W głównym salonie dolnej kondygnacji – prostokątnej sali rozciągającej się od wejścia w głąb – znajdowało się siedem kompozycji jednorodnych stylistycznie, pogrupowanych w integralny zespół kompozycji. Jedna (Iriarte nazwała to „Dwie staruszki jedzące ze wspólnych naczyń”) ) umieszczono nad wykonaną w ścianie końcowej sieni z drzwiami wejściowymi w formie dessus de porte (od francuskiego dessus de porte, dosłownie „nad drzwiami”) – kompozycji dekoracyjnej umieszczonej nad drzwiami. Sześć innych wypełniało wszystkie ściany: na ścianie naprzeciwko wejścia umieszczono pionowe kompozycje oddzielone oknem, Saturn pożerający swoje dzieci „(na lewo od okna) i Judyta odcinająca głowę Holofernesowi” (po prawej); na lewej ścianie podłużnej, obramowanej dwoma oknami lub dwoma kominkami, fryz „Szabat Czarownic”, natomiast na prawej ścianie, obramowanej dwoma kominkami lub szafkami, fryz „Pielgrzymka” św. Izydorowi” – przedstawienie festiwalu folklorystycznego odbywającego się co roku w Madrycie 15 maja; wreszcie na ścianie u wejścia na prawo od drzwi (obok „Sabatu”, a naprzeciw „Saturna”) – ponownie wertykalny obraz „Leokadia”, czyli portret Leokadii Weiss, która została pani Domu Głuchych, a po lewej stronie (obok „Pielgrzymka” i przeciw „Judyta”) – także malowidło pionowe, „Dwóch starców”. W podobnej sali na piętrze przewidziano osiem przegród nadających się do malowania, tutaj ściany podłużne przedzielono na pół otworami okiennymi i kominkowymi. Jednak Goya namalował tylko siedem z nich. W głębi sieni, na ścianie końcowej po lewej i prawej stronie okna, umieszczono pionowe panele, stylistycznie nawiązujące do obrazów znajdujących się na parterze „Politycy” i „Dwie śmiejące się kobiety”; na lewej ścianie podłużnej znajdują się „Pasterze Byków” i „Atropos”, a po prawej „Promenada Inkwizycji” i „Asmodeusz”. Te cztery poziome kompozycje już bardzo różnią się stylistycznie od dwóch pierwszych. Różni się od nich także siódmy obraz (znowu pionowy) - tajemniczy „Pies” znajdujący się na prawo od drzwi wejściowych.W odróżnieniu od cyklu dolnego, górny pozostał niedokończony i nie tworzył jednego zespołu.
Saturn pożerający swoje dzieci. 1820-1823
Technika mieszana, płótno. Przeniesiono z okładzin ściennych.
Wymiary: 143,5 - 81,4 cm.
Na Saturnie tłem obrazu jest czarna jak węgiel kosmiczna dziura, z głębi której wystrzeliwuje niczym gęstniejąca chmura pyłu wulkanicznego postać starożytnego bóstwa, uosobienie wszechpochłaniającego żywiołu Czasu. Jej kontury, celowo rozrzucone w przestrzeni, sprowadzają się do spazmu gorączkowo wijącego się ruchu.Wydaje się, że odpycha otaczający ją mrok, rozrywając granice swojej przestrzennej komórki, by przedrzeć się w obecną przestrzeń sali. ona, nieorganiczna i organiczna, przedludzka i prymitywno-ludzka, wyraźnie się mieszają i przekształcają w siebie nawzajem, a jej sękate formy przypominają dziwne sploty grubych gałęzi drzew; jego kanciaste, rozstawione i pozornie połączone człony przywołują w naszych umysłach obraz gigantycznej tarantuli natychmiast chwytającej swoją ofiarę, a wyłupiaste oczy Saturna przypominają oczy ryby.
Judyta odcinająca głowę Holofernesowi. 1820-1823.
Technika mieszana, płótno. Przeniesiono z okładzin ściennych.
Wymiary: 146-84 cm.
Podarowany przez barona Émile d'Erlanger, 1881
„Judith” wyłania się z innego rodzaju ciemności – nie kosmicznej, ale raczej ziemskiej, a dokładniej – podziemnej, piwnicznej, oświetlonej niemal irytującą mieszanką zamarzniętego i zimnego, nie wiadomo skąd, przenikającego tu światła księżyca i lekko ocieplającego migotania świeca ukryta w ramionach starej panny towarzyszącej biblijnemu wojownikowi. Tu króluje energia ziemskiego czynu, uchwycona w jego natychmiastowości. Właśnie wyskoczyłam z łoża Holofernesa (lekko widoczne po prawej), jeszcze bez sprzątając swoje rozczochrane, zmięte pieszczoty miłosne ubrania, bohaterka uniosła miecz nad głowę śpiącego asyryjskiego dowódcy i teraz on ją odetnie (tu powstaje pierwsza korespondencja wizualno-semantyczna między nią a Saturnem – zaczął pożerać swoje ofiara z głowy.) Opadający do przodu ruch Judyty, jej ostro podkreślona twarz, ramię, dłoń z mieczem – to wszystko także wystaje z pola przestrzennego obrazu, niczym kolana, dłonie i głowa Saturna.
Sabat Czarownic. 1820-1823.
Wymiary: 140,5-435,7 cm.
Podarowany przez barona Émile d'Erlanger, 1881
Oryginalny obraz „Szabat”, przedstawiający zgromadzenie czarownic, które masowo oddają cześć Diabelskiemu Kozłu, słuchają jego kazań i przedstawiają mu młodego neofitę, nie został jeszcze obcięty na krawędziach i zamiast tego rozciągnął się na prawie sześć metrów z obecnych czterech i trochę. Tłum czarownic został następnie objęty głęboką i rozległą ciemną przestrzenią, gdzie burzliwe nocne niebo mieszało się z firmamentem ziemi. Na krawędzi wisiała gigantyczna elipsoida sklejonych ze sobą i rojących się ciał, którego ruchy wytrąciły go z równowagi i zmusiły do wirowania jak galaktyka, stycznie oddając także prawdziwą przestrzeń sali.
Pielgrzymka do św. Izydora.1820-1823.
Wymiary: 127-266 cm.
Podarowany w 1881 roku
Mural ten przedstawia święto oficjalnie obchodzone w Madrycie 15 maja, w dzień św. Izydora Oracza, patrona miasta. Nie jest to już skrajne święto żywiołów i sił ziemi, jak w poprzednim muralu , ale prawdziwe życie mieszkańców Madrytu – „scena moralności”, niczym znajdujący się w pobliżu wyczyn Judith” nie jest kosmogonicznym mitem, ale prawdziwą, choć sakralizowaną historią. To ludzie, którzy o zachodzie słońca lub przed burzą wstali z miejsc i wyruszyli w drogę. Tyle że prowadzi ich niewidomy mężczyzna o potężnym, niemal kwadratowym tułowiu. Dopiero przed nim (na przeciwległej ścianie sali, przed usunięciem obrazów) czeka go szaleństwo festiwalu czarownic.
Leokadia.1820-1823.
Technika mieszana, płótno Przeniesione z okładzin ściennych.
Wymiary: 145,7-129,4 cm.
Podarowany w 1881 roku
Dwóch staruszków (starych kobiet?) jedzących z tego samego naczynia, 1820-1823.
Technika mieszana, płótno. Przeniesione z okładzin ściennych.
Wymiary: 49,3-83,4 cm.
Podarowany w 1881 roku
Dwóch mnichów (starców). 1820-1823.
Technika mieszana, płótno Przeniesione z okładzin ściennych.
Wymiary: 142,5-65,6 cm.
Podarowany w 1881 roku
Politycy.1821-1823.
Technika mieszana, płótno. Przeniesione z pokrycia ścian.
Rozmiary: 126-66 cm.
Podarowany w 1881 roku
Spacer Inkwizycji. 1821-1823.
Technika mieszana, płótno. Przeniesione z okładzin ściennych.
Wymiary: 127-266 cm.
Podarowany w 1881 roku
Rewolucja, głuchota, zakazana miłość, pustelnictwo: w jakich okolicznościach Goya stworzył niezwykły cykl obrazów na ścianach własnego domu
Mobilne studio fotograficzne Jeana Laurenta. 1872 Fotograf Laurent wykonał pierwsze zdjęcia fresków Domu Głuchych. Archiwum Ruiza Vernacciego
W maju 1814 roku przebywający od kilku lat na wygnaniu Ferdynand VII triumfalnie powrócił do Hiszpanii. Uchylił konstytucję z 1812 r., rozwiązał Kortezy i przywrócił władzę hiszpańskim Burbonom. Aresztowano wielu liberalnie nastawionych posłów i intelektualistów, wielu powieszono lub rozstrzelano.
Goya przyjaźnił się z wieloma „oświeconymi” liberałami. Choć początkowo budziły podejrzenia co do współpracy Goi z Francuzami i rząd króla José I został usunięty, Ferdynand VII go nienawidził, a pozycja artysty pozostała niepewna. Goya musiał ukryć wiele swoich obrazów w Akademii San Fernando, a on sam wyprowadził się z dworu.
W lutym 1819 roku 72-letni artysta kupił wiejski dom i 22 akry ziemi na przedmieściach Madrytu za 60 tysięcy reali, za mostem prowadzącym do Segowii, od łąki San Isidro (dziś jest to prawie centrum miasta) i żył jako pustelnik, nie przyjmując nikogo. Dziwnym zbiegiem okoliczności w sąsiednim domu mieszkał mężczyzna, który podobnie jak Goya był głuchy Goya stracił słuch w wyniku ciężkiej choroby, na którą cierpiał w latach 1792-1793. Prawdopodobnie było to zatrucie ołowiem (saturnizm), choć niektórzy badacze skłonni są wierzyć, że był to ciężki udar., dlatego miejscowi nazywali jego dom „quinta del sordo” – „dom głuchych”. Po śmierci Goi zaczęto tak nazywać jego dom, który niestety nie zachował się. Dziś na jego miejscu znajduje się stacja metra nosząca imię artysty – „Goya”.
Artysta osiedlił się tam ze swoją „gospodynią”, a właściwie przyjaciółką i partnerką życiową ostatnich lat, Leocadią Zorrilla Weiss. Poznali się latem 1805 roku na ślubie syna Goi i najwyraźniej natychmiast zostali kochankami. Ich związek nie ustał nawet po tym, jak Leokadia poślubiła w 1807 roku pewnego biznesmena niemieckiego pochodzenia, urodzonego w Madrycie. W 1812 r. jej mąż oskarżył Leokadię o niewierność, rozwiedli się, a w 1814 r. urodziła się jej córka Rosario. Dziewczyna otrzymała nazwisko Weiss, choć wielu uważa, że była córką Goi: w każdym razie Goya traktował ją jak córkę do końca swoich dni, dużo z nią malował i rysował (Rosario został artystą po śmierci Goi śmierci była nawet blisko dworu i udzielała lekcji rysunku królowej Izabeli II).
Goya mieszkał w Domu Głuchych jako pustelnik, nikogo nie przyjmował, gdyż bał się oskarżeń ze strony Inkwizycji nie tylko o liberalne poglądy, ale także o niemoralne postępowanie. Jak się okazało 50 lat później, tam namalował ściany swojego domu: najpierw namalował kilka rozległych pejzaży, a następnie prawdopodobnie wiosną lub latem 1823 roku otynkował ściany nad starymi freskami i namalował 14 lub 15 olejów malowano na nich obrazy, które później zaczęto nazywać „czarnym malarstwem” (pinturas negras) ze względu na ponurą kolorystykę i tematykę przypominającą koszmary senne. Prace te nie miały odpowiednika w malarstwie tamtych czasów. Niektóre z nich pisane były na tematy religijne, inne na tematy mitologiczne, jak np. „Saturn pożerający swego syna”. W większości są to jednak tragiczne wytwory wyobraźni artysty.
Francisco Goya. Sabat. 1819–1823© Museo del Prado
Francisco Goya. Festiwal w San Isidro. 1819–1823© Museo del Prado
Francisco Goya. Asmodeusz, czyli fantastyczna wizja. 1819–1823© Museo del Prado
Francisco Goya. Dwóch starszych mężczyzn je zupę. 1819–1823© Museo del Prado
Francisco Goya. Pojedynek z klubami. 1819–1823© Museo del Prado
Francisco Goya. Pielgrzymka do źródeł San Isidro. 1819–1823© Museo del Prado
Francisco Goya. Atropa. 1819–1823© Museo del Prado
W styczniu 1820 roku generał Riego wszczął w Kadyksie powstanie zbrojne, które stało się początkiem rewolucji. W 1822 roku Ferdynand VII uznał Konstytucję Kadyksu. Hiszpania ponownie stała się monarchią konstytucyjną, ale nie na długo: już 23 maja 1823 roku król wraz z armią francuską powrócił do Madrytu. Rewolucja została stłumiona, w Hiszpanii rozpoczęła się reakcja; w listopadzie generał Riego został stracony.
Goya sympatyzował z wojskiem zjednoczonym wokół Riego, a nawet wykonał miniaturowy portret swojej żony. Syn Goi, Javier, w 1823 roku był członkiem milicji rewolucyjnej. 19 marca 1823 roku zmarł kardynał Louis Bourbon, młodszy brat króla Karola III, który patronował Goyi; rodzina jego drugiego patrona i swata, biznesmena Martina Miguela de Goicoechea (syn Goi Javier był żonaty z córką Goicoechei, Gumersindą), została skompromitowana. Goya był przerażony. Leokadia namówiła go do emigracji, ale ucieczka groziła konfiskatą mienia.
A „Dwóch staruszków jedzących zupę” jest bardzo podobne klimatem i wyrazem do „Jedzących ziemniaki” Van Gogha.
Wybrałeś bardzo dobre cytaty, które towarzyszą oszałamiającym muralom. Bardzo ich lubię.
Pisanie bezpośrednio na ścianie jest fantastyczne. Miałem takie przeżycie, niesamowite uczucie.
Julia Ria:
22 listopada 2011 o godzinie 12:20
W porównaniu do Van Gogha. Tak, te same ponure kolory, ta sama atmosfera duszności i bezsilności czy coś... Najbardziej z tych obrazów lubię „Psa”, taki dziwny klimat stworzył Goya.
Nie pamiętam, czytaliście tę książkę o Goi Feuchtwangera? Kończy się dokładnie w miejscu, w którym artysta zdecydował się pomalować ściany swojego domu. Miała być druga część, ale… życie pisarza zostało przerwane – to takie niesprawiedliwe.
:
22 listopada 2011 o 13:47
Pies ma takie żałosne spojrzenie, jest w niej tyle samotności i urazy, a przed nią ledwo widoczny cień (ale może to rzuty ściany), na który patrzy z pytaniem: „ Dlaczego mnie zostawiłeś?"...
Nie pamiętam, czy czytałem Goyę Feuchtwangera, ale nie powstrzymuje mnie to od przeczytania tej książki, kiedy tylko nadejdzie odpowiedni nastrój.
Te późne dzieła Goi to czysty ekspresjonizm. Bardzo wyprzedzał swoją epokę.
:
24 listopada 2011 o godzinie 18:07
:
25 listopada 2011 o godzinie 11:30
Przez długi czas nie akceptowałem i odrzucałem sztukę konceptualną, różne dzikie, odrażające performance, akcje, zdarzenia i tym podobne. W Rosji przyjęto termin „sztuka współczesna”, ale w pozostałej części świata o tym nie wiedzą.))
Jako przykład można podać skandaliczne wybryki najsłynniejszego rosyjskiego artysty, psiego człowieka Olega Kulika. Bardzo podoba mi się jedno z jego starych dzieł „Russian Eclipse”, w którym jest nagi z czerwonym sztandarem w dłoni.))
Dużo czasu zajęło mi czytanie odpowiedniej literatury i artykułów o sztuce współczesnej, zanim zacząłem przekonywać siebie, że w sztuce wszystko ma swoje miejsce. I niczego nie można odmówić.
Nie rozumiem nic lepszego, ale nadal czasami ciekawi mnie, co dzieje się w sztuce konceptualnej (intelektualnej). Przeczytaj wypowiedzi Olega Kulika, są tego godne. Oto na przykład jedna z jego myśli:
„Wszyscy są dobrzy, ale kłamią, ale artysta nie kłamie, ale jest chciwym i aroganckim egoistą. Przeciętny człowiek również ma wszystkie te cechy, ale we współczesnym świecie nieprzyzwoite jest ich okazywanie. Najstraszniejszą rzeczą na świecie przeciętnego człowieka nie jest bomba atomowa ani bieda, ale to, co powiedzą o Tobie sąsiedzi. Artysta się tego nie boi.”
Oto kolejna rzecz, która bardzo mi się spodobała:
„Sztuka istniejąca tylko po to, by ją sprzedać, nie jest już sztuką”.
Dlatego spotykam się z niechęcią i odrzuceniem sztuki komercyjnej, obrazów na sprzedaż. Ale z tym „słusznym gniewem” walczę już od dawna i całkiem skutecznie.))
Yul, co cię tak obrzydza?
:
25 listopada 2011 o 16:16
A mimo to nie do końca rozumiem, co masz na myśli pisząc o sztuce komercyjnej? Co w zasadzie jest sprzedawane, a co celowo przedstawiane, aby dopasować się do gustu publiczności?
:
25 listopada 2011 o 17:37
Jak mogę sprzeciwić się wszystkiemu, co jest na sprzedaż? Sam sprzedałem kilkanaście obrazów. Poza tym wszystko ostatecznie trafia na rynek sztuki.
Oczywiście mam na myśli to, co jest narysowane specjalnie na sprzedaż. Oznacza to, że trzeba wiedzieć z góry, co kupi społeczeństwo. Według jej gustu. Ale rozumiem to już od dawna. W końcu z czegoś trzeba żyć. Dlaczego nie z obrazów?
Olya, intencja artysty jest dla mnie ważna. Pierwotny. To właśnie stanowi różnicę pomiędzy dziełami. Dlatego jedno nazywamy sztuką malarską, a drugiego nie.
:
25 listopada 2011 o 18:13
Teraz już wszystko jasne, czasem wydaje mi się, że w ogóle jesteś przeciwny sprzedaży.
:
26 listopada 2011 o 12:57
Oczywiście nie! Jestem za tym. I bardzo się cieszę, gdy artystom udaje się żyć ze swojej sztuki. To wielka rzadkość.
W tej kwestii ważne jest, aby zrozumieć, jaki jest cel i jaki jest środek.))
:
1 grudnia 2011 o 13:57
Tak, tak, jeśli myślisz przede wszystkim tylko o pieniądzach, duchowość i sens zostaną utracone. Ale obecność dochodu nie zaprzecza istnieniu znaczenia. Nie zawsze dla wszystkich te kwestie są jasne. Zwłaszcza w naszym kraju, w Rosji. Mistrz musi być biedny – to siedzi w głowach wielu, a jeśli mistrz jest bogaty, to nie jest to już sztuka. Ten sam Goya otrzymywał dużo pieniędzy za swoje portrety i był malarzem nadwornym, z czego był dumny. Ale nie przekroczył samego siebie.
Zdanie: „Najgorszą rzeczą na świecie przeciętnego człowieka nie jest bomba atomowa, nie bieda, ale to, co powiedzą o tobie twoi sąsiedzi” - niesamowite! Proste, ale dokładne. Co powiedzą o Tobie sąsiedzi, współpracownicy i po prostu przechodnie? Jestem tym wszystkim zniesmaczony (choć niestety też to mam).
:
1 grudnia 2011 o godzinie 15:20
Oczywiście, że nie zaprzecza! Ludzie są zdezorientowani co do pojęć, to absolutna prawda. I w jakim stopniu nie mogę sobie z tym poradzić. Na przykład większość ludzi wierzy, że każdy obraz jest sztuką. Automatycznie. Jeśli są wszystkie atrybuty: płótno pokryte farbami, rama, to jest to sztuka. Co jeszcze? To nigdy nie przestaje mnie szokować. Julia, dlaczego słowo sztuka odnosi się do jakiegokolwiek obrazu? Czy masz wersję?
To „co o tobie powiedzą” jest mi boleśnie znajome. Ponieważ zawsze było mi to obojętne, moi rodzice w pełni odczuli konsekwencje mojej obojętności.))
Wśród szlachetnych dzieł sztuki, które cieszą oko i budzą same pozytywne emocje, znajdują się obrazy, delikatnie mówiąc, dziwne i szokujące. Przedstawiamy 20 obrazów światowej sławy artystów, które wprawią Cię w przerażenie...
„Niepowodzenie umysłu w materii”
Obraz namalowany w 1973 roku przez austriackiego artystę Otto Rappa. Przedstawił rozkładającą się ludzką głowę umieszczoną na klatce dla ptaków zawierającej kawałek mięsa.
„Wiszący żywy Murzyn”
To makabryczne dzieło Williama Blake'a przedstawia czarnego niewolnika powieszonego na szubienicy z hakiem przewleczonym przez żebra. Utwór oparty jest na historii holenderskiego żołnierza Steadmana, naocznego świadka tak brutalnej masakry.
„Dante i Wergiliusz w piekle”
Inspiracją dla obrazu Adolphe'a Williama Bouguereau była krótka scena walki dwóch potępionych dusz z Piekła Dantego.
"Piekło"
Obraz „Piekło” niemieckiego artysty Hansa Memlinga, namalowany w 1485 roku, jest jednym z najstraszniejszych dzieł artystycznych swoich czasów. Miała popychać ludzi ku cnocie. Memling wzmocnił przerażający efekt tej sceny, dodając podpis: „W piekle nie ma odkupienia”.
„Wielki Czerwony Smok i Potwór Morski”
Słynny XIII-wieczny angielski poeta i artysta William Blake w chwili wglądu stworzył serię akwareli przedstawiających wielkiego czerwonego smoka z Księgi Apokalipsy. Czerwony Smok był ucieleśnieniem diabła.
„Duch wody”
Artysta Alfred Kubin uważany jest za najwybitniejszego przedstawiciela symbolizmu i ekspresjonizmu, znany jest ze swoich mrocznych fantazji symbolicznych. Jednym z takich dzieł jest „Duch wody”, ukazujący bezsilność człowieka wobec żywiołów morza.
„Nekronom IV”
To przerażające dzieło słynnego artysty Hansa Rudolfa Gigera zostało zainspirowane filmem Obcy. Giger cierpiał na koszmary senne i wszystkie jego obrazy inspirowane były tymi wizjami.
„Oskórowanie Marcii”
Stworzone przez włoskiego artystę renesansu Tycjana obraz Obdzieranie Marsjasza znajduje się obecnie w Muzeum Narodowym w Kroměřížu w Czechach. Grafika przedstawia scenę z mitologii greckiej, w której satyr Marsjasz zostaje obdarty ze skóry za to, że odważył się rzucić wyzwanie bogu Apollinowi.
„Kuszenie Świętego Antoniego”
Matthias Grunewald malował tematykę religijną średniowiecza, choć sam żył w epoce renesansu. Mówi się, że św. Antoni podczas modlitwy na pustyni poddawał się próbom swojej wiary. Według legendy został zabity przez demony w jaskini, następnie wskrzesił je i zniszczył. Obraz ten przedstawia świętego Antoniego atakowanego przez demony.
„Odcięte głowy”
Najsłynniejszym dziełem Theodore'a Géricaulta jest Tratwa Meduzy, ogromny obraz namalowany w stylu romantycznym. Géricault próbował przełamać granice klasycyzmu, przechodząc w stronę romantyzmu. Obrazy te były początkowym etapem jego twórczości. Do swoich prac wykorzystywał prawdziwe kończyny i głowy, które znajdował w kostnicach i laboratoriach.
"Krzyk"
Inspiracją dla tego słynnego obrazu norweskiego ekspresjonisty Edvarda Muncha był spokojny wieczorny spacer, podczas którego artysta był świadkiem krwistoczerwonego zachodzącego słońca.
„Śmierć Marata”
Jean-Paul Marat był jednym z przywódców rewolucji francuskiej. Cierpiący na chorobę skóry większość czasu spędzał w łazience, gdzie pracował nad swoimi notatkami. Tam został zabity przez Charlotte Corday. Śmierć Marata była ukazana kilkukrotnie, jednak to dzieło Edvarda Muncha jest szczególnie brutalne.
„Martwa natura masek”
Emil Nolde był jednym z wczesnych artystów ekspresjonistycznych, choć jego sława została przyćmiona przez innych, takich jak Munch. Nolde namalował ten obraz po przestudiowaniu masek w Muzeum Berlińskim. Przez całe życie był zafascynowany innymi kulturami i ta praca nie jest wyjątkiem.
„Smalec z Gallowgate”
Obraz ten to nic innego jak autoportret szkockiego autora Kena Currie, specjalizującego się w mrocznym, socrealistycznym malarstwie. Ulubionym tematem Curry'ego jest nudne życie miejskie szkockiej klasy robotniczej.
„Saturn pożerający swego syna”
Jedno z najbardziej znanych i złowrogich dzieł hiszpańskiego artysty Francisco Goyi zostało namalowane na ścianie jego domu w latach 1820–1823. Fabuła oparta jest na greckim micie o Tytanie Chronosie (w Rzymie – Saturnie), który obawiał się, że zostanie obalony przez jedno ze swoich dzieci i zjadł je zaraz po urodzeniu.
„Judyta zabijająca Holofernesa”
Egzekucję Holofernesa przedstawiali tak wielcy artyści, jak Donatello, Sandro Botticelli, Giorgione, Gentileschi, Lucas Cranach Starszy i wielu innych. Obraz Caravaggia z 1599 roku przedstawia najbardziej dramatyczny moment tej historii – ścięcie.
"Koszmar"
Obraz szwajcarskiego malarza Heinricha Fuseli został po raz pierwszy pokazany na dorocznej wystawie Akademii Królewskiej w Londynie w 1782 roku, gdzie zaszokował zarówno zwiedzających, jak i krytyków.
„Masakra niewinnych”
To wybitne dzieło sztuki Petera Paula Rubensa, składające się z dwóch obrazów, powstało w 1612 roku i uważa się, że pozostawało pod wpływem twórczości słynnego włoskiego artysty Caravaggia.
„Studium portretu Innocentego X Velazqueza”
Ten przerażający obraz jednego z najbardziej wpływowych artystów XX wieku, Francisa Bacona, oparty jest na parafrazie słynnego portretu papieża Innocentego X autorstwa Diego Velázqueza. Spryskany krwią, z boleśnie wykrzywioną twarzą, papież przedstawiony jest siedzący w metalowej rurowej konstrukcji, która po bliższym przyjrzeniu się wydaje się być tronem.
„Ogród ziemskich rozkoszy”
To najsłynniejszy i najbardziej przerażający tryptyk Hieronima Boscha. Do chwili obecnej istnieje wiele interpretacji obrazu, jednak żadna z nich nie została ostatecznie potwierdzona. Być może dzieło Boscha uosabia Ogród Eden, Ogród ziemskich przyjemności i Kar, które trzeba będzie ponieść za grzechy śmiertelne popełnione za życia. OBRAZY W DOMU GŁUCHYCH
W 1819 Goya kupił posiadłość – „dwadzieścia dwa akry ziemi uprawnej z domem… za mostem w Segowii… po stronie, gdzie kiedyś stał klasztor Świętego Anioła Stróża”. Dziwnym zbiegiem okoliczności w sąsiednim domu mieszkał mężczyzna, który podobnie jak Goya był głuchy, więc miejscowi nazywali jego dom Quinto del Sordo, Dom Głuchych. Po śmierci Goi zaczęto tak nazywać jego dom. Jedynymi osobami, które dzieliły samotność 72-letniej artystki, była niegrzeczna gospodyni Leocadia i jej córka (która według niektórych informacji była córką samego Goi).
Na parterze, po obu stronach wejścia, wizerunki pięknej, majestatycznej kobiety (najprawdopodobniej jest to Dona Leocadia) i dwóch mężczyzn: jeden zły i podekscytowany szepcze coś do ucha drugiego, niezachwianie spokojny . Na przeciwległej ścianie Goya przedstawia Judith wymachującą mieczem, by odciąć głowę Holofernesowi. Heroiczny epizod historii biblijnej nabiera w interpretacji Goi złowrogiej konotacji. A w pobliżu, na tej samej ścianie, mistrz tworzy jeden z najstraszniejszych i obrzydliwych obrazów w całej sztuce światowej - „Saturn pożera swojego syna”. Trudno, prawie niemożliwe, jest patrzeć w szalone oczy Saturna, rozdzierającego ciało dziecka na kawałki. Nieuzasadnione okrucieństwo obrazu poddaje w wątpliwość zdrowie psychiczne osoby, która stworzyła tak dziki obraz.
Na długich ścianach bocznych widzimy dwa ogromne obrazy - „Pielgrzymka do św. Izydora” i „Sabat Czarownic”. „Pielgrzymka” niejasno przypomina uroczy kartonowy szkic do gobelinu „Uczta w San Isidoro”, ale jest to niejako „ciemna strona” wiosennych uroczystości. Grupa szaleńców i pijaków stłoczonych razem na tle ponurego krajobrazu robi przygnębiające wrażenie. Jeszcze straszniejszy jest tłum przedstawiony w „Sabacie Czarownic” – ludzie o potwornie zniekształconych twarzach, które trudno nawet nazwać twarzami, upiory i czarownice pędzące w stronę ogromnej czarnej kozy – Diabła wyglądającego jak gigantyczny cień. Cóż za kontrast z wczesnym obrazem o tym samym tytule, wykonanym dla hrabiny Osuna, gdzie diabeł wydawał się być nieszkodliwą „małą szarą kozą”, a cała scena miała bardziej zabawny charakter!
 |
Galeria niesamowitych obrazów i fantastycznych wizji rozciąga się na drugim piętrze domu. „Dwie roześmiane kobiety” tworzą parę „Starców z Chowder” - na pierwszy rzut oka niewinne intrygi, które jednak z jakiegoś powodu budzą obrzydzenie. Kobiecy śmiech przypomina nikczemny grymas, a starzy mężczyźni z rozdziawionymi, bezzębnymi ustami nie budzą ani krzty współczucia. W tym pokoju znajdują się jeszcze cztery duże obrazy. „Pasterze byków” brutalnie się biją, jeden jest już we krwi, obaj po kolana w bagnie, z którego nigdy nie będą mogli się wydostać i będą na zawsze skazani na bezsensowną walkę. Wszystko to dzieje się na tle spokojnego wiejskiego krajobrazu. Przedstawiona jest tu także kolejna „Pielgrzymka do św. Izydora”, choć ten ludzki wir trudno nazwać „pielgrzymką” – pielgrzymów unosi do ciemnego lasu strumień światła.
 |
Na kolejnym obrazie Goya ponownie powraca do tematu bogiń losów parków. Te podłe staruszki pojawiały się już na prześcieradłach „Caprichos” i snuły swoją włóczkę, którą nieszczęsna ludzkość musiała rozwikłać. W Quinto del Sordo wznoszą się nad światem i ze złym chichotem wypatrują z góry nowych ofiar. Jednym z najciekawszych obrazów w tym cyklu jest „Fantastyczna wizja” (znana również jako „Klif wystrzelony z armat” lub „Asmodeusz”). Dwie ogromne postacie lecące w kierunku miasta na klifie wznoszą się nad tłumem, nieświadome bandytów celujących w nich z ukrycia. Obraz jest równie fantasmagoryczny, jak pozostałe obrazy Domu, jednakże skała, miasto i jeźdźcy u podnóża gór są dość konkretne, co pozwala spekulować, że Goya w tej formie próbował przedstawić swoją wizję jeden z epizodów wojny z Francuzami.
Ogólnie rzecz biorąc, znaczenie wszystkich obrazów jest dość niejasne i trudne do rozszyfrowania. Z ogólnego cyklu nieco wyróżniają się dwa obrazy: „Czytanie” - wyrażające wiarę artysty w triumf rozsądku wśród szaleństw surowej rzeczywistości oraz „Pies” - z początku wydawać się abstrakcją. Przyglądając się jednak bliżej, zobaczymy kundla ostatkiem sił walczącego z ziemnymi wałami, które w każdej chwili mogą się na nią zawalić.
 |
 |
„Czarne obrazy” stały się wyrazem koszmarów starego artysty, które prześladowały go przez całe życie, a szczególnie nasiliły się w ostatnich latach. Jednocześnie jest to kwintesencja jego myśli i przeżyć, miłość i nienawiść, odrzucenie tłumu, namiętna niechęć do starzenia się, pogarda dla przesądów i mimo wszystko wiara w siłę rozumu.
W schyłkowym wieku Goya znalazł siłę, by zanurzyć się w otchłań podświadomości, wydobyć na światło dzienne swoje najgłębsze, najciemniejsze myśli, a jego odwaga została nagrodzona. Odtąd mroczne wizje przestały na zawsze dręczyć artystę, pozostając na ścianach Domu Głuchych.