Wyśpiewując kulturę masowej konsumpcji, sam pop-art stał się jednym z najczęściej cytowanych nurtów współczesnej kultury. Wybraliśmy 5 artystów pop-artu, którzy do dziś wpływają na modę.
18 sierpnia w Indianie zostanie otwarta wystawa „POPOP: Pop i Op Art”, która pokaże, jak sztuka „masowa” wpłynęła na współczesną kulturę i trendy w malarstwie. I w związku z tym postanowiliśmy przypomnieć, którzy artyści pop-artu wnieśli istotny wkład w rozwój mody.
1. Andy Warhol
Ikona pop-artu, która w zasadzie każdy produkt konsumencki zamieniła w dzieło sztuki, nie ominęła odzieży. Słynna papierowa sukienka The Souper Dress, inspirowana pracą z puszkami zupy Campbella, zapoczątkowała długą relację Warhola z modą.W tej samej kolekcji, co sukienka Mondrian, Yves Saint Laurent sięgnął po prace Andy'ego, wykorzystując kolaż swoich portretów na sukienkach o linii A. Na tym nie skończył się wpływ Warhola na świat mody. W 2013 roku Dior wydał kolekcję sukienek i akcesoriów ze szkicami butów autorstwa Warhola, a Jean-Charles de Castelbajac tworzy ironiczna sukienka z czarno-białym portretem ojca w stylu pop-artu i białym syntetycznym futrem zamiast włosów.
2. Roy Lichtenstein
Pod względem wykorzystania motywów malarskich w projektowaniu ubiorów i mebli Liechtenstein zajmuje niemal pierwsze miejsce. W 2011 roku Lisa Perry wypuściła kolekcję sukienek w całości poświęconą obrazom komiksowym słynnego artysty. Rok później Karla Spetic poszła w jej ślady, a Markus Lupfer wypuścił serię kaszmirowych swetrów z haftowanymi cekinami z napisami z obrazów Liechtensteinu. A liczba par butów stworzonych na podstawie prac artysty jest niezliczona: trampki Nike, buty Charlotte Olympia, trampki Vans i Converse – znajdzie się para na każdy gust i styl życia.
3. Keitha Haringa
Twórczość Haringa tak mocno zakorzeniła się we współczesnej kulturze, że w zeszłym roku Colette uruchomiła sklep pop-up wypełniony artykułami inspirowanymi jego twórczością. Dużą popularnością cieszyła się cała kolekcja T-shirtów, akcesoriów, a nawet deskorolek. Najważniejszym punktem programu modowego była wówczas sukienka zaprojektowana przez Vivienne Westwood. To nie pierwszy raz, kiedy projektanci mody zwracają się do twórczości słynnego ucznia Warhola: projektant obuwia Nicholas Kirkwood stworzył już prowokacyjną kolekcję butów opartą jednak na twórczości Keitha, a także Adidasa, a nawet Tommy'ego Hilfiger (projektant wypuścił kalosze ze słynnymi mężczyznami Haring).
4. Takashi Murakami
Jeden z odnoszących największe sukcesy współczesnych artystów japońskich, tworzący w stylu bardzo bliskim pop-artowi. Źródłem jego inspiracji jest kultura mangi i anime. Sam Murakami mówi, że „przede wszystkim reprezentował współczesne życie Japonii”. Jego zainteresowanie modą jako częścią współczesnego pop-artu zaowocowało współpracą z Markiem Jacobsem przy tworzeniu linii toreb i innych elementów z kolekcji Louis Vuitton. W rezultacie butiki na całym świecie zamieniły się w bajeczną „krainę Murakamiego”, zamieszkaną przez postacie z anime i dziecinnie jaskrawe kolory.
5. Yayoi Kusama
Dom Louisa Vuittona generalnie zajmuje pierwsze miejsce pod względem liczby kolaboracji z artystami pop-artu. Yayoi Kusama, japońska artystka znana na całym świecie ze swojego rozpoznawalnego wzoru w kropki, którym wypełnia pomieszczenia, przedmioty, a nawet nagie ciała swoich asystentek, nie jest wyjątkiem. W 2012 roku jej współpraca z Louis Vuitton przekształciła butiki marki w instalacje artystyczne, a wizerunek artystki posłużył za prototyp manekinów wystawowych marki na całym świecie. Współpraca z Kusamą była kontynuacją dobrej tradycji angażowania malarzy do pracy nad kolekcjami Marca Jacobsa. Wcześniej kultowe torby zostały już zamienione w dzieła sztuki dzięki pomocy Richarda Prince'a i Stephena Sprouse'a.
(ang. sztuka popularna - sztuka popularna; lub od popu - szarpany dźwięk, klaskanie, trzaskanie korkiem, dosłownie - sztuka wywołująca wybuchowy, szokujący efekt) - kierunek w sztuce lat 50.-60. XX wieku, który charakteryzuje się wykorzystaniem i przetwarzanie obrazów kultury masowej. Był swego rodzaju reakcją na sztukę abstrakcyjną, choć odnalazł połączenie z Dadaizmem i Surrealizmem. Pop Art rozpoczął się w 1952 roku, kiedy londyńska Independent Group zaczęła badać obrazy sztuki masowej. Jednak pop-art zyskał popularność w wydaniu amerykańskim, w działalności R. Rauschenberga, K. Oldenberga, D. Rosenquista, D. Jonesa, R. Lichtensteina. Za swój cel uznali powrót do rzeczywistości, ujawnienie walorów estetycznych produkcji masowej i środków masowego przekazu (reklama, fotografia, reprodukcja, komiks), całego sztucznego środowiska materialnego otaczającego człowieka. W tym celu do obrazów wprowadzono elementy kultury popularnej w postaci kolażu, bezpośredniego cytatu lub reprodukcji fotograficznej (obrazy Rauschenberga, Warhola, Hamiltona). Rosenquist i Wesselman naśladowali w obrazach techniki i techniki billboardów. Lichtenstein powiększył komiks do rozmiarów dużego płótna. Oldenberg stworzył repliki gablot o dużych rozmiarach z nietypowych materiałów. Tym samym do sztuki weszły artykuły gospodarstwa domowego, opakowania towarów, fragmenty wnętrz, części maszyn, popularne drukowane wizerunki znanych osobistości i wydarzeń.
Pop-art był reakcją artystów na nowe środowisko miejskie stworzone przez kulturę popularną. Jej obrazy zostały umieszczone w innym kontekście, użyto innej skali i materiału, ujawniono techniki wykonania i ich wady. W rezultacie pierwotny obraz został paradoksalnie zmieniony, zreinterpretowany i zdeprecjonowany. Twórcy pop-artu należeli do inicjatorów takich form, jak Happening (wydarzenie nieorganizowane, ale sprowokowane przez jego twórców, odbywające się bezpośrednio w mieście lub w naturze, którego ważną częścią jest społeczeństwo i jego reakcja na to wydarzenie; odzwierciedla chęć artystów awangardowych połączenia sztuki z życiem), instalacja obiektowa (kompozycja przestrzenna stworzona przez artystę z różnych przedmiotów gospodarstwa domowego, przemysłu, obiektów naturalnych, informacji tekstowych i wizualnych), ambient (kompozycja obejmująca widza jak prawdziwy ambient, często imitacja wnętrz z postaciami ludzi), montaż (rozszerzony typ kolażu), sztuka wideo (eksperymenty ze sprzętem wideo, obrazem komputerowym i telewizyjnym). Techniki te następnie szeroko rozpowszechniły się zarówno w Europie, jak i w innych regionach świata.
Pomimo tego, że styl ten narodził się w Londynie, w rezultacie pop-art stał się jednym z symboli Ameryki. W potocznym rozumieniu, tak jak Elvis Presley uważany jest za króla rock and rolla, tak amerykański artysta awangardowy uznawany jest za osobę kultową w historii ruchu pop-artu. Andy’ego Warhole’a
(1928-1987).
To on na początku lat siedemdziesiątych zamienił puszkę zupy pomidorowej” Campbella„W obiekt artystyczny, wystawiając w galerii sztuki kilkadziesiąt obrazów tego samego rodzaju ze swoim wizerunkiem, porównując w ten sposób sprzedaż dzieł sztuki ze sprzedażą produktów.
Warhol wypróbował tę metodę „sztuki przepływu” kilka lat wcześniej, kiedy zatrudnił chłopców do kolorowania jego ilustracji do szalonych przepisów na jego parodię.
Jednak międzynarodową sławę amerykańskiemu pop-artowi przynieśli tacy artyści jak Robert Rauschenberg (1925-2008), Roy Lichtenstein (1923-1997) i Jasper Johns (1930). To ich idee miały bezpośredni wpływ na twórczość Warhola. To Jones był pionierem idei „krążenia przedmiotów”, którą Warhol później doprowadził do skrajności, sugerując albo ideę niekończących się rzędów produktów na półce w supermarkecie, albo ruch klatek filmowych. Ale nawet podwajając obrazy, Jasper Johns łączył w swoich pracach emocjonalność z konceptualnymi ideami pop-artu. Na przykład puszki po piwie Ale Ballantine’a» (1960), wykonany w brązie i osadzony na marmurowej podstawie, do dziś wygląda jak ironiczny pomnik najbardziej masywnego amerykańskiego produktu.
Ciekawostką jest to, że słynne dzieło powstało w odpowiedzi na zjadliwą uwagę przeciwnika pop-artu, jednego z liderów abstrakcyjnego ekspresjonizmu, Willema de Kooninga, na temat możliwości kupienia czegokolwiek przez właściciela galerii Leo Castelliego, nawet puszki po piwie, jeśli można je nazwać sztuką.
Naturalnie żywność i wszystko, co z nią związane, wpadło w obszar najbardziej masowego spożycia. Zwłaszcza produkty, które reklama uczyniła kultowymi. Sieć spożywcza ze złotymi łukami na fasadzie nie mogła nie stać się celem artystów pop-artu. Dzisiejszy klasyk pop-artu Klaas Oldenburg na wystawie w 1962 roku przedstawił widzom wizerunek popularnego amerykańskiego produktu McDonald's, zaprojektowanego w formie kompozycji Giant Hamburger.
Przerośnięte wymiary nadawały jego obrazowi rodzaj symboliki i parodystycznej wielkości. Dodatkowo materiałem do pracy było płótno wypełnione pianką.
Fetyszyzm produktów i ideologia równych szans w Stanach Zjednoczonych doprowadziły do masowego kultu marek niektórych produktów. Reklamy zamieniły napój gazowany Coca-Colę w totem demokracji, rzekomo dlatego, że „mogą go pić zarówno prezydent w Białym Domu, jak i bezdomni na ulicy”. Ale jeśli powieść angielskiego pisarza science fiction HG Wellsa, szyderczo zatytułowana „ Tono-Benge”, była satyrą na agresywną reklamę i dystrybucję Coca-Coli, a następnie zyskała sławę na półreklamowych plakatach w postaci pikantnych zdjęć nagich dziewcząt reklamujących tę i inne marki spożywcze z lat 50-tych.
Pop-art nauczył się przenosić przedmioty w sztukę. Były to jednak już obiekty niesetycyzowane wizją artystyczną, lecz przedmioty celowo codziennego użytku, kojarzone ze współczesną kulturą industrialną.
«… moim zdaniem obraz bardziej przypomina świat rzeczywisty, gdy jest wykonany z przedmiotów tego świata »
Argumentował Robert Rauschenberg, jeden z twórców współczesnego pop-artu.
Korzystając z techniki gotowe", odziedziczony po teoretyku sztuki XX wieku Marcelu Duchampie, a wykorzystując techniki kolażu, artyści pop-artu wprowadzali do obrazu codzienne cytaty – elementy „kultury masowej”, łącząc w ten sposób malarstwo z rzeczywistością.
W latach 60-tych zaczął zajmować się tym gatunkiem, który na początku swojej kariery zajmował się ilustracjami i komiksami. W dziełach sztuki łączył planarny obraz z rzeczywistymi atrybutami życia domowego.
We wnętrzu pomalowanej przez niego kuchni, podobnie jak magiczne drzwi w szafie Carla, zamontowane drzwi z prawdziwej lodówki znikają z pola widzenia. Jednak desery i koktajle na obrazie „Wspaniały akt amerykański” artysta stawia na czele kompozycji jako wybitny artefakt konsumpcyjnego raju. Jeśli Wesselman zamontował „słodycze życia” techniką kolażu, wówczas kolorowy obraz jasnych ciast i ciastek, słodyczy i deserów jest rozpoznawany jako tożsamość korporacyjna.
Tych, którym obrazy Thibaulta wydają się zbyt „dziecinne”, poinformujemy o tym na aukcji Sotheby's jego obrazy zostały sprzedane za kilka milionów dolarów.
Kolekcjonerzy pop-artu są gotowi zapłacić nie mniej wysoką cenę za kawałek ciasta wiśniowego, który „upiekła” w piekarniku własnej „produkcji” jeden ze starszych ruchu pop-artu, Roy Lichtenstein.
Niezależnie od tego, jak krytycy i widzowie odnoszą się do pop-artu, stał się on jednym z dominujących nurtów współczesnej sztuki modernistycznej. Idealistyczne oskarżenia o fałszywą innowacyjność i dekadencję wysuwane przez część krytyków pop-artu nie wpłynęły na jego rozwój. To prawda, że jeśli naturalizm pop-artu na początku XX wieku przejawił się w chęci odtworzenia, „odzwierciedlenia” prawdziwego życia, to po przejściu ścieżki „od obrazu do rzeczywistości” nowoczesny modernizm staje się coraz bardziej racjonalny , formy konsumenckie, od sztuki ciała po sprzedaż reklamową. Zakres „estetyki towaru” coraz bardziej przesuwa się na sferę sprzedaży towarów i sferę rozrywki. Nie bez powodu Ray Kroc, człowiek, który wynalazł McDonald's w takiej formie, w jakiej istnieje obecnie, lubił powtarzać, że nie pracuje w branży spożywczej, ale w showbiznesie.
Dzięki takiemu przenikaniu twórczość wielu wybitnych przedstawicieli pop-artu była i będzie kojarzona z tematyką produktu. To właśnie ich działalność postaramy się szerzej przedstawić w osobnych artykułach.
Kolorowe plakaty, jasne plakaty z gwiazdami, komiksy, ogromne rzeźby, zabawa rozmiarami i fakturami, stylowe lata 60. – wszystko to kojarzy się z szokującym i wesołym pop-artem. Nie jest to propozycja dla zwykłych ludzi, ale dla tych, którzy lubią szokować i wyróżniać się z szarego tłumu. Pop-art jest dla młodych, ekstrawaganckich i wesołych ludzi.
Historia występowania
Pop-art (od skr. sztuki popularnej - sztuka popularna) to jasny, prowokacyjny styl, który przyszedł do świata designu z malarstwa.
Termin ten został ukuty przez brytyjskiego krytyka Lawrence'a Alloway'a w 1956 roku. Dziesięć lat później opowiadał wszystkim, że nie włożył w tę koncepcję aż tak dużego znaczenia ideologicznego, jakie nabrało i zaczęło wyrażać później. „Użyłem tego słowa jedynie w połączeniu z pojęciem „popkultury” do opisu produktów konsumenckich, a nie jako nazw dzieł sztuki” – uzasadniał krytyk. Ale tak czy inaczej koncepcja ta szybko weszła w życie pod koniec lat 50., pomimo fali krytyki przeciwników tego stylu.
Pojawienie się pop-artu, nowego nurtu w malarstwie, spowodowane było reakcją na abstrakcjonizm, który w połowie XX wieku zajmował silną pozycję. Artyści, którzy włączyli się w ten nurt, wykorzystują w swoich pracach wizerunki produktów masowej konsumpcji. Mieszają i dopasowują artykuły gospodarstwa domowego, fotografie, reprodukcje, skrawki druków.
Warto zauważyć, że prawie we wszystkich pracach pojawia się lekka ironia, a nawet kpina z tego, co ludzie uważają za ideał artystycznego piękna.
Pierwsze prace w tym stylu wystawiało trzech artystów: Richard Smith, Joe Tilson i Peter Black. Jednak prawdziwymi dziełami, które stały się ikoną pop-artu, jest kolaż Anglika Richarda Hamiltona, napisany w 1956 roku.
W latach 60. w Stanach Zjednoczonych rozkwitł pop-art. W tym barwnym stylu swoje dzieła tworzą znani amerykańscy autorzy:
- Robert Rauschenberg – jasne kolaże;
- Roy Lichtenstein - duże zdjęcia komiksowe;
- Claes Oldenburg – gigantyczne torty gipsowe.
Ogromną popularność zdobywa artysta i fotograf Andy Warhol. Używając sitodruku i jasnych, kwasowych farb tworzy zachwycające portrety światowych gwiazd: Marilyn Monroe, Michaela Jacksona, Elvisa Presleya.
Artyści ukazali świat piękna banału, w swoich kreacjach wyrażają dumę z faktu, że amerykańscy producenci tworzą towary tanie, przystępne cenowo i wysokiej jakości. Sztuka amerykańskich zwolenników pop-artu jest swoistym pomnikiem równości społecznej i dóbr konsumpcyjnych. Jednocześnie przyjęty obraz kultury masowej zawsze był umieszczany w innym kontekście, zmieniał materiał, skalę, ujawniał metodę techniczną lub technikę. Jednocześnie okazało się, że pierwotny obraz został ironicznie zinterpretowany i przekształcony.
Pop-art w sztukach wizualnych oddawał smak i nastrój tamtych czasów. Młodość, senność, przemijalność i lekka naiwność w obrazach tego stylu uważane są za odzwierciedlenie prawdziwego amerykańskiego snu.
Idee amerykańskiego pop-artu z malarstwa szybko przeniosły się do sztuki wyposażenia wnętrz i ubioru. Po co dekorować swój dom drogim lub drogim obrazem, jeśli możesz postawić puszkę na stole i powiesić duży, jasny kolaż starych gazet na ścianie? Coś takiego definiuje pojęcie pop-artu, preferowanego przez ekstrawaganckie jednostki rzucające wyzwanie społeczeństwu.
Amerykańskie miasto Seattle pod koniec lat 80. stało się kolebką muzyki i ubioru. Termin ten zaczął oznaczać wszystko, co nieprzyjemne, nieporządne, odrażające.
W Rosji o pop-arcie zaczęto mówić dopiero pod koniec lat 70.
Nowoczesny kierunek
Dziś pop-art powraca do mody nie tylko w malarstwie, ale także w innych formach sztuki. Jest wielu współczesnych mistrzów eksperymentujących w tym kierunku. Echa pop-artu ubiegłego wieku można odnaleźć w drukach komiksów i portretach światowych gwiazd na ubraniach młodych ludzi. Kluby, kawiarnie, salony kosmetyczne często urządzają się w tym stylu. Nudny, wyrazisty, plastyczny styl pop-artu do dziś podbija serca swoich wielbicieli. Styl jest podobny do .
Pojawiając się w malarstwie, pop-art szybko wniknął w życie najpierw Amerykanów, potem Europejczyków, a teraz dotarł do nas. Pop-art osiągnął dziś ogromne rozmiary. Jej elementy można spotkać wszędzie: we wnętrzach, tekstyliach, na ubraniach, plakatach i szyldach, w postaci naklejek na samochody.
Pop-art przejawia się w malarstwie, kinie, teatrze, jego wpływy są zauważalne w muzyce („Velvet Underground”, „Fug”).
W ciągu 70 lat swojego istnienia pop-art nabył kilka odmian:
- op-art (artystyczne efekty optyczne, zestawienia linii i plam);
- okr-art (artystyczna organizacja środowiska);
- e-sztuka, co zaowocowało odrębnym kierunkiem – kinetyzmem;
- neopop-art, którego początki sięgają lat 80.
Kultowa postać stylu pop-art – Andy Warhol – zasłynęła nie tylko dzięki słynnemu portretowi Marilyn Monroe wykonanemu w technice sitodruku.
Ponadto artystka wprowadziła sztukę pop-artu do projektowania mody, tworząc niezwykłe szkice. W 1965 roku otworzył sklep Parafenaliya, w którym odważne fashionistki mogły kupić niezwykłe sukienki ozdobione metalem, plastikiem, papierem, a także kostiumy o niezwykle jasnych wzorach. Szczegóły dotyczące jedzenia, telewizji, reklamy, komiksów są wyświetlane na ubraniach w jasny, niezwykle chwytliwy sposób.
W latach 60. projektant mody Andre Courrèges stworzył garnitury męskie i damskie, które niczym się od siebie nie różniły. Wtedy zaczęła się przydać koncepcja „unisex”.
Odzież pop-art to niezwykły koktajl kolorów i chwytliwych kształtów, a także syntetycznych tkanin. Dziś projektanci często uciekają się do tego ekstrawaganckiego stylu. Minispódniczki i neonowe sukienki, kurtki z odkrytymi ramionami, T-shirty i T-shirty z kolorowymi fotografiami, geometryczne rajstopy, legginsy, proste body i sukienki swetrowe to ubrania w stylu pop-artu. Często pojawiają się aplikacje w postaci kolorowych motyli, soczystych owoców, szkarłatnych ust i serc. Najważniejsze to zaskoczyć i zostać zauważonym!
Dopełnieniem obrazu są dekoracje z tektury, papieru, plastiku i plexi, torby retro z wizerunkami ze starych filmów czy czarno-białe plakaty. Buty na platformie lub na obcasie oraz jasny makijaż dopełniają całości. Ubrania pop-artowe przeznaczone są dla tych, którzy nie wyobrażają sobie życia bez odważnych eksperymentów.
Wnętrze
Pop-art we wnętrzu to bardzo jasne i niezwykłe zjawisko. To, niczym przypływ emocji, ma szokować i ogłuszać swoim designem podobnym do. Nie ma tu żadnych specjalnych zasad, ale można prześledzić kilka podstawowych wzorców:
- Jasne, nasycone, a nawet kontrastujące kolory, połysk to główna zasada estetyczna.
- Przedmioty sztuki powinny być niedrogie, nowoczesne, stylizowane na idee pop-artu.
- Duże, nietypowe dodatki i meble.
- Kompozycja zbudowana jest na zasadzie powtórzenia, cykliczności;
- Wykorzystanie przedmiotów użytku domowego w kontekście dzieł sztuki.
Wnętrze w tym stylu charakteryzuje się zabawą rozmiarami i jasnymi kolorami, w rezultacie projekt pokoju okazuje się bardzo nietypowy. Czasami ma pewną „lalkarstwo”; wydaje się, że nie mieszkają w nim ludzie, ale zabawki. Ale pop-art wcale nie odmawia komfortu. Więc dla tego stylu nie jest to typowe w jego klasycznym sensie, ale mimo to rzeczy trzeba gdzieś przechowywać. W końcu trzeba w nim żyć.
Do dekoracji lepiej wybrać największy pokój pod względem powierzchni. Jednak nawet miniaturowy pokój można zaaranżować w stylu pop-artu. To prawda, że \u200b\u200btutaj trzeba skupić się głównie na szczegółach.
Spektrum kolorów
Głównym kolorem wnętrz w stylu pop-artu jest biel. Na tle jasnych ścian, sufitów, a nawet podłóg, kolorowe meble, dodatki, kolaże i obrazy będą się wyraźnie wyróżniać. Tutaj również sprawdzą się błyszczące chromowane powierzchnie, ponieważ chromowane wykończenia stały się powszechne w tym samym czasie, co styl. Akcenty we wnętrzu są nie tylko jasne, ale i soczyste. Najbardziej niestandardowe połączenie kwasowych kolorów jest mile widziane w sztuce pop-artu.
materiały
Pop-art nazywany jest niedrogim stylem, ponieważ podstawą są szkło, metal, plastik, tworzywa sztuczne i papier. Często projektanci wykorzystują w swoich projektach sztuczną skórę.
Podłoga, ściany, sufit
Sufity są jasne i błyszczące. Konstrukcje mogą być podwieszane lub rozciągane, mogą mieć kilka poziomów. Nisze w sufitach oświetlają neony w różnych kolorach. Lampa wisząca o nietypowym kształcie może stać się na niej akcentem kompozycyjnym.
Pop-art oferuje dwa warianty dekoracji ścian:
- Jednolita biel z jasnymi plamami: panele, obrazy, fotografie.
- Kolorowe, ozdobione kontrastowymi, soczystymi, niepasującymi do siebie kolorami. W tym przypadku same ściany niosą ładunek stylistyczny.
Dekoracja ścienna jest najbardziej różnorodna. Można je malować, tapetować, pokrywać tynkiem dekoracyjnym. Na jednej ze ścian często stosowana jest zasada kompozycji cyklicznej: ten sam ornament powtarza się wielokrotnie, na całej ścianie. Czasami stosuje się tapetę z iluzją optyczną, gdy widok obrazu zmienia się w każdym rogu.
Podłoga może być neutralna, laminowana lub wyłożona wykładziną. W tym przypadku jasnym akcentem będzie dywan o nietypowym kształcie lub nietypowej fakturze, na przykład skóra jaguara lub zebry. Drugą opcją jest efektowna podłoga, wyłożona w chaotyczny sposób płytkami ceramicznymi.
Meble
Drogie, luksusowe meble nie są mile widziane przez pop-art.
Taniość to jedna z kluczowych zasad tego stylu.
Ciężkie szafki i kredensy obciążają przestrzeń, dlatego też są tu nie na miejscu. Meble do zabudowy, wnęki, rozkładane łóżka, rozkładane sofy - oto, co będzie tutaj wyglądać organicznie. Jasne sofy, wielokolorowe pufy o okrągłych kształtach wykonane z materiałów syntetycznych stworzą atmosferę komfortu i radości.
Odpowiednie meble wykonane z tworzywa sztucznego, wyróżniające się kolorem i kształtem. Błyszczące i błyszczące powierzchnie są nieodzownym atrybutem mebli.
Wystrój i akcesoria
W wystroju bardzo ważna jest obecność efektownych tekstyliów z oryginalnymi nadrukami. Ozdoba optyczna i rysunki z komiksów, wizerunki postaci z kreskówek podkreślą idee pop-artu. Można je nakładać nawet na tkaniny używane na zasłony.
Akcesoria są tutaj najważniejsze; pod wieloma względami wyznaczają styl.
Portret Marilyn Monroe w duchu Andy'ego Warhola to najpopularniejszy element wystroju wnętrz w stylu pop-art.
Oryginalne rzeźby, plastikowe przedmioty, lampy przedstawiające postacie z hollywoodzkich filmów, plakaty na ścianach, fotografie gwiazd w ciekawych ramach, misterne wazony – wszystkie te detale są typowe dla stylu pop-art. Ręcznie robione kreacje są bardzo cenne dla wnętrz. Preferowane są produkty wykonane z plastiku, szkła i papieru. Możliwe jest użycie rysunków wywołujących stan mistyczny (halucynacje), ale jest to oczywiście przeznaczone dla specjalnych amatorów.
Wnętrze pop-artu: wideo
wnioski
Pop-art to więc sztuka dla odważnych eksperymentatorów, przełamujących stereotypy i wielowiekowe tradycje. To styl dla osób, które chcą wyróżnić się z tłumu, przykuć uwagę. Tylko naprawdę bystre, kreatywne, ekstrawaganckie osobowości, które nie lubią być jak wszyscy, mogą wygodnie mieszkać w takim pokoju. Co jest przeciwieństwem kochania ludzi.
W pewnym momencie style takie jak i wysadziły w powietrze klasyczne reprezentacje w sztuce i architekturze.