Kiedy jesteś początkującym artystą, najważniejsze jest, aby się nie poddawać! Przez pierwsze kilka lat szkolenie zajmuje prawie cały Twój wolny czas. A jeśli wydaje się, że celu nie da się osiągnąć, to należy zmienić podejście, a nie sam cel.
Projektant 2D studia Plarium Charków Jurij Ostapchuk opowiedział o pierwszym roku studiowania grafiki koncepcyjnej, udostępnił linki do przydatnych kursów i tutoriali oraz przeanalizował proces tworzenia swojej pierwszej serii prac w kierunku Environment Concept Art.
Dlaczego zdecydowałeś się studiować grafikę koncepcyjną i od czego zacząłeś?
Moja praca jest bardziej związana z kwestiami technicznymi niż kreatywnymi i interesuje mnie stworzenie czegoś nowego.
Wiedziałam, że brakuje mi zdolności artystycznych, dlatego 4 razy w tygodniu uczęszczałam na akademickie zajęcia z rysunku w naszym biurze. Przerysowany. Obejrzałem wszystko, co mogłem znaleźć na CG: webinary, tutoriale, wywiady, streamy. I wciąż codziennie oglądam coś nowego.
Nasi artyści koncepcyjni przesłali mi kilka filmów, które jasno wyjaśniają różnicę między koncepcją a samą sztuką. Ten Kanał FZDSCHOOL, w szczególności wideo „ Design Cinema Podcast EP 1 - Kariera w grafice koncepcyjnej" Po rosyjsku - stream z Iwanem Smirnowem I tłumaczenie lekcji Marca Bruneta. Bardzo przydatne na początek.
Próbowałem zdefiniować jakiś rodzaj rurociągu i popracować nad nim. Ale to nie dało żadnych rezultatów i zacząłem się więcej uczyć.
Czy uczyłeś się sam, czy brałeś udział w kursach?
Poprosiłem nauczyciela rysunku klasycznego o podstawowe rzeczy dotyczące anatomii i proporcji. Rozwiązywałem problemy projektowe, przeglądając książki i filmy o sztuce. Wtedy zdecydowałem się na kurs. Dla początkującego nie ma sensu brać czegoś z najwyższej półki i drogiego, więc zdecydowałem się na kurs online Olyi Starodubtsevy i byłem bardzo zadowolony. To był pierwszy krok, po którym dostałem pewien wynik - aż 2 znaki.
Oczywiście popełniłem błędy, które zauważyłem później. Ale zrozumiałem rurociąg i dostałem pierwszy impuls. Kursy zmuszają do ciężkiej pracy. Pojawia się jakiś harmonogram, wiesz dokładnie, co robić i w jakiej kolejności, dają ci edycje. Dodatkowo po szkoleniu mogłam bardziej merytorycznie porozumieć się z artystami, którzy z nami współpracują.
Po pewnym czasie wziąłem kolejny kurs Maxa Kozhevnikova.
Co było dla Ciebie najbardziej przydatne?
Wspólnota. Do dziś korzystam z pomocy chłopaków z różnych działów. To cały zespół wspaniałych ludzi, którzy mogą pomóc w różnych kwestiach: postaciach, środowiskach, 3D. Taką komunikację można zastąpić jedynie dużą liczbą kursów z mentoringiem. I tutaj pomagają ci przyjaciele.
Bardzo trudno jest uczyć się samemu. Jeśli nie porozmawiasz z nikim o tym, co robisz, istnieje ryzyko, że zrobisz coś głupiego.
Co teraz studiujesz i dlaczego?
Branża CG stale dyktuje nowe warunki. Zanim zdążysz nauczyć się jednej rzeczy, pojawia się nowa. Kiedy uczyłem się rysować i tworzyć postacie, przyszedł czas, kiedy musiałem użyć 3D. Dodatkowo nasza firma zaczęła zmierzać w stronę projektów z gatunku RPG, dlatego też zdecydowałem się opanować grafikę koncepcyjną środowiska 3D. Zacząłem używać 3D-Coat. Początkowo uczyłem się sam, później wziąłem udział w kursie w Jamie.
Chciałem stworzyć osobny projekt, w którym mógłbym pokazać maksymalny wynik i uwzględnić w swoim przygotowaniu 3D. Tak powstał cykl dzieł Deserter Knights Hideout.
Opowiedz nam o głównych etapach tworzenia tryptyku.
Chciałem opowiedzieć tę historię w trzech planach: zobaczyliśmy miejsce z daleka, podeszliśmy do niego i znaleźliśmy się w nim. Wszystko. Bardzo prosta opowieść.
Każda praca, od nadesłań do finału, trwała około miesiąca, ponieważ często popełniałam błędy. Właściwie nie ma ich 3, ale 53 i 50, mam nadzieję, że nikt nie widział i nie zobaczy.
Pomysł. Bardzo zainspirował mnie film Paula Verhoevena „Ciało i krew” o opuszczonych najemnikach. Legowisko zbiegłych rycerzy wydało mi się ciekawym pomysłem, pozostało tylko nadać mu oryginalność, z niespodzianką.
Po prostu zrujnowany zamek jest nudny, więc wybrałem opuszczone opactwo. Elementy gotyckie miały za zadanie wzmocnić efekt dramatyczny. Jako obraz artystyczny wybrałem gniazdo. Ma dość wyrazisty wygląd: dużo zazębiających się patyków, kolczastych i dość agresywnych.
Ogólnie wizerunek jest ugruntowany, a zebranie referencji nie było trudne.
Poza tym szukałam nie tylko formy, ale też ogólnego klimatu.
Szkice. Na etapie szkicowania zdecydowałem się na kwestie kompozycji, tonu i oświetlenia w scenie.
Bloking. Potrzebowałem jedynie ogólnych kształtów i światła. 3D-Coat świetnie się do tego nadawał. Do renderowania użyłem KeyShot: ustawiałem kamery (kąty) i ogólne oświetlenie sceny za pomocą karty HDRI.
Oczywiście potrzebne jest bardziej szczegółowe i dokładne modelowanie, ale wtedy nie opanowałem jeszcze wystarczająco 3D-Coat i KeyShot. Dlatego tekstury zrobiłem w Photoshopie, korzystając ze zdjęć.
Do wykończenia końcowych detali użyłem pędzli Jamy Jurabaev oraz pędzli o niestandardowych teksturach.
Czy jesteś zadowolony z wyniku?
Z pewnością. Nadal mam nad czym pracować, ale efekty są. Dwie moje prace zostały dodane do galerii 3D-Coat.
Otrzymałem informację zwrotną od wielu artystów, których opinie i krytyka są dla mnie bardzo ważne. Artysta zajmujący się środowiskiem ze Sztokholmu Otto Ostera stworzył scenę w Unreal 4 i pełny zestaw zasobów, korzystając z mojej koncepcji.
To bardzo miłe, gdy Twoja praca inspiruje kogoś do tworzenia pełnoprawnych światów gier. To w istocie misja artysty koncepcyjnego.
tworzenie grafiki koncepcyjnej środowiska
Teraz, gdy omówiliśmy już pewne ogólne kwestie, pokażę etapy rozwoju postaci narysowanej specjalnie na potrzeby tego artykułu. Kim jest i co robi teraz, nie jest znane nauce. Jednak zanim stał się człowiekiem, był starym pniem wierzby, który wyrósł;) Wygląda na to, że jest tubylcem przypominającym drzewo.
Od czego zacząć rysowanie szkicu? Najlepiej wykonać kilka szkiców w dowolnej technice, z dowolnych materiałów. Szkice pomogą Ci zdecydować o kompozycji figury i jej wizerunku. Nie zajmie to dużo czasu, ale znacznie ułatwi pracę.
Takich szkiców może być od 2 do 10, według Twojego wyboru. Następnie możesz zacząć rysować bezpośrednio na formacie. Na tym etapie nakreślamy położenie figury, jej podstawowe proporcje.
Kontynuujemy pracę nad całkowitą masą figury w arkuszu.
Zacznijmy szkicować pewne szczegóły (dbałość o szczegóły to święta zasada każdego artysty koncepcyjnego!):
Mniej więcej na tym etapie można zastosować cieniowanie tonalne.
Kontynuujemy wybieranie tonu.
Opracowujemy dekoracyjne detale, pokazujemy, że facet jest drzewem i nadajemy skórze lekką fakturę.
Zwiększ kontrast konturu. Dodaj bransoletki.
Nadajemy skórze „kolor”, pracujemy nad kontrastem, poprawiamy, malujemy, praca dobiega końca.
Szczerze mówiąc, pierwotny plan zakładał zabarwienie papieru i stworzenie pięknych refleksów za pomocą białych pasteli. Jednak dotkliwy brak czasu zmusił mnie do obrania mniej kreatywnej drogi i wykonania tonacji za pomocą Adobe Photoshop :)
Dodaj kilka akcentów... I nasz drzewiasty rodak jest gotowy! :)
Przygotowując ten materiał sformułowałem także kilka charakterystycznych punktów dotyczących opracowania koncepcji graficznej, na które powinni zwrócić uwagę szczególnie początkujący artyści.
1. Jak zaczyna się tworzenie gier w młodym, wciąż tworzącym się zespole? Zwykle, jeśli jest osoba, która umie rysować, po prostu wykonuje serię szkiców, które z grubsza odpowiadają tematowi przyszłej gry. Gdzie od razu pojawia się błąd? A faktem jest, że wszystko jest zrobione „w przybliżeniu”, nie ma jasnego zadania, jasnego tematu, ale tak naprawdę jest tylko kilka rysunków, które nie mówią nic o stylu graficznym gry, ponieważ ten, kto nad nimi pracował, nie ma o tym zbyt wiele pojęcia, myślał o tym. Wniosek: rysowanie szkiców należy rozpocząć po opracowaniu koncepcji gry i scenariusza. I nie próbuj później „dopasowywać” szkiców postaci, architektury itp. do projektowania gier opracowanych później. Ogólnie rzecz biorąc, koncepcje należy rysować będąc w ciągłej interakcji z projektantem gry i scenarzystą.
2. Zespół już zdecydował, jaki będzie gatunek i styl przyszłego hitu. Artysta zaczyna rysować szkice, ale skupia się wyłącznie na postaciach, albo tylko na broni, albo tylko na samochodach. Co jest nie tak? Błędem jest to, że w ten sposób nie ujawnia się ogólny styl graficzny gry. Trzeba przepracować wszystko wspólnie i na raz. Środowisko architektoniczne, flora, fauna, broń, zaklęcia, a także czcionki, interfejs i inna grafika - wszystko to powinno harmonijnie połączyć się w Twojej grze.
3. Artysta przepracowuje wszystko razem, pracuje dzień i noc, tworzy dużą liczbę szkiców i z jakiegoś powodu robią one pozytywne wrażenie tylko na nim i jego bliskich współpracownikach... Ale gracze wcale ich nie lubią lub, co gorsza, wydawcę. Przyczyna? Wszystko znajdziesz w prezentacji! Najlepsze stworzone szkice muszą zostać starannie i starannie przerysowane w celu wykończenia. To nie jest strata czasu, to dzieło artysty!
4. Proporcje, anatomia, kompozycja figury w formacie arkusza itp. Tworząc szkice, należy pamiętać o wszystkich tych elementach. Aby wymyślić piękne pozy dla swoich postaci, musisz mieć bazę tych właśnie pozycji zaczerpniętą z życia. Nie należy zaniedbywać fotografii ludzi i zwierząt, zaczerpniętych na przykład z magazynów.
5. Dbaj o szczegóły! Dbałość o szczegóły! – przebudzenie pewnego dnia z koszmaru, w którym na tle dżungli z filmu „Czas Apokalipsy” przy muzyce The Doors donośny głos lecący nad lepkimi tropikami wraz z rykiem śmigieł helikopterów monotonnie uczył mnie : "Dbałość o szczegóły! Dbaj o szczegóły!”, uświadomiłam sobie, że detale są bardzo ważne, o wiele ważniejsze niż wcześniej myślałam. Od tego czasu nigdy nie zapomniałem o konieczności dodawania kolejnych szwów, zapięć, pasków, zadrapań i innych „drobiazgów” do ubrań bohaterów. Nie zapomnij też! :)
6. Doświadczenie. Nie ma dla niego substytutu. Z doświadczeniem przychodzi zrozumienie, z doświadczeniem przychodzi automatyzm i technika. Zatem rysuj, rysuj i jeszcze raz rysuj! Im więcej będziesz pracować, tym więcej możliwości się przed tobą pojawi.
7. Na początku artykułu było już powiedziane o wymyślaniu postaci i o tym, że wyobraźnię można marnować w irracjonalny sposób. To wszystko prawda. Ale najlepiej w ogóle nic nie wymyślać! Uwolnij swój umysł, Twoja podświadomość zrobi wszystko za Ciebie, bo przechowuje obrazy setek tysięcy ludzi, postaci, szczegółów! Na żywo, z filmów, książek, gier, snów...
Być może na razie ograniczę się do tych siedmiu wskazówek analitycznych.
Ale teraz czas porozmawiać o prezentacji Twoich grafik. Jak sprawić, by nieznajomi (np. gracze) docenili Twoją pracę? Zła prezentacja, a właściwie jej brak (pracę prezentujemy w „nagiej” formie, bez żadnych ozdobników), może zrujnować nawet bardzo dobry pomysł! Nie pokazuj swoich szkiców graczom ani wydawcy - w twoim „pismie” nikt i tak nie zobaczy tego, co widzisz. A w dodatku ma się wrażenie, że to nie dopracowana, mało szczegółowa i w sumie po prostu brzydka robota (trzeba rzecz po imieniu nazwać: nawet genialny szkic, z punktu widzenia zwykłego osoba, a nie artysta, może niestety wyglądać jak niezrozumiałe bazgroły ) to Twoja ostateczna wersja. Dlatego do problemu prezentacji należy podejść z pełnym zrozumieniem, nie ma potrzeby spieszyć się z narysowaniem rocznego wolumenu grafiki w dowolnej jakości w ciągu tygodnia - wykonanie powinno być na najwyższym, Twoim maksymalnym poziomie! Zaprojektuj pięknie swoje szkice, pamiętaj, jak bardzo rama lub mata poprawia odbiór obrazu w tradycyjnym malarstwie. Używaj tła do swoich szkiców: antycznego papieru do motywów historycznych i fantasy, oryginalnych metalowych płytek do cyberpunku. Podpisuj swoje szkice piękną, czytelną czcionką o odpowiednim stylu i rozmiarze; ludzie, którzy będą je oglądać, powinni wiedzieć, co jest pokazane na obrazku. Klauzulę można również doprowadzić do odpowiedniej formy. Ogólnie rzecz biorąc, na etapie składania wniosku bardzo ważne jest kompetentne podejście do projektu i umiejętność nadania swojej pracy „rynkowego” wyglądu.
W ostatnich latach powszechnie znana stała się technika wizualnego przedstawiania ustrukturyzowanych informacji. Jednak w niektórych przypadkach ich zastosowanie jest ograniczone. Mapa pojęć to dalszy rozwój metod wizualizacji danych, który pozwala na ukazanie różnych koncepcji i powiązań między nimi.
Co to jest mapa pojęć
Mapa pojęć to graficzna reprezentacja powiązań między różnymi pomysłami lub obiektami. Składa się z owali lub prostokątów (zawierających określone pojęcia) i łączących je linii (oznaczających pewne połączenia między nimi).
Map pojęć nie należy mylić z mapami mentalnymi (umysłowymi). Technika ta ma dość ścisłą, hierarchiczną strukturę. Natomiast mapy koncepcji przypominają raczej sieć – oprócz powiązań pionowych, bardzo łatwo można je zidentyfikować także poziome. Jest to bardzo istotne w takich dziedzinach jak medycyna czy programowanie.
Mapa myśli tworzona jest na podstawie pytania fokusowego – sformułowania wyznaczającego cel i zakres mapy oraz kierującego myślenie w kierunku rozwiązania konkretnego problemu.
Oto jak to wygląda:
Do czego można wykorzystać mapy myśli?
Podobnie jak mapy myśli, technikę tę można wykorzystać w procesie burzy mózgów w celu generowania i analizowania pomysłów. Wizualizacja pozwala spojrzeć na zadanie z różnych perspektyw i pobudza kreatywność.
Technika ta jest szeroko stosowana w stosowanych dziedzinach techniki: inżynierii, programowaniu, zarządzaniu projektami.
Zajmuje szczególne miejsce w edukacji. Jego zdolność do wyświetlania zarówno relacji hierarchicznych, jak i poziomych sprawia, że jest to naprawdę nieocenione narzędzie do wyjaśniania złożonych pomysłów i procesów. Znacząco poprawia zapamiętywanie informacji i pomaga usystematyzować wiedzę. Można go wykorzystać do tworzenia notatek lub notatek, bądź sporządzania na ich podstawie szkiców prezentacji lub materiałów tekstowych.
Jak zrobić mapę myśli
Proces tworzenia map koncepcji jest bardzo prosty i składa się z następujących kroków:
- Zdecyduj się na pytanie skupiające. Do czego służy mapa, jaki problem próbuje rozwiązać? Zapisz to w kilku słowach.
- Dodaj także inne pomysły i koncepcje. Zapisz każdy z nich w osobnej komórce o dowolnej formie.
- Twórz powiązania między pomysłami. Po prostu narysuj linie lub strzałki pomiędzy nimi. Oznacz je etykietami lub użyj wcześniej ustawionych linii różnego typu (takich jak linie kropkowane lub pogrubione).
- W razie potrzeby dodaj nowe koncepcje i połączenia.
Skorzystaj z poniższych wskazówek, aby ułatwić zrozumienie mapy koncepcji:
- Komórki zawierające pojęcia powinny mieć różne rozmiary i kształty – dzięki temu mózgowi znacznie łatwiej jest je zidentyfikować. Dotyczy to również linii komunikacyjnych;
- używaj różnych kolorów;
- Jeśli to możliwe, rób proste rysunki - zupełnie jak na mapach mentalnych;
- łącz koncepcje tej samej klasy - zakreśl je jedną linią lub ustaw tło w tym samym kolorze;
- używaj karteczek samoprzylepnych (jak w filmach detektywistycznych).
Programy do tworzenia map myśli
Oczywiście wszystko to można zrobić ręcznie na papierze. Ale teraz istnieje wiele różnych programów, które ułatwiają tworzenie map pojęć. Oto kilka z nich:
- CmapTools
- Wolny umysł
- Xebece
Streszczenie
Mapy myśli były dalszym rozwinięciem idei map myśli. Mają szersze możliwości - pozwalają wyświetlić nie tylko połączenia pionowe, ale także poziome. Mapy koncepcji są łatwe w użyciu, ale znacznie zwiększają możliwości zarówno pracy, jak i nauki.
Kiedy artysta mówi o rysowaniu, wyobraża sobie stworzenie czegoś pięknego, niezwykłego i oburzającego dla innych. Chce zainteresować każdego, kto spojrzy na jego twórczość. Zadaniem artysty podczas tworzenia koncepcji postaci jest stworzenie czegoś ciekawego dla innych. Praca zaczyna się od poszukiwania pomysłów. Na tym etapie początkujący mają wiele błędnych wyobrażeń na temat tworzenia grafiki koncepcyjnej postaci. Najważniejsze w pracy artysty jest rozwiązanie problemu, który sam sobie postawił lub otrzymał od pracodawcy. Dlatego podstawą wszystkiego powinien być właśnie pomysł, który następnie zostanie uchwycony w formie obrazu.
Znalezienie pomysłów na stworzenie postaci
Niektórzy artyści konceptualni nie zaczynają od poszukiwania pomysłów, ale od ich realizacji. Zadają sobie pytania, jak coś zrobić, co powoduje, że odchodzą od istoty zadania i zastanawiają się nad jego szczegółami.
Kiedy artysta koncepcyjny postaci myśli o technice i narzędziach, skupia się na efekcie końcowym i instrukcjach, przeszukując Internet w poszukiwaniu tutoriali i procesów, w których inni narysowali gotowy pomysł. Nie jest wyjaśnione, co spowodowało powstanie tej postaci. Dlatego też, próbując zdobyć doświadczenie, trzeba zadać sobie pytanie nie „jak?”, ale „dlaczego?”. Niezależnie od pędzli i technik artysty, nawet jeśli podobają się one innym, chodzi o kontakt z efektem dzieła. Jeśli spróbujesz to powtórzyć, możesz jedynie nauczyć się kopiować pomysł.
Korzystanie z referencji
Kopiowanie gotowych rezultatów i zgłębianie technik pomaga w pracy z malarstwem, ale w grafice koncepcyjnej, tworząc coś od zera lub gdy pojawia się jasno określone zadanie, trzeba poszukać czegoś w sobie i samodzielnie wypracować obraz. Najczęściej początkujący artyści tego nie robią, gdyż opierają się głównie na odniesieniach.
Odniesienia nie są zabronione, ale są potrzebne, podobnie jak teoria, tylko wtedy, gdy w procesie pracy nad grafiką koncepcyjną pojawiają się pytania. Na przykład, tworząc broń dla postaci, musisz zrozumieć jej projekt. Jeśli brakuje informacji, nadal trzeba ich szukać we wszystkich dostępnych źródłach. Ale wcześniej, zanim zaczniemy rysować koncepcję postaci, artysta musi mieć gotowy pomysł.
Znaczenie samodzielnej pracy
Po prostu przetwarzając gotowe obrazy, zamiast tworzyć nowe, artysta sam szybko się tym znudzi, a także nie będzie interesujący dla klienta, ponieważ nie będzie w stanie wygenerować pomysłów na odpowiednim poziomie. Praktyka pokazuje, że tworzenie grafik koncepcyjnych postaci coraz częściej wymaga rozwoju artystów gotowych do generowania pomysłów. Ale nie da się stworzyć czegoś od razu. Aby mówić, trzeba znać język, znać litery i umieć je ubrać w słowa. Również w grafice koncepcyjnej. Najpierw pojawia się myśl, którą należy opowiedzieć, a następnie przekazuje się ją słowami i wyrażeniami.
Rozwój w tworzeniu postaci od zera
Im więcej pracy ma artysta, tym częściej zadaje sobie pytanie „dlaczego?”, a nie „jak?”. Rozwój to podejście do plastyczności, objętości, cech pracy z formą. W miarę doskonalenia umiejętności pojawiają się gotowe rozwiązania, gdy trzeba coś zobrazować. Ale pomysł jest zawsze najważniejszy. I dopiero gdy się pojawi, musisz sięgnąć po narzędzia i wdrożyć je.
Jeśli na pierwszym miejscu stawiane jest wdrożenie grafiki koncepcyjnej postaci, warto to rozważyć. Informacje dostępne z otwartych źródeł są ukształtowaną ideą znakomitych artystów. Dlatego zwykłe kopiowanie pomysłów innych osób od czasu do czasu, jeśli chcesz zostać profesjonalistą, nie wchodzi w grę. Jeśli artysta nie prowadzi dialogu ze sobą, trudno będzie mu stworzyć coś oryginalnego.
Jak zostać artystą koncepcyjnym
Na pytanie, jak zostać artystą koncepcyjnym, niektórzy oczekują instrukcji lub kursu dotyczącego narzędzi. Profesjonaliści najczęściej zadają pytanie przeciwne, dlaczego mieli takie pragnienie. Po czym okazuje się, że nie ma jasnego zrozumienia obowiązków zawodowych i procesu pracy nad sztuką. Jest tylko zrozumienie, że jest to interesujące. Ale najpierw trzeba przestudiować codzienne rzeczy, sam alfabet grafiki koncepcyjnej. Następnie trzeba nauczyć się składać złożone struktury z prostych elementów i przy ich pomocy wydobywać z siebie komponent emocjonalny, rozmawiać ze sobą i pracować ze swoim wewnętrznym światem. Wtedy pojawia się opowieść – opowieść o bohaterze. Jest to proces tworzenia koncepcji postaci. Jeśli jest ciekawe i podoba się widzowi, cel został osiągnięty. Jeśli nie, będzie to przydatne doświadczenie, które zamieni się w pracę.
Trudności w pracy artysty
Czasami artysta staje przed zadaniem szybkiego stworzenia koncepcji, uzgodnienia jej, narysowania i dostarczenia efektu w dobrej jakości. Oczywiste jest, że w tym przypadku nie ma czasu na życie bohatera i szukanie jego wewnętrznych odczuć - jaka będzie jego postawa, w co będzie się ubierał i gdzie mieszka. Nie ma zatem elementu immersji. Praca w tym trybie przebiega w sposób ciągły, który może całkowicie zniszczyć kreatywność. W rezultacie artysta może stracić zainteresowanie zawodem, nie czerpiąc satysfakcji z pracy. Przede wszystkim w każdym procesie twórczym ważne są doznania wewnętrzne, poszukiwanie własnej roli w tym, co się dzieje i samorealizacja. Satysfakcja wynika z faktu, że artysta poprzez twórczość potrafił coś opowiedzieć, zwłaszcza jeśli widz to zaakceptował.
Zależność pomiędzy masą i wymiarami obiektów w pojęciu
U podstaw wszystkiego leżą proste, podstawowe elementy języka artystycznego - niezależnie od tego, czy chcesz narysować pojedynczy obiekt, czy złożoną lokalizację. W istocie tworzenie czegoś zaczyna się od prymitywów. Częstym błędem popełnianym przez początkujących artystów, świadczącym o nieprofesjonalizmie, jest obecność w rozwiązaniu linii grubości, która jest taka sama w całym obiekcie. Jeżeli grubość wszystkich elementów obiektu nie zmienia się, stwarza to wrażenie nierzeczywistości. Zrozumienie przez artystę różnicy w masie, umiejętność uwydatnienia tego, co główne i zależne, budzi zainteresowanie obiektem.
Dlatego należy pamiętać, że w żadnym przedstawionym obiekcie nie powinny znajdować się obiekty o małej masie, zwłaszcza jeśli mają różne kierunki. Wszystkie elementy muszą mieć swoją plastyczność i oczywiście znajdować się na swoich miejscach. Wymiary muszą być tak rozłożone, aby oczy widza miały się czego chwycić i na czym oprzeć.
Jak kształtuje się styl artysty koncepcyjnego
Każdy obraz ma swoją własną strukturę, w której wyróżnia się główny i zależny. Każdy artysta rozwija własną geometrię i plastyczność. Cecha ta jest zwykle nazywana manierą lub stylem. Dlatego oprócz przemyślenia brył i sposobu ich rozmieszczenia w obiekcie, ważna jest także prezentacja materiału. Jest to szczególnie prawdziwe w przypadku szkiców. Uwagę zwracają nie skomplikowane, szczegółowe formy, ale charakter i żywy styl. Dlatego plastik powinien ożywić przedmiot. Linia dodaje dramatyzmu całej kompozycji. Umiejętność ta rozwija się sama z biegiem czasu. Ale wewnątrz stwórcy musi toczyć się ciągły dialog z samym sobą. To własne poczucie plastyczności artysty decyduje o atrakcyjności sztuki koncepcyjnej.
Funkcje pracy z prymitywami
Pomimo tego, że wszystkie tematy bardzo się od siebie różnią, podejście do ich konstrukcji i realizacji odbywa się według tych samych kanonów. Wszystko zaczyna się od prymitywnych kształtów - kół, kwadratów, trójkątów. Z ich pomocą wyszukiwanie mas jest ciekawe i dość łatwe. Każdy rysunek zaczyna się od elementów prostych, ponieważ przejście od prostych do złożonych jest korzystne. Pomaga to uniknąć błędów podczas dalszego opracowywania szczegółów.
Grafika koncepcyjna postaci fantastycznych lub bohaterów gier również zaczyna się od prymitywów. Potrafią opowiedzieć o naturze przedmiotu, pomóc go rozwinąć i udoskonalić. Jeśli od razu zaczniesz od szczegółów, możesz łatwo popełnić błąd w wymiarach i relacji między głównym a zależnym. W rezultacie widz będzie po prostu nieprzyjemny patrzeć na zdjęcie, ponieważ nie będzie w stanie wyróżnić głównego obiektu, bez względu na jego szczegółowość. Dlatego ważne jest, aby już na etapie pierwotnym zrozumieć, jak charakter przedmiotu i zadanie artysty wpływają na geometrię koncepcji, a następnie zbudować pożądaną koncepcję. W ten sposób rozwija się własne postrzeganie obiektu.
Poszukiwanie skojarzeń i praca z obrazami
Poszukiwanie prymitywów i zmienności mas to jedno z najważniejszych zadań przy opracowywaniu koncepcji postaci w grach, filmach itp. Masa i wymiary odnoszą się do powierzchni. Definicja słowa pomaga określić właściwy stosunek. Na przykład, wyznaczając obiekt jako ciężki, można skojarzyć z nim wybranie jego pożądanego kształtu i rozmiaru. Dlatego do rozwiązywania problemów należy posługiwać się wskazówkami słownymi i na ich podstawie tworzyć skojarzenia i podstawową geometrię.
Pomocna jest także praca z warstwami, przesuwając je łatwiej jest stworzyć różne wrażenia i rozkład mas. Tło w grafice koncepcyjnej nie jest potrzebne; jest ono szare lub białe. Możesz podkreślić szczegóły kolorem, ale najważniejsza jest informacja. Nie należy maskować go niepotrzebnymi dodatkami, które ostatecznie zaburzają odbiór dzieła. Wszystkie sylwetki powinny być wyraźne i łatwe do odczytania. Poszukiwanie pomysłów, wariacje koncepcji poprzez prymitywy, umiejętna praca z linią i poprawna konstrukcja - to podstawa do stworzenia koncepcji postaci.
Dobra gra ma wiele elementów, które zwykle przerażają początkujących: świetny scenariusz, imponującą mechanikę rozgrywki i oszałamiającą grafikę.
Z drugiej strony, jeśli masz już pomysł na świetną grę niezależną lub kolejny hit typu Candy Crush, musisz przekonać swój zespół, że gra, nad którą pracujesz, odniesie sukces. Oprócz tego nie można zapomnieć o programistach, którzy również muszą naszkicować plan przejęcia władzy nad światem.
Przed stworzeniem gry należy opracować jej koncepcję lub dokumentację. Spróbujmy zrozumieć, jaka jest koncepcja gry i co powinna zawierać.
Jaka jest koncepcja gry
Mówiąc najprościej, koncepcja gry to to, jak Twoja gra wygląda na papierze w formie zrozumiałej dla wszystkich wokół Ciebie.
Oznacza to, że wydawca/inwestorzy, zespół artystyczny, programiści, a nawet marketerzy będą dokładnie wiedzieć, czego się od nich wymaga. Koncepcja powinna opisywać etapy tworzenia gry, wszystko od scenariusza po grafikę, a także sposób monetyzacji.
Koncepcję gry należy traktować jako szczegółową instrukcję dla wszystkich uczestników projektu, a projektanci i programiści powinni mieć możliwość swobodnego wyrażania swoich poglądów na temat „życia”.
Koncepcja może się różnić w zależności od działu, ale musi zawierać wszystkie informacje niezbędne dla konkretnego działu. Na przykład szczegółowy opis rodzaju animacji, który będzie pasował do stylu gry animatorów.
A ty, jako osoba posiadająca pomysły, musisz pomyśleć o tej koncepcji jako o sposobie sprzedaży gry. Sprzedawaj pomysły inwestorom, sprzedawaj koncepcje rozgrywki programistom, sprzedawaj dzieła artystom.
Kluczowy pomysł
Kluczowa idea powinna być zawarta już na samym początku koncepcji gry, powinna odzwierciedlać istotę gry. Może to być kilka akapitów opisujących grę, w tym jej świat, typ postaci i krótką historię.Dla utalentowanej pisarki ukrytej w głębi swojej niezwykłej osobowości będzie to długo oczekiwana szansa na zrealizowanie drzemiącego w niej potencjału.
Oprócz kluczowej idei gry, konieczne jest także opisanie jej kluczowych elementów oraz działań, jakie będą wymagane od gracza. Stopień zanurzenia w świecie gry zależy wyłącznie od stopnia złożoności gry. Na przykład planujesz stworzyć grę o obronie średniowiecznego zamku z piękną księżniczką na urządzenia mobilne. W koncepcji trzeba opisać kluczowe punkty gry, jej cel, a także to, w jaki sposób gracz ma bronić swojego zamku, jakie gadżety trzeba zebrać i co to da.
Lista ta nie powinna rozciągać się na tysiące tysięcy stron. Lepiej od razu zastąpić takie dzieło krótkim opisem kluczowych cech gry, które wyróżnią Twój pomysł na tle innych. Po szybkim zapoznaniu się z proponowaną „literaturą” czytelnik powinien mieć silną chęć zagrania w grę, a także szczegółowo ją omówić w roli eksperta.
Inwestorzy również powinni być zainteresowani
Pomińmy od razu możliwość samofinansowania gry i przejdźmy do różowej perspektywy istnienia hojnych inwestorów lub wydawcy, który chętnie i ochoczo będzie sponsorował grę.
Inwestorzy, chcąc zainwestować pieniądze w projekt, muszą zrozumieć, że projekt będzie udaną inwestycją, a pieniądze do nich wrócą. I tu następuje kulminacyjny punkt koncepcji gry. Bez względu na to, jak świetna jest Twoja gra, musi ona być przede wszystkim interesująca dla inwestorów z inwestycyjnego punktu widzenia, w przeciwnym razie po prostu nie dadzą się chwycić przynęty.
Aby to zrobić, musisz sporządzić szczegółowy plan, w jaki sposób planujesz zarabiać pieniądze na grze. Może to być system monetyzacji, początkowy koszt gry, zakupy w aplikacji lub wszystkie te elementy.
Pamiętajcie o projektantach
Dział graficzny musi wiedzieć, nad jakim typem gry będzie pracował. Na przykład, jakie zasoby będą 2D czy 3D. Dlatego dobrym pomysłem jest uwzględnienie koncepcji w samej dokumentacji, aby artysta wiedział, w jakim kierunku będą zmierzać. Przykładowo w koncepcji gry mówi się, że świat zamieszkują różnego rodzaju smoki. Stworzenie takiego świata nie będzie łatwe, jeśli budżet lub czas będą napięte.
Pamiętaj o deweloperach
Jeśli projektanci muszą zrozumieć, jak będzie wyglądać projekt postaci, projekt świata itp., to programiści muszą zrozumieć zakres pracy.
Takie podejście pomoże im zidentyfikować wyzwania projektu, czego należy unikać, a co pomoże ulepszyć rozgrywkę.
Wybierz platformę i odbiorców
Koncepcja powinna zawierać także informacje o platformie, na której zamierzasz wydać grę, a także o docelowej grupie odbiorców.
Pomoże to nie tylko zespołowi programistów zrozumieć, co należy zrobić, aby stworzyć grę międzyplatformową, którą można przenieść na dowolny system lub urządzenie. Znajomość grupy docelowej może mieć wpływ na styl graficzny lub mechanikę rozgrywki.
Przykładowo, jeśli grupą docelową są dzieci w wieku od 6 do 12 lat, wówczas skomplikowana mechanika rozgrywki czy postacie zombie nie będą najlepszym rozwiązaniem. Znajomość grupy docelowej pomoże obu działam pracować we właściwym kierunku, co tylko sprawi, że gra będzie jeszcze bardziej skuteczna.
Zapytaj wystarczająco inwestorów
Koncepcję gry można również wykorzystać do zaprezentowania gry potencjalnym inwestorom lub studiu wydawniczemu. Planując budżet, staraj się unikać kwot astronomicznych i bądź realistą. Jeśli to Twoja pierwsza gra, spróbuj zaoszczędzić trochę pieniędzy, aby zrobić lepsze wrażenie na inwestorach. Na przykład wybierz edytor 3D, taki jak Blender lub Maya LT.
Trzeba też zrozumieć, że jeśli jest to pierwsza gra, inwestorzy będą niechętni do zawarcia transakcji. Oczywiście budżet na gry takie jak Halo czy Call of Duty liczony był w setkach milionów, ale wydawcy byli na to gotowi, bo doskonale wiedzieli, że ich wydatki zwrócą się stukrotnie.
Jeśli nie planujesz wysadzić społeczność graczy hitem takim jak Halo czy Call of Duty, najlepiej zachować realizm i nie oczekiwać nierealistycznego budżetu. Na szczęście koncepcja gry zapewni inwestorom wystarczające powody do sponsorowania Twojego projektu.
Czego unikać
Tworząc koncepcję gry, każdy dział musi otrzymać wystarczającą ilość informacji. Koncepcja gry, która nie jest wystarczająco szczegółowa lub jest zbyt krótka, od razu wpłynie na pracę działów. Koncepcja gry powinna stać się źródłem odpowiedzi na pytania, które pojawią się w każdym dziale podczas pracy nad projektem. Oznacza to, że informacje zawarte w koncepcji powinny pomóc każdemu w odpowiedniej pracy.
Poza tym nie należy w pośpiechu tworzyć koncepcji gry, dać jej odpowiedni czas, bo później zadziała to tylko na Twoją korzyść. Nieprofesjonalny pomysł zostanie chłodno przyjęty nie tylko przez wydawców czy inwestorów, ale także artystów i deweloperów, dzięki którym Twoja gra może ujrzeć światło dzienne.
Jeśli masz świetny pomysł na grę, zapisz go, bo powinien nie tylko przyciągnąć inwestorów, ale także zainspirować artystów i programistów do robienia wielkich rzeczy. Dobra koncepcja gry to swego rodzaju przewodnik, który pomaga poprowadzić proces tworzenia gry od samego początku, aż do przekazania jej w szczęśliwe ręce graczy.
Chcieć wiedzieć więcej? Przyjdź do nas !
Tłumacz: Alena
Specjalne podziękowania dla: Małgorzaty