Cześć! W tej lekcji dowiesz się jak zrobić portret z pejzażu. W sieciach społecznościowych takie portrety są często używane jako oryginalne awatary. Okazuje się bardzo niezwykłe i piękne. Ta technika pozwala na tworzenie kompozycji o różnorodnych nastrojach i pozwala na nadanie zdjęciom zarówno romantycznych, jak i ponurych motywów. Jeśli je polubiłeś, spodoba ci się ta lekcja.
Wykonanie jest bardzo proste, ale wymaga starannej dbałości o szczegóły.
Chodźmy do pracy!
Oto jaki powinien być wynik:
Krok 1
Otwórz program Photoshop i utwórz w nim nowy dokument o dowolnym rozmiarze. W tym samouczku używam formatu A4. Następnie musisz wybrać zdjęcie osoby, którą będziesz przetwarzać. Posłużę się zdjęciem hipsterki pozującej na tle metalowej ściany.
Krok 2
Pierwszym krokiem jest usunięcie tła. Użyj do tego dowolnego narzędzia do zaznaczania, które jest dla ciebie wygodne, i włosów, aby gotowa kompozycja wyglądała bardziej imponująco.
Jeśli masz taką możliwość, możesz od razu zrobić zdjęcie, na którym twarz osoby jest na białym tle, wtedy nie musisz tracić czasu na oddzielanie jej od tła.
Krok 3
Teraz musisz znaleźć zdjęcie krajobrazu, które pokazuje drzewo wyraźnie oddzielone od głównego tła. Takie zdjęcia obejmują drzewa na tle nieba lub na tle gładkiej ściany. Będziemy potrzebować jego gałęzi do pracy. Najłatwiej będzie pracować z czarno-białym obrazem, więc znacznie trudniej będzie nam oddzielić gałęzie od tła na kolorowym zdjęciu.
Najłatwiejszym, najszybszym i najskuteczniejszym sposobem wybierania oddziałów jest . Ponadto, aby uprościć pracę, możesz używać go z gałęziami: w tym przypadku nie musisz przetwarzać warstwy drzewa.
Krok 4
Zduplikuj obraz gałęzi, aby był bardziej nasycony. W razie potrzeby pionowo.
Krok 5
Umieść zdjęcie gałęzi na twarzy osoby, jak chcesz. Następnie przejdź do warstwy z modelem, wybierz gałęzie i wykonaj . Aby wybrać gałęzie, naciśnij klawisz Ctrl i kliknij warstwę drzewa. Aby odwrócić wybierz Zaznaczenie — Odwróć.
Krok 6
Dodaj maskę warstwy do warstwy dziewczyny i wyłącz ją za pomocą gałęzi. Maska warstwy jest nakładana na paletę warstw i jest oznaczona czerwonym kółkiem na dole.
W rezultacie powinieneś otrzymać coś takiego:
Krok 8
Połącz wszystkie warstwy w jedną. Aby to zrobić, przejdź do najwyższej warstwy i naciśnij Alt+Shift+Ctrl+E . Dla powstałej warstwy ustaw Ekran.
Krok 9
Tak więc główne etapy prac dobiegły końca. Aby kompozycja była ciekawsza, umieść wizerunek dziewczyny na środku płótna i dodaj pomarańczowy lub niebieski filtr fotograficzny: Warstwa — Nowa warstwa dopasowania — Filtr zdjęć.
Zauważyłem błąd w tekście - zaznacz go i naciśnij Ctrl + Enter . Dziękuję!
Malarstwo portretowe w plenerze (tj. w środowisku naturalnym). Zamawianie portretu na tle pejzażu ze zdjęcia. Krajobraz w gatunku portretowym.
Sceneria! Co to jest?
Pejzaż (fr. paysage, od pays – kraj, obszar) to gatunek sztuk plastycznych, główny temat malarstwa i grafiki, czyli obszar, naturalny lub przekształcony przez człowieka.
W zależności od głównego tematu obrazu i charakteru przyrody, w ramach gatunku pejzaż wyróżnia się: pejzaże wiejskie i miejskie; krajobrazy architektoniczne i przemysłowe; krajobrazy morskie i rzeczne.
Portrecista na swoich płótnach często przedstawia pejzaż. Portret w plenerze to często zamawiany temat. A jak piękny jest ceremonialny portret na tle morskiego pejzażu!
Pejzaż jest często używany jako ważny dodatek do portretów, obrazów codziennych, historycznych i batalistycznych, ale może też pełnić rolę niezależnego gatunku sztuki. Dzieła malarstwa pejzażowego są nam bliskie i zrozumiałe, choć osoba na płótnie często jest nieobecna.
Dlaczego artyści malują pejzaże, skoro tak łatwo jest zrobić i sfotografować naturalny krajobraz, który im się podoba? Jaka jest różnica między malowniczym krajobrazem a fotografią okolicy?
Jeśli portrecista przedstawia człowieka nie tylko z zewnątrz, że tak powiem, od strony fizycznej, ale także jego wewnętrznego świata, to w pejzażu przedstawia jego stan wewnętrzny, swoją duszę. Oznacza to, że malowniczy krajobraz to nie tylko obraz natury, to obraz wewnętrznego świata artysty. I w tym sensie pejzaż różni się od fotografii.
Przychodząc na wystawę, patrzymy na duszę drugiego człowieka. Patrząc na krajobraz, patrzymy na świat oczami artysty.
Na przykład Iwan Szyszkin spisał swoje pejzaże w najdrobniejszych szczegółach, więc nie można ich odróżnić od fotografii. Jednak nie to jest najważniejsze, ale fakt, że jego dusza wybrała ten konkretny gatunek, jest stanem natury.
Dlatego malarstwo pejzażowe jest obrazem natury z przeniesieniem nastroju wywołanego ich kontemplacją.
Ile ekscytujących rewelacji znamy na temat tego gatunku. Weźmy tylko nasze krajowe nazwiska - K. Savrasov, K. Korovin, A. Rylov, N. Krymov, A. Plastov, A. Kuindzhi, N. Roerich, I. Aivazovsky i inni. Stworzyli wspaniałą tradycję rosyjskiego malarstwa pejzażowego.
Krajobraz jest bezpośrednim echem duszy człowieka, zwierciadłem jego wewnętrznego świata. Czasami rozwiązuje poważne problemy, ucieleśnia najsubtelniejsze konflikty duchowe. Na przykład impresjoniści postawili sobie raczej wąskie cele - przekazać powietrze, światło, uchwycić migotanie sylwetek. Rosyjski krajobraz w swoich najlepszych wcieleniach zawsze był przede wszystkim skupiskiem głębokich uczuć, ostrych idei filozoficznych.
W rosyjskim malarstwie pejzażowym są dzieła, których znaczenie w historii naszej kultury jest niezwykle duże.
Często mówimy: „Jesień Lewitana”, „Sszyszkinski las” lub „Polenowski staw”. Obrazy natury podniecają wszystkich ludzi, wywołując w nich podobne nastroje, przeżycia i przemyślenia. Któż z nas nie jest bliski pejzażom malarzy rosyjskich: „Przybyły gawrony” A. K. Sawrasowa, „Odwilż” F. A. Wasiliewa, „Żyto” I. M. Szyszkina,
„Noc nad Dnieprem” A. I. Kuindzhi, „Moskiewski dziedziniec” V. D. Polenova, „Ponad wieczny pokój” I. V. Lewitana? Mimowolnie zaczynamy patrzeć na świat oczami artystów, którzy odsłonili poetyckie piękno natury. Umiejętność stworzenia obrazu w krajobrazie, oddania najbardziej charakterystycznych zjawisk przyrodniczych, jest cechą wyróżniającą rosyjską szkołę krajobrazu. Być może ta cecha określa jej miejsce w historii malarstwa światowego. Rosyjscy pejzażyści zawsze stawiali sobie za zadanie stworzenie pejzażu-obrazu, który pod względem głębi koncepcji, pod względem siły oddziaływania emocjonalnego, pod względem ilości „materiału” do refleksji nie ulegnie kompozycja wielopostaciowa.
Malarze pejzażyści widzieli i przekazywali naturę na swój własny sposób. Iwan Aiwazowski miał też swoje ulubione motywy, przedstawiające różne stany morza, statki i ludzi zmagających się z żywiołami. Jego płótna cechuje subtelna gradacja światłocienia, efekt oświetlenia, emocjonalne uniesienie, skłonność do heroizmu i patosu. 
Natura, której obraz przedstawiany jest na obrazach rosyjskich malarzy pejzażystów, nie ma nic wspólnego z obojętnie i bezmyślnie reprodukowanym kawałkiem pola, lasu czy rzeki ze względu na „piękno” tego czy innego motywu. Zawsze zawierają samego artystę, jego uczucia, myśli, jego jasno wyrażony stosunek do czego
co przedstawia. Biorąc rzeczywiste obiekty otaczającej przyrody, pejzażysta wykorzystuje zarówno ich kompozycję, jak i cechy kolorystyczne, wzmacniając jedną, tłumiąc drugą, aby stworzyć określony obraz, aby dokładniej oddać stan natury, którego potrzebuje zgodnie ze swoim planem.
Malarze pejzażu nie tylko widzą, ale także z ekscytacją rozpoznają to lub inne zjawisko i stan natury. I to stan, a nie wygląd natury jest przedmiotem badań, obserwacji i zrozumienia artystów.
Malarze pejzażyści prawdopodobnie prowadzą intymną rozmowę z naturą w języku tylko dla nich zrozumiałym. W fenomenie przyrody pejzażysta dostrzega ukryte w nim znaczenie, czuje „duszę” przyrody i po swojemu ją rozumie. U podstaw talentu pejzażysty zawsze leży szczera miłość do natury. Nie każdemu dane jest zrozumieć, poczuć naturę, móc podsłuchiwać jej głos. Dlatego nie każdy artysta (nawet bardzo utalentowany) może być pejzażystą, tak jak nie każdy prozaik może pisać wiersze.
I rzeczywiście, aby przekazać ten lub inny stan natury poprzez kolorowe i tonalne relacje, musisz zobaczyć to wszystko w naturze i przetłumaczyć to na język kolorów, ponieważ nie można mechanicznie „odpisać” krajobrazu od natury .
Nic dziwnego, że mówią, że obraz to wycinek natury przefiltrowany przez temperament artysty.
Zawsze chciałem odwiedzić taki dom. Za każdym razem, przejeżdżając obok wsi Sokół, patrzyłem z zazdrością na ukryte za płotami ładne domy i myślałem: „Fajnie chyba wyjść rano na werandę, pospacerować w porannej rosie, posłuchać śpiew ptaków i za jakieś 10 minut być w centrum miast”. Posiadanie własnego domu w Moskwie nie było przywilejem nawet dla członków Biura Politycznego. Wieś Sokół się jednak nie liczy: w latach 20. ubiegłego wieku, kiedy powstawała, była jeszcze przedmieściem. W granicach Moskwy działki pod budowę w całym okresie sowieckim oddano tylko kilku bardzo wybitnym osobistościom - akademikom Instytutu Energii Atomowej Kurczatowa i słynnemu rzeźbiarzowi Matwiejowi Manizerowi, który był wiceprezesem Akademii Sztuk Pięknych ZSRR od prawie 20 lat.
„Spotkamy się w metrze - nigdy nie znajdziesz siebie”. Z pobliskiego metra żona artysty Hugona Matwiejewicza Manizera - Nina - zabiera mnie dosłownie pięć minut w głąb kwartału znanymi jej tylko ścieżkami. Rzeczywiście - tu bym się kręcił... I oto jesteśmy u celu. Za płotem, otoczonym dużymi drzewami i sąsiednimi typowymi wieżowcami, wyróżnia się duży dom ze szklanym dachem, w którym od ponad pięćdziesięciu lat mieszka dynastia rzeźbiarzy i artystów Manizerów. Gugo Matveyevich Manizer, znany moskiewski pejzażysta, profesor Katedry Rysunku Instytutu Surikowa, syn słynnych sowieckich rzeźbiarzy Matveya Manizera i Eleny Yanson-Manizer, obchodzi właśnie 75. urodziny. Powód komunikacji jest więcej niż znaczący. Ale nasza rozmowa zaczyna się nie od pracy Hugo Matwiejewicza, ale od zwiedzania ogrodu, nie mniej niesamowitego niż sam artysta. W ogrodzie rosną rzadkie gatunki drzew - w dniu mojego przyjazdu przeszyły je promienie słońca. Promienie padały na wspaniałe rzeźby stojące na cokołach.
- Widzisz, ten - Hugo Matwiejewicz przybliża mi postać baletnicy stojącej pod rozłożystym drzewem o bardzo ciekawym ulistnieniu i trudnej do wymówienia nazwie ginkgo - rzeźba mojej mamy. Bardzo lubiła Ulanovę i ogólnie balet. Rzeźba stała w foyer Teatru Bolszoj, ale szczerze mówiąc nie pamiętam, jak się tu znalazła. Pamiętam tylko, że jak tu przywozili to połamali - prosto w kostki. Potem musiałem spawać stopy.
- Wygląda na to, że dokładnie ta sama „Ulanova” jest w Sztokholmie?
- Ułanowa wiedziała, że jej matka ma taką pracę i jakoś (moim zdaniem przed jakąś rocznicą) przyjechała tu ze znajomym Szwedem, podobno bardzo wysoko postawionym. A po jakimś czasie przyszedł list ze Szwecji, że chcieliby zobaczyć rzeźbę Ulanovej w Sztokholmskim Muzeum Baletu. Cóż, zrobili kopię z brązu i wysłali ją do nich.
- Twój dom jest interesujący. Rozumiem, że zbudował go twój ojciec...
- Tak, został zbudowany w 1951 roku według projektu mojego ojca i za jego własne pieniądze. W ogóle do Moskwy dotarliśmy w 1943 roku - z ewakuacji: jesteśmy Leningradczykami. W czasie wojny my (miałem niestety nieżyjącego już brata i siostrę) wraz z mamą ewakuowaliśmy się w rejon Jarosławia. Potem przez jakiś czas mieszkaliśmy na Syberii, niedaleko Omska. Ojciec został natychmiast wezwany do Moskwy, ponieważ był wiceprzewodniczącym komitetu organizacyjnego utworzenia Związku Artystów ZSRR. Opuścił swój warsztat (a notabene pracował w warsztacie Opekushina, autora pomnika Puszkina w Moskwie) i ostatnim pociągiem, który po drodze został zbombardowany, wyjechał z Leningradu. Ojciec, można powiedzieć, przeżył cudem: w przedziale jechał z nim kapitan I stopnia, który natychmiast wydał rozkaz: „Połóż się!”. Ojciec się położył, a wszyscy, którzy w panice biegli do ołtarza, byli albo ranni, albo zabici. Zatrzymał nawet numer ze swojego miejsca, przebity odłamkami.
Życie w ewakuacji zostało zdeponowane w pamięci Hugo Matwiejewicza nie gorsze niż jakikolwiek inny krajobraz:
- My, dzieci, nie siedzieliśmy w czterech ścianach - pracowaliśmy w polu, pieliliśmy cykorię, z której zrobiliśmy później namiastkę kawy w Rostowie Wielkim. Och, a ta cykoria była kolczasta! Szkoda oczywiście, że wojna zmieniła nasze zwykłe życie - w końcu w Leningradzie poważnie zajmowaliśmy się muzyką, skrzypcami.
- Rodzice oczywiście próbowali cię kształcić w zróżnicowany sposób?
- Tak, mieliśmy bardzo muzykalną rodzinę. Zostaliśmy zmuszeni do tworzenia muzyki. Co do sztuk pięknych, o dziwo, nie było presji. Może na próżno. Często zabieram moich uczniów do warsztatu mojego ojca i pokazuję im rysunek wykonany przez mojego ojca w wieku dziesięciu lat. Oni nie wierzą. Tak profesjonalnie zrobione. Wcześniej, nawet w zwykłej szkole, dzieci brały udział w lekcjach rysunku, można powiedzieć, ćwiczone, doprowadzały technikę do automatyzmu. Teraz tak nie jest - rozwijają inne talenty, wyobraźnię. Ale nie technologia.
W końcu wchodzimy do domu, który od pół wieku gościł w swoich murach wielu celebrytów. Dom, który został zbudowany przez rzeźbiarza Matveya Manizera, można nazwać domem w tradycyjnym sensie z rozciągnięciem. Zwykły człowiek powiedziałby pewnie: „Jak tu ludzie żyją!”. W jednej części domu mieszka rodzina zmarłego brata Hugo Matwiejewicza - Ottona, który podobnie jak jego ojciec był także rzeźbiarzem. Teraz jego syn Peter, również rzeźbiarz, pracuje w warsztacie dziadka. Dom Hugo Manizera to ciągły warsztat. W największym pokoju (dawny warsztat matki) tworzy Hugo Matwiejewicz. Tutaj jedzą i przyjmują gości. Na piętrze znajduje się kolejny warsztat - tam jest królestwo jego żony Niny Pulyakhiny, projektantki mody.
Atmosfera kreatywności czuć w każdym zakątku, a powietrze wydaje się nasycone zapachem farb, starego drewna, olejów iglastych i zatrzymanego czasu. Drzewa kołyszą się za dużym oknem. I cisza... Nie usłyszysz zgiełku miasta, nieważne jak bardzo się wsłuchasz.
Zaczynamy spisywać rodowód i dostajemy niesamowite liczby: na cztery pokolenia Manizerów przypada 2 malarzy, 1 projektant mody, grafik i aż 4 rzeźbiarzy. I wszyscy z nich są bardzo znani w świecie sztuki. Jedyna córka Hugo i Niny, Olya, jest zarówno modelką, jak i graficzką. To prawda, że \u200b\u200bteraz odgrywa najważniejszą rolę - matki. Wśród obrazów, sztalug i płócien ustawionych wprost na podłodze pyszni się hulajnoga-zabawka.
- Czyj jest ten?
- Olya urodziła naszego wnuka. Tak się złożyło, że wyszła za Szwajcara i mieszka w Londynie. Przyjechali tu na Wielkanoc. Wnuk Sasha ma już dwa lata, jeździł tu na skuterze, jak urodzony Schumacher.
Spoglądam przez szyby na szczyty okolicznych wieżowców:
- Zastanawiam się, jak sąsiedzi cię traktują - czy jesteś tu jak na scenie?
- Tak, generalnie nie przeszkadzają. Czasami nawet pilnują. Nie tak dawno temu kobieta z sąsiedniego domu zawołała: „Pod twoim płotem stoi bardzo podejrzany samochód”. Ale jakoś się nie martwimy - mimo wszystko wszystkie cenne dzieła od dawna znajdują się w muzeach, a rzeźby Matveya Genrikhovicha są na ogół na placach. A potem przyzwyczailiśmy się do tego środowiska - kiedy dom był budowany, były tu małe drewniane domki. Teraz wszystko jest zarośnięte.
- A skąd masz takie ciekawe nazwisko - Manizer?
- Nasza dynastia pochodzi od mojego dziadka, artysty Heinricha Matwiejewicza Manizera. O ile mi wiadomo, tak ma na imię jego matka, która z pochodzenia jest Niemką. A kim był jego ojciec, nie wiadomo - jego patronimika, jak rozumiem, jest warunkowa. Jego matka zmarła wkrótce po porodzie, a dziadka wychowywała ciotka. Zaczął rysować wcześnie i po raz pierwszy wstąpił do Moskiewskiej Szkoły Rzeźby i Architektury. Był bardzo zdolny - jest nawet pozytywna recenzja jego pracy magisterskiej przez samego Stasowa. Dziadek miał w ogóle ciekawe losy. Kontynuował studia już w Petersburgu, na Akademii Sztuk Pięknych, a zaraz po ukończeniu studiów wyjechał z naszymi wojskami, by wyzwolić Bułgarię spod tureckiego jarzma.
Sto lat później wylądowałem w Bułgarii z moimi studentami. I szukał śladów swojego dziadka. Okazało się, że kilka jego obrazów wisi w lokalnych muzeach. A myśleliśmy, że zniknęły - jak te, które według mojego ojca wisiały przed rewolucją w Pałacu Zimowym.
Dziadek Manizer był płodnym człowiekiem. Urodził dziesięcioro dzieci, z których dwoje znalazło się w encyklopediach. Najstarszy z synów - Heinrich Genrikhovich - został etnografem. Na początku ubiegłego wieku jako jeden z pierwszych Rosjan odwiedził dorzecze Amazonki. Posiadał też niezwykłe zdolności: znał prawie wszystkie języki europejskie i pięknie rysował. Jako dziecko Hugo Matwiejewicz widział wiele rysunków wykonanych przez wuja podczas wyprawy do Amazonii. Potem ojciec przekazał je do Muzeum Etnograficznego. A mój wujek, który wrócił z Ameryki Łacińskiej zaraz na początku pierwszej wojny światowej, poszedł na front i wkrótce zmarł na tyfus w Serbii, będąc jeszcze bardzo młody. Inny wujek - Mark Genrikhovich - był wiolonczelistą.
- To niesamowite - tyle kreatywnych osób w jednej rodzinie!
- Jakimś cudem bardzo prominentny Amerykanin odwiedzał tu mojego ojca. Nie mógł uwierzyć, że wszyscy w naszej rodzinie byli i są związani ze sztuką.
- Hugo Matveevich, ty i Nina nadal pracujecie w różnych gatunkach: ty jesteś malarzem, ona jest projektantką mody. Ale nie mogę zrozumieć, jak twoi rodzice rzeźbiarze pracowali ramię w ramię? Pewnie cały czas się kłócili...
- Nigdy. Byli bardzo wykształconymi ludźmi i szanowali nawzajem swoją kreatywność. Opowiedziałem, jak żyliśmy podczas ewakuacji. Ale nie wspomniał, jak mama pozyskiwała glinę z cegielni i rzeźbiła figurki. Nawet tam, w niemal nieludzkich warunkach, nie przestawała pracować. Pamiętam, że nawet w czasie wojny brałem udział w wystawie – wyrzeźbiłem z drewna dwie rzeźby „Spotkanie” i „Pożegnanie”. Chcę tylko powiedzieć, że istnieją dwie kategorie artystów. Tutaj osobiście znam kilku takich, którzy pracują tylko na zlecenie. I są tacy, którzy nie mogą żyć bez kreatywności przez sekundę. Moi rodzice byli w tej kategorii. Już będąc chorą, moja mama, w każdym stanie, podeszła do pulpitu i rzeźbiła. A według mojego ojca po prostu zsynchronizowali zegarki. Jeszcze jak zaraz po wojnie mieszkaliśmy w baraku na pasażu Pietrowskiego-Razumowskiego, to mój ojciec codziennie chodził do warsztatu na Masłówkę, koledzy, jak go zobaczyli, wiedzieli, że jest już 9 rano – był tak zorganizowany i punktualny.
- Twoi rodzice pozostawili po sobie ogromną spuściznę rzeźbiarską...
- Ojciec oczywiście zrobił wiele pomników. Najbardziej znane są oczywiście pomniki Lenina w Uljanowsku i Moskwie, w Łużnikach, Kalininie - w Leningradzie. Zarówno ojciec, jak i matka projektowali stacje moskiewskiego metra w latach 30. Słynny „Plac Rewolucji” jest dziełem jego ojca. Płaskorzeźby ojca wiszą na stacji Park Izmajłowski, a mama wykonała płaskorzeźby dla metra Dynamo (zarówno w górnych pawilonach, jak i poniżej) oraz na Dobrynińskiej. I obaj mają wiele rzeźbiarskich portretów. Moim zdaniem mój ojciec oślepił wszystkich naszych dowódców wojskowych, a moja matka - baletnice i sportowców.
- A jednak Twoi rodzice nie nalegali, abyś kontynuował rodzinną tradycję?
- Absolutnie. „Jeśli chcesz rysować, rysuj” – mawiał mój ojciec. Do szkoły artystycznej poszłam już w świadomym wieku, w wieku 15 lat, kiedy ewakuacją przenieśliśmy się z Leningradu do Moskwy. Ponieważ wcześniej widziałem tylko prace moich rodziców-rzeźbiarzy, a twórczość mojego dziadka nie była mi zbyt znana, byłem pod wielkim wrażeniem prac artystów, którzy opuścili z nami oblężony Leningrad do ewakuacji. Wciąż pamiętam te uczucia. I zacząłem próbować malować kolorami to, co mi się podobało. I lubiłem wschód słońca - wstaliśmy wcześnie na ryby, gdzie chodziliśmy prawie codziennie, dostaliśmy jedzenie. A miejsca były piękne. Pamiętam też zamęczanie artystów głupimi pytaniami. Jeden z nich malował w tym czasie podobno zamówiony obraz, który przedstawiał egzekucję partyzantów. Więc chyba go torturowałem, prosząc, żeby odpowiedział, dlaczego maluje obraz z punktu widzenia tych, którzy strzelają.
- Wiele osób uważa, że pejzaż to wymierający gatunek. Zwłaszcza przy tak szybkim rozwoju fotografii.
- Wiesz, stan natury mnie ekscytował i nadal ekscytuje. Widzę krajobraz i raduję się. I nie myślę o tym, kto co tam mówi, ale po prostu piszę to, co mi się podoba.
Są miejsca, do których Hugo Matwiejewicz podróżuje jak zaczarowany o każdej porze roku. To okolice Moskwy i Serebryany Bor. Jego żona Nina jest z nim prawie zawsze: „Oto siedzę obok ciebie i widzę, jak szalenie trudno jest namalować pejzaż. Teraz świeci słońce, za chwilę nadciągnęły chmury - i wszystko inne: światła, cienie. Nadal nie rozumiem, jak on łapie i, co najważniejsze, utrzymuje stan natury, który zaczął pisać.
- Musisz to wytrenować w sobie, ale możesz zrobić coś z pamięci, - Hugo Matwiejewicz kontynuuje.- Mój przyjaciel i ja czasami żartowaliśmy, kiedy szliśmy razem pisać: „Cóż, to drzewo można usunąć, stóg siana można przenieść”. To nie to samo, gdzie stoi, ale ważne jest, aby obraz został uzyskany zarówno pod względem kompozycji, jak i światła. Ale to przychodzi daleko po szkole. Kiedyś bardzo interesowałem się podróżami. Był nawet taki temat - „Piętnaście republik związkowych”, kiedy można powiedzieć, że podróżowałem po całym kraju.
- Prawdopodobnie przywiozłeś ze swoich podróży ogromną ilość pracy. A ile masz teraz krajobrazów - nie policzyłeś?
- Nie bardzo. Wielu, no, pewnie kilkuset.
- Może przeliczyć katalogi?
- Nie ma wystarczająco dużo czasu. W 1985 roku opublikowałem obszerną monografię. Od tego czasu napisano wiele prac. Byłoby oczywiście miło nagrać nowy album, ale wiesz, jakie to teraz trudne.
- Wiem, że wiele z tych prac jest poświęconych Moskwie...
- Mam dwa, a moim zdaniem trzy komplety pocztówek z serią moskiewską. Nie tak dawno zaproponowano mi zrobienie osobistej wystawy moskiewskich pejzaży. I rzecz niesamowita – pisał tak, jakby Moskwę widział po raz pierwszy. Takie niesamowite zakątki mamy jeszcze w mieście! Organizatorzy, szczerze mówiąc, z trudem wierzyli, że wszystkie obrazy zostały właśnie namalowane. I coś mnie naszło. Ogólnie rzecz biorąc, najlepsze prace piszę z reguły podczas jednej sesji. Złapany moment, nastrój - i do przodu. Najważniejsze, że krajobraz, jak mówią, nie wysycha.
- Hugo Matwiejewiczu, od dzieciństwa otaczają cię dzieła twoich rodziców i dziadka. Zawsze zastanawiałem się, co powinno dziać się w duszy człowieka, który dorastał wśród takich rzeczy?
- Wiesz, oczywiście, nigdy nie miałem wrażenia muzeum. Chociaż wiesz… chyba nawet we wczesnym dzieciństwie, w 34 roku (wkrótce przeprowadziliśmy się z jednego mieszkania w Leningradzie do drugiego), z jakiegoś powodu leżałem na łóżku ojca (chyba wtedy zachorowałem) , a jego praca wisiała przede mną. I bardzo dobrze pamiętam spojrzenie z jednego portretu - jak te oczy na mnie patrzyły, nawet teraz mam gęsią skórkę!
- Więc może ten wygląd uczynił cię artystą? Zahipnotyzowany?
Cóż, nie wierzę w magię...
– A ja wierzę w połączenie czasów – wtrąca się do naszej rozmowy Nina. - Spójrz na ten pejzaż namalowany przez Hugo w Valdai. Widzisz - jezioro, mgła nad jeziorem. A teraz chodźmy i pokażmy zdjęcie mojego dziadka. I rzeczywiście, ma się wrażenie, jakby dziadek, który namalował swój obraz 100 lat temu, wziął fragment od swojego wnuka i umieścił go jako tło na portrecie ojca swojej babci. Mistyk jest doskonały. Za portret samej babci niezwykle piękna kobieta o imieniu Stella, Genrikh Matveyevich Manizer w 1895 roku otrzymała złoty medal na konkursie portretowym. Nawiasem mówiąc, Sierow i Repin byli wtedy w sile wieku.
- W twojej rodzinie nadawane są ciekawe imiona - Stella, Hugo... Skąd, nawiasem mówiąc, takie niezwykłe imię?
- Był taki rzeźbiarz - Hugo Romanowicz Zaleman. Jego płaskorzeźby na fasadzie Muzeum Puszkina. A mój ojciec, który uczył się u tego rzeźbiarza, najwyraźniej kochał i szanował swojego nauczyciela tak bardzo, że dał mi swoje nazwisko.
- W końcu twój ojciec, o ile mi wiadomo, do śmierci kierował kształceniem w Akademii Sztuk Pięknych. Teraz jesteś profesorem w Instytucie Surikowa, kandydatem historii sztuki i prawdopodobnie od czasu do czasu możesz porównywać edukację artystyczną.
- Wydaje mi się, że teraz średnie szkoły artystyczne, w tym kolegia, są daleko w tyle. Kiedy chłopaki przychodzą do naszego instytutu, czasami nie znają podstaw: jak zbudować formę, jak rozróżnić światłocień. Czasami wydaje mi się, że większość zdaje egzaminy po prostu dzięki zwykłemu szczęściu: nagle trafili w dziesiątkę i zdali egzamin. A potem okazuje się, że nie studiowali tego wszystkiego.
- Jak długo uczysz w Surikovskyy?
- Tak ginie 27 lat. A przedtem jeszcze 13 lat w Instytucie Włókiennictwa na Wydziale Rysunku i wspominam ten czas jako jeden z moich największych sukcesów twórczych.
- Jak zrozumieć?
- A zrozum jak chcesz - w Instytucie Włókiennictwa poznałem moją żonę Ninę.
PS Pewnego dnia Nina Pulyakhina-Manizer wręczyła mężowi prezent na rocznicę - została honorową artystką Federacji Rosyjskiej. Nawiasem mówiąc, taki tytuł jest rzadkością wśród projektantów mody.