Muzyka akademicka XX wieku w twarzach

Siergiej Prokofiew mógł zostać nie tylko uznanym kompozytorem, ale także pisarzem. Mimo trudnych okoliczności zarówno jego charakter, jak i twórczość pozostawały optymistyczne. Bez wątpienia jego twórczość stanowi ważny element muzyki akademickiej XX wieku. Koncepcja nadal podkreśla najwybitniejszych kompozytorów tego okresu.

Być może nie wiedziałeś:

Dziecko Słońca W latach 1916–1921 Prokofiew zbierał album z autografami swoich przyjaciół, którzy odpowiadali na pytanie: „Co sądzisz o słońcu?” Później będzie nosiła nazwę „Drewniana Księga”. Wśród tych, którzy odpowiedzieli, byli: K. Petrov-Vodkin, A. Dostoevskaya, F. Chaliapin, A. Rubinstein, V. Burliuk, V. Mayakovsky, K. Balmont. Twórczość Prokofiewa często nazywa się pogodną, ​​optymistyczną i pogodną. Swoje miejsce urodzenia (wieś Soncówka) nazwał nawet po małorusku – So(l)tsevka.

Ulubieniec władzy W latach 30. władze ZSRR wezwały go do domu i obiecały status „pierwszego kompozytora”, lepsze warunki, mimo że generalnie repatriantów traktują raczej słabo (nazywając ich „uciekinierami”). Dostał ogromne mieszkanie w domu na Zemlyanoy Val, 14 lat, w którym mieszkał pilot V. Chkalov, poeta S. Marshak i inni.Pozwolono mu przywieźć niebieskiego forda i wynająć osobistego kierowcę. Po wojnie Prokofiew mieszkał głównie na swojej daczy we wsi Nikolina Góra pod Moskwą (kupionej za Nagrodę Stalina).

Muzyczne cudo Miłość do muzyki zaszczepiła małemu Siergiejowi jego matka Maria Grigoriewna, która była dobrą pianistką. W wieku pięciu lat skomponował swoje pierwsze dzieło – sztukę „Indian Gallop”. W wieku dziesięciu lat napisałby już operę „Olbrzym” i pierwszy akt drugiej opery „Na bezludnych wyspach”.

W dniach 22-24 kwietnia w Moskwie i Petersburgu pod przewodnictwem dyrektora artystycznego Teatru Maryjskiego Walerego Gergijewa odbył się maraton muzyczny poświęcony 125. rocznicy urodzin wielkiego rosyjskiego i radzieckiego kompozytora Siergieja Prokofiewa. Mówiąc dokładniej, maraton będzie trwał cały rok i obejmował trzy kontynenty. Dyrektor artystyczny Teatru Maryjskiego opowiedział TASS, jak odkrył muzykę Prokofiewa, dlaczego nazywa go słonecznym kompozytorem, a także o planach utworzenia centrum kulturalnego imienia Prokofiewa w Nikolinie Górze, gdzie mieszkał przez ostatnie kilka lat.

– Obserwując Cię w ostatnich latach, mogę powiedzieć, że Ty, Walery Abisalowicz, traktujesz swoje urodziny bez należnego szacunku i świętujesz bez kaukaskiego wymiaru.

– Nie da się całkowicie zapomnieć, zawsze przypominają o zbliżającej się rocznicy, ale masz rację, nie widzę powodu, aby 2 maja organizować hałaśliwe uroczystości na twoją cześć. Rozumiem: nie jest to najważniejsze wydarzenie w historii muzyki klasycznej.

– Ale nie przegapisz pamiętnych dat związanych z życiem wybitnych rosyjskich kompozytorów. 175. rocznicę urodzin Czajkowskiego uczciliście koncertem Maryjskiej Orkiestry Symfonicznej 7 maja ubiegłego roku w Klinie, w Domu-Muzeum Piotra Iljicza.

– A wcześniej odwiedziliśmy Wotkińsk, ojczyznę wielkiego Czajkowskiego. W ramach Święta Wielkanocnego odwiedzili trzydzieści miast i wszędzie wykonali nieśmiertelne dzieła klasyki. W tym 7 maja w Klinie. Koncert zaczął się o ósmej wieczorem i zakończył bliżej północy, ale poprosiłem o pozwolenie na wejście do domu, w którym Piotr Iljicz spędził ostatnie lata swojego życia. Pozwolono mi nawet usiąść przy fortepianie Czajkowskiego i dotknąć klawiszy instrumentu. Wiesz, w tym momencie poczułem coś wyjątkowego. Staram się unikać głośnych, pretensjonalnych zwrotów, ale na pewno jest tam pewna aura, zgiełk świata jej nie niszczy, nie przenika przez mury...

– W tym roku postanowiliście zorganizować maraton muzyczny na cześć Siergieja Prokofiewa.

– Terminologia to sport, ale nie wiem, jak inaczej nazwać serię koncertów, których nie zaczęliśmy wczoraj i nie skończymy jutro. Najbardziej skoncentrowany okres przypadał na 22–24 kwietnia, łącznie z urodzinami Siergieja Siergiejewicza. W ciągu trzech dni wykonaliśmy wszystkie siedem symfonii tego słonecznego kompozytora i wiele innych jego dzieł. Nie zrobił tego wcześniej nikt, łącznie z zespołem Teatru Maryjskiego. Ale dla Prokofiewa jestem gotowy zostać maratończykiem...

Nawiasem mówiąc, muzyka Siergieja Siergiejewicza została po raz pierwszy wykonana w naszym teatrze dokładnie sto lat temu. W 1916 roku odbyła się premiera „Suity scytyjskiej”, a autor był przy stanowisku dyrygenckim.

– Czy Prokofiewa nazywasz słonecznym kompozytorem dlatego, że urodził się we wsi Soncówka w Donbasie? Ale ma tyle drobnych notatek...

– Nie, nie z powodu zbiegów okoliczności geograficznych. Wydaje mi się, że Siergiej Siergiejewicz słyszał muzykę poprzez spektrum światła, jasnych promieni. Nie jest mroczny i ponury, chociaż, masz rację, w jego operach i baletach jest wiele scen nocnych. A jednak niesamowity ładunek energii Prokofiewa ukazuje go jako człowieka słońca, a nie ciemności.

– Kiedy to odkryłeś?

- Za wcześnie. Miałem około dziesięciu lat, dopiero zaczynałem uczyć się gry na pianinie, a moja pierwsza nauczycielka Zarema Lolaeva postawiła mi zadanie nauczenia się krótkiej etiudy c-moll Siergieja Siergiejewicza. Oczywiście nie miałam pojęcia, kim on jest. W sumie nadal niewiele rozumiałem, ale etiuda ta była grana ze szczególnym wyczuciem i nastrojem. Wcześniej brałem też udział w sonatach Mozarta i wynalazkach Bacha, ale emocje były zupełnie inne. A muzyka Prokofiewa jest odważna i cierpka! – nagle rozbudziła we mnie wewnętrzną pasję, wciągnęła mnie i nadal nie puszcza.

Tak się złożyło, że zadebiutowałem jako dyrygent w ówczesnym Teatrze Kirowa w styczniu 1978 roku operą Siergieja Siergiejewicza „Wojna i pokój”.

W 1991 roku, kiedy przypadała setna rocznica urodzin Prokofiewa, zostałem już wybrany na głównego dyrygenta teatru. Musimy pamiętać, która była godzina: rozpoczęliśmy rok w jednym kraju, a zakończyliśmy w innym. Związkowi Radzieckiemu kazano żyć długo, stary świat się rozpadał, nowy właśnie się wyłaniał. Najtrudniejszy okres historyczny! Niemniej jednak w 1991 roku zagraliśmy premiery trzech oper Siergieja Siergiejewicza, z których dwie – „Hazardzista” i „Ognisty anioł” – zostały wystawione na naszej scenie po raz pierwszy, a „Miłość do trzech pomarańczy” nie została wystawiany w Leningradzie od 1926 roku.

Fakt, że stulecie Prokofiewa przypadło na przełomie epok, wydaje mi się symboliczny. Siergiej Siergiejewicz był osobą niespokojną i poszukującą. Wcześnie, bo w wieku 13 lat, wstąpił do Konserwatorium Petersburskiego, wkrótce po rewolucji 1917 opuścił Rosję, z powodzeniem działał na Zachodzie, występował jako pianista, pisał muzykę do baletów Siergieja Diagilewa, miał jednak wspaniałe perspektywy w połowie lat 30., w przededniu Wielkiego Terroru, postanowił wrócić do ojczyzny, gdzie komponował dzieła na cześć Stalina, a nawet zginął wraz z nim tego samego dnia – 5 marca 1953 roku…

– W rezultacie kraj płakał za tyranem, a śmierć geniusza pozostała w cieniu. Ci, którzy mu towarzyszyli do Nowodziewiczy, nieśli kwiaty w donicach, innych nie było, wszyscy zostali rozebrani na wianki dla wodza.

– Wiesz, nie musimy się zbytnio martwić takimi rzeczami. Salta historii nie powinny być głównym tematem rozmowy o gigantycznej postaci na skalę Prokofiewa. Życie wielkiego kompozytora nie zostało przerwane 5 marca, jego fizyczne odejście nie miało nic wspólnego z efektem opadającej kurtyny.

– Niemniej jednak nastąpił okres zapomnienia. Czy próbujecie dzisiaj w jakiś sposób zrehabilitować Prokofiewa?

– Wydaje mi się, że Siergiej Siergiejewicz nie potrzebuje prawników i asystentów-wolontariuszy. To, co teraz robimy, nie jest robione tylko dla niego. To ogromna, ważna część mojego życia, a co ważniejsze, całej ekipy Teatru Maryjskiego.

– 23 kwietnia, w urodziny Prokofiewa, wykonałeś w Sali Koncertowej Maryjskiej kantatę „Na dwudziestą rocznicę października”. Czy to nie dziwny wybór?

- Absolutnie nie! To wspaniałe dzieło. Rewolucyjny, odważny! Nie ustępuje najlepszym symfoniom i baletom Siergieja Siergiejewicza, ale brzmi niezwykle rzadko.

– Nadal by! Kantata oparta jest na cytatach z Marksa, Engelsa, Lenina i Stalina.

– Wszystko zaczyna się od Feuerbacha, a potem – tak, jest klasyka marksizmu-leninizmu w pełnym, wręcz rozszerzonym składzie… Powiem wywrotową myśl: w tym towarzystwie interesuje mnie Prokofiew. Interesuje mnie to na tyle, że dla tego jestem gotowa ponownie przeczytać dzieła całej czwórki.

– Łącznie z Józefem Wissarionowiczem?

– Jeśli to konieczne, aby zrozumieć, co zrobił Siergiej Siergiejewicz.

– Napisał także „Zdrawitę” na 60. urodziny Stalina. Chciałeś go zadowolić?

„To nie była kwestia oportunizmu ani chęci sprawiania przyjemności. Kantata jest bardzo bystra, utalentowana, w pełni ukazuje dar kompozytorski, technikę i kunszt autora. Tym razem go nie wykonaliśmy, ale pewnego razu zagraliśmy go w Nowym Jorku wraz z kantatą „Na dwudziestą rocznicę października”. Wywołało to ostrą reakcję zagranicznych krytyków, co sprawiło mi wiele trudności. „The New York Times” poświęcił całą stronę gazety analizie naszego przemówienia.

– Kiedy to było?

– W 1996 r. Amerykanie beztrosko powierzyli mi otwarcie nowego festiwalu muzycznego w Lincoln Center. Organizatorzy chcieli usłyszeć coś ciekawego i oryginalnego. Nie myślałem długo...

– Czy sądzi Pan, że Prokofiew żałował powrotu do ZSRR w 1936 r.?

- Ciężko powiedzieć. Wybrał trudny los, a ostatecznie stracił i wiele zyskał. Głupotą jest teraz, kilkadziesiąt lat później, próbować oceniać zalety i wady innej osoby. Nie sądzę, żeby ktokolwiek znał prawdę i mógł wypowiadać się w czyimś imieniu. Nawet najmłodszy syn Prokofiewa i mój przyjaciel Oleg Siergiejewicz, który niestety zmarł przedwcześnie w 1997 r., nie podjęli się niczego zapewniać. Przez ostatnie półtora roku jego życia porozumiewaliśmy się blisko, a ja ostrożnie, ale wytrwale poruszałem temat: czy Prokofiew mylił się, decydując się na powrót? Oleg Siergiejewicz nie mógł udzielić jednoznacznej odpowiedzi. W ich życiu wydarzyło się tyle tragedii...

Wystarczy przypomnieć, że pierwsza żona Siergieja Siergiejewicza, Lina, matka Olega i Światosława, została zesłana do obozów w Mordowie w 1948 roku.

– Hiszpanka, która poszła za mężem do obcego kraju i została tu przez niego pozostawiona ze względu na inną kobietę, spędziła osiem lat w Gułagu...

- Tak, straszna historia. Synowie wszystko wiedzieli i rozumieli, co prawdopodobnie odcisnęło piętno na ich stosunku do ojca. Oczywiście wracając do Rosji Prokofiew nie mógł przewidzieć ani dramatu rodzinnego, ani tego, że za kilka lat wybuchnie wojna i będzie musiał udać się do ewakuacji. Byłoby spokojniej przeczekać ciężkie czasy w jakiejś zamożnej Szwajcarii, ale najwyraźniej coś powiedział Siergiejowi Siergiejewiczowi: w Moskwie i Leningradzie miał więcej okazji do zrealizowania się niż w Nowym Jorku czy Paryżu.

– Może był zmęczony konkurowaniem ze Strawińskim i Rachmaninowem, lepiej przyjętymi w Europie i Ameryce?

– Wiesz, wszystko jest względne. Ten sam Diagilew początkowo sympatyzował z Prokofiewem, potem zwrócił się w stronę Strawińskiego... Mógł celowo dodać pieprzu, rozbudzając ducha rywalizacji między dwoma utalentowanymi kompozytorami. Nie wszyscy się ze mną zgadzają, ale jestem przekonany, że to właśnie pod koniec lat 30., w czasie wojny i po zwycięstwie, Prokofiew napisał bodaj swoje najlepsze dzieła. Nie jestem pewien, czy na Zachodzie stworzyłby V i VI symfonię, czy VII i VIII sonat.

Przed ostatecznym powrotem do ZSRR Siergiej Siergiejewicz przyjeżdżał tu z rozległymi wycieczkami. Został fantastycznie przyjęty. „Miłość do trzech pomarańczy” została wystawiona w Teatrze Kirowa w taki sposób, że nie mogła nie zawładnąć sercem autora. Przeżył szok, prawdziwy triumf. Myślę, że stało się to dla Prokofiewa mocnym argumentem, pozytywną emocją przemawiającą za powrotem. Nie nalegam, ale to jest moja wersja.

Tak, w Rosji Radzieckiej Siergiej Siergiejewicz nie miał takiego spokoju ducha, z powodu różnych sprzeczek jego zdrowie pogorszyło się, ale twórczo wygrał. To tu dostał wspaniałych wykonawców – Ojstracha, Gilelsa, Richtera, Rostropowicza, którzy doskonale czuli to, co Prokofiew chciał wyrazić za pomocą nut…

Na uwagę zasługuje muzyka do filmów „Aleksander Newski” i „Iwan Groźny”. Kompozytor pozostawał w szczerej przyjaźni z Eisensteinem. Ich spotkanie było wielkim sukcesem, prawdziwym prezentem dla obojga. To tak, jakby Rachmaninow nigdy nie spotkał Czaliapina. Byłyby kłopoty! I tak nuggetsy się odnalazły...

– Wróćmy do maratonu Prokofiewa. Wspomniałeś już, że nie zaczęło się to dla ciebie w ostatni weekend…

– Cały rok 2016 mija pod znakiem Prokofiewa. Już w tym roku występowaliśmy z jego utworami w różnych krajach - na Kubie, w Chile, Meksyku, USA, Anglii, Niemczech, podczas wycieczek do rosyjskich miast - od Władywostoku i Tomska po Kemerowo i Ułan-Ude... Przed nami Święto Wielkanocne ., gdzie ponownie zabrzmi muzyka Siergieja Siergiejewicza, wycieczki do Chin, Szwajcarii, Francji, Belgii, Holandii…

Nie sposób wymienić wszystkiego!

– Oczywiste jest, że nie oczekujesz podziękowań, ale jeśli założymy, że Siergiej Siergiejewicz dostrzegł twoje wysiłki, czy myślisz, że byłby trochę szczęśliwszy?

„Wydaje mi się, że pomyślałby, że może słusznie postąpił, wracając do Rosji, skoro nadal jest tu tak ceniony i honorowany”.

– Rok temu mówiłeś, że twoi przyjaciele kupili i podarowali ci na urodziny zrujnowaną daczę Prokofiewa w Nikolinie Górze. Pośrednicy w obrocie nieruchomościami zamierzali zburzyć zrujnowany dom kompozytora i sprzedać ziemię. Tak się na szczęście nie stało. Czy plany stworzenia centrum kulturalnego, w którym przez ostatnie lata mieszkał Prokofiew, uległy zmianie?

- Oczywiście nie. Daczę przekazałem mojej własnej fundacji charytatywnej. Nie chodzi o to, kto jest formalnie właścicielem. Ważne jest zachowanie zabytku historii i kultury. Fundacja ma na swoim koncie wiele udanych projektów, jej pracownicy mają niezbędne doświadczenie... Dopóki nie dojdzie do odbudowy, trzeba dopełnić pewnych biurokratycznych formalności, ale, jak mówią, proces trwa. Dom nie zostanie porzucony, to pewne. Wszystko czego potrzeba to czas.

– Znając Cię trochę, mogę założyć, że po ukończeniu tego maratonu przejdziesz na kolejny dystans. Który?

– Myślę, że bogactwo muzyki Prokofiewa zasłyszanej w Teatrze Maryjskim w żaden sposób nie obraża pamięci Czajkowskiego, Glinki, Musorgskiego, Strawińskiego, Rachmaninowa, Rimskiego-Korsakowa... Do 25 września br., czyli za 110. rocznica Dmitrija Szostakowicza wspólnie z jego synem Maksymem przygotujemy cykl programowy. Dmitrij Dmitriewicz nie stworzył wielu oper i baletów, w tym sensie teatr jest ograniczony w swoim wyborze, ale pod względem symfonicznym wyprzedza resztę, z czego Teatr Maryjski „korzysta” z wielką przyjemnością. Graliśmy i będziemy grać Szostakowicza na całym świecie.

Dlatego nie stoimy w miejscu, cały czas idziemy do przodu.

Wywiad Andriej Wandenko

Genialna muzyka Mozarta jest jasna, czysta i niezwykle szczera. To nie przypadek, że austriacki kompozytor Wolfgangt Amadeus Mozart nazywany jest „słoneczny kompozytor”

A. S. Puszkin w swojej małej tragedii „Mozart i Salieri” włożył w usta Salieriego następujące wspaniałe słowa charakteryzujące muzykę Mozarta: „Jaka głębia! Cóż za odwaga i jaka harmonia!” Ta zwięzła ocena celebruje najlepsze cechy muzyki wielkiego kompozytora.

P. I. Czajkowski napisał w jednym ze swoich pamiętników: „W moim głębokim przekonaniu Mozart jest najwyższym, kulminacyjnym punktem, do jakiego dotarło piękno w dziedzinie muzyki. Nikt nie sprawił, że płakałam, drżałam z zachwytu, ze świadomości mojej bliskości do czegoś, co nazywamy ideałem, tak jak on.

„Wieczne słońce w muzyce, masz na imię Mozart” – wykrzyknął A. G. Rubinstein w swojej książce „Muzyka i jej przedstawiciele”. Współcześni naukowcy postanowili wykorzystać swoje naukowe metody, aby dowiedzieć się, co jest takiego atrakcyjnego w muzyce Mozarta, co czyni ją wyjątkową.

Niezależne badania zostały przeprowadzone na całym świecie przez wielu lekarzy, psychologów i innych specjalistów. Wszyscy w końcu doszli do jednego – dzieła Mozarta to nie tylko muzyka harmonijna, głęboka i słoneczna, ma wyjątkowe działanie lecznicze.

Amerykańscy naukowcy wykorzystali skany mózgu (MRI) osób słuchających różnej muzyki, w tym Mozarta. Wszystkie rodzaje muzyki aktywowały część kory mózgowej, która odbiera wibracje powietrza wywołane falami dźwiękowymi (ośrodek słuchowy), a czasami stymulowały części mózgu związane z emocjami.

Ale tylko muzyka Mozarta aktywowała prawie WSZYSTKIE obszary kory mózgowej (w tym te zaangażowane w koordynację ruchową, myślenie przestrzenne, proces wizualny i wyższe procesy świadomości). Jak zauważyli sami naukowcy, U osoby słuchającej muzyki Mozarta dosłownie cała kora mózgowa zaczyna „świecić”.

Obecność w muzyce Mozarta bogactwa dźwięków o wysokiej częstotliwości sprawia, że ​​jest ona najbardziej uzdrawiającą spośród całej muzyki klasycznej. Dźwięki o częstotliwościach od 3000 do 8000 Hz i wyższych powodują największy rezonans i niosą ze sobą najpotężniejszy ładunek energetyczny dla całego ciała.

Mozart to „najbardziej odpowiedni” kompozytor dla dzieci

Ogromna liczba badań naukowych przeprowadzonych w wielu krajach świata wskazuje, że harmonijna, jasna i wyjątkowo prosta muzyka Mozarta ma najsilniejszy wpływ na pozytywnie wpływają na rozwój psychiki, inteligencji i kreatywności dziecka.

Być może Mozart, będąc z natury geniuszem muzycznym, został kompozytorem już w wieku 4 lat, co wniosło do jego muzyki czysto dziecinny odbiór, który podświadomie odczuwają wszyscy „wielbiciele” jego twórczości – także najmłodsi słuchacze.

Poeta Konstantin Balmont nazwał kiedyś Siergieja Prokofiewa „słonecznym bogaczem”. Rzeczywiście: „Słońce Prokofiewa jest różnorodne, jego muzyka jasna jak słońce, ciepła jak słońce i okryła glob, tak jak zakrywają go promienie słoneczne”.
Cykl krótkich utworów fortepianowych „Przemijanie” powstał pod wpływem wierszy Konstantina Balmonta. Jako motto Prokofiew wybrał dwa wersy z jego wiersza.

„W każdej ulotnej chwili widzę światy.
Pełna zmieniającej się gry w tęczę.”

„Przemijalność”
Uciekinierzy z wizji, op. 22

„Fragmenty” głównych planów kompozytora, a czasem po prostu liryczne odstępstwa od najważniejszych dzieł, to powstało dwadzieścia miniatur fortepianowych – „Przelotność”, op. 22 (1915-1917).
„Nr 5 powstał jako pierwszy, nr 19 jako ostatni” – mówi Prokofiew – „porządek w zbiorze został ustalony ze względów artystycznych, a nie chronologicznych.

W twórczości fortepianowej Prokofiewa cykl utworów „Ulotność” nie zajmuje jednak pozycji przejściowej, „ulotnej”. W sposób niezwykle skompresowany i skondensowany ucieleśnia się tu podstawowa struktura muzycznych obrazów kompozytora w ich specyficznie prokofiewowskiej ekspresji pianistycznej.

Znaczenie tych sztuk natychmiast odczuł N. Ya. Myaskovsky:
„Przemijanie” to cykl spektakli niewielkich rozmiarów, ale dużych w treści wewnętrznej… – pisał. - To jakby błyskawiczne nagrania chwilowych nastrojów, kapryśnych przebłysków fantazji, momentów nagłej duchowej koncentracji czy bezsensownego liryzmu; Teraz jest to lekki żart, jak promień uśmiechu, teraz ostry, niespodziewanie przerwany aforyzm, teraz podekscytowany impuls oburzenia, teraz wreszcie jakieś zanurzenie się w nieziemskim świecie bez woli. Przeważają nastroje delikatne, marzycielskie, humorystyczne i niezwykle proste, jednak dzięki przeplatanym pomiędzy nimi mocnymi i burzliwymi epizodami całość nie nabiera charakteru monotonii i monotonii. ...W „Ulotności” wyraźnie można odczuć pewnego rodzaju organiczne pogłębienie, wzbogacenie duszy autora; czuje się, że kompozytor ma już za sobą okres szybkiego – na oślep – biegu i zaczyna się zatrzymywać, rozglądać, zauważać, że wszechświat objawia się nie tylko oszałamiającymi wichrami, ale że przy ciągłym ruchu charakteryzują go także chwile głębokiego, roztapiającego duszę spokoju i ciszy…”.

Cykl „Przemijalności” można podzielić na kilka grup, ze względu na charakter obrazów i wyrażanych w nich nastrojów. Przede wszystkim są delikatne, marzycielskie, czasem baśniowe i niezmiennie prawdziwie liryczne. Są to numery 1, 2, 8, 16, 17, 18, 20. Jest to jednocześnie najbardziej wyrazisty w skali narodowej, intonacyjnie rosyjski zespół sztuk teatralnych.
Liryczna orientacja nazwanych „Przelotności” prowadzi Prokofiewa dalej do „Opowieści starej babci” i innych arcydzieł jego lirycznego daru. Nie ulega wątpliwości, że zespół liryczny utworów stanowi najważniejszą część cyklu ze względu na jego całościowe znaczenie w twórczości kompozytora.

Drugą grupę stanowią przedstawienia scherzo, zabawne, a czasem zabawne i humorystyczne. Są to nr 3, 5, 10, 11. Są pełne młodzieńczej pogody. Świat tego rodzaju obrazów zawsze niepokoił kompozytora.

I wreszcie trzecia grupa – sztuki niezwykle wyraziste, niepohamowane dynamicznie, a czasem dramatyczne. Są to nr 4, 14, 15, 19. Są one generowane nie tylko przez emocje niepokoju, niepokoju i konfliktu. Mają bardzo mocne momenty czysto wizualne i efektowne teatralnie, to znaczy coś, co później otrzyma swój żywy rozwój w dramatycznych zderzeniach jego scen operowych i baletowych.

Pozostałe numery cyklu wyróżniają się, rozwiązując różnorodne problemy figuratywne i językowe (np. „Przemijanie” nr 7, jakby imitując harfę).

Patrząc jednym okiem na cały cykl spektakli, zachwyca się ich naturalną prawdomównością, łatwością wyrazu, absolutną alienacją wszelkiej maniery, odgrywaniem „na pokaz” wszelkich przejmujących i w ogóle „ciekawych” fragmentów. „Nową prostotę” tego rodzaju tekstów daje się odczuć nawet w stosunkowo skomplikowanych harmonicznie i rytmicznie strukturach. Wymaga także pewnego rodzaju prostoty interpretacji – powściągliwości i rygoru, unikania nawet najmniejszego śladu „narzucania”, „otwartości” oddziaływania emocjonalnego, performatywnej retoryki czy „pozy”.

Tak, cykl „Przelotności”, pozbawiony wspólnego zarysu fabularno-psychologicznego, jakiejś konkretnej zasady powiązania tonalnego czy wspólnoty intonacyjnej, nadal stanowi zjawisko holistyczne. Sztuki łączy nie tyle rodzaj i gatunek, które często są zupełnie odmienne, ale postawa jednego autora, metoda twórcza.
V. Delsona
źródło-http://www.belcanto.ru/prokofiev_visions.html

W sierpniu 1917 roku Balmont umieścił swój sonet w albumie Siergieja Prokofiewa „Co myślisz o słońcu”:

Dziecko Bogów, Prokofiew

Jesteś słonecznym bogatym człowiekiem. Pijesz zachód słońca jak miód.
Twoje wino to świt. Twoje harmonie w chórze,
Spieszą się z przyjęciem w pośpiesznej rozmowie
Kwiaty marzą o melodyjnym aromacie.
Nagle z radością sprowadziłeś noc do złotego strumienia.
Gdzieś daleko są kruche świty
Jak sznur pereł i w ich lekkim sporze
Ciemniejący ogród rośnie w groźnym ryku.
I ty, zapominając o sobie, ale zachowując światło
Stepowa trawa z piór, podlewana wiosną,
W migoczących snach wszystko nowe, wszystko inne,
Grałem w pytania i odpowiedzi źdźbłem trawy,
I w twoim dźwięku, upuszczając śpiewające znaki,
Nocą grasz w piłkę ze srebrnym księżycem.

Oto lista 10 kompozytorów, których powinieneś znać. O każdym z nich można z całą pewnością powiedzieć, że jest to największy kompozytor, jaki kiedykolwiek żył, choć w istocie nie da się, a wręcz nie da się, porównywać muzyki powstałej na przestrzeni kilku wieków. Jednak wszyscy ci kompozytorzy wyróżniają się na tle swoich współczesnych jako kompozytorzy, którzy komponowali muzykę najwyższego kalibru i starali się przesuwać granice muzyki klasycznej na nowe granice. Na liście nie ma żadnej kolejności, takiej jak ważność czy osobiste preferencje. Tylko 10 wspaniałych kompozytorów, których powinieneś znać.

Każdemu kompozytorowi towarzyszy przytoczony fakt z jego życia, przypominający, że będziesz wyglądać jak znawca. Klikając link do nazwiska, poznasz jego pełną biografię. I oczywiście możesz posłuchać jednego ze znaczących dzieł każdego mistrza.

Najważniejsza postać światowej muzyki klasycznej. Jeden z najczęściej wykonywanych i szanowanych kompozytorów na świecie. Tworzył we wszystkich gatunkach, jakie istniały w jego czasach, m.in. w operze, balecie, muzyce do przedstawień dramatycznych i dziełach chóralnych. Do najważniejszych w jego spuściźnie zaliczają się dzieła instrumentalne: sonaty na fortepian, skrzypce i wiolonczelę, koncerty na fortepian, skrzypce, kwartety, uwertury, symfonie. Twórca okresu romantyzmu w muzyce klasycznej.

Interesujący fakt.

Beethoven chciał najpierw zadedykować swą trzecią symfonię (1804) Napoleonowi, kompozytora urzekła osobowość tego człowieka, który dla wielu na początku swego panowania wydawał się prawdziwym bohaterem. Kiedy jednak Napoleon ogłosił się cesarzem, Beethoven przekreślił swoją dedykację na stronie tytułowej i napisał tylko jedno słowo – „Bohaterskie”.

„Sonata księżycowa” L. Beethovena, Słuchać:

2. (1685-1750)

Niemiecki kompozytor i organista, przedstawiciel epoki baroku. Jeden z najwybitniejszych kompozytorów w historii muzyki. W ciągu swojego życia Bach napisał ponad 1000 dzieł. Jego twórczość reprezentuje wszystkie znaczące gatunki tamtych czasów, z wyjątkiem opery; podsumował osiągnięcia sztuki muzycznej okresu baroku. Założyciel najsłynniejszej dynastii muzycznej.

Interesujący fakt.

Za życia Bach był tak niedoceniany, że opublikowano zaledwie kilkanaście jego dzieł.

Toccata i fuga d-moll J. S. Bacha, Słuchać:

3. (1756-1791)

Wielki austriacki kompozytor, instrumentalista i dyrygent, przedstawiciel wiedeńskiej szkoły klasycznej, wirtuoz skrzypiec, klawesynista, organista, dyrygent, miał fenomenalny słuch muzyczny, pamięć i umiejętność improwizacji. Jako kompozytor wyróżniający się w każdym gatunku, słusznie uważany jest za jednego z najwybitniejszych kompozytorów w historii muzyki klasycznej.

Interesujący fakt.

Jeszcze jako dziecko Mozart nauczył się na pamięć i nagrał Miserere (pieśń kat. na podstawie tekstu Psalmu 50. Dawida) Włocha Gregorio Allegriego, przesłuchawszy ją tylko raz.

„Mała nocna serenada” W.A. Mozarta, Słuchać:

4. (1813-1883)

Niemiecki kompozytor, dyrygent, dramaturg, filozof. Wywarł znaczący wpływ na kulturę europejską przełomu XIX i XX wieku, zwłaszcza na modernizm. Opery Wagnera zachwycają rozmachem i wiecznymi wartościami ludzkimi.

Interesujący fakt.

Wagner brał udział w nieudanej rewolucji 1848-1849 w Niemczech i został zmuszony do ukrywania się przed aresztowaniem przez Franciszka Liszta.

„Walkiria” z opery „Walkiria” R. Wagnera, Słuchać

5. (1840-1893)

Włoski kompozytor, centralna postać włoskiej szkoły operowej. Verdi miał wyczucie sceny, temperament i nienaganny warsztat. Nie zaprzeczył tradycjom operowym (w przeciwieństwie do Wagnera), wręcz przeciwnie, je rozwinął (tradycje opery włoskiej), przekształcił operę włoską, napełnił ją realizmem i nadał jedność całości.

Interesujący fakt.

Verdi był włoskim nacjonalistą i został wybrany do pierwszego włoskiego parlamentu w 1860 r., po ogłoszeniu niepodległości Włoch od Austrii.

Uwertura do opery „Traviata” D. Verdiego, Słuchać:

7. Igor Fedorowicz Strawiński (1882-1971)

Rosyjski (amerykański - po emigracji) kompozytor, dyrygent, pianista. Jeden z najważniejszych kompozytorów XX wieku. Twórczość Strawińskiego jest spójna przez całą jego twórczość, choć styl jego dzieł był różny w różnych okresach, ale rdzeń i rosyjskie korzenie pozostały, które były widoczne we wszystkich jego dziełach; uważany jest za jednego z czołowych innowatorów XX wieku. Jego innowacyjne wykorzystanie rytmu i harmonii zainspirowało i nadal inspiruje wielu muzyków, nie tylko muzyki klasycznej.

Interesujący fakt.

Podczas I wojny światowej rzymscy celnicy skonfiskowali portret Strawińskiego autorstwa Pabla Picassa, gdy kompozytor opuszczał Włochy. Portret został namalowany w futurystyczny sposób, a celnicy pomylili te koła i linie z jakimś zaszyfrowanym tajnym materiałem.

Suita z baletu I.F. Strawińskiego „Ognisty ptak”, Słuchać:

8. Johanna Straussa (1825-1899)

Austriacki kompozytor muzyki rozrywkowej, dyrygent i skrzypek. „Króla Walców” stworzył w gatunku muzyki tanecznej i operetki. Jego muzyczne dziedzictwo obejmuje ponad 500 walców, polek, kadryli i innych rodzajów muzyki tanecznej, a także kilka operetek i baletów. Dzięki niemu walc stał się w XIX wieku niezwykle popularny w Wiedniu.

Interesujący fakt.

Ojcem Johanna Straussa jest także Johann i także znany muzyk, dlatego „Król Walca” nazywany jest najmłodszym lub synem, jego bracia Joseph i Eduard również byli znanymi kompozytorami.

Walc J. Straussa „Nad pięknym błękitnym Dunajem”, Słuchać:

9. Siergiej Wasiljewicz Rahmaninow (1873-1943)

Kompozytor austriacki, jeden z najwybitniejszych przedstawicieli wiedeńskiej szkoły muzyki klasycznej i jeden z twórców romantyzmu w muzyce. W swoim krótkim życiu Schubert wniósł znaczący wkład w rozwój muzyki orkiestrowej, kameralnej i fortepianowej, która wywarła wpływ na całe pokolenie kompozytorów. Jednak jego najbardziej uderzający wkład polegał na rozwoju romansów niemieckich, których stworzył ponad 600.

Interesujący fakt.

Przyjaciele i inni muzycy Schuberta spotykali się i wykonywali muzykę Schuberta. Spotkania te nazywano „Schubertiadami”. Pierwszy fanklub!

„Ave Maria” F.P.Schuberta, Słuchać:

Kontynuując temat wielkich kompozytorów, których warto znać, nowy materiał.