Pole maków Moneta. „Pole maków” to instalacja inspirowana malarstwem Claude'a Moneta. Dlaczego na obrazku znajdują się dwie pary identycznych postaci?

10.07.2019

Claude Monet. Maki. 1773 Musée d’Orsay w Paryżu

„Maki”, jedno z najsłynniejszych dzieł Claude'a Moneta, widziałem w . Jednak wtedy nie przyjrzałem się temu dokładnie. Jako fan byłem po prostu pod wrażeniem wszystkich arcydzieł znajdujących się w tym muzeum!

Później oczywiście przyjrzałem się „Makom” dokładnie. I odkryłem, że nawet nie zauważyłem kilku interesujących szczegółów w muzeum. Jeśli przyjrzysz się bliżej zdjęciu, prawdopodobnie masz co najmniej trzy pytania:

Dlaczego maki są takie duże?
Dlaczego Monet przedstawił dwie niemal identyczne pary postaci?
Dlaczego artysta nie narysował nieba na zdjęciu?

Odpowiem na te pytania po kolei.

1. Dlaczego maki są takie duże?

Maki są przedstawione bardzo duże. Większość z nich jest wielkości głowy przedstawionego dziecka. A jeśli weźmiesz maki z tła i zbliżysz je do postaci na pierwszym planie, będą one całkowicie większe niż głowy przedstawionego dziecka i kobiety. Skąd taka nierzeczywistość?

Moim zdaniem Monet celowo zwiększył rozmiar maków: w ten sposób po raz kolejny zdecydował się na przekazanie żywego wrażenia wizualnego, a nie realizmu przedstawionych obiektów.

Tutaj, nawiasem mówiąc, można wyciągnąć analogię z techniką przedstawiania lilii wodnych w jego późniejszych pracach.

Dla przejrzystości przyjrzyjmy się fragmentom obrazów z liliami wodnymi z różnych lat (1899-1926). Górne dzieło jest najwcześniejsze (1899 r.), dolne najpóźniejsze (1926 r.). Oczywiście z biegiem czasu lilie wodne stawały się coraz bardziej abstrakcyjne i mniej szczegółowe.

Najwyraźniej „Maki” to tylko zapowiedź dominacji abstrakcjonizmu w późniejszych obrazach Moneta.

Obrazy Claude'a Moneta. 1. U góry po lewej: Lilie wodne. 1899 g. Kolekcja prywatna. 2. U góry po prawej: Lilie wodne. 1908 g. Kolekcja prywatna. 3. Środek: Staw z liliami wodnymi. 1919 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku. 4. Dół: Lilie. 1926 Muzeum Sztuki Nelsona-Atkinsa w Kansas City.

2. Dlaczego na obrazku znajdują się dwie pary identycznych postaci?

Okazuje się, że dla Moneta ważne było także pokazanie ruchu w swoim malarstwie. Dokonał tego w niecodzienny sposób, przedstawiając ledwo widoczną ścieżkę na wzgórzu wśród kwiatów, jakby zdeptaną pomiędzy dwiema parami postaci.

U podnóża wzgórza z makami stoją jego żona Camille i syn Jean. Camilla jest tradycyjnie przedstawiana z zieloną parasolką, podobnie jak na obrazie „Kobieta z parasolką”.

Na wzgórzu kolejna para, kobieta i dziecko, dla których najprawdopodobniej pozowali także Camilla i jej syn. Dlatego te dwie pary są tak podobne.

Claude Monet. Maki. Fragment. 1873 Musee d’Orsay w Paryżu.

Ta para postaci na wzgórzu została przedstawiona być może wyłącznie ze względu na wizualny efekt ruchu, do którego tak dążył Monet.

3. Dlaczego Monet nie namalował nieba?

Kolejny ważny punkt: zwróć uwagę, jak słabo narysowane jest niebo, aż do pozostawionych nagich obszarów płótna.

Claude Monet. Maki. Fragment. 1873

Tytuł oryginalny: Poppies at Argenteuil

Rok powstania: 1873

Musee d'Orsay w Paryżu.

Oscar Claude Monet (14 listopada 1840 - 5 grudnia 1926) był malarzem francuskim, jednym z twórców impresjonizmu.

Pole maków (1873), wystawione na pierwszej wystawie impresjonistów, przedstawia żonę Moneta Camille i ich syna Jeana na polu w pobliżu ich domu w Argenteuil. Podobnie jak w wielu innych dziełach Moneta, Camille jest malowana z parasolką w dłoniach, a jej wdzięczne kontury nadają obrazowi szczególnego uroku. Chcąc oddać wrażenie ruchu, Monet dodał drugą parę postaci (również wzorowanych na Camille i Jean) na szczycie wzgórza. Z postaciami na pierwszym planie łączy je ledwie zauważalna ścieżka biegnąca przez trawę. Monet namalował „Pole maków” w plenerze, na małym przenośnym płótnie. Choć obraz niesie ze sobą naturalne, spontaniczne wrażenie, jest jednak starannie skomponowany. Wyraża się to nie tylko w tym, że artysta dwukrotnie powtórzył na niej figury, ale także w doborze kąta, który został tak ustawiony, aby jasne maki wypełniające lewą stronę kompozycji ułożone były po przekątnej, wzdłuż której Camille i Jean idą, jakby wychodzili poza obraz. Bogata kolorystyka i ruch wypełniający ten obszar obrazu ostro kontrastują ze spokojnymi tonami prawej górnej krawędzi płótna, gdzie terakotowy dach domu umiejętnie łączy tło z pierwszym planem kompozycji.

Opis obrazu Claude’a Moneta „Maki” (W Argenteuil)

Dzieło Moneta „Maki”, jego drugie imię „Pole maków w Argenteuil”, zostało namalowane przez artystę w 1873 roku. Przedstawiony na zdjęciu krajobraz pola makowego, z niewielkim pasmem drzew, jakby oddzielającym niebo od ziemi, w pierwszej chwili sprawia wrażenie prostej fabuły. Ale patrząc głębiej w obraz, zdajesz sobie sprawę, że pierwsze wrażenie było zwodnicze.

Obraz można w przenośni podzielić na cztery części dwiema prostopadłymi liniami. Linia pozioma, jakby z grubsza i wyraźnie zarysowana, przecina lekko widoczną, wirtualną linię pionową. Dom przedstawiony na płótnie jest swego rodzaju środkiem przecięcia dwóch linii, łączących kompozycję w jedną całość.

Obraz wyróżnia się ładunkiem semantycznym i sensorycznym, jakim są sylwetki kobiet z dziećmi usytuowane na szczycie wzgórza i na jego zboczu. Kobieta i chłopak, których widzimy na pierwszym planie obrazu, to nikt inny jak żona i syn artysty. Niezwykła kompozycja daje iluzoryczną wizję obrazu w obrazie. Powtarzający się obraz sylwetek daje wrażenie kobiet i dzieci poruszających się niedostrzegalną ścieżką. Drzewo wznoszące się nad wzgórzem zwiększa pełnię i wagę tej części dzieła.

Prawa, niemal bezbarwna część kontrastuje z tłem kwitnącego pola maków i stanowi tło dla kobiecej sylwetki ukazanej na przecięciu sąsiadujących ze sobą obszarów obrazu.

Zaledwie kilkoma pociągnięciami pędzla artysta nakreślił niebo. W nietkniętych farbą fragmentach płótna widać niechęć autora do skupiania uwagi na górnej części płótna.

Podsumowując, obraz jest postrzegany jako przywiązanie do ziemskich wartości, które mają ogromne znaczenie. Aby rozwiązać postawiony przed sobą problem, artysta wykorzystał wszystkie dostępne mu możliwości, aby przekazać swoją wizję fabuły obrazu.

Monet namalował „Pole maków” w plenerze, na małym przenośnym płótnie. Choć obraz niesie ze sobą naturalne, spontaniczne wrażenie, jest jednak starannie skomponowany. Wyraża się to nie tylko w tym, że artysta dwukrotnie powtórzył na niej figury, ale także w doborze kąta, który został tak ustawiony, aby jasne maki wypełniające lewą stronę kompozycji ułożone były po przekątnej, wzdłuż której Camille i Jean idą, jakby wychodzili poza obraz. Bogata kolorystyka i ruch wypełniający ten obszar obrazu ostro kontrastują ze spokojnymi tonami prawej górnej krawędzi płótna, gdzie terakotowy dach domu umiejętnie łączy tło z pierwszym planem kompozycji.

Pasja do kwiatów

Przez całe życie Monet bardzo lubił malować kwiaty - kwiaty dzikie, ogrodowe czy cięte, są one stale obecne w jego pejzażach.

Monet przyznał kiedyś, że dwie największe pasje jego życia to malarstwo i ogrodnictwo. Kiedy malował kwiaty, obie te pasje połączyły się. Na Polu maków, podobnie jak na wielu innych swoich obrazach, Monet lubi dzikie, żywe kwiaty. Znanych jest kilka pięknych martwych natur przedstawiających kwiaty cięte autorstwa Moneta, ale najbardziej uwielbiał on malować kwiaty, które rosły w jego ogrodach, najpierw w Argenteuil, a później w Giverny. W 1871 roku Monet przeprowadził się z rodziną do Argenteuil, aby znaleźć swój pierwszy dom i pierwszy ogród. Jednak główną pasją w życiu artysty był jego ogród w Giverny. Monet dobierał kwiaty do swojego ogrodu tak, aby były ułożone w określonej kolejności, kontrastowały kolorystycznie i kwitły przez cały rok. W swoim ogrodzie zasadził wiele niezwykłych kwiatów. Pasję Moneta do kwiatów podzielało wielu innych artystów impresjonistów, w szczególności Gustave Caillebotte. „Koniecznie przyjdź w poniedziałek, zgodnie z ustaleniami” – napisałam do mojej przyjaciółki Mony. „Wszystkie moje irysy będą kwitnąć”.

Obsesja na punkcie światła i koloru

Obsesja Moneta na punkcie światła i koloru zaowocowała wieloletnimi badaniami i eksperymentami, których celem było uchwycenie na płótnie ulotnych, nieuchwytnych odcieni natury.

OBRAZY MONETA dały początek nowemu nurtowi w malarstwie – impresjonizmowi, a sam Monet uznawany jest za największego i najbardziej typowego przedstawiciela tego nurtu. Przez całe swoje długie życie Monet konsekwentnie przestrzegał podstawowych zasad impresjonizmu - utrwalania na płótnie scen współczesnego życia (dla Moneta są to krajobrazy) i pracy na świeżym powietrzu.

PRACA W PLENARZE Praktyka artysty pracującego w plenerze (plenerze) nie była czymś zupełnie nowym. Na początku XIX wieku angielski artysta John Constable często malował swoje szkice i studia w oleju w naturze. W 1840 roku, idąc za jego przykładem, we wsi Barbizon niedaleko lasu Fontainebleau zebrała się grupa francuskich artystów, aby namalować pejzaże, które powinny przedstawiać „prawdziwą naturę”. Camille Corot, ceniony przez wielu impresjonistów za swoje niewyidealizowane spojrzenie na naturę, również malował olejami w plenerze, wzywając artystów, aby „podążali za pierwszym wrażeniem”.

Najważniejszą rolę w rozwoju Moneta jako artysty odegrała jego młodzieńcza przyjaźń z malarzem pejzażu Eugene Boudinem, specjalizującym się w małych, przestronnych nadmorskich pejzażach, które tworzył w plenerze. Bodin nalegał, aby Monet dołączył do niego podczas jednej z takich sesji w Le Havre. „Nagle spadły mi łuski z oczu” – napisał później Monet.

Tam, w Le Havre, Monet spotkał holenderskiego artystę Johana Bartholda Jonkinda, który w swoich pejzażach morskich starał się przekazać najdelikatniejsze odcienie powietrza i nastroju. Monet powiedział o nim później: „To on w końcu rozwinął moją wizję”.

CO NAPRAWDĘ WIDZI OKO Monet przekonał się, że obraz namalowany w plenerze charakteryzuje się wyjątkową świeżością i witalnością, której nie da się osiągnąć pracując w pracowni, gdzie artysta ma z góry przemyślany pomysł na dzieło, które zamierza stworzyć. Rada, której Monet udzielił artystom, wyraźnie ukazuje jego własne podejście do malarstwa: „Spróbuj zapomnieć o tym, co widzisz przed sobą – o drzewie, domu, polu, czymkolwiek. Pomyśl tylko, że w tym miejscu jest mały niebieski kwadrat, jest wydłużona różowa postać i kontynuuj, aż będziesz miał naiwne wrażenie obrazu, który masz przed oczami. Zatem wrażenie jest impulsem wzrokowym wywołanym tym, co jest widziane w danym momencie.

REWOLUCYJNY POMYSŁ Dla wszystkich impresjonistów, a w szczególności dla Moneta, głównym celem sztuki było uchwycenie nieuchwytnego, ulotnego wrażenia. Pomysł taki wydawał się wówczas rewolucyjny i szokował nie mniej niż jawny realizm Courbeta w NOWYCH TECHNIKACH. Aby osiągnąć swoje cele, artysta potrzebował nowych technicznych technik pisania. W szczególności Monet rozwinął własną technikę malarską, nakładając na płótno szerokie, szorstkie pociągnięcia, odważne, rozproszone kropki, kreski, zygzaki i grube pociągnięcia krótkim pędzlem. Monet pracował jednocześnie nad całą przestrzenią obrazu, wierząc, jak później stwierdził, że „pierwsza warstwa farby powinna pokryć jak największą część płótna, niezależnie od tego, jak grubo ją nałożono”.

Monet wykorzystał kolor w zupełnie nowy i rewolucyjny sposób, zainspirowany niewątpliwie odkryciami Eugene'a Chevreula na temat sposobu percepcji wzrokowej. Chevreul udowodnił, że sąsiadujące ze sobą kolory podstawowe koła barw łagodzą się nawzajem, a największy kontrast uzyskuje się, gdy kolory dopełniające sąsiadują ze sobą. Jego innym ważnym odkryciem było to, że kolor nie jest nieodłączną właściwością przedmiotów. Kolor to po prostu sposób, w jaki światło miesza się, gdy odbija się od powierzchni obiektu. Podobnie jak inni impresjoniści, Monet zazwyczaj posługiwał się ograniczoną paletą, preferując czyste, niezmieszane kolory i malowanie na płótnach wstępnie pokrytych białym lub kremowym podkładem, dzięki czemu stosowane kolory były jaśniejsze i jaśniejsze.

Kolejnym ważnym odkryciem, które wpłynęło na wizję artystów, była fotografia. Na fotografiach z tamtych czasów poruszające się obiekty są postrzegane jako rozmyte plamy, a tylko obiekty nieruchome mają wyraźne kontury. Efekt ten jest wyraźnie odzwierciedlony w przypominających mrówki postaciach ludzi, które widzimy na obrazie Moneta „Boulevard des Capucines” (1873).

ZMIANA TEMATU OBRAZU

Bardzo interesujące jest prześledzenie, jak zmieniał się stosunek Moneta do przedstawianych przez niego przedmiotów na przestrzeni jego długiego życia. Pomimo tego, że był nieustannie pochłonięty grą światła, w swoich wczesnych obrazach Monet najczęściej przedstawiał postacie ludzkie malowane w znajomy sposób na tle pejzażu.

Jednak bliżej lat osiemdziesiątych XIX wieku Moneta coraz bardziej pociągała natura w jej najczystszej postaci. Jeżeli na obrazach z tego okresu pojawiają się postacie lub przedmioty nieożywione, to zazwyczaj pełnią one rolę drugoplanową i schodzą na dalszy plan.

SERIA OBRAZÓW

Pomimo tego, że artyści przez cały czas tworzyli serię szkiców tej samej sceny, przed Monetem nie było nikogo, kto malowałby ten sam obiekt kilka razy w różnym oświetleniu i różnych warunkach pogodowych. Obrazy Moneta reprezentują całe cykle przedstawiające stogi siana, topole, katedrę w Rouen, widok Londynu od strony Tamizy i wreszcie lilie wodne.

Londyńskie pejzaże Moneta, malowane w latach 1899–1901, charakteryzujące się rozproszonym światłem i rozproszonym kolorem, to wirtuozowskie, dramatyczne dzieła sztuki, które śledzą ewolucję stylu artysty w kierunku niemal abstrakcyjnym. Pokazują stopniowy postęp artysty w kierunku przedmiotu, który będzie malował przez pozostałe lata życia, tworząc swoje ogrody i zamieniając je w rzadkie dzieła sztuki.

Od około 1905 roku aż do końca swojego życia Monet skupiał się wyłącznie na liliach wodnych. Te obrazy, na których kielichy lilii wodnych dosłownie materializują się na powierzchni wody pozbawionej linii horyzontu, stały się studiami, które uchwyciły nieskończoną i niepowtarzalną różnorodność kolorów i światła. Tak naprawdę te cykle obrazów, jak każde genialne dzieło sztuki, nie dają się wytłumaczyć. Są to dzieła poety, który ma głębokie wyczucie natury i potrafi przekazać jej piękno w swoim malarstwie.

Czy możecie sobie wyobrazić, że w środku kanadyjskiej miejskiej dżungli nagle rozkwitła? pole maków? Brzmi to naciąganie, ale w świecie sztuki nie ma rzeczy niemożliwych. A były już precedensy: nie tak dawno temu w Zweibrücken w Montrealu pojawiły się maki – to już swego rodzaju kontynuacja tradycji kwiatowej.

Twórca instalacji „Kwiat” – artysta i architekt Claude Cormier, zagorzały miłośnik impresjonizmu. Miłość do płócien Claude Monet już kiedyś zainspirowała go do stworzenia czegoś, co przypominałoby kwitnącą glicynię. Obecna twórczość w Montrealu jest hołdem i podziwem dla „Pol makowych” wielkiego artysty. Przypomnijmy, że Claude Monet niestrudzenie malował zielone połacie Giverny, usiane szkarłatnymi kwiatami, z jego obrazów można stworzyć cały „makowy” cykl.

Do stworzenia instalacji potrzeba było 5060 czerwonych, zielonych i białych markerów, które rozmieszczone są w alei przed Muzeum Sztuk Pięknych. Prace Claude'a Cordiera są częścią corocznej wystawy. Każdy będzie mógł podziwiać luksusowe pole maków pośrodku asfaltowego morza.

Nawiasem mówiąc, to nie pierwszy raz, gdy dzieła słynnego impresjonisty inspirują artystów do tworzenia dzieł sztuki. Zapoznaliśmy już naszych czytelników z projektem nawiązującym do Błękitnego Domu w Zaandam, a także serią plakatów reklamowych, z których jeden przedstawia Moneta z innym ulubionym kwiatem – liliami wodnymi.