Malarstwo Kuźmy Siergiejewicza Petrov-Vodkina „Kąpanie czerwonego konia”, napisany w 1912 roku, wywołał wiele kontrowersji wśród współczesnych. Niektórzy oburzyli się, że nie ma koni tej maści, inni próbowali wyjaśnić jej symbolikę, a jeszcze inni widzieli w niej zapowiedź przyszłych zmian w kraju. Kiedy wybuchła I wojna światowa, artysta wykrzyknął: „Więc dlatego namalowałem „Kąpiel czerwonego konia!” Co zatem kryje ten obraz, który pierwotnie miał być obrazem domowym?
Twoja twórcza ścieżka Kuźma Siergiejewicz Pietrow-Wodkin Zacząłem od malowania ikon. W swoim rodzinnym mieście Chwalińsk (obwód saratowski) spotkał malarzy ikon, których prace wywarły na nim duże wrażenie. Na początku lat 1910-tych Petrov-Vodkin zaczął odchodzić od tematów religijnych, coraz bardziej skłaniając się ku dziełom monumentalnym i dekoracyjnym. Jednak wpływ malarstwa ikonowego widać w wielu jego dziełach.
W obrazie „Kąpiel czerwonego konia” wielu odnajduje obrazy tradycyjne dla malowania ikon. Chłopiec na koniu przypomina św. Jerzego Zwycięskiego. Petrov-Vodkin wykorzystuje perspektywę sferyczną do przedstawiania obiektów z góry i z boku. W obrazie dominują trzy klasyczne kolory malowania ikon: czerwony, niebieski, żółty.
Początkowo obraz był pomyślany jako obraz domowy. Kuźma Petrov-Vodkin wspominała: „We wsi był koń gniady, stary, z połamanymi wszystkimi nogami, ale z dobrym pyskiem. Zacząłem pisać ogólnie o kąpieli. Miałem trzy opcje. W toku pracy stawiam coraz większe wymagania wobec znaczenia czysto obrazowego, które zrównałoby formę z treścią i nadało obrazowi znaczenie społeczne”.
Warto również zauważyć, że na rok przed powstaniem płótna uczeń Pietrowa-Wodkina Siergiej Kołmykow pokazał artyście swój obraz zatytułowany „Kąpiel czerwonych koni”. Mentor skrytykował pracę ucznia, ale być może to właśnie zainspirowało Pietrowa-Wodkina do napisania własnej wersji „koni”. Po pewnym czasie Kołmykow upierał się, że to on został przedstawiony na obrazie Pietrowa-Wodkina. Choć Kuzma Siergiejewicz w liście do brata napisał: „Maluję obraz: wsadzam cię na konia…”. Większość historyków sztuki trzyma się wersji, że postać na koniu jest zbiorowym obrazem-symbolem.
Na płótnie pierwszy plan jest niemal w całości zajęty przez konia. Na tle jeziora, pomalowanego na zimne kolory, kolor konia wydaje się bardzo jasny. W literaturze rosyjskiej wizerunek konia symbolizuje nieposkromiony element, rosyjskiego ducha. Wystarczy przypomnieć „ptaka trójkę” Gogola lub „klacz stepową” Bloka. Najprawdopodobniej sam autor obrazu nie zdawał sobie sprawy, jakim symbolem stanie się jego koń na tle nowej „czerwonej” Rosji. A młody jeździec nie jest w stanie utrzymać konia.
Obraz, który został pokazany na wystawie Świat Sztuki w 1912 roku, odniósł sukces. Wielu widziało w nim zbliżające się zmiany, zwłaszcza że wisiał nad drzwiami sali. Krytyk Wsiewołod Dmitriew porównał „Kąpiel czerwonego konia” do „sztandaru, wokół którego można się gromadzić”.
Malarstwo Pietrowa-Wodkina w malarstwie początku XX wieku stało się wyzwaniem nie mniej potężnym niż
Najbardziej kontrowersyjny i najsłynniejszy obraz artysty Kuzmy Petrova-Vodkina „Kąpiel czerwonego konia” do dziś budzi wiele kontrowersji wśród koneserów sztuki. Obraz namalowany w 1912 roku został pokazany na wystawie Świat Sztuki, a organizatorzy wydarzenia od razu go podkreślili, zawieszając go na całej wystawie. W związku z tym od pierwszego dnia niektórzy zaczęli postrzegać obraz jako sztandar, inni jako cel.
Jednak Petrov-Vodkin po ukończeniu obrazu uważał, że nie można go wywieszać na widok publiczny, domyślając się, że wizerunek czerwonego konia i losy Rosji mogą stać się prowokacyjne na wiele sposobów. Obraz został pomyślnie pokazany, ale naprawdę wywołał pewien rezonans, ponieważ współcześni dostrzegli podobieństwa między tym obrazem a wydarzeniami z epoki przedrewolucyjnej i porewolucyjnej w kraju.
Petrov-Vodkin rozpoczął pracę nad obrazem wczesną wiosną 1912 roku. Pierwsze szkice artysta zaczął wykonywać na farmie w guberni saratowskiej. Początkowo zamysłem autora było po prostu opisanie kąpieli chłopców i koni nad Wołgą. Ta wersja była już prawie ukończona pod względem kompozycyjnym, ale autor w tej scenie zobaczył dodatkowe obrazy. Spojrzał na jezioro w nowy sposób, zobaczył jego niebieskawo-zielone odcienie, zobaczył, jak nisko wisi zamarznięte niebo, dostrzegł niezwykłą tajemnicę w kołysaniu nagich drzew.
Ostrożnie i powoli Petrov-Vodkin zaczął od nowa szkicować konie, dzieci, jezioro, ziemię i wzgórza. Ale do tego obrazu, już w poczęciu, wniknął nowy obraz, obraz tłumu ludzi idących z czerwonymi sztandarami, przed którymi inni, z bronią…
Ogólnie wizerunek konia w sztuce rosyjskiej jest postrzegany jako znaczący. W wielu warstwach kultury koń pełni rolę doradcy, wybawiciela, jasnowidza itp. W związku z tym w XIX wieku wizerunek konia nie został zignorowany przez postacie kulturalne i właśnie na tej tradycji Petrov-Vodkin tworzy swoje malarstwo. Dlatego też ze zwykłego szkicu sceny autor przechodzi do stworzenia monumentalnie znaczącego dzieła, w którym odchodzi od uogólnionego obrazu konia na rzecz obrazu konia-symbolu.
Zmiana konia była stopniowa i ewolucyjna. Ze szkiców przygotowawczych jasno wynika, że pierwotnie koń był zaniedbanym, czerwonym koniem wiejskim. Pod wpływem myśli filozoficznej tamtego okresu autor, aby przekazać niezbędną myśl poprzez wizerunek konia, zamienia zwierzę w majestatycznego czerwonego konia. Petrov-Vodkin wziął pomysł czerwonego konia z obrazów starożytnych rosyjskich malarzy ikon, a zwłaszcza z ikony „Cud Archanioła Michała”, na której koń jest przedstawiony na czerwono.
Na zdjęciu czerwony koń symbolizuje pewną epicką moc. Blada młodość wykazuje pewną kruchość i wyrafinowanie. Wzory fal w zatoce i gładki łuk różowego brzegu są również symboliczne. Po nieznacznej analizie głównych elementów obrazu od razu widać jego wszechstronność i niejednoznaczność. Uroczysty krok i postawa konia o mocnej postawie na jednocześnie czerwonym tle zdaje się budzić w widzu pytanie „Co to wszystko znaczy?”
Ruch na zdjęciu jest również bardzo interesujący. Jest to raczej jedynie zasygnalizowane, a nie wyrażone w żaden sposób, wszystko zdaje się być zamrożone na płótnie. Obraz ten tylko dodatkowo wywołuje u widzów poczucie niejednoznaczności, niepokoju i oczekiwania na coś, co nadejdzie.
Na tle opisanej wcześniej wielkości konia drugi bohater obrazu, młody jeździec, wydaje się mały, słaby i kruchy. W pierwszej chwili uderzające jest to, że to młody człowiek trzyma wodze konia, jednak nieco później staje się jasne, że nawet trzymając wodze w dłoniach, jeździec nie panuje nad koniem. Widać to głównie po wyrazie twarzy młodego mężczyzny. Jego wzrok jest oderwany, jakby był w swoich snach, myślach, swoim wewnętrznym świecie.
K. Petrov-Vodkin porzucił w swoim malarstwie perspektywę linearną. Jego czerwony koń niczym aplikacja jest po prostu nałożony na obraz jeziora, co daje wizualne wrażenie, że jeździec i koń nie znajdują się na obrazie, ale przed nim. Jakby bezpośrednio przed widzem i płótnem.
Kolory na obrazie mają ogromne znaczenie. Nie bez powodu koń na pierwszym planie jest czerwony, a pozostałe w tle są różowe, brązowe i białe. Ta kolorowość wywodzi się ze starej tradycji rosyjskich artystów, gdzie kolory zderzają się i nie mieszają.
Artysta między innymi chciał w swoim malarstwie opowiedzieć także o swoich przeczuciach, niejasnych doświadczeniach, które w nim zrodziły się w tym okresie. Wszystkie te kolory, cały ten kontrast, obrazy i fragmenty obrazu, to wszystko są przeżycia autora, które odbijają się poprzez płótno i pędzel.
Wiersze najsłynniejszych poetów tamtych czasów (Rurik Iwniew, Siergiej Jesienin itp.) Wielokrotnie pisano o obrazie „Kąpiel czerwonego konia”. Krwawoczerwony koń, pędząc ku falom morza, Z ospałym młodzieńcem na wypukłym grzbiecie, Ty jak cichy ogień wirujesz wokół mnie. Wiele wiesz, o wielu szepczesz mi. (Ruryk I.)
Dalsze losy obrazu były bardzo interesujące. W 1914 roku obraz został wysłany na wystawę w Szwecji, do miasta Malmoe. W związku z wybuchem I wojny światowej, później wojny domowej, obraz przez cały czas pozostawał w Szwecji. Dopiero po zakończeniu II wojny światowej rozpoczęły się negocjacje w sprawie powrotu obrazu do ojczyzny. Jednak dopiero w 1950 roku płótno trafiło do Związku Radzieckiego, w ręce wdowy po artyście, Marii Fiodorowna. To już od niej obraz trafił do kolekcji kolekcjonera K.K. Basevicha, a ona z kolei podarowała go w 1961 roku Galerii Trietiakowskiej, gdzie obraz znajduje się do dziś.
Jakie jest prawdziwe znaczenie obrazu „Kąpiel czerwonego konia”? W pokazywaniu zwiastunów trudnych wydarzeń w kraju? Może wizerunek konia symbolizował światło i ochronę? A może artysta po prostu przedstawił zwykłe pływanie na Wołdze? Być może przy takiej dwuznaczności myśli autora każdy znajdzie w obrazie coś dla siebie, coś, co odzwierciedli jego wewnętrzny świat w momencie studiowania obrazu.
Prawdziwie wyjątkową osobowością był słynny rosyjski artysta Kuźma Siergiejewicz Pietrow-Wodkin. Pozostawił po sobie dziedzictwo malarskie, opowiadania, wspomnienia, nowe techniki malarskie i owoce swojej bogatej działalności pedagogicznej. Jego losy potoczyły się z tą samą kalejdoskopową jakością, z jaką ukazały się światu jego genialne dzieła.
Dziedzictwo Mistrza
Do najsłynniejszych dzieł artysty należą: „Portret Anny Achmatowej”, „1918 w Piotrogrodzie”, „Kąpiel czerwonego konia”, „Śmierć komisarza”, „A. S. Puszkina w Petersburgu”, „Skrzypce”, „Młodzież”, „Spragniony wojownik”, „Córka rybaka”, „Poranna martwa natura”, „Brzeg”. To oczywiście nie jest cała lista obrazów artysty. Petrov-Vodkin tworzył obrazy we wszystkich znanych gatunkach - portrety, martwe natury, pejzaże oraz ucieleśnione tematy codzienne, historyczne i alegoryczne. Każde z jego dzieł tchnie oryginalnym postrzeganiem świata i duchową niezależnością.
Początki indywidualności twórczej
Wśród współczesnych, którzy pracowali „na przełomie wieków” dwóch stuleci - dwóch epok uderzająco różniących się od siebie, Kuzma Petrov-Vodkin wyróżnia się szczególnym stylem i godną podziwu śmiałością artystyczną. stworzone przez mistrza, nie można nie wspomnieć o nowatorskich zasadach i technikach, które zrodziły się w stylu artysty, co dziwne, z stronniczych studiów nad malarstwem odległej starożytności.
Pierwszym oszałamiającym szokiem dla artysty, prawie jeszcze chłopca, były ikony nowogrodzkie, które zobaczył w domu znajomych staroobrzędowców. Stało się to w czasie, gdy rodzina mieszkała w Chwalińsku – przytulnym, zielonym mieście nad Wołgą. Do tych wrażeń dołączyły radosne bajkowe obrazki, które w obecności Kuzmy narysował sąsiad i przyjaciel rodziny Andriej Kondratych. Chłopiec sam próbował rysować, zaskakując rodziców umiejętnymi szkicami. W środowisku, w którym urodził się i wychował Petrov-Vodkin, obrazy nie miały dużej wartości, a twórczość artysty była postrzegana jako coś w rodzaju pobłażania sobie. Pochodzący z rodziny szewca i służącej Kuźma Siergiejewicz nie raz wspominał, że rysując, czuł się jak boho-barczuk. Czy jego bliscy myśleli wówczas, że imię ich potomstwa zapisze się w annałach historii i ozdobi zbiory słynnych muzeów, takich jak słynna Galeria Trietiakowska, której obrazy znane są całemu cywilizowanemu światu!
Znalezienie własnej ścieżki
W tych latach, gdy losy artysty nie patrzyły drogą przygotowaną dla chłopca z niższych warstw społeczeństwa, Opatrzność uparcie popychała młodego człowieka do mistrzostwa w malarstwie. Po ukończeniu miejskiego gimnazjum Kuzma podjął pracę w warsztatach naprawy statków i przygotowywał się do wstąpienia do szkoły kolejowej. Jesienią wyjechał do Samary, nie zdał egzaminu, a następnie całkowicie poświęcił się swojemu hobby. Utrzymując się z dorywczych zajęć, Kuzma zdecydowała się studiować rysunek w Klasie Malarstwa Fiodora Burowa. Było to przydatne doświadczenie, ale nie dostarczyło istotnej wiedzy. Studenci zajmowali się głównie teorią akademicką i ani razu nie zajęli się przyrodą. Po śmierci nauczyciela Petrov-Vodkin próbował znaleźć pracę jako malarz ikon. Wraz z kolegami z klasy zorganizował artel twórców szyldów. Jednak ani jedno, ani drugie przedsięwzięcie nie zakończyło się sukcesem. Nie umniejsza to w najmniejszym stopniu determinacji młodego człowieka do rysowania. Z Samary na lato przeniósł się do rodzinnego Chwalińska.
Fatalne spotkanie
Szczęście przyszło z drugiej strony: pani, siostra kochanki, przybyła z Petersburga do domu, w którym służyła panom matka artysty, z zamiarem budowy daczy w Chwalińsku. W tym celu zaproszono nadwornego architekta, którego zachwyciły rysunki Kuzmy. Zaproponował, że zorganizuje młodemu człowiekowi studia w stolicy. W tym samym roku Petrov-Vodkin wstąpił do Centralnej Szkoły Rysunku Technicznego barona Stieglitza, która ze swoich ścian produkowała mistrzów sztuki użytkowej. Ceniono tu wytrwałość i dokładność, ale malarstwa praktycznie nie uczono. Pilny i zainteresowany student Kuzma Petrov-Vodkin mógł osiągnąć wielkie wyżyny w swoim rzemiośle, ale jego talent poprowadził go dalej - młodemu człowiekowi brakowało bogatych i swobodnych kolorów malarstwa. Gdyby pozostał w granicach swojego rzemiosła, nigdy nie zobaczylibyśmy ani jego arcydzieła „Kąpiel czerwonego konia”, ani innych najbardziej wyrazistych obrazów.
Duże zainteresowanie nauką i sztuką
Nową stroną w życiu początkującego artysty było przejście do Moskiewskiej Szkoły Malarstwa, gdzie zaczęli uczyć idole młodzieżowi – Walentin Sierow, Izaak Lewitan, Martiros Saryan. Po prowincjonalnym Chwalińsku i akademickim Petersburgu Pietrow-Wodkin rzuca się na oślep w demokratyczne i tętniące życiem życie Moskwy. Z pasją pragnie ogarnąć wszystko, poznać prawa rządzące wszechświatem. Artystka uczy się gry na skrzypcach, poznaje podstawy fizyki i chemii, pisze opowiadania i sztuki teatralne.
Podróż, która zmieniła Twoje zdanie
Na początku nowego stulecia młodego człowieka ogarnęła chęć podróżowania po całym świecie. Wsiada na rower z trasą w głowie: „Warszawa-Monachium-Włochy”. Kuźmie udało się jedynie przedostać do Niemiec. Tutaj młody człowiek wchodzi do szkoły Antona Ashbe, wysoko cenionego przez rosyjskich artystów. Nowe miejsca, sposób życia, dzieła sztuki dostarczyły młodemu rysownikowi wielu owocnych wrażeń. Wszystko to zostało wyjątkowo i szczęśliwie odzwierciedlone w obrazach Pietrowa-Wodkina.
Artysta przybył do Włoch niemal pięć lat później. Z pasją marzył o zobaczeniu Wezuwiusza. Mocne elementy poruszyły jego wyobraźnię. Podchodząc do drżącego i ziejącego ogniem otworu wentylacyjnego, młody artysta Petrov-Vodkin doświadczył wrażeń, które według jego zeznań na zawsze zmieniły jego rozumienie życia i sztuki oraz wstrząsnęły jego twórczą świadomością.
Obraz „Kąpiel czerwonego konia”
Artysta stworzył ten obraz w 1912 roku, mając około 34 lat. Zdaniem badaczy na pomysł obrazu artysta wpadł po tym, jak jego uczeń Siergiej Kałmykow w ramach pracy akademickiej namalował czerwone konie. Istnieje opinia, że pierwsza wersja obrazu „Kąpiel czerwonego konia” (nie zachowała się) powstała w posiadłości ogólnego przyjaciela, gdzie artysta wraz z żoną zostali zaproszeni przez gościnnych gospodarzy. Prototypem zwierzęcia w centralnej części płótna był prawdziwy koń o imieniu Chłopiec. Później w Petersburgu Petrov-Vodkin namalował obraz ponownie. Siergiej Kałmykow zainspirował mistrza jako wzór dla głównego bohatera. W twarzy szczupłego młodzieńca siedzącego okrakiem na koniu można dostrzec rysy ucznia artysty.
Symbolika srebrnego wieku
Temat kąpieli koni, głównie z udziałem aktów, był niezwykle popularny w malarstwie początku XX wieku. Wśród rodaków, którzy malowali konie i kąpiących się ludzi, byli Arkady Plastow, Piotr Konczałowski, Walentin Sierow i inni malarze. Uosabiając nieposkromioną energię, waleczność i urzekający wdzięk, ogier z siedzącym na nim jeźdźcem reprezentował moc żywiołów, kierowanych mocą ducha i umysłu. Nagie, wysportowane i muskularne ciało chłopca, które widzimy na obrazie „Kąpiel czerwonego konia”, także wpisuje się w artystyczne upodobania początku ubiegłego wieku. Hymn na cześć plastyczności i wyrafinowania dobrze zbudowanego męskiego ciała zabrzmiał nie tylko w pracach utalentowanych malarzy, ale także w przedstawieniach baletowych Diagilewa, które grzmiały na całym świecie.
„Nie ma takich koni”
To był właśnie główny zarzut, jaki usłyszał pod jego adresem Pietrow-Wodkin. „Kąpiel czerwonego konia”, dzieło budzące tyle samo kontrowersji, co zachwytu, wyraźnie inspirowane jest wczesnymi wrażeniami, jakie artysta otrzymał kiedyś w pracowni malowania ikon. Symboliczny szkarłatny koń jest obecny na starożytnej rosyjskiej ikonie, na przykład na obrazie Archanioła Michała, świętych Borysa i Gleba itp. Na obrazie Pietrowa-Wodkina kolor ten jest również alegoryczny. Uosabia wolę i szybkość, bezkompromisowość i pragnienie nowego, za którym tak tęskniła przedrewolucyjna Rosja. W malarstwie ikon, władzy ukoronowanej i skutecznej, tę samą moc przekazywali nasi rodacy, którzy żyli sto lat temu, przebudzonemu i gotowemu na zmiany krajowi.
Cechy artystyczne płótna
Wspaniały obraz rozwija się na płótnie przed widzem w perspektywie sferycznej, urzekając zaokrąglonymi liniami. Zdaniem artysty takie ujęcie perspektywy najtrafniej oddaje ideologiczny patos roli Człowieka we Wszechświecie. Na pierwszym planie czerwony koń z pewnie i z wdziękiem siedzącym jeźdźcem. W środkowej części płótna – w wodzie – znajdują się postacie białego konia, którego schodzi za uzdę ciągnięty przez zsiadającego jeźdźca, oraz jasnego szkarłatnego ogiera z jeźdźcem, widzimy go od tyłu. Cała ta grupa, łącznie ze środkowym chłopcem na koniu, tworzy ruch wirowy, podkreślony powolną cyrkulacją wody jeziora. Tło obrazu przedstawia brzeg, również wykonany za pomocą zaokrąglonych, regularnych linii.
Moc kolorów
Kolor łączy się i kontrastuje wspaniale na zdjęciu. Petrov-Vodkin jawi się tutaj jako wielki koneser wykwintnych zestawień kolorystycznych. „Kąpiel czerwonego konia” jest przykładem wyrażenia rozwiązania semantycznego obrazu w języku koloru. Chłodne niebiesko-zielone odcienie tafli jeziora odbijające niebo, wzdłuż którego płynące koła rozchodzą się w elastyczne strumienie, a także półkolisty pas różowego brzegu z zielonymi plamami krzaków, stają się idealnym tłem dla jasnego szkarłatnego ogiera i ciemności , prawie złoty chłopiec, który reprezentuje kompozycyjne i znaczące centrum obrazu.
O czym mówi Madonna?
Kolejnym nie mniej kolorowym i symbolicznym dziełem mistrza było płótno „1918 w Piotrogrodzie” powstałe w 1920 r., nazywane „Madonną Piotrogrodzką”. To płótno uzupełnia także obrazy Galerii Trietiakowskiej (zdjęcie poniżej).
Obraz zachwyca dramatyzmem i delikatną, wzruszającą harmonią. Rysy młodej bolszewiczki, trzymającej ostrożnie w ramionach swoje dziecko, przepełnione są pogodnym spokojem i kobiecością w świecie pogrążonym w radykalnych zmianach. Wszystko jest w szybkim ruchu, ale wieczne piękno jest nieuniknione.
Dlaczego komisarz zmarł?
Prace Pietrowa-Wodkina znajdują się nie tylko w Moskiewskiej Galerii Trietiakowskiej, ale obrazy malarza prezentowane są w Państwowym Muzeum Rosyjskim w Petersburgu. W szczególności eksponowany jest tam obraz „Śmierć komisarza”, powstały w 1928 roku. Jej temat – śmierć dowódcy Czerwonych na polach wojny domowej – wyrasta z określonej fabuły historycznej i staje się ponadczasowym symbolem poświęcenia w imię wzniosłej idei. Obraz ten po raz kolejny reprezentuje autora przede wszystkim jako filozofa, starającego się ogarnąć i połączyć w przestrzeni artystycznej przejawy świata materialnego i niematerialnego.
Płótna artysty są także eksponowane w domu-muzeum Wołoszyna w Koktebel, w Muzeum Sztuki w Saratowie. Radiszczow. Obszerny katalog prawie 900 dzieł mistrza znajduje się w muzeum artysty w jego ojczyźnie w Chwalińsku.
Obraz
Historia stworzenia
W 1912 r. Petrov-Vodkin mieszkał w południowej Rosji, w majątku niedaleko Kamyszyna. Istnieje opinia, że obraz został namalowany we wsi Gusiewka. Wtedy też wykonał pierwsze szkice do obrazu. Powstała także pierwsza, niezachowana wersja płótna, znana z fotografii czarno-białej. Obraz był dziełem życia codziennego, a nie – jak to miało miejsce w drugiej wersji – symbolicznym, przedstawiał po prostu kilku chłopców z końmi. Ta pierwsza wersja została przez autora zniszczona prawdopodobnie wkrótce po powrocie do Petersburga.
Petrov-Vodkin wzorował konia na prawdziwym ogierze imieniem Boy, który mieszkał w posiadłości. Aby stworzyć wizerunek siedzącego na nim okrakiem nastolatka, artysta wykorzystał cechy swojego siostrzeńca Shury.
Opis płótna
Duże, niemal kwadratowe płótno przedstawia jezioro o zimnych niebieskawych odcieniach, które stanowi tło dla semantycznej dominującej dzieła – konia i jeźdźca. Postać rudego ogiera zajmuje niemal cały pierwszy plan obrazu. Jest tak duży, że jego uszy, zad i nogi poniżej kolan są obcięte przez ramę obrazu. Bogaty szkarłatny kolor zwierzęcia wydaje się jeszcze jaśniejszy w porównaniu z chłodnym kolorem krajobrazu i jasnym ciałem chłopca.
Fale o lekko zielonkawym zabarwieniu w porównaniu z resztą tafli jeziora rozpraszają się od przedniej nogi konia wchodzącego do wody. Całe płótno doskonale ilustruje ukochaną przez Pietrowa-Wodkina perspektywę sferyczną: jezioro jest okrągłe, co podkreśla fragment brzegu w prawym górnym rogu, percepcja optyczna jest nieco zniekształcona.
W sumie obraz przedstawia trzy konie i trzech chłopców – jeden na pierwszym planie na czerwonym koniu, pozostali dwaj za nim po lewej i prawej stronie. Jeden prowadzi za uzdę białego konia, drugi, widoczny z tyłu, na pomarańczowym koniu, wjeżdża w głąb obrazu. Te trzy grupy tworzą dynamiczną krzywiznę, podkreśloną przez tę samą krzywiznę przedniej nogi rudego konia, tę samą krzywiznę nogi chłopca jeźdźca i wzór fal.
Wpływ ikonografii
Uważa się, że pierwotnie koń był gniady, a mistrz zmienił kolor po zapoznaniu się z kolorystyką ikon nowogrodzkich, czym był zszokowany.
Zbieranie i czyszczenie ikon w 1912 roku przeżywało swój rozkwit.
Obraz od samego początku budził liczne spory, w których niezmiennie podkreślano, że takie konie nie istnieją. Artysta twierdził jednak, że przyjął ten kolor od starożytnych rosyjskich malarzy ikon: na przykład na ikonie „Cud Archanioła Michała” koń jest przedstawiony całkowicie czerwony. Podobnie jak w ikonach, tak i na tym zdjęciu nie ma mowy o mieszaniu się kolorów, kolory są kontrastowe i zdają się zderzać w konfrontacji.
Wpływ awangardy
Współczesne postrzeganie
Obraz tak zachwycił współczesnych swoją monumentalnością i losem, że znalazł odzwierciedlenie w twórczości wielu mistrzów pędzla i słowa. W ten sposób Siergiej Jesienin wymyślił następujące wiersze:
Czerwony koń jest Losem Rosji, którego kruchy i młody jeździec nie jest w stanie utrzymać. Według innej wersji Czerwony Koń to sama Rosja, z którą utożsamiana jest
Czerwony koń. Ale kiedy ja, mały chłopiec z miasta, po raz pierwszy zobaczyłem konia, był on śnieżnobiały. Nie, to nie był żywy koń. To był koń ze zdjęcia. Później dowiedziałem się, że ten obraz nazywano ikoną. Ikona znajdowała się w rogu pokoju mojej babci, nad ogromną skrzynią, na której spałam. A kiedy zasypiałem, ten kultowy obraz konia był ostatnią wizją, zanim nieznana siła pogrążyła mnie w chwilowym zapomnieniu. A o świcie koń ten ożywał i niczym strzała leciał nad straszliwym wężem wirującym w agonii.
A siedzący na nim jeździec eleganckim, energicznym ruchem wbił cienką, długą włócznię prosto w paszczę o ostrych zębach, którymi wąż ukąsił tyle niewinnych ofiar. To właśnie z tego obrazu już we wczesnym dzieciństwie zaczęło kształtować się przekonanie, że dobro na pewno zwycięży zło. Zło nie może zwyciężyć. Bo dobroć jest samym życiem. I nie byłoby życia, gdyby ten sam wąż zwyciężył.
I już w tamtych czasach dla mnie, dziecka, koń był swego rodzaju ucieleśnieniem dobroci, siły i pomocnika. Znałem już obraz „Trzej bohaterowie”. Ale nie wyobrażałem sobie Ilyi Muromets bez konia. Koń i jeździec stanowią jedność, coś całościowego w blasku siły i dobroci. Cóż, mały garbaty koń! Dla nas wszystkich był całkowicie żywy. Bez niego, z długimi uszami, nasz bohater, Iwan Błazen, nie pokonałby wszystkich zorganizowanych dla niego intryg. I nie zostałby przystojnym księciem.
*****
Czy widzieliście kiedyś w życiu czerwonego konia o tak niezwykłym kolorze? Nikt nie widział. Ponieważ takie niemożliwe czerwone konie nie istnieją w naturze. Dlaczego jest czerwony? I to pytanie, jestem więcej niż pewien, zada sobie każdy, kto zatrzyma się przed oryginałem tego obrazu w jednej z sal Galerii Trietiakowskiej.
I to pytanie naturalnie pojawi się w Twojej głowie. Zwłaszcza dla tych, którzy nie są mocno obciążeni głęboką wiedzą o malarstwie światowym i rodzimym. A ci, którzy przychodzą do Galerii Trietiakowskiej, stanowią absolutną większość. Wiem, bo sama prowadzę tam wycieczki.
A potem zadałem sobie i zadaję to samo pytanie. Dlaczego on jest taki czerwony? I taki ogromny. I ten nagi, taki szczupły i kruchy młody człowiek, który na nim siedzi, dlaczego tak bardzo kontrastuje z tym potężnym koniem. W końcu ktoś tego potrzebował. Oznacza to, że sam artysta tego potrzebował. Przecież chciał nam wszystkim coś przez to powiedzieć. Jak każdy artysta, który bierze pędzel w rękę, niezależnie od tego, jak zręczny i nieudolny by nie był. I nieważne, w jakim był wieku. Ale o tym później.
*****
I najpierw... I najpierw przyciągnie nas nazwisko artysty. To trochę dziwne, niezwykłe, niepowtarzalne nazwisko. Dobrze co to jest? Pietrow-Wodkin. A może to chwytliwy, szokujący, oczywiście wymyślony pseudonim? Ze znaczeniem.
I okazuje się, że w tym przypadku nie ma to sensu. Imię jest prawdziwe. I nie ma w tym nic zamierzonego, nic nie sugerującego.
Tyle, że dziadek artysty był szewcem. I pijak. Po co się dziwić. Wręcz przeciwnie, wszystko się ze sobą łączy. Pijany jak szewc – kto tego nie zna. Dokładnie tak był znany w całym Chwalińsku, małym miasteczku nad Wołgą. I zadzwonili do niego w mieście Pietrow-Wodkin. A potem, jak to często bywało na Rusi, przydomek stał się nazwiskiem. Swoją drogą, skończył bardzo źle. Któregoś dnia w przypływie delirium tremens wziął ostry nóż do butów i zadźgał żonę na śmierć. I on sam wkrótce zmarł. Ale jego syn Siergiej, choć był także szewcem, o dziwo nie wziął alkoholu do ust. I niesamowite nazwisko pozostało. A Kuzma wychwalała ją na całym świecie.
Spirala losu, która wyniosła go do elity najsłynniejszych artystów XX wieku, ma swój początek, jak już wspomniano, w mieście Chwalińsk. Obecnie jest to małe miasteczko (13 tys. mieszkańców) znane jedynie z sadów jabłoniowych, a także jako miejsce urodzenia Pietrowa-Wodkina.
Jedna rzecz mnie tu dziwi. Mianowicie, jak Kuzma stał się artystą w ogóle. Cóż, nie było absolutnie żadnych warunków wstępnych. Co za małe miasteczko nad Wołgą. Taki Tmutarakan.
W związku z tym ponawiam to samo pytanie. Dlaczego i jak od urodzenia, po kilku latach, stajemy się tym, kim jesteśmy. Kto i co doprowadza nas do obecnego stanu. Czy jest w tym wszystkim jakieś mistyczne przeznaczenie, może nawet genetyczne? A może wszystkie ogniwa na naszej ścieżce życia są przypadkowymi ogniwami, które rozwinęły się w niewytłumaczalny sposób, bez żadnej logiki. I bez śladu boskiej gwiazdy rozświetlonej na niebie. A jego płomień uparcie oświetlał ścieżkę, którą przeszliśmy. Nie wiem. Kto wie? Nikt.
Tak więc jeden z najbardziej znanych i znanych artystów po prostu nie mógł zostać artystą. Jego gwiazda wzeszła z obskurnego buszu. A w jego rodzinie nie było artystów. Byli szewcy, którzy z malarstwem nie mieli nic wspólnego. I w żaden sposób nie mogły przyczynić się do narodzin w głębi jego duszy tajemniczego pragnienia przedstawiania świata kolorami, tak jak go widział i o nim myślał. Do tego stopnia, że nawet ci, którzy nie są zbyt doświadczeni w historii malarstwa, rozpoznają rękę, która stworzyła wszystkie jego malarskie dzieła.
A na ścieżce jego życia nastąpiły nagłe zwroty, które mogły poprowadzić go na zupełnie inną ścieżkę. Ale oceńcie sami, z jakich śmieci wyrósł ten niezwykły talent.
*****
O szewcach zostało już powiedziane. Cóż, wyrósł zwykły chłopiec. Cóż, tak, lubiłem rysować. A które dziecko nie lubi rysować? Ale potem przyszło pierwsze szczęście, które dało pierwszy początkowy impuls światowej sławie. Bogomaz mieszkał w domu swojego przyjaciela. I w nim chłopiec Kuzya zapoznał się z tym, czym jest ikona. A co to jest malowanie? To był dom staroobrzędowców. Tam zapoznał się nie tylko z bardzo złożoną techniką ikonografii, ale także z całym procesem powstawania ikon. A co najważniejsze, zobaczył, że obraz obrazowy nie jest tylko odbiciem tego, co postrzega nasze oko, ale także tym, że można go wypełnić szczególną duchowością. To znaczy tym, czym wypełniona jest twoja dusza. I prawdopodobnie dlatego wszystko, co napisał artysta Petrov-Vodkin, tak przypomina ikony.
Rozumiał także hipnotyzującą moc kolorów. Ich wpływ na nasz stan umysłu. Tak sam to wspomina w jednej z napisanych przez siebie książek; „Nabrałem już szacunku do farby, a dla mnie niedbalstwo z kolorem materiału oznaczało to samo, co uderzanie pałką w klawisze fortepianu”.
*****
Zatem szkoła się skończyła. Ma piętnaście lat. I pojawiło się pytanie: „Gdzie mam w takim razie pracować?” Zostanie artystą nie było w planie. Pracował w warsztatach naprawy statków, a następnie udał się do Samary, aby wstąpić do szkoły kolejowej. I Kuźma zostałby maszynistą, gdyby tylko Bóg odwiódł go od tego złego czynu i wielce chwalebnego pragnienia. Czy wiesz jak? Oto nasz Kuzya na pierwszym egzaminie i zobaczył znak. „Zajęcia malarskie i rysunkowe”. I zdał sobie sprawę, że to sam los postawił mu tę wiadomość na drodze. A on nie mógł mu się oprzeć.
Zdał egzamin w szkole kolejowej i oblał go pomyślnie. Ku mojej uldze. A potem poszedł na te właśnie zajęcia z malarstwa. Zapisz go. Liderem klasy był niejaki Burkow. To dla niego przyszły artysta powinien był postawić świecę. I jakiego rodzaju. Piętnastoletni chłopiec został przyjęty przez „cesarskiego artystę pierwszego stopnia”. I zaczął go uczyć trudnej sztuki malarstwa. Uczyłem przez dwa lata. I oto nowy krok. Nauczyciel zmarł. A nieudany artysta został zmuszony do powrotu do rodzinnego domu w Chwalińsku.
I znowu los lub Bóg sprowadził go na ścieżkę malarza. Wydawałoby się to całkowicie przypadkowe. Jego matka pracowała jako służąca w dworku. Siostra jej właścicielki postanowiła zbudować domek letniskowy. Taki barowy dom. Według indywidualnego projektu. Wyobraź sobie, obok Khvalynoka. Zaprojektowany przez architekta R. Meltzera.
I tak matka chłopca, Kuzi, zaniosła kilka prac młodego artysty słynnemu metropolitalnemu architektowi. Architekt był zachwycony. I znowu los, który zbudował wzór z całego łańcucha wypadków. Architekt zabrał młodego talentu do Petersburga i umieścił go w porządnej Szkole Malarstwa Stieglitza (obecnie Szkoła Mukhina, czyli po prostu „Mukha”).
Ale Petersburg też potrzebuje pieniędzy. Se la vie (c'est la vie). Pieniądze zaczęły napływać od kupców z Chwalińska i samej gospodyni. 25 rubli miesięcznie. Nie wiem czy to dużo czy mało. No cóż, chyba wystarczy na życie, naukę, zwiedzanie muzeów i drobne rozrywki w stolicy. Ale artyście nie podobały się te przesłanki. Nazwał je ulotkami.
A potem zdecydował, że ta szkoła wyczerpała wszystkie swoje możliwości, aby nauczyć go czegoś nowego i wstąpił do słynnej Moskiewskiej Szkoły Malarstwa, Rzeźby i Architektury. Nadal stoi na końcu Myasnitskaya w pobliżu Chistye Prudy. I jakich miał nauczycieli! Serow, Lewitan, Korowin. A jakie było jego środowisko studenckie! Przyszli znani artyści Kuzniecow, Larionow, Saryan, Maszkow. I nie tylko.
Za jego życia niektórzy nazywali artystę Petrov-Vodkin artystą i wieśniakiem. Jeśli nie wieśniak. Wskazując na jego początki szewstwa w odległej prowincji. A także o prymitywizmie jego obrazów. Bez zrozumienia czegokolwiek na ich temat. A ten artysta był jedną z najlepiej wykształconych osób w dziedzinie malarstwa. Studiował nie tylko w najlepszych uczelniach artystycznych obu naszych stolic. Od najlepszych artystów. Kilka lat spędził w stolicach zachodnich. A sztuki malarstwa uczył się w najlepszych muzeach świata.
I po raz pierwszy pojechał do Europy, napędzany żarliwą chęcią poznania wszystkiego, co już przed nim osiągnięto w tej dziedzinie. Pojechałem, wierz lub nie, na rowerze. Nie, to nie jest żart. Na rowerze! Więc usiadłem i poszedłem. W całej Europie. Możesz sobie wyobrazić, jak wyglądał ten rower w tamtych czasach. Od początku ubiegłego wieku. Bełkot i tyle.
Petrov-Vodkin, pomimo swojego pochodzenia i takiego, powiedziałbym, niezbyt inteligentnego człowieka, był osobą bardzo utalentowaną. Grał na skrzypcach. I nie nachalnie ćwierkał, ale jak profesjonalista. Był także prawdziwym pisarzem. Oznacza to, że doskonale władał nie tylko pędzlem, ale także piórem. Pisał książki i sztuki teatralne, które odniosły sukces. Był moment, kiedy wybrał, kim chce zostać: artystą czy pisarzem. Wybrał paletę i pędzel.
*****
Wróćmy jednak do „Kąpiel czerwonego konia”. Ale dlaczego nadal jest czerwony? No cóż, jak, dlaczego, powiedzą niektórzy. Zwłaszcza od tych, którzy widzieli inne obrazy artysty, w których doskonale wyraża się duch rewolucji. Czerwony oznacza rewolucję. Z jakiegoś powodu pamiętam kiedyś słynny uroczy wiersz. „Za każdym razem, gdy wiążesz krawat, uważaj na to. Jest tego samego koloru i ma czerwony sztandar.
Pamiętam też inny wiersz w związku z pytaniem, dokąd ten koń galopuje. „W końcu konik polny skacze, ale nie wie gdzie”. Zatem nasz rudy koń nie wie, gdzie galopuje. Bo smukły jeździec wcale nimi nie rządzi. Ale sen już istnieje. Sen jest jasny. „Piękny sen, jeszcze nie jasny, już wzywa cię do przodu”. I pamiętamy także te słowa z pięknego hymnu epoki, która minęła bezpowrotnie. A teraz, w nawiasie, zostanie powiedziane, że nie mamy snów. Ani czerwony, ani nic. Po prostu pozostała na tym obrazie Pietrowa-Wodkina.
Ale jest jeden interesujący szczegół. Obraz namalowano w 1912 roku. To znaczy nie tylko przed rewolucją, ale także przed wybuchem pierwszej wojny światowej. A artysta nie myślał o żadnych podpowiedziach - przepowiedniach. I w ogóle nie wiadomo, co chciał tym koniem powiedzieć. A pomysł przedstawienia go takim, jakim go znamy, nie narodził się od razu.
Na początku pomysł był taki, żeby napisać taką niemal codzienną scenę. Jak nadzy chłopcy kąpią swoje konie. Pewnie ci sami, co tych, którzy wyprowadzali ich nocą na Łąkę Bezhin. A kolor konia był pierwotnie gniady. A koń gniady, prototyp czerwonego, miał imię. Oto jak sam artysta pisze o nim:
"We wsi był koń gniady, stary, połamany na wszystkich nogach, ale z dobrą twarzą. I zacząłem pisać o kąpielach w ogóle. " Nie dziwcie się nazwie tej zatoki "Rocinante", był Chłopiec
A szczupły młodzieniec też miał imię. Był to jeden z uczniów artysty, Siergiej Kałmykow. Nawiasem mówiąc, to właśnie Seryozha namalował obraz przedstawiający kąpiące się czerwone konie. Bardzo możliwe, że praca tego ucznia zainspirowała nauczyciela do stworzenia znanego każdemu arcydzieła. I Siergiej był z tego bardzo dumny, dzięki czemu wszedł do historii malarstwa.
*****
Ciekawy szczegół. Ten koń został namalowany w jego rodzinnym Chwalińsku. To znaczy, kiedy Petrov-Vodkin stał się dojrzałym artystą, który już wiele zrozumiał w historii malarstwa światowego. I ma już wypracowany własny styl. Rozpoznawalny styl. A początkiem tego stylu była ikona. Całe jego wprowadzenie w magiczną umiejętność ukazywania i przedstawiania otaczającego go świata na płaszczyźnie, charakterystycznej tylko dla człowieka, nastąpiło dzięki dwóm staroobrzędowym malarzom ikon już w dzieciństwie artysty. Zatem czerwony koń także nosi wszelkie znamiona ikony. To brak perspektywy liniowej, to płaskość obrazu, to czyste, jasne, niezmieszane kolory.
Trzeba jednak powiedzieć, że w tym czasie zaczęło się oczyszczanie starożytnych ikon. Albo ujawnienie, jak wtedy mówiono. Czyli usunięcie późniejszych renowacji pierwotnego malarstwa ikon, a zwłaszcza zaschniętego oleju, przez co ikona z biegiem lat ciemniała. To właśnie w tym czasie ikona po raz pierwszy przestała być uważana jedynie za przedmiot kultu, ale także za dzieło sztuki. W tym czasie odsłonięto słynną „Trójcę” Rublowa. Otworzyli, podziwiali i zdali sobie sprawę, jakim malowniczym bogactwem posiadała średniowieczna Rosja.
Nie tylko my to podziwialiśmy. Zatem Matisse, który do nas przyjechał, również był zachwycony. I wspaniale wykorzystał technikę malowania ikon, pisząc swoje uznane arcydzieła. Dlatego między innymi rozpoznajemy jego styl. A nasz artysta Petrov-Vodkin wykorzystał to w jeszcze większym stopniu. Jak to mówią, Bóg mu tak kazał. Od dzieciństwa zajmował się malarstwem ikon.
We wszystkim szukamy symboliki. A zwłaszcza w malarstwie. A w ikonie wszystko, czego na niej nie ma, jest symbolem. Ikona nie jest portretem. A wspomniana Trójca nie jest portretem trzech aniołów, których nikt nigdy nie widział, z wyjątkiem może Abrahama. Dlatego w obrazach Petrova-Vodkina szukają także symboli.
Koń jest czerwony. I dlaczego? Jak już wspomniano, obraz został namalowany w 1912 roku. To znaczy, kiedy rewolucyjny prolog już miał miejsce, ale o kontynuacji jeszcze nikt nie mówił. Pierwsza wojna światowa była tuż za rogiem. A sam artysta nawet o czymś takim nie myślał. Odpowiedzi należy moim zdaniem szukać w źródle, z którego zaczął się rozwijać talent malarski artysty. Jego stosunek do koloru był mocno zakorzeniony w jego podświadomości już od dzieciństwa, czyli od czasu, gdy pobierał lekcje malarstwa od dwóch mnichów staroobrzędowców.
A w ikonografii każdy kolor jest symbolem. Zatem czerwony kolor ikony jest symbolem męczeństwa i czynu ofiarnego. Jest to symbol cierpienia za wiarę. Dlatego wielcy męczennicy na ikonach ubrani są na czerwono.
Czy pamiętamy, dlaczego klasyczna pisanka powinna być czerwona? Zapamiętajmy. Maria Magdalena dowiedziała się, że Chrystus zmartwychwstał. I z tą dobrą nowiną udała się do Rzymu, aby spotkać się z cesarzem Tyberiuszem. Przyniosła mu jajko i powiedziała: „Chrystus zmartwychwstał”. A on jej odpowiedział: „Człowiek nie może zostać wskrzeszony, tak jak białe jajko nie może zmienić się na czerwone”. I w tym momencie jajko zmieniło kolor na czerwony. Cóż, cesarz był zmuszony odpowiedzieć nam wszystkim dobrze znanymi słowami: „Prawdziwie zmartwychwstał!” Od tego czasu i my do dziś malujemy jajka na czerwono, najczęściej nie wiedząc po co. Ale ten kolor przypomina nam krew Chrystusa i Jego zwycięstwo nad śmiercią. To kolor Zmartwychwstania i symbol naszego odrodzenia do przyszłego życia.
I tu nie sposób nie wspomnieć, że czerwień to także kolor tej właśnie rewolucji. I kolor flagi, która przez wiele lat była naszą flagą państwową. Cała epoka w naszej wielowiekowej historii. A potem była Armia Czerwona, która, jak wiadomo, była „silniejsza niż wszyscy inni”. I to prawda. Dlaczego czerwień stała się kolorem rewolucji?
Ten temat ma swoją historię. A wszystko tak naprawdę zaczęło się we Francji. A ze względu na mój zawód ten kraj jest mi najbliższy. Wielka Rewolucja Francuska 1789 r. Nie ma nawet roku 1793 – czasu szczytu jego krwawego rozwoju. Nie, to był sam początek, a mianowicie dzień szturmu na Bastylię. 14 lipca. Rebelianci szturmowali z czerwonym sztandarem z napisem: „Uzbrojony lud ogłosił stan wojenny”.
Od tego czasu kolor czerwony stał się symbolem Sans-culottów i jakobinów. Nosili czerwone czapki i szaliki. I to jest nieuniknione. Ponieważ każdy ruch powinien mieć sztandar w swoim kolorze. I tak kolor czerwony stał się symbolem rewolucji.
W 1791 r. ogromny tłum rewolucjonistów szturmował królewski pałac Tuileries. A po ataku znaleźli biały sztandar królewski, cały przesiąknięty czerwoną krwią. I tak biel i czerwień stały się kodami rewolucji i kontrrewolucji.
Ale od Komuny Paryskiej (1871), co warto zauważyć ponownie we Francji, czerwień stała się kolorem międzynarodowego ruchu proletariatu. A potem w Rosji pojawia się czerwona flaga. Staje się sztandarem partyjnym RSDLP. Nie zapominajmy, jak podczas rewolucji lutowej posłowie, a nawet niektórzy członkowie rodziny cesarskiej również przyczepiali czerwone kokardy do surdutów i fraków. No oczywiście, bo to rewolucja!
Oto historia. Co dziwne, w oczach rosyjskich rewolucjonistów, podobnie jak na ikonie, kolor czerwony jest symbolem krwi, ofiarnej krwi przelanej w imię wzniosłej idei lub wiary (a to jest to samo. Jest to symbol cierpienie, odwaga i sprawiedliwość.
Krytycy sztuki tamtych czasów. twierdził, że „Kąpiel Czerwonego Konia” jest zapowiedzią I wojny światowej. Petrov-Vodkin z ironią stwierdził: „Kiedy wybuchła wojna, nasi bystrzy krytycy sztuki powiedzieli: „To właśnie oznaczało „Kąpanie Czerwonego Konia”, a kiedy nastąpiła rewolucja, nasi poeci pisali: „Oto właśnie „Kąpanie Czerwonego Konia” Czerwony Koń” oznaczał – to święto rewolucji”
A niektórzy kojarzyli to z czymś zupełnie innym. Argumentowali, że ten malowniczy koń i siedzący na nim pełen wdzięku młody człowiek są po prostu symbolem losu, to początek życia pełnego romantyzmu i różowych oczekiwań.
Co miał na myśli Pietrow-Wodkin, malując ten słynny obraz? I myślę, że wszystko, co zostało wymienione powyżej, dotyczy ofiarnej krwi Chrystusa, pierwszych chrześcijan - wielkich męczenników, a także pierwszych rewolucjonistów, którzy także ginęli w imię wysokich idei. I romantyczny stan umysłu młodego jeźdźca. Wybierz, co chcesz.
Chociaż może tak nie być. Może w ogóle o niczym nie myślał. Po prostu ten koń pojawił się z głębokiej podświadomości, jako przeczucie przyszłych fatalnych wydarzeń, które nie zostały mu jeszcze ujawnione. Sam tak to ujął w chwili wybuchu I wojny światowej: „Dlatego napisałem „Kąpanie czerwonego konia”!” A kiedy zaczęła się ta sama rewolucja, on już powiedział coś innego. Nie trudno zgadnąć co.
*****
Powtórzę to jeszcze raz. Petrov-Vodkin, pomimo prostego pochodzenia, był osobą bardzo wykształconą. A przede wszystkim w dziedzinie malarstwa. To nie jest artysta samouk, jak prymitywiści Pirosmani czy celnik Henri Rousseau. Obydwa bardzo mi się podobają, jednak w sztuce malarskiej nie odeszli daleko od dziecięcego rysunku. Co w rzeczywistości było ich główną wartością i urokiem. Ale tego w ogóle nie można powiedzieć o naszym Petrovie-Vodkinie. O tym właśnie pisze sam. „Przez ponad półtorej dekady musiałem ponownie testować na plecach wszelkiego rodzaju umiejętności nauczycieli – zarówno rosyjskich, jak i zachodnioeuropejskich”.
A jednocześnie pozostał sobą, tworząc swój własny styl. Niepowtarzalny i łatwo rozpoznawalny. Nie przyłączył się do nowomodnego impresjonizmu. Był nieskończenie daleki od kubizmu. A wszyscy inni zboczeńcy z malarstwa ze wszystkimi swoimi futurystycznymi eksperymentami byli mu całkowicie obcy. Tak, wygląda na to, że nie dołączył do żadnego nurtu.
I przy tym wszystkim Benoit nazwał go „wieśniakiem”, co wskazywało na jego prowincjonalne pochodzenie. Ależ oczywiście. Gdzie jest w porównaniu z Benoitem – tak wyrafinowanym arystokratą, którego twórczość skupiała się głównie na opisie Wersalu z czasów Ludwika XIV. To prawda, że w przeciwieństwie do Pietrowa-Wodkina nie otrzymał wykształcenia artystycznego. I nie skończył akademii. Studiował na Wydziale Prawa. Ale w malarstwie - prawdziwy samouk. Ale został teoretykiem sztuki. Pisał książki o sztuce. Cóż, podobnie jak profesor ze sztuki „Wujek Wania”
Ale to nie było naprawdę zabawne. Założycielem i głównym ideologiem stowarzyszenia World of Arts był także Alexander Benois, dlatego na wystawie tego stowarzyszenia po raz pierwszy pokazano obraz „Kąpiąc się czerwonego konia”. A obraz nie wisiał w pokoju wspólnym. NIE! Nad wejściem wisiał ten obraz „wsi” Pietrowa-Wodkina. Stała się niejako sztandarem wszystkiego, co było wystawiane. I cała rozmowa dotyczyła tylko niej.
*****
W Rosji na początku stulecia Wędrowców zastąpiła nowa fala malarzy. Było wśród nich sporo ciekawych i oryginalnych, którzy rozsławili nasz kraj. Spośród wszystkich innych mówią i wymieniają przede wszystkim trzy. Kandinsky, Malewicz i Pietrow-Wodkin.
Pierwsi dwaj znowu, w przeciwieństwie do Petrowa Vodkina, również nie otrzymali systematycznego i głębokiego wykształcenia malarskiego. Jednak obaj stali się założycielami nowych ruchów artystycznych. Kandinsky – sztuka abstrakcyjna. Malewicz to dla wielu mało rozumiany suprematyzm. Prawdę mówiąc, trudno nazwać ich artystami rosyjskimi. I oni sami nie uważali się za takich. Jeden jest Niemcem, drugi Polakiem. Ale Kuzma Petrov-Vodkin był rosyjskim artystą z nazwy, w istocie i duchu. Każdy z jego obrazów jest ucieleśnieniem narodowego rosyjskiego światopoglądu.
Malewicz znany jest wszystkim jedynie jako twórca Czarnego Kwadratu. To jest jego marka. To jego marka, niemalże znak towarowy. Ponieważ było niezliczona ilość tych kwadratów. A ile artykułów i książek! A wszyscy zgadują i zgadują. Co jest takiego tajemniczego i nierozwiązanego w tym „kwadracie”?
A jego myśl, w prostych słowach, była taka. Ludzkość w dziedzinie malarstwa powiedziała już wszystko. Próbowaliśmy już wszystkiego. Po prostu niemożliwe jest zrodzenie tak wielu izmów. I nie ma nic więcej do powiedzenia. W swoich żmudnych poszukiwaniach czegoś nowego wszyscy artyści świata dotarli do tej czarnej dziury. To znaczy, aż do czarnego kwadratu, który zawiera wszystko. Podobnie jak w ogóle czarne światło, które zawiera w sobie całą tęczową różnorodność. A plac stał się ostatnim punktem pragnienia człowieka ukazania świata widzialnego i niewidzialnego. Kropka. Kwadrat. I beznadzieja, delikatnie mówiąc.
Dziękuję Ci Panie, że pięcioletnie dziecko, które po raz pierwszy bierze do ręki kredki i próbuje za ich pomocą odtworzyć otaczający go świat, nic o tym nie wie. A wraz z nim Twoje uczucia i myśli. Cóż, tak to zrobił wielki artysta Petrov-Vodkin. I pokłoń mu się za to.
P.S. Z tym zdjęciem wiąże się bardzo skomplikowana historia. Dwa lata po jej napisaniu została wybrana na Wystawę Bałtycką w Szwecji. Tam, pomimo prowokacyjnego koloru konia, król kraju wręczył artyście medal i dyplom. A potem wybuchła wojna, a potem kłopoty lutowe i rewolucja w Rosji. A potem była wojna domowa. Krótko mówiąc, nie było czasu na zdjęcie. Pozostała w Szwecji. Do tej kwestii wróciliśmy dopiero po drugiej wojnie światowej. W 1950 roku poprosili o jego zwrot. I zwrócili nam obraz. I jak nie zwrócić go władzy, która zmiażdżyła Hitlera?
Zwrócili go jednak wdowie po artyście. A ona z nieznanych powodów powierzyła obraz jednemu z moskiewskich kolekcjonerów, Bazewiczowi. Może go sprzedała. Cóż, ona z kolei podarowała arcydzieło Galerii Trietiakowskiej w 1961 roku. I myślę, że tak, starałaby się nie pokazywać obrazu, który był już uważany za własność publiczną, a który w żadnym wypadku nie mógł należeć do osoby prywatnej. To nie nasze czasy, kiedy Vakserberg kupił jajka wielkanocne Faberge w USA i je trzymał. Światowej sławy arcydzieła jubilerskie są obecnie jego prywatną własnością. A własność prywatna jest święta.