Chłopski taniec. Malarstwo rosyjskie XIX wieku

11.04.2019

Chłop – przedstawiciel „milczącej większości” – nie zajmował zauważalnego miejsca w sztukach wizualnych aż do XIX wieku, przed erą rewolucji społecznych i urbanizacji, z którymi wiązało się powstawanie współczesnych narodów i budowanie ich mitologii. powiązany. W epoce romantycznej początku stulecia kulturowy wizerunek wieśniaka nabrał w Europie specyficznego znaczenia: kiedy naród rozumiano jako zbiorowy organizm wyrastający z pierwotnej gleby, to rolnik zaczął być postrzegany jako jego najczystsze, najbardziej kompletne, nieskażone wykonanie. Jednak w świadomości społecznej Rosji w XIX wieku chłopstwo zajmowało miejsce bardzo szczególne: stało się wręcz synonimem pojęcia „narodu”, a robotnik wiejski stał się wzorcem moralnym dla różnych ruchów politycznych i intelektualnych. Nasza sztuka z niespotykaną dotąd przejrzystością ucieleśniała proces wizualnej samowiedzy kraju i kształtowania wizerunku chłopstwa jako kręgosłupa Rosji.

Trzeba przyznać, że w drugiej połowie XVIII w. malarstwo europejskie znało zaledwie kilka podstawowych modeli przedstawiania chłopstwa. Pierwszy ukształtował się w Wenecji w XVI wieku. Jej pojawienie się zostało usankcjonowane tradycją literacką sięgającą poematu „Georgics” rzymskiego poety Wergiliusza, w którym ciężka praca rolników była kluczem do harmonii z naturą. Nagrodą dla niego było zgodność z ustanawianymi od czasu do czasu prawami naturalnej egzystencji, których pozbawieni byli mieszkańcy miast. Drugi tryb rozwinął się w zurbanizowanej Holandii XVII wieku: w rozwlekłych scenach rodzajowych chłopi jawili się jako widzowie zabawni, czasem niegrzeczni, niepowściągliwi, a zatem godni pogodnego uśmiechu lub złośliwej kpiny, która podnosiła miejskiego widza w jego własnych oczach. Wreszcie w epoce Oświecenia narodził się inny sposób przedstawiania chłopa jako szlachetnego, wrażliwego wieśniaka, którego naturalna moralność wynikała z bliskości z naturą i była wyrzutem dla skorumpowanego człowieka cywilizacji.

Iwan Argunow. Portret nieznanej kobiety w stroju rosyjskim. 1784

Michaił Szybanow. Uroczystość zawarcia umowy ślubnej. 1777Państwowa Galeria Trietiakowska

Iwan Ermenew. Śpiewający niewidomi. Akwarela z cyklu „Żebracy”. 1764–1765

Pod tym względem Rosja, która przetrwała XVIII wiek, nie wyróżniała się na tle europejskim. Można znaleźć pojedyncze przykłady przedstawień przedstawicieli niższych warstw społecznych, a okoliczności powstania niektórych dzieł tego typu nie zawsze są jasne. Takimi są prostoduszny „Portret nieznanej kobiety w stroju rosyjskim” Iwana Argunowa (1784), spokojna szlachetność „Świętowania umowy ślubnej” Michaiła Szibanowa (1777) czy brutalnie prawdziwe wizerunki żebraków Iwana Ermenewa. Wizualne rozumienie „ludowej” przestrzeni Rosji początkowo odbywało się w ramach etnografii. Atlasy - opisy imperium opatrzono szczegółowymi ilustracjami przedstawiającymi typy społeczne i etniczne: od chłopów z prowincji europejskich po mieszkańców Kamczatki. Naturalnie artysta skupił się przede wszystkim na niepowtarzalnych strojach, fryzurach i cechach fizjonomicznych, które podkreślały niepowtarzalność przedstawionych postaci i pod tym względem ryciny tego typu różniły się nieco od ilustracji przedstawiających opisy egzotycznych krain – Ameryki czy Oceanii.

Sytuacja uległa zmianie w XIX wieku, kiedy zaczęto postrzegać człowieka „od pługa” jako nosiciela ducha narodu. Ale jeśli we Francji czy Niemczech tamtych czasów, w obrazie „ludu” jako całości, chłopstwo zajmowało tylko pewien, choć ważny, udział, to w Rosji wystąpiły dwie decydujące okoliczności, które uczyniły problem jego wizerunku kluczowym jeden. Pierwszym z nich jest westernizacja elity, która nastąpiła za Piotra. Dramatyczna różnica społeczna między mniejszością a większością była jednocześnie różnicą kulturową: szlachta żyła „po europejsku”, a przytłaczająca większość ludności w mniejszym lub większym stopniu trzymała się zwyczajów swoich przodków, co pozbawiało obu części narodu wspólnego języka. Drugim najważniejszym czynnikiem była pańszczyzna, która została zniesiona dopiero 19 lutego 1861 roku, co świadczyło o głębokim występku moralnym leżącym u podstaw życia Rosjan. W ten sposób cierpiący chłop, chłopska ofiara niesprawiedliwości, stał się nosicielem autentycznych wartości – społecznych i kulturowych.

Punktem zwrotnym była Wojna Ojczyźniana 1812 r., kiedy w walce z obcą inwazją Rosja, przynajmniej w osobie wyższych warstw, uświadomiła sobie, że jest zjednoczona. To właśnie patriotyczny zryw jako pierwszy postawił przed sobą zadanie widzialnego ucieleśnienia narodu. W propagandowych karykaturach Iwana Terebeniewa i Aleksieja Wenecjanowa naród rosyjski, który pokonał Francuzów, był najczęściej przedstawiany w obrazie chłopa. Jednak sztuka „wysoka”, zorientowana na uniwersalny, antyczny ideał, nie była w stanie rozwiązać tego problemu. W 1813 roku Wasilij Demut-Malinowski stworzył pomnik „Rosyjska Scaevola”, który odtwarzał nieprawdopodobną historię szerzoną przez propagandę patriotyczną. Rzeźba przedstawia chłopa, który za pomocą siekiery odcina sobie rękę ze znakiem napoleońskim, wzorując się tym samym na legendarnym rzymskim bohaterze. Robotnik wiejski jest tu obdarzony idealnym, równomiernie rozwiniętym ciałem bohaterów starożytnego greckiego rzeźbiarza Praksytelesa. Kręcona broda wydaje się być prawdziwym wyznacznikiem narodowości, jednak nawet pobieżne porównanie głowy posągu z wizerunkami cesarzy rzymskich Lucjusza Werusa czy Marka Aureliusza burzy to złudzenie. Z oczywistych oznak przynależności etnicznej i społecznej pozostał jedynie prawosławny krzyż piersiowy i chłopski topór.

„Rosyjska Scaevola”. Rzeźba Wasilija Demuta-Malinowskiego. 1813 Państwowa Galeria Trietiakowska

Malarstwo Venetsianova stało się nowym słowem na tej ścieżce. Wolny od szkoły akademickiej, opartej na antycznym kanonie i oferującej gotowe rozwiązania, artysta uczynił bohaterami swoich płócien własnych poddanych. Chłopki i chłopi Wenecjanowa są w większości pozbawieni sentymentalnej idealizacji, charakterystycznej na przykład dla podobnych wizerunków Wasilija Tropinina. Z drugiej strony zanurzeni są w szczególnym, harmonijnym świecie, tylko częściowo powiązanym z rzeczywistością. Venetsianov często przedstawia chłopów w chwilach relaksu, czasem całkowicie niezgodnych z ich zajęciami. Takie są na przykład obrazy z lat 20. XIX wieku „Śpiący pasterz” i „Żniwiarze”: matka i syn z sierpami w rękach, zamrożeni na chwilę, aby nie spłoszyć uli, które siedziały na ich rękach. Przez sekundę zamarznięty motyl oddaje ulotną naturę zamrożonej chwili. Ale ważne jest tutaj to, że Wenecjanow uwiecznia swoich robotników w krótkiej chwili odpoczynku, dając im w ten sposób w oczach widza przywilej człowieka wolnego – wypoczynek.

Aleksiej Wenecjanow. Śpiąca pasterka. 1823–1826Państwowe Muzeum Rosyjskie

Aleksiej Wenecjanow. Żniwiarze. Koniec lat dwudziestych XIX wiekuPaństwowe Muzeum Rosyjskie

Ważnym kamieniem milowym w rozumieniu chłopa były „Notatki myśliwego” Turgieniewa (1847–1852). Człowiek był w nich postrzegany jako równy, godny takiego samego uważnego spojrzenia i uważnego wglądu w charakter, jak szlachetni bohaterowie powieści. Trend, który stopniowo rozwijał się w literaturze rosyjskiej połowy stulecia, otwierając życie ludu, można opisać słowami Niekrasowa, znanymi ze wspomnień współczesnego:

„...Powiększyłem materiał przetworzony przez poezję, osobowości chłopów... Stały przede mną miliony żywych istot, nigdy nie przedstawionych! Prosili o pełne miłości spojrzenie! I każdy człowiek jest męczennikiem, każde życie jest tragedią!”

W obliczu ożywienia społecznego wywołanego Wielkimi Reformami lat 60. XIX w. (przede wszystkim emancypacją chłopów pańszczyźnianych) sztuka rosyjska, w ślad za literaturą, objęła swoim polem widzenia wyjątkowo szeroką gamę zjawisk życia codziennego. Najważniejsze, że przeszedł od neutralnej opisowości do oceny społecznej i moralnej. To nie przypadek, że w tym czasie w malarstwie wyraźnie dominował gatunek codzienny. Pozwoliło to artyście zaprezentować różne typy i postaci, odegrać przed publicznością typowe sytuacje z życia różnych warstw społeczeństwa. Chłopstwo było dotychczas tylko jednym z obiektów zainteresowania artystów – jednak to właśnie sceny z życia wiejskiego pozwoliły na pojawienie się dzieł, w których oskarżycielski patos „lat sześćdziesiątych” objawiał się najdobitniej.

Wiejska procesja religijna na Wielkanoc. Malarstwo Wasilija Perowa. 1861 Państwowa Galeria Trietiakowska

W 1862 r. Pod naciskiem Synodu obraz „Wiejska procesja wielkanocna” (1861) przywódcy nowego pokolenia artystycznego Wasilija Perowa został usunięty ze stałej wystawy Towarzystwa Zachęty Artystów. Procesja ciągnąca się pod ponurym niebem, ugniatająca nogami wiosenne błoto, pozwoliła pokazać przekrój wiejskiego świata, w którym występek ogarnął wszystkich – od księdza i zamożnych chłopów po ostatnich biedaków. Jeśli dobrze ubrani uczestnicy procesji jedynie zaróżowili się od picia i jedzenia, to inne postacie ukazują głębsze etapy degradacji i profanacji kapliczek: obdarty mężczyzna niesie obraz do góry nogami, a pijany ksiądz, wychodząc z ganku, miażdży jajko wielkanocne.

Jednocześnie w malarstwie rosyjskim pojawił się nowy, wolny od idealizacji obraz siedliska chłopskiego. Najbardziej imponującym przykładem jest „Popołudnie na wsi” Piotra Sukhodolskiego (1864). To zgodny z protokołem obraz konkretnego obszaru - wsi Żelny, rejon mosalski, obwód kaługa: porozrzucane chaty i szopy z wiecznie nieszczelnymi dachami (tylko w tle widać budowę nowego domu), chude drzewa, bagnisty strumień. Letni upał zastał mieszkańców zajętych codziennymi zajęciami: kobiety niosące wodę lub prające ubrania, dzieci bawiące się w pobliżu stodoły, mężczyźni śpiący w słońcu, reprezentujący ten sam element krajobrazu, co przewrócona na bok świnia cętkowana, brona rzucona prosto w trawę, albo pług utknął w nigdy nie wysychającej kałuży.

Południe we wsi. Malarstwo Piotra Sukhodolskiego. 1864 Państwowe Muzeum Rosyjskie

Tym, co odróżnia ten widok od barwnych opisów upalnego wiejskiego dnia Gogola, jest obiektywne spojrzenie malarza, pozbawione widocznych emocji. W pewnym sensie ten obraz rosyjskiej wsi jest jeszcze bardziej ponury niż demonstracyjny, ale tendencyjny obraz Perowa. Tymczasem ówczesne społeczeństwo było oczywiście gotowe na taki spektakl: w 1864 roku Sukhodolsky otrzymał za ten obraz Wielki Złoty Medal Akademii Sztuk Pięknych, a w 1867 roku został on pokazany w rosyjskiej części Wystawy Światowej w Paryżu. Należy jednak zaznaczyć, że w późniejszych latach malarze rosyjscy malowali wieś jako taką stosunkowo rzadko, woląc przedstawiać chłopów w innym środowisku.

Przedstawianie postaci ludowych w latach 60. XIX w. wyróżniało się z reguły otwarcie wyrażanym stanowiskiem artysty: była to żądana przez społeczeństwo krytyka niesprawiedliwości społecznej i upadku moralności, której głównymi ofiarami byli „upokorzeni i obrażony.” Wykorzystując rozwinięte narzędzia narracyjne malarstwa gatunkowego, artysta opowiadał „historie”, które w swojej retoryce bliskie były teatralnym mise-en-scenom.

Kolejna dekada przyniosła bardziej wielowymiarowy obraz człowieka, który coraz częściej kojarzy się z niższymi klasami społecznymi. Zamiast milczącego wyrzutu wobec klas wykształconych, „zwykły” człowiek staje się dla nich przykładem moralnym. Tendencja ta znalazła swój wyraz na swój sposób w powieściach i publicystyce Tołstoja i Dostojewskiego. Wiąże się z nią socjalistyczna ideologia populizmu z jej idealizacją wspólnoty chłopskiej jako nie tylko gospodarczego, ale także społecznego i etycznego rdzenia narodu. Ale choć malarstwo rosyjskie znajdowało się w ogólnym kontekście ideologicznym epoki, dosłowne podobieństwa między nim, literaturą czy dziennikarstwem nie zawsze są właściwe. I tak np. realizm wyznawany przez członków najbardziej wpływowego stowarzyszenia artystycznego drugiej połowy XIX w. – Towarzystwa Wędrujących Wystaw Artystycznych – trudno uznać za bezpośrednią analogię do populistycznego pojmowania chłopstwa.

Przez stulecia wizerunek człowieka ludu w sztuce europejskiej i rosyjskiej sugerował dystans między bohaterem a widzem, który niezmiennie zachowywał swoją uprzywilejowaną pozycję. Teraz narzędzia analizy psychologicznej, rozwinięte przez literaturę i rozszerzone przez malarstwo realistyczne XIX wieku, musiały zostać zastosowane do zwykłych ludzi. „...Jego wewnętrzna istota... nie jest czymś wyjątkowym i osobliwym, ale uniwersalną istotą ludzką, czerpiącą swą oryginalność wyłącznie ze środowiska zewnętrznego” – stwierdził Saltykov-Shchedrin w 1868 roku. Podobnie można opisać aspiracje realizmu pieriedwiżnickiego lat 70. i 80. XIX w.

Illarion Pryanisznikow. Kalikowie idą. 1870Państwowa Galeria Trietiakowska

Illarion Pryanisznikow. Ofiary pożaru. 1871Kolekcja prywatna / rusgenre.ru

Nikołaj Jaroszenko. Ślepi ludzie. 1879Regionalne Muzeum Sztuki w Samarze

Iwan Kramskoj. Kontemplator. 1876

Inną stroną podejścia indywidualizującego była konstrukcja psychologiczno-społecznej typologii ludzi. Iwan Kramskoj pisał w 1878 r.: „...typ, na razie tylko jeden, stanowi dziś całe historyczne zadanie naszej sztuki”. Malarstwo rosyjskie poszukiwało takich typów przez całe lata 70. XIX wieku. Wśród nich wyróżniają się wizerunki ludzi w taki czy inny sposób odciętych od swoich korzeni, których sposób życia czy struktura myślenia oddzielona jest od utrwalonego sposobu życia – swoiste dzieci rewolucji przeprowadzonej przez reformę 1861. Są to „Wędrowcy” (1870) i „Strażacy” (1871) Pryanish-nikowej, „Włóczęga” Sharvina (1872), „Ślepcy” Jaroszenki (1879) czy „Kontemplator” Kramskoja (1876). ), którym Dostojewski w „Braciach Karamazow” scharakteryzował Smierdiakowa:

„...w lesie, na drodze, w podartej wnęce kaftanowej i łykowych butach, mały człowiek stoi samotnie, wędrując w najgłębszej samotności... ale nie myśli, ale coś „kontempluje”.<…>[…] Może nagle, gromadząc przez wiele lat wrażenia, porzuci wszystko i uda się do Jerozolimy, aby tułać się i ratować, a może nagle spali swoją rodzinną wioskę, a może jedno i drugie stanie się na raz”.

Przewoźnicy barek na Wołdze. Malarstwo Ilyi Repina. 1872-1873 Państwowe Muzeum Rosyjskie

Punkt zwrotny w stosunku do wizerunków ludowych wiąże się z „Przewoźnikami barek na Wołdze” Ilji Repina (1872–1873), których bohaterami byli właśnie ludzie wyrwani ze zwykłej ziemi. Śledząc, jak zmieniał się stosunek artysty do dramaturgii jego płótna, można zrozumieć, jak w malarstwie jako całości nastąpiło przejście od narracji gatunkowej i protekcjonalnego i współczującego spojrzenia do obrazu, w którym ludowy organizm staje się samowystarczalny. Repin porzucił swój pierwotny pomysł przedstawienia „czystego” społeczeństwa miasta na pikniku przeciwko „wilgotnym, przerażającym potworom” – od przedstawienia epizodu, którego sam był świadkiem. W ostatecznej wersji stworzył płótno, którego paradoksalny charakter umyka współczesnemu widzowi. Przed nami wielkie płótno, które w mgnieniu oka zatrzymuje widza na wystawie: błękit nieba, błękit rzeki i piasek brzegów Wołgi tworzą wyjątkowo mocny akord barwny. Ale to nie jest pejzaż ani malarstwo gatunkowe: Repin konsekwentnie odmawia decyzji kompozycyjnych, które implikują jakąś fabułę. Wybiera moment, w którym dwunasta osoba prawie się zatrzymała, jakby pozowała malarzowi. To właściwie grupowy portret ludzi z samego dołu rosyjskiego społeczeństwa. Patrząc na płótno, możemy odczytać charaktery i pochodzenie przewoźników barek: od stoickiego mędrca pozbawionego władzy księdza Kanina (korzeń ludzkiej drużyny) po młodą Larkę, jakby stawiającą opór swojemu losowi (najjaśniejsza postać w w centrum tej ponurej awantury stoi młody przewoźnik barek, a właściwie układający pasy). Z kolei jedenaście osób ciągnących za ogromną korę zamienia się w wielogłowe stworzenie, tworzące jedno ciało. Jeśli weźmiemy pod uwagę, że barki ukazane są na tle rozlewiska rzecznego, za nimi widnieje ciągnięty przez nich statek (stary symbol wspólnoty ludzkiej) pod rosyjską banderą handlową, to trzeba będzie przyznać, że mamy przed sobą zbiorowy obraz narodu ukazującego się jednocześnie w rozpaczliwej biedzie i dziewiczej sile naturalnej.

Reakcja opinii publicznej na „Burłakowa” jest orientacyjna: konserwatywna krytyka celowo podkreśliła „tendencjonalność” obrazu, wierząc, że „jest to wiersz Niekrasowa przeniesiony na płótno, będący odzwierciedleniem jego „cywilnych łez”. Ale tak zróżnicowani obserwatorzy, jak Dostojewski i Stasow, widzieli w „Przewoźnikach barek” obiektywny obraz rzeczywistości. Dostojewski napisał:

„Żaden z nich nie krzyczy z obrazu do widza: „Zobacz, jaki jestem nieszczęśliwy i do jakiego stopnia masz dług wobec ludzi!”… Dwaj czołowi przewoźnicy barek prawie się śmieją, przynajmniej nie płaczą w ogóle i na jego stanowisku z pewnością nie myślą o sprawach społecznych.

Ocenę płótna podsumował wielki książę Włodzimierz Aleksandrowicz, który kupił je za 3000 rubli. „Przewoźnicy barek” pozostawali w jego pałacu do .

Wasilij Pietrow. Fomushka-sowa. 1868Państwowa Galeria Trietiakowska

Ilia Repin. Nieśmiały facet. 1877Państwowe Muzeum Sztuki w Niżnym Nowogrodzie

Ilia Repin. Człowiek ze złym okiem. 1877Państwowa Galeria Trietiakowska

W latach 70. XIX wieku malarstwo realistyczne stara się nie tylko ukazać „choroby społeczne”, ale także znaleźć pozytywny początek w życiu Rosjan. W twórczości wędrownych artystów ucieleśnia się to w pejzażu (Savrasov, Shishkin) i portretach inteligencji (Kramskoy, Perov, Repin). To właśnie gatunek portretu otworzył możliwość łączenia typowości i konkretu w obrazach ludowych, co pozwoliło skupić się przede wszystkim na charakterze człowieka i zaakceptować go jako równego sobie. Są to „Sowa Fomuszka” Perowa (1868), „Nieśmiały chłop” i „Chłop o złym oku” Repina (oba 1877). Ale nieprzypadkowo wizerunki konkretnych chłopów na wystawach nazywano „studiami”: portrety nadal zachowały status przywileju społecznego.

Pracownik leśny. Malarstwo Iwana Kramskoja. 1874 Państwowa Galeria Trietiakowska

Kramskoj poszedł dalej na drodze tworzenia silnego i niezależnego charakteru chłopskiego. Komentując w liście do kolekcjonera Pawła Tretiakowa na temat szkicu „Drewniak” (1874), przedstawiającego leśniczego w podziurawionym kulą kapeluszu, Kramskoj napisał:

„...jeden z tych typów... którzy rozumieją umysłem znaczną część społecznej i politycznej struktury życia ludzi i w których kryje się głęboko zakorzenione niezadowolenie graniczące z nienawiścią. Od takich ludzi w trudnych chwilach Stenka Razinowie i Pugaczowie zbierają swoje bandy, a w zwykłych czasach działają sami, gdziekolwiek i jakkolwiek jest to konieczne, ale nigdy nie zawierają pokoju”.

Iwan Kramskoj. Chłop z uzdą. 1883Muzeum Narodowe „Galeria Sztuki Kijowskiej”

Iwan Kramskoj. Mina Moiseev. 1882Państwowe Muzeum Rosyjskie

Najdoskonalszym ucieleśnieniem tego podejścia do typu ludowego był „Chłop z uzdą” Kramskoja (1883). To rzadki przypadek, gdy znamy bohatera płótna - mieszkańca wsi Siversky pod Petersburgiem. Szkic poprzedzający obraz zaledwie o rok nosi nazwę modelki – „Mina Moiseev”. Mężczyzna z siwą brodą i pomarszczoną, opaloną twarzą w swobodnej niebieskiej koszuli skrzyżował ramiona na piersi i pochylił się do przodu, jakby uczestnicząc w rozmowie. Charakterystyczna poza, pozostawiająca wrażenie zaangażowania bohatera w jakiś zewnętrzny wobec obrazu proces, oraz spojrzenie skierowane na zewnątrz i na boki, nie pozwalają na zaliczenie tego płótna do portretów w ścisłym tego słowa znaczeniu. Wręcz przeciwnie, tytuł płótna, na którym wizerunek Miny Moiseev zyskał godną solidność, nie zawiera już imienia swojego bohatera, przedstawiającego teraz chłopa jako takiego. Ten uogólniony charakter obrazu rozpoznał sam Kramskoy. W liście do biznesmena Tereszczenki, który później nabył obraz, artysta napisał, że oferuje „duży szkic «rosyjskiego chłopa» w formie omawiania przez nich spraw wiejskich”.

Jest to portret typu, jaki tworzy Kramskoy: Mina Moiseev jest przedstawiona w pozycji wyprostowanej, ubrana w tę samą niebieską, znoszoną koszulę. Narzuca się na niego płaszcz, a na łokciu lewego ramienia wisi uzda. Chłopowi okazuje się nieskrywaną sympatię, ale jest mało prawdopodobne, aby on sam zgodził się ukazać potomności w tej postaci: jego włosy są pospiesznie uczesane, kołnierzyk koszuli rozpięty, a narzucone na ramiona szorstkie ubrania są gdzieś podarte i gdzieś załatane. Gdyby bohater płótna sam zamówił swój wizerunek, zostałby przedstawiony z zadbanymi włosami i brodą, ubrany w najlepszy strój i najprawdopodobniej z jakąś oznaką bogactwa, na przykład samowarem: tak właśnie robimy zobacz na fotografiach zamożnych chłopów tamtych czasów.

Oczywiście adresatem tego płótna był wykształcony gość wystawy i to właśnie na jego wizualne doświadczenia Kramskoy liczył, tworząc to płótno celowo ascetyczne i o szlachetnej kolorystyce. Postać chłopa, przedstawiona po kolana, zamienia się w piramidę - prostą monumentalną formę. Widz patrzy na niego jakby trochę z dołu. Technika ta, w jej przyspieszonej wersji, była wykorzystywana przez portrecistów barokowych, aby wywołać wrażenie majestatu swoich bohaterów. Kij w zmęczonych rękach wieśniaczki, który równie dobrze może być rączką wideł lub łopaty, wydaje się laską, czyli tradycyjnym znakiem władzy, a biedny, dziurawy płaszcz jawi się jako ucieleśnienie bezkompromisowa prostota szlachetnego człowieka. Za pomocą tych lakonicznych, ale skutecznych środków Kramskoj tworzy wizerunek swojego bohatera jako osoby obdarzonej dyskretnym poczuciem własnej wartości i wewnętrzną życzliwą siłą, „zdrowym rozsądkiem, jasnością i pozytywnością umysłu”, jak kiedyś napisał Belinsky o właściwościach chłopa rosyjskiego.

Przybycie czarownika na chłopskie wesele. Malarstwo Wasilija Maksimowa. 1875 Państwowa Galeria Trietiakowska

Lata 70. XIX wieku wyniosły malarstwo gatunkowe na nowy poziom. Na VI wystawie objazdowej w 1875 r. Wasilij Maksimow pokazał obraz „Przybycie czarnoksiężnika na chłopskie wesele”. Sam artysta pochodził z chłopskiej rodziny, dobrze znał wiejskie życie, a obraz powstał w oparciu o jego wspomnienie z dzieciństwa dotyczące pojawienia się tajemniczego i nieco złowrogiego wiejskiego bohatera na weselu jego starszego brata. Ta wielopostaciowa kompozycja, większa od typowego malarstwa gatunkowego, nadaje chłopskim tematom nowy wymiar. Widz miejski staje w obliczu sytuacji, w której jest zupełnie obcy, nie ma klucza do tego, co się dzieje, a chłopi – młodzi i starzy – zostają wbudowani w misternie dopracowaną mise-en-scène, w której wszystko – zarówno wymierzone rytuał święta i pojawienie się nieproszonego gościa – niezmiennie należy do chłopskiego świata. Maksimov organizuje swoją narrację bez wyraźnej akcji, umiejętnie tworząc psychologiczne napięcie sytuacji, której znaczenie może nie być do końca jasne dla zewnętrznego widza. To własny świat chłopów, w którym zachowują się właściwie, nie myśląc o zewnętrznym obserwatorze. Maksimow zdawał się odpowiadać oczekiwaniom Szczedrina:

Wasilij Maksimow. Niewidomy właściciel. 1884Państwowe Muzeum Rosyjskie

Wasilij Maksimow. Sekcja rodzinna. 1876Państwowa Galeria Trietiakowska

Włodzimierz Makowski. Na bulwarze. 1886Państwowa Galeria Trietiakowska

Edgara Degasa. Absynt. 1876 Musée d'Orsay

Maksimov niejednokrotnie zwrócił się później ku życiu na wsi, jego najbardziej znane dzieła opowiadały o trudnym losie ludzi („Chory mąż”, 1881; „Ślepy mistrz”, 1884). W jego „Podziale rodzinnym” (1876), niczym na scenie teatralnej, w obecności przedstawicieli społeczności dochodzi do waśni rodzinnej – podziału majątku. Pojawiły się opinie, że tak celowo rozegrany konflikt stoi w sprzeczności z tradycyjnymi sposobami rozwiązywania sporów wewnątrz wspólnoty, ale tak czy inaczej, obraz ten świadczy o tym, że malarstwo Pieredwiżników było w stanie podważyć konstruowany idealny obraz chłopskiego świata przez populistyczną inteligencję. Kolejny konflikt, podyktowany przemianami społecznymi epoki, ukazuje obraz Włodzimierza Makowskiego „Na bulwarze” (1886). Na ławce siedzi młody, odświętnie ubrany, podchmielony rzemieślnik z modnym akordeonem oraz jego żona i dziecko, którzy przyjechali do niego ze wsi na randkę: to jeden z najbardziej przejmujących obrazów nieodwracalnego wzajemnego wyobcowania w języku rosyjskim malarstwo, przywołujące obrazy „samotności.” razem” Edgara Degasa (np. jego „Absynt”, 1875-1876).

Ilia Repin. Zatrzymanie propagandysty. 1892 Państwowa Galeria Trietiakowska

Fiasko „wyjścia do ludu” – kampanii rewolucyjnej propagandy na wsi, stłumionej przez rząd w 1877 r. – ukazało iluzoryczny charakter populistycznych nadziei na socjalistyczne i kolektywistyczne zasady rosyjskiego chłopstwa. Ta dramatyczna historia dla opozycyjnej inteligencji skłoniła Repina do pracy nad obrazem „Aresztowanie propagandysty”, która trwała prawie dekadę. Naturalnie, ważnymi uczestnikami tej sceny mieli stać się chłopi. Jeśli jednak centralny obraz obrazu – agitator przywiązany do słupa i przez to budzący skojarzenia z biczowanym Chrystusem – pozostał kompozycyjnie praktycznie niezmieniony, to radykalnej przemianie uległy postacie odpowiedzialne za jego schwytanie. We wczesnych szkicach propagandysta jest ciasno otoczony przez lokalnych mieszkańców, którzy go złapali (jeden z nich grzebie w walizce z obwieszczeniami). Ale stopniowo Repin faktycznie zwalnia zwykłych ludzi z bezpośredniej winy za katastrofalne wzajemne nieporozumienie między chłopstwem a inteligencją, które stało się podstawą niepowodzenia populistycznego kazania: w późniejszych wersjach utworu chłopi stopniowo opuszczali proscenium i w ostatecznej wersji płótna, ukończonej w 1892 r., są oni niemal całkowicie zwolnieni z odpowiedzialności za aresztowanie, obecni jako niemi świadkowie w odległym kącie chaty. Tylko jeden z nich pomaga żandarmowi powstrzymać wściekłego jeńca, a poszukiwaniami zajmują się urzędnicy i policja.

Ilia Repin. Przyjęcie starszych volostów przez cesarza Aleksandra III na dziedzińcu Pałacu Pietrowskiego w Moskwie 5 maja 1883 r. 1885-1886 Państwowa Galeria Trietiakowska

Chłop zajmował centralne miejsce nie tylko w poglądach populistycznych i słowianofilskich, ale także w ideologii prawosławnego królestwa Aleksandra III. Państwo nie uważało jeszcze sztuki za środek propagandy, a wizerunek lojalnego chłopstwa rzadko można spotkać w malarstwie rosyjskim. Godnym uwagi wyjątkiem jest jednak obraz Repina „Przyjęcie starszych volostów przez cesarza Aleksandra III na dziedzińcu Pałacu Pietrowskiego w Moskwie 5 maja 1883 r.” (1885–1886), zamówiony przez Ministerstwo Domu Cesarskiego. Choć artyście nie podobało się, że na wspaniałej ramie płótna umieszczono cytat z przemówienia królewskiego, wyznaczający początek reakcji, obraz z powodzeniem oddaje podstawowy mit panowania Aleksandra III – mistyczny związek pomiędzy egoiści i kultywujący ponad głowami elit. Cesarz stoi tu na środku zalanego słońcem dziedzińca, otoczony uważnym tłumem starszych, w którym zawarte jest całe imperium: Wielkorusi, Ukraińcy, Tatarzy i Polacy. Wszyscy pozostali świadkowie wydarzenia, w tym rodzina królewska, schodzą w tle.

W tym duchu leży odkrywanie przez artystów kręgu Abramcewa piękna sztuki chłopskiej i próby przy jej pomocy odnowy kultury miejskiej. Ale jednocześnie oznaczają, że obecnie świat chłopski staje się dla artystów nie tyle zjawiskiem społecznym, ile nośnikiem odwiecznych, uniwersalnych wartości artystycznych i narodowych. Swoją mocą i pięknem będzie mógł przez długi czas inspirować malarzy - od Filippa Malyavina po Kazimierza Malewicza. Jednak jego artystyczne rozumienie stopniowo, ale nieodwracalnie traci to społeczne i polityczne znaczenie, które pozwoliło malarstwu rosyjskiemu lat 60. i 80. XIX wieku stworzyć niepowtarzalny obraz rosyjskiego chłopa jako nosiciela podstawowych wartości społecznych i moralnych.

Życie chłopskie w twórczości rosyjskich artystów.

Temat chłopstwa i życia chłopskiego przyciągał i niepokoił wielu rosyjskich artystów. Zwrócili się ku życiu i działalności zawodowej zwykłych ludzi i uznali to za szczególnie ważne, ponieważ Wierzyli, że chłopstwo jest podporą państwa rosyjskiego, a chłopi są głównymi strażnikami rosyjskich tradycji i kultury kraju, ponieważ to chłopstwo przez wiele stuleci udało się zachować oryginalny rosyjski sposób życia i siebie -organizacja.

Życie chłopa w dużym stopniu uzależnione było od zmieniających się pór roku. Od wiosny do jesieni pracowali na polach, zbierali grzyby i jagody na zimę, pasli bydło i przygotowywali siano i drewno na opał na zimno.

N.E. Makovsky „Karmienie indyków” olej na płótnie. V.E. Makovsky „Dziewczyna z gęsiami” olej na płótnie. 1875

V.E. Makovsky „Rybaczki” olej na płótnie. 1886

JEŚLI. Chruckiego „Portret chłopca” olej na płótnie. 1834. AI Strelkovsky, papier „Przy studni”, akwarela. 1878.

Chłopi, młodzi i starsi, spędzali latem większość czasu na polach. Dlatego wiele rytuałów i świąt wiązało się konkretnie z rolnictwem i zmianą pór roku. Chłopi mieli nawet swój specjalny kalendarz, w którym rejestrowano najważniejsze etapy prac rolniczych i święta związane z ich zakończeniem.

A.G. Venetsianov „Na gruntach ornych wiosna” olej na płótnie. 1820

G. Myasojedow. „Czas żałoby” olej na płótnie. 1887

Chłopi cały dzień spędzili na polu. Pracowali od wiosny, przez całe lato i wczesną jesienią przy uprawie roślin. Całą rodziną pojechali na pole, gdzie zjedli obiad i odpoczęli. Na pole zabierano nawet niemowlęta, a starsze dzieci musiały się nimi opiekować.

A.G. Venetsianov „Żniwiarze” olej na płótnie. Lata dwudzieste XIX wieku

Makovsky K.E. „Chłopski obiad na polu” olej na płótnie. 1871

Z.E. Serebryakov „Chłopi” olej na płótnie. 1914

Makovsky K.E. „Żniwiarz” olej na płótnie. 1871

Żniwa Ostatnim etapem rolnictwa były zbiory, czyli „żniwa”. Chłopi traktowali ten czas bardzo poważnie, gdyż zbierali długo oczekiwane żniwa, będące efektem codziennej pracy. Mówili: „Cokolwiek zbierzesz w sierpniu, z tym spędzisz zimę”. „Pierwszy snop to pierwsze jesienne święto” W dniu Wniebowzięcia (28 sierpnia - zgodnie z nowym stylem) obchodzono święto zakończenia żniw (dożinka). W te dni odbywał się wcześniej starożytny rytuał związany z kultem Matki Ziemi.

Z.E.Serebryakova. „Żniwa” olej na płótnie. 1915

A.G. Venetsianov „Lato podczas żniw” olej na płótnie. 1820

K.S. Malewicz „Stogi siana” olej na płótnie. 1912

Zimą chłopi zajmowali się głównie pracami domowymi. Kobiety siedziały przy robótkach ręcznych. Przędli, tkali, robili na drutach i szyli nowe ubrania. Mężczyźni chodzili na polowania, zbierali drewno na opał, łowili ryby i wytwarzali narzędzia do letnich prac. W niektórych wsiach zajmowano się rzemiosłem ludowym, takim jak wyplatanie koszyków czy garncarstwo.

V.G. Malyshev „Kuchnia” olej na płótnie.

Z.E. Serebryakova „Chłopka z doniczkami” papier, akwarela, bielenie 1900 A.G. Venetsianov „Chłopka robi haft” olej na płótnie 1843

I.A. Pelevin „Dzieci w saniach” olej na płótnie. 1870

Większość rodzin chłopskich miała wiele dzieci. Od najmłodszych lat dzieciom wpajano miłość do rodziny, szacunek do osób starszych, współobywateli i szacunek do rodziców. Dorastali w warunkach wzajemnej pomocy, starsze dzieci zawsze pomagały i opiekowały się młodszymi, a młodsze były posłuszne starszym. Dzieci chłopskie współpracowały z dorosłymi, z czasem wykonując coraz trudniejsze i bardziej odpowiedzialne prace, często wykonując tę samą pracę, co ich rodzice.

V.E. Makovsky „Dzieci chłopskie” olej na płótnie.

A.M. Kolesov „Chłopka podająca żołnierzowi drinka” olej na płótnie 1859 K. V. Lemoch „Varka” olej na płótnie. 1893

V.E. Makovsky „Pasterze” olej na płótnie. 1903

A.G. Venetsianov „Śpiący pasterz” drewno, olej. 1824

W. Wasniecow „Poza wodą” olej na płótnie. N. Pimonenko „Chłopiec z koszykiem” olej na płótnie na tekturze. koniec XIX - początek XX

A.G. Venetsianov „Chłopskie dzieci na polu” olej na płótnie. Makovsky K.E., lata 20. XIX w. „Dzieci uciekające przed burzą” olej na płótnie. 1872

W przeszłości na rosyjskiej wsi ważnym aspektem życia społecznego i rodzinnego było święto. Wakacje przerywały monotonię codzienności i wyznaczały rytm życia. Święto było prawdziwym rytuałem, w którym wszystko miało swój czas i miejsce. Niedziela po tygodniu pracy to nie tylko dzień wolny, ale święto, na które ludzie się przygotowują.

Poważnie przygotowywaliśmy się do wielkich świąt. Gospodynie domowe myły podłogi i podgrzewały wanny, ubierały się elegancko, chodziły w nich do kościoła na świąteczne nabożeństwa, pieczono ciasta i gotowano zupę mięsną. Nakryli do stołu, nakryli czysty obrus i ułożyli smakołyki. Ojciec rodziny grał na akordeonie, śpiewał piosenki i tańczył. W całej wsi obchodzono najważniejsze święta. Chłopi powiedzieli nawet: „Na święto pracujemy cały rok”.

K.A. Trutovsky „Okrągły taniec na Trójcy Świętej w obwodzie kurskim” olej na płótnie. 1860

Jednym z najjaśniejszych momentów w życiu chłopów była młodość przed ślubem. To czas wspólnych zabaw dziewcząt i chłopców, spotkań, okrągłych tańców, kolędowania w okresie świąt Bożego Narodzenia.

Okrągły taniec zajmował szczególne miejsce w życiu chłopskiej młodzieży. Okrągły taniec często zaczynał się w ten sposób: dwie lub trzy młode kobiety i taka sama liczba narzeczonych stawały na środku ulicy i zaczynały „grać piosenki”. Przyłączyło się do nich wiele młodych kobiet i dziewcząt, po czym podeszli młodzi mężczyźni i chłopcy, często z harmonijkami ustnymi, grzechotkami i tamburynami. Następnie jeden z uczestników zaczął głośno śpiewać, a na środek kręgu wyszedł facet z szalikiem w rękach. Rozpoczęła się okrągła piosenka taneczna... Okrągły taniec

B.M. Kustodiew „taniec okrągły” olej na płótnie

AP Ryabushkin „Facet wdał się w okrągły taniec” olej na płótnie. 1902

Ślub Najważniejszym rytuałem w życiu chłopa był ślub. Małżeństwo oznaczało uzyskanie statusu pełnoprawnego członka wspólnoty. W rytuale brała udział cała osada, a każdy uczestnik miał swoją rolę, uświęconą tradycją. Ludzie zawierali małżeństwa za zgodą rodziców i za ich błogosławieństwem.

E.V. Chestnyakov „Swat, kochanie, wyjdź!” drewno, tempera

E.V. Chestnyakov „Wesele chłopskie” drewno, olej

W długie zimowe wieczory, zwłaszcza w wigilię Bożego Narodzenia, chłopskie dziewczęta zastanawiały się, próbując zgłębić tajemnice swojego losu i dowiedzieć się, kto będzie ich narzeczonym. Wróżbiarstwo

N. K. Pimonenko „Wróżenie świąteczne” olej na płótnie. 1988 A. G. Venetsianov „Wróżenie z kart” olej na płótnie. 1842

Prezentację przygotowała Natalia Nikołajewna Oreszkina, nauczycielka edukacji dodatkowej w Szkole nr 245 Obwodu Primorskiego w Petersburgu. 2014

Jak najczęściej definiuje się twórczość rosyjskiego artysty o dźwięcznym nazwisku Venetsianov? Obrazy przedstawiające sceny rodzajowe z życia chłopskiego nazywane są początkiem rodzimego gatunku codziennego w malarstwie, zjawiska, które ostatecznie rozkwitło w epoce Wędrowców.

Jednak ogrom talentu artystycznego Wenecjanowa i skala jego ludzkiej osobowości wywarły ogromny wpływ na rozwój rosyjskiej sztuki pięknej, nie tylko w ramach jednego kierunku gatunkowego. Staje się to szczególnie widoczne, gdy przyjrzymy się bliżej jego obrazom.

„Portret matki” (1802)

Aleksiej Gawrilowicz Venetsianov urodził się w 1780 roku w moskiewskiej rodzinie kupieckiej, której przodkowie pochodzili z Grecji. W Rosji otrzymali przydomek Veneziano, który później został przekształcony w nazwisko po rosyjsku. Kiedy Aleksiej zainteresował się rysunkiem, jego zajęcia nie wydawały się rodzicom czymś poważnym. Być może z tego powodu nie otrzymał regularnej edukacji artystycznej. Uważa się, że pierwszą wiedzę o technikach malarskich otrzymał od swojego „wujka” - nauczyciela, a głównym źródłem edukacji artystycznej, jaką otrzymał Wenecjanow, były obrazy dawnych mistrzów w muzeach oraz dzieła współczesnych malarzy w salonach i galeriach.

Głównym gatunkiem malarstwa rosyjskiego tamtych czasów był portret, dlatego pierwsze znane nam doświadczenie malarskie Wenecjanowa należy do tego gatunku. matka – Anna Łukiniczna z domu Kałasznikowa.

Widać, jak dwudziestodwuletniemu młodzieńcowi wciąż brakuje umiejętności malarskich, jak trudno mu przekazać objętość, powietrze i światło. Ale widać też coś innego - jego zdolność do przekazywania różnych faktur tkaniny, wystarczająca pewność rysunku. A co najważniejsze, udało mu się przekazać uczucia swojego modela: pewne zawstydzenie i napięcie matki spowodowane nietypową dla niej rolą i jego czułym podejściem do niej.

„Autoportret” (1811)

Po 1802 roku Venetsianov przeniósł się do Petersburga, gdzie próbował wyrobić sobie markę i zacząć zarabiać na życie malarstwem. Wkrótce zostaje zmuszony do podjęcia służby jako podrzędny urzędnik na poczcie. Szczęśliwy przypadek pozwolił mu poznać słynnego portrecistę V.L. Borovikovsky'ego (1757-1825), który bardzo docenił obrazy Venetsianova i stał się jego mentorem zarówno w zawodzie, jak i w życiu. Być może dzięki jego wpływom Venetsianov złożył petycję do Akademii Sztuk Pięknych w celu uzyskania oficjalnego tytułu malarza. Zgodnie ze statutem Akademii, wnioskodawca miał obowiązek zaprezentować swoją pracę. W tym celu Venetsianov maluje autoportret.

Wysoki poziom warsztatu artysty widać już na tym obrazie. To dokładne i prawdziwe dzieło prawdziwego realisty, pozbawione wszelkich romantycznych akcentów i ozdobników. Wysoko doceniono także psychologiczną głębię kreowanego przez artystę obrazu. Występuje zarówno uważna koncentracja na pracy, jak i wyraźnie odczuwalne poczucie własnej wartości.

Venetsianov został wyznaczony przez Radę Akademii Sztuk jako „wyznaczony” - jeden z formalnych poziomów kwalifikacji artysty, który umożliwił otrzymanie tytułu akademika po wykonaniu zadania zleconego przez Radę. Venetsianov zostaje akademikiem po namalowaniu powierzonego mu portretu K. I. Golovachevsky'ego.

„Stodoła” (1821)

Wkrótce po otrzymaniu tytułu akademika malarstwa Venetsianov nieoczekiwanie opuścił stolicę i służbę i osiadł w swojej posiadłości Safonkowo w prowincji Twer. Tutaj tworzy swoje najważniejsze dzieła, poświęcone poetyzacji życia chłopskiego.

Przed przystąpieniem do pracy nad obrazem „Młocarnia” artysta nakazał swoim poddanym rozebrać przednią ścianę dużej stodoły, w której przechowywano zboże. Postawił sobie za zadanie oddanie głębi, podobnej do tej, która uderzała go w obrazach francuskiego malarza Francois Graneta. Oprócz niesamowitego jak na tamte czasy obrazu oddalającego się pomieszczenia, robi wrażenie starannie skalibrowana kompozycja postaci chłopów i zwierząt zamrożonych w różnych pozach. Są pełne starożytnego znaczenia i niesamowitej poezji.

Obraz został bardzo doceniony przez cesarza Aleksandra I, który odkupił go od artysty, a także podarował autorowi pierścionek z brylantem. To trochę ułatwiło jego sytuację finansową.

„Na ziemi uprawnej. Wiosna” (1820)

Wiele obrazów Aleksieja Gavrilovicha Venetsianova jest pełnych tajemnic i tajemnic, które wciąż pozostają poza kontrolą profesjonalistów i miłośników sztuki. To niewielkie płótno (65 x 51 cm) z tytułem niemal Botticellego i poetyckim brzmieniem na poziomie największych arcydzieł renesansu. Uważa się, że obraz ten jest częścią cyklu poświęconego porom roku.

Scena pracy chłopów jawi się jako akcja pełna sakralnego, kosmicznego znaczenia. Postać młodej kobiety, która w najlepszym ubraniu wyszła do ciężkiej pracy, dziecko na skraju pola, upodabniające fabułę do ikony Matki Boskiej, lustrzana postać innej chłopki znikającej w głębinach - wszystko jest pełne tajemnic. Krajobraz, na tle którego rozgrywają się te zwyczajne, a jednocześnie majestatyczne wydarzenia, jest pełen znaczenia i wielkiej prostoty. Aleksiej Wenecjanow, którego obrazy trudno przypisać do konkretnego gatunku, uważany jest za jednego z twórców rosyjskiego krajobrazu poetyckiego.

„Żniwiarze” (1820 r.)

Ale głównym gatunkiem Venetsianova pozostaje portret, a głównym zadaniem, które rozwiązuje, jest wyraz prawdziwego zainteresowania i szacunku dla tych, których portretuje. Wysoki kunszt malarski w połączeniu z lakonizmem i wyrafinowaniem kompozycji potęguje wrażenie, jakie Venetsianov wywiera na widzu. których treść można ująć w kilku zdaniach, zadziwiają głębią i wszechstronnością, nawet jeśli ich bohaterami są prości chłopi.

Dwa motyle wylądowały na dłoni żniwiarza, który zatrzymał się na minutę, aby odpocząć. Chłopiec patrzy na nie przez ramię, zafascynowany ich pięknem. Artysta namalował niemal trompe l'oeil - wydaje się, że teraz jasne skrzydła zatrzepotają i znikną w letnim upale. Główni bohaterowie są równie prawdziwi – ich twarze, dłonie, ubrania. Uczucia wyrażane przez młodą kobietę i dziecko wydają się prawdziwe, a co najważniejsze, namacalnie można poczuć, jak Venetsianov je podziwia.

„Poranek właściciela ziemskiego” (1823)

Rola Venetsianova jako twórcy różnorodności gatunkowej w malarstwie rosyjskim jest niezaprzeczalna. Jako jeden z pierwszych próbował zwrócić uwagę na szczególne piękno rosyjskiej przyrody, torując drogę przyszłym genialnym malarzom pejzażu - Lewitanowi, Szyszkinowi, Kuindzhi, Savrasovowi. Na portrecie pokazał zupełnie niezwykłych głównych bohaterów – ludzi z ludu. Szczególnie nowatorskim zjawiskiem była jednak poetyka gatunku codziennego.

Uważa się, że mistrz uczynił bohaterkami swojego obrazu swoją żonę Marfę Afanasjewną i jej niewolnice. To wyjaśnia ciepłe uczucie, które przenika to płótno. Nie ma konfrontacji między kochanką a jej przymusowymi pokojówkami - bardziej przypomina to scenę rodzinną, w której dziewczyny mają swoją godność i spokojną urodę. Równie ważną rolę odgrywa na obrazie otoczenie: pięknie pomalowana zawartość wnętrza i – co szczególnie rzuca się w oczy – miękkie, ale wypełniające światło.

„Zacharka” (1825)

Chłopskie dzieci są częstymi postaciami na portretach i obrazach rodzajowych malowanych przez Venetsianova. Obrazy „Śpiący pasterz”, „Oto obiad ojca”, „Pasterz z rogiem” przedstawiają dzieci nie jako eteryczne aniołki z ikon i klasycznych obrazów - są pełnoprawnymi bohaterami o własnym charakterze, przeżywającymi silne emocje które są częścią harmonii naszego świata. Taki jest Zakharka – główny bohater.Dzięki nazwom i opisom takich dzieł artysty staje się jasne jego powołanie jako nauczyciela, które odcisnęło piętno na malarstwie rosyjskim.

Pomyślał o losie utalentowanych dzieci urodzonych jako chłopi pańszczyźniani, gdy zobaczył podwórka próbującego narysować coś kredą na tablicy. Wkrótce z tego narodziła się „szkoła Wenecjanowa”. Oprócz umiejętności nauczania udzielał chłopskim dzieciom schronienia, karmił je i poił, a wiele z nich starał się wybawić na wolność. Wśród uczniów Venetsianova jest genialny Grigorij Soroka i około 70 artystów, z których wielu ukończyło stołeczną Akademię Sztuk Pięknych. Działalność szkoły toczyła się w obliczu sprzeciwu oficjalnych nauczycieli akademickich, którzy nie uhonorowali Wenecjanowa tytułem nauczyciela malarstwa.

„Podczas żniw. Lato” (182?)

Jego życia nie można nazwać beztroskim, zawsze było pełne pracy i kłopotów. Jej koniec był także tragiczny i nieoczekiwany – Aleksiej Gawrilowicz zmarł w 1847 r., gdy konie zaprzęgnięte do jego wozu nagle spłoszyły się i uciekły, a on próbując je zatrzymać, upadł na drogę.

Człowiek na ziemi, harmonia jego relacji z naturą, z całym otaczającym go światem, to główny temat artysty Venetsianova, główna esencja i wartość jego dziedzictwa, za które jego imię czczą znawcy i miłośnicy malarstwa rosyjskiego . Obraz przedstawiający żniwiarza na tle rozpoznawalnego rosyjskiego krajobrazu, a jednocześnie posiadający kosmiczne znaczenie, jest jednym ze szczytów twórczości wielkiego rosyjskiego malarza.

Venetsianov nazywany jest piosenkarzem życia chłopskiego. Temat chłopski nie odpowiadał panującym poglądom estetycznym odbiorców epoki, w której żył artysta. Jego upodobanie do „gatunku niskiego” spowodowało nieporozumienia. Najlepsze obrazy znalazły swoich odbiorców dopiero kilkadziesiąt lat po śmierci malarza.

Zapoznanie dzieci z twórczością Venetsianova należy rozpocząć od wieku przedszkolnego. Oferuję materiały edukacyjne dla dzieci dotyczące biografii i malarstwa artysty.
Alexey Gavrilovich Venetsianov jest twórcą nowego tematu w malarstwie rosyjskim. Jego twórczość była oryginalna, wolna i oryginalna. Tworzył, słuchając swego rozumu, słuchając swego serca i nie starając się nikogo zadowolić swoimi obrazami.

A. G. Venetsianov urodził się w Moskwie w 1780 r. Jego przodkowie pochodzili z Grecji. Ojciec Gavrili Juriewicza był kupcem i widział swojego następcę w synu. Od najmłodszych lat Aleksiej rysował obrazy i malował z życia. Walka z hobby syna nie miała sensu, więc ojciec kupił mu książkę „Ciekawy artysta i rzemieślnik”. Ze wspomnień siostrzeńca artysty N. Venetsianowa wiadomo, że mały Aleksiej miał nauczyciela Pakhomycza, który nauczył go przygotowywać farby, gruntować płótno i naciągać płótno na noszach. Venetsianov studiował w prywatnej szkole z internatem, po czym pracował w dziale rysunku.

Notatka!!!

Dzięki temu trikowi Twój komputer będzie w idealnym stanie po każdym ponownym uruchomieniu. Jeśli Twój komputer jest skonfigurowany zgodnie z naszymi zaleceniami, bez względu na to, co stanie się z Twoim systemem operacyjnym i plikami, wystarczy go ponownie uruchomić i będzie znowu działać jak wcześniej.

W 1802 roku artysta przeniósł się do Petersburga. W 1807 roku rozpoczął służbę na poczcie. Tam Venetsianov poznał słynnego portrecistę V.L. Borovikovsky'ego. W ten sposób aspirujący malarz znalazł się w centrum życia artystycznego oraz w kręgu znanych rosyjskich pisarzy i artystów. W tym samym roku zaczął publikować pierwszą w Rosji gazetę humorystyczną „The Journal of Caricatures for 1808 in Persons”, która została później zakazana przez cenzurę za satyrę na urzędników.

W 1811 roku artysta otrzymał tytuł „mianowanego” za autoportret złożony w Akademii Sztuk Pięknych. Poziom ten mogli pokonać wszyscy, którzy nie studiowali na Akademii. Rok później Venetsianov ukończył program, otrzymując tytuł „akademika”. Podczas Wojny Ojczyźnianej w 1812 roku Venetsianov stworzył serię karykatur szlachty francuskiej i galomańskiej.

W 1815 roku artysta poślubił dziewczynę z rodziny szlacheckiej M. A. Azaryevę. Rok później urodziła się córka Aleksandra, trzy lata później - córka Felitsata. W 1818 r. rodzina Venetsianovów kupiła małą posiadłość w regionie Twerskim. Ze wspomnień córki Aleksandry:

„Nasi chłopi bardzo kochali tatusia, a on opiekował się nimi jak ojciec. Nasz najbiedniejszy chłop miał dwa konie, ale większość z nich miała cztery lub sześć...”

W Safonkowie Venetsianov malował obrazy przedstawiające życie chłopskie i portrety. Dzieła te, stworzone z życia, stały się częścią nowego ruchu artystycznego, którego podstawą było prawdziwe odzwierciedlenie życia. Oto co napisał o trudnej drodze artysty:

„Pędzel współczesnego malarza często sterowany jest potrzebą i uprzejmością, przez co zmuszony jest odejść od prawdy i zbezcześcić swoje cnoty”.

W 1820 roku artysta zaczął uczyć uzdolnionych dzieci chłopskich rzemiosła malarskiego. Z czasem uformowała się grupa zwana „szkołą Wenecjanowa”. Nauczyciel umieścił wielu swoich uczniów w Akademii Sztuk Pięknych. Venetsianov powiedział swoim uczniom:

„Talenty rozwijają się następnie, gdy są prowadzone ścieżkami, do których wyznaczyła je natura”.

On sam podążał ścieżką wyznaczoną przez naturę.

W 1824 r. wystawiał w Akademii Sztuk Pięknych malarstwo „chłopskie”. Rada akademicka odrzuciła szkice artysty do pracy konkursowej, co otworzyłoby mu drogę do tytułu „doradcy malarskiego”.

W 1830 r. Wenecjanow otrzymał tytuł „artysty cesarza”. Otrzymał roczną pensję w wysokości 3000 rubli i odznaczony Orderem św. Włodzimierza IV stopnia.

W 1831 roku zmarła jego żona Marfa Afanasjewna, pozostawiając dwie córki pod opieką ojca. W 1833 r. Zmarł ojciec Gawriły Jurjewicza. Utrzymanie szkoły wymagało ogromnych wydatków. Przez 20 lat do szkoły uczęszczało ponad 70 uczniów. Wielu uczniów zostało sławnymi artystami: N.S. Kryłow, L.K. Plachow, A.V. Tyranov, A.A. Alekseev, G.V. Soroka...

W Safonkowie schronili się wędrowcy, mnisi, malarze ikon... Wenecjanow przestał wystawiać swoje obrazy. Musiał zastawić swój majątek i podjąć się prac zleconych: portretów i ikon do kościołów. W ostatnich latach stracił siły i zemdlał. 4 grudnia 1847 roku artysta przewoził szkice ikon z Safonkowa do Tweru. W drodze w dół konie wpadły w poślizg i został wyrzucony z sań. Ta podróż zakończyła się tragedią.

„Zacharka” 1825

Portret chłopskiego chłopca wzorowany był na prawdziwej osobie. Zakharka był synem chłopa Feduli Stiepanowa. Na obrazie Zakharki artysta pokazał małego chłopskiego robotnika. Jego ubranie, czapka i rękawiczki nie były odpowiedniego rozmiaru. Nie przydzielili mu pracy ze względu na wiek. Chłopiec trzyma topór na ramieniu.

Zakharka pracuje od najmłodszych lat i wie, że od jego pracy zależy życie całej rodziny. Wzrok chłopca jest zwrócony w bok, ale jego skupione spojrzenie urzeka prostotą, naturalnością i życzliwością. Miękkie rysy twarzy, pulchne usta, wielkie, zamyślone oczy i obrót głowy tworzą jednocześnie poczucie naiwności i pozornej dorosłości, surowości. Patrząc w twarz chłopskiego chłopca, widz rozumie, że świat opiera się na takich prostych robotnikach.

Przeczytaj i omów ze swoim dzieckiem wiersz N. A. Niekrasowa „Mały człowiek z nagietkiem”

Pewnego razu, w mroźną zimę,
Wyszedłem z lasu; było przenikliwie zimno.
Widzę, że powoli idzie w górę
Koń niosący wóz pełen chrustu.
I, co ważne, idąc w przyzwoitym spokoju.
Mężczyzna prowadzi konia za uzdę
W dużych butach, w krótkim kożuchu,
W dużych rękawiczkach... a jest mały jak paznokieć!
- Świetnie, chłopcze! - „Przejdź obok!”
- Jesteś zbyt groźny, jak widzę!
Skąd pochodzi drewno opałowe? - „Oczywiście z lasu;
Ojcze, słyszysz, kotlety, a ja to zabieram.
(W lesie słychać było siekierę drwala.)
- Co, twój ojciec ma dużą rodzinę? -
„Rodzina jest duża, ale dwuosobowa
Tylko mężczyźni: mój ojciec i ja…”
- A więc jest! Jak masz na imię? -
„Włas”.
- Ile masz lat? - „Minął szósty...
Cóż, ona nie żyje!” - krzyknął mały głębokim głosem.
Ściągnął wodze i ruszył szybciej...

Omawiając wiersz, zadaj dziecku kilka pytań:

O kim poeta Niekrasow mówi w swojej twórczości? (O chłopcu)
Jak on ma na imię? Ile on ma lat?
Co on robi w lesie? (Noszenie chrustu)
Dlaczego Vlas ma duże buty i rękawiczki? (Ubrania nosili kolejno wszyscy w biednej rodzinie chłopskiej)
Jak zachowuje się Włas? Jaki on jest? (pracowity, ważny, potężny, odpowiedzialny...)

Weźmy pod uwagę obraz Venetsianova „Zakharka”. Poproś syna (córkę) o odpowiedź na pytania:

Kto jest pokazany na tym zdjęciu? Ile on ma lat? (7-9 lat)
Co on trzyma w dłoni? (Narzędzie)
Gdzie on idzie? (On idzie do pracy)
Dlaczego chłopak pracuje? (Mieszka w rodzinie chłopskiej. Dzieci chłopskie pomagały rodzicom od najmłodszych lat)
Jakie uczucia żywisz do bohatera obrazu? Jaki on jest? (Poważny, rozważny, silny, pewny siebie...)
Co łączy te dwa dzieła? (Głównym bohaterem wiersza Niekrasowa i obrazu Wenecjanowa jest wiejski chłopak).
W czym Vlas i Zakharka są podobni? (Włas i Zacharka umieją pracować. Oboje pochodzą z chłopskiej rodziny i pomimo młodego wieku dużo pracują i uważają się za dorosłych).
Co poeta Niekrasow i artysta Wenecjanow myślą o swoich bohaterach? (Niekrasow lituje się i współczuje swojemu małemu bohaterowi, nazywając chłopca „małym człowiekiem”. Podziwia jednak jego dojrzałość i roztropność: „To duża rodzina, ale dwie osoby. Są tylko mężczyźni: mój ojciec i ja. ..”. Uczucia Wenecjanowa do Zakharki są przekazane w samym obrazie bohatera. Portret jest pełen emocji: na poczucie dorosłości wskazuje obrót głowy i nawykowe obchodzenie się z instrumentem przez chłopca, wiek dziecka to na co wskazują rysy twarzy i rozmiar ubrania).

Pod koniec zapoznania się ze zdjęciem możesz zaprosić dziecko do nauki wiersza Niekrasowa.

« Śpiący Pasterz” (w latach 1823-1826)

Letni dzień. Słońce świeci jasno, oświetlając swoimi promieniami błękit nieba, lustrzaną rzekę, zielone brzegi, zalesione wzgórza, odległe pola uprawne... Tu stoi rząd chłopskich domów z ogrodzonymi ogrodami. Chłopka niesie wodę z rzeki. Wieś żyje własnym, prostym życiem, które jest ściśle związane z naturą.

Na pierwszym planie pasterz śpiący słodkim snem. Ma na sobie ciepłe, samodziałowe ubranie z czerwonym paskiem i łykowe buty z nausznikami na nogach. Jego prawa noga jest wyciągnięta do przodu, ramiona są rozluźnione. W obrazie biednego pasterza widoczna jest harmonia człowieka i natury.

Poproś dziecko, aby opisało obrazek. Zadaj mu kilka pytań:

Jaka pora roku jest pokazana na obrazku?
Jak przedstawiana jest przyroda?
Jaki nastrój artysta przekazuje nam, odbiorcom?
Co robi chłopiec? (spanie)
Co robi w swoim życiu? (pasące się krowy).
Z jakiej on pochodzi rodziny? Jakie on ma ubrania? (Ubrany jest w koszulę, portki i palto).
W co on jest ubrany? (w łykowych butach z onuchami).

Zastanawiając się nad strojem i butami bohatera obrazu, rodzice powinni zwrócić uwagę na rozwój słownictwa dziecka. Trzeba mu wytłumaczyć znaczenie starożytnych słów, które dziś wyszły z użycia, takich jak armyak, porty, buty łykowe, łyk, lub, onucha...

Słowo „porty” oznacza długie, wąskie spodnie, ormiański- chłopski kaftan wykonany z języka ormiańskiego. Kaftan- odzież wierzchnia męska, przypominająca szlafrok. ormiański– tkanina wełniana.

Łapti- rodzaj obuwia, który był używany w każdej rodzinie chłopskiej. Tkano je z łyka lipowego, kory wierzby i dębu. Łyko- młoda łykowa, włóknista, delikatna kora dowolnego drzewa. Lub- wewnętrzna część kory młodych drzew. Onucha- kawałek gęstej tkaniny owinięty wokół stopy podczas noszenia łykowych butów lub butów.

Po omówieniu ilustracji poproś syna lub córkę o napisanie krótkiego opowiadania, używając starożytnych słów.

Czas powstania portretu nie jest znany.

Młoda dziewczyna patrzy na świat otwarcie i nieśmiało. Żywe oczy odzwierciedlają czystą, niewinną duszę. Szczere spojrzenie kusi tajemnicą. Usta zamarły w lekkim uśmiechu. Jej brązowe włosy są gładko zaczesane. Niebieski szalik starannie otacza delikatną twarz. Nie zna zła i trudnego losu chłopów, wierzy w dobroć, ufa ludziom...

To nie jest wyczerpana pracą wieśniaczka, ale młoda piękność. Nawet w sposobie, w jaki dziewczyna trzyma ją za rękę, widać szlachetność manier i uczuć. Artysta przedstawił obraz pełen harmonii i młodzieńczego uroku. Jest przekonany, że młoda wieśniaczka niesie światło światu i zasługuje na szczęście w życiu.

„Żniwiarze” 1825

Obraz przedstawia scenę z życia chłopskiego, którą artysta obserwował na polu podczas żniw. Bohaterami obrazu są wieśniaczka Anna Stepanovna i jej syn Zakharka. Żniwiarz zatrzymał się, aby odpocząć i w tym momencie na jej dłoni wylądowały dwa motyle. Uderza jej smutny, zmęczony wygląd. W oczach widać zagładę, na twarzy półuśmiech. Trzymając rękę w górze, pokazuje synowi przybywające piękności. Chłopiec przygląda się im ze zdziwieniem i zainteresowaniem. Cieszy się życiem. Główną ideą obrazu jest to, że chłopi są blisko natury, podziwiają jej piękno i są nią przesiąknięci.

Dla głębszego przedstawienia trudnego losu chłopskiego artysta wykorzystuje indywidualne detale: płócienną koszulę kobiecą przyciemnioną od pracy, sukienkę uszytą z resztek, żar pojawiający się na twarzy żniwiarza, wyczerpane, czułe dłonie trzymające sierp, pogodę- pobite palce chłopca... Bez względu na to, jak okrutny może być los, wieśniaczka dąży do piękna. Przypominają o tym jej skromne koraliki.

„Na ziemi uprawnej. Wiosna” 1820

Wczesny poranek. Młoda wieśniaczka w czerwonej sukience i eleganckim kokoshniku niszczy pola uprawne. Pierwszy dzień orki był prawdziwym świętem. Chłopi wychodzili na pola w najlepszych ubraniach. Obraz jest pełen alegorii. Bogini wiosny jest ucieleśniona na obrazie kobiety. Płynnie stąpa po polach uprawnych bosymi stopami. Konie ciągnące pług posłusznie słuchają swojej pani. Na obrzeżach boiska bawi się dziecko ubrane tylko w koszulkę. Młoda matka podziwia swojego pierworodnego, powierzając go matce ziemi. Dziecko symbolizuje początek życia. Na zaoranym polu widać zieleń. Tutaj młode drzewa rosną obok wyschniętego, sękatego pnia. W oddali, jak po okręgu, inna wieśniaczka prowadzi konie. Ta prosta fabuła przedstawia wieczny cykl życia: odnowę natury w związku ze zmianą pór roku, jej narodzinami i więdnięciem.

„Podczas żniw. Lato” 1820

Obraz jest oknem na wielki świat chłopskich spraw. Pole żyta, miejscami zebrane, ciągnie się aż po horyzont. Żółte pole błyszczy od gorącego powietrza słońca. W oddali widać kobiece sylwetki żniwiarzy. Żniwa trwają - tkane są stogi siana.

Na pierwszym planie matka karmiąca piersią swoje dziecko. Starsze dzieci przyprowadzały go, żeby go nakarmić. Obok kobiety leży sierp. Żniwiarz patrzy na dojrzałe pole, przyciskając dziecko do serca. Czeka na nią zadanie, które musi wykonać w krótkim czasie. Na tym obrazie artysta pokazał idyllę - piękno chłopskiej codzienności i piękno rosyjskiej przyrody, ukrywając wszystkie trudy chłopskiej pracy.

Głównym tematem twórczości Venetsianova jest człowiek na ziemi i jego związek z naturą. Artysta ukazywał na swoich płótnach codzienne zajęcia chłopów, ich życie, charaktery, relacje ze światem zewnętrznym. W malarstwie po mistrzowsku grał na swoich pierwszych skrzypcach. To jest prawdziwa wartość artysty A.G. Venetsianowa.

Drogi Czytelniku! Zapraszam do zapoznania się z twórczością rosyjskiego malarza A. G. Venetsianova. Życzę Tobie i Twoim dzieciom miłych wrażeń i emocji!