Sztukę współczesną nazywa się zwykle wszelkiego rodzaju ruchami artystycznymi, które pojawiły się pod koniec XX wieku. W okresie powojennym był to rodzaj ujścia, który na nowo uczył ludzi marzyć i wymyślać nowe realia życia.

Zmęczeni kajdanami surowych zasad przeszłości młodzi artyści postanowili przełamać stare artystyczne normy. Dążyli do stworzenia nowych, nieznanych wcześniej praktyk. Kontrastując z modernizmem, zwrócili się w stronę nowych sposobów ujawniania swoich historii. Artysta i koncepcja jego twórczości stały się o wiele ważniejsze niż sam wynik działania twórczego. Chęć odejścia od ustalonych ram doprowadziła do pojawienia się nowych gatunków.

Wśród artystów zaczęły pojawiać się spory na temat znaczenia sztuki i sposobów jej wyrażania. Czym jest sztuka? Jakimi środkami można osiągnąć prawdziwą sztukę? Konceptualiści i minimaliści znaleźli odpowiedź dla siebie w zdaniu: „Jeśli sztuka może być wszystkim, to może być niczym”. Dla nich odejście od utartych środków wizualnych zaowocowało różnymi wydarzeniami, wydarzeniami i performansami. Jaka jest specyfika sztuki współczesnej XXI wieku? O tym porozmawiamy w artykule.

Grafika trójwymiarowa w sztuce XXI wieku

Sztuka XXI wieku słynie z grafiki 3D. Wraz z rozwojem technologii komputerowej artyści zyskali dostęp do nowych sposobów tworzenia swojej sztuki. Istotą grafiki trójwymiarowej jest tworzenie obrazów poprzez modelowanie obiektów w trójwymiarowej przestrzeni. Jeśli weźmie się pod uwagę większość form sztuki współczesnej XXI wieku, tworzenie obrazów 3D wydaje się najbardziej tradycyjne. Grafika 3D ma wiele stron, w najprawdziwszym tego słowa znaczeniu. Służy do tworzenia programów, gier, obrazów i filmów na komputerze. Ale widać to też tuż pod stopami – na asfalcie.

Grafika 3D pojawiła się na ulicach kilkadziesiąt lat temu i od tego czasu pozostaje jedną z najważniejszych form sztuki ulicznej. Wielu artystów maluje na swoich „obrazach” trójwymiarowe obrazy, które potrafią zadziwiać swoim realizmem. Edgar Müller, Eduardo Rolero, Kurt Wenner i wielu innych współczesnych artystów tworzy dziś sztukę, która może zaskoczyć każdego.

Sztuka uliczna XXI wieku

Wcześniej zajęciem zajmowali się ludzie zamożni. Przez wieki był przykryty murami specjalnych instytucji, do których odmawiano wstępu niewtajemniczonym. Oczywiście jego ogromna moc nie mogła pozostać na zawsze w dusznych budynkach. Wtedy właśnie wyszedł na szare, ponure ulice. Zdecydowaliśmy się zmienić naszą historię na zawsze. Chociaż na początku wszystko nie było takie proste.

Nie wszyscy byli zadowoleni z jego narodzin. Wielu uważało to za wynik złego doświadczenia. Niektórzy nawet nie chcieli zwracać uwagi na jego istnienie. Tymczasem pomysł nadal rósł i rozwijał się.

Artyści uliczni napotykali po drodze trudności. Mimo całej różnorodności form, sztukę uliczną czasami trudno było odróżnić od wandalizmu.

Wszystko zaczęło się w latach 70. ubiegłego wieku w Nowym Jorku. W tym czasie sztuka uliczna była w powijakach. A jego życie wspierali Julio 204 i Taki 183. Zostawili napisy w różnych miejscach na swoim terenie, poszerzając następnie obszar dystrybucji. Inni chłopcy postanowili z nimi konkurować. Tutaj zaczęła się zabawa. Entuzjazm i chęć popisu zaowocowały bitwą kreatywności. Każdy chciał odkryć dla siebie i innych bardziej oryginalny sposób na pozostawienie po sobie śladu.

W 1981 roku sztuce ulicznej udało się przepłynąć ocean. Pomógł mu w tym artysta uliczny z Francji BlekleRat. Uważany jest za jednego z pierwszych artystów graffiti w Paryżu. Nazywany jest także ojcem szablonowego graffiti. Jego charakterystycznym akcentem są rysunki szczurów, które nawiązują do imienia ich twórcy. Autor zauważył, że po przestawieniu liter w słowie szczur (szczur) powstaje sztuka (sztuka). Blek zauważył kiedyś: „Szczur to jedyne wolne zwierzę w Paryżu, które rozprzestrzenia się wszędzie, podobnie jak sztuka uliczna”.

Najbardziej znanym artystą ulicznym jest Banksy, który nazywa BlekleRata swoim głównym nauczycielem. Aktualne dzieła tego utalentowanego Brytyjczyka mogą uciszyć każdego. W swoich rysunkach tworzonych przy użyciu szablonów obnaża współczesne społeczeństwo z jego wadami. Banksy ma tradycyjny styl, który pozwala mu wywrzeć jeszcze większe wrażenie na widzach. Ciekawostką jest to, że tożsamość Banksy'ego wciąż owiana jest tajemnicą. Nikomu jeszcze nie udało się rozwikłać zagadki tożsamości artysty.

Tymczasem sztuka uliczna nabiera tempa. Sztuka uliczna, niegdyś zdegradowana do ruchów marginalnych, wkroczyła na scenę aukcji. Prace artystów są sprzedawane za niewiarygodne sumy przez tych, którzy kiedyś nie chcieli o nim rozmawiać. Co to jest, życiodajna siła sztuki czy mainstreamowe trendy?

Formularze

Dziś istnieje kilka dość ciekawych przejawów sztuki współczesnej. Przegląd najbardziej niezwykłych form sztuki współczesnej zostaną przedstawione poniżej.

Gotowe

Termin „readymade” pochodzi z języka angielskiego i oznacza „gotowy”. W rzeczywistości celem tego kierunku nie jest tworzenie niczego materialnego. Główną ideą jest to, że w zależności od otoczenia obiektu zmienia się postrzeganie samego obiektu przez osobę. Założycielem ruchu jest Marcel Duchamp. Jego najsłynniejszym dziełem jest „Fontanna”, czyli pisuar z autografem i datą.

Anamorfozy

Anamorfoza to technika tworzenia obrazów w taki sposób, że można je w pełni zobaczyć dopiero pod pewnym kątem. Jednym z najwybitniejszych przedstawicieli tego nurtu jest Francuz Bernard Pras. Tworzy instalacje wykorzystując wszystko, co pod ręką. Dzięki swoim umiejętnościom udaje mu się stworzyć niesamowite dzieła, które jednak widać tylko pod pewnym kątem.

Płyny biologiczne w sztuce

Jednym z najbardziej kontrowersyjnych kierunków w sztuce współczesnej XXI wieku jest rysunek malowany płynami ludzkimi. Często zwolennicy tej współczesnej formy sztuki używają krwi i moczu. Kolor obrazów w tym przypadku często przybiera ponury, przerażający wygląd. Na przykład Hermann Nitsch wykorzystuje krew i mocz zwierząt. Zastosowanie tak nieoczekiwanych materiałów autor tłumaczy trudnym dzieciństwem podczas II wojny światowej.

Malarstwo XX-XXI wieku

W krótkiej historii malarstwa zawarta jest informacja, że ​​koniec XX wieku stał się punktem wyjścia dla wielu ikonicznych artystów naszych czasów. W trudnych latach powojennych sfera przeżyła swoje odrodzenie. Artyści starali się odkryć nowe oblicza swoich możliwości.

Suprematyzm

Za twórcę suprematyzmu uważany jest Kazimierz Malewicz. Będąc głównym teoretykiem głosił suprematyzm jako sposób na oczyszczenie sztuki ze wszystkiego, co niepotrzebne. Porzucając zwykłe sposoby przekazywania obrazów, artyści chcieli uwolnić sztukę od pozaartyzmu. Najważniejszym dziełem tego gatunku jest słynny „Czarny kwadrat” Malewicza.

Pop Art

Pop-art ma swoje korzenie w USA. W latach powojennych społeczeństwo doświadczyło globalnych zmian. Ludzi było teraz stać na więcej. Konsumpcja stała się najważniejszą częścią życia. Ludzi zaczęto wywyższać do rangi kultów, a produkty konsumpcyjne do rangi symboli. Jasper Johns, Andy Warhol i inni zwolennicy tego ruchu starali się wykorzystać te symbole w swoich obrazach.

Futuryzm

Futuryzm został odkryty w 1910 r. Główną ideą tego ruchu było pragnienie czegoś nowego, zniszczenie zrębów przeszłości. Artyści przedstawili to pragnienie specjalną techniką. Ostre pociągnięcia, przepływy, połączenia i przecięcia są oznakami futuryzmu. Najbardziej znanymi przedstawicielami futuryzmu są Marinetti, Severini, Carra.

Sztuka współczesna w Rosji XXI wieku

Sztuka współczesna w Rosji (XXI w.) płynnie wypłynęła z podziemnej, „nieoficjalnej” sztuki ZSRR. Młodzi artyści lat 90. poszukiwali nowych sposobów realizacji swoich ambicji artystycznych w nowym kraju. W tym czasie narodził się moskiewski akcjonizm. Jego zwolennicy kwestionowali przeszłość i jej ideologię. Zniszczenie granic (dosłownie i w przenośni) pozwoliło zobrazować stosunek młodszego pokolenia do sytuacji w kraju. Sztuka współczesna XXI wieku stała się wyrazista, przerażająca, szokująca. Takie, przed którym społeczeństwo tak długo się zamykało. Działania Anatolija Osmołowskiego („Majakowski - Osmołowski”, „Przeciw wszystkim”, „Barykada na Bolszai Nikickiej”), ruch „ETI” („tekst ETI”), Olega Kulika („Prosiaczek rozdaje prezenty”, „Wściekły pies czyli ostatnie tabu”, którego strzeże samotny Cerberus”), Avdey Ter-Oganyan („Pop Art”) na zawsze zmienił historię sztuki współczesnej.

Nowe pokolenie

Slava PTRK to współczesna artystka z Jekaterynburga. Niektórym może kojarzyć się z jego twórczością Banksy’ego. Jednak prace Sławy zawierają idee i uczucia znane tylko obywatelowi Rosji. Jednym z jego najważniejszych dzieł jest kampania „Kraina możliwości”. Artysta stworzył napis o kulach na budynku opuszczonego szpitala w Jekaterynburgu. Slava kupował kule od mieszkańców miasta, którzy kiedyś z nich korzystali. Artysta ogłosił akcję na swoim portalu społecznościowym, załączając apel do współobywateli.

Muzea Sztuki Współczesnej

Być może kiedyś współczesna sztuka plastyczna XXI wieku wydawała się medium marginalnym, dziś coraz więcej ludzi pragnie wstąpić do nowej dziedziny sztuki. Coraz więcej muzeów otwiera swoje drzwi na nowe środki wyrazu. Nowy Jork jest rekordzistą w dziedzinie sztuki współczesnej. Znajdują się tu także dwa muzea, które należą do najlepszych na świecie.

Pierwszą z nich jest MoMA, czyli repozytorium obrazów Matisse’a, Dali i Warhola. Drugie to muzeum.Niezwykła architektura budynku sąsiaduje z dziełami Picassa, Marca Chagalla, Kandinsky'ego i wielu innych.

Europa słynie także ze wspaniałych muzeów sztuki współczesnej XXI wieku. Muzeum KIASMA w Helsinkach umożliwia dotykanie prezentowanych obiektów. Centrum stolicy Francji zachwyca niezwykłą architekturą i dziełami współczesnych artystów. Stedelijkmuseum w Amsterdamie posiada największą kolekcję obrazów Malewicza. Stolica Wielkiej Brytanii posiada ogromną liczbę obiektów sztuki współczesnej. W Wiedeńskim Muzeum Sztuki Nowoczesnej znajdują się dzieła Andy'ego Warhola i innych utalentowanych współczesnych artystów.

Sztuka współczesna XXI wieku (malarstwo) - tajemnicza, niezrozumiała, fascynująca, na zawsze zmieniła wektor rozwoju nie tylko odrębnej sfery, ale całego życia ludzkości. Odzwierciedla i jednocześnie kreuje nowoczesność. Zmieniająca się nieustannie sztuka nowoczesności pozwala człowiekowi w ciągłym pośpiechu zatrzymać się na chwilę. Zatrzymaj się, aby przypomnieć sobie uczucia, które leżą głęboko w Tobie. Zatrzymaj się, aby ponownie przyspieszyć i rzucić się w wir wydarzeń i spraw.

„Gracze w karty”

Autor

Paula Cezanne’a

Kraj Francja
Lata życia 1839–1906
Styl postimpresjonizm

Artysta urodził się na południu Francji w małym miasteczku Aix-en-Provence, ale malować zaczął w Paryżu. Prawdziwy sukces przyszedł mu po osobistej wystawie zorganizowanej przez kolekcjonera Ambroise’a Vollarda. W 1886 roku, na 20 lat przed wyjazdem, przeniósł się na obrzeża rodzinnego miasta. Młodzi artyści nazywali wycieczki do niego „pielgrzymką do Aix”.

130x97cm
1895
cena
250 milionów dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji prywatnej

Twórczość Cezanne’a jest łatwa do zrozumienia. Jedyną zasadą artysty było bezpośrednie przeniesienie obiektu lub fabuły na płótno, dlatego jego obrazy nie wywołują u widza dezorientacji. Cezanne połączył w swojej sztuce dwie główne tradycje francuskie: klasycyzm i romantyzm. Za pomocą kolorowych tekstur nadawał kształtom obiektów niesamowitą plastyczność.

Cykl pięciu obrazów „Gracze w karty” powstał w latach 1890–1895. Ich fabuła jest taka sama – kilka osób z zapałem gra w pokera. Prace różnią się jedynie liczbą graczy i wielkością płótna.

Cztery obrazy znajdują się w muzeach Europy i Ameryki (Museum d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation i Courtauld Institute of Art), a piąty do niedawna był ozdobą prywatnej kolekcji greckiego armatora-miliardera Georg Embirikos. Tuż przed śmiercią, zimą 2011 roku, zdecydował się wystawić go na sprzedaż. Potencjalnymi nabywcami „darmowego” dzieła Cezanne’a byli handlarz dziełami sztuki William Acquavella i światowej sławy właściciel galerii Larry Gagosian, którzy zaoferowali za nie około 220 milionów dolarów. W rezultacie obraz za 250 milionów trafił do rodziny królewskiej arabskiego państwa Katar.W lutym 2012 roku sfinalizowano największą w historii malarstwa transakcję na dzieła sztuki. Dziennikarka Alexandra Pierce poinformowała o tym w Vanity Fair. Dowiedziała się o cenie obrazu i nazwisku nowego właściciela, po czym informacja przedostała się do mediów na całym świecie.

W 2010 roku w Katarze otwarto Arabskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej i Katarskie Muzeum Narodowe. Teraz ich zbiory się powiększają. Być może w tym celu szejk nabył piątą wersję Graczy w karty.

Najbardziejdrogie malowaniena świecie

Właściciel
Szejk Hamad
bin Khalifa al-Thani

Dynastia al-Thani rządzi Katarem od ponad 130 lat. Około pół wieku temu odkryto tu ogromne złoża ropy i gazu, co natychmiast uczyniło Katar jednym z najbogatszych regionów świata. Dzięki eksportowi węglowodorów ten mały kraj ma największy PKB na mieszkańca. Szejk Hamad bin Khalifa al-Thani objął władzę w 1995 r., gdy jego ojciec przebywał w Szwajcarii, przy wsparciu członków rodziny. Zdaniem ekspertów zasługą obecnego władcy jest jasna strategia rozwoju kraju i kreowanie pomyślnego wizerunku państwa. Katar ma teraz konstytucję i premiera, a kobiety mają prawo do głosowania w wyborach parlamentarnych. Nawiasem mówiąc, to emir Kataru założył kanał informacyjny Al-Dżazira. Władze państwa arabskiego przywiązują dużą wagę do kultury.

2

"Numer 5"

Autor

Jacksona Pollocka

Kraj USA
Lata życia 1912–1956
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

Jack the Sprinkler – taki przydomek nadano Pollockowi przez amerykańską publiczność ze względu na jego specjalną technikę malarską. Artysta porzucił pędzel i sztalugę, a podczas ciągłego ruchu wokół nich i wewnątrz nich rozlewał farbę na powierzchnię płótna lub płyty pilśniowej. Od najmłodszych lat interesował się filozofią Jiddu Krishnamurtiego, której głównym przesłaniem jest to, że prawda objawia się podczas swobodnego „wylania”.

122x244cm
1948
cena
140 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Sotheby's

Wartość pracy Pollocka nie leży w wyniku, ale w procesie. Nieprzypadkowo autor nazwał swoją twórczość „malowaniem akcji”. Jego lekką ręką stał się głównym atutem Ameryki. Jackson Pollock zmieszał farbę z piaskiem i potłuczonym szkłem, a następnie pomalował kawałkiem kartonu, szpachelką, nożem i szufelką. Artysta cieszył się tak dużą popularnością, że w latach 50. XX wieku naśladowcy znaleźli się nawet w ZSRR. Obraz „Numer 5” uznawany jest za jeden z najdziwniejszych i najdroższych na świecie. Jeden z założycieli DreamWorks, David Geffen, kupił go do prywatnej kolekcji, a w 2006 roku sprzedał na aukcji Sotheby's za 140 milionów dolarów meksykańskiemu kolekcjonerowi Davidowi Martinezowi. Jednak wkrótce kancelaria prawnicza wydała w imieniu swojego klienta komunikat prasowy, w którym stwierdziła, że ​​David Martinez nie jest właścicielem obrazu. Jedno jest pewne: meksykański finansista rzeczywiście w ostatnim czasie kolekcjonował dzieła sztuki współczesnej. Jest mało prawdopodobne, aby przeoczył tak „dużą rybę”, jak „Numer 5” Pollocka.

3

„Kobieta III”

Autor

Willema de Kooninga

Kraj USA
Lata życia 1904–1997
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

Pochodzący z Holandii, w 1926 roku wyemigrował do Stanów Zjednoczonych. W 1948 roku odbyła się osobista wystawa artysty. Krytycy sztuki docenili złożone, nerwowe czarno-białe kompozycje, uznając ich autora za wielkiego artystę modernistycznego. Przez większość życia cierpiał na alkoholizm, ale radość tworzenia nowej sztuki wyczuwalna jest w każdym dziele. De Kooninga wyróżnia impulsywność malarstwa i szeroka kreska, dlatego czasami obraz nie mieści się w granicach płótna.

121x171cm
1953
cena
137 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji prywatnej

W latach pięćdziesiątych na obrazach de Kooninga pojawiały się kobiety o pustych oczach, masywnych piersiach i brzydkich rysach twarzy. „Kobieta III” była ostatnią pracą z tego cyklu, która trafiła na aukcję.

Od lat 70. obraz przechowywany był w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Teheranie, jednak po wprowadzeniu w kraju surowych zasad moralnych próbowano się go pozbyć. W 1994 roku dzieło zostało wywiezione z Iranu, a 12 lat później jego właściciel David Geffen (ten sam producent, który sprzedał „Numer 5” Jacksona Pollocka) sprzedał obraz milionerowi Stevenowi Cohenowi za 137,5 miliona dolarów. Co ciekawe, w ciągu jednego roku Geffen zaczął wyprzedawać swoją kolekcję obrazów. Wywołało to wiele plotek: na przykład, że producent zdecydował się kupić gazetę Los Angeles Times.

Na jednym z forów artystycznych pojawiła się opinia o podobieństwie „Kobiety III” do obrazu „Dama z gronostajem” Leonarda da Vinci. Za zębatym uśmiechem i bezkształtną postacią bohaterki koneser malarstwa dostrzegł wdzięk osoby królewskiej krwi. Świadczy o tym także źle narysowana korona wieńcząca głowę kobiety.

4

„Portret AdeliBloch-Bauer I”

Autor

Gustava Klimta

Kraj Austria
Lata życia 1862–1918
Styl nowoczesny

Gustav Klimt urodził się w rodzinie rytownika i był drugim z siedmiorga dzieci. Trzej synowie Ernesta Klimta zostali artystami, ale dopiero Gustav zasłynął na całym świecie. Większość dzieciństwa spędził w biedzie. Po śmierci ojca przejął odpowiedzialność za całą rodzinę. W tym czasie Klimt rozwinął swój styl. Każdy widz zatrzymuje się przed jego obrazami: szczery erotyzm jest wyraźnie widoczny pod cienkimi pociągnięciami złota.

138x136cm
1907
cena
135 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Sotheby's

Losy obrazu, zwanego „austriacką Moną Lisą”, z łatwością mogłyby stać się podstawą bestsellera. Twórczość artystki wywołała konflikt pomiędzy całym państwem a jedną starszą panią.

Tak więc „Portret Adele Bloch-Bauer I” przedstawia arystokratę, żonę Ferdynanda Blocha. Jej ostatnim życzeniem było przekazanie obrazu Austriackiej Galerii Państwowej. Bloch jednak w testamencie anulował darowiznę, a obraz został wywłaszczony przez hitlerowców. Później galeria z trudem kupiła Złotą Adele, ale potem pojawiła się dziedziczka - Maria Altman, siostrzenica Ferdynanda Blocha.

W 2005 roku rozpoczął się głośny proces „Marii Altmann przeciwko Republice Austrii”, w wyniku którego film „wyjechał” z nią do Los Angeles. Austria podjęła bezprecedensowe kroki: przeprowadzono negocjacje w sprawie pożyczek, ludność przekazała pieniądze na zakup portretu. Dobro nigdy nie pokonało zła: Altman podniósł cenę do 300 milionów dolarów. W chwili postępowania miała 79 lat, a do historii zapisała się jako osoba, która zmieniła testament Blocha-Bauera na korzyść osobistych interesów. Obraz kupił Ronald Lauder, właściciel New Gallery w Nowym Jorku, gdzie znajduje się do dziś. Nie dla Austrii, dla niego Altman obniżył cenę do 135 milionów dolarów.

5

"Krzyk"

Autor

Edvard Munch

Kraj Norwegia
Lata życia 1863–1944
Styl ekspresjonizm

Pierwszy obraz Muncha, który zasłynął na całym świecie, „Chora dziewczyna” (jest pięć kopii) poświęcony jest siostrze artysty, która zmarła na gruźlicę w wieku 15 lat. Muncha zawsze interesował temat śmierci i samotności. W Niemczech jego ciężkie, maniakalne malarstwo wywołało nawet skandal. Jednak pomimo depresyjnej tematyki jego obrazy mają szczególny magnetyzm. Weźmy na przykład „Krzyk”.

73,5 x 91 cm
1895
cena
119,992 mln dolarów
sprzedane w 2012
na aukcji Sotheby's

Pełny tytuł obrazu to Der Schrei der Natur (w tłumaczeniu z języka niemieckiego „krzyk natury”). Twarz człowieka lub kosmity wyraża rozpacz i panikę – te same emocje, których doświadcza widz patrząc na zdjęcie. Jedno z kluczowych dzieł ekspresjonizmu ostrzega przed tematami, które stały się ostre w sztuce XX wieku. Według jednej wersji artysta stworzył go pod wpływem zaburzenia psychicznego, na które cierpiał przez całe życie.

Obraz został dwukrotnie skradziony z różnych muzeów, ale został zwrócony. Nieznacznie uszkodzony po kradzieży Krzyk został odrestaurowany i ponownie gotowy do wystawienia w Muzeum Muncha w 2008 roku. Dla przedstawicieli popkultury dzieło stało się źródłem inspiracji: Andy Warhol stworzył serię jego drukowanych kopii, a maska ​​​​z filmu „Krzyk” została wykonana na obraz i podobieństwo bohatera obrazu.

Munch napisał cztery wersje pracy na jeden temat: ta znajdująca się w kolekcji prywatnej wykonana jest pastelami. Norweski miliarder Petter Olsen wystawił go na aukcję 2 maja 2012 r. Kupującym został Leon Black, który za „Krzyk” nie szczędził rekordowej kwoty. Założyciel Apollo Advisors, L.P. i Lion Advisors, L.P. znany z zamiłowania do sztuki. Black jest patronem Dartmouth College, Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Lincoln Art Center i Metropolitan Museum of Art. Posiada największą kolekcję obrazów artystów współczesnych i mistrzów klasycyzmu minionych wieków.

6

„Akt na tle popiersia i zielonych liści”

Autor

Pablo Picasso

Kraj Hiszpania, Francja
Lata życia 1881–1973
Styl kubizm

Z pochodzenia jest Hiszpanem, ale duchem i miejscem zamieszkania jest prawdziwym Francuzem. Picasso otworzył własne studio artystyczne w Barcelonie, gdy miał zaledwie 16 lat. Następnie udał się do Paryża i spędził tam większość swojego życia. Dlatego w jego nazwisku występuje podwójny akcent. Styl wymyślony przez Picassa opiera się na zaprzeczeniu poglądowi, że przedmiot przedstawiony na płótnie można oglądać tylko pod jednym kątem.

130x162cm
1932
cena
106,482 mln dolarów
sprzedany w 2010
na aukcji Christie

Podczas swojej pracy w Rzymie artysta poznał tancerkę Olgę Khokhlovą, która wkrótce została jego żoną. Położył kres włóczęgostwu i przeprowadził się z nią do luksusowego mieszkania. Do tego czasu bohater znalazł uznanie, ale małżeństwo zostało zniszczone. Jeden z najdroższych obrazów świata powstał niemal przez przypadek – z wielkiej miłości, która jak zawsze u Picassa była krótkotrwała. W 1927 roku zainteresował się młodą Marią Teresą Walter (ona miała 17 lat, on 45). W tajemnicy przed żoną wyjechał z kochanką do miasteczka pod Paryżem, gdzie namalował portret przedstawiający Marię Teresę na obrazie Dafne. Płótno zakupił nowojorski handlarz Paul Rosenberg, który w 1951 roku sprzedał je Sidneyowi F. Brody'emu. Brodyowie pokazali obraz światu tylko raz i tylko dlatego, że artysta kończył 80 lat. Po śmierci męża pani Brody w marcu 2010 roku wystawiła dzieło na aukcję w Christie’s. W ciągu sześciu dekad cena wzrosła ponad 5000 razy! Nieznany kolekcjoner kupił go za 106,5 miliona dolarów. W 2011 roku w Wielkiej Brytanii odbyła się „wystawa jednego obrazu”, gdzie wystawiono ją po raz drugi, lecz nazwisko właściciela nadal nie jest znane.

7

„Osiem Elvisów”

Autor

Andy’ego Warhole’a

Kraj USA
Lata życia 1928-1987
Styl
pop Art

„Seks i imprezy to jedyne miejsca, w których trzeba pojawić się osobiście” – powiedział kultowy artysta pop-artu, reżyser, jeden z założycieli magazynu Interview, projektant Andy Warhol. Współpracował z Vogue i Harper's Bazaar, projektował okładki płyt i projektował buty dla firmy I.Miller. W latach 60. pojawiły się obrazy przedstawiające symbole Ameryki: zupę Campbella i Coca-Colę, Presleya i Monroe - co uczyniło go legendą.

358x208cm
1963
cena
100 milionów dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji prywatnej

Lata 60. Warhola to nazwa nadana epoce pop-artu w Ameryce. W 1962 roku pracował na Manhattanie w studiu Factory, gdzie gromadziła się cała bohema Nowego Jorku. Jego wybitni przedstawiciele: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote i inne znane osobistości na świecie. W tym samym czasie Warhol testował technikę sitodruku – wielokrotne powtarzanie jednego obrazu. Tę metodę zastosował także podczas tworzenia „Ośmiu Elvisów”: widz ma wrażenie, że widzi materiał z filmu, w którym gwiazda ożywa. Jest tu wszystko, co artysta tak bardzo kochał: wizerunek publiczny, w którym wygrywają obie strony, srebrny kolor i przeczucie śmierci jako główne przesłanie.

Dziś na rynku światowym działa dwóch handlarzy dziełami sztuki promujących twórczość Warhola: Larry Gagosian i Alberto Mugrabi. Ten pierwszy wydał w 2008 roku 200 milionów dolarów na zakup ponad 15 dzieł Warhola. Drugi kupuje i sprzedaje swoje obrazy jak kartki świąteczne, tyle że za wyższą cenę. Ale to nie oni, ale skromny francuski konsultant ds. sztuki Philippe Segalot pomógł rzymskiemu koneserowi sztuki Annibale Berlinghieri sprzedać „Osiem Elvisów” nieznanemu nabywcy za rekordową dla Warhola kwotę – 100 milionów dolarów.

8

"Pomarańczowy,Czerwony żółty"

Autor

Marek Rothko

Kraj USA
Lata życia 1903–1970
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

Jeden z twórców kolorowego malarstwa polowego urodził się w Dvinsku w Rosji (obecnie Dyneburg na Łotwie) w dużej rodzinie żydowskiego farmaceuty. W 1911 wyemigrowali do USA. Rothko studiował na wydziale artystycznym Uniwersytetu Yale i zdobył stypendium, ale nastroje antysemickie zmusiły go do porzucenia studiów. Mimo wszystko krytycy sztuki byli idolami artysty, a muzea prześladowały go przez całe życie.

206x236cm
1961
cena
86,882 mln dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji Christie

Pierwsze eksperymenty artystyczne Rothki miały charakter surrealistyczny, jednak z czasem uprościł fabułę do barwienia plam, pozbawiając je wszelkiej obiektywności. Początkowo miały jasne odcienie, w latach 60. XX wieku stały się brązowo-fioletowe, by po śmierci artysty zgęstnieć i przejść w czerń. Mark Rothko przestrzegał przed doszukiwaniem się w swoich obrazach jakiegokolwiek sensu. Autor chciał powiedzieć dokładnie to, co powiedział: tylko kolor rozpuszczający się w powietrzu i nic więcej. Zalecał oglądanie prac z odległości 45 cm, aby widz „wciągnął się” w kolor niczym w lejek. Bądź ostrożny: patrzenie według wszystkich zasad może doprowadzić do efektu medytacji, czyli stopniowej świadomości nieskończoności, całkowitego zanurzenia się w sobie, relaksu i oczyszczenia. Kolor na jego obrazach żyje, oddycha i ma silny wpływ emocjonalny (mówią, czasem uzdrawiający). Artystka deklarowała: „Widz powinien płakać, patrząc na nie” – i takie przypadki rzeczywiście miały miejsce. Według teorii Rothki ludzie w tym momencie przeżywają to samo duchowe przeżycie, jakie on przeżył podczas pracy nad obrazem. Jeśli potrafiłeś to zrozumieć na tak subtelnym poziomie, nie zdziwisz się, że te dzieła sztuki abstrakcyjnej często porównywane są przez krytyków do ikon.

Praca „Orange, Red, Yellow” wyraża istotę malarstwa Marka Rothko. Jego początkowa cena na aukcji Christie’s w Nowym Jorku wynosi 35–45 mln dolarów. Nieznany nabywca zaoferował cenę dwukrotnie wyższą od szacunkowej. Imię szczęśliwego właściciela obrazu, jak to często bywa, nie zostaje ujawnione.

9

"Tryptyk"

Autor

Franciszka Bacona

Kraj
Wielka Brytania
Lata życia 1909–1992
Styl ekspresjonizm

Przygody Francisa Bacona, zupełnego imiennika, a jednocześnie dalekiego potomka wielkiego filozofa, rozpoczęły się, gdy jego ojciec się go wyparł, nie mogąc zaakceptować homoseksualnych skłonności syna. Bacon udał się najpierw do Berlina, potem do Paryża, a potem jego tropy pomieszały się w całej Europie. Za jego życia jego prace wystawiane były w czołowych ośrodkach kulturalnych świata, m.in. w Muzeum Guggenheima i Galerii Trietiakowskiej.

147,5x198 cm (każdy)
1976
cena
86,2 mln dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's

Prestiżowe muzea starały się posiadać obrazy Bacona, ale prymitywnej angielskiej publiczności nie spieszyło się z kupowaniem takich dzieł sztuki. Legendarna brytyjska premier Margaret Thatcher powiedziała o nim: „Człowiek, który maluje te przerażające obrazy”.

Za okres początkowy swojej twórczości sam artysta uważał okres powojenny. Wracając ze służby, ponownie zajął się malarstwem i stworzył wielkie arcydzieła. Przed powstaniem „Tryptyku, 1976” najdroższym dziełem Bacona było „Studium do portretu papieża Innocentego X” (52,7 mln dolarów). W „Tryptyku 1976” artysta przedstawił mityczną fabułę prześladowania Orestesa przez Furie. Oczywiście Orestes to sam Bacon, a Furie są jego udręką. Przez ponad 30 lat obraz znajdował się w kolekcji prywatnej i nie brał udziału w wystawach. Fakt ten nadaje mu szczególną wartość i odpowiednio zwiększa koszt. Ale czym jest kilka milionów dla konesera sztuki, i to hojnego? Roman Abramowicz zaczął tworzyć swoją kolekcję w latach 90. XX wieku, na co znaczący wpływ miała jego przyjaciółka Dasza Żukowa, która stała się modną właścicielką galerii we współczesnej Rosji. Według nieoficjalnych danych biznesmen osobiście jest właścicielem dzieł Alberto Giacomettiego i Pabla Picassa, zakupionych za kwoty przekraczające 100 milionów dolarów. W 2008 roku stał się właścicielem Tryptyku. Nawiasem mówiąc, w 2011 roku zakupiono kolejne cenne dzieło Bacona – „Trzy szkice do portretu Luciana Freuda”. Ukryte źródła podają, że kupującym ponownie został Roman Arkadjewicz.

10

„Staw z liliami wodnymi”

Autor

Claude Monet

Kraj Francja
Lata życia 1840–1926
Styl impresjonizm

Artysta uznawany jest za twórcę impresjonizmu, który „opatentował” tę metodę w swoich obrazach. Pierwszym znaczącym dziełem był obraz „Obiad na trawie” (oryginalna wersja dzieła Edouarda Maneta). W młodości rysował karykatury, a prawdziwym malarstwem zajął się podczas podróży wzdłuż wybrzeża i w plenerze. W Paryżu prowadził bohemy i nie opuścił go nawet po odbyciu służby wojskowej.

210x100cm
1919
cena
80,5 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Christie

Oprócz tego, że Monet był wielkim artystą, był także zapalonym ogrodnikiem i uwielbiał przyrodę i kwiaty. W jego pejzażach stan natury jest chwilowy, obiekty zdają się być rozmyte przez ruch powietrza. Wrażenie potęgują duże kreski, które z pewnej odległości stają się niewidoczne i łączą się w teksturowany, trójwymiarowy obraz. W obrazach późnego Moneta temat wody i życia w niej zajmuje szczególne miejsce. W miejscowości Giverny artysta miał własny staw, w którym hodował lilie wodne z nasion specjalnie przywiezionych z Japonii. Kiedy zakwitły ich kwiaty, zaczął rysować. Cykl „Lilie wodne” składa się z 60 prac, które artysta malował na przestrzeni prawie 30 lat, aż do swojej śmierci. Z wiekiem wzrok mu się pogorszył, ale nie przestał. W zależności od wiatru, pory roku i pogody wygląd stawu stale się zmieniał, a Monet chciał te zmiany uchwycić. Dzięki uważnej pracy doszedł do zrozumienia istoty natury. Część obrazów z tej serii znajduje się w czołowych galeriach świata: Narodowym Muzeum Sztuki Zachodniej (Tokio), Orangerie (Paryż). Wersja kolejnego „Stawu z liliami wodnymi” trafiła w ręce nieznanego nabywcy za rekordową kwotę.

11

Fałszywa Gwiazda T

Autor

Jaspera Johnsa

Kraj USA
Rok urodzenia 1930
Styl pop Art

W 1949 roku Jones rozpoczął naukę w szkole projektowania w Nowym Jorku. Wraz z Jacksonem Pollockiem, Willemem de Kooningiem i innymi uznawany jest za jednego z głównych artystów XX wieku. W 2012 roku otrzymał Prezydencki Medal Wolności, najwyższe odznaczenie cywilne w Stanach Zjednoczonych.

137,2 x 170,8 cm
1959
cena
80 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji prywatnej

Podobnie jak Marcel Duchamp Jones pracował z realnymi obiektami, przedstawiając je na płótnie i w rzeźbie w pełnej zgodności z oryginałem. Do swoich prac wykorzystywał proste i zrozumiałe przedmioty: butelkę po piwie, flagę czy kartki. W filmie Falstart nie ma jasnej kompozycji. Artysta zdaje się bawić z widzem, często „błędnie” etykietując kolory na obrazie, odwracając samo pojęcie koloru: „Chciałem znaleźć taki sposób przedstawienia koloru, aby można go było określić inną metodą”. Według krytyków jego najbardziej wybuchowy i „niepewny” obraz kupił nieznany nabywca.

12

„Siedzinagina kanapie"

Autor

Amedeo Modiglianiego

Kraj Włochy, Francja
Lata życia 1884–1920
Styl ekspresjonizm

Modigliani od dzieciństwa często chorował, w czasie gorączkowego delirium rozpoznał swoje przeznaczenie jako artysta. Studiował rysunek w Livorno, Florencji, Wenecji, a w 1906 wyjechał do Paryża, gdzie jego sztuka rozkwitła.

65x100cm
1917
cena
68,962 mln dolarów
sprzedany w 2010
na aukcji Sotheby's

W 1917 roku Modigliani poznał 19-letnią Jeanne Hebuterne, która została jego modelką, a następnie żoną. W 2004 roku jeden z jej portretów został sprzedany za 31,3 miliona dolarów, co było ostatnim rekordem przed sprzedażą „Aktu siedzącego na sofie” w 2010 roku. Obraz został zakupiony przez nieznanego nabywcę za maksymalną aktualnie cenę Modiglianiego. Aktywna sprzedaż dzieł rozpoczęła się dopiero po śmierci artysty. Zmarł w biedzie, chory na gruźlicę, a następnego dnia Jeanne Hebuterne, będąca w dziewiątym miesiącu ciąży, również popełniła samobójstwo.

13

„Orzeł na sośnie”

Autor

Qi Baishi

Kraj Chiny
Lata życia 1864–1957
Styl Guohua

Zainteresowanie kaligrafią doprowadziło Qi Baishi do malarstwa. W wieku 28 lat został uczniem artysty Hu Qingyuana. Chińskie Ministerstwo Kultury nadało mu tytuł „Wielkiego Artysty Narodu Chińskiego”, a w 1956 roku otrzymał Międzynarodową Nagrodę Pokojową.

10x26cm
1946
cena
65,4 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Strażnik Chin

Qi Baishi interesował się tymi przejawami otaczającego świata, do których wielu nie przywiązuje wagi, i na tym polega jego wielkość. Człowiek bez wykształcenia został profesorem i wybitnym twórcą w historii. Pablo Picasso powiedział o nim: „Boję się jechać do waszego kraju, bo w Chinach jest Qi Baishi”. Kompozycja „Orzeł na sośnie” uznawana jest za największe dzieło artysty. Oprócz płótna zawiera dwa zwoje hieroglificzne. Dla Chin kwota, za jaką zakupiono dzieło, jest rekordowa – 425,5 mln juanów. Sam zwój starożytnego kaligrafa Huang Tingjiana został sprzedany za 436,8 miliona dolarów.

14

„1949-A-nr 1”

Autor

Clyfforda Stilla

Kraj USA
Lata życia 1904–1980
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

W wieku 20 lat odwiedziłem Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku i byłem rozczarowany. Później zapisał się na kurs w Studenckiej Lidze Artystycznej, ale wyszedł 45 minut po rozpoczęciu zajęć - okazało się, że „nie dla niego”. Pierwsza osobista wystawa wywołała rezonans, artysta odnalazł siebie, a wraz z nim uznanie

79x93cm
1949
cena
61,7 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby's

Still zapisał wszystkie swoje dzieła, ponad 800 płócien i 1600 prac na papierze, amerykańskiemu miastu, gdzie zostanie otwarte muzeum nazwane jego imieniem. Denver stało się takim miastem, jednak sama budowa była dla władz kosztowna, a aby ją ukończyć, wystawiono na aukcję cztery prace. Prace Stilla raczej nie trafią ponownie na aukcję, co z góry podniosło ich cenę. Obraz „1949-A-Nr 1” został sprzedany za rekordową dla artysty kwotę, choć eksperci przewidywali sprzedaż za maksymalnie 25–35 mln dolarów.

15

„Kompozycja suprematystyczna”

Autor

Kazimierz Malewicz

Kraj Rosja
Lata życia 1878–1935
Styl Suprematyzm

Malewicz studiował malarstwo w Kijowskiej Szkole Artystycznej, następnie w Moskiewskiej Akademii Sztuk Pięknych. W 1913 roku zaczął malować abstrakcyjne obrazy geometryczne w stylu, który nazwał suprematyzmem (od łac. „dominacja”).

71x88,5cm
1916
cena
60 milionów dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's

Obraz przechowywany był w Muzeum Miejskim w Amsterdamie przez około 50 lat, jednak po 17-letnim sporze z krewnymi Malewicza muzeum go oddało. Artysta namalował to dzieło w tym samym roku, w którym powstał „Manifest suprematyzmu”, dlatego Sotheby’s jeszcze przed aukcją zapowiadał, że nie trafi ono do prywatnej kolekcji za mniej niż 60 milionów dolarów. I tak się stało. Lepiej spojrzeć na to z góry: postacie na płótnie przypominają widok ziemi z lotu ptaka. Nawiasem mówiąc, kilka lat wcześniej ci sami krewni wywłaszczyli z Muzeum MoMA kolejną „Kompozycję suprematystyczną”, aby sprzedać ją na aukcji Phillipsa za 17 milionów dolarów.

16

„kąpiący się”

Autor

Paul Gauguin

Kraj Francja
Lata życia 1848–1903
Styl postimpresjonizm

Do siódmego roku życia artysta mieszkał w Peru, następnie wraz z rodziną wrócił do Francji, jednak wspomnienia z dzieciństwa nieustannie popychały go do podróży. We Francji zaczął malować i zaprzyjaźnił się z Van Goghiem. Spędził z nim nawet kilka miesięcy w Arles, aż w czasie kłótni Van Gogh odciął mu ucho.

93,4 x 60,4 cm
1902
cena
55 milionów dolarów
sprzedany w 2005
na aukcji Sotheby's

W 1891 roku Gauguin zorganizował sprzedaż swoich obrazów, aby dochód wykorzystać na podróż w głąb wyspy Tahiti. Tworzył tam dzieła, w których wyczuwalny jest subtelny związek natury z człowiekiem. Gauguin mieszkał w chatce krytej strzechą, a na jego płótnach rozkwitał tropikalny raj. Jego żoną była 13-letnia Tahitianka Tehura, co nie przeszkodziło artyście wdawać się w rozwiązłe związki. Zachorując na kiłę wyjechał do Francji. Jednak dla Gauguina było tam tłoczno i ​​wrócił na Tahiti. Okres ten nazywany jest „drugim Tahitianem” - wtedy namalowano obraz „Kąpiący się”, jeden z najbardziej luksusowych w jego twórczości.

17

"Żonkile i obrusy w odcieniach błękitu i różu"

Autor

Henryk Matisse

Kraj Francja
Lata życia 1869–1954
Styl Fowizm

W 1889 roku Henri Matisse dostał ataku zapalenia wyrostka robaczkowego. Kiedy wracał do zdrowia po operacji, mama kupiła mu farby. Początkowo Matisse z nudów kopiował kolorowe pocztówki, potem kopiował dzieła wielkich malarzy, które widział w Luwrze, aż na początku XX wieku wymyślił styl – fowizm.

65,2 x 81 cm
1911
cena
46,4 miliona dolarów
sprzedany w 2009
na aukcji Christie

Obraz „Żonkile i obrus w kolorze niebieskim i różowym” przez długi czas był własnością Yvesa Saint Laurenta. Po śmierci projektanta cała jego kolekcja dzieł sztuki przeszła w ręce jego przyjaciela i kochanka Pierre’a Bergera, który postanowił wystawić ją na aukcję w Christie’s. Perłą sprzedanej kolekcji był obraz „Żonkile i obrus w odcieniach błękitu i różu”, namalowany na zwykłym obrusie zamiast na płótnie. Jako przykład fowizmu, jest on wypełniony energią koloru, kolory wydają się eksplodować i krzyczeć. Ze słynnego cyklu obrazów malowanych na obrusach, dzieło to, jako jedyne, znajduje się dziś w zbiorach prywatnych.

18

„Śpiąca dziewczyna”

Autor

RoyZawietrzny

htensteina

Kraj USA
Lata życia 1923–1997
Styl pop Art

Artysta urodził się w Nowym Jorku, a po ukończeniu szkoły wyjechał do Ohio, gdzie uczęszczał na kursy plastyczne. W 1949 roku Lichtenstein uzyskał tytuł magistra sztuk pięknych. Zainteresowanie komiksem i umiejętność posługiwania się ironią uczyniły go artystą kultowym ubiegłego wieku.

91x91cm
1964
cena
44,882 mln dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji Sotheby's

Któregoś dnia w ręce Lichtensteina wpadła guma do żucia. Przeniósł obraz z wkładki na płótno i zasłynął. W tej historii z jego biografii zawarte jest całe przesłanie pop-artu: konsumpcja jest nowym bogiem, a w opakowaniu po gumie do żucia jest nie mniej piękna niż w Mona Lisie. Jego obrazy przypominają komiksy i karykatury: Lichtenstein po prostu powiększył gotowy obraz, narysował rastry, zastosował sitodruk i sitodruk. Obraz „Śpiąca dziewczyna” przez prawie 50 lat należał do kolekcjonerów Beatrice i Philipa Gershów, których spadkobiercy sprzedali go na aukcji.

19

"Zwycięstwo. Boogie Woogie"

Autor

Pieta Mondriana

Kraj Holandia
Lata życia 1872–1944
Styl neoplastycyzm

Po przeprowadzce do Paryża w 1912 roku artysta zmienił swoje prawdziwe nazwisko, Cornelis, na Mondrian. Wraz z artystą Theo van Doesburgiem założył ruch neoplastyczny. Język programowania Piet nosi imię Mondriana.

27x127cm
1944
cena
40 milionów dolarów
sprzedany w 1998
na aukcji Sotheby's

Najbardziej „muzyczni” artyści XX wieku utrzymywali się z akwarelowych martwych natur, choć zasłynął jako artysta nowotworowy. W latach czterdziestych XX wieku przeniósł się do Stanów Zjednoczonych i tam spędził resztę życia. Jazz i Nowy Jork zainspirowały go najbardziej! Obraz „Zwycięstwo. Boogie-Woogie” jest tego najlepszym przykładem. Charakterystyczne, schludne kwadraty uzyskano za pomocą taśmy samoprzylepnej, ulubionego materiału Mondriana. W Ameryce nazywano go „najsłynniejszym imigrantem”. W latach sześćdziesiątych Yves Saint Laurent wypuścił słynne na całym świecie sukienki „Mondrian” z dużymi nadrukami w kratkę.

20

„Kompozycja nr 5”

Autor

BazyliaKandinsky'ego

Kraj Rosja
Lata życia 1866–1944
Styl awangarda

Artysta urodził się w Moskwie, a jego ojciec pochodził z Syberii. Po rewolucji próbował współpracować z rządem sowieckim, ale szybko zdał sobie sprawę, że prawa proletariatu nie są dla niego stworzone i nie bez trudności wyemigrował do Niemiec.

275x190cm
1911
cena
40 milionów dolarów
sprzedany w 2007
na aukcji Sotheby's

Kandinsky jako jeden z pierwszych całkowicie porzucił malarstwo przedmiotowe, za co otrzymał tytuł geniusza. W czasach nazizmu w Niemczech jego obrazy uznano za „sztukę zdegenerowaną” i nie były nigdzie wystawiane. W 1939 roku Kandinsky przyjął obywatelstwo francuskie, a w Paryżu swobodnie uczestniczył w procesie artystycznym. Jego obrazy „brzmią” jak fugi, dlatego wiele z nich nazywa się „kompozycjami” (pierwsza powstała w 1910 r., ostatnia w 1939 r.). „Kompozycja nr 5” to jedno z kluczowych dzieł tego gatunku: „Słowo „kompozycja” zabrzmiało dla mnie jak modlitwa” – stwierdził artysta. W przeciwieństwie do wielu swoich naśladowców, planował to, co przedstawi na ogromnym płótnie, jakby pisał notatki.

21

„Studium kobiety w błękicie”

Autor

Fernand Léger

Kraj Francja
Lata życia 1881–1955
Styl kubizm-postimpresjonizm

Léger zdobył wykształcenie architektoniczne, a następnie uczęszczał do Ecole des Beaux-Arts w Paryżu. Artysta uważał się za zwolennika Cezanne’a, był apologetą kubizmu, a w XX wieku odnosił sukcesy także jako rzeźbiarz.

96,5 x 129,5 cm
1912–1913
cena
39,2 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's

David Norman, prezes międzynarodowego działu impresjonizmu i modernizmu w Sotheby's, uważa ogromną kwotę zapłaconą za „Błękitną damę” za w pełni uzasadnioną. Obraz należy do słynnej kolekcji Légera (artysta namalował trzy obrazy o tej samej tematyce, ostatni z nich znajduje się dziś w rękach prywatnych – przyp. red.), a powierzchnia płótna zachowała się w pierwotnej formie. Sam autor przekazał to dzieło galerii Der Sturm, następnie trafiło ono do kolekcji Hermanna Langa, niemieckiego kolekcjonera modernizmu, a obecnie należy do nieznanego nabywcy.

22

„Scena uliczna. Berlin"

Autor

Ernsta LudwigaKirchnera

Kraj Niemcy
Lata życia 1880–1938
Styl ekspresjonizm

Dla niemieckiego ekspresjonizmu Kirchner stał się postacią ikoniczną. Władze lokalne zarzucały mu jednak uprawianie „sztuki zdegenerowanej”, co tragicznie wpłynęło na losy jego obrazów i życie artysty, który w 1938 roku popełnił samobójstwo.

95x121cm
1913
cena
38,096 mln dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Christie

Po przeprowadzce do Berlina Kirchner stworzył 11 szkiców scen ulicznych. Inspiracją dla niego był zgiełk i nerwowość wielkiego miasta. Na obrazie sprzedanym w 2006 roku w Nowym Jorku szczególnie dotkliwie odczuwa się niepokój artysty: ludzie na berlińskiej ulicy przypominają ptaki – pełne wdzięku i niebezpieczne. Było to ostatnie dzieło ze słynnej serii sprzedane na aukcji, pozostałe znajdują się w muzeach. W 1937 roku hitlerowcy surowo potraktowali Kirchnera: 639 jego dzieł wywieziono z niemieckich galerii, zniszczono lub sprzedano za granicę. Artysta nie mógł tego przeżyć.

23

"Urlopowicz"tancerz"

Autor

Edgara Degasa

Kraj Francja
Lata życia 1834–1917
Styl impresjonizm

Historia Degasa jako artysty rozpoczęła się od pracy kopisty w Luwrze. Marzył o zostaniu „sławnym i nieznanym” i w końcu mu się to udało. Pod koniec życia, głuchy i niewidomy, 80-letni Degas nadal uczęszczał na wystawy i aukcje.

64x59cm
1879
cena
37,043 mln dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's

„Baleriny zawsze były dla mnie tylko pretekstem do przedstawiania tkanin i uchwycenia ruchu” – powiedziała Degas. Sceny z życia tancerzy wydają się być szpiegowane: dziewczyny nie pozują artyście, a po prostu stają się częścią atmosfery wychwytywanej przez wzrok Degasa. „Resting Dancer” został sprzedany w 1999 roku za 28 milionów dolarów, a niecałe 10 lat później został kupiony za 37 milionów dolarów – dziś jest to najdroższa praca artysty, jaką kiedykolwiek wystawiono na aukcji. Degas przywiązywał dużą wagę do ram, sam je projektował i zabraniał ich zmiany. Zastanawiam się, jaka rama jest zamontowana na sprzedawanym obrazie?

24

"Obraz"

Autor

Joanna Miro

Kraj Hiszpania
Lata życia 1893–1983
Styl Sztuka abstrakcyjna

Podczas hiszpańskiej wojny domowej artysta opowiedział się po stronie republikanów. W 1937 roku uciekł przed faszystowskim reżimem do Paryża, gdzie wraz z rodziną żył w biedzie. W tym okresie Miro namalował obraz „Pomóż Hiszpanii!”, zwracając uwagę całego świata na dominację faszyzmu.

89x115cm
1927
cena
36,824 mln dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji Sotheby's

Drugi tytuł obrazu to „Błękitna Gwiazda”. Artysta namalował go w tym samym roku, kiedy oznajmił: „Chcę zabić malarstwo” i bezlitośnie naśmiewał się z płócien, drapiąc farbę gwoździami, przyklejając pióra do płótna, zasypując prace śmieciami. Jego celem było obalenie mitów na temat tajemnicy malarstwa, jednak poradziwszy sobie z tym, Miro stworzył własny mit – surrealistyczną abstrakcję. Jego „Obraz” należy do cyklu „obrazów snów”. Na aukcji walczyło o niego czterech nabywców, jednak jedna rozmowa telefoniczna incognito rozstrzygnęła spór, a „Malarstwo” stało się najdroższym obrazem artysty.

25

"Niebieska róża"

Autor

Yvesa Kleina

Kraj Francja
Lata życia 1928–1962
Styl malarstwo monochromatyczne

Artysta urodził się w rodzinie malarzy, ale studiował języki orientalne, nawigację, rzemiosło złotnika, buddyzm zen i wiele innych. Jego osobowość i bezczelne wybryki były wielokrotnie ciekawsze niż monochromatyczne obrazy.

153x199x16cm
1960
cena
36,779 mln dolarów
sprzedany w 2012 roku
na aukcji Christie’s

Pierwsza wystawa monochromatycznych prac w kolorze żółtym, pomarańczowym i różowym nie wzbudziła zainteresowania publiczności. Klein poczuł się urażony i następnym razem pokazał 11 identycznych płócien, pomalowanych ultramaryną zmieszaną ze specjalną żywicą syntetyczną. Nawet opatentował tę metodę. Kolor przeszedł do historii jako „międzynarodowy błękit Kleina”. Artysta sprzedawał także pustkę, tworzył obrazy wystawiając papier na działanie deszczu, podpalając karton, wykonując odbitki ciała człowieka na płótnie. Jednym słowem eksperymentowałem jak mogłem. Do stworzenia „Niebieskiej Róży” użyłam suchych pigmentów, żywic, kamyczków i naturalnej gąbki.

26

„W poszukiwaniu Mojżesza”

Autor

Sir Lawrence'a Alma-Tadema

Kraj Wielka Brytania
Lata życia 1836–1912
Styl neoklasycyzm

Sam Sir Lawrence dodał do swojego nazwiska przedrostek „alma”, aby móc pojawiać się na pierwszych miejscach w katalogach dzieł sztuki. W wiktoriańskiej Anglii jego obrazy cieszyły się takim zainteresowaniem, że artysta otrzymał tytuł szlachecki.

213,4 x 136,7 cm
1902
cena
35,922 mln dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby's

Głównym tematem twórczości Alma-Tadema była starożytność. W swoich obrazach starał się w najdrobniejszych szczegółach przedstawić epokę Cesarstwa Rzymskiego, w tym celu przeprowadził nawet wykopaliska archeologiczne na Półwyspie Apenińskim, a w swoim londyńskim domu odtworzył historyczne wnętrza tamtych lat. Kolejnym źródłem inspiracji stały się dla niego tematy mitologiczne. Artysta za życia był niezwykle poszukiwany, jednak po śmierci szybko o nim zapomniano. Obecnie zainteresowanie odżywa, o czym świadczy cena obrazu „W poszukiwaniu Mojżesza”, która jest siedmiokrotnie wyższa od szacunkowej przedsprzedaży.

27

„Portret śpiącego nagiego urzędnika”

Autor

Lucjan Freud

Kraj Niemcy,
Wielka Brytania
Lata życia 1922–2011
Styl malarstwo figuratywne

Artysta jest wnukiem Zygmunta Freuda, ojca psychoanalizy. Po ustanowieniu faszyzmu w Niemczech jego rodzina wyemigrowała do Wielkiej Brytanii. Prace Freuda znajdują się w Wallace Collection Museum w Londynie, gdzie żaden współczesny artysta nie wystawiał wcześniej.

219,1 x 151,4 cm
1995
cena
33,6 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Christie

Podczas gdy modni artyści XX wieku tworzyli pozytywne „kolorowe plamy na ścianie” i sprzedawali je za miliony, Freud malował niezwykle naturalistyczne obrazy i sprzedawał je za jeszcze więcej. „Uchwytuję płacz duszy i cierpienie więdnącego ciała” – powiedział. Krytycy uważają, że wszystko to jest „dziedzictwem” Zygmunta Freuda. Obrazy były tak aktywnie wystawiane i sprzedawały się z sukcesem, że eksperci zaczęli wątpić: czy mają właściwości hipnotyczne? Sprzedany na aukcji „Portret nagiego śpiącego urzędnika” – jak podaje „The Sun” – kupił koneser piękna i miliarder Roman Abramowicz.

28

„Skrzypce i gitara”

Autor

Xjeden Gris

Kraj Hiszpania
Lata życia 1887–1927
Styl kubizm

Urodzony w Madrycie, gdzie ukończył Szkołę Sztuki i Rzemiosła. W 1906 przeniósł się do Paryża i wszedł do kręgu najbardziej wpływowych artystów epoki: Picassa, Modiglianiego, Braque'a, Matisse'a, Légera, a także współpracował z Siergiejem Diagilewem i jego trupą.

5x100cm
1913
cena
28,642 mln dolarów
sprzedany w 2010
na aukcji Christie

Gris, jak sam stwierdził, zajmował się „płaską, kolorową architekturą”. Jego obrazy są precyzyjnie przemyślane: nie pozostawił ani jednej przypadkowej kreski, co upodabnia twórczość do geometrii. Artysta stworzył własną wersję kubizmu, choć darzył wielkim szacunkiem Pabla Picassa, ojca założyciela tego ruchu. Następca zadedykował mu nawet swoje pierwsze dzieło w stylu kubistycznym „Tribute to Picasso”. Obraz „Skrzypce i gitara” uznawany jest za wybitny w twórczości artysty. Już za życia Gris był sławny i lubiany przez krytyków i krytyków sztuki. Jego prace znajdują się w największych muzeach świata i znajdują się w kolekcjach prywatnych.

29

"PortretPola Eluarda”

Autor

Salvador Dali

Kraj Hiszpania
Lata życia 1904–1989
Styl surrealizm

„Surrealizm to ja” – powiedział Dali, gdy został wydalony z grupy surrealistów. Z biegiem czasu stał się najsłynniejszym artystą surrealistycznym. Prace Dali są wszędzie, nie tylko w galeriach. To on na przykład był pomysłodawcą opakowania Chupa Chups.

25x33cm
1929
cena
20,6 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby's

W 1929 roku poeta Paul Eluard i jego rosyjska żona Gala przyjechali z wizytą do wielkiego prowokatora i awanturnika Dali. Spotkanie było początkiem historii miłosnej, która trwała ponad pół wieku. Podczas tej historycznej wizyty namalowano obraz „Portret Paula Eluarda”. „Poczułem, że powierzono mi obowiązek uwiecznienia twarzy poety, z którego Olimpu ukradłem jedną z muz” – powiedział artysta. Przed spotkaniem z Galą był dziewicą i był zniesmaczony myślą o seksie z kobietą. Trójkąt miłosny istniał aż do śmierci Eluarda, po czym stał się duetem Dali-Gala.

30

"Rocznica"

Autor

Marka Chagalla

Kraj Rosja, Francja
Lata życia 1887–1985
Styl awangarda

Moishe Segal urodził się w Witebsku, ale w 1910 roku wyemigrował do Paryża, zmienił nazwisko i zbliżył się do czołowych artystów awangardowych swojej epoki. W latach 30. XX w., podczas przejęcia władzy przez nazistów, z pomocą amerykańskiego konsula wyjechał do Stanów Zjednoczonych. Do Francji powrócił dopiero w 1948 r.

80x103cm
1923
cena
14,85 miliona dolarów
sprzedany w 1990 r
na aukcji Sotheby’s

Obraz „Rocznica” uznawany jest za jedno z najlepszych dzieł artysty. Zawiera wszystkie cechy jego twórczości: fizyczne prawa świata zostają wymazane, w scenerii mieszczańskiego życia zostaje zachowany klimat baśni, a miłość jest w centrum fabuły. Chagall nie czerpał ludzi z życia, a jedynie z pamięci lub wyobraźni. Obraz „Rocznica” przedstawia samego artystę i jego żonę Belę. Obraz został sprzedany w 1990 roku i od tego czasu nie był licytowany. Co ciekawe, w nowojorskim Museum of Modern Art MoMA znajduje się dokładnie taki sam egzemplarz, tyle że pod nazwą „Urodziny”. Nawiasem mówiąc, zostało napisane wcześniej - w 1915 roku.

przygotował projekt
Tatiana Palasowa
ocena została opracowana
według listy www.art-spb.ru
magazyn tmn nr 13 (maj-czerwiec 2013)

Artykuł zawiera krótką charakterystykę głównych stylów artystycznych XX wieku. Wiedza ta będzie przydatna zarówno dla artystów, jak i projektantów.

Modernizm (z francuskiego moderne modern)

w sztuce – zbiorcza nazwa kierunków artystycznych, które ugruntowały się w drugiej połowie XIX wieku w postaci nowych form twórczości, w których królowało już nie tyle podążanie za duchem natury i tradycji, ile raczej swoboda spojrzenie mistrza, swobodnego zmieniania świata widzialnego według własnego uznania, kierując się osobistymi wrażeniami, wewnętrznymi wyobrażeniami lub mistycznym marzeniem (nurty te w dużej mierze kontynuowały linię romantyzmu). Jej najważniejszymi, często aktywnie współdziałającymi kierunkami były impresjonizm, symbolizm i modernizm.W krytyce sowieckiej pojęcie „modernizmu” było ahistorycznie stosowane do wszystkich ruchów artystycznych XX wieku, które nie odpowiadały kanonom socrealizmu.

Abstrakcjonizm(sztuka spod znaku „form zerowych”, sztuka nieobiektywna) to kierunek artystyczny, który ukształtował się w sztuce pierwszej połowy XX wieku, całkowicie rezygnując z reprodukcji form realnego świata widzialnego. Za twórców sztuki abstrakcyjnej uważa się W.Kandiński, P. Mondriana i K. Malewicza. V. Kandinsky stworzył własny rodzaj malarstwa abstrakcyjnego, uwalniając impresjonistyczne i „dzikie” plamy od wszelkich oznak obiektywności. Piet Mondrian doszedł do swojej nieobiektywności poprzez geometryczną stylizację natury zapoczątkowaną przez Cézanne'a i kubistów. Ruchy modernistyczne XX wieku, skupione na abstrakcjonizmie, całkowicie odchodzą od tradycyjnych zasad, zaprzeczając realizmowi, ale jednocześnie pozostając w ramach sztuki. Historia sztuki przeżyła rewolucję wraz z pojawieniem się sztuki abstrakcyjnej. Ale ta rewolucja nie nastąpiła przez przypadek, ale całkiem naturalnie i została przewidziana przez Platon! W swoim późnym dziele Filebus pisał o pięknie linii, powierzchni i form przestrzennych samych w sobie, niezależnych od jakiejkolwiek imitacji obiektów widzialnych, od jakiejkolwiek mimesis. Ten rodzaj piękna geometrycznego, w odróżnieniu od piękna naturalnych „nieregularnych” form, zdaniem Platona, nie jest względny, ale bezwarunkowy, absolutny.

Futuryzm- ruch literacki i artystyczny w sztuce lat 1910-tych. Przypisując sobie rolę prototypu sztuki przyszłości, futuryzm jako swój program główny wysunął ideę burzenia stereotypów kulturowych, a w zamian zaproponował apologię technologii i anizmu technologii miejskiej jako głównych przejawów teraźniejszości i przyszłość. Ważną ideą artystyczną futuryzmu było poszukiwanie plastycznego wyrazu prędkości ruchu jako głównego znaku tempa współczesnego życia. Rosyjska wersja futuryzmu nazywała się kybofuturyzmem i opierała się na połączeniu plastycznych zasad francuskiego kubizmu z europejskimi instalacjami ogólnej estetyki futuryzmu pizma. Za pomocą skrzyżowań, przesunięć, zderzeń i napływów form artyści starali się oddać fragmentaryczną wielość wrażeń współczesnego człowieka, mieszkańca miasta.

Kubizm- „najpełniejsza i radykalna rewolucja artystyczna od czasów renesansu” (J. Golding). Artyści: Picasso Pablo, Georges Braque, Fernand Léger Robert Delaunay, Juan Gris, Gleizes Metzinger. Kubizm - (francuski kubizm, od sześcianu - sześcian) kierunek w sztuce pierwszej ćwierci XX wieku. Plastyczny język kubizmu opierał się na deformacji i dekompozycji obiektów na płaszczyznach geometrycznych, plastycznej zmianie kształtu. Wielu rosyjskich artystów przeszło fascynację kubizmem, często łącząc jego założenia z technikami innych współczesnych nurtów artystycznych - futuryzmem i prymitywizmem. Specyficzną wersją interpretacji kubizmu na ziemi rosyjskiej stał się kubofuturyzm.

Puryzm- (francuski puryzm, od łac. purus - czysty) nurt w malarstwie francuskim końca lat 10. i 20. XX wieku. Głównymi przedstawicielami są artyści A.Ozanfan i architekt SE Jeanneret (Le Corbusier). Odrzucając dekoracyjne tendencje kubizmu i innych ruchów awangardowych lat 1910-tych oraz akceptowaną przez nie deformację natury, puryści poszukiwali racjonalistycznie uporządkowanego przeniesienia stabilnych i lakonicznych form przedmiotowych, jakby „oczyszczonych” ze szczegółów, na przedstawienie „ pierwiastki pierwotne. Prace purystów charakteryzuje płaskość, płynny rytm lekkich sylwetek i konturów podobnych obiektów (dzbanki, szklanki itp.). Znacząco przemyślane artystyczne zasady puryzmu, nie rozwinięte w formach sztalugowych, znalazły częściowe odzwierciedlenie we współczesnej architekturze, głównie w budynkach Le Corbusiera.

Serrealizm- kosmopolityczny ruch w literaturze, malarstwie i kinie, który powstał w 1924 roku we Francji i oficjalnie zakończył swoje istnienie w 1969 roku. W znaczący sposób przyczynił się do ukształtowania świadomości współczesnego człowieka. Głównymi postaciami ruchu są Andre Bretona- pisarz, przywódca i inspirator ideowy ruchu, Ludwik Aragon- jeden z twórców surrealizmu, który później w przedziwny sposób przekształcił się w śpiewaka komunizmu, Salvador Dali- artysta, teoretyk, poeta, scenarzysta, który istotę ruchu określił słowami: „Surrealizm to ja!”, filmowiec wysoce surrealistyczny Luisa Buñuela, artysta Joanna Miro- „najpiękniejsze pióro na czapce surrealizmu”, jak nazwało to Breton i wielu innych artystów na całym świecie.

Fowizm(z francuskiego les fauves - dziki (zwierzęta)) Lokalny kierunek w malarstwie wczesnym. XX wiek Nazwisko F. zostało kpiąco nadane grupie młodych paryskich artystów ( A. Matisse, A. Derain, M. Vlaminck, A. Marche, E.O. Friez, J. Braque, A.Sh. Mangen, K. van Dongen), którzy wspólnie brali udział w szeregu wystaw od 1905 do 1907, po pierwszej wystawie w 1905. Nazwa została przyjęta przez samą grupę i mocno się utrwaliła. Ruch nie miał jasno sformułowanego programu, manifestu ani własnej teorii i nie trwał długo, pozostawiając jednak zauważalny ślad w historii sztuki. Jego uczestników w tamtych latach łączyła chęć tworzenia obrazów artystycznych wyłącznie za pomocą niezwykle jasnego, otwartego koloru. Rozwijanie dorobku artystycznego postimpresjonistów ( Cezanne’a, Gauguina, Van Gogha), opierając się na niektórych technikach formalnych sztuki średniowiecznej (witraż, sztuka romańska) i rycinie japońskiej, popularnych w kręgach artystycznych Francji od czasów impresjonistów, fowiści dążyli do maksymalnego wykorzystania możliwości kolorystycznych malarstwa.

Ekspresjonizm(od francuskiego wyrażenia - ekspresja) - ruch modernistyczny w sztuce zachodnioeuropejskiej, głównie w Niemczech, w pierwszej tercji XX wieku, który pojawił się w pewnym okresie historycznym - w przededniu I wojny światowej. Ideologiczną podstawą ekspresjonizmu był indywidualistyczny protest przeciwko brzydkiemu światu, rosnącemu wyobcowaniu człowieka ze świata, poczuciu bezdomności, załamaniu i upadku tych zasad, na których zdawała się tak mocno opierać kultura europejska. Ekspresjonistów charakteryzuje zamiłowanie do mistycyzmu i pesymizmu. Techniki artystyczne charakterystyczne dla ekspresjonizmu: odrzucenie iluzorycznej przestrzeni, dążenie do płaskiej interpretacji przedmiotów, deformacja przedmiotów, zamiłowanie do ostrych dysonansów kolorystycznych, szczególna kolorystyka zawierająca apokaliptyczny dramat. Artyści postrzegali kreatywność jako sposób wyrażania emocji.

Suprematyzm(od łac. supremus – najwyższy, najwyższy; pierwszy; ostatni, skrajny, pozornie, poprzez polską supremację – wyższość, supremacja) Kierunek sztuki awangardowej pierwszej tercji XX wieku, którego twórca, główny przedstawiciel i teoretyk był rosyjskim artystą Kazimierz Malewicz. Samo określenie nie oddaje istoty suprematyzmu. W istocie jest to w rozumieniu Malewicza cecha wartościująca. Suprematyzm jest najwyższym etapem rozwoju sztuki na drodze wyzwolenia od wszystkiego, co pozaartystyczne, na drodze ostatecznego utożsamienia się z tym, co nieobiektywne, jako istotą każdej sztuki. W tym sensie Malewicz uważał prymitywną sztukę zdobniczą za suprematystyczną (lub „suprematyczną”). Po raz pierwszy zastosował to określenie do dużej grupy swoich obrazów (39 lub więcej) przedstawiających abstrakcje geometryczne, w tym słynny „Czarny kwadrat” na białym tle, „Czarny krzyż” itp., Prezentowanych na piotrogrodzkiej wystawie futurystycznej „Zero- Dziesięć” w 1915 r. To właśnie te i podobne abstrakcje geometryczne dały początek nazwie suprematyzm, chociaż sam Malewicz przypisał mu wiele swoich dzieł z lat 20., które na zewnątrz zawierały pewne formy określonych obiektów, zwłaszcza postaci ludzkich, ale zachowały „ducha suprematyzmu”. I rzeczywiście późniejsze rozwinięcia teoretyczne Malewicza nie dają podstaw do redukowania suprematyzmu (przynajmniej przez samego Malewicza) jedynie do abstrakcji geometrycznych, choć stanowią one oczywiście jego rdzeń, istotę, a nawet (czarno-biało-biało-biało- biały suprematyzm) doprowadzają malarstwo do kresu jego istnienia w ogóle jako formy sztuki, czyli do malarskiego zera, poza którym nie ma już samego malarstwa. Ścieżkę tę kontynuowały w drugiej połowie stulecia liczne nurty w działalności artystycznej, odchodzące od pędzli, farb i płótna.

Rosyjski awangarda Lata 1910-te przedstawiają dość złożony obraz. Charakteryzuje się szybką zmianą stylów i trendów, bogactwem grup i stowarzyszeń artystów, z których każde głosiło własną koncepcję twórczości. Coś podobnego wydarzyło się w malarstwie europejskim na początku stulecia. Jednak mieszanina stylów, „pomieszanie” trendów i kierunków nie były znane Zachodowi, gdzie ruch w kierunku nowych form był bardziej konsekwentny. Wielu mistrzów młodszego pokolenia z niezwykłą szybkością przechodziło od stylu do stylu, od sceny do sceny, od impresjonizmu do modernizmu, potem do prymitywizmu, kubizmu czy ekspresjonizmu, przechodząc przez wiele etapów, co było zupełnie nietypowe dla mistrzów malarstwa francuskiego czy niemieckiego . Sytuacja, jaka rozwinęła się w malarstwie rosyjskim, wynikała w dużej mierze z przedrewolucyjnej atmosfery w kraju. Pogłębiło to wiele sprzeczności nieodłącznie związanych z całą sztuką europejską jako całością, ponieważ Rosyjscy artyści czerpali wzorce europejskie i dobrze znali różne szkoły i ruchy artystyczne. Swoista rosyjska „eksplozja” w życiu artystycznym odegrała zatem rolę historyczną. W 1913 roku to sztuka rosyjska osiągnęła nowe granice i horyzonty. Pojawiło się zupełnie nowe zjawisko nieobiektywności – granica, której francuscy kubiści nie odważyli się przekroczyć. Linię tę przekraczają jeden po drugim: Kandinsky V.V., Larionov M.F., Malewicz K.S., Filonov P.N., Tatlin V.E.

Kubofuturyzm Kierunek lokalny w awangardzie rosyjskiej (w malarstwie i poezji) początku XX wieku. W sztukach pięknych kubofuturyzm powstał w wyniku ponownego przemyślenia znalezisk obrazowych, kubizmu, futuryzmu i rosyjskiego neoprymitywizmu. Główne dzieła powstały w latach 1911-1915. Najbardziej charakterystyczne obrazy kubofuturyzmu wyszły spod pędzla K. Malewicza, malowali je także Burliuk, Puni, Goncharova, Rozanova, Popova, Udaltsova, Ekster. Pierwsze kubofuturystyczne dzieła Malewicza zostały wystawione na słynnej wystawie w 1913 roku. „Target”, na którym zadebiutował także rayizm Larionowa. Z wyglądu dzieła kubofuturystyczne nawiązują do powstałych w tym samym czasie kompozycji F. Légera i są kompozycjami półobiektywnymi złożonymi z cylindrycznych, stożkowych, kolbowych, pustych wolumetrycznych kolorowych form w kształcie muszli, często o metalicznym połysku. Już w pierwszych podobnych dziełach Malewicza zauważalna jest tendencja do przechodzenia od rytmu naturalnego do rytmów czysto mechanicznych świata maszyn („Stolarz”, 1912, „Młynek”, 1912, „Portret Klyuna”, 1913) .

Neoplastycyzm- jedna z wczesnych odmian sztuki abstrakcyjnej. Stworzony w 1917 roku przez holenderskiego malarza P. Mondriana i innych artystów zrzeszonych w stowarzyszeniu „Styl”. Neoplastycyzm charakteryzuje się, zdaniem jego twórców, dążeniem do „uniwersalnej harmonii”, wyrażającej się w ściśle wyważonych zestawieniach dużych prostokątnych figur, wyraźnie oddzielonych prostopadłymi liniami czerni i pomalowanych na lokalne kolory głównego spektrum (z dodatkiem bieli i odcienie szarości). Neoplastycyzm (Nouvelle plastique) Termin ten pojawił się w Holandii w XX wieku. Pieta Mondriana zdefiniował dla nich swoje koncepcje plastyczne, ułożone w system i bronione przez grupę i czasopismo „Style” („De Stiji”) założone w Lejdzie w 1917 roku. Główną cechą neoplastycyzmu było ścisłe użycie środków wyrazu. Neoplastycyzm dopuszcza jedynie linie poziome i pionowe, aby skonstruować formę. Pierwszą zasadą jest przecinanie się linii pod kątem prostym. Około 1920 roku dodano do niego drugi, który usuwając pociągnięcie pędzla i podkreślając płaszczyznę, ogranicza kolorystykę do czerwieni, błękitu i żółci, czyli tzw. trzy czyste kolory podstawowe, do których można dodać tylko biały i czarny. Za pomocą tego rygoru neoplastycyzm zamierzał wyjść poza indywidualność, aby osiągnąć uniwersalizm i stworzyć w ten sposób nowy obraz świata.

Oficjalny „chrzest” orfizm wydarzyło się na Salonie Niezależnych w roku 1913. Tak pisał krytyk Roger Allard w swoim reportażu o Salonie: „...zauważmy dla przyszłych historyków, że w roku 1913 narodziła się nowa szkoła orfizmu...” („La Cote „Paryż 19 marca 1913). Powtórzył go inny krytyk Andre Varnaud: „Salon 1913 roku upłynął pod znakiem narodzin nowej szkoły szkoły orfickiej” („Comoedia” Paryż, 18 marca 1913). Wreszcie Guillaume’a Apollinaire’a wzmocnił to stwierdzenie, wykrzykując nie bez dumy: „To jest orfizm. Po raz pierwszy pojawił się ten kierunek, który przewidywałem” („Montjoie!”, dodatek paryski z 18 marca 1913 r.). Rzeczywiście, takie określenie zostało wymyślone Apollinaire'a(Orfizm jako kult Orfeusza) i po raz pierwszy zostało wypowiedziane publicznie podczas wykładu o malarstwie współczesnym wygłoszonego w październiku 1912 roku. Co miał na myśli? Wygląda na to, że sam o tym nie wiedział. Co więcej, nie wiedziałam, jak zdefiniować granice tego nowego kierunku. Tak naprawdę zamieszanie, które panuje do dziś, wynikało z tego, że Apollinaire nieświadomie pomieszał oczywiście dwa problemy, które są ze sobą powiązane, ale zanim podjął próbę ich połączenia, powinien był podkreślić dzielące je różnice. Z jednej strony kreacja Delaunaya obrazowe środki wyrazu w całości oparte na kolorze, a z drugiej strony ekspansja kubizmu w wyniku pojawienia się kilku różnych kierunków. Po rozstaniu z Marie Laurencin pod koniec lata 1912 roku Apollinaire szukał schronienia u rodziny Delaunay, która przyjęła go z przyjacielskim zrozumieniem w swoim warsztacie przy Rue Grand-Augustin. Właśnie tego lata Robert Delaunay i jego żona przeszli głęboką ewolucję estetyczną, która doprowadziła do tego, co później nazwał „destrukcyjnym okresem” malarstwa opartego wyłącznie na konstruktywnych i czasoprzestrzennych właściwościach kontrastów kolorów.

Postmodernizm (postmodernizm, postawangarda) -

(od łacińskiego postu „po” i modernizm), zbiorcza nazwa kierunków artystycznych, które uwydatniły się szczególnie w latach 60. XX wieku i charakteryzują się radykalną rewizją stanowiska modernizmu i awangardy.

Abstrakcyjny ekspresjonizm powojenny (koniec lat 40. - 50. XX w.) etap rozwoju sztuki abstrakcyjnej. Sam termin został wprowadzony jeszcze w latach dwudziestych XX wieku przez niemieckiego krytyka sztuki E. von Sydow (E. von Sydow) w odniesieniu do pewnych aspektów sztuki ekspresjonistycznej. W 1929 roku Amerykanin Barr scharakteryzował nim wczesną twórczość Kandinsky'ego, a w 1947 nazwał je „ekspresjonizmem abstrakcyjnym” Willema de Kooninga I Pollock. Od tego czasu koncepcja abstrakcyjnego ekspresjonizmu została ugruntowana za dość szeroką, różnorodną stylistycznie i technicznie dziedziną malarstwa abstrakcyjnego (a później rzeźby), która gwałtownie rozwinęła się w latach 50. w USA, w Europie, a potem na całym świecie. Za wczesnych przodków uważa się ekspresjonizm abstrakcyjny Kandinsky'ego, ekspresjoniści, orfiści, częściowo Dadaiści i surrealiści z ich zasadą automatyzmu umysłowego. Filozoficzną i estetyczną podstawą ekspresjonizmu abstrakcyjnego była w dużej mierze popularna w okresie powojennym filozofia egzystencjalizmu.

Gotowe(angielski gotowe - gotowe) Termin ten po raz pierwszy wprowadził do leksykonu historii sztuki artysta Marcela Duchampa do oznaczania swoich dzieł, będących przedmiotami użytku utylitarnego, wyrwanymi ze środowiska ich normalnego funkcjonowania i bez żadnych zmian wystawionymi na wystawie sztuki, jako dzieła sztuki. Ready-mades potwierdziły nowe spojrzenie na rzeczy i rzeczowość. Przedmiot, który przestał pełnić funkcje użytkowe i został włączony w kontekst przestrzeni sztuki, czyli stał się przedmiotem nieutylitarnej kontemplacji, zaczął odsłaniać nowe znaczenia i ruchy skojarzeniowe, nieznane także sztuce tradycyjnej lub do codziennej, utylitarnej sfery egzystencji. Dotkliwie pojawił się problem względności estetyki i utylitaryzmu. Pierwszy gotowy Duchampa wystawiony w Nowym Jorku w 1913 roku. Najbardziej znane są jego gotowe prace. stalowe „Koło rowerowe” (1913), „Suszarka do butelek” (1914), „Fontanna” (1917) – tak nazywano zwykły pisuar.

Pop Art. Po II wojnie światowej w Ameryce rozwinęła się duża klasa społeczna ludzi, którzy zarabiali wystarczająco dużo pieniędzy, aby kupować towary, które nie były dla nich szczególnie ważne. Na przykład konsumpcja towarów: Coca Coli czy dżinsów Levi's staje się ważnym atrybutem tego społeczeństwa. Osoba korzystająca z tego lub innego produktu pokazuje swoją przynależność do określonej klasy społecznej. Kształtowała się kultura masowa. Rzeczy stały się symbolami, stereotypami. Pop-art z konieczności posługuje się stereotypami i symbolami. Pop Art(pop-art) ucieleśniał twórcze poszukiwania nowych Amerykanów, które opierały się na twórczych zasadach Duchampa. Ten: Jasper Johns, K. Oldenburg, Andy Warhol, i inni. Pop-art zyskuje na znaczeniu kultury masowej, nic więc dziwnego, że powstał i stał się ruchem artystycznym w Ameryce. Ich podobnie myślący ludzie: Hamelton R, Ton Chiny wybrany na autorytet Kurta Schwietersa. Pop-art charakteryzuje się dziełem iluzji, które wyjaśnia istotę przedmiotu. Przykład: ciasto K. Oldenburga, przedstawiane w różnych wariantach. Artysta może nie przedstawiać ciasta, ale raczej rozwiewać złudzenia i pokazywać to, co dana osoba widzi naprawdę. Oryginalny jest także R. Rauschenberg: naklejał na płótno różne fotografie, obrysowywał je i dołączał do pracy jakiegoś pluszaka. Jednym z jego słynnych dzieł jest wypchany jeż. Znane są również jego obrazy, w których wykorzystywał fotografie Kenedy'ego.

Prymitywizm (sztuka naiwna). Pojęcie to jest używane w kilku znaczeniach i w rzeczywistości jest z nim identyczne „sztuka prymitywna”. W różnych językach i przez różnych naukowców pojęcia te są najczęściej używane do określenia tego samego zakresu zjawisk w kulturze artystycznej. W języku rosyjskim (podobnie jak w niektórych innych) termin „prymitywny” ma nieco negatywne znaczenie. Dlatego lepiej jest zatrzymać się nad tą koncepcją Sztuka naiwna. W najszerszym znaczeniu oznacza to sztukę piękną, charakteryzującą się prostotą (lub uproszczeniem), przejrzystością i formalną spontanicznością języka figuratywnego i wyrazistego, za pomocą którego wyrażana jest szczególna wizja świata, nieobciążona konwencjami cywilizacyjnymi. Pojęcie to pojawiło się we współczesnej kulturze europejskiej ostatnich stuleci, odzwierciedla zatem stanowiska zawodowe i idee tej kultury, która uważała się za najwyższy etap rozwoju. Z tych stanowisk sztuka naiwna obejmuje także sztukę archaiczną ludów starożytnych (przed cywilizacjami egipskimi lub starożytnymi greckimi), na przykład sztukę prymitywną; sztuka ludów opóźnionych w rozwoju kulturowym i cywilizacyjnym (rdzenna ludność Afryki, Oceanii, Indianie amerykańscy); twórczość amatorska i nieprofesjonalna na szeroką skalę (np. słynne średniowieczne freski Katalonii czy twórczość nieprofesjonalna pierwszych amerykańskich osadników z Europy); wiele dzieł tzw. „gotyku międzynarodowego”; Sztuka ludowa; wreszcie sztuka utalentowanych artystów prymitywistów XX wieku, którzy nie otrzymali profesjonalnego wykształcenia artystycznego, ale poczuli dar twórczości artystycznej i poświęcili się jej samodzielnej realizacji w sztuce. Niektórzy z nich (francuski A. Rousseau, C. Bombois, gruziński N. Pirosmanishvili, chorwacki I. Generalich, amerykański JESTEM. Robertsona itp.) stworzył prawdziwe arcydzieła artystyczne, które znajdują się w skarbnicy sztuki światowej.Sztuka naiwna w swojej wizji świata i sposobach jego artystycznego przedstawienia jest z jednej strony nieco bliska sztuce dziecięcej, z drugiej z drugiej kreatywność osób chorych psychicznie. Jednak w istocie różni się od obu. W światopoglądzie najbliższa sztuce dziecięcej jest naiwna sztuka ludów archaicznych i aborygenów Oceanii i Afryki. Zasadnicza różnica w stosunku do sztuki dziecięcej polega na głębokiej świętości, tradycjonalizmie i kanoniczności.

Sztuka sieciowa(Net Art - z angielskiego net - network, art - art) Najnowszy rodzaj sztuki, praktyki sztuki współczesnej, rozwijające się w sieciach komputerowych, w szczególności w Internecie. Jej badacze w Rosji, którzy również przyczyniają się do jej rozwoju, O. Lyalina, A. Shulgin, uważają, że istota sztuki sieciowej sprowadza się do tworzenia przestrzeni komunikacyjnych i twórczych w Internecie, zapewniających każdemu pełną swobodę egzystencji w Internecie. Zatem istota sztuki sieciowej. nie reprezentacja, ale komunikacja, a jej wyjątkową jednostką artystyczną jest przekaz elektroniczny. W rozwoju sztuki sieciowej, która pojawiła się w latach 80. i 90. można wyróżnić co najmniej trzy etapy. XX wiek Pierwsza miała miejsce, gdy początkujący artyści internetowi tworzyli obrazy z liter i ikon znalezionych na klawiaturze komputera. Drugi zaczął się, gdy do Internetu trafili undergroundowi artyści i po prostu każdy, kto chciał pokazać coś ze swojej twórczości.

OP-ART(Angielski Op-art - skrócona wersja sztuki optycznej - sztuka optyczna) - ruch artystyczny drugiej połowy XX wieku, wykorzystujący różne iluzje wizualne oparte na osobliwościach percepcji figur płaskich i przestrzennych. Ruch kontynuuje racjonalistyczną linię technicyzmu (modernizmu). Sięga do tzw. abstrakcjonizmu „geometrycznego”, którego przedstawicielem był V. Vasarely(od 1930 do 1997 pracował we Francji) - twórca op-artu. Możliwości op-artu znalazły zastosowanie w grafice przemysłowej, plakatach i sztuce projektowania. Kierunek op-artu (sztuki optycznej) narodził się w latach 50. w obrębie abstrakcjonizmu, choć tym razem był on w innej odmianie – abstrakcji geometrycznej. Jego rozprzestrzenienie się jako ruchu datuje się na lata 60-te. XX wiek

Graffiti(graffiti – w archeologii dowolne rysunki lub litery wydrapywane na dowolnej powierzchni, od włoskiego graffiare – do zera) Tak określa się dzieła subkultury, którymi są głównie wielkoformatowe wizerunki na ścianach budynków użyteczności publicznej, budowli, pojazdów, wykonane przy użyciu różnego rodzaju pistoletów natryskowych, puszek z farbą w aerozolu. Stąd inna nazwa „sztuki natryskowej” – Sztuka natryskowa. Jego pochodzenie wiąże się z masowym pojawieniem się graffiti. w latach 70 na wagonach nowojorskiego metra, a następnie na ścianach budynków użyteczności publicznej i okiennicach sklepów. Pierwsi autorzy graffiti. W większości byli to młodzi, bezrobotni artyści z mniejszości etnicznych, przede wszystkim Portorykańczycy, dlatego pierwsze Graffiti wykazywało pewne cechy stylistyczne latynoamerykańskiej sztuki ludowej, a samym faktem pojawienia się na nieprzeznaczonych do tego powierzchniach, ich twórcy protestowali przeciwko ich pozbawionej praw wyborczych pozycji. Na początku lat 80. ukształtował się cały nurt niemal zawodowych mistrzów G., ujawniono ich prawdziwe nazwiska, wcześniej ukryte pod pseudonimami ( WYPADK, NOC 167, FUTURA 2000, LEE, WIDZĘ, DAZE). Część z nich przeniosła swoją technikę na płótno i zaczęła wystawiać w galeriach w Nowym Jorku, a wkrótce w Europie pojawiło się graffiti.

HIPERREALIZM(hiperrealizm - angielski) lub fotorealizm (fotorealizm - angielski) - artystyczny. ruch w malarstwie i rzeźbie oparty na fotografii i reprodukcji rzeczywistości. Zarówno w swojej praktyce, jak i estetycznych orientacjach w kierunku naturalizmu i pragmatyzmu, hiperrealizm jest bliski pop-artowi. Łączy ich przede wszystkim powrót do figuratywności. Stanowi antytezę konceptualizmu, który nie tylko zerwał z reprezentacją, ale także kwestionował samą zasadę materialnej realizacji sztuki. pojęcie.

Sztuka ziemi(z angielskiego land art – sztuka ziemna), kierunek w sztuce ostatniej tercjiXXc., opierający się na wykorzystaniu prawdziwego krajobrazu jako głównego materiału i przedmiotu artystycznego. Artyści kopią rowy, tworzą dziwaczne stosy kamieni, malują skały, wybierając do swoich prac miejsca zwykle opuszczone – dziewicze i dzikie krajobrazy, jakby próbując w ten sposób przywrócić sztukę naturze. Dzięki jego<первобытному>Z pozoru wiele tego typu działań i obiektów jest bliskich archeologii, a także fotosztuce, gdyż większość społeczeństwa może je jedynie kontemplować w serii fotografii. Wygląda na to, że będziemy musieli się pogodzić z kolejnym barbarzyństwem w języku rosyjskim. Nie wiem, czy to przypadek, że określenie<лэнд-арт>pojawił się na końcu lata 60., w czasach, gdy w społeczeństwach rozwiniętych buntowniczy duch studentów skierował swoje siły w stronę obalenia ustalonych wartości.

MINIMALIZM(minimal art - angielski: minimal art) - artysta. flow wynikający z minimalnej transformacji materiałów użytych w procesie twórczym, prostoty i jednolitości form, monochromatyczności, kreatywności. samoograniczenie artysty. Minimalizm charakteryzuje się odrzuceniem podmiotowości, reprezentacji i iluzjonizmu. Odrzucenie klasyki techniki kreatywności i tradycji. artysta materiałów, minimaliści wykorzystują przemysłowe i naturalne materiały o prostych geometrycznych kształtach. stosowane są kształty i neutralne kolory (czarny, szary), małe nakłady, seryjne, przenośnikowe metody produkcji przemysłowej. Artefakt w minimalistycznym pojęciu twórczości jest z góry określonym rezultatem procesu jego wytwarzania. Minimalizm, który uzyskał swój najpełniejszy rozwój w malarstwie i rzeźbie, był szeroko rozumiany jako ekonomia sztuki. czyli znalazła zastosowanie w innych formach sztuki, przede wszystkim w teatrze i kinie.

Minimalizm narodził się w USA w pasie. podłoga. lata 60 Jego korzenie sięgają konstruktywizmu, suprematyzmu, Dadaizmu, sztuki abstrakcyjnej, formalistycznego amera. malarstwo z lat 50., pop-art. Bezpośrednio prekursor minimalizmu. jest amerykański artysta F. Stella, który w latach 1959-60 zaprezentował cykl „Czarnych obrazów”, w których dominowała uporządkowana linia prosta. Pierwsze prace minimalistyczne pojawiają się w latach 1962-63.Pojęcie „minimalizm”. należy do R. Wollheima, który wprowadza go w odniesieniu do analizy twórczości M. Duchamp oraz artyści pop, którzy minimalizują ingerencję artysty w środowisko. Jej synonimami są „fajna sztuka”, „sztuka ABC”, „sztuka seryjna”, „struktury pierwotne”, „sztuka jako proces”, „systematyczny”. obraz". Do najbardziej reprezentatywnych minimalistów należą K. Andre, M. Bochner, U. De Ma-ria, D. Flavin. S. Le Witt, R. Mangold, B. Murden, R. Morris, R. Ryman. Łączy ich chęć wpasowania artefaktu w otoczenie, zabawy naturalną fakturą materiałów. D. Żad definiuje go jako „specyficzny”. obiekt”, odmienny od klasycznego. dzieła z tworzyw sztucznych sztuka Niezależnie od tego, oświetlenie odgrywa rolę jako sposób tworzenia sztuki minimalistycznej. sytuacje, oryginalne rozwiązania przestrzenne; Do tworzenia prac wykorzystywane są metody komputerowe.

Sztuka XX - XXI wieku.

Malarstwo Podobnie jak sztuka współczesna, malarstwo nowoczesne w swojej obecnej formie powstało w latach 60-70 XX wieku. Poszukiwano alternatyw dla modernizmu i często wprowadzano zasady mu przeciwne. Filozofowie francuscy wprowadzili termin „postmodernizm”, a wielu artystów przyłączyło się do tego ruchu. Najbardziej zauważalnymi zjawiskami w sztuce lat 60. i 70. były sztuka konceptualna i minimalizm. W latach 70. i 80. wydawało się, że ludzie znudzili się sztuką konceptualną i stopniowo powrócili do reprezentacji, koloru i figuratywności. W połowie lat 80. nastąpił wzrost ruchów wykorzystujących obrazy kultury masowej – kampizmu, sztuki East Village i neopopu. Fotografia kwitnie – coraz więcej artystów zaczyna po nią sięgać jako środek wyrazu artystycznego. Na proces sztuki malarskiej duży wpływ miał rozwój technologii: w latach 60. - wideo i audio, potem - komputery, a w latach 90. - Internet. Praca z kolekcji Victora Bondarenki

Sztuka współczesna W Rosji lat 90. istniał termin „sztuka współczesna”, który choć podobny do terminu „sztuka współczesna”, nie jest z nim identyczny. Oznaczało to nowatorstwo w sztuce współczesnej w zakresie idei i środków technicznych. Szybko stała się przestarzała, a kwestia wpisania jej do historii sztuki współczesnej XX czy XXI wieku pozostaje otwarta. Pod wieloma względami sztuce współczesnej przypisywano cechy awangardy, czyli innowacyjności, radykalizmu, nowych technik i technik. Prace z kolekcji Wiktora Bondarenko Walerija Koshlyakova „Nasyp” Dubossarski-Winogradow „Mistrz Ziemia”

Abstrakcjonizm Abstrakcjonizm (łac. „abstractio” – usuwanie, rozproszenie) to kierunek sztuki niefiguratywnej, który w malarstwie i rzeźbie porzucił przedstawianie form bliskich rzeczywistości. Jednym z celów sztuki abstrakcyjnej jest osiągnięcie „harmonii”, czyli stworzenie pewnych zestawień kolorystycznych i geometrycznych kształtów, aby wywołać u patrzącego różne skojarzenia. Michaił Larionow „Czerwony Rayonizm” Wassily Kandinsky „Zerschönesbild” Malewicz Kazimierz „Młynek”

Kubizm (fr. Cubisme) to awangardowy ruch w malarstwie XX wieku, przede wszystkim w malarstwie, który powstał na początku XX wieku i charakteryzuje się stosowaniem wyraźnie zgeometryzowanych form konwencjonalnych, chęcią „rozszczepiania” rzeczywiste obiekty na prymitywy stereometryczne. Kubizm Picasso „Les Demoiselles d'Avignon” Juan Gris „Kieście winogron” Fernand Léger „Budowniczowie” Juan Gris „Śniadanie”

Surrealizm Surrealizm (francuski surrealizm – superrealizm) to nowy kierunek w malarstwie, który ukształtował się na początku lat dwudziestych XX wieku we Francji. Charakteryzuje się wykorzystaniem aluzji i paradoksalnych połączeń form. Główną koncepcją surrealizmu, surrealizm jest połączenie snu i rzeczywistości. Aby to osiągnąć, surrealiści zaproponowali absurdalne, sprzeczne ze sobą połączenie naturalistycznych obrazów poprzez kolaż i „gotową” technologię. Surrealiści inspirowali się ideologią radykalnie lewicową, proponowali jednak rozpoczęcie rewolucji z własną świadomością. Uważali sztukę za główne narzędzie wyzwolenia. Salvador Dali „Kuszenie świętego Antoniego” Max Ernst „Anioł paleniska, czyli triumf surrealizmu” Rene Magritte „Syn człowieczy” Wojtek Siudmak „Świat snów i złudzeń”

Modern Modern (z francuskiego moderne - modern) lub art nouveau (francuska art nouveau, dosłownie „nowa sztuka”) to ruch artystyczny w sztuce, bardziej popularny w drugiej połowie XIX - początku XX wieku. Jej charakterystycznymi cechami są: odrzucenie linii prostych i kątów na rzecz linii bardziej naturalnych, „naturalnych”, zainteresowanie nowymi technologiami (szczególnie w architekturze) oraz rozkwit sztuki użytkowej. Art Nouveau dążył do połączenia funkcji artystycznych i użytkowych powstających dzieł oraz włączenia w sferę piękna wszystkich sfer ludzkiej aktywności. Alphonse Mucha „Taniec” Michaił Vrubel „Księżniczka łabędzi” A. N. Benois „Maskarada pod rządami Ludwika XIV” Michaił Vrubel „Perła”

Sztuka optyczna Op-art – skrócona wersja sztuki optycznej – sztuka optyczna) to ruch artystyczny drugiej połowy XX wieku, wykorzystujący różne iluzje wizualne oparte na osobliwościach percepcji figur płaskich i przestrzennych. Ruch kontynuuje racjonalistyczną linię technicyzmu (modernizmu). Sztuka op. dąży do osiągnięcia optycznej iluzji ruchu nieruchomego obiektu artystycznego poprzez psychofizjologiczne oddziaływanie na widza, jego aktywację. Jacob Agam „Nowy krajobraz” Josef Albers „Fabryka A” Bridget Riley „Wielki błękit”

Rosyjska sztuka ludowa i rzemiosło.

Wiek.

Rzeźbienie w drewnie. Z drewna wykonywano meble, naczynia, narzędzia, wznoszono chaty. Ludność rozwinęła wiele technik rzeźbiarskich: geometryczną, nawiasową, przelotową, reliefową itp. Dachy chat chłopskich zwieńczono monumentalną rzeźbą konia i ptaka. Drewniane rzeźbione i wydrążone naczynia(miski, naczynia figurowe, paliki - głębokie miski z pokrywką).

Malarstwo na drewnie i łyku. Malowali naczynia, kołowrotki, szafki, kołyski, skrzynie i sanie. Powstały dwa obrazy: obrazowy i graficzny. Do malowniczych należy malowanie Khokhloma farbami olejnymi na toczonych drewnianych naczyniach. Łyżki, miski, miski Khokhloma

Rzeźba z kości. W Morzu Białym wydobywano materiał - kieł morsa, który przyczynił się do sukcesu rzeźbienia w kościach. Głównymi technikami zdobienia wyrobów są grawerowanie i płaskorzeźba. Przedstawiały zwierzęta, całe sceny polowań, picia herbaty, spacerów, a także sceny biblijne. Malowali tabakierki, różne pudełka, czasem w kształcie butów, czasem serc, grzebieni, szkatułek, wachlarzy. Produkowane są niedrogie produkty dla życia chłopskiego - grzebienie, szkatułki w formie wież, kolczyki.

Ceramika. Zajmują się ceramiką i zabawkami. Naczynia polerowane na czarno o niebieskawo-czarnym kolorze, powstałe w wyniku wystawienia na działanie dymiącego płomienia, dekorowane są polerowaniem - ciągłym lub ozdobnym. Miski, dzbanki, umywalki. Proste formy szkliwionych naczyń ożywiają kolorowe płynne szkliwa w kolorze zielonym, czerwono-brązowym, rozprzestrzeniające się w trakcie wypalania. Naczynia z majoliki Gzhel to produkty wykonane z kolorowej gliny, pokryte nieprzezroczystą szklistą kompozycją - emalią. Przedstawiają domy, ptaki, zwierzęta, drzewa, trawę, kwiaty.

Zabawka. Trinity-Sergiev Posad stał się jednym z największych ośrodków produkcji drewnianych zabawek malowanych. Siergijew gwiżdże, ptaki, łyżwy, lalki. W 2. połowie 19 wiek Zabawka z majoliki Gzhel stała się powszechna. Formowano go ręcznie lub w formie dwuskrzydłowej. Gliniana zabawka– kobiety w spódnicach w kształcie stożków, jeźdźcy, ptaki. . Byli sławni Zabawki Wiatki(osada Dymkowo) - gliniani panowie na koniu w kapeluszu, ważne damy, nosiciele wody, ptaki, półbajkowe zwierzęta.

Tkaniny, hafty, koronki. Tkanie ręczne– kobiety tkały na krośnie ręcznym płótno, len i tkaniny wzorzyste. Materiał: len, konopie, bawełna. Tkaniny zdobiono wzorami tkanymi i materiałami drukowanymi. Podstawą tkania ręcznego jest tkanie poprzez liczenie nitek: pionowej i poziomej. Koszule, fartuchy, ręczniki i prześcieradła ozdobiono wzorzystą tkaniną. Drukowana pięta- metoda nanoszenia wzoru na tkaninę za pomocą rzeźbionej deski pokrytej wcześniej farbą. Haft dekoracja świątecznej odzieży i artykułów gospodarstwa domowego - ręczników, szalików, obrusów. Złote haftowane nakrycia głowy ślubne. Sznurówka w odzieży odświętnej i artykułach gospodarstwa domowego stosuje się go razem z haftem. Najwcześniejszą gęstą i prostą techniką jest koronka Michajłowska (tkana była z szorstkich nici lnianych lub bawełnianych). Słynna koronka Wołogdy (elementy wzoru - kwiat przypominający stokrotkę, stylizowany ptak - pawia, ułożony warkoczem - wiluszka).

Architektura Białorusi.

Architektura czasów nowożytnych 1990 rok. Lata 2000. charakteryzują się innowacyjnymi poszukiwaniami. Następują zmiany w koncepcji urbanistycznej: rozwój struktury planistycznej miast przebiega poprzez przejście do układu „miasto-przedmieście”. Rośnie rola budownictwa niskich i indywidualnych budynków mieszkalnych. Rozpowszechniły się obwodnice, umożliwiające ominięcie miasta (Logojsk, Kobryń, Homel). Rozpowszechniła się rzeźba i kolorystyka (pomniki książąt Dawida w Daivd-Gorodok, Borysa w Borysowie, F. Skoryny, M. Gusowskiego i K. Turowskiego na dziedzińcu BSU). Od początku 2000 kształtowanie artystycznego wyglądu białoruskich miast odbywa się za pomocą środków graficznych i oświetlenia dekoracyjnego, które służą jako przewodnik po przestrzeni, pełnią funkcje informacyjne i otwierają nowe aspekty estetyczne budynków i budowli (budynki przy alei Niepodległości, Partizansky, Pobediteley - w Mińsku, Sobór Piotra i Pawła oraz Pałac Rumiancewów - Paskiewicza w Homlu, Stela Zwycięstwa w Mozyrzu), świątynia imienia Czcigodnej Eufrazyni Księżnej Połockiej w Mińsku, Cerkiew Objawienia Pańskiego w Grodnie. Zastosowano szyby przyciemniane i lustrzane z nowych materiałów budowlanych (Pałac Lodowy w Mińsku, Homlu, Grodnie, Żłobinie, Witebsku), budynku głównego dworca kolejowego, centrum biurowego XXI wieku w Mińsku, budynku Biblioteki Narodowej w Mińsku. Nowoczesne projekty opierają się na połączeniu metalowych ram i przeszkleń zewnętrznych oraz ścian pełniących funkcję użytkową i dekoracyjną. Ze względu na różnorodność materiałów budowlanych, budownictwo mieszkaniowe odbywa się przy użyciu konstrukcji żelbetowych, stosuje się konstrukcje panelowe i cegły. Odradzają się wysokie, niskie i indywidualne budynki mieszkalne budowane według standardowych projektów. W latach 1992-1997 utworzono w mieście obóz mieszkaniowy dla personelu wojskowego. Rejon Ross Wołkowyski. Powszechna stała się budowa indywidualnych budynków mieszkalnych typu chałupniczego na obszarach podmiejskich (wiesie Borowlany, Nowinki, obwód miński). Architektura chat nawiązuje do motywów baroku, klasycyzmu, secesji, gotyku i architektury ludowej. W 2000 roku w Grodnie wybudowano zespół pamiątkowy żołnierzy Straży Granicznej oraz tablicę architektoniczną „Partyzantom białoruskim w Mińsku”. Budynek głównego budynku dworca kolejowego w Mińsku, architekci - Kramarenko, Winogradow, otrzymali Nagrodę Państwową B. 2004.

Do zabytków architektury należą: Zamek Mir, Zamek w Nieświeżu, Zamek Grodno, Kanał Agińskiego, Mur Twierdzy w Grodnie, Kościół Zwiastowania w Witebsku, Zamek w Lidzie, Cerkiew Teresy w Szczeczynie.

Sztuka piękna końca XX i początku XXI wieku.

W drugiej połowie lat 80. XX w. ukształtowały się wszystkie główne kierunki sztuki plastycznej XX w. - początek XXI w.: malarstwo sakralne, w tym malarstwo ikonowe (N. Mukhin, W. Bałabanow, I. Głazunow, E. Maksimov, W. Szyłow); „szkoła szkicu” malarska, charakteryzująca się tradycyjnym rosyjskim pejzażem (V. Sidorov, V. Shcherbakov, V. Telin, V. Połotnow); awangarda (Złotnikow, Jankilewski, Nasedkin); rosyjski postmodernizm (Dubow, Kislitsin, Markelova, Tereshchenko); "Sztuka współczesna" Cecha sztuki pięknej przełomu XX i XXI wieku. polega na tym, że uwolniła się od cenzury, od wpływów państwa, ale nie od gospodarki rynkowej. Jeśli w czasach sowieckich profesjonalni artyści otrzymywali pakiet gwarancji socjalnych, ich obrazy kupowano na krajowe wystawy i galerie, ale teraz mogą polegać tylko na własnych siłach.

W 1947 roku utworzono Akademię Sztuk Pięknych. W latach 50. wprowadzono rygorystyczny system. Artysta studiujący na uniwersytecie musi przejść przez kilka etapów.

I etap – ukończenie szkoły plastycznej

Etap 2 – ukończenie szkoły lub instytutu artystycznego.

Zakończ szkolenie dużym obrazem tematycznym. Następnie zostaje członkiem związku artystów. Okresowo prezentuje swoje nowe prace na oficjalnej wystawie. Głównym odbiorcą dzieł artystycznych mistrzów było państwo. Pod koniec lat 50. nad Moskwą wznosiły się wieżowce z iglicami. Nazywano je „High-Rise”. Było ich 7. 1967 W Moskwie zbudowano wieżę telewizyjną Astana. Projekt samochodu Nikitina 1907-1973 architekt ten brał udział w budowie zespołów Pałacu Kultury w Warszawie, pomnika „Ojczyzna wzywa!” wieża telewizyjna i restauracja Seventh Heaven. Zaczęły pojawiać się zespoły mieszkaniowe nawiązujące do postmodernistycznej kultury Zachodu. Następnie w Moskwie architekturę blokową zastąpiono różnorodnością kształtów i stylów materiałów (szkło). Biblioteka Narodowa została zbudowana w Mińsku w stylu high-tech w 2002 roku. Szczególnie popularny jest styl moskiewski - odrestaurowana Katedra Chrystusa Zbawiciela, która znalazła się na szczycie listy największych. Ale najbardziej ambitnym projektem w Moskwie jest „CITY” z dziesiątkami drapaczy chmur. W XXI wieku powstaje 25-piętrowy budynek. Renowacja kompleksu Chatyń (Silichanow, Zankowicz). „Twierdza Brzeska” - Wołchok, Sysojew, Zankowicz, Nazarow, brali udział rzeźbiarze - Bobyl, Bembel. Vablio zaczął rozprzestrzeniać się w malarstwie. Jest to gatunek ironicznych rysunków, w którym znajduje się werbalne echo popularnego filmu Gugariewa i jego dzieła „Nocna straż”. Następnym okresem jest egocentryzm. Innowacyjność i konformizm polegają na tym, że w pracach można doszukać się metafory i koncepcji, które zastępuje się kierunkami tematycznymi. A. Bosolyga – „Modlitwa”. W XXI wieku chrześcijaństwo powraca, ikona odradza się, odnawiane są świątynie i kościoły. We współczesnej szkole XXI wieku nie ma wpływów sztuki zachodnioeuropejskiej. W grafice wolna linia jest intelektualną grą linii. Yu Podolin „Lusterka”. W XXI wieku w grafice odradzają się drobne formy pocztówek, reklam, plakatów i grafiki książkowej. Grafika pojawia się w kolorze. Rozwija się grafika komputerowa. W tym kierunku: Borozna, Jakowenko. Drukowane grafiki osłabiły ich rozwój poprzez litografię, która wykonywana jest na metalowych płytach. Autor Zventsov „Podstawy grafiki”. Fotografia artystyczna przeżywa renesans i wywiera silny wpływ na grafikę. Rozwija się sztuka intuicyjna.