Najlepsze zdjęcia wszechczasów. Najsłynniejsze obrazy świata. Najsłynniejsze rosyjskie obrazy

brytyjski dziennik The Times w rankingu 200 najlepszych artystówżyjący od początku XX wieku do dnia dzisiejszego.

W rezultacie, według brytyjskich czytelników, pierwsze miejsce zajęty przez wielkiego hiszpańskiego artystę Pablo Picasso.

Drugie miejsce oddany postimpresjonizmowi Paweł Cezanne, trzeci - założyciel austriackiej secesji Gustawa Klimta. Ostatnią linijkę zajmuje współczesny japoński artysta Hiroshi Sujimoto.

Artyści francuscy pojawiają się w pierwszej dziesiątce Claude Monet, Henri Matisse, Marcel Duchamp i amerykański artysta Jacksona Pollocka.
Pierwszą dziesiątkę zamyka legenda pop-artu Andy'ego Warhole'a, przedstawiciel abstrakcjonizmu Willema de Kooninga i słynny modernista Pieta Mondriana.
Nie sposób nie zauważyć przeceniania ocen niektórych artystów i ignorowania innych, nie mniej utalentowanych. Redaktorzy The Times, podsumowując wyniki ankiety, są zdumieni: „Co robi Martin Kippenberger w pierwszej dwudziestce? Dlaczego jest oceniany wyżej niż Rothko, Schiele i Klee? Czy Munch (46. miejsce) jest gorszy od Fridy Kahlo? Najprawdopodobniej wynika to z chęci kobiet do umieszczenia płci pięknej jak najwyżej w rankingu.

Od rosyjskich artystów pojawić się w rankingu Bazylia Kandyński(15 miejsce), twórca Czarnego kwadratu „Kazimierz Malewicz(17.). 95. oznaczony ukraińsko-amerykański artysta Alexander Archipenko. 135. - jeden z założycieli konstruktywizmu Aleksander Rodczenko. Również w zestawieniu Marca Chagalla-71st i Władimir Tatlin- 145.

Tutaj 20 najlepszych artystów XX wieku, według brytyjskich miłośników sztuki

Dwudziestu najlepszych artystów XX i początku XXI wieku

1. Pabla Picassa

2. Paula Cezanne'a

3. Gustawa Klimta

4. Claude'a Moneta

5. Marcela Duchampa

6. Henriego Matisse'a

7. Jacksona Pollocka

8. Andy'ego Warhola

9. Willema de Kooninga

10. Pieta Mondriana

11. Paul Gauguin

12. Francis Bacon

13. Roberta Rauschenberga

14. George'a Braque'a

15. Wasilij Kandinsky

16. Constantin Brancusi

17. Kazimierz Malewicz

18. Jaspera Johnsa

19. Frida Kahlo

20. Martina Kippenbergera
………………
Tak, gdyby takie badanie przeprowadzono w naszym kraju, lista wyglądałaby zupełnie inaczej. Podobnie jak listy najlepszych dzieł literackich – w każdym kraju znacznie się różnią.
Ale jak dotąd mamy tylko tę listę, w której nie znamy wielu artystów.
Dlatego - oto krótka opowieść o pierwszych dwudziestu artystach.
Pełna lista 200 najlepszych artystów XX i początku XXI wieku- na końcu postu.
...................
1.Pabla Picassa- hiszpański artysta, grafik

8. Andy'ego Warhola(prawdziwe imię - Andrzej Warhola, Rusin. Andrij Wargoła; 1928-1987) to amerykański artysta i producent, wybitna postać w historii pop-artu i sztuki nowoczesnej w ogóle. Twórca ideologii „homo universale”.
Warhol stworzył kilka obrazów, które stały się sensacją w świecie sztuki. W 1960 roku stworzył projekty puszek Coca-Coli, które przyniosły mu sławę artysty o niezwykłej wizji sztuki. A w latach 1960-1962 pojawił się cykl prac przedstawiających puszki zupy Campbella.


Warhola jeden z pierwszych, który wykorzystał sitodruk i sitodruk jako metodę tworzenia obrazów.
Warhol stworzył wiele obrazów, na których przedstawiał idoli współczesnego społeczeństwa. Wśród gwiazd, które namalował Andy: powracająca Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor, The Beatles, Michael Jackson, Lenin i inni. Te rysunki w jasnych kolorach stały się znakiem rozpoznawczym Warhola. odtwarzając atmosferę Ameryki lat 60.


Według krytyków obrazy te odzwierciedlały wulgarność kultury masowej konsumpcji, mentalność zachodniej cywilizacji. Warhol zaliczany jest do przedstawicieli pop-artu i sztuki konceptualnej, takich jak Robert Rauschenberg, Jasper Johns czy Roy Lichtenstein.Obecnie ceny jego obrazów sięgają dziesiątek milionów dolarów. Wokół postaci Warhola skupiła się cała subkultura.

W 2015 roku obraz został sprzedany władzom Muzeum Kataru za 300 milionów dolarów. 287\237\225

12. Francis Bacon-(1909-1992) - angielski artysta- ekspresjonista. Malarstwo Bacona jest zawsze wyraziste, jest rodzajem krzyku, który przekazuje tragizm istnienia. Głównym tematem jego prac jest ludzkie ciało – zniekształcone, wydłużone, zamknięte w geometrycznych kształtach. Kilka dzieł znajduje się na liście najdroższych obrazów.

14 maja 2008 roku w Sotheby's sprzedano Landmark of the Canonical 20th Century Landmark of the Canonical 20th Century z 1976 roku za 86,3 miliona dolarów. Sprzedane przez rodzinę Muy, właścicieli produkcji wina Château Pétrus, rosyjskiemu miliarderowi Romanowi Abramowiczowi. A malarz otrzymał tytuł najdroższego artysty powojennego i zajął trzecie miejsce w pierwszej dziesiątce najdroższych artystów świata w ogóle, ustępując jedynie Picasso i Klimtowi. 180\122\96

13.Roberta Rauschenberga(1925, Port Arthur -2008, Captiva Island, Floryda) to amerykańska artystka. Przedstawiciel abstrakcyjnego ekspresjonizmu, a następnie sztuki konceptualnej i pop-artu, w swoich pracach skłaniał się ku technice kolażu i gotowych, zużytych śmieci.
Podobnie jak inni przedstawiciele pop-artu, swoją wizję świata starał się wyrazić w niezwykłych, szokujących formach. W tym celu wykorzystano płótna, kolaże, instalacje.
Na początku lat 50. Rauschenberg przeszedł przez trzy etapy tworzenia obrazów:
„biały obraz” – czarne cyfry i niektóre symbole są przedstawione na białym tle.
„Czarny obraz” – na płótno naklejano skrawki gazet, a wszystko to pokrywano czarną emalią.
„Czerwony obraz” – abstrakcyjne płótna w tonacji czerwieni, częściowo z naklejkami z gazet, paznokciami, fotografiami itp.
W 1953 roku Rauschenberg wymazał rysunek Willema de Kooninga i wystawił go pod tytułem „Erased De Kooning Drawing”, podnosząc kwestię natury sztuki.

Od połowy lat 50. Rauschenberg tworzy obiekty przestrzenne, które nazywa „obrazami kombinowanymi”, np.:
„Odalisque” (poduszka satynowa, kurczak faszerowany, fotografie i reprodukcje)
"Łóżko" - łóżko poplamione farbą i ustawione pionowo...


Pod koniec lat 50. opanował do perfekcji technikę frotażu (przecierania wprowadzonego do sztuki przez Maxa Ernsta) do przenoszenia fotografii z czasopism na papier. Rauschenberg wykorzystał go do stworzenia cyklu graficznego 34 ilustracji do Piekła Dantego w stylu pop-art. W 1962 roku opanował technikę sitodruku i stworzył w niej szereg dużych prac. Jeden z obrazów z tej serii droga do nieba» ( sposób nieba, 1964). Na nim symbole popkultury (na przykład amerykańscy astronauci) współistnieją z wizerunkami Rubensa.

Rauschenberg jest posiadaczem wielu nagród, m.in.: głównej nagrody na Biennale w Wenecji, Grammy, Medalu Narodowego Stanów Zjednoczonych, Cesarskiej Nagrody Japonii i innych.
W latach 60. i 70. Rauschenberg zajmował się performansem, happeningiem i innymi akcjami teatralnymi.

1 Pabla Picassa 21587
2 Paul Cezanne 21098
3 Gustaw Klimt 20823
4 Claude Monet 20684
5 Marcel Duchamp 20647
6 Henry Matisse 17096
7 Jacksona Pollocka 17051
8 Andy'ego Warhola 17047
9 Willem de Kooning 17042
10 Piet Mondrian 17028
11 Paul Gauguin 17027
12 Franciszek Bacon 17018
13 Roberta Rauschenberga 16956
14 Georges Braque 16788
15 Wassily Kandinsky 16055
16 Constantin Brancusi 14224
17 Kazimierz Malewicz 13609
18 Jasper Johns 12988
19 Fridy Kahlo 12940
20 Martina Kippenbergera 12784
21 Paweł Klee
22 Egon Schiele
23 Donalda Judda
24 Bruce'a Naumana
25 Alberto Giacomettiego
26 Salvadora Dali
27 Augusta Rodina
28 Marek Rothko
29 Edwarda Hoppera
30 Lucjan Freud
31 Richarda Serry
32 René Magritte'a
33 Davida Hockneya
34 Philipa Gastona
35 Gary Cartier-Bresson 8779
36 Pierre'a Bonnarda
37 Jeana-Michela Basquiata
38 Maks Ernst
39 Diane Arbus
40 Georgia O'Keefe
41 Cy Dwumbly
42 Maksa Beckmanna
43 Barneta Newmana
44 Giorgio de Chirico
45 Roy Lichtenstein 7441
46 Edwarda Muncha
47 Pierre August Renoir
48 mężczyzn Ray
49 Henry'ego Moore'a
50 Cindy Sherman
51 Jeffa Koonsa
52 Tracey Emin
53 Damiena Hirsta
54 Yves Klein
55 Henryk Russo
56 Chaima Soutine'a
57 Archil Gorki
58 Amadeo Modiglianiego
59 Umberto Boccioniego
60 Jeana Dubuffeta
61 Ewa Hesse
62 Edwarda Villarda
63 Karol Andrzej
64 Juan Gris
65 Lucia Fontany
66 Franz Kline
67 Davida Smitha
68 Josepha Beuysa
69 Aleksandra Caldera
70 Louise Bourgeois
71 Marca Chagalla
72 Gerharda Richtera
73 Balthusa
74 Joan Miro
75 Ernsta Ludwiga Kirchnera
76 Franek Stella
77 Georg Baselitz
78 Franciszek Picabia
79 Jenny Saville
80 Dan Flavin
81 Alfreda Stiglitza
82 Anzelma Kiefera
83 Mateusza Burneya
84 Georges Gros
85 Bernd i Hilla Becherowie
86 Sigmara Polke
87 Bryce'a Mardena
88 Maurizia Catellana
89 Saula Levitta
90 Zamknięcie uchwytu 2915
91 Edwarda Westona
92 Józefa Kornela
93 Karel Appel
94 Bridget Riley
95 Aleksander Archipenko
96 Antoniego Caro
97 Richarda Hamiltona
98 Clifford Still
99 Luca Tuymansa
100 klasa Oldenburga
101 Eduardo Luigi Paolozzi
102 Franka Auerbacha
103 Dinos i Jake Chapman
104 Marlena Dumas
105 Tapies Antony
106 Giorgio Morandiego
107 Walkera Evansa
108 Nan Goldin
109 Roberta Franka
110 Georges Rouault
111 Arp Hans
112 sierpnia Nadawca
113 Jamesa Rosenquista
114 Andrzej Gurski
115 Eugeniusz Atget
116 Jeffa Walla
117 Ellsworth Kelly
118 Billa Brandta
119 Christo i Jean-Claude
120 Howarda Hodgkina
121 Józefa Albersa
122 Piero Manzoniego
123 Agnieszka Marcin
124 Anish Kapoor
125 LS Lowry
126 Roberta Motherwella
127 Roberta Delaunaya
128 Stuarta Davisa
129 Ed Ruscha
130 Gilberta i Jerzego 2729
131 Stanleya Spencera
132 Jamesa Ensora
133 Fernarda Ledgera
134 Brassai (Gyula Halas)
135 Aleksander Rodczenko
136 Roberta Rymana
137 Eda Reindharda
138 Hansa Belmera
139 Iza Genzken
140 Kees van Dongen
141 Weegee
142 Paula Rego
143 Thomasa Harta Bentona
144 Hansa Hoffmanna
145 Władimir Tatlin
146 Odilon Redon
147 George'a Segala
148 Jörga Imendorffa
149 Roberta Smithsona
150 Peter Doig 2324
151 Ed i Nancy Kienholz
152 Ryszard Prince
153 Ansel Adams
154 Naum Gabo 2256
155 Diego Rivera 2239
156 Barbary Hepworth 2237
157 Nicola de Stael 2237
158 Walter de Maria 2229
159 Felix Gonzalez-Torres 2228
160 Giacomo Balla 2225
161 Ben Nicholson 2221
162 Anthony Gormley 2218
163 Lionel Feininger 2216
164 Emil Nolde 2213
165 Marka Wallingera 2211
166 Hermann Nietzsch 2209
167 Paul Signac 2209
168 Jan Tigli 2209
169 Kurt Schwitters 2209
170 Grayson Perry 2208
171 Julian Schnabel 2208
172 Raymond Duchamp-Villon 2208
173 Robert Gobert 2208
174 Duane Hanson 2208
175 Ryszard Diebenkorn 2207
176 Apex Katz 2207
177 Alighiero Boetti 2206
178 Godier-Brzeska Henri 2206
179 Laszlo Moholy-Nagy 2205
180 Jacques-Henri Lartigue 2205
181 Robert Morris 2205artystów

Niemal w każdym znaczącym dziele sztuki kryje się tajemnica, podwójne dno lub sekretna historia, którą chcesz odkryć.

Muzyka na pośladkach

Hieronim Bosch, Ogród rozkoszy ziemskich, 1500-1510.

Fragment tryptyku

Spory o znaczenia i ukryte znaczenia najsłynniejszego dzieła holenderskiego artysty nie cichną od czasu jego pojawienia się. Na prawym skrzydle tryptyku zwanego „Muzycznym piekłem” ukazani są grzesznicy torturowani w podziemiach przy pomocy instrumentów muzycznych. Jeden z nich ma notatki odciśnięte na pośladkach. Studentka Oklahoma Christian University, Amelia Hamrick, która studiowała obraz, przetransponowała XVI-wieczny zapis na współczesny zwrot i nagrała „500-letnią piekielną pieśń”.

Naga Mona Lisa

Słynna „Gioconda” istnieje w dwóch wersjach: wersja naga nazywa się „Monna Vanna”, namalował ją mało znany artysta Salai, który był uczniem i opiekunem wielkiego Leonarda da Vinci. Wielu krytyków sztuki jest przekonanych, że to on był wzorem dla obrazów Leonarda „Jan Chrzciciel” i „Bachus”. Istnieją również wersje, w których ubrana w kobiecą sukienkę Salai służyła jako wizerunek samej Mony Lisy.

Stary rybak

W 1902 roku węgierski artysta Tivadar Kostka Chontvari namalował obraz „Stary rybak”. Wydawałoby się, że na obrazie nie ma nic niezwykłego, ale Tivadar umieścił w nim podtekst, który nigdy nie został ujawniony za życia artysty.

Niewiele osób pomyślało o umieszczeniu lustra na środku obrazu. W każdej osobie może być zarówno Bóg (prawe ramię Starca jest zduplikowane), jak i Diabeł (lewe ramię Starca jest zduplikowane).

Czy był wieloryb?

Hendrika van Antonissena „Scena na brzegu”.

Wydawało się, że to zwykły krajobraz. Łodzie, ludzie na brzegu i pustynnym morzu. I dopiero badanie rentgenowskie wykazało, że ludzie gromadzili się na brzegu nie bez powodu - w oryginale badali zwłoki wieloryba wyrzuconego na brzeg.

Artysta uznał jednak, że nikt nie będzie chciał patrzeć na martwego wieloryba i przemalował obraz.

Dwa „Śniadania na trawie”

Edouard Manet, Obiad na trawie, 1863.

Claude Monet, Śniadanie na trawie, 1865.

Artyści Edouard Manet i Claude Monet są czasami zdezorientowani - w końcu obaj byli Francuzami, żyli w tym samym czasie i pracowali w stylu impresjonizmu. Nawet tytuł jednego z najsłynniejszych obrazów Maneta, „Śniadanie na trawie”, Monet pożyczył i napisał swoje „Śniadanie na trawie”.

Bliźniacy na Ostatniej Wieczerzy

Leonardo da Vinci, Ostatnia Wieczerza, 1495-1498.

Kiedy Leonardo da Vinci pisał Ostatnią wieczerzę, szczególną wagę przywiązywał do dwóch postaci: Chrystusa i Judasza. Bardzo długo szukał dla nich opiekunek. W końcu udało mu się znaleźć wśród młodych śpiewaków wzór obrazu Chrystusa. Leonardo przez trzy lata nie mógł znaleźć opiekunki dla Judasza. Ale pewnego dnia natknął się na pijaka leżącego w rynsztoku na ulicy. Był młodym mężczyzną, który postarzał się przez intensywne picie. Leonardo zaprosił go do tawerny, gdzie od razu zaczął pisać od niego Judasza. Kiedy pijak opamiętał się, powiedział artyście, że już raz mu pozował. To było kilka lat temu, kiedy śpiewał w kościelnym chórze, Leonardo napisał od niego Chrystusa.

„Straż nocna” czy „Straż dzienna”?

Rembrandt, Straż nocna, 1642.

Jeden z najsłynniejszych obrazów Rembrandta, „Występ kompanii strzelców kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenbürga”, wisiał w różnych salach przez około dwieście lat i został odkryty przez historyków sztuki dopiero w XIX wieku. Ponieważ postaci zdawały się wyróżniać na ciemnym tle, nazwano ją Nocną Strażą i pod taką nazwą weszła do skarbnicy światowej sztuki.

I dopiero podczas renowacji przeprowadzonej w 1947 roku okazało się, że w sieni obraz zdążył już pokryć się warstwą sadzy, która zniekształciła jego kolor. Po oczyszczeniu oryginalnego obrazu ostatecznie ujawniono, że scena przedstawiona przez Rembrandta faktycznie rozgrywa się w ciągu dnia. Pozycja cienia z lewej ręki Kapitana Koka pokazuje, że czas trwania akcji to nie więcej niż 14 godzin.

wywrócona łódź

Henri Matisse, „Łódź”, 1937.

W nowojorskim Museum of Modern Art w 1961 roku wystawiono obraz Henri Matisse'a „The Boat”. Dopiero po 47 dniach ktoś zauważył, że obraz wisi do góry nogami. Płótno przedstawia 10 fioletowych linii i dwa niebieskie żagle na białym tle. Artysta nie bez powodu namalował dwa żagle, drugi żagiel jest odbiciem pierwszego na powierzchni wody.
Aby nie pomylić się z tym, jak obraz powinien się zawiesić, musisz zwrócić uwagę na szczegóły. Większy żagiel powinien znajdować się na górze obrazu, a szczyt żagla obrazu powinien być skierowany w prawy górny róg.

Oszustwo w autoportrecie

Vincent van Gogh, Autoportret z fajką, 1889.

Istnieją legendy, że Van Gogh rzekomo odciął sobie ucho. Teraz najbardziej wiarygodną wersją jest to, że ucho van Gogha zostało uszkodzone w małej bójce z udziałem innego artysty, Paula Gauguina.

Autoportret jest interesujący, ponieważ oddaje rzeczywistość w zniekształconej postaci: artysta jest przedstawiony z zabandażowanym prawym uchem, ponieważ podczas pracy korzystał z lustra. W rzeczywistości lewe ucho zostało uszkodzone.

obce niedźwiedzie

Iwan Szyszkin, „Poranek w sosnowym lesie”, 1889.

Słynny obraz należy nie tylko do pędzla Shishkina. Wielu zaprzyjaźnionych ze sobą artystów często korzystało z „pomocy przyjaciela”, a Iwan Iwanowicz, który przez całe życie malował pejzaże, bał się, że dotykanie niedźwiedzi nie zakończy się tak, jak chciał. Dlatego Shishkin zwrócił się do znanego malarza zwierząt Konstantina Savitsky'ego.

Savitsky namalował chyba najlepsze niedźwiedzie w historii malarstwa rosyjskiego, a Tretiakow kazał zmyć swoje imię z płótna, ponieważ wszystko na obrazie „począwszy od pomysłu, a kończąc na wykonaniu, wszystko mówi o sposobie malowania, o metodzie twórczej charakterystycznej dla Shishkina”.

Niewinna historia „Gotyk”

Grant Wood, „Amerykański gotyk”, 1930.

Twórczość Granta Wooda uważana jest za jedną z najdziwniejszych i najbardziej przygnębiających w historii malarstwa amerykańskiego. Obraz z ponurym ojcem i córką przepełniony jest szczegółami, które wskazują na surowość, purytanizm i retrogradację przedstawionych osób.
W rzeczywistości artysta nie zamierzał przedstawiać żadnych horrorów: podczas podróży do Iowa zauważył mały dom w stylu gotyckim i postanowił przedstawić tych ludzi, którzy jego zdaniem idealnie nadawaliby się na mieszkańców. Siostra Granta i jego dentysta zostają unieśmiertelnieni w postaci postaci, które tak bardzo obrażały mieszkańców Iowa.

Zemsta Salvadora Dali

Obraz „Postać w oknie” został namalowany w 1925 roku, kiedy Dali miał 21 lat. Wtedy Gala nie wkroczyła jeszcze w życie artysty, a jego siostra Ana Maria była jego muzą. Relacje między bratem a siostrą pogorszyły się, gdy napisał na jednym z obrazów: „czasami pluję na portret własnej matki i sprawia mi to przyjemność”. Ana Maria nie mogła wybaczyć tak szokującego.

W swojej książce Salvador Dali oczami siostry z 1949 roku pisze o swoim bracie bez żadnej pochwały. Książka rozwścieczyła Salwador. Potem przez następne dziesięć lat ze złością wspominał ją przy każdej okazji. I tak w 1954 roku pojawia się obraz „Młoda dziewica oddająca się grzechowi sodomii za pomocą rogów własnej czystości”. Postawa kobiety, jej loki, pejzaż za oknem i kolorystyka obrazu wyraźnie nawiązują do Postaci w oknie. Istnieje wersja, że ​​​​w ten sposób Dali zemścił się na swojej siostrze za jej książkę.

Danae o dwóch twarzach

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Danae, 1636-1647.

Wiele tajemnic jednego z najsłynniejszych obrazów Rembrandta zostało ujawnionych dopiero w latach 60. XX wieku, kiedy płótno zostało naświetlone promieniami rentgenowskimi. Na przykład strzelanina pokazała, że ​​we wczesnej wersji twarz księżniczki, która nawiązała romans z Zeusem, wyglądała jak twarz Saskii, żony zmarłego w 1642 roku malarza. W ostatecznej wersji obraz zaczął przypominać twarz Gertier Dirks, kochanki Rembrandta, z którą artysta mieszkał po śmierci żony.

Żółta sypialnia Van Gogha

Vincent van Gogh, „Sypialnia w Arles”, 1888 - 1889.

W maju 1888 roku Van Gogh nabył mały warsztat w Arles na południu Francji, gdzie uciekł przed paryskimi artystami i krytykami, którzy go nie rozumieli. W jednym z czterech pokoi Vincent urządza sypialnię. W październiku wszystko jest gotowe i postanawia namalować Sypialnię Van Gogha w Arles. Dla artystki bardzo ważny był kolor, komfort pomieszczenia: wszystko miało sugerować myśli o relaksie. Jednocześnie obraz utrzymany jest w niepokojącej żółtej tonacji.

Badacze twórczości Van Gogha tłumaczą to faktem, że artysta wziął naparstnicę, lek na epilepsję, który powoduje poważne zmiany w postrzeganiu koloru przez pacjenta: cała otaczająca rzeczywistość jest pomalowana na zielono-żółte odcienie.

Bezzębna doskonałość

Leonardo da Vinci, „Portret pani Lisy del Giocondo”, 1503 - 1519.

Powszechnie uważa się, że Mona Lisa jest perfekcyjna, a jej uśmiech piękny w swojej tajemniczości. Jednak amerykański krytyk sztuki (i dentysta na pół etatu) Joseph Borkowski uważa, że ​​sądząc po wyrazie twarzy, bohaterka straciła dużo zębów. Badając powiększone fotografie arcydzieła, Borkowski znalazł także blizny wokół jej ust. „Ona uśmiecha się tak często właśnie przez to, co ją spotkało” – uważa ekspert. „Jej wyraz twarzy jest typowy dla osób, które straciły przednie zęby”.

Major o kontroli twarzy

Pavel Fedotov, Swatanie majora, 1848.

Publiczność, która po raz pierwszy zobaczyła obraz „Major's Matchmaking”, roześmiała się serdecznie: artysta Fiedotow wypełnił go ironicznymi szczegółami, które były zrozumiałe dla ówczesnych widzów. Na przykład major najwyraźniej nie zna zasad szlacheckiej etykiety: pojawił się bez odpowiednich bukietów dla panny młodej i jej matki. A sama panna młoda została zwolniona przez swoich kupieckich rodziców w wieczorowej sukni balowej, chociaż był dzień (wszystkie lampy w pokoju były zgaszone). Dziewczyna najwyraźniej po raz pierwszy przymierzała sukienkę z głębokim dekoltem, jest zawstydzona i próbuje uciec do swojego pokoju.

Dlaczego Wolność jest naga

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, Wolność na barykadach, 1830.

Według historyka sztuki Etienne Julie, Delacroix namalował twarz kobiety ze słynnej paryskiej rewolucjonistki - praczki Anny-Charlotte, która poszła na barykady po śmierci swojego brata z rąk królewskich żołnierzy i zabiła dziewięciu strażników. Artysta przedstawił ją z nagą klatką piersiową. Według jego planu jest to symbol nieustraszoności i bezinteresowności, a także triumfu demokracji: nagie piersi pokazują, że Swoboda, podobnie jak plebejusz, nie nosi gorsetu.

niekwadratowy kwadrat

Kazimierz Malewicz, Plac Czarnych Suprematystów, 1915.

W rzeczywistości „Czarny kwadrat” wcale nie jest czarny i wcale nie jest kwadratowy: żaden z boków czworokąta nie jest równoległy do ​​żadnego z pozostałych jego boków, ani żaden z boków kwadratowej ramy obramowującej obraz. A ciemny kolor jest wynikiem mieszania różnych kolorów, wśród których nie było czerni. Uważa się, że nie było to zaniedbanie autora, ale pryncypialne stanowisko, chęć stworzenia dynamicznej, mobilnej formy.

Specjaliści z Galerii Trietiakowskiej odkryli autorską inskrypcję na słynnym obrazie Malewicza. Napis brzmi: „Bitwa Murzynów w ciemnej jaskini”. Ta fraza odnosi się do tytułu żartobliwego obrazu francuskiego dziennikarza, pisarza i artysty Alphonse'a Allaisa „Bitwa Murzynów w ciemnej jaskini w środku nocy”, który był absolutnie czarnym prostokątem.

Melodramat austriackiej Mona Lisy

Gustav Klimt, „Portret Adele Bloch-Bauer”, 1907.

Jeden z najważniejszych obrazów Klimta przedstawia żonę austriackiego magnata cukrowego Ferdynanda Blocha-Bauera. Cały Wiedeń dyskutował o burzliwym romansie Adele ze słynnym artystą. Zraniony mąż chciał zemścić się na swoich kochankach, ale wybrał bardzo nietypowy sposób: postanowił zamówić u Klimta portret Adele i zmusić go do wykonania setek szkiców, aż artysta zacznie się od niej odwracać.

Bloch-Bauer chciał, aby praca trwała kilka lat, a modelka mogła zobaczyć, jak zanikają uczucia Klimta. Złożył artystce hojną ofertę, której nie mógł odmówić, i wszystko potoczyło się zgodnie ze scenariuszem oszukanego męża: praca została ukończona za 4 lata, kochankowie już dawno ochłodzili się. Adele Bloch-Bauer nigdy nie dowiedziała się, że jej mąż był świadomy jej związku z Klimtem.

Obraz, który przywrócił Gauguina do życia

Paul Gauguin, „Skąd przychodzimy? Kim jesteśmy? Dokąd zmierzamy?”, 1897-1898.

Najsłynniejsze płótno Gauguina ma jedną cechę: jest „czytane” nie od lewej do prawej, ale od prawej do lewej, jak teksty kabalistyczne, którymi interesował się artysta. W tej właśnie kolejności rozwija się alegoria życia duchowego i fizycznego człowieka: od narodzin duszy (śpiące dziecko w prawym dolnym rogu) do nieuchronności godziny śmierci (ptak z jaszczurką w szponach w lewym dolnym rogu).

Obraz został namalowany przez Gauguina na Tahiti, gdzie artysta kilkakrotnie uciekał przed cywilizacją. Ale tym razem życie na wyspie nie wyszło: totalna bieda doprowadziła go do depresji. Po ukończeniu płótna, które miało stać się jego duchowym testamentem, Gauguin wziął pudełko arszeniku i udał się w góry, by umrzeć. Nie przeliczył jednak dawki i samobójstwo się nie powiodło. Następnego ranka doczołgał się do swojej chaty i zasnął, a kiedy się obudził, poczuł zapomniane pragnienie życia. A w 1898 roku jego sprawy poszły w górę i rozpoczął się jaśniejszy okres w jego pracy.

112 przysłów na jednym obrazku

Pieter Brueghel Starszy, „Przysłowia niderlandzkie”, 1559

Pieter Brueghel Starszy przedstawił krainę zamieszkaną przez dosłowne obrazy holenderskich przysłów tamtych czasów. Na malowanym obrazie znajduje się około 112 rozpoznawalnych idiomów. Niektóre z nich są używane do dziś, jak np. „płynąć pod prąd”, „walić głową w ścianę”, „uzbrojony po zęby” czy „duża ryba zjada małą”.

Inne przysłowia odzwierciedlają ludzką głupotę.

Podmiotowość sztuki

Paul Gauguin, bretońska wioska pod śniegiem, 1894

Obraz Gauguina „Bretońska wioska w śniegu” został sprzedany po śmierci autora za jedyne siedem franków, a ponadto pod nazwą „Wodospad Niagara”. Licytator przypadkowo powiesił obraz do góry nogami po tym, jak zobaczył na nim wodospad.

ukryty obraz

Pablo Picasso, Niebieski pokój, 1901

W 2008 roku podczerwień pokazała, że ​​pod „Niebieskim pokojem” ukryto jeszcze jeden obraz – portret mężczyzny ubranego w garnitur z motylem i opierającego głowę na dłoni. „Gdy tylko Picasso wpadł na nowy pomysł, chwycił za pędzel i wcielił go w życie. Ale nie miał okazji kupić nowego płótna za każdym razem, gdy odwiedzała go muza ”, historyk sztuki Patricia Favero wyjaśnia możliwy powód tego.

Niedostępne Marokanki

Zinaida Serebryakova, Naga, 1928

Pewnego dnia Zinaida Serebryakova otrzymała kuszącą propozycję - udania się w twórczą podróż w celu portretowania nagich postaci orientalnych dziewic. Okazało się jednak, że w tych miejscach po prostu nie można było znaleźć modeli. Z pomocą przyszedł tłumacz Zinaidy, który przyprowadził do niej swoje siostry i narzeczoną. Nikt przed i po tym nie był w stanie sfotografować nagich kobiet z orientu.

Spontaniczny wgląd

Valentin Serov, „Portret Mikołaja II w kurtce”, 1900

Serow przez długi czas nie mógł namalować portretu króla. Kiedy artysta całkowicie się poddał, przeprosił Mikołaja. Nikołaj był trochę zdenerwowany, usiadł przy stole, wyciągając przed siebie ręce ... A potem artysta olśnił - oto on! Prosty wojskowy w kurtce oficerskiej o jasnych i smutnych oczach. Ten portret jest uważany za najlepsze przedstawienie ostatniego cesarza.

Znowu dwójka

© Fiodor Reszetnikow

Słynny obraz „Znowu dwójka” to dopiero druga część artystycznej trylogii.

Pierwsza część to „Przyjechałem na wakacje”. Oczywiście zamożna rodzina, ferie zimowe, radosny, doskonały student.

Druga część to „Znowu dwójka”. Biedna rodzina z peryferii klasy robotniczej, apogeum roku szkolnego, tępy ogłuszacz, który znów złapał dwójkę. W lewym górnym rogu widać obrazek „Przyjechałem na wakacje”.

Trzecia część to „Ponowne badanie”. Wiejski dom, lato, wszyscy spacerują, jeden złośliwy ignorant, który nie zdał rocznego egzaminu, musi siedzieć w czterech ścianach i wkuwać. W lewym górnym rogu widać obrazek "Znowu dwójka".

Jak rodzą się arcydzieła

Joseph Turner, Deszcz, para i prędkość, 1844

W 1842 r. pani Szymon podróżowała pociągiem po Anglii. Nagle zaczęła się potężna ulewa. Siedzący naprzeciw niej starszy pan wstał, otworzył okno, wystawił głowę i patrzył tak przez jakieś dziesięć minut. Nie mogąc powstrzymać ciekawości, kobieta również otworzyła okno i spojrzała przed siebie. Rok później odkryła obraz „Deszcz, para i prędkość” na wystawie w Królewskiej Akademii Sztuk i była w stanie rozpoznać w nim sam epizod w pociągu.

Lekcja anatomii od Michała Anioła

Michał Anioł, Stworzenie Adama, 1511

Kilku amerykańskich ekspertów w dziedzinie neuroanatomii uważa, że ​​Michał Anioł rzeczywiście pozostawił anatomiczne ilustracje w jednym ze swoich najsłynniejszych dzieł. Uważają, że po prawej stronie obrazu przedstawiony jest ogromny mózg. Co zaskakujące, można znaleźć nawet złożone elementy, takie jak móżdżek, nerwy wzrokowe i przysadka mózgowa. A chwytliwa zielona wstążka idealnie pasuje do lokalizacji tętnicy kręgowej.

Ostatnia wieczerza Van Gogha

Vincent van Gogh, Taras kawiarni nocą, 1888

Badacz Jared Baxter uważa, że ​​Nocny taras kawiarni Van Gogha zawiera dedykację dla Ostatniej wieczerzy Leonarda da Vinci. W centrum obrazu kelner z długimi włosami i białą tuniką przypominającą szaty Chrystusa, a wokół niego dokładnie 12 gości kawiarni. Baxter zwraca również uwagę na krzyż, znajdujący się bezpośrednio za plecami kelnera w kolorze białym.

Obraz pamięci Dalego

Salvador Dali, Trwałość pamięci, 1931

Nie jest tajemnicą, że myśli, które nawiedziły Dali podczas tworzenia jego arcydzieł, zawsze miały postać bardzo realistycznych obrazów, które artysta następnie przeniósł na płótno. Tak więc, zdaniem samego autora, obraz „Trwałość pamięci” powstał w wyniku skojarzeń, jakie narodziły się na widok sera topionego.

O czym krzyczy Munch

Edvard Munch, „Krzyk”, 1893.

Munch opowiadał o idei jednego z najbardziej tajemniczych obrazów w malarstwie światowym: „Szedłem ścieżką z dwoma przyjaciółmi – ​​zachodziło słońce – nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, czując wyczerpanie, i oparłem się o płot – spojrzałem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miastem – moi przyjaciele poszli dalej, a ja stałem, drżąc z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę”. Ale jaki zachód słońca mógł tak przestraszyć artystę?

Istnieje wersja, według której pomysł „Krzyku” zrodził się u Muncha w 1883 roku, kiedy miało miejsce kilka najsilniejszych erupcji wulkanu Krakatau – tak potężnych, że zmieniły one temperaturę ziemskiej atmosfery o jeden stopień. Obfite ilości pyłu i popiołu rozprzestrzeniły się po całym świecie, docierając nawet do Norwegii. Przez kilka wieczorów z rzędu zachody słońca wyglądały, jakby zbliżała się apokalipsa – jeden z nich stał się dla artysty źródłem inspiracji.

Pisarz wśród ludzi

Aleksander Iwanow, „Pojawienie się Chrystusa ludziom”, 1837-1857.

Dziesiątki opiekunek pozowało do głównego zdjęcia Aleksandra Iwanowa. Jeden z nich jest znany nie mniej niż sam artysta. W tle wśród podróżników i jeźdźców rzymskich, którzy nie słyszeli jeszcze kazania Jana Chrzciciela, można dostrzec postać w brązowej tunice. Jego Iwanow pisał z Mikołajem Gogolem. Pisarz ściśle komunikował się z artystą we Włoszech, zwłaszcza w kwestiach religijnych, udzielał mu rad w procesie malowania. Gogol uważał, że Iwanow „już dawno umarł za cały świat, z wyjątkiem swojej pracy”.

Dna Michała Anioła

Raphael Santi, Szkoła Ateńska, 1511.

Tworząc słynny fresk „Szkoła ateńska”, Rafael uwiecznił swoich przyjaciół i znajomych na obrazach starożytnych greckich filozofów. Jednym z nich był Michał Anioł Buonarroti „w roli” Heraklita. Przez kilka stuleci fresk skrywał tajemnice życia osobistego Michała Anioła, a współcześni badacze sugerują, że dziwnie kanciaste kolano artysty wskazuje na chorobę stawów.

Jest to całkiem prawdopodobne, biorąc pod uwagę specyfikę stylu życia i warunków pracy artystów renesansu oraz chroniczny pracoholizm Michała Anioła.

Zwierciadło Arnolfinich

Jan van Eyck, „Portret Arnolfinich”, 1434

W lustrze za Arnolfinimi możesz zobaczyć odbicie jeszcze dwóch osób w pokoju. Najprawdopodobniej są to świadkowie obecni przy zawieraniu umowy. Jednym z nich jest van Eyck, o czym świadczy umieszczony wbrew tradycji łaciński napis nad lustrem w centrum kompozycji: „Jan van Eyck tu był”. Tak zwykle zawierano kontrakty.

Jak wada przerodziła się w talent

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Autoportret w wieku 63 lat, 1669.

Badaczka Margaret Livingston przestudiowała wszystkie autoportrety Rembrandta i stwierdziła, że ​​\u200b\u200bartysta cierpiał na zeza: na obrazach jego oczy patrzą w różnych kierunkach, czego mistrz nie obserwuje na portretach innych ludzi. Choroba doprowadziła do tego, że artysta mógł lepiej postrzegać rzeczywistość w dwóch wymiarach niż osoby z normalnym wzrokiem. Zjawisko to nazywane jest „ślepotą stereo” – niemożnością widzenia świata w 3D. Ponieważ jednak malarz musi pracować z dwuwymiarowym obrazem, właśnie ta wada Rembrandta mogła być jednym z wyjaśnień jego fenomenalnego talentu.

Bezgrzeszna Wenus

Sandro Botticelli, Narodziny Wenus, 1482-1486.

Przed pojawieniem się Narodzin Wenus obraz nagiego kobiecego ciała w malarstwie symbolizował jedynie ideę grzechu pierworodnego. Sandro Botticelli był pierwszym europejskim malarzem, który nie znalazł w nim nic grzesznego. Co więcej, historycy sztuki są pewni, że pogańska bogini miłości symbolizuje chrześcijański wizerunek na fresku: jej pojawienie się jest alegorią odrodzenia duszy, która przeszła obrzęd chrztu.

Lutnik czy lutnik?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, Lutnik, 1596.

Przez długi czas obraz był wystawiany w Ermitażu pod tytułem „Lutniarz”. Dopiero na początku XX wieku historycy sztuki zgodzili się, że płótno nadal przedstawia młodego mężczyznę (prawdopodobnie pozował Caravaggio jego przyjaciel artysta Mario Minniti): na notatkach przed muzykiem widoczne jest nagranie basowej partii madrygału Jacoba Arcadelta „Wiesz, że cię kocham”. Kobieta z trudem mogłaby dokonać takiego wyboru - to po prostu trudne dla gardła. Ponadto lutnia, podobnie jak skrzypce na samym skraju obrazu, w epoce Caravaggia była uważana za instrument męski.

Tajemniczy świat sztuki może wydawać się zagmatwany dla niedoświadczonej osoby, ale istnieją arcydzieła, które każdy powinien znać. Talent, inspiracja i żmudna praca nad każdym pociągnięciem dają początek dziełom, które podziwia się wieki później.

Nie da się zebrać wszystkich wybitnych kreacji w jednym wyborze, ale staraliśmy się wybrać najsłynniejsze obrazy, które gromadzą gigantyczne kolejki przed muzeami na całym świecie.

Najsłynniejsze obrazy rosyjskich artystów

„Poranek w sosnowym lesie”, Iwan Szyszkin i Konstantin Sawicki

Rok stworzenia: 1889
Muzeum

Shishkin był znakomitym pejzażystą, ale rzadko musiał rysować zwierzęta, więc Savitsky, doskonały malarz zwierząt, malował postacie młodych. Pod koniec pracy Trietiakow nakazał wymazanie podpisu Savitsky'ego, wierząc, że Shishkin wykonał znacznie szerszą pracę.

„Iwan Groźny i jego syn Iwan 16 listopada 1581 r.” Ilya Repin

Lata tworzenia: 1883–1885
Muzeum: Galeria Trietiakowska, Moskwa

Aby stworzyć arcydzieło, lepiej znane jako „Iwan Groźny zabija syna”, Repin zainspirował się symfonią „Antar” Rimskiego-Korsakowa, a mianowicie jej drugą częścią zatytułowaną „Słodycz zemsty”. Pod wpływem dźwięków muzyki artysta przedstawił krwawą scenę mordu i następującej po nim skruchy, obserwowanej na oczach władcy.

Siedzący demon, Michaił Wrubel

Rok stworzenia: 1890
Muzeum: Galeria Trietiakowska, Moskwa

Obraz był jedną z trzydziestu ilustracji narysowanych przez Vrubela na jubileuszowe wydanie prac M.Yu. Lermontow. „Siedzący demon” uosabia wątpliwości tkwiące w ludzkim duchu, subtelny, nieuchwytny „nastrój duszy”. Według ekspertów artysta miał do pewnego stopnia obsesję na punkcie wizerunku demona: po tym obrazie pojawiły się „Latający demon” i „Demon pokonany”.

„Bojar Morozowa”, Wasilij Surikow

Lata tworzenia: 1884–1887
Muzeum: Galeria Trietiakowska, Moskwa

Podstawą obrazu była fabuła życia staroobrzędowców „Opowieść o bojarze Morozowej”. Zrozumienie kluczowego obrazu przyszło artyście, gdy zobaczył wronę rozkładającą czarne skrzydła jak plamę na zaśnieżonym płótnie. Później Surikow długo szukał prototypu twarzy szlachcianki, ale nie mógł znaleźć niczego odpowiedniego, aż pewnego dnia spotkał na cmentarzu starą kobietę o bladej, szalonej twarzy. Szkic portretowy został ukończony w ciągu dwóch godzin.

„Bogatyrowie”, Wiktor Wasniecow

Lata tworzenia: 1881–1898
Muzeum: Galeria Trietiakowska, Moskwa

Przyszłe epickie arcydzieło narodziło się jako mały szkic ołówkiem w 1881 roku; do dalszej pracy na płótnie Vasnetsov przez wiele lat skrupulatnie zbierał informacje o bohaterach z mitów, legend i tradycji, a także studiował autentyczną starożytną rosyjską amunicję w muzeach.

Analiza obrazu Vasnetsova „Trzej bohaterowie”

„Kąpiel czerwonego konia”, Kuzma Petrov-Vodkin

Rok stworzenia: 1912
Muzeum: Galeria Trietiakowska, Moskwa

Początkowo obraz miał być codziennym szkicem z życia rosyjskiej wsi, ale w trakcie pracy płótno artysty zyskało ogromną liczbę symboli. Przez czerwonego konia Petrov-Vodkin miał na myśli „Los Rosji”; po przystąpieniu kraju do I wojny światowej wykrzyknął: „Więc dlatego namalowałem ten obraz!”. Jednak po rewolucji prosowieccy krytycy sztuki zinterpretowali kluczową postać płótna jako „zwiastun rewolucyjnych pożarów”.

„Trójca”, Andriej Rublow

Rok stworzenia: 1411
Muzeum: Galeria Trietiakowska, Moskwa

Ikona, która położyła podwaliny pod tradycję rosyjskiego malarstwa ikonowego XV-XVI wieku. Płótno przedstawiające starotestamentową trójcę aniołów, która ukazała się Abrahamowi, jest symbolem jedności Trójcy Świętej.

Dziewiąta fala, Iwan Ajwazowski

Rok stworzenia: 1850
Muzeum

Perła w „kartografii” legendarnego rodzimego malarza marynistycznego, którego bez wahania można zaliczyć do grona najsłynniejszych artystów na świecie. Możemy zobaczyć, jak cudem ocaleni po burzy marynarze trzymają się masztu w oczekiwaniu na spotkanie z „dziewiątą falą”, mitycznym apogeum wszystkich burz. Ale ciepłe odcienie dominujące na płótnie dają nadzieję na zbawienie ofiar.

„Ostatni dzień Pompei”, Karl Bryullov

Lata tworzenia: 1830–1833
Muzeum: Muzeum Rosyjskie, Sankt Petersburg

Ukończony w 1833 r. Obraz Bryulłowa był pierwotnie wystawiany w największych miastach Włoch, gdzie wywołał prawdziwą sensację - malarza porównywano z Michałem Aniołem, Tycjanem, Rafaelem ... W domu arcydzieło spotkało się z nie mniejszym entuzjazmem, zapewniając Bryullovowi przydomek „Karol Wielki”. Płótno jest naprawdę świetne: jego wymiary to 4,6 na 6,5 ​​metra, co czyni go jednym z największych obrazów wśród dzieł rosyjskich artystów.

Najsłynniejsze obrazy Leonarda da Vinci

„Mona Lisa”

Lata tworzenia: 1503–1505
Muzeum: Luwr, Paryż

Arcydzieło florenckiego geniuszu, którego nie trzeba przedstawiać. Warto zauważyć, że obraz zyskał status kultowego po incydencie z uprowadzeniem z Luwru w 1911 roku. Dwa lata później porywacz, który okazał się pracownikiem muzeum, próbował sprzedać obraz Galerii Uffizi. Wydarzenia głośnej sprawy zostały szczegółowo opisane w światowej prasie, po czym do sprzedaży trafiły setki tysięcy reprodukcji, a tajemnicza Mona Lisa stała się obiektem kultu.

Lata tworzenia: 1495–1498
Muzeum: Santa Maria delle Grazie, Mediolan

Pięć wieków później fresk z klasyczną historią na ścianie refektarza klasztoru dominikanów w Mediolanie uznawany jest za jeden z najbardziej tajemniczych obrazów w historii. Zgodnie z koncepcją Da Vinci, obraz przedstawia moment wielkanocnego posiłku, kiedy Chrystus zawiadamia uczniów o zbliżającej się zdradzie. Sama ilość ukrytych symboli dała początek równie szerokiemu wachlarzowi studiów, aluzji, zapożyczeń i parodii.

„Madonna Litta”

Rok stworzenia: 1491
Muzeum: Ermitaż, Petersburg

Obraz, zwany też Madonną z Dzieciątkiem, przez długi czas znajdował się w zbiorach książąt Litty, aw 1864 roku został zakupiony przez petersburski Ermitaż. Wielu ekspertów zgadza się, że postać dziecka nie została namalowana osobiście przez da Vinci, ale przez jednego z jego uczniów - poza, która jest zbyt nietypowa dla malarza.

Najsłynniejsze obrazy Salvadora Dali

Rok stworzenia: 1931
Muzeum: Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku

Paradoksalnie z myśli o serze camembert narodziło się najsłynniejsze dzieło surrealistycznego geniusza. Pewnego wieczoru, po przyjacielskiej kolacji, zakończonej przystawkami z serem, artysta pogrążył się w myślach o „rozlewającej się miazdze”, a jego wyobraźnia namalowała obraz przypominający topniejący zegar z gałązką oliwną na pierwszym planie.

Rok stworzenia: 1955
Muzeum: Narodowa Galeria Sztuki w Waszyngtonie

Tradycyjna fabuła, która otrzymała surrealistyczne płótno z wykorzystaniem zasad arytmetycznych studiowanych przez Leonarda da Vinci. Artysta na pierwszy plan wysunął oryginalną magię liczby „12”, odchodząc od hermeneutycznej metody interpretacji biblijnej opowieści.

Najsłynniejsze obrazy Pabla Picassa

Rok stworzenia: 1905
Muzeum: Muzeum Puszkina, Moskwa

Obraz stał się pierwszym znakiem tak zwanego „różowego” okresu w twórczości Picassa. Surowa faktura i uproszczony styl łączą się z wyczuloną grą linii i kolorów, kontrastem między masywną sylwetką atlety a kruchą gimnastyczką. Płótno zostało sprzedane wraz z 29 innymi dziełami za 2 tys.

Rok stworzenia: 1937
Muzeum: Muzeum Królowej Zofii w Madrycie

Guernica to nazwa miasta w Kraju Basków, które zostało zbombardowane przez Niemców w kwietniu 1937 roku. Picasso nigdy nie był w Guernice, ale był oszołomiony skalą katastrofy, jak „uderzenie w róg byka”. Artysta w abstrakcyjnej formie oddał okropności wojny i pokazał prawdziwe oblicze faszyzmu, zasłaniając je dziwacznymi geometrycznymi kształtami.

Najsłynniejsze obrazy renesansu

„Madonna Sykstyńska”, Raphael Santi

Lata tworzenia: 1512–1513
Muzeum: Galeria Starych Mistrzów, Drezno

Jeśli przyjrzysz się uważnie tłu, które na pierwszy rzut oka składa się z chmur, zauważysz, że w rzeczywistości Rafał przedstawił tam głowy aniołów. Dwa anioły znajdujące się na dole obrazu są znane niemal bardziej niż samo arcydzieło, ze względu na szeroki obieg w sztuce masowej.

Narodziny Wenus – Sandro Botticelli

Rok stworzenia: 1486
Muzeum: Galeria Uffizi, Florencja

Obraz oparty jest na starożytnym greckim micie o narodzinach Afrodyty z morskiej piany. W przeciwieństwie do wielu arcydzieł renesansu, płótno przetrwało do dziś w doskonałym stanie dzięki ochronnej warstwie żółtka jaja, którym Botticelli ostrożnie pokrył dzieło.

Stworzenie Adama – Michelangelo Buonarotti

Rok stworzenia: 1511
Muzeum: Kaplica Sykstyńska, Watykan

Jeden z dziewięciu fresków na suficie Kaplicy Sykstyńskiej, ilustrujących rozdział z Księgi Rodzaju: „I stworzył Bóg człowieka na swój obraz”. To Michał Anioł jako pierwszy przedstawił Boga jako mądrego starca, po czym ten obraz stał się archetypem. Współcześni naukowcy uważają, że kontury postaci Boga i aniołów przedstawiają ludzki mózg.

„Straż nocna”, Rembrandt

Rok stworzenia: 1642
Muzeum: Rijksmuseum w Amsterdamie

Pełny tytuł obrazu to „Przemówienie kompanii strzelców kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenbürga”. Współczesną nazwę obraz otrzymał w XIX wieku, kiedy to odnaleźli go historycy sztuki, którzy ze względu na pokrywającą dzieło warstwę brudu uznali, że akcja obrazu rozgrywa się pod osłoną nocnych ciemności.

Ogród rozkoszy ziemskich Hieronima Boscha

Lata tworzenia: 1500–1510
Muzeum: Muzeum Prado, Madryt „Czarny kwadrat”

Malewicz pisał Czarny kwadrat przez kilka miesięcy; legenda mówi, że obraz jest ukryty pod warstwą czarnej farby - artysta nie zdążył skończyć pracy na czas i w przypływie złości rozmazał obraz. Istnieje co najmniej siedem kopii „Czarnego kwadratu” Malewicza, a także swego rodzaju „kontynuacja” suprematystycznych kwadratów - „Czerwony kwadrat” (1915) i „Biały kwadrat” (1918).

„Krzyk”, Edvarda Muncha

Rok stworzenia: 1893
Muzeum: Galeria Narodowa, Oslo

Ze względu na niewytłumaczalny mistyczny wpływ na widza obraz został skradziony w 1994 i 2004 roku. Uważa się, że obraz powstały na przełomie XIX i XX wieku zapowiadał liczne katastrofy nadchodzącego stulecia. Głęboka symbolika Krzyku zainspirowała wielu artystów, w tym Andy'ego Warhola.

Ten obraz wciąż budzi wiele kontrowersji. Niektórzy historycy sztuki uważają, że szum wokół obrazu, namalowanego autorską techniką odprysków, został stworzony sztucznie. Płótno nie zostało sprzedane, dopóki nie kupiono wszystkich innych dzieł artysty, odpowiednio, cena za nieobiektywne arcydzieło gwałtownie wzrosła. Numer pięć został sprzedany za 140 milionów dolarów, co czyni go najdroższym obrazem w historii.

Dyptyk Marilyn, Andy Warhol

Rok stworzenia: 1962
Muzeum: Tate Gallery, Londyn

Tydzień po śmierci Marilyn Monroe skandaliczny artysta rozpoczął pracę nad płótnem. Na płótno naniesiono 50 szablonowych portretów aktorki, stylizowanych na pop-art na podstawie fotografii z 1953 roku.
Subskrybuj nasz kanał w Yandex.Zen

Przypomnijmy sobie teraz najsłynniejsze obrazy świata. Z jednej strony ten temat jest bardzo prosty, az drugiej szalenie złożony. Rzeczywiście, w całej historii ludzkości na Matce Ziemi w różnych stuleciach iw różnych krajach urodziło się wielu genialnych malarzy, którzy pozostawili światu swoje nieśmiertelne arcydzieła.

Nie chciałbym niezasłużenie ominąć uwagi żadnego wielkiego artysty. Ale w ramach tego artykułu postaramy się porozmawiać tylko o tych dziełach, które są znane nie tylko prawdziwym koneserom piękna, artystom i historykom sztuki, ale także absolutnej większości najprostszych mieszkańców naszej planety.

Takimi są na przykład niektóre obrazy da Vinci, Raphaela, Botticellego, Van Gogha, Salvadora Dali, Karla Bryullova, Aivazovsky'ego, Kustodiewa itp. Ich prace są drukowane w kalendarzach, w czasopismach, książkach i podręcznikach, publikowane w ogromnych nakładach w formie reprodukcji, nieustannie migających na ekranach telewizorów. W rzeczywistości są nam znane od dzieciństwa.

Obrazy Leonarda da Vinci

Rozmowa o najsłynniejszych obrazach świata jest nie do pomyślenia bez wzmianki o takich obrazach świata, jak słynna Gioconda, Madonna Litta, Dama z gronostajem, autorstwa wielkiego Leonarda da Vinci. Pierwsze dwa nazwiska wyróżniają się z tej listy. Piękna i tajemnicza "Mona Lisa" od wieków, z niepowtarzalnym uśmiechem na ustach, spokojnie patrząca na zgiełk tego świata - czy wśród cywilizowanych ludzi jest choć jedna osoba, która nigdy nie widziałaby tego obrazu?

Uważa się, że płótno przedstawia Lisę Gherardini, skromną żonę bogatego florenckiego kupca Francesco del Giocondo. Teraz rozumiesz, skąd wzięła się tak niezwykła nazwa portretu - „Gioconda”? A obraz został namalowany w przybliżeniu w latach 1503-1505. Dziś jego bezcenny oryginał można zobaczyć na własne oczy w Luwrze. Portret wisi tam, chroniony grubą kuloodporną szybą, a wokół niego zawsze tłoczy się mnóstwo ludzi. I nie jest to zaskakujące, ponieważ ludziom wciąż nie udało się rozwikłać tajemnicy uśmiechu tej pani.

Obrazy Da Vinci są bezcenne dla wszystkich, nie można ich kupić nawet za bardzo duże pieniądze. Ale wśród jego dzieł jest szczególna praca - to malowniczy fresk „Ostatnia wieczerza”. Czas jego powstania: 1495-1498, a został napisany przez mistrza na zlecenie kościoła w refektarzu klasztoru Santa Maria delle Grazia, który znajduje się we wspaniałym włoskim mieście Mediolan. Fabuła przedstawia jedno z najważniejszych wydarzeń w dziejach ludzkości – ostatnią wieczerzę Chrystusa z dwunastoma uczniami. To wielkie szczęście, że konserwatorom udało się ocalić fresk do naszych czasów, bo. powszechnie wiadomo, że pracując nad nim Leonardo eksperymentował z farbami i podkładem na ścianie, co w konsekwencji doprowadziło do szybkiego zniszczenia warstwy malarskiej.

Prace Rafaela Santiego

Kolejnym artystą, o którym bez przesady można powiedzieć, że pozostawił po sobie najsłynniejsze obrazy świata, jest oczywiście Rafael Santi, malarz mieszkający we Włoszech w latach 1483-1520. Jedno z jego najsłynniejszych i najbardziej popularnych dzieł - uważane za jedno z najdoskonalszych i najbardziej niesamowitych dzieł malarskich, jakie kiedykolwiek stworzyła ludzka ręka.

Innym słynnym dziełem mistrza jest ogromny (770 na 500 cm) fresk „Szkoła ateńska”, który zdobi jedną z głównych sal Pałacu Watykańskiego. Wśród licznych postaci obrazu można zobaczyć tak wielkich myślicieli ludzkości jak Pitagoras, Epikur, Sokrates, Diogenes, Arystoteles, Platon. Wśród filozofów Raphael przedstawił siebie, a także swoją piękną ukochaną Margheritę.

Niezrównany Botticelli

Jak myślicie, jakie prace mamy następne na liście „Obrazy najsłynniejszych artystów świata”? Są to oszałamiające i nieziemskie prace Sandro Botticellego. Wymieńmy tylko dwa znane wszystkim jego dzieła: „Narodziny Wenus” i płótno przedstawiające słynne trzy łaski – „Wiosnę”. Zarówno jedno, jak i drugie zdjęcie to hymn na cześć kobiecego piękna. Żaden inny mistrz nie był dotychczas w stanie uchwycić w malarstwie tak urzekających i poetyckich kobiecych wizerunków.

Muzą artystki była młoda piękna Florentynka, ukochany Giuliano Medici - To jej delikatne, doskonałe rysy twarzy spoglądają na nas od niepamiętnych czasów.

Malarstwo impresjonistyczne

Cóż, teraz nadszedł czas, aby pamiętać o impresjonizmie. Ten ruch artystyczny powstał we Francji na przełomie XIX i XX wieku. Artystów pracujących w ten sposób jest wielu, a twórczość każdego z nich zasługuje na osobne omówienie. W tym artykule porozmawiamy o najsłynniejszych obrazach Moneta, który stał u początków impresjonizmu i jest uważany za jednego z jego założycieli. Prace tego mistrza znajdują się w zbiorach największych muzeów Paryża, Berlina, Petersburga i innych miast świata.

Opinia publiczna doskonale zna takie obrazy Claude'a Moneta, jak „Staw z liliami wodnymi”. Artysta napisał wiele wersji prac opartych na tych motywach.

Van Gogh - artysta, którego obrazy są najdroższe na świecie

Van Gogh był prawdopodobnie najskuteczniejszym artystą w historii ludzkości. Jego spuścizna to około 800 obrazów i niezliczona ilość rysunków. Najbardziej znanym jest chyba „Słoneczniki”. Wiadomo na pewno, że mistrz namalował 7 martwych natur z tej serii. Jednak do dziś zachowało się tylko 5 obrazów, a każdy obraz jest oceniany jako najdroższy diament. Pomyśl tylko: za życia Van Goghowi udało się sprzedać tylko jedno ze swoich dzieł, i to za grosze, a teraz koszt jego obrazów na aukcjach bije wszelkie rekordy.

Innym najbardziej znanym obrazem Van Gogha jest znakomity obraz fantasy Gwiaździsta noc. Ta praca jest tak popularna, że ​​​​dziś można nawet znaleźć jej animowaną wersję w Internecie. Malarstwo Van Gogha jest tak utalentowane i oryginalne, że nawet w formie reprodukcji można na nie patrzeć bez końca.

Marzenia na płótnie

Mówiąc o najsłynniejszych obrazach świata, nie sposób nie wspomnieć o twórczości twórcy surrealizmu Salvadora Dali. Uważa się, że najpopularniejszym obrazem artysty jest „Trwałość pamięci”, przedstawiający zegary jako symbole nieskończonego upływu czasu. Opustoszały brzeg w oddali symbolizuje pustkę, którą Dali często odczuwał w sobie.

Jednak nie jest to jedyne popularne dzieło surrealisty. Obrazy „Atomowa Leda”, „Przeczucie wojny domowej”, „Płonąca żyrafa”, „Sen” można uznać za nie mniej znane.

Najsłynniejsze rosyjskie obrazy

Do tej pory w naszym artykule pojawiały się obrazy zagranicznych mistrzów. Tymczasem jest całkiem sporo obrazów namalowanych przez naszych wspaniałych rodaków, które cieszą się ogromną popularnością na całym świecie. W Rosji zawsze było wielu utalentowanych artystów. A jeśli trudno jest zobaczyć na własne oczy wiele arcydzieł sztuki światowej, ponieważ znajdują się one za granicą, to oryginały rosyjskich malarzy możemy zobaczyć w wielu muzeach naszego kraju, na przykład w Galerii Trietiakowskiej w Moskwie.

Oto obrazy Galerii Trietiakowskiej, najsłynniejsze w kraju i za granicą: „Trzej bohaterowie” (V. Vasnetsova), „Iwan Groźny i jego syn Iwan” (I. Repin), „Siedzący demon” (M. Vrubel), „Pojawienie się Chrystusa ludziom” (A. Ivanov), „Dziewczyna z brzoskwiniami” (I. Repin), „Poranek w sosnowym lesie” (I. Shishkin), „Moskwa Y ard” (V. Polenov), „Grachi przybyli” i inni.

Piękno Kustodiewskiego

Osobno chciałbym porozmawiać o twórczości światowej sławy rosyjskiego artysty Borysa Kustodiewa - nikt inny nie potrafił tak smacznie i pięknie opowiedzieć poprzez malarstwo o rosyjskim życiu, o tajemniczej rosyjskiej duszy. Któż z nas nie podziwiał korpulentnej piękności za samowarem („Kupiec herbaty”) lub pełnokrwistej młodej damy pełnej zdrowia i młodości w wiejskiej łaźni („Rosyjska Wenus”).

Oto nazwy niektórych popularnych dzieł oryginalnego malarza: „Zima”, „Portret Fiodora Chaliapina”, „Sianokosy”, „Kupiec z zakupami”, „Jarmark”, „Kąpiel”, „Zapusty”.

„Czarny kwadrat Malewicza

Krótko rozmawialiśmy o niektórych z najsłynniejszych rosyjskich obrazów, ale błędem byłoby zakończyć artykuł bez napisania czegokolwiek o jednym z najbardziej kontrowersyjnych i kontrowersyjnych dzieł, które wyszły na jaw spod pędzla jednego z wybitnych rosyjskich artystów. Mowa o „Czarnym kwadracie” Kazimierza Malewicza – twórcy kierunku w malarstwie zwanego „Suprematyzmem”. I chociaż Malewicz namalował wiele obrazów podczas swojego długiego życia twórczego, to właśnie jego dzieło najbardziej zapamiętał cały świat.

Istnieje kilka wariantów „Czarnego kwadratu”. Można je zobaczyć w Galerii Trietiakowskiej, Ermitażu i Muzeum Rosyjskim. Cena tych prac jest ogromna, zdaniem ekspertów, dziś może sięgać nawet 80 milionów dolarów.

Wniosek

Szkoda, że ​​w tej krótkiej recenzji nie można było mówić o światowych arcydziełach Rembrandta, Rubensa, Karla Bryullova, Pabla Picassa, Paula Gauguina i innych wspaniałych twórców. Ich praca zasługuje na nie mniejszą uwagę.

Strona zawiera najsłynniejsze obrazy rosyjskich artystów XIX wieku wraz z tytułami i opisami

Różnorodne malarstwo rosyjskich artystów od początku XIX wieku przyciąga swoją oryginalnością i wszechstronnością w rodzimych sztukach plastycznych. Mistrzowie malarstwa tamtych czasów nie przestali zadziwiać swoim wyjątkowym podejściem do fabuły i pełnym szacunku podejściem do uczuć ludzi, do ich rodzimej natury. W XIX wieku często malowano kompozycje portretowe z niesamowitym połączeniem emocjonalnego obrazu i epicko spokojnego motywu.

Obrazy rosyjskich artystów są wspaniałe w rzemiośle i naprawdę piękne w odbiorze, uderzająco dokładnie odzwierciedlają powiew ich czasów, wyjątkowy charakter ludzi i ich pragnienie piękna.

Płótna rosyjskich malarzy, które są najbardziej popularne: Aleksander Iwanow jest jasnym przedstawicielem malowniczego kierunku biblijnego, opowiadającego nam kolorami o epizodach z życia Jezusa Chrystusa.

Karl Bryullov jest popularnym malarzem swoich czasów, jego kierunkiem jest malarstwo historyczne, motywy portretowe, dzieła romantyczne.

Malarz morski Ivan Aivazovsky, jego obrazy są wspaniałe i można powiedzieć, że po prostu niezrównanie odzwierciedlają piękno morza z przezroczystymi toczącymi się falami, morskimi zachodami słońca i żaglówkami.

Charakterystyczna wszechstronność wyróżnia twórczość słynnego Ilyi Repina, który stworzył dzieła gatunkowe i monumentalne, odzwierciedlające życie ludzi.

Bardzo malownicze i wielkoformatowe obrazy artysty Wasilija Surikowa, opis rosyjskiej historii to jego kierunek, w którym artysta podkreślał kolorami epizody ścieżki życiowej narodu rosyjskiego.

Każdy artysta jest wyjątkowy, na przykład malowniczy mistrz baśni i eposów Wiktor Wasniecow, wyjątkowy w swoim stylu, ma zawsze soczyste i jasne, romantyczne płótna, których bohaterami są znani bohaterowie opowieści ludowych.

Każdy artysta jest wyjątkowy, na przykład malowniczy mistrz baśni i eposów Wiktor Wasniecow, wyjątkowy w swoim stylu, ma zawsze soczyste i jasne, romantyczne płótna, których bohaterami są znani bohaterowie opowieści ludowych. Bardzo malownicze i wielkoformatowe obrazy artysty Wasilija Surikowa, opis rosyjskiej historii to jego kierunek, w którym artysta podkreślał kolorami epizody ścieżki życiowej narodu rosyjskiego.

W malarstwie rosyjskim XIX wieku pojawił się także taki nurt, jak realizm krytyczny, kładący nacisk na kpinę, satyrę i humor w fabułach. Oczywiście był to nowy trend, nie każdy artysta mógł sobie na to pozwolić. W tym kierunku zdeterminowani byli tacy artyści jak Pavel Fedotov i Wasilij Perow.

Swoje nisze zajmowali także malarze krajobrazu tamtych czasów, wśród nich Izaak Lewitan, Aleksiej Sawrasow, Arkhip Kuindzhi, Wasilij Polenow, młody artysta Fiodor Wasiliew, malowniczy mistrz lasu, leśne polany z sosnami i brzozami z grzybami Iwan Szyszkin. Wszystkie barwnie i romantycznie odzwierciedlały piękno rosyjskiej przyrody, której różnorodność form i obrazów wiąże się z kolosalnym potencjałem otaczającego świata.

Według Levitana w każdej nucie rosyjskiej natury kryje się niepowtarzalna paleta barw, stąd ogromne pole do kreatywności. Być może na tym polega zagadka, że ​​​​płótna tworzone na rozległych obszarach Rosji wyróżniają się wyjątkową surowością, ale jednocześnie przyciągają dyskretnym pięknem, od którego trudno oderwać wzrok. Lub wcale nie zawiła i raczej nie chwytliwa fabuła, obraz Levitana Dandelions niejako zachęca widza do myślenia i dostrzegania piękna w prostocie.