Niemal w każdym znaczącym dziele sztuki kryje się tajemnica, podwójne dno lub sekretna historia, którą chcesz odkryć.

Muzyka na pośladkach

Hieronim Bosch, Ogród rozkoszy ziemskich, 1500-1510.

Fragment tryptyku

Spory o znaczenia i ukryte znaczenia najsłynniejszego dzieła holenderskiego artysty nie cichną od czasu jego pojawienia się. Na prawym skrzydle tryptyku zwanego „Muzycznym piekłem” ukazani są grzesznicy torturowani w podziemiach przy pomocy instrumentów muzycznych. Jeden z nich ma notatki odciśnięte na pośladkach. Studentka Oklahoma Christian University, Amelia Hamrick, która studiowała obraz, przetransponowała XVI-wieczny zapis na współczesny zwrot i nagrała „500-letnią piekielną pieśń”.

Naga Mona Lisa

Słynna „Gioconda” istnieje w dwóch wersjach: wersja naga nazywa się „Monna Vanna”, namalował ją mało znany artysta Salai, który był uczniem i opiekunem wielkiego Leonarda da Vinci. Wielu krytyków sztuki jest przekonanych, że to on był wzorem dla obrazów Leonarda „Jan Chrzciciel” i „Bachus”. Istnieją również wersje, w których ubrana w kobiecą sukienkę Salai służyła jako wizerunek samej Mony Lisy.

Stary rybak

W 1902 roku węgierski artysta Tivadar Kostka Chontvari namalował obraz „Stary rybak”. Wydawałoby się, że na obrazie nie ma nic niezwykłego, ale Tivadar umieścił w nim podtekst, który nigdy nie został ujawniony za życia artysty.

Niewiele osób pomyślało o umieszczeniu lustra na środku obrazu. W każdej osobie może być zarówno Bóg (prawe ramię Starca jest zduplikowane), jak i Diabeł (lewe ramię Starca jest zduplikowane).

Czy był wieloryb?

Hendrika van Antonissena „Scena na brzegu”.

Wydawało się, że to zwykły krajobraz. Łodzie, ludzie na brzegu i pustynnym morzu. I dopiero badanie rentgenowskie wykazało, że ludzie gromadzili się na brzegu nie bez powodu - w oryginale badali zwłoki wieloryba wyrzuconego na brzeg.

Artysta uznał jednak, że nikt nie będzie chciał patrzeć na martwego wieloryba i przemalował obraz.

Dwa „Śniadania na trawie”

Edouard Manet, Obiad na trawie, 1863.

Claude Monet, Śniadanie na trawie, 1865.

Artyści Edouard Manet i Claude Monet są czasami zdezorientowani - w końcu obaj byli Francuzami, żyli w tym samym czasie i pracowali w stylu impresjonizmu. Nawet tytuł jednego z najsłynniejszych obrazów Maneta, „Śniadanie na trawie”, Monet pożyczył i napisał swoje „Śniadanie na trawie”.

Bliźniacy na Ostatniej Wieczerzy

Leonardo da Vinci, Ostatnia Wieczerza, 1495-1498.

Kiedy Leonardo da Vinci pisał Ostatnią wieczerzę, szczególną wagę przywiązywał do dwóch postaci: Chrystusa i Judasza. Bardzo długo szukał dla nich opiekunek. W końcu udało mu się znaleźć wśród młodych śpiewaków wzór obrazu Chrystusa. Leonardo przez trzy lata nie mógł znaleźć opiekunki dla Judasza. Ale pewnego dnia natknął się na pijaka leżącego w rynsztoku na ulicy. Był młodym mężczyzną, który postarzał się przez intensywne picie. Leonardo zaprosił go do tawerny, gdzie od razu zaczął pisać od niego Judasza. Kiedy pijak opamiętał się, powiedział artyście, że już raz mu pozował. To było kilka lat temu, kiedy śpiewał w kościelnym chórze, Leonardo napisał od niego Chrystusa.

„Straż nocna” czy „Straż dzienna”?

Rembrandt, Straż nocna, 1642.

Jeden z najsłynniejszych obrazów Rembrandta, „Występ kompanii strzelców kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenbürga”, wisiał w różnych salach przez około dwieście lat i został odkryty przez historyków sztuki dopiero w XIX wieku. Ponieważ postaci zdawały się wyróżniać na ciemnym tle, nazwano ją Nocną Strażą i pod taką nazwą weszła do skarbnicy światowej sztuki.

I dopiero podczas renowacji przeprowadzonej w 1947 roku okazało się, że w sieni obraz zdążył już pokryć się warstwą sadzy, która zniekształciła jego kolor. Po oczyszczeniu oryginalnego obrazu ostatecznie ujawniono, że scena przedstawiona przez Rembrandta faktycznie rozgrywa się w ciągu dnia. Pozycja cienia z lewej ręki Kapitana Koka pokazuje, że czas trwania akcji to nie więcej niż 14 godzin.

wywrócona łódź

Henri Matisse, „Łódź”, 1937.

W nowojorskim Museum of Modern Art w 1961 roku wystawiono obraz Henri Matisse'a „The Boat”. Dopiero po 47 dniach ktoś zauważył, że obraz wisi do góry nogami. Płótno przedstawia 10 fioletowych linii i dwa niebieskie żagle na białym tle. Artysta nie bez powodu namalował dwa żagle, drugi żagiel jest odbiciem pierwszego na powierzchni wody.
Aby nie pomylić się z tym, jak obraz powinien się zawiesić, musisz zwrócić uwagę na szczegóły. Większy żagiel powinien znajdować się na górze obrazu, a szczyt żagla obrazu powinien być skierowany w prawy górny róg.

Oszustwo w autoportrecie

Vincent van Gogh, Autoportret z fajką, 1889.

Istnieją legendy, że Van Gogh rzekomo odciął sobie ucho. Teraz najbardziej wiarygodną wersją jest to, że ucho van Gogha zostało uszkodzone w małej bójce z udziałem innego artysty, Paula Gauguina.

Autoportret jest interesujący, ponieważ oddaje rzeczywistość w zniekształconej postaci: artysta jest przedstawiony z zabandażowanym prawym uchem, ponieważ podczas pracy korzystał z lustra. W rzeczywistości lewe ucho zostało uszkodzone.

obce niedźwiedzie

Iwan Szyszkin, „Poranek w sosnowym lesie”, 1889.

Słynny obraz należy nie tylko do pędzla Shishkina. Wielu zaprzyjaźnionych ze sobą artystów często korzystało z „pomocy przyjaciela”, a Iwan Iwanowicz, który przez całe życie malował pejzaże, bał się, że dotykanie niedźwiedzi nie zakończy się tak, jak chciał. Dlatego Shishkin zwrócił się do znanego malarza zwierząt Konstantina Savitsky'ego.

Savitsky namalował chyba najlepsze niedźwiedzie w historii malarstwa rosyjskiego, a Tretiakow kazał zmyć swoje imię z płótna, ponieważ wszystko na obrazie „począwszy od pomysłu, a skończywszy na wykonaniu, wszystko mówi o sposobie malowania, o metoda twórcza charakterystyczna dla Shishkina”.

Niewinna historia „Gotyk”

Grant Wood, „Amerykański gotyk”, 1930.

Twórczość Granta Wooda uważana jest za jedną z najdziwniejszych i najbardziej przygnębiających w historii malarstwa amerykańskiego. Obraz z ponurym ojcem i córką przepełniony jest szczegółami, które wskazują na surowość, purytanizm i retrogradację przedstawionych osób.
W rzeczywistości artysta nie zamierzał przedstawiać żadnych horrorów: podczas podróży do Iowa zauważył mały dom w stylu gotyckim i postanowił przedstawić tych ludzi, którzy jego zdaniem idealnie nadawaliby się na mieszkańców. Siostra Granta i jego dentysta zostają unieśmiertelnieni w postaci postaci, które tak bardzo obrażały mieszkańców Iowa.

Zemsta Salvadora Dali

Obraz „Postać w oknie” został namalowany w 1925 roku, kiedy Dali miał 21 lat. Wtedy Gala nie wkroczyła jeszcze w życie artysty, a jego siostra Ana Maria była jego muzą. Relacje między bratem a siostrą pogorszyły się, gdy napisał na jednym z obrazów: „czasami pluję na portret własnej matki i sprawia mi to przyjemność”. Ana Maria nie mogła wybaczyć tak szokującego.

W swojej książce Salvador Dali oczami siostry z 1949 roku pisze o swoim bracie bez żadnej pochwały. Książka rozwścieczyła Salwador. Potem przez następne dziesięć lat ze złością wspominał ją przy każdej okazji. I tak w 1954 roku pojawia się obraz „Młoda dziewica oddająca się grzechowi sodomii za pomocą rogów własnej czystości”. Postawa kobiety, jej loki, pejzaż za oknem i kolorystyka obrazu wyraźnie nawiązują do Postaci w oknie. Istnieje wersja, że ​​​​w ten sposób Dali zemścił się na swojej siostrze za jej książkę.

Danae o dwóch twarzach

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Danae, 1636-1647.

Wiele tajemnic jednego z najsłynniejszych obrazów Rembrandta zostało ujawnionych dopiero w latach 60. XX wieku, kiedy płótno zostało naświetlone promieniami rentgenowskimi. Na przykład strzelanina pokazała, że ​​we wczesnej wersji twarz księżniczki, która nawiązała romans z Zeusem, wyglądała jak twarz Saskii, żony zmarłego w 1642 roku malarza. W ostatecznej wersji obraz zaczął przypominać twarz Gertier Dirks, kochanki Rembrandta, z którą artysta mieszkał po śmierci żony.

Żółta sypialnia Van Gogha

Vincent van Gogh, „Sypialnia w Arles”, 1888 - 1889.

W maju 1888 roku Van Gogh nabył mały warsztat w Arles na południu Francji, gdzie uciekł przed paryskimi artystami i krytykami, którzy go nie rozumieli. W jednym z czterech pokoi Vincent urządza sypialnię. W październiku wszystko jest gotowe i postanawia namalować Sypialnię Van Gogha w Arles. Dla artystki bardzo ważny był kolor, komfort pomieszczenia: wszystko miało sugerować myśli o relaksie. Jednocześnie obraz utrzymany jest w niepokojącej żółtej tonacji.

Badacze twórczości Van Gogha tłumaczą to faktem, że artysta wziął naparstnicę, lek na epilepsję, który powoduje poważne zmiany w postrzeganiu koloru przez pacjenta: cała otaczająca rzeczywistość jest pomalowana na zielono-żółte odcienie.

Bezzębna doskonałość

Leonardo da Vinci, „Portret pani Lisy del Giocondo”, 1503 - 1519.

Powszechnie uważa się, że Mona Lisa jest perfekcyjna, a jej uśmiech piękny w swojej tajemniczości. Jednak amerykański krytyk sztuki (i dentysta na pół etatu) Joseph Borkowski uważa, że ​​sądząc po wyrazie twarzy, bohaterka straciła dużo zębów. Badając powiększone fotografie arcydzieła, Borkowski znalazł także blizny wokół jej ust. „Ona uśmiecha się tak często właśnie przez to, co ją spotkało” – uważa ekspert. „Jej wyraz twarzy jest typowy dla osób, które straciły przednie zęby”.

Major o kontroli twarzy

Pavel Fedotov, Swatanie majora, 1848.

Publiczność, która po raz pierwszy zobaczyła obraz „Major's Matchmaking”, roześmiała się serdecznie: artysta Fiedotow wypełnił go ironicznymi szczegółami, które były zrozumiałe dla ówczesnych widzów. Na przykład major najwyraźniej nie zna zasad szlacheckiej etykiety: pojawił się bez odpowiednich bukietów dla panny młodej i jej matki. A sama panna młoda została zwolniona przez swoich kupieckich rodziców w wieczorowej sukni balowej, chociaż był dzień (wszystkie lampy w pokoju były zgaszone). Dziewczyna najwyraźniej po raz pierwszy przymierzała sukienkę z głębokim dekoltem, jest zawstydzona i próbuje uciec do swojego pokoju.

Dlaczego Wolność jest naga

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, Wolność na barykadach, 1830.

Według historyka sztuki Etienne Julie, Delacroix namalował twarz kobiety ze słynnej paryskiej rewolucjonistki - praczki Anny-Charlotte, która poszła na barykady po śmierci swojego brata z rąk królewskich żołnierzy i zabiła dziewięciu strażników. Artysta przedstawił ją z nagą klatką piersiową. Według jego planu jest to symbol nieustraszoności i bezinteresowności, a także triumfu demokracji: nagie piersi pokazują, że Swoboda, podobnie jak plebejusz, nie nosi gorsetu.

niekwadratowy kwadrat

Kazimierz Malewicz, Plac Czarnych Suprematystów, 1915.

W rzeczywistości „Czarny kwadrat” wcale nie jest czarny i wcale nie jest kwadratowy: żaden z boków czworokąta nie jest równoległy do ​​żadnego z pozostałych jego boków, ani żaden z boków kwadratowej ramy obramowującej obraz. A ciemny kolor jest wynikiem mieszania różnych kolorów, wśród których nie było czerni. Uważa się, że nie było to zaniedbanie autora, ale pryncypialne stanowisko, chęć stworzenia dynamicznej, mobilnej formy.

Specjaliści z Galerii Trietiakowskiej odkryli autorską inskrypcję na słynnym obrazie Malewicza. Napis brzmi: „Bitwa Murzynów w ciemnej jaskini”. Ta fraza odnosi się do tytułu żartobliwego obrazu francuskiego dziennikarza, pisarza i artysty Alphonse'a Allaisa „Bitwa Murzynów w ciemnej jaskini w środku nocy”, który był absolutnie czarnym prostokątem.

Melodramat austriackiej Mona Lisy

Gustav Klimt, „Portret Adele Bloch-Bauer”, 1907.

Jeden z najważniejszych obrazów Klimta przedstawia żonę austriackiego magnata cukrowego Ferdynanda Blocha-Bauera. Cały Wiedeń dyskutował o burzliwym romansie Adele ze słynnym artystą. Zraniony mąż chciał zemścić się na swoich kochankach, ale wybrał bardzo nietypowy sposób: postanowił zamówić u Klimta portret Adele i zmusić go do wykonania setek szkiców, aż artysta zacznie się od niej odwracać.

Bloch-Bauer chciał, aby praca trwała kilka lat, a modelka mogła zobaczyć, jak zanikają uczucia Klimta. Złożył artystce hojną ofertę, której nie mógł odmówić, i wszystko potoczyło się zgodnie ze scenariuszem oszukanego męża: praca została ukończona za 4 lata, kochankowie już dawno ochłodzili się. Adele Bloch-Bauer nigdy nie dowiedziała się, że jej mąż był świadomy jej związku z Klimtem.

Obraz, który przywrócił Gauguina do życia

Paul Gauguin, „Skąd przychodzimy? Kim jesteśmy? Dokąd zmierzamy?”, 1897-1898.

Najsłynniejsze płótno Gauguina ma jedną cechę: jest „czytane” nie od lewej do prawej, ale od prawej do lewej, jak teksty kabalistyczne, którymi interesował się artysta. W takiej właśnie kolejności rozwija się alegoria duchowego i fizycznego życia człowieka: od narodzin duszy (śpiące dziecko w prawym dolnym rogu) do nieuchronności godziny śmierci (ptak z jaszczurką w jego pazury w lewym dolnym rogu).

Obraz został namalowany przez Gauguina na Tahiti, gdzie artysta kilkakrotnie uciekał przed cywilizacją. Ale tym razem życie na wyspie nie wyszło: totalna bieda doprowadziła go do depresji. Po ukończeniu płótna, które miało stać się jego duchowym testamentem, Gauguin wziął pudełko arszeniku i udał się w góry, by umrzeć. Nie przeliczył jednak dawki i samobójstwo się nie powiodło. Następnego ranka doczołgał się do swojej chaty i zasnął, a kiedy się obudził, poczuł zapomniane pragnienie życia. A w 1898 roku jego sprawy poszły w górę i rozpoczął się jaśniejszy okres w jego pracy.

112 przysłów na jednym obrazku

Pieter Brueghel Starszy, „Przysłowia niderlandzkie”, 1559

Pieter Brueghel Starszy przedstawił krainę zamieszkaną przez dosłowne obrazy holenderskich przysłów tamtych czasów. Na malowanym obrazie znajduje się około 112 rozpoznawalnych idiomów. Niektóre z nich są używane do dziś, jak np. „pływać pod prąd”, „walić głową w ścianę”, „uzbrojony po zęby” czy „duża ryba zjada małą”.

Inne przysłowia odzwierciedlają ludzką głupotę.

Podmiotowość sztuki

Paul Gauguin, bretońska wioska pod śniegiem, 1894

Obraz Gauguina „Bretońska wioska w śniegu” został sprzedany po śmierci autora za jedyne siedem franków, a ponadto pod nazwą „Wodospad Niagara”. Licytator przypadkowo powiesił obraz do góry nogami po tym, jak zobaczył na nim wodospad.

ukryty obraz

Pablo Picasso, Niebieski pokój, 1901

W 2008 roku podczerwień pokazała, że ​​pod „Niebieskim pokojem” ukryto jeszcze jeden obraz – portret mężczyzny ubranego w garnitur z motylem i opierającego głowę na dłoni. „Gdy tylko Picasso wpadł na nowy pomysł, chwycił za pędzel i wcielił go w życie. Ale nie miał okazji kupić nowego płótna za każdym razem, gdy odwiedzała go muza ”, historyk sztuki Patricia Favero wyjaśnia możliwy powód tego.

Niedostępne Marokanki

Zinaida Serebryakova, Naga, 1928

Pewnego dnia Zinaida Serebryakova otrzymała kuszącą propozycję - udania się w twórczą podróż w celu portretowania nagich postaci orientalnych dziewic. Okazało się jednak, że w tych miejscach po prostu nie można było znaleźć modeli. Z pomocą przyszedł tłumacz Zinaidy, który przyprowadził do niej swoje siostry i narzeczoną. Nikt przed i po tym nie był w stanie sfotografować nagich kobiet z orientu.

Spontaniczny wgląd

Valentin Serov, „Portret Mikołaja II w kurtce”, 1900

Serow przez długi czas nie mógł namalować portretu króla. Kiedy artysta całkowicie się poddał, przeprosił Mikołaja. Nikołaj był trochę zdenerwowany, usiadł przy stole, wyciągając przed siebie ręce ... A potem artysta olśnił - oto on! Prosty wojskowy w kurtce oficerskiej o jasnych i smutnych oczach. Ten portret jest uważany za najlepsze przedstawienie ostatniego cesarza.

Znowu dwójka

© Fiodor Reszetnikow

Słynny obraz „Znowu dwójka” to dopiero druga część artystycznej trylogii.

Pierwsza część to „Przyjechałem na wakacje”. Oczywiście zamożna rodzina, ferie zimowe, radosny, doskonały student.

Druga część to „Znowu dwójka”. Biedna rodzina z peryferii klasy robotniczej, apogeum roku szkolnego, tępy ogłuszacz, który znów złapał dwójkę. W lewym górnym rogu widać obrazek „Przyjechałem na wakacje”.

Trzecia część to „Ponowne badanie”. Wiejski dom, lato, wszyscy spacerują, jeden złośliwy ignorant, który nie zdał rocznego egzaminu, musi siedzieć w czterech ścianach i wkuwać. W lewym górnym rogu widać obrazek "Znowu dwójka".

Jak rodzą się arcydzieła

Joseph Turner, Deszcz, para i prędkość, 1844

W 1842 r. pani Szymon podróżowała pociągiem po Anglii. Nagle zaczęła się potężna ulewa. Siedzący naprzeciw niej starszy pan wstał, otworzył okno, wystawił głowę i patrzył tak przez jakieś dziesięć minut. Nie mogąc powstrzymać ciekawości, kobieta również otworzyła okno i spojrzała przed siebie. Rok później odkryła obraz „Deszcz, para i prędkość” na wystawie w Royal Academy of Arts i była w stanie rozpoznać w nim sam epizod w pociągu.

Lekcja anatomii od Michała Anioła

Michał Anioł, Stworzenie Adama, 1511

Kilku amerykańskich ekspertów w dziedzinie neuroanatomii uważa, że ​​Michał Anioł rzeczywiście pozostawił anatomiczne ilustracje w jednym ze swoich najsłynniejszych dzieł. Uważają, że po prawej stronie obrazu przedstawiony jest ogromny mózg. Co zaskakujące, można znaleźć nawet złożone elementy, takie jak móżdżek, nerwy wzrokowe i przysadka mózgowa. A chwytliwa zielona wstążka idealnie pasuje do lokalizacji tętnicy kręgowej.

Ostatnia wieczerza Van Gogha

Vincent van Gogh, Taras kawiarni nocą, 1888

Badacz Jared Baxter uważa, że ​​Nocny taras kawiarni Van Gogha zawiera dedykację dla Ostatniej wieczerzy Leonarda da Vinci. W centrum obrazu kelner z długimi włosami i białą tuniką przypominającą szaty Chrystusa, a wokół niego dokładnie 12 gości kawiarni. Baxter zwraca również uwagę na krzyż, znajdujący się bezpośrednio za plecami kelnera w kolorze białym.

Obraz pamięci Dalego

Salvador Dali, Trwałość pamięci, 1931

Nie jest tajemnicą, że myśli, które nawiedziły Dali podczas tworzenia jego arcydzieł, zawsze miały postać bardzo realistycznych obrazów, które artysta następnie przeniósł na płótno. Tak więc, zdaniem samego autora, obraz „Trwałość pamięci” powstał w wyniku skojarzeń, jakie narodziły się na widok sera topionego.

O czym krzyczy Munch

Edvard Munch, „Krzyk”, 1893.

Munch mówił o idei jednego z najbardziej tajemniczych obrazów w malarstwie światowym: „Szedłem ścieżką z dwoma przyjaciółmi – ​​zachodziło słońce – nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, wyczerpany, i oparłem się o ogrodzenie - patrzyłem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miastem - moi przyjaciele szli dalej, a ja stałem, drżąc z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę. Ale jaki zachód słońca mógł tak przestraszyć artystę?

Istnieje wersja, według której pomysł „Krzyku” zrodził się u Muncha w 1883 roku, kiedy miało miejsce kilka najsilniejszych erupcji wulkanu Krakatau – tak potężnych, że zmieniły one temperaturę ziemskiej atmosfery o jeden stopień. Obfite ilości pyłu i popiołu rozprzestrzeniły się po całym świecie, docierając nawet do Norwegii. Przez kilka wieczorów z rzędu zachody słońca wyglądały, jakby zbliżała się apokalipsa – jeden z nich stał się dla artysty źródłem inspiracji.

Pisarz wśród ludzi

Aleksander Iwanow, „Pojawienie się Chrystusa ludziom”, 1837-1857.

Dziesiątki opiekunek pozowało do głównego zdjęcia Aleksandra Iwanowa. Jeden z nich jest znany nie mniej niż sam artysta. W tle wśród podróżników i jeźdźców rzymskich, którzy nie słyszeli jeszcze kazania Jana Chrzciciela, można dostrzec postać w brązowej tunice. Jego Iwanow pisał z Mikołajem Gogolem. Pisarz ściśle komunikował się z artystą we Włoszech, zwłaszcza w kwestiach religijnych, udzielał mu rad w procesie malowania. Gogol uważał, że Iwanow „już dawno umarł za cały świat, z wyjątkiem swojej pracy”.

Dna Michała Anioła

Raphael Santi, Szkoła Ateńska, 1511.

Tworząc słynny fresk „Szkoła ateńska”, Rafael uwiecznił swoich przyjaciół i znajomych na obrazach starożytnych greckich filozofów. Jednym z nich był Michał Anioł Buonarroti „w roli” Heraklita. Przez kilka stuleci fresk skrywał tajemnice życia osobistego Michała Anioła, a współcześni badacze sugerują, że dziwnie kanciaste kolano artysty wskazuje na chorobę stawów.

Jest to całkiem prawdopodobne, biorąc pod uwagę specyfikę stylu życia i warunków pracy artystów renesansu oraz chroniczny pracoholizm Michała Anioła.

Zwierciadło Arnolfinich

Jan van Eyck, „Portret Arnolfinich”, 1434

W lustrze za Arnolfinimi możesz zobaczyć odbicie jeszcze dwóch osób w pokoju. Najprawdopodobniej są to świadkowie obecni przy zawieraniu umowy. Jednym z nich jest van Eyck, o czym świadczy umieszczony wbrew tradycji łaciński napis nad lustrem w centrum kompozycji: „Jan van Eyck tu był”. Tak zwykle zawierano kontrakty.

Jak wada przerodziła się w talent

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Autoportret w wieku 63 lat, 1669.

Badaczka Margaret Livingston przestudiowała wszystkie autoportrety Rembrandta i stwierdziła, że ​​\u200b\u200bartysta cierpiał na zeza: na obrazach jego oczy patrzą w różnych kierunkach, czego mistrz nie obserwuje na portretach innych ludzi. Choroba doprowadziła do tego, że artysta mógł lepiej postrzegać rzeczywistość w dwóch wymiarach niż osoby z normalnym wzrokiem. Zjawisko to nazywane jest „ślepotą stereo” – niemożnością widzenia świata w 3D. Ponieważ jednak malarz musi pracować z dwuwymiarowym obrazem, właśnie ta wada Rembrandta mogła być jednym z wyjaśnień jego fenomenalnego talentu.

Bezgrzeszna Wenus

Sandro Botticelli, Narodziny Wenus, 1482-1486.

Przed pojawieniem się Narodzin Wenus obraz nagiego kobiecego ciała w malarstwie symbolizował jedynie ideę grzechu pierworodnego. Sandro Botticelli był pierwszym europejskim malarzem, który nie znalazł w nim nic grzesznego. Co więcej, historycy sztuki są pewni, że pogańska bogini miłości symbolizuje chrześcijański wizerunek na fresku: jej pojawienie się jest alegorią odrodzenia duszy, która przeszła obrzęd chrztu.

Lutnik czy lutnik?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, Lutnik, 1596.

Przez długi czas obraz był wystawiany w Ermitażu pod tytułem „Lutniarz”. Dopiero na początku XX wieku historycy sztuki zgodzili się, że płótno nadal przedstawia młodego mężczyznę (prawdopodobnie pozował Caravaggio jego przyjaciel artysta Mario Minniti): na zapiskach przed muzykiem nagrano basową partię widoczny jest madrygał Jacoba Arcadelt „Wiesz, że cię kocham”. Kobieta z trudem mogłaby dokonać takiego wyboru - to po prostu trudne dla gardła. Ponadto lutnia, podobnie jak skrzypce na samym skraju obrazu, w epoce Caravaggia była uważana za instrument męski.

Pomysł przedstawienia płynącego zegara przyszedł Salvadorowi Dali podczas kolacji, kiedy zauważył, jak Camembert topi się w słońcu.

Dopiero później Dali został zapytany, czy teoria względności Einsteina została zaszyfrowana na płótnie, a on odpowiedział z bystrym spojrzeniem: „Raczej teoria Heraklita, że ​​czas mierzy się przepływem myśli. Dlatego nazwałam ten obraz „Trwałość pamięci”. A na początku był ser, ser topiony”.

"Ostatnia Wieczerza"

Kiedy Leonardo da Vinci pisał Ostatnią wieczerzę, szczególną uwagę zwrócił na dwie postacie: Chrystusa i Judasza. Leonardo stosunkowo szybko znalazł opiekunkę do twarzy Jezusa – podszedł do niego młody mężczyzna, który śpiewał w kościelnym chórze. Ale osoby zdolnej do wyrażenia występku Judasza Leonardo szukał przez trzy lata. Pewnego dnia, idąc ulicą, mistrz zobaczył pijaka w rynsztoku. Da Vinci przyprowadził pijaka do tawerny, gdzie natychmiast zaczął pisać od niego Judasza.

Kiedy pijak wytrzeźwiał, przypomniał sobie, że kilka lat temu pozował już artyście. To był ten sam śpiewak. Na wielkim fresku Leonarda Jezus i Judasz mają twarze tej samej osoby.

Iwan Groźny i jego syn Iwan

W 1913 roku chory psychicznie artysta pociął nożem obraz Repina „Iwan Groźny i jego syn Iwan”. Tylko dzięki mistrzowskiej pracy konserwatorów płótno zostało odrestaurowane. Sam Ilya Repin przyjechał do Moskwy i przerysował głowę Groznego w dziwnym fioletowym kolorze - w ciągu dwóch dekad poglądy artysty na temat malarstwa bardzo się zmieniły. Konserwatorzy usunęli te zmiany i przywrócili obrazowi dokładne dopasowanie do fotografii muzealnych. Repin, kiedy później zobaczył odrestaurowane płótno, nie zauważył poprawek.

"Marzenie"

W 2006 roku amerykański kolekcjoner sztuki Steve Wynn zgodził się sprzedać Sen Pabla Picassa za 139 milionów dolarów, co jest jedną z najwyższych cen w historii. Ale mówiąc o obrazie, zbyt ekspresyjnie machał rękami i rozdarł dzieło łokciem. Wynn uznał to za znak z góry i postanowił nie sprzedawać płótna po renowacji, która, nawiasem mówiąc, kosztowała niezły grosz.

"Łódź"

Mniej niszczycielski, ale nie mniej ciekawy incydent miał miejsce w przypadku obrazu Henriego Matisse'a. W 1961 roku Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku zaprezentowało publiczności obraz mistrza „Łódź”. Wystawa okazała się sukcesem. Ale zaledwie siedem tygodni później przypadkowy koneser sztuki zauważył, że arcydzieło wisi do góry nogami. W tym czasie sztukę obejrzało 115 tysięcy osób, księga gości została uzupełniona setkami zachwycających komentarzy. Wstyd obiegł wszystkie gazety.

„Bitwa Murzynów w jaskini w środku nocy”

Słynny „Czarny kwadrat” nie był pierwszym tego rodzaju obrazem. 22 lata przed Malewiczem, w 1893 roku, francuski artysta i pisarz Alle Alphonse wystawił swoje arcydzieło „Bitwa Murzynów w jaskini w środku nocy” w Galerii Vivienne - całkowicie czarne prostokątne płótno.

„Uczta Bogów na Olimpie”

W 1960 roku w Pradze znaleziono jeden z najsłynniejszych obrazów Petera Paula Rubensa „Uczta bogów na Olimpie”. Przez długi czas data jego powstania pozostawała tajemnicą. Odpowiedź znaleźli zresztą w samym obrazie astronomowie. Domyślili się, że pozycja planet została subtelnie zaszyfrowana na płótnie. Na przykład książę Mantui Gonzaga w postaci boga Jowisza, Posejdona ze Słońcem i bogini Wenus z Kupidynem przedstawiają pozycję Jowisza, Wenus i Słońca w Zodiaku.

Ponadto jasne jest, że Wenus zmierza w kierunku konstelacji Ryb. Skrupulatni astrolodzy ustalili, że tak rzadką pozycję planet na niebie zaobserwowano w dniach przesilenia zimowego w 1602 roku. Przeprowadzono więc dość dokładne datowanie obrazu.

„Śniadanie na trawie”

Édouard Manet, Śniadanie na trawie

Claude Monet, Śniadanie na trawie

Edouard Manet i Claude Monet są zdezorientowani nie tylko przez obecnych adeptów szkół artystycznych - byli zdezorientowani nawet przez swoich współczesnych. Obaj mieszkali pod koniec XIX wieku w Paryżu, komunikowali się ze sobą i byli niemal imiennikami. Tak więc w filmie Ocean's Eleven odbywa się następujący dialog między postaciami George'a Clooneya i Julii Roberts:
- Zawsze mylę Moneta z Manetem. Pamiętam tylko, że jeden z nich ożenił się ze swoją kochanką.
- Monet.
- Więc Manet miał syfilis.
I obaj pisali od czasu do czasu.
Ale artyści nie mieli zamieszania z nazwami, a ponadto aktywnie pożyczali od siebie pomysły. Po tym, jak Manet zaprezentował publiczności obraz „Śniadanie na trawie”, Monet, nie zastanawiając się dwa razy, napisał swój własny o tej samej nazwie. Jak zwykle nie było zamieszania.

„Madonna Sykstyńska”

Patrząc na obraz Rafaela „Madonna Sykstyńska”, wyraźnie widać, że papież Sykstus II ma na dłoni sześć palców. Między innymi imię Sykstus jest tłumaczone jako „szósty”, co ostatecznie dało początek wielu teoriom. W rzeczywistości „dolny mały palec” wcale nie jest palcem, ale częścią dłoni. Jest to zauważalne, jeśli przyjrzysz się uważnie. Bez mistycyzmu i tajemniczych zapowiedzi Apokalipsy, ale szkoda.

„Poranek w sosnowym lesie”

Niedźwiadki z obrazu Shishkina „Poranek w sosnowym lesie” powielane przez cukierników wcale nie są dziełem Shishkina. Iwan był znakomitym pejzażystą, doskonale wiedział, jak oddać grę światła i cienia w lesie, ale ludzie i zwierzęta nie byli mu dana. Tak więc na prośbę artysty Konstantin Savitsky dodał słodkie niedźwiadki, a sam obraz został podpisany dwoma imionami. Ale Paweł Trietiakow, po zakupie krajobrazu do swojej kolekcji, wymazał podpis Savitsky'ego, a wszystkie laury trafiły do ​​Shishkina.

Dziś w każdym muzeum można posłuchać wspaniałych przewodników, którzy szczegółowo opowiedzą o kolekcji i reprezentowanych w niej artystach. Jednocześnie wielu rodziców wie, że większości dzieci trudno jest spędzić nawet godzinę w muzeum, a opowieści o historii malarstwa dość szybko je męczą. Aby dzieci w muzeum się nie nudziły, oferujemy rodzicom „ściągawkę” - dziesięć zabawnych opowieści o obrazach z Galerii Trietiakowskiej, które zainteresują zarówno dzieci, jak i dorosłych.

1. Iwan Kramskoj. Syreny, 1871

Ivan Kramskoy znany jest przede wszystkim jako autor obrazu „Nieznana” (często mylnie nazywana „Nieznajoma”), a także wielu pięknych portretów: Lwa Tołstoja, Iwana Szyszkina, Dmitrija Mendelejewa. Ale lepiej, aby dzieci zaczęły poznawać jego twórczość od magicznego obrazu „Syreny”, z którym związana jest ta historia.
W sierpniu 1871 roku artysta Iwan Kramskoj odwiedzał wiejską posiadłość swojego znajomego, miłośnika sztuki i słynnego filantropa Pawła Stroganowa. Spacerując wieczorami podziwiał księżyc i podziwiał jego magiczne światło. Podczas tych spacerów artysta postanowił namalować nocny pejzaż i spróbować oddać cały urok, całą magię księżycowej nocy, „złapać księżyc” – jak sam mówi.
Kramskoy rozpoczął pracę nad obrazem. W księżycową noc ukazał się brzeg rzeki, a na nim pagórek i dom otoczony topolami. Krajobraz był piękny, ale czegoś brakowało - magia nie narodziła się na płótnie. Z pomocą artyście przyszła książka Nikołaja Gogola „Wieczory na farmie pod Dikanką”, a raczej historia zatytułowana „Noc majowa, czyli utopiona kobieta” jest bajeczna i trochę przerażająca. A potem na zdjęciu pojawiły się syreny, oświetlone światłem księżyca.
Artysta tak starannie pracował nad obrazem, że zaczął o nim marzyć i ciągle chciał coś w nim dokończyć. Rok po zakupie przez założyciela Galerii Trietiakowskiej, Pawła Tretiakowskiego, Kramskoj ponownie chciał coś w nim zmienić i dokonał drobnych zmian bezpośrednio w sali wystawowej.
Płótno Kramskoja było pierwszym „fantastycznym” obrazem w historii malarstwa rosyjskiego.

2. Wasilij Wierieszczagin. „Apoteoza wojny”, 1871


Tak się złożyło, że ludzie zawsze walczyli. Od niepamiętnych czasów dzielni przywódcy i potężni władcy wyposażali swoje armie i wysyłali je na wojnę. Oczywiście chcieli, aby dalecy potomkowie wiedzieli o ich militarnych wyczynach, więc poeci komponowali wiersze i pieśni, a artyści tworzyli piękne obrazy i rzeźby. Na tych obrazach wojna zwykle wyglądała jak święto – jasne kolory, nieustraszeni wojownicy idący do boju…
Artysta Wasilij Vereshchagin znał wojnę z pierwszej ręki - nie raz brał udział w bitwach - i namalował wiele obrazów, na których przedstawiał to, co widział na własne oczy: nie tylko dzielnych żołnierzy i ich dowódców, ale także krew, ból i cierpienie .
Kiedyś zastanawiał się, jak pokazać wszystkie okropności wojny na jednym obrazie, jak dać widzowi do zrozumienia, że ​​wojna to zawsze smutek i śmierć, jak pozwolić innym spojrzeć na jej obrzydliwe szczegóły? Zdał sobie sprawę, że nie wystarczy namalować obrazu z polem bitwy usianym martwymi żołnierzami - takie płótna były wcześniej. Vereshchagin wymyślił symbol wojny, obraz, na który każdy może sobie wyobrazić, jak straszna jest każda wojna. Namalował spaloną pustynię, pośrodku której wznosi się piramida ludzkich czaszek. Wokół tylko suche, martwe drzewa i tylko wrony gromadzą się na uczcie. Z oddali widać zrujnowane miasto, a widz łatwo domyśli się, że nie ma tam już życia.

3. Aleksiej Sawrasow. „Przybyły gawrony”, 1871


Każdy zna obraz „Przybyły gawrony” od dzieciństwa i na pewno każdy pisał na jego temat wypracowania szkolne. A dzisiaj nauczyciele na pewno opowiedzą dzieciom o lirycznych pejzażach Sawrasowa i o tym, że już w tytule tego obrazu można usłyszeć radosną zapowiedź poranka roku i wszystko w nim jest pełne głębokiego, bliskiego znaczenie serca. Tymczasem niewiele osób wie, że słynne „Grony…”, podobnie jak wszystkie inne dzieła Savrasova, w ogóle nie mogły istnieć.
Aleksiej Sawrasow był synem drobnego moskiewskiego pasmanteria. Chęć chłopca do malowania nie wywołała zachwytu u rodzica, ale mimo to Kondrat Savrasov pozwolił synowi pójść do Moskiewskiej Szkoły Malarstwa i Rzeźby. Zarówno nauczyciele, jak i koledzy z klasy dostrzegli talent młodego artysty i przepowiedzieli mu wspaniałą przyszłość. Ale tak się złożyło, że nie studiując nawet przez rok, Aleksiej, najwyraźniej z powodu choroby matki, został zmuszony do przerwania studiów. Jego nauczyciel Karl Rabus zwrócił się o pomoc do szefa moskiewskiej policji, generała dywizji Iwana Łużyna, który pomógł utalentowanemu młodemu człowiekowi zdobyć wykształcenie artystyczne.
Gdyby Luzhin nie brał udziału w losach młodego artysty, jeden z najsłynniejszych obrazów w historii sztuki rosyjskiej nigdy by się nie narodził.

4. Wasilij Polenow. „Dziedziniec Moskwy”, 1878 r


Czasem, aby namalować piękny obraz, artysta dużo podróżuje, długo szuka najpiękniejszych widoków i skrupulatnie w końcu odnajduje umiłowane miejsce i wraca tam raz po raz ze szkicownikiem. Zdarza się też, że aby stworzyć wspaniałe dzieło, wystarczy podejść do własnego okna, spojrzeć na zupełnie zwyczajny moskiewski dziedziniec - i dzieje się cud, pojawia się niesamowity krajobraz wypełniony światłem i powietrzem.
Właśnie taki cud przydarzył się artyście Wasilijowi Polenowowi, który wczesnym latem 1878 roku wyjrzał przez okno swojego mieszkania i szybko napisał, co zobaczył. Chmury z łatwością suną po niebie, słońce wznosi się coraz wyżej, ogrzewając ziemię swoim ciepłem, rozświetlając blaskiem kopuły kościołów, skracając gęste cienie… Wydawać by się mogło, że zwykły obraz, którego sam artysta nie traktować poważnie: malował i prawie o tym zapomniał. Ale potem został zaproszony do udziału w wystawie. Nie miał nic znaczącego, a Polenow postanowił wystawić „Moskiewski dziedziniec”.
Co dziwne, to właśnie ten „nieistotny obraz” przyniósł Wasilijowi Polenowowi sławę i chwałę - pokochała go zarówno publiczność, jak i krytycy: ma zarówno ciepło, jak i jasne kolory, a jego postacie można rozpatrywać w nieskończoność, wymyślając historię o każdym z nich.

5. Iwan Szyszkin. „Poranek w sosnowym lesie”, 1889

„Poranek w sosnowym lesie” Iwana Szyszkina to chyba najbardziej znany obraz z kolekcji Galerii Trietiakowskiej. W naszym kraju wszyscy ją znają dzięki reprodukcjom w podręcznikach szkolnych, a może dzięki czekoladkom Mishka kosolapy.
Ale nie wszyscy wiedzą, że sam Shishkin namalował tylko poranny las we mgle i nie ma nic wspólnego z niedźwiedziami. To zdjęcie jest owocem wspólnej pracy Shishkina i jego przyjaciela, artysty Konstantina Savitsky'ego.
Ivan Shishkin był niezrównanym mistrzem przedstawiania wszelkiego rodzaju subtelności botanicznych - krytyk Alexander Benois prawie skarcił go za uzależnienie od fotograficznej dokładności, nazywając jego obrazy martwymi i zimnymi. Ale artysta nie przyjaźnił się z zoologią. Mówią, że właśnie dlatego Shishkin zwrócił się do Savitsky'ego z prośbą o pomoc przy niedźwiedziach. Savitsky nie odmówił przyjacielowi, ale nie traktował poważnie swojej pracy - i jej nie podpisał.
Później Pavel Trietiakov kupił ten obraz od Shishkina, a artysta zasugerował, aby Savitsky zostawił podpis na obrazie - w końcu pracowali nad nim razem. Savitsky właśnie to zrobił, ale Tretiakowowi się to nie podobało. Oświadczając, że kupił obraz od Szyszkina i nie chce nic wiedzieć o Sawickim, zażądał rozpuszczalnika i własnoręcznie usunął „dodatkowy” podpis. I tak się złożyło, że dziś w Galerii Trietiakowskiej wskazano na autorstwo tylko jednego artysty.

6. Wiktor Wasniecow. "Bogatyrów", 1898


Wiktor Wasniecow jest uważany za najbardziej „wspaniałego” artystę w historii malarstwa rosyjskiego - do jego pędzli należą tak znane dzieła, jak Alyonushka, Rycerz na rozdrożu, Bogatyrsky Skok i wiele innych. Ale jego najsłynniejszym obrazem jest „Bogatyrs”, który przedstawia głównych bohaterów rosyjskich eposów.
Sam artysta opisał obraz w następujący sposób: „Bogatyrs Dobrynya, Ilya i Alyosha Popovich przy bohaterskim wyjściu - zauważają na polu, czy gdzieś jest wróg, czy gdzieś kogoś obrażają?”
Pośrodku, na czarnym koniu, Ilya Muromets, spogląda w dal spod dłoni, w jednej ręce bohater trzyma włócznię, w drugiej adamaszkową maczugę. Po lewej stronie na białym koniu Dobrynia Nikitycz wyciąga z pochwy miecz. Po prawej Alosza Popowicz na czerwonym koniu trzyma w dłoniach łuk ze strzałami. Ciekawa historia wiąże się z bohaterami tego obrazu - a dokładniej z ich prototypami.
Wiktor Wasniecow długo myślał, jak powinien wyglądać Ilya Muromets, i przez długi czas nie mógł znaleźć „właściwej” twarzy - odważnej, uczciwej, wyrażającej jednocześnie siłę i życzliwość. Ale pewnego dnia zupełnie przypadkiem spotkał chłopa Iwana Pietrowa, który przyjechał do Moskwy do pracy. Artysta był zdumiony - na moskiewskiej ulicy zobaczył prawdziwego Ilyę Muromets. Chłop zgodził się pozować dla Wasniecowa i ... pozostał przez wieki.
W eposach Dobrynya Nikiticz jest dość młody, ale z jakiegoś powodu obraz Wasniecowa przedstawia mężczyznę w średnim wieku. Dlaczego artysta zdecydował się tak swobodnie operować ludowymi opowieściami? Odpowiedź jest prosta: na obrazie Dobrenyi przedstawił się Wasniecow, wystarczy porównać zdjęcie z portretami i fotografiami artysty.

7. Walentyn Serow. „Dziewczyna z brzoskwiniami. Portret VS Mamontovej, 1887

„Dziewczyna z brzoskwiniami” to jeden z najsłynniejszych portretów w historii malarstwa rosyjskiego, namalowany przez artystę Walentina Sierowa.
Dziewczyna na portrecie to Verochka, córka filantropa Savvy Mamontova, w którego domu artysta często bywał. Ciekawe, że brzoskwinie leżące na stole nie zostały przywiezione z ciepłych regionów, ale wyrosły niedaleko Moskwy, właśnie w majątku Abramcewo, co było dość niezwykłe w XIX wieku. Magiczny ogrodnik pracował dla Mamontowa - w jego zręcznych rękach drzewa owocowe kwitły nawet w lutym, a zbiory były już zbierane na początku lata.
Dzięki portretowi Serowa Vera Mamontova przeszła do historii, ale sam artysta przypomniał sobie, jak trudno było mu namówić do pozowania 12-letnią dziewczynkę, która wyróżniała się niezwykle niespokojnym charakterem. Sierow pracował nad obrazem przez prawie miesiąc, a Vera codziennie siedziała cicho w jadalni przez kilka godzin.
Praca nie poszła na marne: kiedy artysta zaprezentował portret na wystawie, publiczność bardzo polubiła ten obraz. A dzisiaj, ponad sto lat później, Dziewczyna z brzoskwiniami zachwyca odwiedzających Galerię Trietiakowską.

8. Ilya Repin. „Iwan Groźny i jego syn Iwan 16 listopada 1581”, 1883-1885


Patrząc na to czy tamto zdjęcie, często zastanawiasz się, co było źródłem inspiracji dla artysty, co skłoniło go do napisania właśnie takiego dzieła? W przypadku obrazu Ilji Repina „Iwan Groźny i jego syn Iwan 16 listopada 1581 r.” wcale nie jest łatwo odgadnąć prawdziwe przyczyny.
Obraz przedstawia legendarny epizod z życia Iwana Groźnego, kiedy w przypływie złości zadał śmiertelny cios swojemu synowi Carewiczowi Iwanowi. Jednak wielu historyków uważa, że ​​w rzeczywistości nie było morderstwa, a książę zmarł z powodu choroby, i to wcale nie z rąk ojca. Wydawałoby się, że co może skłonić artystę do sięgnięcia po tak historyczny epizod?
Jak wspominał sam artysta, pomysł namalowania obrazu „Iwan Groźny i jego syn Iwan” przyszedł mu do głowy po… koncercie, na którym usłyszał muzykę kompozytora Rimskiego-Korsakowa. Była to suita symfoniczna „Antar”. Dźwięki muzyki zawładnęły artystą, a on chciał w obrazie ucieleśnić nastrój, który stworzył pod wpływem tej pracy.
Ale nie tylko muzyka stała się źródłem inspiracji. Podróżując po Europie w 1883 roku, Repin uczestniczył w walce byków. Widok tego krwawego spektaklu zrobił wrażenie na artyście, który napisał, że „zarażony… tą krwią, po przybyciu do domu, natychmiast przystąpił do krwawej sceny„ Iwana Groźnego z synem ”. A obraz krwi odniósł wielki sukces”.

9. Michaił Wrubel. „Siedzący demon”, 1890


Czasami tytuł zdjęcia wiele znaczy. Co widzi widz na pierwszy rzut oka na obraz Michaiła Vrubla „Siedzący demon”? Muskularny młody człowiek siedzi na skale i ze smutkiem patrzy na zachód słońca. Ale gdy tylko wypowiemy słowo „demon”, natychmiast pojawia się obraz magicznego, nieżyczliwego stworzenia. Tymczasem demon Michaiła Wrubela wcale nie jest złym duchem. Sam artysta nieraz powtarzał, że demon jest duchem „nie tyle złym, co cierpiącym i żałobnym, ale mimo wszystko duchem władczym,… majestatycznym”.
Ten obraz jest interesujący ze względu na technikę malarską. Artysta nakłada farbę na płótno nie zwykłym pędzlem, ale cienką stalową płytką - szpachelką. Ta technika pozwala łączyć techniki malarza i rzeźbiarza, dosłownie „rzeźbić” obraz za pomocą farb. Osiąga się w ten sposób efekt „mozaiki” – wydaje się, że niebo, skały i samo ciało bohatera nie są pomalowane farbą, ale wyłożone starannie wypolerowanymi, być może nawet szlachetnymi kamieniami.

10. Aleksander Iwanow. „Pojawienie się Chrystusa ludziom (pojawienie się Mesjasza)”, 1837-1857


Obraz Aleksandra Iwanowa „Pojawienie się Chrystusa ludowi” to wyjątkowe wydarzenie w historii malarstwa rosyjskiego. Niełatwo o tym rozmawiać z dziećmi, zwłaszcza 6-7-latkami, ale muszą zobaczyć to monumentalne płótno, nad którym artysta pracuje od ponad 20 lat i które stało się dziełem całego jego życia .
Fabuła obrazu oparta jest na trzecim rozdziale Ewangelii Mateusza: Jan Chrzciciel, chrzcząc naród żydowski nad brzegiem Jordanu w imię oczekiwanego Zbawiciela, nagle widzi Tego, który chodzi, w imię którego chrzci ludzi . O cechach kompozycyjnych obrazu, jego symbolice i języku artystycznym dzieci dowiedzą się później. Podczas pierwszego spotkania warto porozmawiać o tym, jak jeden obraz stał się dziełem całego życia artysty.
Po ukończeniu Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu Aleksander Iwanow został wysłany „na staż” do Włoch. „Ukazanie się Chrystusa ludziom” miało być pracą reportażową. Ale artysta traktuje swoją pracę bardzo poważnie: uważnie studiuje Pismo Święte, historię, spędza miesiące na poszukiwaniu odpowiedniego krajobrazu, nieskończoną ilość czasu na szukanie obrazu dla każdej postaci na obrazie. Pieniądze, które zostały mu przeznaczone na pracę, kończą się, Iwanow wiedzie żebraczą egzystencję. Żmudna praca nad obrazem doprowadziła do tego, że artysta zepsuł wzrok i musiał być leczony przez długi czas.
Kiedy Iwanow zakończył pracę, włoska publiczność entuzjastycznie przyjęła obraz, był to jeden z pierwszych przypadków europejskiego uznania rosyjskiego artysty. W Rosji nie od razu to doceniono - dopiero po śmierci artysty przyszła do niego prawdziwa sława.
Podczas pracy nad obrazem Iwanow stworzył ponad 600 szkiców. W sali, w której jest wystawiany, można zobaczyć niektóre z nich. Interesujące jest wykorzystanie tych przykładów do prześledzenia, w jaki sposób artysta pracował nad kompozycją, pejzażem i wizerunkami postaci na obrazie.

Wybór postu

Dzieła sztuki, które wszyscy znają, często zawierają fascynujące historie, które są nieznane.

Kazimierz Malewicz był szóstym artystą, który namalował czarny kwadrat, Szyszkin był współautorem swojego „Poranku w sosnowym lesie”, Dali miał poważną psychoseksualną traumę, a Pablo Picasso przeżył dzięki śmiałej reakcji gestapo. Podziwiamy piękno największych obrazów, ale historie, które wydarzyły się przed, w trakcie lub po namalowaniu arcydzieł, często pozostają poza naszą uwagą. I zupełnie na próżno. Czasami takie historie pozwalają lepiej zrozumieć artystę lub po prostu zachwycić się dziwactwem życia i twórczości.
Bright Side zebrał w tym artykule najciekawsze i nieznane historie o wielkich obrazach.

„Czarny kwadrat”, Kazimierz Malewicz

„Czarny kwadrat” Malewicza – jedno z najbardziej znanych i dyskutowanych dzieł sztuki – nie jest taką innowacją.
Artyści eksperymentowali z czernią „na całej powierzchni” od XVII wieku. Pierwsze mocno czarne dzieło sztuki, zatytułowane Wielka ciemność, zostało namalowane przez Roberta Fludda w 1617 r., a następnie w 1843 r. przez Bertala i jego Widok La Hougue (Pod osłoną nocy). Ponad dwieście lat później. A potem prawie bez przerwy - „Zmierzch historii Rosji” Gustave'a Dore'a z 1854 r., „Nocna walka Murzynów w piwnicy” Paula Bielholda z 1882 r., Absolutny plagiat „Bitwa Murzynów w jaskini w środku nocy” Alfonsa Allais. Dopiero w 1915 roku Kazimierz Malewicz zaprezentował publicznie swój „Czarny suprematystyczny plac”, bo tak obraz nazywa się w całości. I to jego obraz jest znany wszystkim, podczas gdy inne znane są tylko historykom sztuki.
Sam Malewicz namalował co najmniej cztery wersje swojego „Czarnego suprematystycznego kwadratu”, różniące się wzorem, fakturą i kolorem, w nadziei na znalezienie absolutnej „nieważkości” i ucieczki form.

„Krzyk”, Edvarda Muncha

Podobnie jak w przypadku Czarnego kwadratu, na świecie istnieją cztery wersje Krzyku. Dwie wersje są malowane olejem i dwie pastelami.
Istnieje opinia, że ​​cierpiący na psychozę maniakalno-depresyjną Munch pisał go kilka razy, próbując dać upust całemu cierpieniu, które okrywało jego duszę. I możliwe, że byłoby więcej dziwnych mężczyzn krzyczących z nieznośnej męki, gdyby artysta nie poszedł do kliniki. Po kuracji nigdy więcej nie próbował odtworzyć swojego „Krzyku”, który stał się kultowy.

„Guernica”, Pablo Picasso

Ogromny fresk „Guernica”, namalowany przez Picassa w 1937 roku, opowiada o nalocie jednostki ochotniczej Luftwaffe na miasto Guernica, w wyniku którego 6-tysięczne miasto zostało doszczętnie zniszczone. Obraz został namalowany w zaledwie miesiąc - pierwsze dni pracy nad obrazem, Picasso pracował po 10-12 godzin i już w pierwszych szkicach widać było główną ideę.
To jedna z najlepszych ilustracji koszmaru faszyzmu, ludzkiego okrucieństwa i żalu. Guernica przedstawia sceny śmierci, przemocy, okrucieństwa, cierpienia i bezsilności, nie precyzując ich bezpośrednich przyczyn, ale są one oczywiste. A najciekawszy moment w związku z tym obrazem nastąpił w 1940 roku, kiedy Picasso został wezwany do Gestapo w Paryżu. „Zrobiłeś to?” – pytali go faszyści. — Nie, ty to zrobiłeś.

„Wielki Masturbator” Salvadora Dali

W obrazie o dziwnej i bezczelnej nazwie, nawet jak na nasze czasy, tak naprawdę nie ma wyzwania dla społeczeństwa. Artysta rzeczywiście przedstawił swoją podświadomość, wyznał widzowi.
Płótno przedstawia jego żonę Galę, którą namiętnie kochał; szarańcza, której się bał; fragment mężczyzny z podciętymi kolanami, mrówkami i innymi symbolami namiętności, strachu i wstrętu.
Źródeł tego obrazu (ale przede wszystkim źródeł jego dziwnego wstrętu i jednocześnie pragnienia seksu) tkwi fakt, że Salvador Dali w dzieciństwie przeglądał przypadkowo pozostawioną przez ojca książkę o chorobach wenerycznych.

„Iwan Groźny i jego syn Iwan 16 listopada 1581 r.” Ilja Repin

Historyczne płótno, opowiadające widzowi o dramatycznym momencie w historii naszego kraju, zostało tak naprawdę zainspirowane nie tyle faktem zamordowania jego syna i spadkobiercy przez cara Jana Wasiljewicza, ile zabójstwem Aleksandra II przez rewolucjonistów-terrorystów i – co najbardziej nieoczekiwane – walki byków w Hiszpanii. Artysta tak pisał o tym, co zobaczył: „Nieszczęścia, żywa śmierć, morderstwa i krew składają się na siłę, która przyciąga do siebie… A ja, zaraziwszy się chyba tą krwią, po przybyciu do domu od razu zabrałem się za krwawą scenę. "

„Poranek w sosnowym lesie”, Iwan Szyszkin

Arcydzieło, znane każdemu radzieckiemu dziecku z zapierających dech w piersiach i rzadkich słodyczy, należy do pióra nie tylko Shishkina. Wielu zaprzyjaźnionych ze sobą artystów często korzystało z „pomocy przyjaciela”, a Iwan Iwanowicz, który przez całe życie malował pejzaże, bał się, że dotykające się niedźwiedzie nie wypadną tak, jak potrzebował. Dlatego Shishkin zwrócił się do znanego malarza zwierząt Konstantina Savitsky'ego.
Sawicki namalował chyba najlepsze niedźwiedzie w historii malarstwa rosyjskiego, a Tretiakow kazał zmyć jego nazwisko z płótna, ponieważ wszystko na obrazie „od pomysłu do wykonania, wszystko mówi o sposobie malowania, o metoda twórcza charakterystyczna dla Shishkina”.

Publikacje działu muzeów

Starożytna rzymska tragedia, która stała się triumfem Karola Bryulłowa

Karl Bryullov urodził się 23 grudnia 1799 r. Carl, syn urodzonego we Francji rzeźbiarza Paula Brullo, był jednym z siedmiorga dzieci w rodzinie. Jego bracia Paweł, Iwan i Fedor również zostali malarzami, a jego brat Aleksander został architektem. Jednak najbardziej znanym był Karol, który w 1833 roku namalował płótno „Ostatni dzień Pompei” – główne dzieło jego życia. Kultura.RF przypomniała sobie, jak powstało to płótno.

Karol Bryullow. Autoportret. 1836

Historia stworzenia

Obraz powstał we Włoszech, gdzie w 1822 roku artysta udał się na czteroletnią wycieczkę emeryta z Cesarskiej Akademii Sztuk Pięknych. Ale mieszkał tam przez 13 lat.

Fabuła opowiada o starożytnej tragedii rzymskiej - śmierci starożytnego miasta Pompeje, położonego u podnóża Wezuwiusza: 24 sierpnia 79 rne. mi. Wybuch wulkanu pochłonął życie 2000 osób.

W 1748 roku inżynier wojskowy Roque de Alcubierre rozpoczął wykopaliska archeologiczne na miejscu tragedii. Odkrycie Pompejów stało się sensacją i znalazło odzwierciedlenie w pracach różnych osób. Tak więc w 1825 roku ukazała się opera Giovanniego Paciniego, aw 1834 roku powieść historyczna Anglika Edwarda Bulwera-Lyttona poświęcona śmierci Pompejów.

Bryullov po raz pierwszy odwiedził miejsce wykopalisk w 1827 roku. Idąc do ruin 28-letni artysta nie miał pojęcia, że ​​ta wyprawa będzie dla niego fatalna: „Nie można przejść przez te ruiny, nie czując w sobie zupełnie nowego uczucia, które sprawia, że ​​zapomina się o wszystkim, z wyjątkiem strasznego incydentu z tym miastem”- napisał artysta.

Uczucia, których doświadczył Karl Bryullov podczas wykopalisk, nie opuściły go. Tak narodził się pomysł płótna o tematyce historycznej. Pracując nad fabułą, malarz studiował źródła archeologiczne i literackie. „Wziąłem tę scenerię z natury, nie cofając się wcale i nie dodając, stojąc tyłem do bram miasta, aby zobaczyć część Wezuwiusza jako główny powód”. Wzorami dla postaci byli Włosi – potomkowie starożytnych mieszkańców Pompejów.

Na przecięciu klasycyzmu i romantyzmu

W tej pracy Bryullov pokazuje się nie jako tradycyjny klasycyzm, ale jako artysta o romantycznym kierunku. Tak więc jego fabuła historyczna poświęcona jest nie jednemu bohaterowi, ale tragedii całego narodu. A jako fabułę wybrał nie wyidealizowany obraz czy ideę, ale prawdziwy fakt historyczny.

To prawda, że ​​\u200b\u200bBryullov buduje kompozycję obrazu w tradycjach klasycyzmu - jako cykl poszczególnych odcinków zamkniętych w trójkącie.

Po lewej stronie obrazu w tle kilka osób jest przedstawionych na stopniach dużego budynku grobowca Skaurusa. Kobieta patrzy wprost na widza, w którego oczach czyta się horror. A za nim artysta z pudełkiem farb na głowie: to autoportret Bryulłowa, przeżywającego tragedię wraz ze swoimi bohaterami.

Bliżej widza znajduje się małżeństwo z dziećmi, które próbują uciec z lawy, a na pierwszym planie kobieta przytula do siebie córki… Obok niej chrześcijański ksiądz, który swój los powierzył już Bogu i jest dlatego spokój. W głębi obrazu widzimy pogańskiego księdza rzymskiego, który próbuje uciec, wynosząc rytualne wartości. Tutaj Bryullov nawiązuje do upadku starożytnego pogańskiego świata Rzymian i początku ery chrześcijańskiej.

Po prawej stronie zdjęcia w tle jeździec, który stanął dęba. A bliżej widza – ogarnięty przerażeniem pan młody, który próbuje trzymać w ramionach pannę młodą (ma ona wianek z róż), który stracił przytomność. Na pierwszym planie dwóch synów niesie w ramionach starego ojca. A obok nich młody mężczyzna, błaga matkę, by wstała i uciekła dalej od tego pochłaniającego wszystko żywiołu. Nawiasem mówiąc, ten młody człowiek to nikt inny jak Pliniusz Młodszy, który naprawdę uciekł i pozostawił wspomnienia o tragedii. Oto fragment jego listu do Tacyta: „Patrzę wstecz. Ogarnęła nas gęsta czarna mgła, rozlewająca się po ziemi jak strumień. Wszędzie zapadła noc, w przeciwieństwie do bezksiężycowej czy pochmurnej: tak ciemno jest tylko w zamkniętym pomieszczeniu z wygaszonymi kominkami. Słychać było krzyki kobiet, piski dzieci i krzyki mężczyzn, niektórzy wołali rodziców, inni dzieci lub żony i próbowali rozpoznać ich po głosach. Jedni opłakiwali swoją śmierć, inni śmierć bliskich, jeszcze inni w obawie przed śmiercią modlili się o śmierć; wielu podniosło ręce do bogów; większość tłumaczyła, że ​​nigdzie nie ma bogów, a dla świata jest to ostatnia wieczna noc..

Na obrazie nie ma głównego bohatera, ale są centralni: złotowłose dziecko przy leżącym na ziemi ciele swojej zmarłej matki w żółtej tunice jest symbolem upadku starego świata i narodzin nowego, to opozycja życia i śmierci - w najlepszych tradycjach romantyzmu.

Na tym zdjęciu Bryullov pokazał się również jako innowator, używając dwóch źródeł światła - gorącego czerwonego światła w tle, oddającego wrażenie zbliżającej się lawy i zimnego zielonkawo-niebieskiego na pierwszym planie, dodającego fabule dodatkowej dramaturgii.

Jasna i bogata kolorystyka tego obrazu również narusza klasyczne tradycje i pozwala mówić o artyście jako romantyku.

Triumfalny pochód obrazu

Karl Bryullov pracował na płótnie przez sześć lat - od 1827 do 1833 roku.

Po raz pierwszy obraz został zaprezentowany publiczności w 1833 roku na wystawie w Mediolanie - i od razu zrobił furorę. Artystę uhonorowano mianem rzymskiego triumfatora, w prasie pisano o obrazie pochwały. Bryulłowa witano na ulicy brawami, a podczas podróży po granicach księstw włoskich nie potrzebowali paszportu: wierzono, że każdy Włoch zna go już z widzenia.

W 1834 roku na Salonie Paryskim zaprezentowano Ostatni dzień Pompejów. Krytyka francuska była, w przeciwieństwie do włoskiej, bardziej powściągliwa. Ale profesjonaliści docenili prawdziwą wartość pracy, wręczając Bryullovowi złoty medal Francuskiej Akademii Sztuk.

Płótno zrobiło furorę w Europie i było niecierpliwie oczekiwane w Rosji. W tym samym roku został wysłany do Petersburga. Widząc obraz, Mikołaj I wyraził chęć osobistego spotkania z autorem, ale artysta udał się na wycieczkę do Grecji z hrabią Władimirem Dawydowem i wrócił do ojczyzny dopiero w grudniu 1835 r.

11 czerwca 1836 r. W Okrągłej Sali Rosyjskiej Akademii Sztuk, gdzie wystawiono obraz „Ostatni dzień Pompejów”, zgromadzili się goście honorowi, członkowie Akademii, artyści i po prostu miłośnicy sztuki. Autor płótna, „wielki Karol”, został wniesiony do sali na rękach przy entuzjastycznych okrzykach gości. „Tłumy zwiedzających, można by rzec, wpadały do ​​sal Akademii, by popatrzeć na Pompeje”, — pisze współczesny i świadek tego sukcesu, któremu nie dorównał żaden rosyjski artysta.

Klient i właściciel obrazu, Anatolij Demidow, podarował go cesarzowi, a Mikołaj I umieścił go w Ermitażu, gdzie pozostawał przez 60 lat. A w 1897 roku został przeniesiony do Muzeum Rosyjskiego.

Obraz dosłownie podekscytował całe rosyjskie społeczeństwo i najlepsze umysły tamtych czasów.

Trofea pokoju artystycznego
Wniosłeś pod ojcowski baldachim.
I był „Ostatni dzień Pompejów”
Dla rosyjskiego pędzla pierwszego dnia! -

o obrazie pisał poeta Jewgienij Boratyński.

Aleksander Puszkin poświęcił jej także wiersze:

Vesuvius zev otworzył się - buchnął dym w maczudze, płomienie
Szeroko rozwinięty jak sztandar bojowy.
Ziemia martwi się - z oszałamiających kolumn
Idole upadają! Lud napędzany strachem
Pod kamiennym deszczem, pod rozpalonymi popiołami,
Tłumy, stare i młode, wybiegają z miasta.

Wspomina „Ostatni dzień Pompejów” i Michaiła Lermontowa w powieści „Księżniczka Ligowskaja”: „Jeśli kochasz sztukę, mogę powiedzieć bardzo dobrą wiadomość: obraz Bryulłowa „Ostatni dzień Pompejów” jedzie do Petersburga. Wiedziały o niej całe Włochy, Francuzi ją rozebrali.- Lermontow wyraźnie wiedział o recenzjach paryskiej prasy.

Rosyjski historyk i podróżnik Aleksander Turgieniew powiedział, że ten obraz był chwałą Rosji i Włoch.

A Nikołaj Gogol poświęcił obrazowi długi artykuł, pisząc: „Jego pędzel zawiera poezję, którą można tylko poczuć i zawsze można rozpoznać: nasze uczucia zawsze znają, a nawet widzą wyróżniające cechy, ale ich słowa nigdy nie powiedzą. Jego kolorystyka jest tak jasna, że ​​prawie nigdy wcześniej nie była, jej kolory płoną i rzucają się w oczy. Byliby nie do zniesienia, gdyby wydawali się artyście o stopień niższy niż Bryullov, ale w nim są ubrani w tę harmonię i oddychają tą wewnętrzną muzyką, którą wypełniają żywe przedmioty natury”.