Na scenie „kubizm syntetyczny” (1912-1917) Prace Picassa nabierają dekoracyjnego i kontrastowego charakteru. Obrazy przedstawiają głównie martwe natury z różnymi przedmiotami: instrumentami muzycznymi, nutami, butelkami wina, fajkami, sztućcami, plakatami i tak dalej. Picasso i Braque również wykorzystywali w swoich pracach prawdziwe przedmioty: tapety, piasek, liny itp.
Ich pierwszymi pracami były kolaże „Martwa natura z wiklinowym krzesłem” (1912)
I „Gitara (metalowa)” (1914).
Inspirowany twórczością Picassa, powstał Most Milenijny (Most Milenijny) w Londynie.
Ale pierwsza wojna światowa przerwała sześcienne eksperymenty Picassa i Georgesa Braque’a, wyznaczając nowy etap w życiu artysty – „okres klasycyzmu” (1917-1925). W tym czasie zakochuje się w rosyjskiej tancerce Olga Chochłowa z trupy baletowej Siergieja Diagilewa, do którego występów Picasso stworzył scenografię i kostiumy. Wkrótce biorą ślub i rodzi się ich syn Paulo.
Picasso i Olga Khokhlova przed plakatem Parady baletowej, 1917
Pablo Picasso i Olga Khokhlova w Biarritz, 1918
Olga Khokhlova w fotelu, 1917
Picasso z awangardowego środowiska artystycznego Paryża odnajduje się w atmosferze klasycznego baletu i starożytnego Rzymu. Zupełnie nowi ludzie, nowe doświadczenie twórcze w dziedzinie scenografii teatralnej. Całe otoczenie domaga się realizmu, figuratywności rysunku, a Picasso reaguje na te zmiany w swoim życiu. Od tego czasu starożytna klasyka, ale na swój sposób, wyznacza styl jego twórczości. Ponadto artysta prowadzi dla siebie nowy sposób życia - obraca się w szanowanym świeckim środowisku, do którego przyciąga jego rosyjska żona. Utrzymują bliskie kontakty w świecie baletu, zakładają bogaty dom, uczęszczają na imprezy towarzyskie, tańczą na balach kostiumowych. Olga i jej syn stają się głównymi bohaterami żyjącymi w jego obrazach.
Portret Olgi w fotelu, 1917
Źródło, 1921
Olga zamyślona, 1923
Macierzyństwo, 1921
Olga, 1923
Syn artysty w przebraniu arlekina (Portret Paula), 1924
A potem było to zdjęcie „Taniec, trzej tancerze, trzej tancerze” (1925).
Połamane linie, zniekształcone postacie, wciśnięte w imadło w ciasnej przestrzeni, dzika, jaskrawa barwa, zniekształcenie proporcji, groteska – tak możemy scharakteryzować to, co widzimy na tym obrazie. Ale Olga nie była już ukochaną żoną, zirytowała się, napięta swoją świecką przyzwoitością i zamiłowaniem do przyjęć, wystarczy spojrzeć na kobiecą postać pośrodku - wydawała się ukrzyżowana na krzyżu ze szczególnym okrucieństwem, a jej twarz tam była są dwa z nich, jeśli spojrzysz prosto, a drugiego ze złym uśmiechem można zobaczyć, jeśli opuścisz głowę na prawe ramię.
Jego następną pasją było Marii Teresy Walther, który w chwili ich przypadkowej znajomości na ulicy miał zaledwie 17 lat, a Picasso 45.
Maria Teresa Walther, 1927
Marie-Therese Walther z psem swojej matki, 1930
Ich miłość była dopasowana surrealistyczne eksperymenty Pabla (1925-1937). Zainspirowała go do poszukiwań nowych sztuk plastycznych, w malarstwie tego okresu bardzo szczególna, gładka i elastyczna linia - urzekające młode ciało Marii Teresy narzucało szczególną estetykę. Jest rozpoznawalna na wszystkich zdjęciach - blondynki o jasnych oczach, rzymskim profilu i gładkich konturach ciała.
Portret Marii Teresy, 1937
Jasna kolorystyka, delikatność kolorów, miękkość, seksualność - Picasso był w stanie uchwycić esencję tej dziewczyny, przekazując poprzez obrazy jej miękkie usposobienie i lekkość.
Powtarza się to również na wszystkich płótnach, gdziekolwiek jest przedstawione, tylko esencja.
Kobieta w pomarańczowym berecie i futrzanym kołnierzu (Maria Teresa), 1937
Kobieta w oknie (Maria Teresa), 1936
Sen, 1932
I nawet to zdjęcie.
Płacząca kobieta, 1937
Picasso uwiecznia swoją nową miłość Doru Maar, który towarzyszył mu przez całe lata 1935-1945.
Artystka i zawodowy fotograf, poruszała się w kręgu surrealistów, gdzie go poznała. Jej nerwowość i wrażliwość zostały uchwycone w serii portretów pt "Płacząca kobieta".
Płacząca kobieta, 1937
Płacząca kobieta w chustce, 1937
Najważniejszym płótnem XX wieku było „Guernika” (1937), napisany dosłownie w ciągu miesiąca, po strasznych wieściach o zbombardowaniu hiszpańskiego miasta Guernica, które było bombardowane przez kilka godzin z rzędu, zrzucając kilka tysięcy pocisków, całkowicie ścierając je z powierzchni ziemi.
Picasso jako jeden z pierwszych zareagował bólem na te straszne wydarzenia, malując obraz w stylu kubizmu w czerni i bieli.
Widzimy cierpiących ludzi, zwierzęta i budynki przekształcone przez przemoc i chaos. Sceny śmierci, przemocy, okrucieństw, cierpienia i bezradności ukazane są niemal realistycznie, bez określenia ich bezpośrednich przyczyn, a dobór czarno-białej palety oddaje martwy charakter wojny. Spójrzcie na kobietę po lewej stronie z oczami wytrzeszczonymi z przerażenia, trzymającą w ramionach martwe dziecko, a z ust z wywieszonym językiem wydobywa się nieludzki krzyk bólu i głębokiego cierpienia, gdzieś w górze wybucha bomba, a na po prawej - postać z uniesionymi w przerażeniu ramionami, złapana w pułapkę ognia z góry i z dołu, pośrodku - padający w agonii koń, przebity włócznią, poniżej widoczny martwy, poćwiartowany żołnierz, którego odcięta dłoń wciąż ściskając fragment miecza, z którego wyrasta kwiat, w prawym dolnym rogu pochylona w centrum kobieta pełna zachwytu, jej obojętny wzrok skierowany jest na migoczącą żarówkę, w prawym górnym rogu konia widzimy zabytkową maskę , który niczym świadek rozgrywających się przed nim scen zdaje się wpadać do pokoju przez okno z zapaloną lampą w dłoniach. Wszystko to wywołuje przygnębiające, napięte, silne emocjonalnie wrażenie i coś w tym jest! To wspaniałe płótno zostało pokazane na Wystawie Światowej w Paryżu w 1937 roku. Jednak nie wszyscy krytycy akceptowali Guernicę: niektórzy odmawiali obrazowi artyzmu, nazywając płótno „dokumentem propagandowym”, inni starali się ograniczyć treść obrazu jedynie do ram konkretnego wydarzenia i widzieli w nim jedynie obraz tragedia narodu baskijskiego. A madrycki magazyn „Sabado grapho” napisał nawet: „Guernica – płótno ogromnych rozmiarów – jest okropne. Być może jest to najgorsza rzecz, jaką Pablo Picasso stworzył w swoim życiu.”.
Wizerunek gołębicy jako symbolu pokoju stworzył Picasso w 1949 roku. Ciekawe jednak, że nie wybrał tego ptaka, ale swojego przyjaciela Louisa Aragona, który szukał symbolu na plakacie Kongresu Ruchu Pokojowego. Jego wybór padł na jedną z rycin Picassa przedstawiającą gołębicę. Nie był to abstrakcyjny gołąb, ale „portret” bardzo specyficznego ptaka, który Picasso przedstawił Matisse’owi.
Ten gołąb stał się pierwszym sławnym "Gołąb pokoju". Picasso nie uważał tego rysunku za szczyt swojego dzieła, ale nie przeszkadzał mu wybór Aragonii. Tylko sarkastycznie zwróciłem mu uwagę:
"Biedaczysko! On w ogóle nie zna się na gołębiach! Czułość gołębicy, co za nonsens! Są naprawdę bardzo okrutni. Miałem gołębie, które wydziobały na śmierć jedną nieszczęsną gołębicę, której nie lubiła... Wydziobały jej oczy i rozerwały ją na kawałki, to okropny widok! Dobry symbol pokoju!”
(cytat z Picassa Henriego Gidela)
Później przerobił ten obraz na wersję graficzną.
Temat gołębi był mu bliski jak nikt inny. Gołębie były obecne w jego życiu od zawsze, gdyż jego ojciec był miłośnikiem tych ptaków i hodował gołębnik.
Picasso i gołąb, Paryż, 1945
Picasso i gołębie, Cannes, 1955
Ten motyw często pojawia się w jego twórczości.
Gołębie, 1957
Gołębie, 1957
Dziecko z gołębiem, 1901
W wieku 60 lat Picasso zaczyna się interesować ceramika, tworzy ogromną kolekcję umiejętnie rzeźbionych naczyń, glinianych dzbanków, które wyglądem przypominają wazy greckie.
Ceramika jest przepełniona zabawą i niezwykle utalentowana. Wydaje się, że artysta potrafił oddać swój sposób tworzenia na płótnie w pracy z gliną.
Każdy produkt zawiera szerokie, figlarne pociągnięcia, zabawne detale, wesołe pociągnięcia nożem. Można odnieść wrażenie, że glina nie jest uformowana ręcznie, lecz malowana pędzlem. Jednocześnie same formy niezwykle trafnie oddają zabawny nastrój twórcy i jego dwuznaczny talent. Niektóre dzieła nawiązują do gatunków antycznych, inne zaś utrzymane są w hiszpańskiej palecie XVI-XVII wieku.
Wszystkie dzieła ceramiczne Picassa można podzielić na dwa typy - ceramika płaska i luzem.
W mieszkaniu liczne talerze, miski, płaskie talerze. Zasadniczo można znaleźć jego ulubione tematy: walki byków, mitologię, artystę i modelkę, wizerunki kobiet, zwierzęta, motywy abstrakcyjne. Wśród bohaterów dominują ulubione sowy z ludzką twarzą (sowa i koza były wówczas pupilami pana).
Niektóre prace mają raczej charakter szkicu.
Natomiast ceramikę wolumetryczną reprezentują wazony i misy, które urzekają swoją nieregularnością i zbliżają się do rzeźby.
Picassa interesowała zabawa polegająca na „przekraczaniu” tak zwyczajnego przedmiotu, jak wazon, z różnymi przedmiotami. Pojawiają się jakieś wilkołaki: wazon z ptakami, wazon na twarz, wazon dla kobiet, wazon z bykiem.
Kobieta-sowa drzewna, 1951
Kobieta, 1955
Przez całe życie Picasso inspirował się kobietami, to one żyją w jego obrazach i inspirują innych artystów.
Franciszka Gilot
Portret kobiety w zielonym kapeluszu, 1947
Kobieta z siatką na włosy, 1949
Jacqueline Rock
Jego druga prawowita i ukochana żona, która go po prostu uwielbiała, ubóstwiała go, stawiając go na piedestale, z rezygnacją burząc zły charakter Picassa. Jacqueline Rock była bardzo piękną kobietą, drobną, szczupłą i czarnowłosą, o niesamowitym profilu, w której Picasso zawsze widział podobieństwo do postaci z orientalnych haremów, nie raz przedstawianych przez Delacroix i Matisse'a, a potem sam uchwycił Jacqueline na obrazie orientalnej urody. Przez prawie 20 lat była prawie jego jedyną modelką, namalował około 400 jej portretów.
Siedząca kobieta w stroju tureckim (Jacqueline), 1955
Kobieta w stroju tureckim w fotelu, 1955
Kobieta w pracowni, 1956
Portret kobiety w zielonej sukni, 1956
Głowa kobiety, 1960
Głowa kobiety, 1963
Jacqueline siedząca na krześle, 1964
W okresie życia i pracy w Valoris Picasso poznał młodą dziewczynę, swoją wielbicielkę, którą na krótko się zainteresował. Zainspirowała go do burzliwej działalności artystycznej – w ciągu trzech miesięcy namalował około 40 jej portretów. Łatwo je rozpoznać po charakterystycznym detalu – zabawnym „końskim ogonie”.
Portret Silvette David, 1954
Przy okazji, Brigitte Bardot przyjęła swój styl od Sylvette.
Ulubieniec publiczności, genialny i światowej sławy artysta, był niesamowicie artystyczny, co znalazło odzwierciedlenie w jego wolnym stylu.
Słynna kamizelka pojawia się na co drugim zdjęciu Picassa i ucieleśnia styl i charakter. Kamizelka- jako znak męstwa, awanturnictwa i wiecznej miłości do morza. Artystka dodała jej odrobiny artyzmu.
Naśladowałem go Andy’ego Warhole’a
I Jean Paul Gaultier.
Picasso wniósł ogromny wkład w sztukę współczesną, stojąc u jej początków, inspirując m.in. innych artystów Jacksona Pollocka(Amerykański artysta, ideolog i przywódca ekspresjonizmu abstrakcyjnego, który wywarł znaczący wpływ na sztukę drugiej połowy XX wieku).
Jego wpływ widać zresztą we wszystkim – jest to niezaprzeczalne marka co od razu przyciąga uwagę.
Moda
Poligrafia
Pomysły biznesowe
Picasso pozostał 43 tys. dzieł wywarł ogromny wpływ na sztukę i stał się jednym z najbardziej rozpoznawalnych mistrzów XX wieku.
„Płacząca kobieta” Picasso – jeden z obrazów XX wieku
W Metropolitan Museum otwarto wystawę „Płacząca kobieta Picassa” (płacząca kobieta Picassa), która zawiera ponad 70 portretów kobiecych powstałych na przestrzeni dwudziestu lat – od początku lat 20. do początku lat 40. XX wieku. Wystawa wywołała wielki oddźwięk, jak każda obszerna wystawa Picassa, uznawanego za największego artystę XX wieku – jedynego porównywalnego z gigantami baroku. Twórczość Picassa, ściśle wpleciona w dramatyczne wydarzenia naszego stulecia, każe pomyśleć nie tylko o trzech kobietach, których portrety prezentowane są na wystawie – Oldze Khokhlovej, Dore Maar i Marie-Therese Walter – ale także o głównych zderzeniach wiek. O wystawie pisze krytyk sztuki ARKADY Y-IPPOLITOV.
W 1937 roku Picasso namalował obraz „Płacząca kobieta”. Przedstawia twarz kobiety zniekształconą przez mąkę. Widz może się tylko domyślać, że jest to twarz, gdyż portret powstaje z chaosu sztywnych linii geometrycznych. Naruszone zostają rzeczywiste proporcje i podporządkowane jednej idei: przekazać cierpienie, które zamienia twarz w coś strasznego, pozbawionego kształtu, potwornego. To zadanie zakończyło się dla artysty sukcesem, a fantastyczny miraż Picassa przywołuje na myśl późniejsze, podręcznikowe fotografie. Na przykład dokumentalne ujęcia płaczących Czechów wybiegających na ulice, aby powitać wkroczenie wojsk niemieckich do Pragi w 1939 roku. Konwulsje płaczu szpecą twarze, ale ręce wznoszą się w faszystowskim pozdrowieniu. Tak więc niecałe dwa lata później rzeczywistość przerosła „szokującego” Picassa.
Początki „Płaczącej kobiety” sięgają października 1937 roku. Nieco wcześniej, w maju, tworzy swoją słynną „Guernikę”, napisaną pod wrażeniem wydarzeń hiszpańskiej wojny domowej. 26 kwietnia 1937 roku lotnictwo niemieckie pod dowództwem generała Franco zbombardowało miasto Guernica, niemal zmiatając je z powierzchni ziemi. Zdjęcia zniszczonej Guerniki natychmiast pojawiły się we francuskich gazetach. Zniszczenie miasta nie okazało się ani największą, ani najkrwawszą zbrodnią wojenną XX wieku, jednak nieprzyzwyczajona jeszcze do takich działań społeczność międzynarodowa została straszliwie stłumiona. Picasso napisał list otwarty przeciwko reżimowi Franco i stworzył obraz, który najlepiej można opisać własnymi wersami poetyckimi: „...płacz dzieci, płacz kobiet, płacz ptaków, płacz kwiatów, płacz kamieni i belki…”
„Płacząca kobieta” była swego rodzaju postscriptum „Guernica”. Wielu badaczy kojarzy ten obraz z jedną z postaci na dużym płótnie i choć nie ma między nimi bezpośredniego podobieństwa, oczywiste jest, że oba dzieła są ze sobą ściśle powiązane. Zwykle „Płacząca kobieta” rozpatrywana jest w kontekście społecznych gestów wielkiego artysty, które na ogół nie są dla niego zbyt charakterystyczne. A fakt, że wystawa portretów kobiecych, szczerze mówiąc liryczna, na pierwszy rzut oka nosiła tytuł „Płacząca kobieta Picassa”, wywołuje pewne zdziwienie.
Kiedy w 1937 roku Picasso stworzył wiele obrazów, rycin i rysunków poświęconych wydarzeniom w Hiszpanii, jego życie było na zewnątrz pogodne i szczęśliwe. Artysta wraz ze swoją dziewczyną Dorą Maar wynajmuje atelier w centrum Paryża, podróżuje na południe Francji i Szwajcarii. Przedstawiła Picassa Georgesowi Bataille’owi, filozofowi i pisarzowi, autorowi dzieł polityczno-ekonomicznych, etnologicznych i kulturalnych, a także opowiadań i powieści. Bataille stał się dość bliskim przyjacielem Picassa, a w pracowni artysty często odbywały się spotkania towarzystwa estetów, założonego przez tego wielbiciela markiza de Sade. Twórczość Picassa tego szczególnego czasu charakteryzuje się intensywnym erotyzmem, co widać także w obrazach młodej Marii Teresy Walter. Blond piękność stała się ulubioną muzą Picassa i pozowała mu niemal częściej niż Dora Maar. Ale powstałe kompozycje można nazwać portretami raczej warunkowo - ich głównym tematem była magiczna doskonałość zaokrąglonych kształtów i linii.
Równolegle z tego rodzaju twórczością, sławiącą radość życia, Picasso maluje postacie kobiece, które jego wyobraźnia zamieniła w straszne surrealistyczne potwory, jak na obrazie „Dziewczyny ze statkiem-zabawką” również z 1937 roku. Wszystko to osiąga punkt kulminacyjny w filmie Kobieta czesająca włosy z 1940 roku. Naga postać kobieca wygląda tutaj jak potężna chimera. Nie trzeba dodawać, że rzecz ta stała się alegorią horroru, w jakim pogrążyła się Francja. Ale w paradoksalny sposób rysy Dory Maar i Marie-Thérèse Walter domyślają się także w „Płaczącej kobiecie”, „Kobiecie czesającej włosy” oraz w zniekształconych kobiecych twarzach „Guerniki”. A nazwa nadana wystawie portretów kobiecych Picassa nie jest przypadkowa.
(Koniec na stronie 13)
Pablo Picasso, lata 20. XX wieku
Pablo Picasso. „Siedząca kobieta” (portret Fernandy) 1909, 81 × 65 cm, olej, płótno
Wszyscy znają Pabla Picassa – genialnego artystę, ale niewiele osób zna go od strony, którą zwrócił się do kobiet. Można go śmiało nazwać niszczycielem – niemal wszyscy, których kochał, oszaleli lub popełnili samobójstwo. Mówił, że kobiety przedłużają życie, a jeśli kogoś lubił, tworzył cały cykl prac. Dokładnie 45 lat temu, w wieku 91 lat, zmarł Picasso – proponujemy przypomnieć siedem muz artysty.
Fernanda Olivier
Modelka Fernande Olivier – pierwsza wielka miłość – Picasso poznała się w Paryżu w 1904 roku. To od pojawienia się Fernandy ponury obraz Picassa nabrał kolorów. Byli młodzi, szybko się zjednoczyli i wspólnie przeszli przez biedę i zapomnienie pierwszej dekady życia artysty w Paryżu. Kiedy jego obrazy zaczęły się kupować, ich związek już się kończył. Picasso bez żalu zerwał z byłymi kochankami: stało się to z Fernandą, gdy artysta poznał Marcela Humberta, który stał się jego uczuciem na trzyletni okres kubizmu. Portret Fernandy „Kobieta z gruszkami” – jeden z pierwszych eksperymentów epoki wczesnego kubizmu.
Pablo Picasso, Kobieta z gruszkami (Fernanda), 1909
Fernanda Olivier, około 1909 r
Olga Chochłowa
Balerina Olga Khokhlova – pierwsza żona i matka pierwszego dziecka – Picasso poznała się we Włoszech w 1917 roku podczas pracy nad „Pory roku” rosyjskimi. Diagilew ostrzegł Picassa, że z Rosjankami nie żartują, oni się z nimi żenią. Olga Khokhlova nie tylko została żoną Picassa - poślubił ją zgodnie z obrządkiem prawosławnym. Po rozstaniu po 17 latach sprzecznego życia rodzinnego nigdy się nie rozwiedli – Picasso nie chciał dzielić majątku po równo, czego wymagały warunki umowy małżeńskiej.
Ochłodzenie żony przyszło wraz z ochłodzeniem burżuazyjnego życia, które Khokhlova tak bardzo kochała. Napięta relacja znalazła odzwierciedlenie w obrazach - jeśli na początku ich historii miłosnej portrety Olgi są realistyczne, to do czasu rozpadu małżeństwa Picasso maluje ją wyłącznie w stylu surrealizmu. „Kobieta w kapeluszu” powstała w 1935 roku – roku, w którym Olga dowiedziała się, że Picasso ma dziecko od swojej kochanki Marie-Therese Walter. Choć odeszła, przez wiele lat podążała za Picassem – śmierć w 1955 roku przyniosła artyście jedynie ulgę. 
Pablo Picasso, „Kobieta w kapeluszu (Olga)”, 1935
Olga Khokhlova, około 1917 r
Marii Teresy Walther
Marie-Therese Walter pojawiła się w życiu Picassa w 1927 roku. Ona miała zaledwie 17 lat, on miał już 45. Przed spotkaniem z artystą nawet nie słyszała jego imienia. W 1935 roku Walter urodził córkę Mayę, którą odwiedzał nawet po rozstaniu z matką. Przez wiele lat Maria Teresa pisała czułe listy do swojego byłego kochanka, które czytał nowym dziewczynom. Popełniła samobójstwo cztery lata po śmierci Picassa. Zwykle artysta przedstawiał ją jako blondynkę z krótką fryzurą, ale na portrecie z 1937 roku pojawia się jasny makijaż i pomalowane paznokcie – znak, że Picasso miał romans z Dorą Maar. 
Pablo Picasso, „Portret Marii Teresy”, 1937
Marie-Teresa Walter, około 1928 r
Dora Maar
Dora Maar to ta sama „płacząca kobieta” Picassa. Fabuła ta odzwierciedla nie tylko postrzeganie przez artystę charakteru tej kobiety, ale także przedwojenne nastroje w Europie. W chwili ich znajomości w 1935 roku Dora sama była już uznaną artystką i fotografką – ich związek był bardziej intelektualny niż romantyczny. Zerwanie z Picassem po dziewięcioletnim romansie sprowadziło Dorę do kliniki psychiatrycznej, a przez ostatnie lata prowadziła samotny tryb życia. Przed tobą jeden z najsłynniejszych obrazów z serii „płaczących kobiet”. 
Pablo Picasso, Płacząca kobieta (Dora Maar), 1937
Dora Maar, około 1955 r
Franciszka Gilot
Françoise Gilot jest jedyną kobietą, której po dziesięcioletnim romansie z Picassem udało się wyjść z wody na sucho. Artysta poznał w restauracji Françoise, która pasowała na jego wnuczkę, w 1943 roku – była doskonałą towarzyszką i z czasem Picasso zaczął jej potrzebować. Françoise urodziła dwójkę dzieci, syna Claude'a i córkę Palomę, i wyjechała z nimi w 1953 roku, stając się jedyną kobietą, której udało się bez problemów psychicznych wyjść spod wpływu Picassa - miała miejsce jako artystka, dwukrotnie wyszła za mąż, napisała książkę książka o Picasso, która stała się podstawą filmu „Życie z Picassem” z Anthonym Hopkinsem w roli głównej. Wizerunek „kobiety-kwiatu” pojawił się wiosną 1946 roku, kiedy artysta ostatecznie namówił Francoise, aby do niego zamieszkała. 
Pablo Picasso, Kobieta-Kwiat (Francoise Gilot), 1946
Françoise Gilot, 1973
Sylweta Dawid
Sylvette David, z którą Picasso nigdy nie miał bliskiego związku, stała się muzą artysty w latach pięćdziesiątych XX wieku - w 1954 roku pozowała mu kilkakrotnie, co zaowocowało całą serią prac - można je łatwo odgadnąć po wspaniałym kucyku blond włosów . Romans z Sylvette nie doszło – dziewczynie zawsze towarzyszył pan młody, a ona sama czuła się nieswojo przy celebrytce, ale znajomość z wielkim artystą grała jej na rękę – Picasso dał jej jeden z portretów, a wraz z nim za pieniądze z jego sprzedaży mogła kupić dom w Paryżu. 
Pablo Picasso, „Portret Sylvette David na zielonym krześle”, 1954
Sylvette David, 1954
Jacqueline Rock
Jacqueline Rock – ostatnia miłość Picassa i druga oficjalna żona – stała się główną bohaterką jego obrazów w ciągu ostatnich 20 lat. W chwili ich znajomości w 1953 roku ona miała 27 lat, on 73. Jacqueline zniosła jego trudny charakter i nazwała go prałatem – mieszkał z nią aż do śmierci. Ciężko przeżyła odejście Picassa, balansując na granicy szaleństwa, a 13 lat później, w przededniu retrospektywy jego twórczości, zastrzeliła się. „Jacqueline with Crossed Arms” to jeden z najsłynniejszych portretów ostatniej muzy Picassa. 
Pablo Picasso, Jacqueline z rękami skrzyżowanymi, 1954
Jacqueline Rock, 1955
Uwagi
2016Aleksandra, Biełgorod
31 marca
Niesamowite, cudowne zdjęcie. Piękno zewnętrzne, a w środku głęboka pustka i ból. Jakież to nowoczesne, ile takich kobiet jest teraz wokół!
2015
2013
Romana w Petersburgu
17 grudnia
Zdjęcie jest bardzo, bardzo piękne! Mam absolutnie identyczny egzemplarz (w oleju) wiszący w domu jak oryginał, dokładnie taki sam i pod względem wielkości. To zdjęcie wykonał bardzo dobry artysta. Cieszę się z tego zdjęcia w domu, po prostu nie mogę się nim nacieszyć.
Oferowali 120t.r., ale tak naprawdę nie chcę go sprzedawać, to zbyt dobra kopia))
Paweł,
29 maja
Niesamowity obraz, niezwykła gama kolorów. Warto obejrzeć na żywo, burzę uczuć.
Mediolan, Soczi
27 marca
Podoba mi się to zdjęcie!! Artysta przekazuje swoje uczucia i emocjonalność. Ponieważ artyści zawsze zostawiają cząstkę siebie, przynajmniej małą, to robią. Tutaj artysta wyraźnie przekazał swój ból, jak źle i smutno się czuł. Pablo Picasso zdradził określenie kształty geometryczne, najwyraźniej chciał przekazać wtedy, kiedy płaczemy, co się w nas dzieje. Bardzo mi szkoda tej dziewczyny.
Cyryl, Kowrow
03 marca
Ze zdjęcia kobieta patrzy na nas oczami bezdennymi, pełnymi smutku i bólu. W dłoniach trzyma chusteczkę, którą mocno ściska w zębach, jakby cierpiała ból nie do zniesienia. Tyle że ten ból nie jest cielesny, ale duchowy Obraz oddaje bardzo silne uczucie smutku i tęsknoty, co jest bardzo niezwykłe obraz jest namalowany w jasnych i nasyconych kolorach. Za kobietą znajduje się żółta ściana, symbolizująca otaczający ją szczęśliwy świat, który nie podziela jej smutku. Na policzkach kobiety są łzy, ale w jej oczach nie ma ich. To pokazuje że smutek mija, czas leczy rany.
2012
Ola-la, Krasnojarsk
01 listopada
Na tym zdjęciu widzę nie tylko smutek kobiety, ale także jej wewnętrzne przeżycia.
Aleksiej,
10 czerwca
Zrozumienie wymaga staranności. NATO to i sztuka, jakiej nie zobaczysz w naturze! Po tysięcznym zdjęciu esencja zaczyna chować się głębiej w szczegółach.
Pięciolatek, Chabarowsk
27 maja
Jako dziecko bardzo przeraziło mnie to zdjęcie w czasopiśmie „Science and Life”. Do tego dołączono jadowity komentarz, jak mówią, okazało się, że niektórzy pacjenci widzą świat dokładnie tak, jak Picasso. Stąd wniosek: czy był chory…
Z biegiem lat zrozumiałem jednak, że wszystko jest o wiele głębsze i lepsze. A gazetom nie należy ufać w sprawach sztuki.
Dima, Zaporoże
15 stycznia
Trochę dziwne. (jakiś idiotyzm (komentarz innej osoby))
2011
2010
Marusja, Barnauł
28 grudnia
Najbardziej zaskakuje mnie to, jak artystka potrafiła przekazać smutek kobiety za pomocą czystych, jasnych i bogatych kolorów.
Tatiana, Wołgodońsk
06 września
Nie da się dokładniej wyrazić tego żalu...
Walentego w Petersburgu
04 września
Prawdziwy żal! Możesz płakać!
Nastya, Moskwa
02 sierpnia
Nawiasem mówiąc, to zdjęcie jest najbardziej wyrazistym dziełem Pabla Picassa. Widać, że smutek jest taki, że nie ma nic gorszego.
Natalia,
20 kwietnia
Pewnie on sam był smutny, kiedy malował...
2009
Natalii, Moskwa
07 listopada
i moim zdaniem temperament Dory jest bardzo trafnie oddany
Eugeniusz, Samara
28 października
Szkoda tej kobiety, artysta mocno ją okaleczył. Oto ryk.
Kola, Łuck
03 lutego
obraz jest faktycznie wrogi. choć jest to całkowicie abstrakcyjne, ale cierpienie kobiety jest oddane realistycznie. Super.
Obraz hiszpańskiego artysty Pabla Picassa * „Płacząca kobieta”
Rok założenia: 1936
Technika: Olej na płótnie
Wymiary: 61 x 50 cm
Kolekcja: Londyn, Tate Gallery
Okres twórczy: lata wojny
Tematyka: Płacząca kobieta
Opis obrazu Pabla Picassa „Płacząca kobieta”
Pablo Picasso zawsze zadziwiał ludzi swoją umiejętnością malowania obrazów. Jego obrazy niezmiennie stawały się arcydziełami. Oczywiście Salvador Dali był bardziej ekstrawagancki, ale Picasso miał też osobliwą wizję otaczającego go świata. Dowodem jest na przykład obraz „Płacząca kobieta”.
Pomimo jasnych kolorów zastosowanych przez artystę obraz jest bardzo smutny. I każdy, kto patrzy na płaczącą kobietę, rozumie to, czuje w jej oczach nieopisany smutek. Po jednorazowym spojrzeniu na nią zaczynasz się zastanawiać, co się z nią stało. Taka udręka odbija się w oczach kobiety, że mimowolnie zaczynasz z nią współczuć. Być może straciła ukochaną osobę, a jej serce jest rozdarte na kawałki. Można się tylko domyślać, co było prawdziwą przyczyną tak głębokiego smutku i nieszczęśliwego wyrazu twarzy.
Autorka, jakby otwierając jasną maskę, pokazuje widzowi prawdziwe emocje kobiety. Przedstawia tę prawdę w szarych, bladych barwach: jak kobieta trzyma chusteczkę, przyciskając ją do twarzy, jak zacisnęła zęby, z całych sił powstrzymując łzy. Ale spuszczają policzki bez pytania o pozwolenie.
Smutek i rozpacz zniekształciły twarz ukazanej na płótnie kobiety. Nie sposób go już rozpoznać dzięki manierze Pabla Picassa. Wiele kobiet przyznało, że to one pozowały utalentowanemu artyście, ale nie udało się tego udowodnić. A jak zweryfikowano autentyczność słów? Autor nie pozostawił żadnej szansy. Zasłonił wizerunek kobiety nie do poznania. Być może sama dama chciała pozostać anonimowa. Może jej smutek był tak wielki, że chciała być nikomu nieznana. Każdy może się tylko domyślać, kto stał się modelem Picassa i podziwiać umiejętną pracę mistrza w przekazywaniu emocji.
Pablo Picasso „Płacząca kobieta” (1937).
Płótno, olej. 61 x 50 cm
Galeria Tate w Londynie
Obraz przedstawia Dorę Maar, zawodową fotografkę, córkę chorwackiego architekta, z którą artysta pozostawał w ścisłym związku przez dziewięć lat (1936–45). Dora fotografowała kaleki, niewidomych, klochardów, łącząc piękno i brzydotę, luksus i biedę w tajemniczy, przerażający surrealizm. Twórczość Dory była odważna, awangardowa, krytycy nazywali jej styl „tragicznym barokiem” i „estetyką katastroficzną”. Maar stała się intelektualnym ujściem dla Picassa, który w chwili poznania jej przeżywał kryzys twórczy. Pchnęła go w stronę ruchu awangardowego i tematów politycznych.
Maar nauczył artystkę robienia zdjęć, a pod jego wpływem zajęła się malarstwem. Wspólnie wykonali swego rodzaju „fotograwiurę” na szkle, z której niczym z ogromnych negatywów wykonywali odbitki na papierze fotograficznym. Dora na wiele lat stała się główną modelką Picassa. Na płótnie „Płacząca kobieta” dosłownie rozciął twarz ukochanej na kawałki, odsłaniając śmiertelnie bladą duszę prawdziwego żalu: usta wykrzywione cierpieniem, zęby konwulsyjnie rozdzierają zmiętą chusteczkę. Na tym białym „wewnętrznym rdzeniu” widoczne są odciski dłoni. Płacząc, prawie zawsze ściskamy twarz dłońmi, wycieramy łzy - mistrz bardzo niezawodnie przedstawił te ręce, które nieustannie sięgają po twarz. Oczy są jak dwa guziki wszyte na krzyż - martwe plastikowe krzyżyki zamiast źrenic przekreślają życie w oczach płaczącej kobiety. „Płacząca kobieta” to zbiorowy obraz wszystkich pogrążonych w żałobie kobiet, które straciły w czasie wojny mężów i synów.