Kilkunastu biografów, historyków, historyków sztuki i lekarzy próbowało rozwikłać tajemnicę twórczości wielkiego hiszpańskiego artysty Francisco Goyi (1746-1828), autora wspaniałych portretów, obrazów, tektury na gobeliny, malowideł ściennych i cykle graficzne „Caprichos” i „Katastrofy wojny”.
Maha ubrany, 1798 - 1805
Dilermando Reis – Romans miłosny
Niektórzy uważali, że talent i geniusz artysty są tak wielkie, że nie mogą istnieć w granicach możliwości i pomogły artyście wznieść się na takie wyżyny. Inni twierdzili, że do powstania swoich największych arcydzieł przyczyniła się poważna choroba i całkowite zaburzenie psychiczne.
Ale byli też tacy – notabene było ich wielu – którzy byli głęboko przekonani, że to kobieta uczyniła z Goi wielkiego artystę – tajemnicza i enigmatyczna księżna Alby (1762-1802).
Księżna Alby w czerni, 1797
Francisco José de Goya y Lucientes urodził się 30 marca 1746 roku w małej wiosce niedaleko Saragossy. Jego ojciec był mistrzem złotnictwa, matka pochodziła ze sławnej, choć od dawna zubożałej rodziny szlacheckiej. Podczas nauki w szkole chłopiec miał trudności z opanowaniem arytmetyki i umiejętności czytania i pisania, ale od dzieciństwa wykazywał doskonałe umiejętności rysowania. Kiedy Francisco miał siedemnaście lat, jego ojciec, chcąc pomóc synowi w jego dążeniu do zostania malarzem, wysłał młodego człowieka do Madrytu.
Portret Marii Teresy de Vallabrig na koniu, 1783
Równolegle z nauką malarską w stolicy Goya poświęcił wiele uwagi kobietom, do których od młodości żywił namiętne i nieokiełznane uczucia. Jego kochankami zostali bogaci arystokraci, proste wieśniaczki i znane piękności z burdeli w mieście. Mówiono nawet, że pewnego razu we wsi, widząc piękną zakonnicę, temperamentny artysta wszedł do jej celi i porwał ją, po czym wywołał brutalną walkę z chłopami wiejskimi, w której omal nie zginął. Nie wiadomo na pewno, czy fakt ten miał miejsce, czy nie, jednak w bardzo dziwnych okolicznościach Goya uciekł do Włoch, dołączając do ulicznych włóczęgów
Portret Doñy Narcisy Baranian de Goicoechea, 1810
Trzy lata później, w 1773 roku, artysta powrócił do Madrytu, gdzie spotkał swojego wieloletniego przyjaciela Francisco Bayeu. Przedstawił Goyę swojej siostrze, pięknej Josephine. Żarliwa i namiętna miłość wkrótce doprowadziła do tego, że dziewczyna zaszła w ciążę, a Goya, który nie myślał o małżeństwie, był zmuszony przypieczętować swój związek z ukochaną za pomocą nowatorskich więzi. W sumie żona dała malarzowi pięcioro dzieci, ale dorósł tylko Javier - pozostałe dzieci zmarły w niemowlęctwie.
Portret hrabiny Chinchon, 1800
W 1792 roku Goya poważnie zachorował. Choroba, która złamała artystę, do dziś wywołuje niekończące się dyskusje wśród biografów i lekarzy badających jego chorobę. Niektórzy uważają, że była to choroba weneryczna, prawdopodobnie kiła. Inni uważają, że przyczyną paraliżu i utraty słuchu może być zespół maniakalno-depresyjny i schizofrenia. Współcześni zauważyli, że artysta panicznie bał się prześladowań, skrajnej nieumiarkowania, a nawet histerii, pragnienia samotności i innych dziwactw w zachowaniu.
Przez około dwa miesiące Goya leżał bez ruchu, po czym odzyskał wzrok i po raz pierwszy od wielu tygodni cierpień mógł wstać i chodzić. Jednak słuch został utracony na zawsze.
Młoda dama w mantylce i baskinie, 1805-08
Mimo to artysta ponownie powrócił do swojego dawnego życia. Wierność małżeńska nie była cnotą wielkiego mistrza. Kontynuowano niezliczone powieści: było ich tak wiele, że czasami artysta nawet nie pamiętał imienia kochanki, z którą spędził noc. Zdobywał serca szlachetnych pań i biednych prostaków, piękności i zwykłych, niepozornych kobiet. Wydawało się, że sprawia mu to całkowitą, nieporównywalną przyjemność.
Drozd z Bordeaux. 1827
Trwało to do czasu, gdy w życiu niedoścignionej kochanki pojawiła się dwudziestoletnia księżna Alby, która stała się najbardziej pożądaną kobietą w życiu artysty i najbardziej fatalną muzą jego losu. Caetanyę Albę przedstawili mu nadworni arystokraci, którzy byli bliskimi przyjaciółmi mistrza. Chcąc zobaczyć na własne oczy „niezwykłą Goyę”, Alba przyszła do jego pracowni. Była arogancka, piękna, kobieca i zmysłowa. Po jej wizycie latem 1795 roku artysta, nie kryjąc wzruszeń, opowiedział przyjacielowi o spotkaniu z nowym znajomym i wykrzyknął: „Och, teraz już wiem, co to znaczy żyć!”
Blef niewidomego. 1788
Ich namiętny romans trwał siedem lat. Przez te wszystkie lata Francisco Goya zapomniał o innych kobietach i tylko jedna – najpiękniejsza wówczas kobieta w Hiszpanii – Caetanya Maria del Pilar, księżna Alby – pozostała jego muzą, inspirując artystę do tworzenia wielkich arcydzieł.
Księżnej nie można nazwać przyzwoitą i skromną damą – społeczeństwo wiedziało o jej licznych błędnych związkach, jednak Alba nawet nie myślała o ich ukrywaniu. Wśród jej kochanków byli najszlachetniejsi i najbardziej wpływowi mężczyźni w kraju.
Portret księżnej Alby
Jej małżeństwo w wieku trzynastu lat z księciem już w średnim wieku, przedstawicielem jednego z najpotężniejszych rodów arystokratycznych w Europie, nie przyniosło Caetanyi spokoju ducha. Młode serce pragnęło żarliwych uczuć, a ciało pragnęło doświadczyć wszelkich przyjemności i pieszczot. Opętana pasją, oddając się każdemu uczuciu, młoda księżna w wieku dwudziestu lat stała się doświadczoną, świadomą i podstępną uwodzicielką. Współcześni pamiętali, że pożądali jej wszyscy mężczyźni w Hiszpanii. „Kiedy szła ulicą” – napisał pewien francuski podróżnik – „wszyscy wyglądali przez okna, nawet dzieci porzucały swoje zabawy, żeby na nią popatrzeć. Każdy włos na jej ciele budził pożądanie.”
Portret markizy von Villafranco, 1804
Książę Alby postanowił nie zwracać uwagi na sprawy miłosne swojej temperamentnej żony i w 1796 roku zmarł z powodu długiej i ciężkiej choroby. Jego niewierna żona, ubrana w strój żałobny, udała się opłakiwać męża do zamku w Andaluzji i spędziła tam nieco ponad rok. Na uwagę zasługuje fakt, że przez cały ten czas Francisco Goya mieszkał ze zasmuconą wdową.
Josepha Bayeux lub Leocadia Weiss, 1814
Kiedy rok później para wróciła do Madrytu, księżna rzuciła się w ramiona swojego nowego kochanka – niezwykle szlachetnego i odważnego wojownika. A Goya, obrażona i zgorzkniała, nadal malowała swoje portrety. Ale teraz przedstawiał zdrajcę albo jako głupią kobietę, albo jako skorumpowaną dziewczynę, albo jako straszną wiedźmę.<
Alegoria miasta Madrytu, 1809
Około dwa lata po tych wydarzeniach Goya stała się europejską gwiazdą. Został mianowany malarzem królewskim z pokaźną pensją i stał się bogaty. A księżna Alby ponownie wróciła do porzuconego kochanka.
Najsłynniejsze obrazy wielkiego mistrza można bez wątpienia nazwać podwójnym obrazem „Naga Macha” i „Ubrana Macha”. Pochodzą z około 1800 roku. Płótno rozłożyło się na zawiasach niczym przeczytana kartka, a pod nim odsłoniła się kolejna – ta sama huśtawka, tyle że naga, mimo najsurowszego zakazu Inkwizycji przedstawiania nagiego kobiecego ciała.
Mahi na balkonie, 1814
Do dziś toczą się spory co do tego, kto jest przedstawiony na zdjęciu. W tamtych czasach w całej Hiszpanii żyła jedyna osoba, dla której zakazy Inkwizycji nie były dekretem – Manuel Godoy, pierwszy minister króla Karola IV z tytułem Księcia Pokoju. Krytycy sztuki twierdzą, że Goya otrzymał od Godoya zamówienie na podwójny obraz przedstawiający nieznaną kobietę.
Kobieta z wentylatorem
Wiadomo jednak, że księżnej Alby poświęconych było wiele innych obrazów wielkiego artysty, a niektóre z nich były wręcz zbyt dosadne: księżna ukazana jest zupełnie nago. Kiedyś na jednym z takich obrazów własnoręcznie napisała: „Trzymać coś takiego to po prostu szaleństwo. Jednak każdemu według własnego uznania.” Jej wypowiedź nie była pozbawiona kokieterii.
Portret markizy Santa Cruz
Latem 1802 roku Caetanya Alba zaprosiła gości do swojego pałacu Buena Vista w Madrycie. Urządzała wspaniałą uroczystość na cześć zaręczyn swojej młodej siostrzenicy. Na uroczystości zaproszono najwybitniejszych przedstawicieli arystokratycznego Madrytu, m.in. księcia koronnego Ferdynanda i premiera Godoya. Księżna zaprosiła także Francisco Goyę. Po obiedzie księżna pokazała gościom osobisty warsztat artysty, który znajdował się właśnie w pałacu. Oprowadzała gości po salach i bez przerwy rozmawiała. Zachowanie księżnej było tak dziwne, że goście byli zagubieni. Mówiąc o farbach używanych w malarstwie, Alba skupiła się na najbardziej trującej z nich, której mała kropla była śmiertelną trucizną. Przerywając opowieść, zażartowała o śmierci.
Portret hrabiny Carpio, markizy de la Solana. 1793
Kiedy wieczór dobiegł końca i wszyscy wyszli, Goya wrócił do domu, ale nie mógł spać aż do rana: wielokrotnie słyszał od swojej kochanki o jej pragnieniu młodej śmierci, zanim osiągnie starość. Podejrzenia potwierdziły się rano – księżna została znaleziona martwa.
Przyczyna śmierci Caetanyi wciąż pozostaje tajemnicą. Niektórzy uważają, że sama Alba zażyła truciznę rozpuszczoną w szklance wody. Inni są pewni gwałtownej śmierci: interesowało się tym wiele osób, w tym królowa Maria Luiza, która uważała księżną za swoją rywalkę, nienawidziła jej i życzyła jej śmierci. Ale żony jej kochanków i sami kochankowie, porzuceni niegdyś przez niewiernego kochanka, oraz zazdrosni przyjaciele, a także służący, którym po śmierci kochanki pozostawiono w domu imponującą sumę pieniędzy wola, chciała zemścić się na Albie...
Portret Doñy Teresy Suredy. 1904
Minęło dziesięć lat od śmierci jego ukochanej Caetanyi, a Goya wciąż nie był w stanie uspokoić swojego cierpiącego serca.
Portret Senory Kean Bermudez, żony Juana Agostino Bermudeza, 1795
W 1812 roku zmarła wierna żona Goi, Josephine, która doświadczyła wielu cierpień psychicznych i przeżyła liczne romanse ze swoim temperamentnym mężem. Syn po ślubie przeprowadził się do innego domu, zostawiając swojego sześćdziesięciosześcioletniego ojca zupełnie samego.
To wtedy pasja nagle obudziła się w Goi z nową energią. Poznał młodą żonę biednego kupca Leocadii Weiss, namówił ją, by zdradziła męża i zabrał ją z rodziny. Dziewięć miesięcy później dała ukochanemu córkę, a dziesięć lat później artysta wraz z córką i Leokadią opuścił Hiszpanię na zawsze, by osiedlić się we Francji.
Portret Doñy Isabel Cobos de Porcel, 1806
Francisco Goya zmarł 16 kwietnia 1828 r. Został pochowany w Bordeaux, znacznie później prochy wielkiego artysty przewieziono do Madrytu i pochowano w kościele San Antonio de la Florida.
Nośnik wody, 1810-12
Portret markizy Santiago
Maha nago
Portret aktorki Antonii Zarate, 1811
Święta Rodzina. OK. 1787
Młoda dziewczyna z listem
Portret Doñy Antonii Zarate, 1806
http:// www. goja. ru/
Biografia Goi
Francisco José de Goya y Lucientes urodził się 30 marca 1746 roku w Fuendetodos, małej wiosce zagubionej wśród aragońskich skał w północnej Hiszpanii. Rodzina mistrza złotnictwa Jose Goya miała trzech synów: Francisco był najmłodszy. Jeden z jego braci, Camillo, został księdzem; drugi, Thomas, poszedł w ślady ojca. Bracia Goya zdołali zdobyć bardzo powierzchowne wykształcenie, dlatego Francisco przez całe życie pisał z błędami.
Pod koniec lat pięćdziesiątych XVIII wieku rodzina przeniosła się do Saragossy. Około 1759 roku (czyli w wieku 13 lat) Francisco odbył praktykę u lokalnego artysty José Lu San y Martineza. Szkolenie trwało około trzech lat. Przez większość czasu Goya kopiował ryciny, co z trudem pomagało mu w zrozumieniu podstaw malarstwa. To prawda, że właśnie w tych latach Franciszek otrzymał swoje pierwsze oficjalne święcenia – z miejscowego kościoła parafialnego. Była to kaplica, w której przechowywano relikwie.
W 1763 roku Goya przeprowadził się do Madrytu, gdzie próbował wstąpić do Królewskiej Akademii San Fernando. Po porażce młody artysta nie poddał się i wkrótce został uczniem nadwornego malarza Francisco Bai-eu. W 1766 roku Goya po raz kolejny bezskutecznie próbował wstąpić do Akademii. Potem jego wzrok skierował się na Włochy. W 1771 roku wziął udział w konkursie Akademii Sztuk Pięknych w Parmie i otrzymał drugą nagrodę za obraz historyczny, którego głównym bohaterem był legendarny Hannibal.
Nieco później artysta wrócił do Hiszpanii. W 1772 roku otrzymał zamówienie na fresk na suficie kościoła Nuestra Señora del Pilar w Saragossie. Przez następne dziesięć lat Goya w dalszym ciągu otrzymywał podobne zamówienia od kościołów znajdujących się w Saragossie i okolicznych miastach.
W 1773 ożenił się z Josefą Bayeu. Przyczyniło się to do jego zadomowienia się w ówczesnym świecie artystycznym. Josefa była siostrą wspomnianego Francisco Bayeu, który cieszył się sporymi wpływami. Pomógł swojemu świeżo upieczonemu krewnemu otrzymać kilka prestiżowych i lukratywnych zamówień. W 1774 roku Goya przeniósł się z Saragossy do Madrytu, gdzie rozpoczął produkcję pierwszej serii kartonów dla Królewskiej Manufaktury Gobelinów w Santa Barbara. Praca na tekturze była głównym zajęciem Goi aż do 1780 roku, jednak w następnej dekadzie co jakiś czas do niej wracał.
Goya i Josefa mieli kilkoro dzieci, ale wszystkie z wyjątkiem Javiera (1784-1854) zmarły w niemowlęctwie. To małżeństwo trwało aż do śmierci Józefy w 1812 roku.
W 1780 roku Goya został ostatecznie przyjęty do Królewskiej Akademii San Fernando. Przepustką był tam obraz „Ukrzyżowanie”, wykonany w stylu akademickim. Następnie w 1785 roku Goya został wicedyrektorem wydziału malarstwa akademii, a rok później został zaproszony na dwór Karola III.
Śmierć króla, która nastąpiła w 1788 r., oznaczała gwałtowny zwrot w życiu Goi. Nowy król Karl Gu nadał mu honorowy tytuł artysty nadwornego. Wtedy to artysta dodał do swojego nazwiska arystokratyczny przedrostek „de”.
Obsypany królewskimi łaskami Goya stał się najbardziej poszukiwanym i modnym portrecistą wśród madryckiej arystokracji. Oprócz tego kontynuował pracę dla kościołów. W tych latach namalował słynny ołtarz „Święty Bernadyna ze Sieny głoszący kazanie przed Alfonsem V Aragońskim” (1781-83).
Zimą 1792-93 dobiegło końca bezchmurne życie odnoszącego sukcesy artysty. Goya pojechał do Kadyksu, aby odwiedzić swojego przyjaciela Sebastiana Martineza. Tam zapadł na niespodziewaną i tajemniczą chorobę. Niektórzy badacze uważają, że przyczyną tej choroby może być kiła lub zatrucie. Tak czy inaczej, artysta doznał paraliżu i częściowej utraty wzroku. Kilka następnych miesięcy spędził na krawędzi życia i śmierci.
Po lekkim wyzdrowieniu Goya wrócił do pracy i namalował serię małych obrazów. Robił to w celach terapeutycznych, czyli – jak sam stwierdził – aby „zająć wyobraźnię i oderwać myśli od chorób”. Ponadto lubił pracować nie na zamówienie, uwalniając się z kajdan artystycznych nakazów nowoczesności. Te małe obrazy stanowiły przełom w twórczej biografii Goi. Od tego czasu w jego twórczości zaczęły dominować dziwne obrazy generowane przez fantazję. Jednocześnie ujawniło się jego żywe zainteresowanie wszystkim, co stanowi ciemną stronę życia.
W 1795 roku, po śmierci Bayeu, Goya został dyrektorem wydziału malarstwa Królewskiej Akademii San Fernando.
Nadal istnieją kontrowersje dotyczące preferencji politycznych Goi. Najwyraźniej ze względów bezpieczeństwa artysta wolał zachować swoje opinie dla siebie.
Za panowania Karola IV (1788-1808) w kraju wzrosło napięcie wewnętrzne, które ostatecznie doprowadziło do ostrego kryzysu. Karol IV był słabym władcą. Popychała go żona Maria Louise i jej ulubieniec Manuel Godoy, który w 1792 roku został szefem hiszpańskiego rządu. Zrujnował kraj, ludzie go nienawidzili. W 1808 r. rozpoczęło się powstanie przeciwko kliki rządzącej. Karol IV abdykował z tronu na rzecz syna Ferdynanda VII. Ferdynand VII nie cieszył się władzą długo. Kilka tygodni później został zwabiony podstępem do Francji i został jeńcem Napoleona. Francuzi najechali Hiszpanię – Napoleon motywował inwazję koniecznością przeciwstawienia się rewolucji. Niektórzy Hiszpanie postrzegali interwencjonistów jako wyzwolicieli spod królewskiej tyranii, inni zaciekle się im przeciwstawiali. W maju 1808 roku Francuzi z bezprecedensowym okrucieństwem stłumili patriotyczną demonstrację w Madrycie. 6 czerwca 1808 roku Napoleon osadził na tronie królewskim swojego brata Józefa. Jego panowanie trwało do 1813 roku, kiedy siły francuskie zostały pokonane przez połączone siły brytyjskie, portugalskie i hiszpańskie pod dowództwem księcia Wellington.
Przez lata okupacji francuskiej Goya zachował pozycję artysty nadwornego, co nie przeszkodziło mu w namalowaniu w 1812 roku portretu księcia Wellington, śmiertelnego wroga Józefa Bonaparte. Po powrocie Ferdynanda VII do Hiszpanii (stało się to w 1814 r.) artysta został ostro skrytykowany za współpracę z okupantem. Nie wpłynęło to jednak w żaden sposób na jego pozycję, gdy kupił dom na przedmieściach Madrytu, nazywając go „Domem Głuchych”. Goya malował ściany swojego schronienia olejami, wykorzystując budzące podziw tematy. Seria rycin z tego samego okresu niewiele różniła się treściowo od tego obrazu. Dominowało w niej gorzkie rozczarowanie życiem, ponura groteska i fantastyczne koszmary. Seria ta, ukończona w 1823 roku, zbiegła się z nową falą represji rozpętaną przez tyrański reżim Ferdynanda VII.
W 1824 r. Goya, który nie chciał tolerować takiej polityki, udał się na dobrowolne wygnanie. Ostatnie lata życia spędził w Bordeaux we Francji, gdzie zmarł 16 kwietnia 1828 roku w wieku 82 lat. Jego prochy przewieziono do ojczyzny i pochowano w madryckim kościele San Antonio de la Florida. Ten sam kościół, którego ściany i sufit były kiedyś malowane przez artystę.
|
Tematyka religijna zajmuje w twórczości Goi eksponowane miejsce, jednak prace te są mniej znane, ponieważ historycy sztuki często skupiają się na innowacjach artysty i jedynie powierzchownie dotykają związków jego malarstwa z religią. Charakter tych powiązań wyraźnie widać w obrazie „Ukrzyżowanie” z 1780 r., który przez wielu krytyków jest postrzegany jako swego rodzaju apel z wielkimi hiszpańskimi artystami XVII wieku – Velazquezem i Zurbaranem. Inne obrazy religijne Goya malował w znacznie mniej ortodoksyjny sposób. Najciekawsze w tym sensie są jego freski dla kościoła San Antonio de la Florida w Madrycie, powstałe w 1798 roku. Po prawej stronie znajduje się piękny obraz przedstawiający kopułę tego kościoła. |
|
|
Jak rakieta w nocy (o twórczości Goi) | |
|
Goya wyróżniał się niesamowitą zdolnością do pracy, uniwersalnym talentem i najwyższymi umiejętnościami technicznymi. Jego geniusz zabłysnął jak jasna gwiazda na horyzoncie malarstwa hiszpańskiego i obudził go z długiego snu. Po „złotym wieku” kultury hiszpańskiej, który nastąpił w XVII wieku, rozpoczął się długi okres ponadczasowości w sztuce narodowej, kiedy ton nadawali na przykład temu samemu obrazowi zagraniczni mistrzowie, którzy przybyli do Hiszpanii. W większości byli to imigranci z Włoch. Wśród nich zauważamy wybitnych artystów Luca Giordano (1634-1705) i Giambatista Tiepolo (1696-1770). Inną godną uwagi postacią tamtych czasów można uznać za niemieckiego artystę Antona Raphaela Mengsa (1728-1779). Na tle stagnacji, jaka panowała w kulturze hiszpańskiej, pojawienie się Goi często porównywane jest do „rakiety, która rozświetliła nocne niebo”. Początek kariery twórczej Goi charakteryzuje się powolnym, ale stałym rozwojem. Jego ówczesny styl, wyróżniający się wysokimi umiejętnościami technicznymi, był jednak pozbawiony wyjątkowej indywidualności. Dominacja artystów zagranicznych na dworze doprowadziła do tego, że ogólny styl malarstwa hiszpańskiego stracił swój narodowy charakter, głównymi wymogami malarstwa stały się „przeciętność” i „lakierowanie”. Młody Goya pracował w pełni zgodnie z tymi wymogami, jednak już w jego tekturach tworzonych dla Królewskiej Manufaktury Gobelinów (1774-1792) pojawia się wyraźny „hiszpański akcent”. Prace te, których fabuła nawiązuje do „międzynarodowego” stylu rokoko, pełne są czysto hiszpańskich detali – pejzażu, kostiumów i swoistego humoru. Elementy te staną się później podstawą wszystkich dojrzałych dzieł artysty. Podobnie jak wielu współczesnych artystów, Goya kolekcjonował ryciny z obrazów zagranicznych mistrzów, co pomogło mu być na bieżąco ze wszystkimi najważniejszymi wydarzeniami w życiu kulturalnym Europy. Jednak Goya większość tematów swoich obrazów czerpał z otaczającego go życia - są to m.in. walki byków, Inkwizycja, święta religijne w wersji hiszpańskiej oraz, w niektórych przypadkach, mahi i macho. Dwa ostatnie słowa oznaczają odpowiednio piękności i „modę” z klas niższych. Umiejętności techniczne Goi zostały szczęśliwie połączone ze specyfiką jego światopoglądu. On jak nikt inny potrafił nadać zwykłym przedmiotom i zdarzeniom dźwięk, który nadał im uniwersalne znaczenie. Indywidualny styl Goi zaczął kształtować się w 1788 roku, kiedy artysta przedstawił widzowi koszmarne stworzenia, które później stały się jego wizytówką. Po wyzdrowieniu z poważnej choroby, która dotknęła go zimą 1792-93, Goya pogrążył się niemal całkowicie w świecie przemocy, ciemności i horroru. Świat ten wygenerowały dwa źródła – z jednej strony specyficzna wyobraźnia artysty, z drugiej zaś wojna, która szalała na całym kontynencie. Zmiany te częściowo można wytłumaczyć strachem przed śmiercią i chorobami, które nękały Goyę w ostatnich latach jego życia. Ale te choroby były mieczem obosiecznym. Dręczywszy artystę, to oni wyznaczyli granicę, na której Goya stał się artystą wyjątkowym. Do dziś przetrwało około 700 obrazów Goi, od miniatur po duże malowidła ścienne i freski. Zachowało się także około tysiąca jego rysunków i 300 rycin wykonanych w różnych technikach. Najczęściej Goya malowała na płótnie. Oprócz pędzli czasami nakładał farbę nożem, palcami itp. W wydanej w 1845 roku książce Podróże po Hiszpanii francuski pisarz Théophile Gautier (1811-1872) podaje, że artysta tworzył swoje obrazy za pomocą gąbek, szmat, szmat , pędzle lub, jak w przypadku obrazów poświęconych powstaniu madryckiemu z 2 maja 1808 r., drewnianą łyżkę. Zainteresowanym twórczością Goi szeregu ciekawych informacji przekazuje jego syn Javier. Zwraca także uwagę na różnorodność technik znajdujących się w arsenale artystycznym ojca. Według Javiera Goya często pracował nożem paletowym. Jeśli chodzi o jego zdolność do pracy, interesujące są następujące dowody: Goya był w stanie wykonać portret w ciągu jednej dziesięciogodzinnej sesji. Javier twierdzi, że artysta lubił pracować w nocy (w przeciwieństwie do większości jego braci, którzy woleli malować przy świetle dziennym). Potwierdza to autoportret Goi (ok. 1790-95). Przedstawił na nim siebie w kapeluszu, którego rondo było wyłożone zapalonymi świecami, umożliwiając mu pisanie w nocy. To właśnie niewłaściwe światło świec pomogło artyście stworzyć niepokojące obrazy. Goya był samotny. Zasadniczo nie miał ani uczniów, ani ludzi o podobnych poglądach, ani nawet naśladowców. Dlatego jego bezpośredni wpływ na rozwój malarstwa hiszpańskiego można uznać za bardzo ograniczony. Pod koniec życia popularność jego twórczości zauważalnie spadła; irytował go jego indywidualny styl, a bogatsze i „naukowe” obrazy innych mistrzów zdobywały sympatię publiczności. Po jego śmierci nazwisko Goya przez długi czas było kojarzone z malowanymi przez niego portretami współczesnych. Nowe odkrycie artysty nastąpiło dopiero kilkadziesiąt lat później. Ryciny z cyklu „Katastrofy wojny”, uznawane dziś za jeden ze szczytów twórczości artysty, ukazały się w roku 1863, a „Czarne obrazy” zasłynęły w latach 70. XIX w. (a notabene początkowo były poddawane surowym artystycznym krytyka). Ale wpływ Goi stale rósł. Eugene Delacroix (1798-1863) entuzjastycznie kopiował swoje „Caprichos”, a Edouard Manet (1832-1883) w swoim obrazie „Egzekucja cesarza Maksymiliana” celowo powtórzył odkrycia Goi dokonane w „Rozstrzelaniu buntowników 3 maja”, 1808.” Wielu impresjonistów uważało się za uczniów Goi, którzy wiedzieli, jak poświęcić szczegół, aby osiągnąć całościowy efekt. A jednak dopiero wiek XX bez zastrzeżeń uznał Goyę za jednego z najwybitniejszych artystów w historii malarstwa światowego. Symbolizm, ekspresjonizm i surrealizm, które zrobiły furorę w ubiegłym stuleciu, w dużej mierze oparły się w swojej śmiałości na twórczości Goi. W tym samym czasie artysta odkryła także opinia publiczna. |
|
|
„Czarne obrazy” Goi | |
|
M Dzieła te nie mają odpowiednika w malarstwie tamtych czasów. Niektóre z nich pisane są na tematy religijne, inne na tematy mitologiczne – jak na przykład „Saturn pożerający własne dzieci”. W większości są to jednak tragiczne wytwory wyobraźni artysty. Należą do nich „Pies” przedstawiający psa pokrytego piaskiem. Sceny te charakteryzują się brutalnym i odważnym stylem pisania; wszystko w nich przypomina śmierć i daremność życia ludzkiego. „Czarne obrazy” zdobiły ściany „Domu Głuchych” aż do lat 70. XIX wieku, po czym kupił je baron Emil Erlanger, niemiecki bankier i kolekcjoner dzieł sztuki. Obrazy zostały przeniesione ze ścian na płótno i wystawione w 1878 roku w Paryżu. W 1881 roku zostały przekazane do Muzeum Prado w Madrycie. |
|
|
Akwaforty - Goya | |
W latach 1820-1823 Goya udekorował dwa duże pokoje w swoim domu serią obrazów, które później nazwano „czarnymi” ze względu na ich ciemną kolorystykę i tematykę przypominającą koszmary senne.|
Goya był jednym z najzdolniejszych i najbardziej oryginalnych grafików swoich czasów. W tym gatunku kierowali się Durerem i Rembrandtem. Technicznie rzecz biorąc, ryciny Goi są bardzo złożone. Większość z nich zaliczana jest do akwafort, choć tak naprawdę artysta tworząc jedną płytę często posługiwał się kilkoma technikami na raz. Szczególnie spodobało mu się połączenie graweru z akwatintą, które pozwala uzyskać efekt cieniowania.
Po pojawieniu się w Hiszpanii litografii, wynalezionej w 1798 roku, artyście szybko udało się opanować tę technikę. Ryciny Goi to zazwyczaj pojedyncze arkusze w dużych seriach. Pierwszą była seria kopii dzieł Velázqueza ze zbiorów królewskich, rozpoczęta w 1778 roku. Potem nastąpiły cztery kolejne duże serie: „Caprichos”, 1797-98; „Katastrofy wojenne” 1810-14; „Tauromachia”, 1815-16; „Przysłowia” (lub „Pedały”), ok. 1816-23. Dodatkowo po przeprowadzce do Francji Goya stworzył cztery ryciny, których łączy temat walk byków („Byki z Bordeaux”, 1824-25). Ryciny artysty za jego życia były praktycznie nieznane. „Klęski wojny” i „Przysłowia” ukazały się po raz pierwszy dopiero po jego śmierci. Większość oryginalnych miedzianych płyt grawerowanych przez Goyę przechowywana jest w Królewskiej Akademii San Fernando w Madrycie. |
|
|
Portrety - Goya | |
|
Prawie połowa dziedzictwa twórczego Goya tworzyć portrety. Do wielu z nich pozowali jego znani i szlachetni współcześni. Oprócz portretów oficjalnych i uroczystych Goya malował portrety przyjaciół i krewnych. Kolejną dużą część tego działu stanowią autoportrety artysty. Najczęściej Goya malował portrety w połowie długości (lub przedstawiał tylko głowę i ramiona), ale ma też kilka portretów pełnometrażowych. Należą do nich „Portret Marii Teresy de Vallabridge”. Warto zauważyć, że ulubionymi artystami Goi byli mistrzowie portretu. To jest Velazquez i Rembrandt. |
|
|
Dziwne światy Goi | |
|
Goya zadziwia jakąś dziwną „nieprawidłowością”. Próbowano na różne sposoby wyjaśniać jego pochodzenie. Powody miały charakter osobisty – przypominały o śmiertelnej chorobie, na którą cierpiał, po której artysta przeżył swoje (kilkadziesiąt lat) życie, współcześnie mówiąc, jako „osoba niepełnosprawna”. Powody były natury historycznej – podano, że stał się on mimowolnym świadkiem ogólnoeuropejskiej masakry, co nie napawało optymizmem. Powody są natury społecznej - życie Goi nastąpiło pod koniec epok w historii Hiszpanii i w tych warunkach pozostało bardzo niewiele kotwic, które mogłyby uchronić człowieka przed rozpaczą i niedowierzaniem w istnienie przynajmniej jakiegoś sensu. Ortega y Gasset nazwał go „zdeformowanym geniuszem” ze względu na niezdarność w wykonywaniu „zawrotnych salt w sztuce malarskiej”. Tak czy inaczej, dziwny świat Goi, pełen ludzkiego fałszu, „wypaczeń”, złych duchów, fantastycznych przesady, odzwierciedlał coś, co do tej pory było w człowieku ukryte – ukryte pod osłoną zewnętrznej przyzwoitości i wiary we wszechmoc ludzkiego umysłu. Goya zdarł tę zasłonę i stał się wielkim artystą, którego wpływ na nasze życie trwa do dziś. | |
|
MARZENIA UMYSŁU W OBRAZACH GOI I DALI |
|
|
Przy wsparciu Ministerstwa Kultury i Polityki Młodzieżowej Regionu Samara Regionalne Muzeum Sztuki i Centrum Euro-Art zaprezentowały wystawę prac dwóch wybitnych hiszpańskich artystów Francisco Goya i Salvadora Dali na temat „Caprichos”. Kolekcja z prywatnej kolekcji Kunstgalerien Bottingerhaus, Niemcy Wystawa jest wyjątkowa po pierwsze dlatego, że prezentuje grafikę Francisco Goyi, będącego szczytem twórczości graficznej. Nikt przed Goyą i nikt po Goi nie zrobił czegoś takiego. Cykl Caprichos stał się jedną z największych zagadek światowego dziedzictwa artystycznego i od 200 lat jest w centrum uwagi badaczy. Napisano setki tomów, tysiące stron i nie ma odpowiedzi. „Sny umysłu rodzą potwory”. Prawda ta, sformułowana w XVIII wieku przez Francisco Goyę w tytule jednego z dzieł z tego cyklu, nie tylko nie straciła, ale w XX wieku zyskała na aktualności. Drugą wyjątkowością tego projektu jest to, że na wystawie zaprezentowano także 80 prac Salvadora Dali, który przeniósł na swoje litografie kompozycje wszystkich rycin Goi, nasycił je kolorem, wprowadził własne znaki przenikające całą jego dotychczasową twórczość i nadał nowe kompozycje nowe nazwy. I, jak twierdzą badacze, dodał zagadkę Dali do zagadki Goi. Salvador Dali stał się strażnikiem „Marzenia Rozumu” XX wieku. I jeśli dla Goyi seria „Caprichos” była pierwszą dużą serią graficzną, to dla Dalego ostatnią. Goya ukończył to dzieło w 1799 roku. Salvador Dali wykonał to na znak szacunku dla Francisco Goi w 1977 roku. Zmienił się tylko jeden numer. Jest w tym też pewien mistycyzm. A trzecią cechą jest to, że po raz pierwszy na tej wystawie prezentowane są jednocześnie dwa komentarze do rycin Francisco Goi. Uważa się, że pierwsze komentarze z 1799 r. zostały napisane przez niego samego i jego przyjaciela Martinosa. Drugie powstały w 1803 r. Komentarze do twórczości Salvadora Dali do projektu „Sny umysłu” przygotował niemiecki krytyk sztuki Kurt Ruppert. Aby stworzyć wyjątkową atmosferę specjalnie dla tego projektu, petersburski kompozytor Roman Ryazantsev napisał muzykę, a melodie na temat „Caprichos” stale rozbrzmiewają w sali wystawowej. Jak przyznają organizatorzy, wystawa ta jest niezwykle pouczająca. Widzowie mogą odnieść wrażenie, że materiału jest za dużo. Ale znowu, jak powiedział na otwarciu Alexander Shchelyakov (Euro-Art Center): „Dajemy odwiedzającemu prawo wyboru: z którym artystą chciałby się bliżej zapoznać. Dajemy każdemu maksymalną możliwość osobistego doświadczenia tych prac lub zapoznania się z przesłanymi komentarzami. Losy serialu „Caprichos” są tragiczne, podobnie jak tragiczny jest los samego Goi. Pierwsze szkice do tego cyklu artysta stworzył w 1793 roku. W tym czasie z powodu choroby przyjmuje się, że Goya zaczyna tracić słuch. Ale to ubytek słuchu poprawia jego percepcję wzrokową. Zaczyna mocniej odczuwać otaczający go świat i nagle zdaje sobie sprawę, że otaczający go ludzie wcale nie są tymi, za których się podają. Początkowo Goya chciał nazwać swój cykl „snami” od tytułu jednego z rysunków i zakładano, że będzie on poświęcony czarom i Sabatowi czarownic – snom. Ale w trakcie pracy rezygnuje z tej opcji, przyjmuje nazwę „Caprichos”, a serial nabiera zupełnie innego charakteru – powiedzmy satyrycznego i społecznie zorientowanego. W 1799 r. ukończono serię 80 arkuszy. Jak mówią badacze, przez ostatnie dwa lata pracy nad nim Goya praktycznie się załamał, choroba bardzo postępowała – nieustannie dręczyły go silne bóle głowy. Uraz fizyczny i psychiczny spowodował, że byłem bardzo zestresowany. Ale 19 lutego 1799 roku seria została wydana. A cztery dni później (w tym czasie sprzedano tylko 27 egzemplarzy z 240) decyzją Inkwizycji został wycofany ze sprzedaży. O Inkwizycji wiemy z książek i filmów. Goya żył w tym czasie. I oczywiście nie mógł otwarcie pokazać, czego chce. Możemy się tego tylko domyślać na podstawie kilku szczegółów. Goya był zmuszony przyjść do króla Karola IV, aby przeprosić za to, że pozwolił sobie na wydanie takiej serii. I w geście pojednania przekazuje mu zbiór 499 reprodukcji swoich dzieł, w tym 80 płyt drukarskich, a także wszystkie niesprzedane egzemplarze wraz z rękopiśmiennymi stronami. Od tego momentu, za życia Goi, żaden z powstałych przez niego cykli nie ujrzał światła dziennego. Salvador Dali sięgnął po twórczość Francisco Goi już po przekroczeniu siedemdziesięciu lat, siedem lat przed śmiercią. Jak powiedziano na otwarciu wystawy, wielu może mieć pytania: dlaczego Dali zdecydował się zamalować Goyę? Co, Dali chciał stanąć na równi z tym największym artystą? Sam Salvador Dali powiedział o sobie: „Moje malarstwo to wierzchołek góry lodowej. Cała reszta to moja twórczość graficzna.” Dali zilustrował Boską Komedię Dantego, Fausta Goethego, Rabelais i wiele innych dzieł sztuki. „Najwyraźniej” – mówi Alexander Shchelyakov – „dla Dali praca nad serią „Caprichos” stała się ilustracją ukończonego dzieła Francisco Goi. Dali próbował odkryć tajemnicę Goi, próbował wprowadzić do swoich rycin coś, czego sam Goya nie był w stanie pokazać. W jakim stopniu mu się to udało, a w jakim stopniu – osądzą widzowie. Ale w końcu mamy dwa odcinki „Caprichos”. Słowo Capriccio ma dwa znaczenia. W pierwszej wersji jest to „ekscentryczny kozioł”, w innym tłumaczeniu brzmi jak „zmierzwione włosy”. W rezultacie, jeśli złożysz wszystko w jedną całość i powiesz to po rosyjsku, otrzymasz coś takiego: od tego, co zobaczysz, jeżą ci się włosy na głowie. Wystawa jest dość złożona. W ogóle nie jest kontemplacyjna, jest trudna emocjonalnie. Każdy z rysunków daje do myślenia. Według wielu badaczy Francisco Goya stał się pierwszym artystą, który odsłonił przed widzem swoją duszę. Podczas wystawy w Moskwie w latach 2005-2006 w księdze gości dokonano następującego wpisu: „Za dwieście rubli poszedłem do piekła. Dzięki Bogu, mam jeszcze czas na przyjęcie komunii i spowiedź...” Ta wystawa jest spojrzeniem na życie, na to, co dzieje się wokół nas i na nas samych oczami dwóch najwspanialszych Hiszpanów. |
Nic nie jest w stanie poruszyć duszy człowieka tak, jak objawienie wielkiego mistrza na jego płótnie! Przecież każde zdjęcie to emocje i przeżycia, którymi podzielił się ze światem. Każdy człowiek kontemplując obrazy odnajduje w nich coś wyjątkowego dla siebie i tak powstaje niewidzialna więź pomiędzy artystą a koneserami jego talentu.
Wielki romantyk: biografia Francisco Goyi
Francisco Goya to słynny hiszpański artysta, który reprezentował ruch romantyzmu w sztuce. Mistrz urodził się w małej wiosce Fuendetodos w 1746 roku w północnej Hiszpanii. Później rodzina przeniosła się do Saragossy i tutaj rozpoczęła się droga utalentowanego artysty, który w wieku 13 lat zaczął studiować malarstwo. Goya po raz pierwszy zyskał uznanie jako znakomity portrecista, a już w 1786 roku Francisco dostąpił zaszczytu zostania malarzem nadwornym i malowaniem dla króla.
Jednak światopogląd mistrza zmienił się dramatycznie po rewolucji francuskiej - wydarzenia te go zszokowały, ponadto w tym okresie jego zdrowie gwałtownie się pogorszyło, a twórca stracił słuch. Od tego momentu płótna stają się ciemniejsze, a nawet przerażające, na nie mistrz przeniósł swoje poczucie beznadziejności i samotności. Kreacje te szybko zyskały popularność. Mistrz pracował 70 lat i zmarł w 1828 roku w Bordeaux we Francji.
Nieśmiertelne płótna: najlepsze obrazy Francisco Goi
W ciągu swojego życia artyście udało się stworzyć wiele obrazów, wszystkie są bez wątpienia arcydziełami i własnością narodu hiszpańskiego. Najbardziej kompletny zbiór dzieł przechowywany jest w Muzeum Prado w Madrycie. Jednak współcześni podkreślają najbardziej udane obrazy mistrza. Wywarli wpływ na wielu artystów tamtych czasów. Najpopularniejsze płótna:
- „Egzekucja rebeliantów w nocy 3 maja 1808 r.”
Obrazy te można śmiało nazwać arcydziełami, które w naszych czasach zyskały szerokie uznanie. Goya napisał wszystkie te dzieła, kierując się zarówno wewnętrznymi uczuciami, jak i odzwierciedlając problemy swojej ukochanej Hiszpanii. Każda praca to cała historia, którą artysta opowiedział światu.
Płótno powstało w latach 1795-1800. Twórca poprzez obraz uroczej otwartej huśtawki przekazał portret ówczesnej hiszpańskiej mieszczanki. Goya przekroczyła wszystkie kanony i przedstawiła kobietę, dla której miłość stała się celem życia. Artystka podkreśliła jej atrakcyjność i temperament – właśnie taki obraz w rozumieniu Goi był nieodłączny od Hiszpanek. Urok, młodość i nieodparte pragnienie życia i miłości – mistrz umiejętnie przedstawił to wszystko na płótnie. „Naga Maha” to prawdziwa hiszpańska Wenus! Dokładnie tak mistrz oceniał Hiszpanki, uważając je za przykłady zmysłowości i oddanej miłości.
Obraz powstał w latach 1797-1798. Artysta namalował wizerunek swojego współczesnego człowieka, pełnego zmysłowości, a jednocześnie „zamkniętego” przed ciekawskimi spojrzeniami. Urocza dziewczyna stała się symbolem kobiecej niedostępności, jednocześnie jest zabawna i czuje swoją władzę nad mężczyzną. Uwodzicielskie linie jej ciała ukryte pod ubraniem przyciągają, a jednocześnie przepełniają dostojnością i dziewiczą czystością. Goya bardzo lubił podkreślać sprzeczności w naturze ludzkiej: kobieta na jego płótnach jest zawsze ucieleśnieniem miłości i pasji, ale jest dumna i niedostępna.
Obraz ten namalowano w 1814 r. Jest naprawdę uważany za niezrównane arcydzieło. Artysta potrafił wiernie oddać atmosferę straszliwej przemocy i niesprawiedliwości wobec człowieka. Obraz odzwierciedla jego doświadczenia i szczerą nienawiść do okropności wojny. Tragicznie przeżywa śmierć swoich rodaków, dzieło to można nazwać prawdziwym protestem Goi przeciwko rozlewowi krwi i istniejącemu reżimowi.
Płótno ukazało się w 1800 roku. Ten portret zbiorowy został zamówiony u artysty przez samego króla. Jednak w tym dziele Goya nie bał się ujawnić wszystkich „sekretów” rodziny królewskiej. Artystka bardzo trafnie przedstawiła ich życie i styl rządzenia: bogate stroje i luksusowa biżuteria nie są w stanie zakryć pustki duszy i wad ciała. Mistrz celowo nie upiększał obrazów, a wręcz podkreślał ich niekonsekwencję, arogancję i brak jedności. Sam mistrz jest obecny na płótnie, stoi skromnie w ciemnym kącie i kontempluje ludzi pełnych pozorów, a ich losami rządzi oszustwo i chciwość. Sam mistrz nazwał to arcydzieło „karykaturą” z jego ironią i prawdziwością.
W okresie od 1819 do 1823 r. mistrz stworzył swoje dzieło, które odzwierciedlało jego wewnętrzne doświadczenia i strach o swój kraj. Goya napisał prawdziwe arcydzieło, w którym odzwierciedlił cały swój ból i strach o los Hiszpanii, która w tym czasie przeżywała nieudaną rewolucję. Franciszek bardzo trafnie przedstawił bezlitosny czas, który pożera „dzieci”. Beznadzieja, strach, groza i martwa nadzieja to główne tematy tego „mrocznego” płótna.
Francisco Goya to wielki artysta, który pozostawił jasny ślad w sztuce, tylko on potrafił malować tak różne obrazy: piękny i zmysłowy romantyzm oraz przerażający, mroczny realizm.
Goya, Francisco, właściwie José de Goya y Lucientes – malarz hiszpański. Goya urodził się w 1746 roku we wsi niedaleko Saragossy, w rodzinie chłopskiej. Żywy chłopiec od najmłodszych lat wykazywał duże zamiłowanie do malarstwa i w wieku 14 lat wstąpił do pracowni artysty w Saragossie. Biorąc udział w bitwie z jednym z bractw religijnych, Goya musiał uciekać i w 1765 roku znalazł się w Madrycie. Miłosne przygody i pojedynki, których dla silnego i zręcznego Goyi było bardzo wiele, a także niebezpieczeństwa i prześladowania ze strony Inkwizycji za jeden z pojedynków zmusiły go do opuszczenia Madrytu. W trupie torreadorów, stopniowo przemieszczających się z miasta do miasta, Francisco Goya dotarł do Włoch i wreszcie do Rzymu, który od dawna go do siebie przyciągał.
Pobyt we Włoszech i znajomość szkoły włoskiej w ogóle nie wpłynęły na Goyę. A w klasycznym Rzymie, w komunikacji z Dawid, Francisco Goya pozostał sobą i niczego nie wziął klasycyzm: Goya czerpał tematy do swoich obrazów namalowanych w Rzymie z życia Hiszpanii i przyciągał nimi uwagę.
Francisco Goya. Portret Gaspara Jovellanosa, 1798
Po powrocie do Hiszpanii w 1775 roku Goya zamówił 30 szkiców dla królewskiej fabryki dywanów. Wbrew zwyczajowi nie odtwarzał w nich scen klasycznych, lecz przedstawiał sceny z życia Hiszpanii – zabawy ludowe, zabawy, polowania, wędkarstwo. Te 30 bardzo ważnych kartonów zapoczątkowało sławę Francisco Goyi. W 1780 został członkiem Madryckiej Akademii Sztuk, w 1786 - malarzem nadwornym, a w 1795 - prezesem akademii.
Francisco Goya. Akt Machy, 1799-1800
W 1798 roku Goya namalował freski w kościele San Antonio della Florida pod Madrytem i zyskał największą sławę na dworze i wśród szlachty. Został zasypany zamówieniami na portrety. Spośród 200 portretów najlepsze są te, których oryginały zafascynowały Goyę. Są to portrety królowej Marii Józefy, Izabeli Sycylijskiej oraz dwa portrety Machy, ubranej i nagiej, pełnej swoistego zmysłowego uroku.
Francisco Goya. Maha ubrany, 1800-1803
Ale Goya w tym czasie, jednocześnie malując portrety w utalentowanych fantastycznych rysunkach, oddał się krytykowaniu z nieubłaganą satyrą różnych wad arystokracji i monastycyzmu oraz ogólnie hiszpańskiej moralności.
Niemal jedna po drugiej ukazała się seria rycin Goi pod tytułami „Caprichos” (80 kart, 1793 – 1798), „Tauromachy” (30 kart, 1801), „Przysłowia” (18 kart, ok. 1810). W latach 1810-15 opublikował 80 rysunków „Katastrof wojennych”, przedstawiających sceny i okropności francuskiej inwazji na Hiszpanię.
Do tablicy Ferdynand VII Francisco Goya po raz kolejny był zmuszony opuścić Madryt, tym razem na zawsze. Najpierw w 1822 roku Goya osiadł w Paryżu, następnie przeniósł się do Bordeaux i tam zmarł w 1828 roku w wieku 82 lat, wciąż pełen życia, siły i niezłomnej energii.
Francisco Goya. Król Hiszpanii Ferdynand VII, ok. 1814
Goya to jeden z najwybitniejszych artystów hiszpańskich. Jego obrazy i freski o charakterze religijnym, malowane bez odpowiedniego nastroju, nie mają większego znaczenia. Ważniejsze są jego charakterystyczne portrety, a szczególnie cenne są przedstawienia życia narodowego, w których jako pierwszy w epoce klasycyzmu odkrył hiszpańską rzeczywistość i ze wszystkich sił wykazał się jej głębokim zrozumieniem i genialnym talentem realistycznym . Ryciny Goi, pełne gniewu i fantazji, są świeże i mocne. Jako malarz Goya posiadał subtelną umiejętność posługiwania się światłocieniem Rembrandta i lekki Velazquez. Czasami malował impresjonizmem i dawał na początku XIX wieku. przykłady tego, co pojawiło się pod koniec XIX wieku impresjoniści.
Literatura o Francisco Goi
Matherona,„Biografia Goi” (1858)
Iriarte,„Goja” (1867)
Leforta,„Francisco Goya”
Benoit, „Goya” („Dzika róża”)
Bertels,„Francisco Goya”
Kan,„Francisco Goya”
GOYA Francisco José de (1746 1828), hiszpański malarz, rytownik. Kochającą wolność sztukę Goi wyróżnia odważna innowacja, namiętna emocjonalność, fantazja, ostra charakterystyka i groteska zorientowana społecznie: kartony dla... ... słownik encyklopedyczny
- (Goya) Goya, Goya i Lucientes (Goya y Lucientes) Francisco José de (1746 1828) Hiszpański artysta, malarz, rytownik. Aforyzmy, cytuje Fantazja pozbawiona rozumu tworzy potwora; zjednoczona z Nim jest matką sztuki i źródłem jej cudów.... ... Skonsolidowana encyklopedia aforyzmów
- ... Wikipedii
- ... Wikipedii
- ... Wikipedii
Goya i Lucientes (1746-1828), hiszpański malarz, rytownik, rysownik. Od 1760 studiował w Saragossie u X. Lusana i Martineza. Około 1769 wyjechał do Włoch. W 1771 powrócił do Saragossy, gdzie namalował freski w tradycji... ... Encyklopedia sztuki
Goya, Goya i Lucientes (Goya y Lucientes) Francisco José de (30.3.1746, Fuendetodos, k. Saragossy, 16.4.1828, Bordeaux), hiszpański malarz, rytownik, rysownik. Syn mistrza złotniczego i córka zubożałego szlachcica. Od 1760 studiował w Saragossie u H.... ... Wielka encyklopedia radziecka
- (Goya y Lucientes, Francisco Jose) FRANCISCO GOYA. AUTOPORTRET (1746 1828), także Goya i Lucientes, wielki hiszpański artysta i rytownik, innowator. Urodził się 30 marca 1746 roku w górskiej wiosce Fuendetodos w Aragonii, w rodzinie mistrza złotniczego. Gdy… … Encyklopedia Colliera
F. Goya. Autoportret. 1815. Prado. Madryt. Goya Francisco José de, Goya i Lucientes (Goya y Lucientes) (1746-1828), hiszpański malarz, rytownik, rysownik. Od 1760 studiował w Saragossie u X. Lusana i Martineza. Około 1769 roku wyjechał do Włoch.... ... Encyklopedia sztuki
- (Goya) (1746 1828), hiszpański malarz, rytownik. Kochającą wolność sztukę Goi wyróżnia odważna innowacja, namiętna emocjonalność, fantazja, ostra charakterystyka, groteska zorientowana społecznie: kartony na królewski gobelin... ... słownik encyklopedyczny
Książki
- Goya (zestaw 2 książek), V. Prokofiew, Francisco Goya. Twórczość wielkiego hiszpańskiego artysty Francisco Goyi od ponad wieku przyciąga uwagę historyków sztuki. Pierwsze poważne próby odsłonięcia złożonej, głęboko...
- Francisco Goya, . Francisco Goya to wielki hiszpański artysta działający na przełomie XVIII i XIX wieku. Jego sztuka, przepojona wysokim poczuciem obywatelskim, jest ściśle związana z jego czasem, życiem i...