Każdy rysunek zaczyna się od kompozycyjnego umieszczenia obrazów na kartce papieru. Ogólne wrażenie obrazu zależy w dużej mierze od sposobu ułożenia tego lub innego obrazu. Konieczne jest przestudiowanie zasady rozmieszczenia obiektów na płaszczyźnie.
Słowo kompozycja przetłumaczone z łaciny, dosłownie oznacza sporządzanie, wiązanie, łączenie części. Konstrukcja dzieła sztuki, ze względu na jego treść, charakter i przeznaczenie, determinująca w dużej mierze jego odbiór. Kompozycja jest najważniejszym momentem organizującym formę artystyczną, nadającym dziełu jedność i integralność, podporządkowującym jego elementy sobie i całości. W procesie tworzenia kompozycji dekoracyjnej rozmieszczenie i rozmieszczenie elementów obrazowych następuje według określonego schematu w logicznej kolejności ustalonej przez autora. Środki graficzne i cechy stylistyczne muszą być ze sobą skoordynowane, podporządkowane całości, nie można jednak zapominać o szczegółach, które odgrywają bardzo ważną rolę.
Innymi słowy, kompozycja to prawidłowe rozmieszczenie obiektów na arkuszu: wybór głównego obiektu, wypełnienie całej płaszczyzny arkusza, równowaga prawej i lewej krawędzi, obecność wspólnego planu lub pomysłu. Zanim coś będzie można narysować, artysta musi to wymyślić.
Pierwsza wskazówka:
Aby stworzyć emocjonalną i figuratywną kompozycję, należy obserwować i dostrzegać ciekawe wydarzenia, postacie, motywy i różne stany natury w otaczającym życiu. Wszystko to pozwala na budowanie ciekawych i oryginalnych kompozycji.
Druga wskazówka:
Wybierając format kompozycji, należy wziąć pod uwagę, że:
Format rozciągnięty ku górze sprawi, że obraz będzie smukły i wysublimowany;
Format poziomy oddaje poczucie ramy, szerokości i bezgraniczności przestrzeni;
Kwadratowy format najlepiej sprawdza się przy tworzeniu zrównoważonych, statycznych kompozycji;
Format owalny służy do przedstawienia portretu osoby, ponieważ jego konfigurację można łatwo skorelować z owalem twarzy lub konturem obrazu klatki piersiowej;
W okrągłym formacie kompozycja kwiatowa lub roślinna jest dobrze ułożona.
Trzecia wskazówka:
Unikaj następujących błędów:
Nie kładź niczego na samym brzegu arkusza, wyjątek stanowi przedmiot zaczynający się od krawędzi arkusza i wykonany we fragmentach;
Przedmioty nie powinny dotykać bocznych i górnych krawędzi arkusza;
Nie rysuj wszystkiego zbyt małego;
Nie rób zbyt dużych rzeczy.
czwarta wskazówka:
Pamiętaj o prawach perspektywy. Obiekt bliższy nam perspektywicznie przedstawiono na płaszczyźnie poniższego arkusza. A ten, który jest dalej od nas, jest wyższy. Więc, bliżej - niżej, dalej - wyżej.
piąta wskazówka:
Pracując w kolorze, pomyśl o prawach perspektywy powietrznej. Za pomocą plamki i koloru zaznacz środek kompozycji. Pracuj szczegółowo nad obiektami na pierwszym planie i podkreślaj je jaśniejszymi, bogatszymi kolorami, ale nie głośniejszymi niż środek kompozycji. Im bliżej linii horyzontu, tym bardziej słabnie jasność i temperament koloru, staje się on bardziej chłodny i przejrzysty. Zapisuj odległe plany w kolorach niebieskawych, fioletowych, niebieskich, szarych i srebrzystych.
szósta wskazówka:
Dotarcie do ostatniego etapu pracy - uogólnienie, sprawdzać:
Czy środek kompozycji jest podkreślony kolorem lub tonem;
Czy pierwszy plan został szczegółowo opracowany;
Czy pierwszy plan jest zaznaczony kolorem;
Czy coś wyłamuje się z ogólnej idei kompozycji;
Czy obie części arkusza kompozytowego są zrównoważone;
Czy przestrzegane są prawa perspektywy powietrznej;
Czy kompozycja przyciąga wzrok, czy przyjemnie się na nią patrzy.
Prawidłowo skonstruowana kompozycja nie może budzić wątpliwości i poczucia niepewności. Powinna mieć uspokajającą dla oka klarowność relacji, proporcji.
Wybierz jeden lub dwa najlepsze szkice i umieść je w pudełkach, których proporcje odpowiadają proporcjom przyszłego rysunku. Tak więc arkusz formatu A-3 o wymiarach 30 na 40 centymetrów ma podpórkę od 3 do 4 (ryc. 172. W poszukiwaniu najskuteczniejszej kompozycji arkusza może zaistnieć konieczność skorygowania punktu widzenia, a w niektórych przypadkach nawet zmiany w samym ustawieniu.
Komponując arkusz należy wziąć pod uwagę także położenie powierzchni oświetlanych i zacienionych, a także granice padających cieni. Pamiętaj, że światłocień może zakłócić harmonię kompozycyjną rysunku linii.
Scena 1
Rysunek 173 Rozpoczynając rysowanie na dużym arkuszu, postaraj się dokładnie przenieść na niego układ obiektów utrwalonych na jak najlepszym szkicu. Zaznacz położenie każdej bryły geometrycznej jasnymi liniami. Jeszcze raz sprawdź rozmiar całej kompozycji, a także jej zgodność z rozmiarem arkusza. Wprowadź niezbędne zmiany w rysunku i kontynuuj pracę, dopracowując rozmiar każdej bryły geometrycznej w stosunku do innych brył i całej kompozycji jako całości.
Etap 2
Rysunek 174. Linearyzacja wszystkich brył geometrycznych. W trakcie pracy zwróć szczególną uwagę na zgodność ujawnienia kwadratów i elips leżących w płaszczyźnie poziomej i pionowej.
Etap 3
Rysunek 175. Na tym etapie konieczne jest wzmocnienie linii znajdujących się bliżej widza, aby uzyskać efekt głębi przestrzeni już na rysunku liniowo-konstrukcyjnym. Zaznacz linie własnych i opadających cieni i zakryj wszystkie cienie lekkim pociągnięciem.
Etap 4
Rysunek 176. Kontynuuj pracę z cieniami, zwiększając ich intensywność w kierunku widza i źródła światła, a opadające cienie także w kierunku obiektu rzucającego cień. Stopniowo przechodź do pracy przy świetle. Starannie modeluj kształt, wykorzystując wiedzę o rozkładzie światła i cienia na bryłach geometrycznych. Na okrągłych powierzchniach twórz płynne przejścia światła i cienia; na ciałach utworzonych przez płaszczyzny - ostre i wyraźne.
Porównując jasne i ciemne odcienie gipsu w naturze, należy dążyć do prawidłowego oddania ich relacji na rysunku, jednak należy również zdawać sobie sprawę ze specjalnych technik, które pomagają rysownikowi stworzyć wrażenie trójwymiarowej przestrzeni na płaskiej kartce:
1. Podział skali tonalnej na część światła i cienia: na rysunku najjaśniejsze miejsce w cieniu powinno być ciemniejsze niż najciemniejsze miejsce w świetle, innymi słowy cień powinien być zawsze ciemniejszy od światła. W naturze nie zawsze tak jest. Na przykład, gdy w pobliżu produkcji znajduje się wystarczająco dobrze oświetlona powierzchnia, odbicia od niej w naturze mogą być tak jasne jak światło. Należy je „zwilżyć” poprzez przyciemnienie, w przeciwnym razie zniszczą kształt obiektów przedstawionych na rysunku.
2. „Perspektywa powietrzna”. Zjawisko to, o którym już wspominaliśmy, można zaobserwować w naturze z dużych odległości, gdy obiekty oddalone od widza wyglądają mniej kontrastowo ze względu na gęstość powietrza, która osłabia cień i przyciemnia światło. Jeśli wielkość przedstawionej produkcji jest niewielka, efektu tego nie można zaobserwować. Jest on tworzony sztucznie na rysunku: geometryczne bryły na pierwszym planie mają większy kontrast między światłem i cieniem niż ciała w tle, podczas gdy w naturze różnica w oświetleniu planów bliskich i dalekich może być prawie niezauważalna.
Głównym zadaniem rysunku architektonicznego nie jest oddanie stanu obiektu, ale w miarę możliwości jego weryfikacja
nowy obraz formy, kreacja objętości. Dlatego rysując nie kopiujemy natury, ale próbujemy
staramy się dostrzec, wybrać i przenieść do naszej pracy tylko pewne cechy, które nam w tym pomagają
uszyć to zadanie.
Etap 5
Rysunek 177 Podsumuj rysunek. Jeszcze raz uważnie obserwuj rozwiązanie tonalne powierzchni oświetlonych i zacienionych. W końcowej fazie malarz nie pracuje z pojedynczym obiektem, szczegółem, częścią obrazu, ale jednocześnie z całym arkuszem, osiągając integralność dzieła, harmonijne podporządkowanie jego części. Aby to zrobić, jeśli to konieczne, zwiększ ton oświetlonych powierzchni w tle i powierzchni cienia na pierwszym planie.
Rozdział 70
Rozdział 72
czarno-biały rysunek prostych brył geometrycznych 73
Rozdział 74
Liniowo-konstrukcyjny rysunek kompozycji ciał geometrycznych zgodnie z reprezentacją.
Zrób szkic kompozycji, zachowując podane proporcje brył geometrycznych (ryc. 178). Określ ogólny charakter przyszłej kompozycji, położenie linii horyzontu, kierunek poziomych krawędzi, główne powiązania. Od razu ostrzegamy Cię o typowym błędzie, jaki często popełniają osoby pracujące nad swoją pierwszą kompozycją metodą zgłoszeń. Umieszczając na arkuszu bryły geometryczne, początkujący rysownik dość swobodnie umieszcza obok siebie bryły okrągłe (na przykład kula i stożek) lub bryły okrągłe i bryły, które mają nachylone płaszczyzny (na przykład kula i pryzmat sześciokątny). Wkładanie takich ciał w siebie jest bardzo złożone. Biorąc pod uwagę ograniczony czas na wykonanie zadania egzaminacyjnego, bardziej słuszne byłoby zastosowanie w kompozycji prostych wstawek, gdy bryły okrągłe i bryły o nachylonych powierzchniach przecinają płaszczyznę poziomą i pionową.
Nie rysuj zbyt ostrożnie szkicu - na małą skalę nadal nie można rozwiązać wszystkich problemów kompozycyjnych. Nawet bardzo szczegółowego szkicu nie można dokładnie przenieść na duży arkusz. Elementy drugorzędne i nieistotne nieuchronnie ulegną dość poważnym zmianom, dlatego nie należy zwracać na nie zbytniej uwagi na etapie szkicowania. Umieść szkic w ramce o odpowiednich proporcjach (3x4), dokonaj niezbędnych poprawek w kompozycji i przystąp do pracy na arkuszu wielkoformatowym, starając się zachować główną ideę zdefiniowaną w szkicu, główne wzory i ruchy dużych mas.
Kontynuując prace nad kompozycją, określ wymiary i proporcje brył geometrycznych. Śledź zgodność ujawnienia kwadratów i okręgów leżących w płaszczyźnie poziomej i pionowej, a także równomierną zbieżność równoległych linii w perspektywie. Starannie buduj wypustki z brył geometrycznych, przedstawiające linie przecięcia nie tylko widocznych, ale także niewidocznych dla widza powierzchni. Pracując nad poszczególnymi elementami staraj się podporządkować je ogólnej idei kompozycyjnej, osiągając w swojej pracy spójność i harmonię.
Rysunek powinien być wykonany wyraźnymi, wyrazistymi liniami i łatwy do opracowania tonem warunkowym: określ położenie źródła światła i pokryj zacienione powierzchnie kilkoma warstwami pociągnięć. Rozważmy rysunki 179,180,181,182,183 przedstawiające przykłady takich kompozycji.
czarno-biały rysunek prostych brył geometrycznych
czarno-biały rysunek prostych brył geometrycznych 77
 |
czarno-biały rysunek prostych brył geometrycznych 70
Rozdział 80
Rozdział IV. rysowanie detali architektonicznych
Detale architektoniczne obejmują profile architektoniczne (gęś, pięta, trzon, ćwierćwałek, filet, scotia), ozdoby geometryczne i roślinne, kapitele, rozety, wazony, joniki, wsporniki, kamienie podtrzymujące i blokujące łuki, belkowanie. Z całej tej różnorodności wybrano wazon, stolicę i jon do wykonania rysunków edukacyjnych na wieczornych kursach przygotowawczych Moskiewskiego Instytutu Architektury.
Rozpoczynając rysowanie detalu architektonicznego, najpierw określ jego podstawę geometryczną, wyobraź sobie złożony kształt jako połączenie prostych brył geometrycznych. Po przedstawieniu uproszczonego schematu w perspektywie na arkuszu, stopniowo go komplikuj, nasycając go szczegółami i uważnie badając poszczególne elementy na rysunku liniowo-konstrukcyjnym. Zaplanuj jednocześnie sparowane objętości symetryczne, pod tym warunkiem łatwiej jest podążać za obiecującymi redukcjami. Jeśli obraz jakiejkolwiek części detalu architektonicznego sprawia Ci trudności, wykonaj jej drobne szkice na marginesach swojego rysunku - szkice perspektywiczne z różnych punktów i rzuty ortogonalne. Na koniec etapu liniowego wprowadź do rysunku jasny ton, po wcześniejszym zarysowaniu linii własnych i padających cieni: pozwoli to udoskonalić główne masy i zidentyfikować możliwe błędy przed rozpoczęciem pracy tonalnej.
Światłocień na detalach architektonicznych jest również dystrybuowany zgodnie z prawami rysowania prostych brył geometrycznych. Na zakrzywionych powierzchniach przejścia od światła do cienia są miękkie, stopniowe, na powierzchniach fasetowanych - ostre, wyraźne. Im bliżej malarza i źródła światła światło i cień na obiekcie, tym silniejszy kontrast światła i cienia, i odwrotnie, odległe części obiektów mają słabsze światło i wyblakły cień. Padające cienie są bardziej nasycone tonem, własne są podkreślone refleksem, dzięki czemu są bardziej zwiewne i przejrzyste. Zarówno w przypadku rysunku liniowo-konstruktywnego, jak i czarno-białego staraj się pracować równomiernie na całym arkuszu, stale porównując poszczególne części obrazu z całością. Na ostatnim etapie dopracuj rozwiązanie tonalne i podsumuj pracę, dążąc do poczucia kompletności i harmonii.
Rysunek wazonu.
Jako przedmiot do rysowania oferujemy Państwu gipsowy odlew waz greckiej (amfory) pochodzącej z IV wieku p.n.e. Mistrzowie tamtych czasów wyróżniali się niesamowitym wyczuciem proporcji i konstruktywną logiką.
Zacznij rysować wazon, tak jak rysowałbyś skomplikowany detal architektoniczny, analizując jego kształt. Dokładnie zbadaj wazon (ryc. 184). Podziel go mentalnie na osobne objętości i porównaj je z prostymi bryłami geometrycznymi. Korpus wazonu ma złożony kształt przypominający kroplę, który można warunkowo przedstawić jako kombinację dwóch kul i stożka, dzięki czemu kontur korpusu wazonu można podzielić na trzy części wysokości, z których każda ma swoją własną krzywizna. Szyjka wazonu przypomina cylinder, który ma zauważalne przerzedzenie w środku i jest ograniczony od góry i od dołu wąskimi półkami. Wazon zwieńczony jest masywną szyją w kształcie ćwierćwałka. Część nośna (podstawa) wazonu składa się z dwóch cylindrów o różnych średnicach, połączonych profilem typu „gęsia szyja”. Uchwyty wazonu mają złożoną, trzyczęściową konstrukcję i są pogrubione w miejscach mocowania do szyjki i korpusu wazonu.
Kontynuując badanie natury, wykonaj rysunek przedniego rzutu wazonu. Aby to zrobić, będziesz musiał użyć nie tylko metody celowniczej, ale także długiego paska papieru, a nawet linijki. Rzut powinien być wystarczająco duży, tylko wtedy będziesz w stanie odzwierciedlić w nim wszystkie otrzymane informacje: proporcjonalny stosunek głównych mas, wymiary poszczególnych części na wysokość i szerokość.
rysunek detali architektonicznych 81
rine, ich związek, podporządkowanie i ważność funkcjonalna. Staraj się dokładnie oddać proporcje wazonu, zanotuj, ile razy jego szerokość mieści się w wysokości, ile razy szyjka mieści się w korpusie wazonu w poziomie i w pionie itp. (ryc. 185).
Przedstawiając fasadę wazonu, zauważysz, że w tym rzucie szyjka wazonu wygląda na zbyt grubą, korpus jest bardziej masywny, podstawa jest lżejsza i bardziej elegancka niż w naturze. Ze wszystkich sposobów przedstawiania perspektywy jest ona najbliższa rzeczywistemu postrzeganiu ludzkiego oka. Rzut ortogonalny obiektu zawsze różni się od jego postrzegania w przyrodzie. Ale to rzuty ortogonalne, dzięki swojej dokładności i informatywności, pomogą Ci teraz najlepiej poznać złożoną formę architektoniczną, a w przyszłości staną się wygodnym i naturalnym środkiem Twojej profesjonalnej komunikacji.
Wróćmy do natury. Jak już zauważyłeś, główna objętość wazonu ma symetryczny kształt. Wszystkie jego poziome sekcje są okręgami o różnych średnicach, których środek leży na tej samej pionie (oś wazonu). Na rysunku perspektywicznym okręgi te są przedstawione jako elipsy o różnych rozmiarach i otworach. Osie mniejsze tych elips pokrywają się z osią wazonu, natomiast osie główne są do niej prostopadłe.
Zmieniając swoje położenie w pionie względem natury (a co za tym idzie i poziom linii horyzontu), kieruj się zmniejszeniem wymiarów pionowych poszczególnych elementów i całego wazonu, a także tym, jak niektóre części wazonu nakładają się na inne.
Wybierz punkt, z którego perspektywy pionowe cięcia są nieistotne (na przykład, gdy linia horyzontu znajduje się nieco powyżej ujścia wazonu lub poniżej podstawy wazonu). Pozycja, w której linia horyzontu przechodzi przez korpus wazonu, nie jest zalecana ze względu na pewne trudności, jakie początkujący rysownik może mieć z określeniem otwarcia elipsy. Ponadto ta pozycja jest najmniej skuteczna w tworzeniu wyrazistego wzoru.
 |
Rozdział 82
Scena 1
Rysunek 186. Określ wymiary wazonu na arkuszu, zaznacz jego oś na środku arkusza. Podziel całkowity wymiar pionowy na segmenty odpowiadające większym częściom wazonu: szyja, szyja, korpus, podstawa. Zaznacz szerokość tych elementów.
Etap 2
Rysunek 187. Wskaż położenie i wymiary małych części wazonu na rysunku.
Etap 3
Rysunek 188. Nakreśl zarys wazonu w rzucie prostopadłym. Taki kontur nie uwzględnia przyszłych zmian, ale stanowi wyraźną konstruktywną podstawę do dalszej pracy.
Etap 4
Rysunek 189. Na osiach poziomych, w miejscach charakterystycznych przekrojów, narysuj elipsy. Pamiętaj, że elipsa rozszerza się w miarę oddalania się od horyzontu. Połącz elipsy stycznymi łukami na skrzyżowaniach jednego kształtu z drugim. Naszkicuj uchwyty wazonu, uogólniając je na prosty prostokątny kształt i dopiero po upewnieniu się, że podstawowe zależności są prawidłowe, opracuj ich szczegóły.
Etap 5
Rysunek 190. Ostatnim etapem jest badanie tonalne. Zacznij jak zwykle od zdefiniowania własnych linii i rzucenia cienia. Aby to zrobić, wykorzystaj naturę i zdobytą już wiedzę o naturze światłocienia na prostych ciałach geometrycznych. Własne cienie na szyjce wazonu, paskach, półkach podstawy, a także uchwytach - są podobne do cieni na cylindrze; cień na szyi jest jak cień na piłce; cień na korpusie wazonu można przedstawić jako złożoną kombinację cienia na dwóch kulach i stożku. Uważnie rozważ spadające cienie na wazonie. Przeanalizuj formy, z których padają cienie na szyjkę wazonu, jego korpus, podstawę, uchwyty. Czasami wygodnie jest to zrobić ołówkiem. Jeśli powoli przesuniesz czubek ołówka wzdłuż linii własnego cienia na wazonie, cień z czubka ołówka również przesunie się wzdłuż linii padającego cienia, ustalając w każdym momencie tego ruchu pewną parę: punkt i wychodzący z niego cień.
Po określeniu położenia linii cieni własnych i opadających kontynuuj rysowanie tonalne w zwykłej kolejności. Najpierw uzyskaj wystarczający ton w cieniach, oddzielając je od światła. Następnie należy wzmocnić własne cienie w stronę widza i źródła światła, a cienie padające - także w stronę źródła padającego cienia. Kontynuując pracę w cieniu, stopniowo przejdź do siewu, tworząc płynne przejścia światła i cienia na powierzchniach kulistych i cylindrycznych. Uzupełniając rysunek, uogólnij relacje światła i cienia, starając się harmonijnie podporządkować wszystkie elementy obrazu ogólnemu projektowi tonalnemu.
Zaproponowana inscenizacja pracy nie jest przypadkowa: zawiera w sobie ważną zasadę obowiązującą każdego, a zwłaszcza początkującego rysownika: rysowanie od ogółu do szczegółu i od szczegółu do ogółu. Zawsze zaczynaj rysowanie od masy całkowitej, a dopiero potem przechodź do szczegółów. Ale nie od razu opracowuj jeden ze szczegółów do końca. Prowadź rysunek po całym arkuszu, przechodząc od jednej części do drugiej, porównując części z ogółem, stale zakrywając całość oczami. Zasada ta dotyczy zarówno rysunków liniowo-konstrukcyjnych, jak i czarno-białych.
Naturalnie Twoim pragnieniem jest jak najszybsze zobaczenie efektu końcowego, przejście do kolejnego etapu bez konieczności kończenia poprzedniego. Jeśli chcesz – spróbuj to zrobić – a zobaczysz, jak logiczna i spokojna praca zamienia się w chaotyczne przerzucanie się od szczegółu do szczegółu w celu ułożenia rysunku, który „kruszy się” na Twoich oczach.
Pamiętaj też, że projekt jest podstawą każdego formy. Błędów konstrukcyjnych nie da się ukryć nawet najbardziej wirtuozowskim opracowaniem tonalnym. Dlatego wykryte w trakcie prac błędy w konstrukcji i proporcjach należy natychmiast korygować.
rysunek detali architektonicznych 83
Rozdział 86
rysunek detali architektonicznych 87
Rozdział 88
Rysunek stolicy doryckiej.
Stolica nazywana jest górną częścią kolumny, co z kolei jest częścią architektury nowego porządku. Porządek to ściśle zweryfikowany system artystyczny wyrażający istotę pracy konstrukcji regałowo-belkowej. Nazwa porządek pochodzi od łacińskiego „ordo” – porządek, porządek. Porządki klasyczne – dorycki i joński – ukształtowały się w starożytnej Grecji. Nieco później, w architekturze Rzymu, nastąpił ich dalszy rozwój. Zamówienie składa się z elementów nośnych i przenoszonych, obciążenie przenoszone jest z elementów leżących na wierzchu na elementy znajdujące się poniżej. Od belkowania (części nośnej) do kolumny (łożyska) obciążenie przekazywane jest przez kapitał, który staje się jednym z najważniejszych elementów całej kompozycji zamówienia.
Jako obiekt do rysowania oferujemy stolicę rzymsko-doryckiego porządku. Porządki rzymskie są nieco bardziej suche w swoich formach niż greckie, jednak jak wszystkie systemy porządkowe wyróżniają się ścisłą logiką kształtowania, wyważonymi proporcjami i prostotą. Porządek dorycki jest najbardziej zwięzły, rygorystyczny i odważny ze wszystkich. Początkujący architekt musi nauczyć się rozumieć i odczuwać logikę konstrukcji wyrażoną w formie artystycznej, co w architekturze nazywa się tektoniką. Spróbuj wyczuć na rysunku kapiteli, jak zmienia się kształt z części górnej, kwadratowej na dolną, okrągłą, jak każdy z profili ma za zadanie podtrzymywać elementy znajdujące się powyżej i przenosić naciski z góry na dół.
Rozpocznij rysunek od analizy kształtu stolicy (ryc. 191). Górna część kapiteli jest kwadratowa pod względem liczydła (liczy) - talerza z piętą i półką. Echin stanowi ćwiartkę trzonu i łączy się z szyjką kolumny poprzez trzy kolejno malejące pasy. Astragalus, składający się z wałka i półki, przechodzi do pnia kolumny przez filet. Pień kolumny ozdobiony jest dwudziestoma długimi rowkami, na planie półkolistym, - rowkami, które mają półkoliste zakończenia.
Zrób rysunek rzutu czołowego stolicy. Rysunek powinien być na tyle duży, aby szczegóły były dobrze widoczne. Podpisz nazwy wszystkich części stolicy przedstawionych na zdjęciu. Dzięki temu łatwiej będzie Ci je zapamiętać. Przeanalizuj główne proporcje kapitału, wybierz całkowitą wysokość echinusa i pasa jako jednostkę miary. Porównaj swój rysunek z rysunkiem 192.
 |
| Ryc.191 |
Kontynuując studiowanie formy, obejdź stolicę i zbadaj ją z różnych punktów. Zauważysz, że główna objętość, która ma okrągły, symetryczny kształt, pozostaje niezmieniona. Zmienia się jedynie położenie liczydła kwadratowego. Wybierz punkt widzenia na rysunek tak, aby jedna strona liczydła była dla ciebie bardziej otwarta, a druga mniej. Optymalny stosunek to 1/2-1/3. Linia horyzontu powinna przebiegać tuż pod stolicą, wówczas jej proporcje będą zbliżone do ortogonalnych. Jeśli to konieczne, wykonaj szkic, aby dokładniej określić skład arkusza.
rysowanie detali architektonicznych
Scena 1.
Rysunek 193. Umieść przyszły obraz na arkuszu, określając jego wymiary w pionie i poziomie. Zaznacz rogi liczydła, główną oś, a także określ wymiary odpowiadające głównym częściom stolicy. Na tym etapie rysunku liniowego bardzo ważne jest znalezienie prawidłowego stosunku otwarcia górnej elipsy echinusa do kwadratu liczydła. Tradycyjnie kreślarze najpierw rysują liczydło, a następnie mają spore trudności z dopasowaniem do niego elipsy. Zrób to inaczej: decydując się na rozmiar i otwarcie elipsy, narysuj ją. Następnie opisz kwadrat wokół elipsy, porównując kierunki jego boków z naturą. Etap 2
Rysunek 194. Zaznacz wszystkie części stolicy w pionie i określ ich wymiary w poziomie. Narysuj główne masy, biorąc pod uwagę redukcje perspektywy. Przedstawiając elipsy pasa, szyi, astragalusa i dolnej części kolumny, skoreluj ich otwory ze sobą oraz z już narysowaną górną elipsą echinusa. Etap 3
Rysunek 195. Narysuj flety. Prawidłowe ich przedstawienie pomoże Ci zaplanować pień kolumny. Jeżeli nie masz możliwości umieszczenia planu na samym rysunku, to przypnij do swojej pracy dodatkową kartkę papieru. Punkty przeniesione z planu na obraz perspektywiczny sprawią, że rysunek będzie dokładny i przekonujący. Na tym etapie rysunek jest w większości liniowy, ale podczas dopracowywania głównych elementów można zastosować ton, który pomaga graficznie ukazać „ruch” głównych powierzchni. Jednocześnie ton powinien być bardzo lekki, sugerujący dalsze konstruktywne opracowanie formy. Etap 4
Rysunek 196. Odsłoń kształt stolicy za pomocą światłocienia. Jasne zrozumienie wzajemnego umiejscowienia w przestrzeni źródła światła, obiektu i malarza pozwala zrozumieć geometrię cienia własnego i padającego, a także zidentyfikować główne relacje tonalne. Definiując linie cieni własnych i padających, wykorzystaj wiedzę o naturze światłocienia na prostych Formularze: podziel mentalnie kapitał na osobne objętości i porównaj je ze znanymi już bryłami geometrycznymi.
Etap 5
Rysunek 197 Szczegółowo opracuj kształty w cieniu i świetle, uogólnij zależności światła i cienia
obrazów, harmonijnie je sobie podporządkowując, uwzględniając perspektywę powietrzną.
Rozdział 92
rysunek detali architektonicznych 93
 |
Rozdział 94
rysunek detali architektonicznych 95
Rysunek jonowy.
Ionic to architektoniczny element zdobniczy, składający się z wyciętego od góry owalnego kształtu, otoczonego „skorupą”, profilowanego wałka oraz lancetowych liści skierowanych w dół. W architekturze joniki są szeroko stosowane na kapitelach i gzymsach porządku jońskiego i korynckiego. Ionic ma dwie osie symetrii, jedna z nich biegnie wzdłuż formy jajowatej, druga - pośrodku lancetowego liścia. Studiując formę, wykonaj plan, fasadę i fasadę boczną (ryc. 198). Pomoże to lepiej zrozumieć strukturę jonu, a także znacznie ułatwi dalszą pracę nad rysunkiem.
Scena 1
Rysunek 199. Nakreśl wymiary przyszłego obrazu na arkuszu. Narysuj w perspektywie prostokątną płytę będącą podstawą jonu.
Etap 2
Rysunek 200. Narysuj przekątne jonowej płytki podstawowej i narysuj pionową linię środkową - główną oś symetrii. Wyobraź sobie uogólnioną formę jonową jako solidny ćwierćwałek ze ściętym wierzchołkiem, do którego przylega od dołu mały wałek. Narysuj jego plan na górnej powierzchni lancetu, oddziel jajowatą objętość środkową od objętości bocznych, narysuj osie symetrii przechodzące przez środek liści lancetu i określ oś główną. Na tym etapie należy zwrócić szczególną uwagę na redukcję perspektywy poziomych odcinków o jednakowej długości.
Etap 3
Rysunek 201. Narysuj szczegóły - jajko, muszle, profilowany wałek, liście. Przedstawiając liście, uczyń je dużym widokiem z przodu na polach (ryc. 202). Pomoże to prawidłowo narysować liście w perspektywie.
Etap 4
Rysunek 203. Narysuj linie cieni własnych i padających. Zacznij jak zwykle od obszarów zacienionych i muśnij je kilka razy, oddzielając je od światła. Następnie należy wzmocnić spadające cienie w kierunku obiektu rzucającego cień, widza i źródła światła. Jednocześnie wzmocnij linie własnych cieni, tworząc strefy odbić. Na tym etapie nie dajcie się ponieść szczegółom, „rzeźbijcie” ogólny kształt zgodnie z prawem perspektywy powietrznej i podstawowymi zasadami rozkładu światła i cienia na prostych bryłach geometrycznych.
Etap 5
Rysunek 204. Kontynuując pracę, przejdź do nitowania dużej formy w świetle, a następnie do szczegółów. Uzupełnij rysunek uogólnieniem formy, harmonijnym podporządkowaniem wszystkich jego części.
 |
 |
Rozdział 98
rysunek główki gipsowej 99
Rysunek głowy gipsowej
Ludzka głowa jest najbardziej złożoną strukturą naturalną. Wynika to z jego złożonej funkcji w organizmie człowieka. Rysowanie głowy można rozpocząć dopiero mając odpowiednio rozwiniętą reprezentację przestrzenną, dogłębną znajomość ogólnych zasad rysunku i dobrą praktykę w przedstawianiu prostszych form.
Część praktyczna „Rysowanie główki gipsowej” rozpoczyna się od sprawdzenia jej formy zewnętrznej na „rysunku wprowadzającym”. To pierwsze doświadczenie będzie podstawą dalszej, bardziej szczegółowej analizy. Na rysunku czaszki analizowana jest struktura podstawy kostnej głowy. Na rysunku ecorche Houdona badane jest położenie i zasada działania głównych mięśni, a także tkanek chrzęstnych. W celu szczegółowego zbadania czaszki i mięśni wskazane jest skorzystanie z atlasów anatomicznych i podręczników. Na poniższych rysunkach szczególną uwagę zwrócono na główne szczegóły głowy: nos, usta, oczy i ucho. I wreszcie, wracając do rysowania głowicy gipsowej na nowym poziomie zrozumienia jej architektoniki (tj. relacji między konstrukcją wewnętrzną a formą zewnętrzną), będziesz mógł utrwalić i stopniowo doskonalić swoje umiejętności rysowania odlewów gipsowych ze starożytnych rzeźb: Cezara, Afrodyty, Doryfora, Diadumena, Sokratesa, Antinousa i Apoksyomenosa, tradycyjnie oferowanych do rysowania na egzaminach wstępnych do Moskiewskiego Instytutu Architektury.
Rysowanie „antyków” jest kontynuacją starych tradycji akademickich. Plastyczna doskonałość klasycznej rzeźby, jej statyka i niezwykła wyrazistość pozwolą szybko zrozumieć ogólną trójwymiarową budowę głowy, zrozumieć jej szczegóły i podstawowe proporcje.
24. Rysunek wprowadzający. Głowa Doryfora.
Rzeźba Doryfora została wykonana w V wieku p.n.e. przez greckiego rzeźbiarza Polikleitosa, przedstawiciela szkoły peloponeskiej. Polikleitos był nie tylko rzeźbiarzem, ale także teoretykiem sztuki. Stworzył traktat „Kanon”, w którym szczegółowo opracowano idealne proporcje ludzkiego ciała. Ucieleśnieniem tego kanonu była postać Doryfora – młodego wojownika hoplity (włócznika). Jednocześnie miała stać się uosobieniem idealnego obywatela greckiej polis: mężczyzny na wzór nieśmiertelnych bogów, równie pięknego na ciele i duchu, odważnego obrońcy rodzinnego miasta. Twarz Doryfora jest schematyczna, pozbawiona indywidualnych rysów i wyrazu, dlatego też do pierwszej pracy „wstępnej” proponowana jest głowa Doryfora, w efekcie której uzyskacie wstępne, w dużej mierze uproszczone wyobrażenie o kształt głowy.
Głowa ma mózg i części twarzy. Jego plastyczność zewnętrzną poznaje się za pomocą szeregu punktów anatomicznych - węzłów (punktów odniesienia lub latarni) i linii. Tak więc na głowie są wyraźnie widoczne: guzki podbródka, linia żuchwy, kąciki ust, linie ograniczające obszar ust, linia nacięcia warg, filtr, podstawa, czubek i skrzydełka nosa, grzbiet nosa, kości policzkowe, łuki jarzmowe, brzegi oczodołu, grzbiety łzowe, łuki brwiowe, linie ograniczające łuki brwiowe, guzki czołowe, linie skroniowe, korona, małżowiny uszne , otwory słuchowe, wyrostki sutkowate kości skroniowych, guzki ciemieniowe i potyliczne, linia karkowa, granica szyi i brody, dół szyjny i wypukłość siódmego kręgu szyjnego. Znajdź wszystkie te punkty i linie na rysunkach 205 i 206, a następnie na głowicy gipsowej.
Znając punkty anatomiczne - latarnie i charakterystyczne linie, nigdy nie pomylisz się w szczegółach i zawsze będziesz w stanie odróżnić główne od przypadkowych. Dla lepszego zrozumienia zewnętrznych relacji przestrzennych punktów głowy często stosuje się uproszczony diagram przedstawiający jej strukturę w postaci nieregularnego wielościanu. Nie da się jednak nadużyć takich schematów w rysunku. Są niezbędne jedynie jako pomoce wizualne dla kompetentnego i przekonującego obrazu ludzkiej głowy.
Rozdział 100
rysunek detali architektonicznych 101
Na podstawie rysunku P.I.Churilina
z podręcznika „Budowa ludzkiej głowy”
Rozdział 102
Czerp z rysunku PIChurilina
z podręcznika „Budowa ludzkiej głowy”
Zwyczajowo bada się także ludzką głowę, analizując jej przekroje w trzech wzajemnie prostopadłych płaszczyznach: strzałkowej, poziomej i czołowej (ryc. 207).
Płaszczyzna strzałkowa jest płaszczyzną symetrii ciała. Jego nazwa pochodzi od łacińskiego słowa „sagttta” – strzałka. Cięcie w tej płaszczyźnie daje nam linię środkową, która jest podstawą profesjonalnej linii twarzy i jest bardzo ważna przy rysowaniu głowy.
Płaszczyzna pozioma przechodzi przez podstawę potylicy i podstawę nosa.
Czołowy samolot prostopadle do pierwszych dwóch i „przecina” głowę w jej najszerszym miejscu. Przechodzi przez czubek głowy, guzki ciemieniowe i punkt podparcia czaszki na kręgosłupie. Pomoże badanie tych sekcji, a także prostopadłych rzutów głowy: widok z przodu, z tyłu, z boku i z góry Tobie lepiej zrozum zewnętrzną plastyczność głowy i dokładniej przekaż ją na swoim rysunku.
rysunek główki gipsowej 103
Zadaniem rysunku „wstępnego” jest dobra kompozycja na arkuszu, prawidłowe oddanie objętości całkowitej, a także dokładne położenie i wielkość każdego szczegółu głowy.
Scena 1
Rysunek 208. Rozpoczynając pracę, określ położenie linii horyzontu i kąt. Aby to zrobić, zamknij mentalnie głowę w sześcianie. Znajdź ogólne wymiary i umieść przyszły obraz na arkuszu za pomocą krótkich szeryfów. Pamiętaj, że jeśli rysujesz głowę z przodu - odstępy po lewej i prawej stronie powinny być równe, aby obraz się nie "przewracał", natomiast jeśli rysujesz głowę z profilu, w 3/4 lub 7/8 - odstęp arkusza przed głową (od strony boku) powinien być większy niż od tyłu głowy. Lekkimi liniami obrysuj zarys głowy (kontur).
Etap 2
Rysunek 209. Narysuj główne duże części: oddziel masę głowy od szyi, obrysuj przednią część, jej przednią płaszczyznę i łatwo narysuj osiową linię profilu. Określając linię profilu, znajdź leżące na niej charakterystyczne punkty: punkt szczytu czoła (na linii włosów), punkt między brwiami, punkt podstawy skrzydełek nosa i punkt złamania podbródek. Punkty te określają główne kanoniczne proporcjonalne relacje części głowy. Według klasycznego kanonu greckiego odległości między tymi punktami muszą być równe. Przez te punkty narysuj poziome linie (na rysunku kończące się na horyzoncie) i zaznacz na nich odpowiednio szerokość czoła, nasady nosa oraz brody. Aby prawidłowo wybrać kierunki tych linii, należy zastosować metodę celowniczą.
Zgodnie ze starożytnym kanonem, wzdłuż linii oczu, starożytna głowa jest podzielona na dwie równe części - od czubka głowy do linii oczu i od linii oczu do nasady podbródka. Odcinek od łuków brwiowych (punkt między brwiami) do podstawy skrzydeł nosa dzieli się na trzy równe części - linia oczu przechodzi wzdłuż górnej linii podziału, a podstawa i skrzydła nosa są oddzielone wzdłuż dolnej linii. Odcinek pomiędzy punktem podstawy skrzydeł nosa a złamaniem brody jest również podzielony na trzy równe części. Środkowa linia ust przebiega wzdłuż górnej linii podziału, zwanej także linią cięcia wargi, dolna linia dzieli podbródek na pół. Odległość między oczami jest równa długości oka, tj. linia oczu jest również podzielona na trzy równe części. Wysokość ucha jest równa długości nosa.
©2015-2019 strona
Wszelkie prawa należą do ich autorów. Ta witryna nie rości sobie praw do autorstwa, ale zapewnia bezpłatne korzystanie.
Data utworzenia strony: 2016-02-13
Bardzo często w świecie artystów pojawiają się obrazy w dużym stopniu różniące się od obrazów olejnych i pasteli. Przypominają raczej rysunki, wzory, szkice i są całkowicie niezrozumiałe dla prostego widza. Teraz porozmawiamy o kompozycjach kształtów geometrycznych, omówimy, czym są, jaki ładunek niosą i dlaczego na ogół zajmują tak zaszczytne miejsce w sztuce rysunku i malarstwa.
Proste kompozycje
Każdy mistrz pędzla, który zaczynał karierę w szkole artystycznej, odpowie, że dokładne linie i ich kombinacje to pierwsza rzecz, której się tam uczą. Nasz wzrok i mózg są tak ułożone, że jeśli początkowo nauczymy się harmonijnie łączyć ze sobą proste formy, to w przyszłości łatwiej będzie rysować złożone obrazy. Kompozycje geometrycznych kształtów pozwalają odczuć równowagę obrazu, wizualnie określić jego środek, obliczyć padanie światła i określić właściwości jego składników.
Warto zauważyć, że pomimo przejrzystości i bezpośredniości takich obrazów, są one rysowane wyłącznie ręcznie, bez linijek i innych elementów pomocniczych. Parametry figur mierzone są za pomocą proporcji, które można umiejscowić w wymiarze dwuwymiarowym (płaski obraz) lub przejść perspektywicznie, do jednego punktu zbiegu wszystkich linii.
Początkujący artyści rysują kompozycje o geometrycznych kształtach w dwóch wymiarach. W przypadku takich obrazów wybierana jest jedna ze stron - plan lub fasada. W pierwszym przypadku wszystkie figury są przedstawione w „widoku z góry”, to znaczy stożek i walec stają się okręgiem, pryzmat przyjmuje formę podstawy. Jeśli postacie są przedstawione na fasadzie, pokazana jest jedna z ich stron, najczęściej przód. Na zdjęciu widzimy trójkąty, kwadraty, równoległoboki i tak dalej.
Obrazy 3D
Aby rozwinąć poczucie perspektywy, artyści uczą się przedstawiać kompozycje z trójwymiarowych figur geometrycznych, które wchodzą w perspektywę. Taki obraz jest uważany za trójwymiarowy i aby przenieść go na papier, musisz wszystko wyraźnie sobie wyobrazić. Podobne techniki rysowania są istotne na uniwersytetach budowlanych i architektonicznych, są wykorzystywane jako ćwiczenia. Jednak studenci często zamieniają te „malownicze studia” w prawdziwe, rysując niesamowite wypustki postaci, rozcinając kompozycje za pomocą płaszczyzn i półpłaszczyzn, przedstawiając obrazy w przekroju.
Ogólnie można powiedzieć, że przejrzystość, liniowość to główne właściwości każdej kompozycji kształtów geometrycznych. Jednocześnie rysunek może być statyczny lub dynamiczny - zależy to od rodzaju przedstawionych postaci i ich umiejscowienia. Jeśli na obrazie dominują stożki, trójkątne pryzmaty, kule, to wydaje się, że „lata” - to zdecydowanie dynamika. Cylindry, kwadraty, pryzmaty czworościenne są statyczne.
Przykłady w malarstwie
Formy geometryczne znalazły swoje miejsce w malarstwie, wraz z romantyzmem i innymi nurtami. Żywym tego przykładem jest artysta Juan Gris i jego najsłynniejszy obraz „Człowiek w kawiarni”, który niczym mozaika składa się z trójkątów, kwadratów i kół. Inną abstrakcyjną kompozycją geometrycznych kształtów jest płótno „Pierrot” artysty B. Kubisty. Jasny, wyraźny i bardzo charakterystyczny obraz.
Jakie myśli, jakie koncepcje przychodzą Ci na myśl w pierwszej kolejności, gdy myślisz o kompozycji fotograficznej? Wielu powie: równowaga w kadrze, zasada trójpodziału, rytm, linie przewodnie… Tak, to wszystko prawda. Wszystko to wpływa na kompozycję kadru. Wszystko to działa i działa świetnie. Ale nie tylko to! Jest też kąt, perspektywa, związek tonów, kolorów, kontrastów… Wszystko to fotograf musi wiedzieć i koniecznie przestudiować kompozycję, prawa konstruowania obrazu na płaszczyźnie. Ci, którzy niedawno postanowili poważnie zająć się fotografią, którzy dopiero zajmowali się fotografią i wciąż ją odkrywają dla siebie, zapoznając się z zasadami i prawami kompozycji, czasami nawet nie są w stanie sobie wyobrazić, ile ciekawych rzeczy kryje się w tej najciekawszej sztuce. Prawa kompozycji są znacznie głębsze, niż mogłoby się wydawać na pierwszy rzut oka. Ale zaczynając studiować kompozycję, nie powinieneś się w żaden sposób martwić. To nie jest takie trudne. Po prostu stopniowo zapoznając się z jego prawami, opanowując je, musisz trenować. Jak? Jak mawiał słynny bohater filmowy: „Elementarne. Watsonie! Zrób więcej zdjęć! Na szczęście obecna technologia pozwala na dużo fotografowania. Obecnie praktycznie nie ma potrzeby stosowania kliszy fotograficznej i drogich materiałów eksploatacyjnych.
Dziś postanowiliśmy porozmawiać z Wami o geometrii w kompozycji. Tak tak! Nie być zaskoczonym! Geometria jest jednym z najważniejszych aspektów kompozycji. W tym artykule postaramy się Ci to udowodnić.
Większość tych, którzy posiadają aparat, sami o tym nie myśląc, nieświadomie wykorzystuje swoją wiedzę z geometrii podczas fotografowania, wprowadzając w konkretny kadr różne kształty geometryczne. Nie wierzysz? Przeczytaj artykuł dalej – a przekonasz się, że mamy rację. Myślę, że poniższe informacje będą dla Ciebie impulsem do dalszego doskonalenia warsztatu kompozytorskiego, do dalszego doskonalenia swoich umiejętności fotograficznych.
Prostokąty
Używanie tych, być może najpopularniejszych figur geometrycznych, w kompozycji fotografii przypomina stosowanie zasady trójpodziału. Ale w przeciwieństwie do tej dobrze znanej zasady rama jest podzielona nie na trzy wyimaginowane równe części, ale na wyimaginowane prostokąty o różnych rozmiarach. Po prostu spójrz na to zdjęcie. Dół zdjęcia, brzeg i trawa tworzą poziomy prostokąt. A lewa strona zdjęcia, gdzie znajduje się duża niebieska plama powierzchni wody, to pionowy prostokąt. Te dwa prostokąty w kompozycji obrazu bardzo dobrze podkreślają latarnię stojącą na brzegu. Wygląda jak izolowany, niezależny obiekt.
Kręgi
Kręgi mają swoją własną energię. Zdają się skupiać w sobie pewną energię i tym samym kierować wzrok widza w głąb kadru. Aby stworzyć efektowną kompozycję, doświadczeni fotografowie i dobrzy artyści często wykorzystują nie tylko koła, ale także półkola. Tutaj na tym zdjęciu, które podaliśmy jako przykład, jest to bardzo wyraźnie widoczne. Kręgi w jej kompozycji skupiają uwagę widza i stopniowo prowadzą go do tego, co najważniejsze w kadrze - do pięknych górskich szczytów w oddali.
trójkąty
Trójkąt jest prawdopodobnie najczęstszym elementem geometrycznym w kompozycji dowolnego obrazu na płaszczyźnie. Przyjrzyj się uważnie swoim własnym zdjęciom. Uwaga: trójkąty są wszędzie! Są dosłownie rozsiane po Twoich zdjęciach! Oto przykład dla Ciebie - najzwyklejszy górski krajobraz. Trójkąty na tej fotografii tworzą wyimaginowaną, ale naturalną ścieżkę, która prowadzi wzrok widza od żywopłotu na pierwszym planie w kierunku właściwych gór. A same góry, przyjrzyj się bliżej, również mają kształt trójkąta!
Wielokąty
Patrząc w wizjer aparatu, większość fotografów, zwłaszcza początkujących, prawie nie myśli, że teraz, pracując mentalnie nad kompozycją przyszłego kadru, wyobrazią sobie jakiś wielokąt. Ale kiedy zobaczą już swoje zdjęcia na ekranie monitora, będą bardzo, bardzo zaskoczeni: będzie na nich ogromna liczba wielokątów! To one nadają zdjęciom wizualne znaczenie. Spójrzcie na te zdjęcia tutaj. Wyraźnie pokazują, że geometryczne wielokąty pojawiają się w płaszczyźnie kadru nie tylko ze względu na kształt samych obiektów. Są dobrze widoczne także dzięki kontrastowi poszczególnych sekcji, dzięki jasnym plamom i cieniom.
kwadraty
Kwadrat jest uważany za idealną figurę nie tylko w geometrii, ale w ogóle w sztukach wizualnych w ogóle. Przypomnijcie sobie chociaż słynny „Czarny kwadrat” Kazimierza Malewicza. A w fotografii kwadrat jest idealnym kształtem. Spójrz na tę ilustrację. Główny temat zdjęcia łatwo i naturalnie wpasowuje się w kwadrat. A ten kwadrat z kolei doskonale współgra z innymi kwadratami - kwadratami uformowanymi z książek i półek z książkami w tle.
łuki
Łuki w swoim przejawie w kompozycji budowania obrazu na płaszczyźnie w pewnym stopniu powtarzają „pracę” kół. Jednak w przeciwieństwie do kół łuki są bardziej elementem tła niż niezależnym kształtem geometrycznym. Na tym zdjęciu na przykład kobiece dłonie trzymające różę i złożone w kształcie serca tworzą trzy całe łuki! A te wyimaginowane łuki tworzą jakby ramę otaczającą piękny i delikatny kwiat.
Linie zbieżne i równoległe
Każdy doświadczony fotograf lub artysta powie Ci, że prawidłowe użycie różnych rodzajów linii w kompozycji może być bardzo trudne. Jest to jednak całkiem możliwe. Zarówno linie zbieżne, jak i równoległe można, a nawet więcej, skutecznie wykorzystać w kompozycji kadru! Takie linie sprawdzają się szczególnie efektownie podczas komponowania tła. Spójrz na ten obrazek. Łatwo dostrzec na nim zarówno linie zbieżne, jak i równoległe. Bardzo dobrze potrafią skierować wzrok widza na główny temat zdjęcia - osobę siedzącą na trawie. Ponadto linie te wydają się wizualnie odbijać od siebie.
Postawa i równowaga przestrzeni
Jeśli chcesz nadać swoim zdjęciom więcej znaczenia, w jakiś sposób zwiększyć ich emocjonalne oddziaływanie na widza, spróbuj zrozumieć rozumienie przestrzeni. W niektórych przypadkach fotografie kompozycyjne mogą na pierwszy rzut oka wydawać się dość proste. Takie jak na przykład. Co jest tutaj najważniejsze? Prawidłowy. Bliskość widza do pokazanej przez autora ławki i obecność przestrzeni, a raczej pustki bezpośrednio za nią. Tego rodzaju kompozycyjna konstrukcja kadru pozwala widzowi mentalnie, na poziomie podświadomości, odtworzyć w głowie historię tej fabuły, w oparciu o jego przeżycia, osobiste przeżycia, emocje.
Nie spiesz się, aby uporać się ze wszystkim, co ci dzisiaj powiedzieliśmy. Spróbuj zrozumieć, jak elementy geometryczne wpływają na kompozycję obrazu na płaszczyźnie. Być może to zrozumienie nie przyjdzie do ciebie od razu. Ale to wcale nie jest straszne. Najważniejsze jest to, że wydaje nam się, że, że tak powiem, zasialiśmy nasze ziarno. Trzeba tylko najpierw poczekać na pędy, a po chwili na owoce.
Temat: Wzory kontrastu, niuansów jako sposób organizowania elementów w jeden stabilny system (pkt 1.2.8).
Kolejność wykonania zadania:
Arkusz jest warunkowo podzielony na dwie części. W pierwszej części arkusza:
1. Wykonaj kompozycję w czarno-białej grafice, nakładając na siebie proste elementy (kształty geometryczne), stosując kontrast wielkości i kształtu.
Ryż. 29. Organizacja samolotu z wykorzystaniem podobnych elementów
Ryż. 30. Organizacja samolotu za pomocą podobnych elementów
Ryż. 31. Wzory metrum i rytmu jako sposób organizowania elementów w jeden stabilny system
Ryż. 32. Wzory metrum i rytmu jako sposób organizowania elementów w jeden stabilny system
Ryż. 33. Wzory metrum i rytmu jako sposób organizowania elementów w jeden stabilny system
2. Wykonaj kompozycję w czarno-białej grafice, nakładając elementy jeden na drugi, stosując zróżnicowane zależności pod względem wielkości i kształtu.
Na drugiej części arkusza utwórz kompozycję figuratywną, stosując kontrast lub niuans. Skład musi być jasno określony. Przykłady tej pracy pokazano na (ryc. 34, 35, 36, 37).
Typowe błędy:
kontrast lub niuanse nie są wystarczająco konsekwentnie wyrażone. Kompozycja jest na granicy;
nie ma równowagi form.
Materiały: Arkusz formatu A-3, papier kolorowy, klej PVA, tusz, wkład atramentowy, nożyczki.
Ryż. 34. Organizacja płaszczyzny za pomocą relacji kontrastu i niuansów
Ryż. 35. Organizacja płaszczyzny z relacjami kontrastów i niuansów
Ryż. 36. Organizacja płaszczyzny za pomocą relacji kontrastu i niuansów
Ryż. 37. Organizacja płaszczyzny za pomocą relacji kontrastu i niuansów