Na powierzchni fabuły jest opowieść o niej i o nim. Ale najwyraźniej ładunek semantyczny dzieła wykracza daleko poza romantyzm. Poruszona zostaje tematyka duszy i tragizm życiowych wyborów.
Czas rozwoju fabuły to okres przed Wielkim Postem, Maslenitsa. Ale to nie jest tylko rzeczywistość rzeczywistości, to symbol „dwoistości”, niekonsekwencji: na styku półpogańskiej Maslenicy, która przetrwała w kulturze rosyjskiej, i prawosławnego surowego Wielkiego Postu, osoby, nosiciela mentalności, w której miesza się Wschód i Zachód, ujawnia naturalną niekonsekwencję natury, prowadzącą do tragedii.
Detale wskazują na trudny, niejednoznaczny, „dwoisty”, pełen sprzeczności charakter głównego bohatera. Ze względu na jej luksusową urodę, w orientalnym duchu, nazywają ją: „Carską Dziewicą, Królową Szamachańską”, ale jednocześnie świadomie wybrała mieszkanie w kamienicy naprzeciwko Soboru Chrystusa Zbawiciela. Jednak we wnętrzu pomieszczeń, zamiast ikony, centralne miejsce zajmuje wizerunek bosego Lwa Tołstoja. Subtelności wyglądu i wyposażenia, jakby przygotowujące czytelnika do zrozumienia jej wewnętrznego świata, osobowości, w którym współistnieją „Moskwa, Astrachań, Persja, Indie”.
Bunin subtelnie sugeruje, że sprzeczne początki, połączenie wschodu i zachodu, na ogół współistnieją w duszy Rosjanina. Nie bez powodu napisano o stolicy, głowie państwa, Moskwie: „Dziwne miasto… św. Bazyli Błogosławiony i Spas-on-Bora, włoskie katedry - i coś kirgiskiego na końcach wieże na murach Kremla…”
Czytelnik dowiaduje się o postawach ideowych i umyśle ujmującej urody ze środowiska kulturowego, w którym żyje: „z jakiegoś powodu studiowała na kursach”, chętnie czyta nowe książki Hoffmannsthala, Schnitzlera, Tetmayera, Pshibyshevsky'ego, nowe opowiadania Andriejewa, uczęszcza do Koła Artystycznego i wykładów Andrieja Biełego, koncertów Chaliapina. Jej religią jest fascynacja filozofią Lwa Tołstoja. Portret pisarki niełatwo zajmuje centralne miejsce w domu, idea tego, czym jest dla niej szczęście, jest zgodna z Platonem Karatajewem: „Szczęście, mój przyjacielu, jest jak woda w nonsensie: ty wyciągnij - napuchło, ale wyciągasz - nic nie ma.
W bohaterce zaskakująco współistniały przeciwstawne uczucia: światowość i wzniosłość, umiejętność cieszenia się ziemskimi i duchowymi radościami („…zjadała dziennie całe pudełko czekolady, na obiad i kolację… uwielbiała placki z uchem miętusa, różowe cietrzew w smażonej na twardo kwaśnej śmietanie, czasami mówiła: „Nie rozumiem, jak to nie będzie przeszkadzać ludziom przez całe życie, jedząc codziennie lunch i kolację”, ale ona sama jadła i jadła z moskiewskim zrozumieniem sprawy. Jej oczywistą słabością były tylko dobre ubrania, aksamity, jedwabie, drogie futra…”), ale jednocześnie jest otwarta na świat twórczości, jak inaczej, jeśli nie miłością do Gribojedowa, wytłumaczyć pragnienie w Moskwa, aby znaleźć swój dom lub odwiedzić grób Czechowa, wymawia się dwuznaczną frazę: „Co za paskudna mieszanka rosyjskiego stylu liści i Teatru Artystycznego!”, Odnosząc się albo do pomnika pisarza, albo do jego dzieła ...
Z jednej strony jest w stanie podziwiać okropne piękno moralne: „Przed Piotrową Rus! Arcybiskup pochowany. I wyobraź sobie: trumna to dębowy pokład, jak w starożytności, złoty brokat jest jakby kuty, twarz zmarłego pokryta jest białym „powietrzem”, haftowanym dużą czarną ligaturą - piękno i przerażenie ”, ale w jednocześnie pociąga ją lekki śpiew kościelny. Klasztor Marfo-Mariinsky, Nowodziewiczy, klasztory Zachatiewskiego zapraszają, ale jednocześnie idzie na „posiłek do Pragi”, do Ermitażu, do Metropolu, po południu do teatrów, na koncerty, a potem do „Yar”, w „Strzelaniu”.
Przed nami młoda, zdrowa, rozwinięta osobowość, oczywiście o wielopłaszczyznowym, złożonym charakterze i wewnętrznym świecie, w którym zmagają się sprzeczne uczucia. Jakie to typowe dla naszej mentalności... A teraz, na styku zimy i wiosny, pogaństwa i prawosławia, przechodzi ją jedna z najtrudniejszych prób w życiu, próba miłości.
Kluczowym momentem dla zrozumienia zakończenia fabuły jest moim zdaniem moment, gdy bohaterowie w przeddzień pamiętnego dnia rozmawiają przy kolacji, a Ona zaczyna dziwną rozmowę, jakby przy okazji cytując rosyjską kronikę o księciu Pawle Muroma i jego pobożnej żony, w którym pojawia się motyw kuszenia, wyzwolenia. Historia pary książęcej stała się symbolem miłości i wierności. Dlaczego nagle poruszono ten temat i jaką odpowiedź chciała usłyszeć w odpowiedzi? Zakochany bohater, słuchając jej opowieści o wężu, odpowiada:
„Żartobliwie zrobiłem przerażające oczy:
- Och, co za horror!
Jestem pewien, że z punktu widzenia bohaterki ta opowieść o wężu i wiecznej wierności została opowiedziana świadomie, być może chciała usłyszeć od niego słowa w odpowiedzi, które utwierdziłyby ją w myśli o jego zdrowym, poważnym stosunku do ich uczucia i gotowość do prób, do uczuć wyżyn. Ale w odpowiedzi, niestety, otrzymuje tylko zabawną, żartobliwą odpowiedź.
Dlaczego bohater zareagował w taki sposób? Czy to frywolne podejście do niej? Myślę, że był po prostu zakochany, tak zakochany, że nie miało dla niego znaczenia, co ona mu mówi, każda informacja była odbierana jako coś znajomego, naturalnego, kochanego, dla niego ważne było tylko to, że była z nim i to było szczęście: „ A jutro i pojutrze wszystko będzie takie samo, pomyślałem, - ta sama mąka i to samo szczęście ... Cóż, w końcu - szczęście, wielkie szczęście! Ale, niestety, zrozumienie szczęścia wśród bohaterów okazało się zbyt różne ...
Muzyka Sonaty Księżycowej Beethovena, symbol żywiołów, namiętności, niepokoju, buntu, złych przeczuć, budzi w jej duszy wszystko to, co ukryte, podświadome, dotyka bolesnych punktów… W rezultacie sprzeczna dusza, w której ciemność i światło, ziemski i wzniosły zmagał się, wybiera dla siebie trudną drogę oczyszczenia i odejścia od zgiełku.
Być może dla bohaterki była to słuszna decyzja... Rozumie, że w równym stopniu interesują ją wielokierunkowe sfery, ale nie potrafi oddzielić ziarna od plew, co oznacza, w szeroko rozumianym chrześcijaństwie, że znajduje się w marności nad marnościami , na ścieżce nie stworzenia, ale zamętu, i dokąd ta droga może zaprowadzić… Rozumie, że nie będzie w stanie uszczęśliwić ukochanej.
Ale jak bolesne czasami te „właściwe decyzje” uderzają w tych, którzy obnażają swoje dusze, kładąc swoją miłość na ołtarzu… Wierzę, że w finale Bunin żywo wyraził swoją opinię na temat duszy Rosjanina, jeśli istnieje wybór między uczucia i świętość, jakby Rosjanin nie bardzo lubił, według Bunina zawsze wybierze Boga.
Kuprin zawsze stawiał ludzkie uczucia na pierwszym miejscu. "Człowiek przyszedł na świat po nieograniczoną wolność twórczości i szczęścia" -
te słowa z eseju Kuprina można potraktować jako motto do wszystkich jego
kreatywność. Wielki miłośnik życia, wierzył, że życie stanie się lepsze i marzył
że nadejdzie czas, kiedy wszyscy ludzie będą szczęśliwi. Śnij o szczęściu, śnij o
piękna miłość. Z jego wrodzonym wysokim artystycznym
gust, piękny język, subtelne zrozumienie psychiki swoich bohaterów, on
pisze o miłości. Być może najbardziej poetycką rzeczą Kuprina był „Granat
bransoletka” to wspaniała opowieść o nieodwzajemnionej wielkiej miłości, miłości,
„co powtarza się tylko raz na tysiąc lat”.
W opowiadaniu „Bransoletka z granatu” Kuprin tworzy kilka
symboliczne obrazy, na których zbudowany jest fundament narracji i
które niosą ze sobą cały ideologiczny sens tej historii.
„W połowie sierpnia, przed narodzinami księżyca, nagle nadszedł nów
obrzydliwa pogoda, tak charakterystyczna dla północnego wybrzeża
Morze Czarne” – początek historii można nazwać pierwszą postacią. Opis
pochmurno, wilgotno, ogólnie bardzo zła pogoda, a potem nagle
zmiana na lepsze ma ogromne znaczenie. Jeśli pod „młody
miesiąc”, aby zrozumieć główną bohaterkę opowieści, Vera Nikolaevna Sheina, żona
przywódczyni szlachty, a pod wpływem pogody przez całe życie okazuje się szara,
ale bardzo prawdziwy obraz. „Ale na początku września pogoda nagle zrobiła się ostra i
dość niespodziewanie się zmienił. Ciche, bezchmurne dni natychmiast nadeszły,
tak jasne, słoneczne i ciepłe, jakich jeszcze nie było w lipcu. „Gdzie to jest
zmiana jest tą samą wzniosłą i śmiertelną miłością, którą jest
mowa w opowiadaniu.
Następny symbol powinien nazywać się Księżniczka Vera Nikolaevna. Kuprin
opisuje ją jako niezależną, po królewsku spokojną, zimną
uroda: „…Vera poszła do swojej matki, pięknej Angielki, z jej wysoką elastycznością
figura, twarz łagodna, ale chłodna, piękna, choć spokojna
duże dłonie, takie jakie można zobaczyć na starych miniaturach.” Vera
Nikołajewna, szlachetna, niesamowita kobieta, symbolizuje osobę,
godne prawdziwej, „świętej” miłości.
Kuprin przywiązuje dużą wagę do „grubego, wysokiego, srebrnego
stary człowiek” - generał Anosow. To on otrzymał zadanie stworzenia Very
Nikołajewna, aby odnieść się do miłości tajemniczego G.S.Zh. poważniej.
Swoimi refleksjami na temat miłości generał pomaga wnuczce
Mogłem spojrzeć na swoje życie z Wasilijem z różnych punktów widzenia
Lwowicz. On jest właścicielem proroczych słów: „… może twój
ścieżka życia, Verochka, przecięła właśnie taką miłość, o której
marzą kobiety i do czego mężczyźni już nie są zdolni.” Generał
Anosov symbolizuje mądre starsze pokolenie. Autor mu zaufał
aby wyciągnąć bardzo ważny wniosek o wielkim znaczeniu w tej historii:
w naturze prawdziwa, święta miłość jest niezwykle rzadka i dostępna tylko dla nielicznych
i tylko tym, którzy na to zasłużyli. Przez całe życie Anosow nie spotkał ani jednego
taki przykład, ale nadal wierzy we wzniosłą miłość i
przekazuje swoje zaufanie Vera Nikolaevna.
Powodem rychłego zakończenia historii, która trwała ponad osiem lat, był prezent na dzień
narodziny Wiery Nikołajewnej. Ten prezent był
nowy symbol miłości, w którą wierzył generał Anosow iw którą wierzył
o której marzy każda kobieta - bransoletka z granatem. Jest cenny dla Żeltkowa
fakt, że nosiła go jego „zmarła matka”, dodatkowo starą bransoletkę
ma swoją historię: zgodnie z rodzinną tradycją ma zdolność przekazywania daru
zapobiegliwość kobietom go noszącym i chroni przed gwałtowną śmiercią... I
Vera Nikolaevna naprawdę nieoczekiwanie przewiduje: „Wiem o tym
ten człowiek się zabije.” Kuprin porównuje pięć granatów bransoletki z „pięciu
szkarłatne, krwawe ognie” i księżniczka, patrząca z niepokojem na bransoletkę
woła: „Jak krew!” Miłość, którą symbolizuje bransoletka, nie jest
nie podlega żadnym ustawom ani regulacjom. Ona może sprzeciwić się wszystkiemu
fundamenty społeczeństwa: Żeltkow jest tylko drobnym biednym urzędnikiem, a Wiera
Nikołajewna jest księżniczką. Ale ta okoliczność mu nie przeszkadza, nadal ją kocha,
zdając sobie tylko sprawę, że nic, nawet śmierć, nie uczyni go pięknym
uczucie: „...Twój posłuszny sługa przed śmiercią i po śmierci”. Niestety,
Vera Nikolaevna zbyt późno zrozumiała znaczenie bransoletki. Jest pokonana
Lęk. „I wszystkie jej myśli były przykute do tej nieznanej osoby,
którego nigdy nie widziała i raczej nie zobaczy, do tego zabawnego „Pe Pe Zhe”.
Księżniczka raz po raz przypomina sobie słowa generała Anosowa i cierpi
najtrudniejsze dla niej pytanie: co to było: miłość czy szaleństwo?
Ostatni list Żeltkowa stawia wszystko na swoim miejscu. On lubi. Kocha
beznadziejnie, namiętnie i idzie w swojej miłości do końca. Akceptuje swoje
czując się jak dar od Boga, jak wielkie szczęście: „To nie moja wina, Wiera Nikołajewna, że Bóg
miło mi było wysłać mi, jako ogromne szczęście, miłość do ciebie. „A nie
przeklina los i porzuca życie, odchodzi z wielką miłością w sercu,
zabierając ją ze sobą i mówiąc do ukochanej: „Święć się imię twoje!” I pozostaje
tylko dla ludzi symbol tej pięknej miłości do pięknej osoby - granat
bransoletka...
Nie chcę powiedzieć, że Kuprin był ateistą, nie, wierzył i kochał Boga, ale z jakiegoś powodu w jego dziełach miłość jest stawiana ponad mocami boskimi i jest wyrażana z bardziej wymowną pasją, wszechogarniającą miłością.
Książki można czytać na różne sposoby. Przeglądanie listów, składanie w całość tego, co jest napisane na papierze. Lub idź dalej: po zrozumieniu tego, co powiedział pisarz, łącząc swoją erudycję, wiedzę o życiu, świecie, pojawia się analityczne podejście do tekstu. Analizując, starając się zrozumieć niedopowiedzenie, skupiając się na wrażeniach czytelnika lub przypominając sobie, jak żył autor, jakie poglądy miał w momencie tworzenia dzieła, dla dokładniejszej interpretacji. Albo rozważ szczegółowo obecne w tekście nawiązania do innych utworów, serie słowne, epitety i metafory, za którymi niewątpliwie kryje się ubrany w słowa światopogląd i postrzeganie rzeczywistości przez autora. To dobrze znane kierunki, „sposoby” analizy tekstu literackiego.
Ogólnie rzecz biorąc, nasze badanie jednostek językowych o znaczeniu metaforycznym będzie leżeć na płaszczyźnie semazjologii stylistycznej. W tej gałęzi językoznawstwa analizuje się różne figury retoryczne (zwłaszcza tropy) z punktu widzenia zachodzących w nich przekształceń semantycznych i ich funkcji stylistycznej. Semantyczna interpretacja materiału pozwala rozpatrywać w tym zakresie figury retoryczne o dowolnym charakterze gramatycznym, to znaczy bez wpływu na to, czy są one wyrażone pojedynczym wyrazem, frazą, a może całym zdaniem.
Już w tytule spektaklu - "Dom, w którym łamią się serca" jest sformułowanie o znaczeniu metaforycznym - mamy oczywiście na myśli wyrażenie "serca pękają". Jest to przykład prostej metafory, jak I.V. nazywa ten typ. Arnolda (2). Nie będziemy jednak rozważać badania I.V. Arnolda jako podstawy charakteryzowania metafor, tylko krótko dotkniemy podstawowego prostego podziału słów i wolnych zwrotów o znaczeniu metaforycznym. W powyższej analizie angielskiej wersji sztuki wyrażenie „Heartbreak House” jest zapisane w dwóch słowach: „Heartbreak House”. Jest to przykład ilustrujący z punktu widzenia analizy porównawczej obu języków. Tworzenie słów w języku angielskim zasadniczo różni się od podobnego procesu w języku rosyjskim z tego prostego powodu, że angielski jest językiem analitycznym, a rosyjski jest językiem fleksyjnym.
Wróćmy jednak bezpośrednio do definicji składników metafory „złamanego serca”. Słowo „serce” jest naszym zdaniem nośnikiem figuratywności, ponieważ B. Shaw używał go nie w bezpośrednim „dosłownym” sensie, ale w sensie przenośnym, a więc metaforycznym. Ogólnie rzecz biorąc, wyrażenia takie jak „złamałeś mi serce”, „złamane serce”, najbliższe rozważanej opcji oraz wyrażenia „serce płacze”, „serce jęczy” są dość często używane zarówno w prozie, jak i w poezji oraz połowa z przedstawionych opcji znajduje się w słowniku frazeologicznym. Uważamy za zbyteczne podawanie tutaj przykładu użycia któregokolwiek z tych wyrażeń w dziełach pisarzy i poetów. Obraz kochającego serca, złamanego serca itp., to częste charakterystyczne obrazy w twórczości każdego pisarza działającego w „dziedzinie pisarza”. Stwierdziliśmy zatem, że powyższa metafora nie jest autorskim okazjonalizmem, a wręcz przeciwnie, jest jaskrawym przykładem metafory poetyckiej (w odniesieniu do klasyfikacji O.S. Achmanowej (5)). zwany figuratywnym językiem ogólnym, a dokładniej ogólną metaforą stylistyczną figuratywną, której figuratywny charakter jest wyraźnie odczuwany przez mówcę.
Wybór tak plastycznie figuratywnej metafory zawartej w tytule nie jest dla autorki przypadkowy. Sam Shaw odnotowuje to we wstępie do sztuki, mówiąc, że w dramacie ukazuje dwie przeciwstawne sobie siły. Alegorycznie można je nazwać „Domem złamanych serc” i „Horseback Hall” („Dom, w którym łamią się serca” i „Maneż, po którym kręcą się konie”). Mieszkańcy „Domu” to intelektualiści, mieszkańcy „Maneżu” to biznesmeni. Walka społeczna jest ukazana przez dramatopisarza jako zderzenie tych dwóch sił.
Jest rzeczą oczywistą, że metaforyczne odczytanie wyrażenia „serca są złamane” różni się od dosłownego: wyrażenie, które w dosłownym znaczeniu odnosi się do cech fizycznych np. klasy przedmiotów nieożywionych, mających jednak w swojej semantyce ślad bycia, w wyniku czego żaden z przedmiotów należących do klasy narządów wewnętrznych nie może być wyróżniony w taki sam sposób jak „serce”, wyrażając to samo pomysł.
Zestawiając badany językowy komponent figuratywny – metaforę „serca pękają” z teorią M. Blacka (9), możemy wyróżnić tzw. „ognisko” metafory i jej otoczenie – „ramę”. A potem spróbujemy wyjaśnić, dlaczego ten „kadr” w połączeniu z tym „ogniskiem” daje obraz metaforyczny.
Tak więc, zgodnie z koncepcją substytucji, ognisko metafory (czyli wyraźnie metaforyczne słowo wstawione w ramy bezpośrednich znaczeń słów) służy przekazaniu znaczenia, które w zasadzie można wyrazić dosłownie. Możemy stwierdzić, że tematem tej metafory jest słowo „serce”. Autor używa go zamiast kolejnego ciągu pojęć (nadzieje, oczekiwania, aspiracje itp.), które są abstrakcyjne w przeciwieństwie do całkowicie zmaterializowanego pojęcia „serce”. Słowo jest substytutem (lub środkiem przekazu) nie dla odrębnego wrażenia otrzymanego w przeszłości, ale dla kombinacji ogólnych cech ”(17, s. 46). To stwierdzenie Ivora A. Richardsa jest ogólnym sformułowaniem tworzenie metafory.
Drugim elementem prostej w budowie metafory – odpowiednio „rozbić” jest rama. Nowy, odmienny kontekst słowa „serce”, czyli ognisko metafory, powoduje poszerzenie znaczenia słowa ogniskowego poprzez „ramę”. Słowo będące przedmiotem metafory nie zmieniło swojego znaczenia w „systemie ogólnie przyjętych skojarzeń” (1, s. 165), a jedynie poszerzyło swoje znaczenie.
Spróbujmy wyjaśnić powyższe: „analogia” od razu przychodzi na myśl czytelnikowi, ale bliższe przyjrzenie się metaforze pokazuje, że sama analogia wcale nie wystarczy: zmiana znaczenia następuje poprzez uwarunkowania kontekstowe w szerokim tego słowa znaczeniu” kontekst". Z tego wynika, że mówiąc o metaforycznym wyrażeniu „złamane serce” trzeba wziąć pod uwagę resztę „środowiska” – czyli pełną nazwę spektaklu „Dom, w którym łamią się serca”.
W obronie podanej przed chwilą rozszerzonej wersji metafory można przytoczyć następującą wypowiedź E. McCormacka: „Metaforę w całym jej pięknie można zrealizować tylko poprzez rozszerzony korelat” (34, s. 88). W naszym przypadku korelat jest wyrażony terminem „rama”. Cały manifest estetyczny B. Shawa można wydedukować w następujących słowach: „Ekspresyjność wypowiedzi jest alfą i omegą stylu”. Styl dla Shawa to przede wszystkim myśl, która pochłania życie, przywracając mu realistyczne obrazy, które wpływają na umysły ludzi.
To przejście do problematyki obrazu i stylu nie jest na ogół przypadkowe w naszej pracy. Obraz jest źródłem podstawowych pojęć semiotycznych, których strukturę tworzy interakcja zasadniczo różnych płaszczyzn – płaszczyzny ekspresji i płaszczyzny treści. Metafora bardzo często definiowana jest poprzez odwołanie się do obrazu tworzonego przez figuratywne znaczenie jednostek językowych. Obraz ten w wąskim znaczeniu służy jako moment kompozycyjny w tworzeniu wizerunku bohatera literackiego, postaci, a czasem symbolu artystycznego – jak w naszym przypadku. Obraz domu, w którym łamią się serca zarówno ludzi młodych, jak i tych bardziej dojrzałych, B. Shaw stworzył nie bez pomocy metaforycznego przekazu, który wraz z innymi tropami służył jako „narzędzie” dla obrazowania i symboliki. Weźmy jako dowód linie N.I. Isachkina: „Symbolika Spektaklu jest dwoista – często nie tylko pozwala utrwalić w formie figuratywnej szerokie uogólnienia społeczne, ale także maskuje sprzeczności i oszołomienie dramatopisarza” (18, s. 53). dalsze NI Isachkina w swojej pracy badawczej nad twórczością B. Shawa komentuje użycie pojęcia „złamanego serca”. Mówi, że nabiera to szczególnego znaczenia w kontekście całego spektaklu. Spektakl traktuje temat „złamanego serca” na dwa sposoby: w życiu codziennym, gdy przyczyną „złamanego serca” jest nieudana miłość, oraz w filozoficznym, gdy jego przyczyną okazuje się historyczna bezczasowość.
Podsumowując wszystkie wypowiedzi podane wcześniej, można narysować następujący obraz: koncepcja „Dom, w którym łamią się serca” („Dom złamanych serc”) jest metaforyczna ze względu na figuratywne, przenośne znaczenie pojęcia „serce”, które służy jako ogniskowa i przy znanej ekspansji kontekstualnej tworzy takie znaczenie, które z jednej strony wynika z rozwoju sztuki, której tytuł stanowi omawiana metafora, z drugiej strony ujawnia figuratywną, do pewnego stopnia nawet filozoficzną koncepcję „Domu” jako rozszerzonego znaczenia.
Ten podręcznik zawiera najpopularniejsze eseje oparte na dziełach wielkich pisarzy i poetów XX wieku. Ta książka pomoże ci szybko zapoznać się z twórczością A. P. Czechowa, I. Bunina, M. Gorkiego, A. Błoka, W. Majakowskiego, A. Achmatowej, M. Cwietajewej, S. Jesienina i innych geniuszy literatury rosyjskiej, jak jak również będą nieocenione w przygotowaniu do egzaminów. Podręcznik ten jest przeznaczony dla uczniów i studentów.
10. Rola metafory w prozie I. Bunina
Cechą prozy I. Bunina jest jej liryzm. Opowiadania pisarza sprawiają wrażenie jakiejś poezji, poczucie pustego wiersza. Dlatego I. Bunin używa metafory jako jednej z głównych metod wyrażania głównej myśli, idei, emocji dzieła.
Jest to szczególnie widoczne w opowieściach, w których głównym przedmiotem obrazu jest „dramat” miłosny. Często za pomocą jednego metaforycznego obrazu I. Bunin tworzy całą historię.
Weźmy na przykład opowiadanie „Udar słoneczny” z 1925 roku. Już sam tytuł tej pracy zawiera obraz metaforyczny. Chociaż nie czytaliśmy jeszcze tej historii, możemy potraktować to zdanie dosłownie: konsekwencje przebywania człowieka pod słońcem. Jednak w kontekście mamy do czynienia z przenośnym, metaforycznym znaczeniem tego wyrażenia. Bohaterka, usprawiedliwiając swoje namiętne pożądanie i swój czyn, żegna się: „Oboje dostaliśmy coś w rodzaju udaru słonecznego…”
Temat „słońca” staje się motywem przewodnim opowieści. To właśnie z tym obrazem autorka kojarzy miłość, pasję!
Czy uczucie między bohaterami rodzi się na statku, a może wcześniej w jadalni? „Po kolacji opuściliśmy jasno i gorąco oświetloną jadalnię na pokładzie…” Użycie metafory „gorąco oświetlonej jadalni” stwarza poczucie naturalności „światła elektrycznego”. Ta naturalność powstaje wraz z rodzącym się uczuciem bohaterów. Potem następuje stopniowy wzrost „wzajemnego pożądania”, rozpala się ogień miłości i już czujemy „zapach dymu”. Bohater też to czuje: „Porucznik wziął ją za rękę, podniósł do ust. Ręka, mała i mocna, pachniała oparzeniami słonecznymi. Rozwój uczucia miłosnego, namiętności między bohaterami osiąga swoją kulminację już na brzegu. A raczej w hotelu: „Weszliśmy do dużego, ale strasznie dusznego, nagrzanego w dzień słońcem pokoju…” I znowu metaforyczny obraz ognia, ognia, ognia, na którym pojawiło się uczucie tak szybko się wypali! Dalsza egzystencja bohatera bez „ukochanej” pozbawiona jest obecności słońca. Wraz z bohaterką miłość i światło opuszczają życie bohatera, choć nadal cierpi psychicznie. Finał opowieści oznacza „finał” nagle powstałego uczucia: „Ciemny letni świt zbladł daleko przed nami, ponury, senny i barwnie odbijający się w rzece”.
Miłość Bunina nie trwa długo - w rodzinie, w małżeństwie, w życiu codziennym. Zasadniczo jest to krótki, oślepiający błysk, rozświetlający dusze kochanków do dna. Niemniej jednak w tych szczęśliwych chwilach, dla których warto żyć i znosić każde cierpienie, tkwi słodycz ludzkiego życia. Tak więc, według Bunina, gorycz i słodycz są ze sobą ściśle powiązane: aby poczuć słodycz życia, trzeba wypić kielich goryczy do dna ...
Możemy więc stwierdzić, że historia „Udar słoneczny” jest całkowicie zbudowana na metaforycznych obrazach takich serii: „miłość-ogień”, „miłość-światło”, „miłość-ognisko”. Z podobnymi metaforycznymi obrazami spotkamy się nie raz w cyklu opowiadań „Ciemne zaułki”. Warto zauważyć, że taki metaforyczny obraz miłości można nazwać stabilnym w literaturze rosyjskiej, zarówno klasycznej, jak i współczesnej.
Temat znaczenia metafory w twórczości I. Bunina (proza) wymaga oczywiście szerszego namysłu, ale zdecydowałem się na konkretny przykład – opowiadanie „Udar słoneczny”, aby zwrócić większą uwagę na rozwój metafora i obraz metaforyczny w twórczości I. Bunina.
* * *
Poniższy fragment książki Prace nad literaturą rosyjską XX wieku. (AG Łuchminskaja, 2009) dostarczone przez naszego partnera książkowego -
Jedną z najważniejszych części dzieła literackiego jest jego tytuł lub tytuł. Ta część jest najważniejsza, ponieważ to właśnie tytuł daje czytelnikowi jasne zrozumienie, o czym będzie praca, lub po przeczytaniu czytelnik może zrozumieć, jaki temat autor starał się przekazać czytelnikowi. Bardzo często tytuł pracy wyjaśnia czytelnikowi temat, który autor starał się mu przekazać, ponieważ zwykle pisarze nadają tytułom swoich dzieł znacznie więcej znaczenia niż tylko cel, jakim jest jakoś zatytułować swoją twórczość literacką. Doskonałym przykładem są prace Bunina i Kuprina, w których autorzy ci już wiele mówią za pomocą tytułu.
Autorzy ci zawsze starali się w swoich pracach osiągnąć właśnie zrozumienie czytelnika, zrozumienie swoich myśli i idei, które tak bardzo starają się przekazać swoim czytelnikom. Bardzo często tematem takich prac są ci sami ludzie, w ich najprostszej, codziennej postaci, w jakiej pojawiają się przed nami w naszym codziennym życiu. Autorzy bardzo często poruszali tematy związane z charakterem człowieka i jego interakcją w ludzkim społeczeństwie. W ten sposób autorzy starali się przekazać czytelnikowi ideę, że w naszym społeczeństwie bardzo często występują problemy spowodowane właśnie przez ludzkie charaktery, z powodu których powstają konflikty.
Bardzo często autorzy poruszają też tematy wzniosłego, nie przyziemnego, codziennego myślenia, które tkwi w większości ludzi. Autorzy zastanawiają się nad rzeczami, które są fundamentalnymi koncepcjami całego ludzkiego życia. Takimi tematami są zwykle tematy życia i śmierci, skończoności życia i tego, co czeka człowieka po śmierci. Mówili o tym, że na pewno coś będzie, że to wszystko nie poszło na marne. Bardzo często tytuły ich prac są odwróconym, metaforycznie zmienionym tematem, który autor zresztą porusza w swojej pracy, przykładem jest ten sam tytuł pracy Bunina „Ciemne zaułki”. W tej pracy autor przedstawia ideę ludzkiej chciwości, najgorsze aspekty ludzkiej natury, wszystkie te mroczne rzeczy, które niestety bardzo często objawiają się w ludzkim świecie.
Widzimy więc, że Bunin i Kuprin pisali swoje prace pod bardzo metaforycznymi tytułami.
`Popularne pisma
- Kompozycja Piękno (Czym jest piękno)
Piękno to pojęcie abstrakcyjne. Dla niektórych coś będzie piękne, a dla innych odwrotnie. Jednak każdy z nas potrafi dostrzec piękno oczu bliźniego, w powiewie wiatru, w padających zimą płatkach śniegu, czy ogólniej w przyrodzie.
- Kompozycja na podstawie obrazu Portret Arsenyevy Borowikowskiego (opis dla klas 5, 9)
Portret przedstawia młodą dziewczynę w wieku około siedemnastu lat. Ma słodką twarz, śnieżnobiałą skórę i różowe policzki. Piękne kręcone włosy, pulchne policzki i przenikliwe spojrzenie
- Kompozycja Kobiece wizerunki w powieści Cichy Don (Rola kobiecych wizerunków)
Wspaniały pisarz, na którego koncie najsłynniejsze i największe dzieła wszechczasów - Michaił Szołochow. Dzięki powieści zyskał szeroką sławę i popularność