niż najlepszy obraz polichromowany, przesłaniający lśniącą biel. Czy można powiedzieć, że naturalna faktura drewna jest bardziej dekoracyjna niż jego powierzchnia pokryta jasną farbą i złoceniem, a matowy biskwit (nieszkliwiona porcelana) wygląda lepiej niż błyszcząca glazura?

W 1910 roku wybitny belgijski architekt, artysta i teoretyk sztuki secesyjnej Henri Van de Velde (1863–1957) napisał polemiczny artykuł zatytułowany „Animacja materiału jako zasada piękna”.

W artykule tym Van de Velde przedstawił swoje poglądy na jeden z głównych problemów „nowego stylu” – stosunek artysty do materiału. Polemizuje z tradycyjnym poglądem, że artysta użytkowy powinien wydobyć naturalne piękno materiału. „Żaden materiał” – napisał Van de Velde – „nie może być piękny sam w sobie. Swoje piękno zawdzięcza duchowej zasadzie, którą artysta wnosi do natury.” Uduchowienie „martwego materiału” następuje poprzez jego przekształcenie w materiał złożony. Artysta używa jednocześnie różnych środków, a potem bazując na tych samych materiałach uzyskuje odwrotny skutek. Znaczenie artystycznego przetworzenia naturalnych materiałów i form, w przeciwieństwie do właściwości estetycznych obiektywnie obecnych w naturze, zdaniem Van de Velde, polega na dematerializacji, nadaniu właściwości, których materiał nie posiadał, zanim dotknęła go ręka artysty. W ten sposób ciężki i szorstki kamień zamienia się w najdelikatniejszą „nieważką” koronkę gotyckich katedr, materialne właściwości barwników przekształcają się w blask kolorowych promieni średniowiecznych witraży, a złocenie staje się zdolne wyrazić niebiańskie światło.

W sztuce dekoracyjnej i użytkowej, gdzie artysta zmuszony jest do rozwiązania problemu powiązań części z całością, włączając własną kompozycję w szerokim kontekście czasoprzestrzennym, ścieżki nabierają zasadniczego znaczenia. Przeniesienie znaczeń może odbywać się różnymi sposobami i technikami kompozycyjnymi. Najprostsza technika jest dobrze znana w historii sztuki starożytnego świata. To porównanie formy do formatu. Taki trop obrazowy można skorelować z literackim porównaniem na zasadzie „całość do całości”, na przykład: „Koń leci jak ptak”.

Terminologia w DPI

Litry

Własow V. G. Podstawy teorii i historii sztuki zdobniczej i użytkowej. Podręcznik edukacyjno-metodyczny. - Uniwersytet Państwowy w Petersburgu, 2012. - 156 s.

Moran A. Historia sztuki zdobniczej i użytkowej. - M



Sztuka i rzemiosło

Sekcja sztuki dekoracyjnej; obejmuje szereg branż kreatywnych, które zajmują się tworzeniem produktów artystycznych przeznaczonych przede wszystkim do użytku codziennego. Dziełami sztuki dekoracyjnej i użytkowej mogą być: różnego rodzaju naczynia, meble, tkaniny, narzędzia, broń, a także inne wyroby, które w myśl swego pierwotnego przeznaczenia nie są dziełami sztuki, lecz uzyskują jakość artystyczną dzięki zastosowaniu pracy artysty ich; ubrania, wszelkiego rodzaju biżuterię. Wraz z podziałem dzieł sztuki zdobniczej i użytkowej według ich praktycznego przeznaczenia w literaturze naukowej drugiej połowy XIX wieku. klasyfikację gałęzi sztuki zdobniczej i użytkowej ustalono według materiału (metal, ceramika, tekstylia, drewno itp.) lub techniki (rzeźba, malarstwo, haft, materiał drukowany, odlewanie, tłoczenie, intarsja itp.). Klasyfikacja ta wynika z ważnej roli zasad konstrukcyjnych i technologicznych w sztuce dekoracyjnej i użytkowej oraz jej bezpośredniego związku z produkcją. Rozwiązywanie łącznie, podobnie jak architektura, problemów praktycznych i artystycznych, sztuki dekoracyjnej i użytkowej należy jednocześnie do sfer tworzenia wartości zarówno materialnych, jak i duchowych. Dzieła sztuki dekoracyjnej i użytkowej są nierozerwalnie związane z kulturą materialną współczesności i są ściśle związane z odpowiadającym im sposobem życia, z takimi czy innymi lokalnymi cechami etnicznymi i narodowymi, różnicami grupowymi i klasowymi. Stanowiąc organiczną część obiektywnego środowiska, z którym człowiek styka się na co dzień, dzieła sztuki dekoracyjnej i użytkowej, swoimi walorami estetycznymi, strukturą figuratywną i charakterem, stale wpływają na stan ducha, nastrój człowieka i są ważnym czynnikiem źródłem emocji wpływających na jego stosunek do otaczającego go świata. Estetycznie nasycając i przekształcając otoczenie otaczające człowieka, dzieła sztuki dekoracyjnej i użytkowej wydają się być przez nią jednocześnie wchłaniane, ponieważ są zwykle postrzegane w powiązaniu z jego projektem architektonicznym i przestrzennym, z innymi wchodzącymi w jego skład przedmiotami lub ich zespołami (serwis, komplety mebli, garnitur, komplet biżuterii). Dlatego też sens ideowy dzieł sztuki dekoracyjnej i użytkowej można najpełniej zrozumieć jedynie dzięki jasnemu wyobrażeniu (rzeczywistemu lub odtworzonemu mentalnie) o owych relacjach pomiędzy przedmiotem a otoczeniem i człowiekiem.

Architektonika obiektu, zdeterminowana jego przeznaczeniem, możliwościami konstrukcyjnymi i właściwościami plastycznymi materiału, często odgrywa zasadniczą rolę w kompozycji dzieła artystycznego. Często w sztuce dekoracyjnej i użytkowej piękno materiału, proporcjonalne relacje części i struktura rytmiczna służą jako jedyne środki ucieleśnienia emocjonalnej i figuratywnej treści produktu (na przykład produkty wykonane ze szkła lub innego niezabarwionego materiału) materiały bez dekoracji). Tutaj wyraźnie ukazano szczególne znaczenie dla sztuki dekoracyjnej i użytkowej czysto emocjonalnych, niefiguratywnych środków języka artystycznego, których użycie upodabnia sztukę dekoracyjną i użytkową do architektury. Emocjonalny i wymowny obraz często aktywuje obraz skojarzeniowy (porównanie kształtu produktu z kroplą, kwiatem, postacią ludzką, zwierzęciem, jego poszczególnymi elementami, z jakimś innym produktem – dzwonkiem, tralką itp.). ). Dekor pojawiający się na produkcie znacząco wpływa także na jego strukturę figuratywną. Często to dzięki swojemu wystrojowi przedmiot gospodarstwa domowego staje się dziełem sztuki dekoracyjnej i użytkowej. Posiadający własną ekspresję emocjonalną, własny rytm i proporcje (często kontrastujące w stosunku do formy, jak na przykład w wyrobach mistrzów Khokhloma, gdzie skromna, prosta forma przedmiotu i eleganckie, odświętne malowanie powierzchni różnią się emocjonalnym wydźwiękiem), wystrój wizualnie modyfikuje formę, a jednocześnie łączy się z nią w jeden artystyczny obraz. W sztuce dekoracyjnej i użytkowej ozdoby i elementy (osobno lub w różnych kombinacjach) sztuk pięknych (rzeźba, malarstwo i rzadziej grafika) są szeroko stosowane do tworzenia dekoracji. Środki sztuk pięknych i zdobnictwa służą w sztuce dekoracyjnej i użytkowej nie tylko do tworzenia dekoracji, ale czasami przenikają do formy przedmiotu (elementy mebli w postaci palmet, wolut, łap zwierząt, głów; naczynia w formie kwiatu , owoc, ptak, zwierzę, postać osoby). Czasami ozdoba lub obraz staje się podstawą do tworzenia produktów (wzór kratki, koronki; wzór tkaniny tkackiej, dywan). Konieczność harmonizacji wystroju z formą, obrazu ze skalą i charakterem produktu, z jego praktycznym i artystycznym przeznaczeniem, prowadzi do transformacji motywów wizualnych, do konwencji interpretacji i łączenia elementów naturalnych (np. wykorzystanie motywów łapy lwa, skrzydeł orła i głowy łabędzia w projekcie nogi stołu).

Syntetyczny charakter sztuki dekoracyjnej i użytkowej przejawia się w jedności funkcji artystycznych i użytkowych produktu, we przenikaniu się formy i wystroju, zasad delikatnych i tektonicznych. Dzieła sztuki dekoracyjnej i użytkowej projektowane są tak, aby można je było odbierać zarówno wzrokowo, jak i dotykowo. Dlatego ujawnienie piękna faktury i właściwości plastycznych materiału, umiejętność i różnorodność technik jego obróbki nabierają znaczenia szczególnie aktywnych środków oddziaływania estetycznego w sztuce dekoracyjnej i użytkowej.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa, która pojawiła się na najwcześniejszym etapie rozwoju społeczeństwa ludzkiego, przez wiele stuleci była najważniejszym, a dla wielu plemion i narodowości głównym obszarem twórczości artystycznej. Najstarsze (należące do epoki prehistorycznej) dzieła sztuki zdobniczej i użytkowej, obejmujące najszerszy wachlarz wyobrażeń o świecie i człowieku, charakteryzują się wyjątkową treścią obrazów, dbałością o estetykę materiału i estetykę ucieleśnionego pracy, aż po racjonalną konstrukcję formy, podkreśloną dekoracją. Tendencja ta została utrzymana w tradycyjnej sztuce ludowej ( cm. także sztuka i rzemiosło ludowe) aż po dzień dzisiejszy. Jednak wraz z początkiem rozwarstwienia klasowego społeczeństwa w ewolucji stylistycznej sztuki dekoracyjnej i użytkowej wiodącą rolę zaczyna odgrywać jej szczególna gałąź, mająca służyć potrzebom rządzących warstw społecznych i odpowiadająca ich gustom i ideologii. Stopniowo coraz większe znaczenie ma zainteresowanie bogactwem materiałów i dekoracji, ich rzadkością i wyrafinowaniem. Wyodrębnia się produkty spełniające funkcję reprezentacyjną (przedmioty rytuałów religijnych lub ceremonii dworskich, ozdoby domów szlacheckich), w których rzemieślnicy, chcąc wzmocnić ich emocjonalny wydźwięk, często rezygnują z codziennej celowości konstruowania formy. Jednak do połowy XIX w. mistrzowie sztuk dekoracyjnych i użytkowych zachowują integralność myślenia plastycznego i jasne zrozumienie powiązań estetycznych między przedmiotem a środowiskiem, dla którego jest przeznaczony. Powstawanie, ewolucja i zmiana stylów artystycznych w sztuce dekoracyjnej i użytkowej przebiegały synchronicznie z ich ewolucją w innych formach sztuki. Tendencje eklektyzmu w kulturze artystycznej drugiej połowy XIX wieku. prowadzą do stopniowego zubożenia wartości estetycznych oraz treści emocjonalnych i figuratywnych sztuki dekoracyjnej i użytkowej. Zatraca się połączenie wystroju z formą, obiekt artystycznie zaprojektowany zostaje zastąpiony obiektem zdobionym. Dominacja złego smaku i depersonalizujący wpływ na sztukę zdobniczą i użytkową intensywnie rozwijającej się masowej produkcji maszynowej ( cm. przemysł artystyczny), artyści starali się skontrastować unikatowe przedmioty powstałe według ich projektów w warunkach pracy rzemieślniczej (warsztaty W. Morrisa w Wielkiej Brytanii, Kolonia Artystyczna Darmstadt w Niemczech) lub fabrycznej (Werkbund), aby ożywić integralność emocjonalno-wyobraźniową i treści ideologiczne środowiska znaczącego artystycznie ( cm. Nowoczesny). Próby te rozwinęły się na nowych podstawach ideologicznych i estetycznych po rewolucji październikowej 1917 r., która otworzyła perspektywy stworzenia sensownego artystycznie środowiska pracy i życia najszerszych mas. Jej idee i cele inspirowały artystów, którzy postrzegali sztukę jako jeden z najskuteczniejszych środków agitacji rewolucyjnej (np. tzw. porcelana propagandowa z lat 1918-25). Zadanie stworzenia kompleksowego wyposażenia mieszkania robotniczego, akademików pracowniczych, klubów, stołówek, wygodnej odzieży roboczej, racjonalnego wyposażenia stanowiska pracy, przeznaczonego do masowej produkcji fabrycznej, otworzyło drogę twórczym poszukiwaniom konstruktywistów w ZSRR, funkcjonalistów w Niemczech (z M. Bauhaus) i innych krajów, które pod wieloma względami poprzedzały pojawienie się designu. Wysunięcie strony formalno-technologicznej na pierwszy plan w twórczości artystycznej początku lat dwudziestych XX wieku. doprowadziło do jej absolutyzacji, utożsamienia twórczości artystycznej z wytwarzaniem rzeczy, zaprzeczenia roli dekoracji w kreowaniu artystycznego obrazu dzieła sztuki dekoracyjnej i użytkowej. Odrodzenie rzemiosła ludowego w ZSRR i przebudzenie w latach 30. XX wieku. zainteresowanie rosyjskim dziedzictwem artystycznym odegrało znaczącą rolę w rozwoju przez radzieckich mistrzów sztuki dekoracyjnej i użytkowej szeregu tradycji technologicznych i artystycznych z przeszłości. Jednak podejście do dzieł sztuki zdobniczej i użytkowej do standardów sztuki sztalugowej, dążenie do przepychu wyrobów, które dało się szczególnie mocno odczuć na przełomie lat 40. i 50., wyraźnie spowolniło rozwój sztuki dekoracyjnej i użytkowej. Od połowy lat 50. w ZSRR, wraz z poszukiwaniem funkcjonalnych i artystyczno-ekspresyjnych form i dekoracji przedmiotów codziennego użytku produkowanych w fabryce, artyści zajęci są tworzeniem unikalnych dzieł, w których emocjonalność obrazu łączy się z różnorodnymi technikami obróbki prostych materiałów , z chęcią wydobycia pełnego bogactwa ich możliwości plastycznych i dekoracyjnych . Dzieła tego typu (a także eleganckie, niepowtarzalne dzieła ludowej sztuki zdobniczej i użytkowej ze względu na rękodzieło) mają służyć jako akcenty wizualne w artystycznie zorganizowanym otoczeniu, które tworzą głównie fabryczne wyroby artystyczne, mniej zindywidualizowane w formie i przedmiotach które powstają na podstawie projektu projektanta.

O poszczególnych gałęziach, odmianach i rodzajach technik zdobniczych i użytkowych cm. artykuły Batik, Wazon, Wachlarz, Haft, Gobelin, Zabawka, Intarsja, Intarsja, Ceramika, Dywan, Kucie, Koronka, Lakiery, Majolika, Intarsja, Meble, Drukowanie, Nacinanie, Rzeźba, Malarstwo dekoracyjne, Szkło, Terakota, Tłoczenie, Tkaniny, Porcelana, fajans, filigran, kryształ, tłoczenie, Niello, gobeliny, emalie, biżuteria.

Literatura: D. Arkin, Sztuka rzeczy codziennych, M., 1932; M. S. Kagan, O sztuce użytkowej, Leningrad, 1961; A. V. Saltykov, Prace wybrane, M., 1962; A.K. Chekalov, Podstawy rozumienia sztuki dekoracyjnej i użytkowej, M., 1962; A. Moran, Historia sztuki zdobniczej i użytkowej od czasów starożytnych do współczesności, przekład z języka francuskiego, M., 1982; Magne L. i H. M., L "art appliqué aux métiers, t. 1-8, P., 1913-28; Geschichte des Kunstgewerbes aller Zeiten und Völker, hrsg. Von H. Th. Bossert, Bd 1-6 , V. , 1929-35; Marangoni G., Clementi A., Storia dell'arredamento, t. 1-3, Mil., 1951-52; Fleming J., Honor H., Słownik sztuki dekoracyjnej pingwina, L., 1977; Bunte Welt der Antiquitäten, Drezno, 1980; Lucie-Smith E., Historia rzemiosła, Ithaca (N.Y.), 1981.

(Źródło: „Encyklopedia sztuki popularnej”. Pod redakcją V.M. Polevoya; M.: Wydawnictwo „Encyklopedia radziecka”, 1986.)

sztuka i rzemiosło

Tworzenie wyrobów artystycznych o przeznaczeniu praktycznym (przybory gospodarstwa domowego, naczynia, tkaniny, zabawki, biżuteria itp.), a także obróbka artystyczna przedmiotów użytkowych (meble, ubrania, broń itp.). Mistrzowie sztuki dekoracyjnej i użytkowej wykorzystują szeroką gamę materiałów - metal (brąz, srebro, złoto, platyna, różne stopy), drewno, glinę, szkło, kamień, tekstylia (tkaniny naturalne i sztuczne) itp. Wytwarzanie wyrobów z gliny jest zwana ceramiką, z metali szlachetnych i kamieni – sztuka biżuterii.

W procesie tworzenia dzieł artystycznych z metalu stosuje się techniki odlewania, kucia, gonienia i grawerowania; tekstylia są dekorowane haftem lub materiałem drukowanym (na tkaninę nakłada się malowaną drewnianą lub miedzianą tablicę i uderza specjalnym młotkiem, uzyskując nadruk); obiekty drewniane - rzeźby, intarsje i kolorowe obrazy. Malowanie naczyń ceramicznych nazywa się malowanie wazonu.

Produkty dekoracyjne i użytkowe powinny być przede wszystkim łatwe w użyciu i piękne. Tworzą obiektywne środowisko wokół człowieka, wpływając na jego stan umysłu i nastrój. Dzieła sztuki dekoracyjnej i użytkowej projektowane są tak, aby można je było odbierać zarówno wzrokowo, jak i dotykowo, dlatego kluczową rolę odgrywa w nich rozpoznanie piękna faktury i właściwości plastycznych materiału oraz umiejętność obróbki. W formie wazonu, zabawki, mebla, w systemie ich dekoracji mistrz stara się wydobyć przezroczystość szkła, plastyczność gliny, ciepło drewna i fakturę jego powierzchni, twardość kamienia i naturalny wzór jego żył. W tym przypadku kształt produktu może być abstrakcyjny lub przypominać kwiat, drzewo, postać ludzką lub zwierzęcą.

W biżuterii szeroko stosowane są różne rodzaje biżuterii. ozdoby. Często to wystrój zamienia przedmiot codziennego użytku w dzieło sztuki (miska Khokhloma o prostym kształcie, pomalowana w jasne wzory w kolorze złota; sukienka o skromnym stylu, ozdobiona haftem lub koronką). Jednocześnie bardzo ważne jest, aby ozdoby i obrazy figuratywne nie zaprzeczały kształtowi produktu, ale go odsłaniały. I tak w starożytnych wazach greckich wzorzyste paski oddzielają ciało (część centralną) od nogi i szyi, a malowanie ciała podkreśla jego wypukłość.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa istnieje od czasów starożytnych. Wyroby artystyczne są ściśle związane ze sposobem życia i obyczajami danej epoki, ludu czy grupy społecznej (szlachta, chłopi itp.). Już prymitywni rzemieślnicy dekorowali naczynia rzeźbami i wzorami oraz wykonywali prymitywną biżuterię z kłów, muszli i kamieni zwierząt. Obiekty te ucieleśniały wyobrażenia starożytnych ludzi na temat piękna, struktury świata i miejsca w nim człowieka. Tradycje sztuki starożytnej nadal żyją w folklorze i wyrobach rzemiosło ludowe. W przyszłości wyróżnia się przybory do wykonywania świętych obrzędów i przedmioty luksusowe, mające podkreślać bogactwo i władzę ich właścicieli. Wyroby te wykorzystywały rzadkie, szlachetne materiały i bogatą dekorację. Rozwój produkcji przemysłowej w XIX wieku. umożliwiło tworzenie dzieł sztuki dekoracyjnej i użytkowej dla masowego odbiorcy. Jednocześnie pomysł, szkic obrazu, forma do produkcji itp. należały do ​​głównych mistrzów, a gotowe produkty były replikowane przez pracowników fabryk i fabryk ( kraty na podstawie szkiców znanych mistrzów, wyrobów z fabryk porcelany itp.). Zastosowanie technologii przemysłowej zapoczątkowało sztukę projekt.