Szczegóły Kategoria: Gatunki i odmiany malarstwa Opublikowano 30.11.2015 18:35 Wyświetleń: 5414

Malarstwo pejzażowe w Rosji rozwijało się bardzo intensywnie. Reprezentuje ją wielu wspaniałych artystów, których obrazy są światowymi arcydziełami malarstwa pejzażowego.

Gatunek krajobrazu w Rosji ukształtował się ostatecznie w XVIII wieku. SF jest uważany za jego założyciela. Szczedrin.

Epoka klasycyzmu

Siemion Fiodorowicz Szczedrin (1745-1804)

Absolwent Petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych, S. Szczedrin został profesorem malarstwa pejzażowego tej Akademii. Tworzył w stylu akademickiego klasycyzmu, który nadal zajmował dominującą pozycję w rosyjskiej sztuce pejzażowej na początku XIX wieku. Dużo pracował na świeżym powietrzu. Jego pejzaże są emocjonalne.
Do jego najsłynniejszych dzieł należą widoki parków i pałaców w Pawłowsku, Gatczynie i Peterhofie.

S. Shchedrin „Widok pałacu Gatchina ze Srebrnego Jeziora” (1798)
F. Matwiejew i F. Aleksiejew pracowali w tym samym stylu.

Fiodor Michajłowicz Matwiejew (1758-1826)

Jest także absolwentem Petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych. Ale jego twórczość, w przeciwieństwie do twórczości S. Szczedrina, poświęcona jest głównie krajobrazom Włoch, gdzie mieszkał przez 47 lat i gdzie zmarł.
Jego pejzaże wyróżniają się łatwością wykonania, dokładnością, ciepłą kolorystyką i szczególną umiejętnością przedstawiania odległych planów.

F. Matveev „Sąsiedztwo pod Tivoli” (1819). Państwowa Galeria Trietiakowska (Moskwa)

Fiodor Jakowlewicz Aleksiejew (1753/1755-1824)

F. Aleksiejew – jeden z twórców rosyjskiego krajobrazu miejskiego, największy mistrz rosyjskiej weduty.
Ukończył Akademię Sztuk Pięknych, doskonalił się w Wenecji jako artysta teatralny, ale jednocześnie malował pejzaże. Później całkowicie porzucił pracę nad scenografią teatralną i zajął się swoją ulubioną rzeczą - pejzażem. Jego miejskie pejzaże wyróżnia liryzm i subtelność wykonania.

F. Aleksiejew „Widok zamku Michajłowskiego w Petersburgu z Fontanki”. Muzeum Rosyjskie (Petersburg)

Andriej Efimowicz Martynow (1768-1826)

Rosyjski pejzażysta. Absolwent Akademii Sztuk Pięknych. Długo mieszkał w Rzymie, potem wrócił do Rosji i został akademikiem malarstwa. Podróżował z ambasadą rosyjską do Pekinu i malował wiele widoków miejscowości syberyjskich i chińskich; następnie odwiedził Krym i brzegi Wołgi, skąd też zapożyczał tematy do swoich pejzaży. Podjął drugą podróż do Włoch i zmarł w Rzymie.

A. Martynow „Widok na rzekę Selengę na Syberii”

Epoka romantyzmu

W tym okresie najwybitniejszymi pejzażystami byli S. Shchedrin (1791-1830), V. Sadovnikov (1800-1879), M. Lebedev (1811-1837), G. Soroka (1823-1864) i A. Venetsianov ( 1780-1847).

Sylwester Feodosiewicz Szczedrin (1791-1830)

S. Szczedrin „Autoportret” (1817)
Urodzony w rodzinie słynnego rzeźbiarza F.F. Szczedrin. Artysta Siemion Szczedrin jest jego wujem. W wieku 9 lat został przyjęty do grona uczniów Akademii Sztuk Pięknych.
Jego pierwsze obrazy były malowane w stylu klasycystycznym, wiernym naturze, ale nie wykształciły jeszcze indywidualnego charakteru pisma artysty.
Autor włoskich pejzaży morskich.
W pejzażach z lat 1828-30. jest już romantyczne uniesienie, chęć złożonych efektów świetlnych i kolorystycznych. Zdjęcia są niepokojąco dramatyczne.

S. Szczedrin „Księżycowa noc w Neapolu”

Grigorij Wasiljewicz Soroka (prawdziwe nazwisko Wasiliew) (1823-1864)

G. Soroka „Autoportret”

Rosyjski malarz forteczny. Studiował malarstwo u AG Venetsianov i był jednym z jego ulubionych uczniów. Wenecjanow poprosił właściciela ziemskiego, aby dał Grigorijowi wolność, aby mógł kontynuować naukę w Akademii Sztuk Pięknych, ale nie mógł tego osiągnąć - właściciel ziemski przygotował go dla ogrodników. Po reformie chłopskiej brał udział w rozruchach chłopskich przeciwko właścicielowi ziemskiemu. Pisał skargi społeczności chłopskiej na swojego właściciela ziemskiego, za co został aresztowany na 3 dni. Uważa się, że to aresztowanie było przyczyną samobójstwa artysty.
Jak większość artystów ze szkoły wenecjanowskiej, G. Soroka malował pejzaże miejskie i wiejskie, wnętrza, martwe natury. Dzieła szkoły weneckiej odznaczają się poetycką bezpośredniością przedstawiania otaczającego życia.

G. Soroka „Widok u Spasskiego” (druga połowa lat 40. XIX wieku)

Aleksiej Gawriłowicz Wenecjanow (1780-1847)

A. Venetsianov „Autoportret” (1811)
Jeden z pierwszych, który pokazał urok mrocznej natury pasa środkowo-rosyjskiego.
Rodzina wenecka pochodziła z Grecji.
A. G. Venetsianov był najbardziej znany z malowanych przez siebie wizerunków chłopów. Ale na wielu jego obrazach jest pejzaż - artysta doskonale potrafił oddać światłocień.
A. Venetsianov jest autorem artykułów teoretycznych i notatek o malarstwie.

A. Wenecjanow „Śpiący pasterz” (1823-1824)

Malarstwo pejzażowe drugiej połowy XIX wieku

W drugiej połowie XIXw. malarstwo pejzażowe w Rosji zaczęło się rozwijać w różnych stylach: M. Vorobyov, I. Aivazovsky, L. Lagorio, A. Bogolyubov nadal malowali w stylu romantycznym.
P. Suchodolski (1835-1903) pracował w technice sepii. Sepia- technika obrazowa powszechna w malarstwie, rysunku i fotografii. Dosłownie słowo „sepia” jest tłumaczone jako „mątwa” - pierwotnie farba tego koloru dla artystów jest wytwarzana z worków z atramentem mątwy i kałamarnicy. Ta torba pomaga małżom ukryć się przed niebezpieczeństwem: wyrzuca farbę, która natychmiast się rozprowadza i sprawia, że ​​tysiące litrów wody są całkowicie nieprzejrzyste dla drapieżnika. Obecnie istnieje również sztuczna sepia dla artystów, ale używana jest również naturalna sepia, która jest przywożona ze Sri Lanki. Uważa się, że to naturalna sepia ma bardziej nasycony kolor, jest bardziej odporna niż sztuczna.

P. Suchodolski „Na wsi zimą” (1893)
Wielu malarzy zaczęło pracować w realistycznym stylu (I. Shishkin), bajecznie poetyckiej formie (V. Vasnetsov), w epickim gatunku (M. Klodt) itp. Nie można opowiedzieć o twórczości wszystkich artystów tego okresu, zatrzymamy się tylko na niektórych nazwiskach.

Fiodor Aleksandrowicz Wasiliew (1850-1873)

F. Wasiliew „Autoportret”

Rosyjski pejzażysta, który zmarł bardzo młodo, ale pozostawił po sobie wiele wspaniałych krajobrazów.
Jego obraz „Odwilż” natychmiast stał się wydarzeniem w rosyjskim życiu artystycznym. Jej autorskie powtórzenie, w cieplejszych barwach, zostało pokazane na Wystawie Światowej w 1872 roku w Londynie.

F. Wasiliew „Odwilż” (1871). Państwowa Galeria Trietiakowska (Moskwa)
PO POŁUDNIU. Trietiakow kupił obraz jeszcze przed rozpoczęciem wystawy. Powtórzenie obrazu nakazał cesarz Aleksander III, to właśnie ta kopia znajdowała się w Londynie.

F. Wasiliew „Mokra łąka” (1872). Państwowa Galeria Trietiakowska (Moskwa)

Wiktor Elpidiforowicz Borysow-Musatow (1870-1905)

V. Borysow-Musatow „Autoportret”

Ten artysta o zaskakująco czystej duszy skłaniał się ku uogólnionym obrazom, kolorowym i dekoracyjnym pejzażom.

W. Borysow-Musatow „Wiosna” (1898-1901)
Umiał wyrazić nastrój poprzez stan natury. Wiosna z kwitnącymi drzewami i „puszystymi” mleczami pogrąża człowieka w stanie jasnej radości i nadziei.

Borys Michajłowicz Kustodiew (1878-1927)

B. Kustodiew „Autoportret” (1912)
B. Kustodiew jest uważany za mistrza portretu. Ale wiele jego prac wykraczało poza to - zwrócił się do krajobrazu. Na początku XX wieku przez kilka lat z rzędu podróżował do prowincji Kostroma na prace terenowe i stworzył wiele obrazów z gatunku domowego i pejzażowego. Przywiązywał dużą wagę do linii, rysunku, plamy barwnej.

B. Kustodiew „Zapusty” (1903). Państwowe Muzeum Rosyjskie (Petersburg)
W tym samym okresie plenery ostatecznie zadomowiły się w rosyjskim malarstwie pejzażowym. W dalszym rozwoju krajobrazu najważniejszą rolę odegrał impresjonizm, który wpłynął na twórczość prawie wszystkich poważnych malarzy w Rosji.

Aleksiej Kondratiewicz Sawrasow (1830-1897)

A. Savrasov (1870)
AK Savrasov stał się twórcą lirycznego pejzażu, udało mu się pokazać niezamierzone piękno i delikatność dyskretnej rosyjskiej natury.
A. Savrasov ukończył Moskiewską Szkołę Malarstwa i Rzeźby. Nazwisko Savrasova rozsławiło dzieło „Widok Kremla z mostu krymskiego w niepogodę”. Według historyka sztuki N. A. Ramazanova artysta „przekazał… tę chwilę niezwykle wiernie i żywo. Widzisz ruch chmur i słyszysz szelest gałęzi drzew i wirującej trawy – będzie ulewa.

A. Savrasov „Widok Kremla z mostu krymskiego w niepogodę” (1851)
Najbardziej znanym dziełem A. Savrasova jest obraz „Przybyły gawrony”. Ale stał się tak kultowy, że przyćmił wszystkie inne jego wspaniałe krajobrazy.
Życie artysty nie było zbyt szczęśliwe i zakończyło się tragicznie. Jego ukochany uczeń Izaak Lewitan napisał: „Od Savrasowa pojawiły się teksty w malarstwie pejzażowym i bezgraniczna miłość do ojczyzny.<...>i ta jego niewątpliwa zasługa nigdy nie zostanie zapomniana w dziedzinie sztuki rosyjskiej. A krytyk literacki I. Gronsky uważał, że „w malarstwie rosyjskim jest niewielu Savrasowów… Savrasov jest dobry w jakiejś intymności, tylko w swoim charakterystycznym postrzeganiu natury”.

Michaił Wasiljewicz Niestierow (1862-1942)

M. Niestierow „Autoportret” (1915)
M. Niestierow, uczeń A. Sawrasowa, portretował także dyskretne piękno środkowo-rosyjskiej przyrody. Stworzył unikalny typ krajobrazu, bliski duchowi I. Lewitana - liryczny, pozbawiony błyskotliwości i jasnych kolorów, nasycony miłością do Rosji. Krajobraz ten nazywano wówczas „Nesterovsky”. Niezmiennymi „charakterami” jego pejzażu są cienkie brzozy o białych pniach, skarłowaciałe jodły, stłumiona zieleń wiosennego lub jesiennego lasu, szkarłatne kiście jarzębiny, wierzby z kudłatymi baziami, ledwo zauważalne kwiaty, bezkresne przestrzenie, ciche, spokojne wody z lasami odbijającymi się w nich jak zamrożone. Inną charakterystyczną cechą krajobrazu Niestierowa jest to, że uduchowiona natura na jego płótnach zawsze łączy się w harmonii z lirycznym nastrojem bohaterów, wczuwa się w ich los.

M. Niestierow „Wizja dla młodzieży Bartłomiej”

Arkhip Iwanowicz Kuindzhi (1841 lub 1842-1910)

V. Vasnetsov „Portret Kuindzhi” (1869)
Rosyjski artysta pochodzenia greckiego. Był bardzo biedny, zarabiał jako retuszer, podejmował nieudane próby wstąpienia do Akademii Sztuk Pięknych. Dopiero za trzecim podejściem został wolontariuszem w Imperial Academy of Arts. W tym czasie poznał Wędrowców, wśród których byli I. N. Kramskoy i I. E. Repin. Ta znajomość wywarła ogromny wpływ na twórczość Kuindzhiego, wyznaczając początek jego realistycznego postrzegania rzeczywistości.
Ale w przyszłości Stowarzyszenie Wędrowców stało się dla niego pod wieloma względami ograniczające, ograniczające jego talent do ścisłych granic, więc nastąpiło z nim zerwanie.
Kuindzhi przyciągnęła malownicza gra światła i powietrza. A to, jak już wiemy, jest oznaką impresjonizmu.

A. Kuindzhi „Księżycowa noc nad Dnieprem” (1880). Państwowe Muzeum Rosyjskie (Petersburg)

A. Kuindzhi „Brzozowy gaj” (1879). Państwowa Galeria Trietiakowska (Moskwa)
Inni znakomici pejzażyści XIX wieku: Wasilij Polenow (1844-1927), Konstanty Korowin (1861-1939), Ilja Repin (1844-1930), Nikołaj Ge (1831-1894), Walentyn Sierow (1865-1911), Kiriak Kostandi ( 1852-1921), Nikolai Dubovskoy (1859-1918) i inni.To artyści rosyjskiego impresjonizmu.
Los wielu z nich nie był łatwy ze względu na zapoczątkowany w latach 30. negatywny stosunek do „pracy etiudalnej”, ich twórczość zaczęto oceniać z insynuacjami, unikając bezpośredniej charakterystyki ich stylu.
Spójrzmy tylko na ich wspaniałe krajobrazy.

V. Borysow-Musatow „Jesienna piosenka” (1905)

I. Repin „Co za przestrzeń!” (1903)

K. Korovin „Jesienny krajobraz” (1909)

Malarstwo pejzażowe w XX wieku

W malarstwie pejzażowym XX wieku. rozwinęli tradycje i nurty ustanowione w XIX wieku: Piotr Konczałowski (1876-1956), Igor Grabar (1871-1960), Konstantin Yuon (1875-1968) i inni artyści.

I. Grabar „Marcowy śnieg” (1904)
Następnie rozpoczęto poszukiwania nowych środków wyrazu, aby przekazać krajobraz. I tutaj należy wymienić nazwiska artystów awangardowych Kazimierza Malewicza (1879-1935), Wassily'ego Kandinsky'ego (1866-1944), Natalii Gonczarowej (1881-1962).

K. Malewicz „Krajobraz. Zima ”(1909)
Paweł Kuzniecow (1878-1968), Nikołaj Krymow (1884-1958), Martiros Saryan (1880-1972) i inni tworzyli swoje pejzaże w duchu symbolizmu.

P. Kuzniecow „W stepie. Miraż (1911)
W dobie metody socrealizmu wciąż rozwijały się nowe formy, indywidualne style i techniki. Wśród pejzażystów można wyróżnić Wasilija Bakszejewa (1862-1958), Nikołaja Krymowa (1884-1958), Nikołaja Romadina (1903-1987) i innych, którzy rozwinęli liryczną linię pejzażu.

V. Baksheev „Niebieska wiosna” (1930). Państwowa Galeria Trietiakowska (Moskwa)
Konstantin Bogaevsky (1872-1943), Alexander Samokhvalov (1894-1971) i inni pracowali w gatunku krajobrazu przemysłowego.
Alexander Deineka (1899-1969), Georgy Nissky (1903-1987), Boris Ugarov (1922-1991), Oleg Loshakov (1936) pracowali w wypracowanym przez siebie „surowym stylu”.

G. Nissky „Zielona droga” (1959)
Krajobraz to wieczny temat i wieczny gatunek, jest niewyczerpany.

Współczesny artysta A. Sawczenko „W lecie”

Majestatyczne i różnorodne rosyjskie malarstwo zawsze cieszy publiczność swoją niestałością i doskonałością form artystycznych. Taka jest specyfika dzieł znanych mistrzów sztuki. Zawsze zaskakiwali niezwykłym podejściem do pracy, pełnym szacunku podejściem do uczuć i doznań każdej osoby. Być może dlatego rosyjscy artyści tak często przedstawiali kompozycje portretowe, które żywo łączyły emocjonalne obrazy i epicko spokojne motywy. Nic dziwnego, że Maksym Gorki powiedział kiedyś, że artysta jest sercem swojego kraju, głosem całej epoki. Rzeczywiście, majestatyczne i eleganckie obrazy rosyjskich artystów żywo oddają inspirację ich czasów. Podobnie jak aspiracje słynnego autora Antona Czechowa, wielu starało się wprowadzić do rosyjskich obrazów niepowtarzalny smak swojego ludu, a także nieugaszone marzenie o pięknie. Trudno nie docenić niezwykłych płócien tych mistrzów majestatycznej sztuki, ponieważ pod ich pędzlem narodziły się naprawdę niezwykłe dzieła różnych gatunków. Malarstwo akademickie, portretowe, historyczne, pejzażowe, dzieła romantyzmu, modernizmu czy symbolizmu – wszystkie nadal dostarczają odbiorcom radości i inspiracji. Każdy znajdzie w nich coś więcej niż kolorowe kolory, wdzięczne linie i niepowtarzalne gatunki sztuki światowej. Być może takie bogactwo form i obrazów, jakim zaskakuje malarstwo rosyjskie, wiąże się z ogromnym potencjałem otaczającego świata artystów. Lewitan powiedział również, że w każdej nucie bujnej natury jest majestatyczna i niezwykła paleta kolorów. Z takim początkiem dla pędzla artysty pojawia się wspaniała przestrzeń. Dlatego wszystkie rosyjskie obrazy wyróżniają się wyjątkową surowością i atrakcyjnym pięknem, od którego tak trudno się oderwać.

Malarstwo rosyjskie słusznie odróżnia się od sztuki światowej. Faktem jest, że aż do XVII wieku malarstwo domowe kojarzone było wyłącznie z tematyką religijną. Sytuacja zmieniła się wraz z dojściem do władzy cara-reformatora – Piotra Wielkiego. Dzięki jego reformom rosyjscy mistrzowie zaczęli zajmować się malarstwem świeckim, a malowanie ikon wyodrębniło się jako odrębny kierunek. Wiek XVII to czas takich artystów jak Szymon Uszakow czy Iosif Władimirow. Następnie w rosyjskim świecie sztuki portret narodził się i szybko stał się popularny. W XVIII wieku pojawili się pierwsi artyści, którzy przeszli od portretu do malarstwa pejzażowego. Zauważalna jest wyraźna sympatia mistrzów do zimowych panoram. Wiek XVIII zapamiętano także jako narodziny malarstwa codziennego. W XIX wieku popularność w Rosji zyskały trzy nurty: romantyzm, realizm i klasycyzm. Tak jak poprzednio, rosyjscy artyści nadal zwracali się do gatunku portretowego. Wtedy pojawiły się znane na całym świecie portrety i autoportrety O. Kiprensky'ego i V. Tropinina. W drugiej połowie XIX wieku artyści coraz częściej przedstawiają prosty naród rosyjski w jego uciskanym państwie. Realizm staje się głównym nurtem malarstwa tego okresu. Wtedy pojawili się Wędrowcy, przedstawiający tylko prawdziwe, prawdziwe życie. Cóż, wiek XX to oczywiście awangarda. Artyści tamtych czasów znacząco wpłynęli zarówno na swoich wyznawców w Rosji, jak i na całym świecie. Ich obrazy stały się prekursorami abstrakcjonizmu. Malarstwo rosyjskie to ogromny wspaniały świat utalentowanych artystów, którzy swoimi dziełami wychwalali Rosję

Lew Kamieniew (1833 - 1886) „Krajobraz z chatą”

Pejzaż, jako niezależny gatunek malarstwa, zadomowił się w Rosji około połowy XVIII wieku. A przed tym okresem pejzaż był tłem dla obrazu kompozycji ikonowych lub części ilustracji książkowych.

O pejzażu rosyjskim XIX wieku napisano wiele i tacy, bez przesady, wielcy znawcy malarstwa pisali, że w zasadzie nie mam nic do dodania.

Pionierami rosyjskiego malarstwa pejzażowego są Siemion Szczedrin, Fiodor Aleksiejew i Fiodor Matwiejew. Wszyscy ci artyści studiowali malarstwo w Europie, co pozostawiło pewien ślad w ich przyszłej twórczości.

Szczedrin (1749 - 1804) zasłynął jako autor dzieł przedstawiających cesarskie parki wiejskie. Aleksiejew (1753 - 1824) był nazywany rosyjskim Canaletto za pejzaże przedstawiające zabytki architektury Sankt Petersburga, Gatczyny i Pawłowska w Moskwie. Matveev (1758 - 1826) większość życia pracował we Włoszech i pisał w duchu swojego nauczyciela Hackerta. Prace tego utalentowanego włoskiego artysty naśladował także M.M. Iwanow (1748 - 1828).

Eksperci zwracają uwagę na dwa etapy rozwoju rosyjskiego malarstwa pejzażowego XIX wieku, które nie są ze sobą organicznie powiązane, ale są wyraźnie rozróżnialne. Te dwa kroki to:

• realistyczny;
• romantyczny.

Granica między tymi obszarami została wyraźnie wytyczona do połowy lat 20. XIX wieku. W połowie XVIII wieku malarstwo rosyjskie zaczęło uwalniać się od racjonalizmu klasycznego malarstwa XVIII wieku. A rosyjski romantyzm, jako osobne zjawisko w malarstwie rosyjskim, ma ogromne znaczenie w tych przemianach.

Rosyjski romantyczny krajobraz rozwijał się w trzech kierunkach:

1. krajobraz miejski oparty na pracach z natury;
2. badanie przyrody rosyjskiej na podstawie „ziemi włoskiej”;
3. Rosyjski krajobraz narodowy.

A teraz zapraszam do galerii prac rosyjskich artystów XIX wieku, którzy malowali pejzaże. Wziąłem po jednym kawałku od każdego artysty – w przeciwnym razie ta galeria byłaby po prostu nieskończona.

Jeśli masz ochotę, możesz przeczytać o pracy każdego artysty (i odpowiednio przypomnieć sobie pracę artysty) na tej stronie.

Rosyjskie pejzaże XIX wieku

Vladimir Muravyov (1861 - 1940), Błękitny Las

Władimir Orłowski (1842 - 1914), „Letni dzień”

Piotr Suchodolski (1835 - 1903), Święto Trójcy Świętej

Iwan Szyszkin (1832 - 1898), „Żyto”

Jefim Wołkow (1844 - 1920), Jezioro Leśne

Nikolai Astudin (1847 - 1925), "Górska droga"

Nikołaj Siergiejew (1855 - 1919), „Letni staw”

Konstanty Kryżycki1 (1858-1911), „Zwienigorod”

Aleksiej Pisemski (1859 - 1913), „Leśna rzeka”

Józef Kraczkowski (1854 - 1914), "Wisteria"

Izaak Lewitan (1860 - 1900), „Brzozowy gaj”

Wasilij Polenow (1844-1927), Stary Młyn

Michaił Klodt (1832 - 1902), Oak Grove

Apollinary Wasniecow (1856 - 1933), Ochtyrka. Typ zagrody »

Pierwsze malownicze pejzaże pojawiły się w Rosji w drugiej połowie XVIII wieku – po otwarciu w Petersburgu w 1757 roku Cesarskiej Akademii Sztuk Pięknych, wzorowanej na akademiach europejskich, gdzie oprócz innych klas gatunkowych działa również klasa malarstwa pejzażowego. Istnieje również zapotrzebowanie na „usuwanie widoków” miejsc zapadających w pamięć i znaczących architektonicznie. Klasycyzm – i tym razem swojej dominacji – przyzwyczaja oko do postrzegania tylko tego, co budzi wysokie skojarzenia: majestatyczne budowle, potężne drzewa, panoramy, przywodzące na myśl antyczne heroizmy. Zarówno natura, jak i miejska weduta Gatunek veduta (z włoskiego veduta – widok) był obrazem miasta ze szczególnie korzystnego punktu widzenia. muszą być przedstawione w ich idealnej postaci, tak jak powinny.

Widok na Pałac Gatchina z Long Island. Obraz Siemiona Szczedrina. 1796

Wieża młyna i łuparki w Pawłowsku. Obraz Siemiona Szczedrina. 1792Regionalne Muzeum Sztuki w Samarze

Plac Czerwony w Moskwie. Obraz Fiodora Aleksiejewa. 1801Państwowa Galeria Trietiakowska

Widok na Giełdę i Admiralicję z Twierdzy Piotra i Pawła. Obraz Fiodora Aleksiejewa. 1810Państwowa Galeria Trietiakowska

Pejzaże malowane są z natury, ale z pewnością finalizowane są w warsztacie: przestrzeń podzielona jest na trzy czytelne plany, perspektywę ożywiają postaci ludzkie - tzw. sztafaż - a porządek kompozycyjny wzmacnia kolor warunkowy. Tak więc Siemion Szczedrin przedstawia Gatczynę i Pawłowsk, a Fiodor Aleksiejew przedstawia moskiewskie place i bulwary petersburskie; Nawiasem mówiąc, oboje ukończyli edukację artystyczną we Włoszech.

2. Dlaczego rosyjscy artyści malują włoskie pejzaże

W jeszcze większym stopniu następny etap rozwoju rosyjskiego krajobrazu, etap romantyczny, będzie związany z Włochami. Udając się tam jako emeryci, czyli na staż po pomyślnym ukończeniu Akademii, artyści pierwszej połowy XIX wieku z reguły nie spieszą się z powrotem. Sam południowy klimat wydaje im się oznaką braku wolności w ojczyźnie, a dbałość o klimat to chęć jego zobrazowania: konkretne światło i powietrze ciepłej, wolnej krainy, gdzie zawsze trwa lato. Otwiera to możliwość opanowania plenerów malarskich - umiejętność budowania kolorystyki w zależności od rzeczywistego oświetlenia i atmosfery. Dawny, klasycystyczny pejzaż wymagał heroicznej scenerii, skupionej na tym, co znaczące, na tym, co wieczne. Teraz natura staje się środowiskiem, w którym żyją ludzie. Oczywiście romantyczny pejzaż (jak każdy inny) to także selekcja - w kadr wchodzi tylko to, co wydaje się piękne: tylko to jest kolejna piękna rzecz. Krajobrazy, które istnieją niezależnie od człowieka, ale mu sprzyjają - takie wyobrażenie o „właściwej” naturze pokrywa się z włoską rzeczywistością.

Księżycowa noc w Neapolu. Malarstwo Sylwestra Szczedrina. 1828Państwowa Galeria Trietiakowska

Grota Matromanio na wyspie Capri. Malarstwo Sylwestra Szczedrina. 1827Państwowa Galeria Trietiakowska

Wodospady w Tivoli. Malarstwo Sylwestra Szczedrina. Wczesne lata 20. XIX wiekuPaństwowa Galeria Trietiakowska

Weranda pokryta winogronami. Malarstwo Sylwestra Szczedrina. 1828Państwowa Galeria Trietiakowska

Sylwester Szczedrin mieszkał we Włoszech przez 12 lat iw tym czasie udało mu się stworzyć swoisty słownik tematyczny romantycznych motywów pejzażowych: księżycowej nocy, morza i groty, z której otwiera się morze, wodospadów i tarasów. Jej charakter łączy w sobie uniwersalność i intymność, przestrzeń i możliwość ukrycia się przed nią w cieniu winorośli. Te pergole lub tarasy są jak wewnętrzne ogrodzenia w nieskończoności, gdzie z widokiem na Zatokę Neapolitańską włóczęga lazzaroni oddaje się błogiemu bezczynności. Wydają się być częścią samej kompozycji krajobrazu - wolne dzieci dzikiej przyrody. Szczedrin, zgodnie z oczekiwaniami, sfinalizował swoje obrazy w pracowni, ale jego styl malarski wykazuje romantyczne podniecenie: otwarte pociągnięcie pędzla rzeźbi formy i faktury rzeczy, jakby w tempie ich natychmiastowego zrozumienia i reakcji emocjonalnej.

Pojawienie się Mesjasza (pojawienie się Chrystusa ludziom). Malarstwo Aleksandra Iwanowa. 1837–1857Państwowa Galeria Trietiakowska

Ukazanie się Chrystusa ludziom. Wstępny szkic. 1834

Ukazanie się Chrystusa ludziom. Szkic napisany po wycieczce do Wenecji. 1839Państwowa Galeria Trietiakowska

Ukazanie się Chrystusa ludziom. Szkic „Stroganowa”. 1830Państwowa Galeria Trietiakowska

Ale Aleksander Iwanow, młodszy rówieśnik Szczedrina, odkrywa inną naturę – niezwiązaną z ludzkimi uczuciami. Przez ponad 20 lat pracował nad obrazem „Pojawienie się Mesjasza”, a pejzaże, jak wszystko inne, powstawały w pośrednim związku z nim: w rzeczywistości często były pomyślane przez autora jako szkice, ale zostały wykonane z malarską dokładnością. Z jednej strony są to opustoszałe panoramy włoskich równin i bagien (świata jeszcze nie zhumanizowanego przez chrześcijaństwo), z drugiej zbliżenia elementów natury: jednej gałęzi, kamieni w strumieniu, a nawet po prostu suchych ziemia, również ukazana panoramicznie przez niekończący się poziomy fryz Na przykład na obrazie „Gleba pod bramą kościoła św. Pawła w Albano”, namalowanym w latach 40. XIX wieku.. Dbałość o szczegóły przeplata się też z dbałością o efekty plenerowe: jak niebo odbija się w wodzie, a wyboista gleba łapie refleksy słońca – ale cała ta dokładność zamienia się w coś fundamentalnego, obraz wiecznej natury w jej fundamentalne fundamenty. Zakłada się, że Iwanow użył aparatu lucida - urządzenia, które pomaga fragmentować widzialne. Stosował go prawdopodobnie także Szczedrin, ale z innym skutkiem.

3. Jak pojawił się pierwszy rosyjski krajobraz

Na razie natura jest piękna, a więc obca: piękno odmawia się własnemu. „Rosyjscy Włosi” nie czerpią inspiracji z zimnej Rosji: jej klimat kojarzy się z brakiem wolności, z odrętwieniem życia. Ale w innym kręgu takie skojarzenia nie powstają. Nikifor Kryłow, uczeń Aleksieja Gawriłowicza Wenecjanowa, który nie podróżował poza ojczyznę i był daleki od romantycznego światopoglądu, prawdopodobnie nie znał słów Karola Bryulłowa o niemożności pisania śniegu i zimy („wszystko wyjdzie rozlane mleko ”). A w 1827 roku stworzył pierwszy krajobraz narodowy - tylko zimowy.

Zimowy krajobraz (rosyjska zima). Obraz Nikifora Kryłowa. 1827 Państwowe Muzeum Rosyjskie

W szkole, którą otworzył we wsi Safonko-vo Teraz Venetsianovo. Wenecjanow uczył „nie przedstawiać niczego inaczej, niż jest w naturze i być jej posłusznym” (w Akademii przeciwnie, uczyli skupiać się na próbkach, na sprawdzonych i idealnych). Z wysokiego brzegu Tosny przyroda otwierała się panoramicznie - w szerokiej perspektywie. Panorama jest rytmicznie zaludniona, a postacie ludzi nie gubią się w przestrzeni, są jej bliskie. Znacznie później właśnie tego typu „szczęśliwcy” — mężczyzna prowadzący konia, wieśniaczka o ograniczonym umyśle — nabyli w malarstwie nieco pamiątkowego akcentu, ale na razie jest to ich pierwsze pojawienie się i są rysowane z dbałością o widzenie z bliska. Równomierne światło śniegu i nieba, błękitne cienie i przejrzyste drzewa przedstawiają świat jako idyllę, jako centrum spokoju i właściwego porządku. Jeszcze ostrzej to postrzeganie świata zostanie ucieleśnione w pejzażach innego ucznia Wenecjanowa, Grigorija Soroki.

Pańszczyźniany artysta (Wenecjanow, który przyjaźnił się ze swoim „właścicielem”, nigdy nie był w stanie uwolnić ukochanego ucznia) Sroka jest najzdolniejszym przedstawicielem tzw. zwany). Całe życie malował wnętrza i otoczenie majątku, a po reformie 1861 roku został działaczem ludowym, za co został na krótko aresztowany i być może ukarany cieleśnie, po czym się powiesił. Inne szczegóły jego biografii są nieznane, zachowało się niewiele dzieł.

Rybacy. Zobacz w Spasskoje. Obraz Grigorija Soroki. Druga połowa lat czterdziestych XIX wieku Państwowe Muzeum Rosyjskie

Jego „Rybacy” wydają się być najcichszym obrazem w całym dorobku rosyjskiego malarstwa. I najbardziej „zrównoważony”. Wszystko odbija się we wszystkim i rymuje ze wszystkim: jeziorem, niebem, budynkami i drzewami, cieniami i światłami, ludźmi w samodziałowych białych strojach. Wiosło opuszczone do wody nie powoduje plusku, ani nawet fali na tafli wody. Perłowe odcienie płóciennej bieli i ciemnej zieleni sprawiają, że kolor staje się jasny – może wieczorowy, ale bardziej transcendentny, niebiański: rozproszony, spokojny blask. Wydaje się, że łowienie ryb implikuje akcję, ale ona nie istnieje: nieruchome postacie nie wprowadzają w przestrzeń elementu gatunkowego. A te postacie w chłopskich spodniach i koszulach nie wyglądają jak chłopi, ale postacie z epickiej opowieści lub piosenki. Betonowy pejzaż z jeziorem we wsi Spasskoje zamienia się w idealny obraz natury, cichej i nieco rozmarzonej.

4. Jak rosyjski krajobraz oddaje rosyjskie życie

Malarstwo Wenecjan w ogólnej dziedzinie sztuki rosyjskiej zajmowało skromne miejsce i nie wpadło do głównego nurtu. Do początku lat 70. XIX w. krajobraz rozwijał się zgodnie z tradycją romantyczną, przybierając na sile i przepychu; dominowały w nim włoskie pomniki i ruiny, widoki na morze o zachodzie słońca i księżycowe noce (takie krajobrazy można spotkać np. pod Aiwazowskim, a później pod Kuindzhi). A na przełomie lat 60. i 70. XIX wieku następuje ostry ponowny złom. Po pierwsze, wiąże się to z pojawieniem się na scenie natury domowej, po drugie, z faktem, że natura ta jest deklaratywnie pozbawiona wszelkich znamion romantycznego piękna. W 1871 roku Fiodor Wasiljew namalował Odwilż, którą Paweł Michajłowicz Trietiakow natychmiast nabył do kolekcji; w tym samym roku Aleksiej Sawrasow pokazał swoje późniejsze słynne „Grony” na pierwszej wystawie objazdowej (wówczas obraz nosił tytuł „Tutaj przybyły gawrony”).

Odwilż. Obraz Fiodora Wasiliewa. 1871 Państwowa Galeria Trietiakowska

Zarówno w „Odwilży”, jak iw „Wronach” pora roku nie jest określona: nie ma już zimy, nie ma jeszcze wiosny. Krytyk Stasov podziwiał, jak Savrasov „słyszał zimę”, podczas gdy inni widzowie „słyszeli” tylko wiosnę. Przejściowy, zmienny stan natury pozwolił nasycić obraz subtelnymi refleksami atmosferycznymi, nadać mu dynamizmu. Ale poza tym te krajobrazy dotyczą różnych rzeczy.

Gawrony przybyły. Malarstwo Aleksieja Sawrasowa. 1871 Państwowa Galeria Trietiakowska

Wasiliew konceptualizuje lawinę błotną – jest rzutowana na współczesne życie społeczne: ta sama ponadczasowość, nuda i beznadziejność. Cała literatura domowa, od rewolucyjno-demokratycznych pism Wasilija Slepcowa po antynihilistyczne powieści Nikołaja Leskowa (tytuł jednej z tych powieści - „Nigdzie” - mógł stać się nazwą obrazu), naprawiła niemożliwość ścieżki - ten impas, w którym mężczyzna i chłopiec gubią się w krajobrazie. Tak, i to w krajobrazie, prawda? Przestrzeń pozbawiona jest współrzędnych krajobrazowych, z wyjątkiem nędznych, ośnieżonych chat, leśnych śmieci ugrzęzłych w błocie pośniegowym i przekrzywionych drzew na górskim parasolu. Jest panoramiczny, ale przygnieciony szarym niebem, nie zasługujący na światło i kolor – przestrzeń, w której nie ma ładu. Savrasov ma coś jeszcze. Wydaje się też podkreślać prozaizm motywu: kościół, który mógłby stać się obiektem „fotografii”, ustąpił miejsca proscenium z krzywych brzóz, nozdrzy – tego śniegu i kałuż roztopionej wody. „Rosyjski” oznacza „biedny”, brzydki: „skromna natura”, jak u Tyutczewa. Ale ten sam Tiutchev, śpiewając „krainę swojej ojczystej cierpliwości”, napisał: „Nie zrozumie i nie zauważy / Dumne spojrzenie cudzoziemca, / Co świeci i potajemnie świeci / W twojej pokornej nagości” - aw "Rooks" tym sekretnym światłem jest . Niebo zajmuje połowę płótna, stąd na ziemię schodzi zupełnie romantyczny „promień nieba”, oświetlając mur świątyni, płot, wodę stawu – wyznacza pierwsze kroki wiosny i nadaje pejzażowi emocjonalnego i koloryt liryczny. Jednak odwilż Wasiliewa również obiecuje wiosnę, a ten niuans znaczeniowy jest również możliwy tutaj, jeśli chcesz go zobaczyć - lub przeczytać tutaj.

5. Jak rozwijała się rosyjska szkoła krajobrazu

Wiejska droga. Malarstwo Aleksieja Sawrasowa. 1873Państwowa Galeria Trietiakowska

Wieczór. Lot ptaków. Malarstwo Aleksieja Sawrasowa. 1874Muzeum Sztuki w Odessie

Sawrasow jest jednym z najlepszych rosyjskich kolorystów i jednym z najbardziej „wielojęzycznych”: równie dobrze potrafił namalować szosowy grunt („Droga wiejska”) w intensywnym i świątecznym kolorze, jak zbudować najdoskonalszą minimalistyczną harmonię w krajobrazie składającym się wyłącznie z ziemi i niebo („Wieczorny lot ptaków”). Nauczyciel w Moskiewskiej Szkole Malarstwa, Rzeźby i Architektury, wywarł wpływ na wielu; jego wirtuozowski i otwarty styl malarski będzie kontynuowany w Po-le-novie i Levitanie, a motywy będą rezonować z Serovem, Korovinem, a nawet Shishkinem (duże dęby). Ale właśnie Shishkin ucieleśnia inną ideologię ojcowskiego krajobrazu. To idea heroizmu (nieco epickiej perswazji), podniosłej wielkości, siły i chwały „narodowej” i „ludowej”. Rodzaj patriotycznego patosu: potężne sosny, takie same o każdej porze roku (plenerowa zmienność była Szyszkinowi zdecydowanie obca, a iglaki wolał malować), zebrane w zestaw leśny i zioła, wypisane z całą starannością , tworzą również zestaw podobnych ziół, które nie reprezentują różnorodności botanicznej. Charakterystyczne jest, że np. w obrazie „Żyto” drzewa tła, zmniejszające się w perspektywie linearnej, nie tracą wyrazistości konturów, co byłoby nieuniknione przy uwzględnieniu perspektywy lotniczej, ale dla artysty ważna jest nienaruszalność form. Nic dziwnego, że jego pierwsza próba zobrazowania środowiska świetlno-powietrznego na obrazie „Poranek w sosnowym lesie” (napisanym we współpracy z Konstantinem Savitskim - niedźwiedziami jego pędzla) spowodowała, że ​​\u200b\u200bw gazecie pojawił się epigramat: „Iwan Iwanowicz, czy to Ty? Co, ojcze, wpuścili mgłę.

Żyto. Obraz Iwana Szyszkina. 1878Państwowa Galeria Trietiakowska

Rano w sosnowym lesie. Malarstwo Iwana Szyszkina i Konstantina Sawickiego. 1889Państwowa Galeria Trietiakowska

Shishkin nie miał zwolenników i ogólnie rzecz biorąc, rosyjska szkoła krajobrazu rozwijała się, relatywnie rzecz biorąc, wzdłuż linii Sawrasowa. Czyli doświadczanie zainteresowania dynamiką atmosfery i kultywowanie etiudalnej świeżości i otwartego sposobu pisania. Nałożyło się na to także zamiłowanie do impresjonizmu, niemal powszechne w latach 90. XIX wieku, iw ogóle pragnienie emancypacji - przynajmniej emancypacji koloru i techniki pędzla. Na przykład u Polenova — i nie u nikogo innego — nie ma prawie żadnej różnicy między studium a obrazem. Uczniowie Sawrasowa, a następnie Lewitana, który zastąpił Sawrasowa na czele klasy krajobrazowej Szkoły Moskiewskiej, reagowali ostro w impresjonistyczny sposób na chwilowe stany natury, na przypadkowe światło i nagłą zmianę pogody - i ta ostrość i szybkość reakcji wyrażały się w eksponowaniu technik, w tym, jak poprzez motyw i ponad motywem stawał się zrozumiały sam proces tworzenia obrazu i wola artysty, który wybiera te lub inne środki wyrazu. Krajobraz przestał być całkowicie obiektywny, osobowość autora domagała się ugruntowania własnej, niezależnej pozycji - dotychczas w równowadze z danym gatunkiem. Lewitan musiał w pełni wyznaczyć tę pozycję.

6. Jak skończyło się stulecie krajobrazu

Izaak Lewitan uważany jest za twórcę „nastrojowego pejzażu”, czyli artysty, który w dużej mierze projektuje na przyrodę własne uczucia. I rzeczywiście, w utworach Levitana stopień ten jest wysoki, a rozpiętość emocji rozgrywa się na całej klawiaturze, od cichego smutku po triumfalną radość.

Zamykając historię rosyjskiego krajobrazu XIX wieku, Lewitan zdaje się syntetyzować wszystkie jego ruchy, ukazując je w końcu z całą wyrazistością. W jego malarstwie można znaleźć zarówno mistrzowsko napisane szybkie szkice, jak i epickie panoramy. W równym stopniu opanował zarówno impresjonistyczną technikę rzeźbienia objętości za pomocą oddzielnych kolorowych pociągnięć (czasami przekraczającą impresjonistyczną „normę” w ułamkowych fakturach), jak i postimpresjonistyczną metodę syjonistyczną polegającą na pastowatym kolorowym murze. Umiał widzieć kameralne kąty, intymną przyrodę - ale przejawiał też miłość do otwartych przestrzeni (może w ten sposób rekompensowana była pamięć o Strefie Osiedlenia - upokarzające prawdopodobieństwo eksmisji z Moskwy wisiało nad artystą jak miecz Damoklesa jeszcze w czasach sławy, dwukrotnie zmuszając go do pospiesznej całkowitej ucieczki z miasta).

O wieczny odpoczynek. Obraz Izaaka Lewitana. 1894Państwowa Galeria Trietiakowska

Dzwon wieczorny, dzwon wieczorny. Obraz Izaaka Lewitana. 1892Państwowa Galeria Trietiakowska

„Odległe widoki” mogły kojarzyć się zarówno z patriotycznie zabarwionym poczuciem przestrzeni („Świeży wiatr. Wołga”), jak i wyrażać żałobną tęsknotę – jak w obrazie „Władimirka”, gdzie dramatyczna pamięć o miejscu (prowadziła na Syberię wzdłuż tę ciężką eskortę drogową robotę) odczytuje się bez dodatkowego otoczenia w samym obrazie drogi, rozluźnionej przez deszcze lub dawne procesje, pod ponurym niebem. I wreszcie swoiste odkrycie Lewitana - pejzażowe elegie o charakterze filozoficznym, w których natura staje się okazją do refleksji nad kręgiem bytu i poszukiwaniem nieosiągalnej harmonii: „Cichy dom”, „Ponad wieczny spokój”, „Wieczór Dzwony”.

Prawdopodobnie jego ostatni obraz „Jezioro. Rus'”, może należeć do tej serii. Została pomyślana jako całościowy obraz rosyjskiej przyrody. Lewitan chciał nazwać to „Rus”, ale zdecydował się na bardziej neutralną wersję; podwójna nazwa utknęła później. pozostał jednak niedokończony Być może częściowo z tego powodu połączono w nim sprzeczne pozycje: rosyjski krajobraz w jego wiecznej egzystencji i impresjonistyczną technikę, uważną na „ulotne rzeczy”.

Jezioro. rosyjski Obraz Izaaka Lewitana. 1899-1900 lat Państwowe Muzeum Rosyjskie

Nie wiemy, czy to romantyczne forsowanie koloru i zamaszystego nadgarstka pozostałoby w ostatecznej wersji. Ale ten stan pośredni jest syntezą na jednym obrazie. Epicka panorama, wieczna i niewzruszona naturalna rzeczywistość, ale w niej wszystko się porusza - chmury, wiatr, zmarszczki, cienie i odbicia. Szerokie pociągnięcia pędzla uchwycą to, co się nie stało, ale to, co się staje, zmienia się - jakby próbowało być w czasie. Z jednej strony pełnia letniego rozkwitu, uroczysta trąba durowa, z drugiej intensywność życia, gotowego do zmian. lato 1900; nadchodzi nowa era, w której malarstwo pejzażowe – i nie tylko pejzażowe – będzie wyglądało zupełnie inaczej.

Źródła

• Czeski K. Historia gatunków. Sceneria.
• Fiodorow-Davydov A. A. Krajobraz ruski XVIII - początku XX wieku.

Opublikowano: 26 marca 2018 r

Ta lista znanych malarzy pejzaży została opracowana przez naszego redaktora, Neila Collinsa, MA, LL.B. Przedstawia jego osobistą opinię na temat dziesięciu najlepszych przedstawicieli sztuki gatunkowej. Jak każda tego typu kompilacja, ujawnia bardziej osobiste upodobania kompilatora niż stanowisko pejzażysty. A więc dziesięciu najlepszych malarzy pejzaży i ich pejzaże.

# 10 Kościół Thomasa Cole'a (1801-1848) i Fredericka Edwina (1826-1900)

Na dziesiątym miejscu dwóch amerykańskich artystów naraz.

Thomas Cole: Największy amerykański pejzażysta początku XIX wieku i założyciel Hudson River School, Thomas Cole urodził się w Anglii, gdzie pracował jako praktykant rytownika, zanim wyemigrował do Stanów Zjednoczonych w 1818 roku, gdzie szybko zdobył uznanie jako pejzażysta, osiadł w wiosce Catskill w dolinie Hudson. Wielbiciel Claude'a Lorraine'a i Turnera, odwiedził Anglię i Włochy w latach 1829-1832, po czym (częściowo dzięki zachęcie otrzymanej od Johna Martina i Turnera) zaczął mniej skupiać się na naturalnej scenerii, a bardziej na imponujących alegorycznych i historycznych motywy. . Będąc pod dużym wrażeniem naturalnego piękna amerykańskiego krajobrazu, Cole nasycił znaczną część swojej sztuki krajobrazu wielkim uczuciem i oczywistym romantycznym splendorem.

Słynne krajobrazy Thomasa Cole'a:

- „Widok na Catskills - wczesna jesień” (1837), olej na płótnie, Metropolitan Museum, Nowy Jork

- „Amerykańskie jezioro” (1844), olej na płótnie, Detroit Institute of Arts

Kościół Fryderyka Edwina

Kościół Fryderyka Edwina: Uczeń Cole'a, Church, mógł przewyższyć swojego nauczyciela w monumentalnych romantycznych panoramach, z których każda oddawała jakąś duchowość natury. Church malował imponujące widoki naturalnych krajobrazów na całym kontynencie amerykańskim, od Labradoru po Andy.

Słynne pejzaże Fryderyka Churcha:

- "Wodospad Niagara" (1857), Corcoran, Waszyngton

- „Serce Andów” (1859), Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork

- "Cotopaxi" (1862), Detroit Institute of Arts

#9 Caspar David Friedrich (1774-1840)

Zamyślony, melancholijny i nieco samotny Caspar David Friedrich jest największym pejzażystą tradycji romantycznej. Urodzony nad Bałtykiem, osiadł w Dreźnie, gdzie skupił się wyłącznie na duchowych związkach i znaczeniu krajobrazu, inspirowany cichą ciszą lasu, a także światłem (wschodem, zachodem, księżycem) i porami roku. Jego geniusz polegał na umiejętności uchwycenia nieznanego dotąd duchowego wymiaru natury, który nadaje krajobrazowi emocjonalny, niezrównany mistycyzm.

Słynne pejzaże Caspara Davida Friedricha:

- „Pejzaż zimowy” (1811), olej na płótnie, National Gallery, Londyn

- „Krajobraz w Riesengebirge” (1830), olej na płótnie, Muzeum Puszkina, Moskwa

- Mężczyzna i kobieta patrząc na księżyc (1830-1835), olej, Galeria Narodowa, Berlin

# 8 Alfreda Sisleya (1839-1899)

Często nazywany „zapomnianym impresjonistą”, anglo-francuski Alfred Sisley ustępował tylko Monetowi w swoim oddaniu spontanicznemu plenerowi: był jedynym impresjonistą, który poświęcił się wyłącznie malarstwu pejzażowemu. Jego poważnie niedoceniana reputacja opiera się na jego umiejętności uchwycenia wyjątkowych efektów światła i pór roku w szerokich krajobrazach, scenach morskich i rzecznych. Jego przedstawienie świtu i pochmurnego dnia jest szczególnie niezapomniane. Dziś nie jest zbyt popularny, ale nadal uważany jest za jednego z najwybitniejszych przedstawicieli impresjonistycznego malarstwa pejzażowego. Równie dobrze może być przereklamowany, ponieważ w przeciwieństwie do Moneta jego dzieło nigdy nie cierpiało na brak formy.

Słynne pejzaże autorstwa Alfreda Sisleya:

- Mglisty poranek (1874), olej na płótnie, Musée d'Orsay

- „Śnieg w Louveciennes” (1878), olej na płótnie, Musée d'Orsay, Paryż

- Most Morette w słońcu (1892), olej na płótnie, własność prywatna

#7 Alberta Cuypa (1620-1691)

Holenderski malarz realista, Aelbert Kuip, jest jednym z najbardziej znanych holenderskich malarzy pejzaży. Jego najwspanialsze widoki sceniczne, sceny rzeczne i krajobrazy ze spokojnym bydłem, ukazujące majestatyczny spokój i mistrzowskie operowanie jasnym światłem (wczesnoporannym lub wieczornym słońcem) we włoskim stylu są oznaką wielkiego wpływu Klodiejewa. To złote światło często rejestruje tylko boki i krawędzie roślin, chmur lub zwierząt dzięki impastowym efektom świetlnym. W ten sposób Cuyp zmienił swój rodzinny Dordrecht w wyimaginowany świat, odzwierciedlając go na początku lub na końcu idealnego dnia, z wszechogarniającym poczuciem bezruchu i bezpieczeństwa oraz harmonii wszystkiego z naturą. Popularny w Holandii, był wysoko ceniony i zbierany w Anglii.

Słynne krajobrazy Alberta Cuypa:

- "Widok Dordrechtu od północy" (1650), olej na płótnie, kolekcja Anthony'ego de Rothschilda

- „Pejzaż rzeczny z jeźdźcem i chłopami” (1658), olej, National Gallery, Londyn

#6 Jean-Baptiste Camille Corot (1796-1875)

Jean-Baptiste Corot, jeden z najwybitniejszych pejzażyści romantyzmu, słynie z niezapomnianych malowniczych przedstawień natury. Jego szczególnie subtelne podejście do odległości, światła i formy zależało od tonu, a nie rysunku i koloru, nadając gotowej kompozycji atmosferę niekończącego się romansu. Mniej ograniczone malarską teorią, prace Corota należą jednak do najpopularniejszych pejzaży na świecie. Stały uczestnik Salonu Paryskiego od 1827 i członek School of Barbizon, kierowanej przez Teodora Rousseau (1812-1867), wywarł wielki wpływ na innych plenerów, takich jak Charles-Francois Doubigny (1817-1878), Camille Pissarro (1830-1903) i Alfreda Sisleya (1839-1899). Był też niezwykle hojnym człowiekiem, który większość swoich pieniędzy przeznaczał na potrzebujących artystów.

Słynne pejzaże autorstwa Jeana-Baptiste'a Corota:

- „Most w Narni” (1826), olej na płótnie, Luwr

- Ville d'Avrey (ok. 1867), olej na płótnie, Brooklyn Museum of Art, Nowy Jork

- „Pejzaż wiejski” (1875), olej na płótnie, Musée Toulouse-Lautrec, Albi, Francja

#5 Jacob van Ruisdael (1628-1682)

Twórczość Jacoba van Ruisdaela, obecnie uważanego za największego ze wszystkich holenderskich pejzażystów realistycznych, wywarła ogromny wpływ na późniejszą europejską sztukę pejzażową, mimo że za jego życia była mniej popularna niż malarze w stylu włoskim. Jego tematy obejmowały wiatraki, rzeki, lasy, pola, plaże i pejzaże morskie, przedstawione z niezwykle poruszającym uczuciem, przy użyciu odważnych form, gęstych kolorów i energicznych grubych pociągnięć pędzla, zamiast zwykłego skupienia się na tonie. Jacob, uczeń swego wuja Salomona van Ruisdaela, uczył z kolei słynnego Meinderta Hobbema (1638-1709), podziwiał też angielskich mistrzów, takich jak Thomas Gainsborough i John Constable, a także członków szkoły Barbizon.

Słynne pejzaże Jacoba van Ruisdaela:

- Krajobraz z pasterzami i rolnikami (1665), olej na płótnie, Galeria Uffizi

- „Młyn w Wijk niedaleko Duarsted” (1670), olej na płótnie, Rijksmuseum

- „Cmentarz żydowski w Ouderkerk” (1670), Galeria Starych Mistrzów, Drezno

Nr 4 Claude Lorrain (1600-1682)

Działający w Rzymie francuski malarz, rysownik i rytownik, uważany przez wielu historyków sztuki za największego malarza sielskiego pejzażu w dziejach sztuki. Ponieważ zarówno czysty (tj. świecki i nieklasyczny) pejzaż, jak i zwykła martwa natura czy malarstwo rodzajowe nie miały moralnego ciężaru (w XVII wieku w Rzymie), Claude Lorrain wprowadzał do swoich kompozycji elementy klasyczne i wątki mitologiczne, m.in. bohaterowie i święci. Ponadto wybrane przez niego środowisko, okolice Rzymu, było bogate w starożytne ruiny. Te klasyczne włoskie pejzaże pasterskie były również wypełnione poetyckim światłem, które reprezentuje jego wyjątkowy wkład w sztukę malarstwa pejzażowego. Claude Lorraine wywarł szczególny wpływ na malarzy angielskich, zarówno za jego życia, jak i przez dwa wieki później: John Constable nazwał go „najlepszym pejzażystą, jakiego świat kiedykolwiek widział”.

Słynne pejzaże autorstwa Claude'a Lorraina:

- "Współczesny Rzym - Campo Vaccino" (1636), olej na płótnie, Luwr

- „Pejzaż z zaślubinami Izaaka i Rebeki” (1648), olej, Galeria Narodowa

- „Krajobraz z Tobiuszem i aniołem” (1663), olej, Ermitaż, Petersburg

# 3 John Constable (1776-1837)

Obok Turnera jest jednym z najwybitniejszych angielskich malarzy pejzaży, nie tylko ze względu na wyjątkową umiejętność odtwarzania kolorów, klimatu i rustykalnej scenerii romantycznej angielskiej wsi, ale także ze względu na swoją pionierską rolę w rozwoju pleneru. W przeciwieństwie do wyraźnie interpretacyjnego stylu Turnera, John Constable skupił się na naturze, malując krajobrazy Suffolk i Hampstead, które tak dobrze znał. Jednak jego spontaniczne, świeże kompozycje były często skrupulatnymi rekonstrukcjami, co wiele zawdzięczał jego uważnym studiom nad holenderskim realizmem, a także utworom włoskim w duchu Claude'a Lorraina. Słynny malarz Henry Fuseli powiedział kiedyś, że realistyczne, naturalistyczne obrazy Constable'a zawsze zmuszały go do wzywania ich do ochrony!

Słynne pejzaże Johna Constable'a:

- „Budowanie łodzi w Flatford” (1815), olej, Muzeum Wiktorii i Alberta w Londynie

- „Wóz z sianem” (1821), olej na płótnie, National Gallery, Londyn

Nr 2 Claude Monet (1840-1926)

Największy współczesny pejzażysta i gigant malarstwa francuskiego, Monet był czołową postacią niezwykle wpływowego ruchu impresjonistycznego, którego zasadom spontanicznego malarstwa plenerowego pozostał wierny do końca życia. Bliski przyjaciel malarzy impresjonistów Renoira i Pissarro, jego pragnienie prawdy optycznej, przede wszystkim w przedstawianiu światła, jest reprezentowane przez serię płócien przedstawiających ten sam obiekt w różnych warunkach oświetleniowych i o różnych porach dnia, takich jak „ Stogi siana” (1888), Topole (1891), Katedra w Rouen (1892) i Tamiza (1899). Kulminacją tej metody był słynny cykl Lilie wodne (spośród wszystkich najsłynniejszych pejzaży) tworzony od 1883 roku w jego ogrodzie w Giverny. Jego najnowsza seria monumentalnych rysunków lilii wodnych w mieniących się kolorach została zinterpretowana przez kilku historyków sztuki i malarzy jako ważny prekursor sztuki abstrakcyjnej, a przez innych jako najwyższy przykład poszukiwania przez Moneta spontanicznego naturalizmu.