Rozdział 5 PROJEKTY PODSTAWOWYCH WYROBÓW STOLARSKICH I BUDOWLANYCH 1. Rodzaje, przeznaczenie i metody wykonywania szalunków i rusztowań inwentaryzacyjnych Przy wznoszeniu budynków i konstrukcji z betonu monolitycznego i żelbetowego stosuje się szalunki. Deskowanie to forma, w

MINISTERSTWO EDUKACJI I NAUKI

FEDERACJA ROSYJSKA

BUDŻET PAŃSTWA FEDERALNEGO

WYŻSZA INSTYTUCJA EDUKACYJNA

PROFESJONALNA EDUKACJA

„Woroneż Państwowa Akademia Inżynierii Lasu”

Prototypowanie

Wytyczne do wykonania prac graficznych

dla studentów stacjonarnych i niestacjonarnych

w kierunku przygotowania 250700.62 - Architektura krajobrazu

WORONEZ 2013

Lukina, I.K. Modelowanie [Zasób elektroniczny]: Wytyczne dotyczące realizacji prac graficznych dla studentów stacjonarnych i niestacjonarnych w kierunku przygotowania 250700.62 - „Architektura krajobrazu” / I.K. Lukin - Woroneż: FGBOU VPOVGLTA 2013. - 39 str.

Wytyczne zawierają podstawowe definicje i terminy, a także materiały, narzędzia i urządzenia niezbędne do pomyślnego opanowania dyscypliny „Prototypowanie”. Podano szczegółowe wytyczne dotyczące wykonania czarno-białych rysunków, obrazów i prac dekoracyjnych wykonywanych przez studentów na zajęciach praktycznych. Dużo uwagi poświęca się metodologii wykonywania szkiców, jako podstawy samodzielnej pracy studentów.

prace graficzne

Celem tego kursu jest nie tylko umiejętność opanowania techniki układania i nabycie praktycznych umiejętności tworzenia układów, ale także umiejętność wyrażenia swojej koncepcji w przestrzeni trójwymiarowej, pokazując dowolną formę widzialnego świata poza rzutami planarnymi .

Zanim jednak przejdziemy do rozwiązania wszystkich tych złożonych problemów, konieczne jest opanowanie ogólnych technik rozmieszczania, zapoznanie się z formowaniem prostych ciał geometrycznych, ogólnymi prawami kompozycyjnej konstrukcji obiektu.

Aby opanować techniki tworzenia modeli, będziesz potrzebować następujących narzędzi i materiałów:

- papier (barwiony i biały - akwarelowy np. Whatman, kolorowy papier pastelowy, który w swoich właściwościach jest bliższy tekturze), zwykłe folie samoprzylepne, tektura, eglin, czasem pianka. Ponadto można zastosować szeroką gamę improwizowanych materiałów, czasem najbardziej nieoczekiwanych: różne zboża, kawałki teksturowanego papieru itp .;

- nóż lub nóż do krojenia chleba musi być dobrze naostrzony;

- klej (klej PVA jest najwygodniejszy do klejenia papieru i tektury, ponieważ jest biały i nie pozostawia śladów na arkuszu);

- ołówki o twardości HB, H, 2H, ZN;

- preferowane są metalowe linijki, ponieważ nie niszczą się nożem do krojenia chleba;

- zestaw narzędzi rysunkowych (przygotowanie).

- trójkąty prostokątne pod kątem 30 i 45 stopni;

- gumki są miękkie;

- wzory, które mają inny kształt i służą do rysowania zakrzywionych linii;

- do cięcia materiałów wymagana jest specjalna deska ze sklejki, tworzywa sztucznego lub płyty pilśniowej;

Układy krajobrazowe wykonuje się na specjalnej podstawie, która służy jako rama pomocnicza - drewnianej skrzyni wykonanej z łat, na której jest wypchana sklejka lub płyta pilśniowa (rysunek 1). W celu rozciągnięcia papieru na noszach należy namoczyć arkusz papieru Whatman w zimnej wodzie, a następnie położyć go na poziomej czystej powierzchni (stół). Nosze układa się równomiernie od góry do dołu, stroną zadrukowaną w dół, tak aby papier wystawał co najmniej 4 ...

Rysunek 1. - Rama pomocnicza. Mocowanie papieru do noszy

Tabletkę należy wysuszyć rozciągniętym papierem w pozycji poziomej z dala od urządzeń grzewczych, przeciągów i słońca. W miarę wysychania papieru samoczynnie się rozciąga, a powierzchnia staje się gładka. Dopiero po wyschnięciu papieru możesz zacząć nad nim pracować: rysować, przyklejać różne detale i wykonywać inne niezbędne operacje.

PODSTAWOWE TECHNIKI UKŁADU

Najważniejszą rzeczą w prototypowaniu jest dokładny rysunek, który obejmuje właściwe wykonanie przeciągnięcia. Ponadto konieczne jest znalezienie pewnego rodzaju równowagi między elementami klejonymi a solidnie ciętymi. Czasami do układu konieczne jest użycie pełnego półwyrobu, a czasami wygodniej jest użyć małych części papierowych.

Oprócz wysokiej jakości narzędzia i dokładnego rysowania musisz użyć kilku podstawowych technik układu. Aby żebra, krawędzie zagięć w skanach części papierowych lub kartonowych były wyraźne, bez zagnieceń i zniekształceń, konieczne jest wykonanie nacięć wzdłuż linii przyszłego zagięcia po stronie, na której zostanie uformowana zewnętrzna krawędź. Cięcia wykonuje się atrapą noża wzdłuż metalowej linijki na 1/3 grubości blachy, uważając, aby nie przeciąć jej do końca (rys. 2). Jeśli prześcieradło jest cienkie, możesz użyć nieostrego, wąskiego przedmiotu, takiego jak zewnętrzna strona końca nożyczek.

Rysunek 2. - Wykonanie narożników powierzchni fasetowanych

Aby wykonać dowolną zakrzywioną powierzchnię, musisz przeciągnąć papier przez jakiś cylindryczny przedmiot, taki jak ołówek (rysunek 3 a) lub przeciągnąć go nożyczkami (rysunek 3 b).

Inną często stosowaną metodą jest metoda zaokrąglania kartki papieru, stosowana, gdy trzeba wykonać walec, stożek lub inny korpus obrotowy. Aby to zrobić, wystarczy podzielić rozwój tych ciał pionowymi liniami na równe paski o szerokości 3-5 mm i przeciąć arkusz od strony zagięcia o 1/3 grubości arkusza nożem do krojenia chleba (rysunek 4).

Rysunek 4. - Tworzenie zakrzywionej powierzchni za pomocą nacięć

Wskazane jest wykonywanie wszelkich cięć i nacięć nożem atrapy, w skrajnych przypadkach używa się nożyczek.

Po przygotowaniu papieru lub tektury do pracy, części i skany są jakościowo rysowane i wycinane, wykonywane są niezbędne nacięcia i nacięcia, pozostaje przystąpić do montażu i klejenia.

Najlepszą metodą klejenia jest klejenie od krawędzi do krawędzi, ale wymaga to odpowiedniego doświadczenia z układami. Istnieje prostsza wersja klejenia - sklejanie jednej formy z drugą za pomocą klap krawędzi papieru. Klapy z kolei są ścięte w kierunku zagięcia. Ta metoda klejenia jest najskuteczniejsza i niezbędna do wytwarzania wystarczająco dużych objętości cylindrycznych, w których konieczne jest pokrycie wszystkich powierzchni. W takim przypadku konieczne jest bardzo staranne wykonanie wycięć na obwodzie toczonych trójkątów, aby maksymalnie zachować krzywiznę koła i uniknąć powstawania pęknięć pomiędzy kołem a prostokątną częścią rozwinięcia cylindra.

Rozważ podstawowe zasady konstruowania samej formy sztuki.

Mówiąc o składzie, nie możemy zapomnieć o najprostszej organizacji samolotu – layout - umieszczenie obrazu na arkuszu. Oczywiście, rozpoczynając pracę, artysta kieruje się przede wszystkim ideą obrazu. Nie ma tu dokładnych przepisów, ale powinno być wizualne wrażenie, że rozmiar obrazu odpowiada rozmiarowi arkusza. Musisz upewnić się, że obraz jest wystarczająco duży, ale nie za blisko krawędzi arkusza. Przyleganie („przyklejanie”) obrazu do krawędzi arkusza jest niedozwolone. Ponadto obraz nie powinien być przesunięty względem wizualności, czyli środka kompozycyjnego arkusza. Należy pamiętać, że środki kompozycyjne i geometryczne arkusza nie pasują do siebie. To centrum znajduje się nieco powyżej środka liścia (ryc. 4).

Ryż. 4. Lokalizacja środka kompozycji arkusza

Wymieniamy główne właściwości kompozycji związane z każdym dziełem sztuki.

1. Dowolny skład musi być kompletny a wszystkie jego części składowe muszą pozostawać w harmonijnej relacji z całością, co umożliwia natychmiastowe uchwycenie tego obrazu jednym spojrzeniem, aby zapewnić wizualne postrzeganie go jako całości. Jednocześnie kompozycja nie powinna zawierać takich części lub elementów, które byłyby sprzeczne z jej funkcjonalną, konstrukcyjną lub artystyczną istotą. Bardzo często, aby zachować jedność, artysta musi zrezygnować z pięknego detalu, który nie odpowiada ogólnej idei. Wystarczy jeden, nawet nieistotny element, choć ciekawy sam w sobie, ale obcy w danej kompozycji, a całość artystyczna ulegnie zniszczeniu.

Główne cechy integralności to ograniczoność, łączność i zwartość.

Ograniczenie- to wyraźnie odczuwalne oddzielenie obiektu od otoczenia, w którym się znajduje, oddzielenie postaci i tła.

Łączność determinuje obecność technik, które zapobiegają rozpadowi całej kompozycji: systemy proporcjonalne, ścisłe rozmieszczenie elementów, użycie pomocniczych elementów łączących itp.

Aby zachować powiązania w kompozycji, a także usprawnić jej strukturę, stosuje się proporcje kompozycyjne, tj. stosunek wszystkich wartości elementów kompozycji do siebie i do całości. Najprostsze proporcje są oparte na stosunkach całkowitych i nazywane są arytmetycznymi lub modularnymi, ponieważ mają jedną wartość początkową, która służy jako miara wszystkich części kompozycji - modułu. Drugi system proporcjonalny nazywa się geometrycznym lub irracjonalnym, ponieważ decydujące znaczenie mają w nim konstrukcje geometryczne oparte na niewspółmiernym (irracjonalnym) stosunku wielkości. Przykładem zastosowania proporcji geometrycznych są kompozycje oparte na metodzie podobieństwa elementów.

Inną techniką, która chroni całą kompozycję przed rozpadem, jest ścisłe ułożenie, czyli nakładanie się na siebie elementów kompozycji (ryc. 8).

Ryż. 8. Bliskość lub nakładanie się elementów kompozycji

Jak wspomniano powyżej, jednym z głównych znaków integralności, obok ograniczeń i więzi, są: ścisłość.

ścisłość charakteryzuje prawidłowo dobraną liczbę części, które można postrzegać jednocześnie. Doświadczenie pokazuje, że ich liczba powinna wynosić od trzech do pięciu. Psychologowie ustalili również, że istnieje granica liczby elementów, które można jednocześnie postrzegać jako niezależne. Ich numer to pięć do dziewięciu. Jeśli w pole widzenia wpada więcej elementów, pojawia się poczucie przypadkowości.

Aby to przezwyciężyć, taki zestaw elementów można podzielić na grupy, zjednoczone według jakiegoś atrybutu. Grupy wizualne można tworzyć przez wzajemne przybliżenie, dobór elementów według rozmiaru, podobieństwa, koloru, faktury itp. Na przykład w kompozycji na ryc. 11, ze względu na podobieństwo linii i wzajemne przybliżenie powstają dwie grupy elementów, połączone ze sobą linią prostą.

Ryż. 11. Kompaktowa, lakoniczna kompozycja linii

2. Tworząc kompozycję należy pamiętać o systemie konstruowania całości: każdy Kompozycja musi mieć część główną i drugorzędną. Ich wzajemna spójność jest bardzo ważna dla tworzenia harmonijnej jedności. Kompozycja jako całość może składać się z oddzielnych części. Każda część z kolei jest również całością, składającą się z części. Aby stworzyć dzieło prawdziwie harmonijne, trzeba znaleźć jedność nie tylko między głównym i drugorzędnym, ale także między całością a jej częściami. Równie ważne jest harmonizowanie między sobą różnych części, z których każda reprezentuje coś całościowego.

Główny, dominujący element, wyróżniający się na ogólnym tle otoczenia lub części sąsiednich, potocznie nazywa się centrum kompozycji. Centrum kompozycyjne może być elementem, grupą elementów lub wolną przestrzenią − pauza kompozycyjna. Czasami centrum kompozycyjne zastępuje wizualną orientację kompozycji - oś kompozycyjna. Główny element można odróżnić dzięki kontrastowi - wyraźnej opozycji właściwości, na przykład wielkości (ryc. 13), kształtu (ryc. 12 a, b), koloru, bogactwa opracowania itp.

3. Kompozycja staje się dziełem sztuki tylko wtedy, gdy ma taką właściwość, gdy jest postrzegana jako kompletność. Z dzieła sztuki powstaje wrażenie, w którym nie ma ochoty niczego dodawać ani usuwać. Kompletność kompozycji w dużej mierze zależy od jej geometrycznego kształtu oraz charakteru konstrukcji detali. Tak więc starożytni artyści uważali idealne figury kwadratowe i okrągłe za najbardziej kompletne. Szczegóły również dopełniają kompozycję. Na przykład gzyms, który uzupełnia mebel lub konstrukcję architektoniczną, zatrzymuje jego rozwój w górę.

Na ryc. 15 elementów kompozycji rozrzuconych losowo na polu kompozycyjnym sprawia wrażenie niekompletności: wydaje się, że różne elementy są rozrzucone w różnych kierunkach. Co więcej, ten wizualny ruch jest tak silny, że powstaje wrażenie, że kompozycja toczy się w różnych kierunkach ad infinitum. Dodatkowo porządek wewnętrzny jest zaburzony przez niestabilność kompozycyjną – elementy ułożone są w okrąg w dolnej części. Podobne wrażenia wywołuje kompozycja na ryc. 17: Poczucie niekompletności wynika z ciągłego ruchu po okręgu i braku pojęcia „góra” i „dół”. Ryż. 16 przeciwnie, ilustruje udaną kompozycję w tym sensie.

4. Kolejną właściwością kompozycji jest jej równowaga.

W aspekcie fizycznym równowaga to taki stan ciała, w którym działające na nie siły całkowicie się równoważą. Ta definicja w pewnym stopniu odpowiada również wizualnie postrzeganej równowadze – każdy obiekt ma punkt podparcia i środek ciężkości. Z punktu widzenia kompozycji równowaga to takie ułożenie elementów kompozycji, w którym każdy przedmiot znajduje się w stabilnej pozycji. Jego lokalizacja nie budzi wątpliwości i chęć przeniesienia go przez pole kompozycji.

Jednym z najpotężniejszych sposobów tworzenia zrównoważonej, harmonijnej kompozycji jest symetria. Symetria jest regularnym układem równych części względem siebie. Symetryczna budowa człowieka, symetria w formach flory i fauny jest jedną z głównych przyczyn aktywnego wpływu symetrii na percepcję.

Istnieje kilka rodzajów symetrii, które umożliwiają tworzenie różnorodnych kompozycji symetrycznych: symetria lustrzana, symetria centralno-osiowa, symetria śrubowa i spiralna i inne.

Symetria lustrzana jest najłatwiejszym do zauważenia i najczęstszym rodzajem symetrii. W nim jedna połowa kompozycji jest jakby lustrzanym odbiciem drugiej (ryc. 18).

Symetria centralno-osiowa - rodzaj symetrii, w której równe części są równomiernie rozmieszczone wokół osi centralnej. Po obróceniu wokół niego równe części zostaną całkowicie połączone. Kompozycja zbudowana w oparciu o symetrię centralno-osiową może mieć dowolną liczbę równych części.

Ryż. 18. Symetryczna kompozycja jest zrównoważona wokół osi pionowej

Symetria śruby i spirali. W tego typu symetrii kompozycję buduje się poprzez obracanie elementu wokół osi symetrii i jednoczesne przesuwanie go wzdłuż tej osi. Możesz skręcać element zarówno w lewo, jak iw prawo, dlatego rozróżnia się prawą i lewą oś śrubową i spiralną. W symetrii spiralnej elementy mogą poruszać się w tej samej płaszczyźnie, stopniowo zbliżając się do środka.

Wszelkie odchylenia w układzie symetrycznym, eliminacja nawet drobnego detalu, przykuwają uwagę, wywołując uczucie napięcia całej kompozycji. Ta częściowo złamana symetria nazywa się asymetria. Dysymetria jest używana jako artystyczny środek kompozycji, gdy symetryczne formy wywołują zbyt sztywne, nadmiernie zorganizowane i surowe wrażenie. Na ryc. 19 przedstawia kompozycję asymetryczną.

Ryż. 19. Kompozycja asymetryczna

Jedność kompozycji można osiągnąć odwrotną metodą. Jednak ta metoda to nie tylko brak i niszczenie symetrii. Środek kompozycji, w którym równość części i ich rozmieszczenie zostaje zastąpiona równowagą wizualną, nazywa się asymetria. Głównym sposobem stworzenia jedności w asymetrycznej kompozycji jest spójność jej części (ryc. 20 a, b, c) Podporządkowanie elementów przejawia się w stosunku rozmiarów, rozmieszczeniu akcentów, w podporządkowaniu części i detali do centrum kompozycyjnego, w ogólnej orientacji elementów kompozycji. Kompozycja asymetryczna może składać się z części symetrycznych. Wiele form naturalnych jest takich: części podlegają prawom symetrii, a całość jest asymetryczna. Na przykład liście drzewa są symetryczne, podczas gdy samo drzewo ma kształt asymetryczny, ale zrównoważony.

W kompozycjach asymetrycznych części o nierównych rozmiarach i kształtach są ułożone w taki sposób, że tworzą wizualną równowagę, która ukrywa różnicę w ich rozmiarach i kształtach. Na przykład mały element o wyrazistym kształcie można zrównoważyć elementem o większej powierzchni, ale mniej wyrazistym, mniej widocznym. Możliwe jest zrównoważenie w kompozycji dwóch elementów o różnych rozmiarach, umieszczając mniejszy element dalej od osi balansu. Im mniejszy element, tym większa odległość od niego do środka równowagi.

Ryż. 20. Kompozycje asymetryczne. Tworzy to wizualną równowagę części.

Kompozycje na ryc. 21. Chociaż autorzy starali się zrównoważyć prawą i lewą część asymetrycznych kompozycji, uczucie niestabilności pozostało. Na ryc. 21a jako całość kompozycja jest niestabilna – sprawia wrażenie wizualnego balansowania na długim elemencie centralnym. Dla kompozycji na ryc. 21b charakteryzuje się „toczeniem się” dzięki ułożeniu okrągłych elementów w dolnej części.

5. I wreszcie wrażenie, jakie wywiera dzieło sztuki, zależy od jego wyrazistość, czyli zdolność artysty do przenośnego przekazywania ludzkich emocji, nastrojów, namiętności za pomocą różnych technik artystycznych, jego umiejętność znajdowania i wykorzystywania w cechach figuratywnych takich szczegółów, które najpełniej ujawniają istotę przedstawianego zjawiska lub postaci.

Aby nadać kompozycji wyrazistości, często stosuje się kontrast, tj. ostra różnica, kontrast - technika polegająca na wyraźnej opozycji cech (na przykład objętości, kolorów) i charakterów przedmiotów i zjawisk przedstawionych w dziełach sztuki, co pomaga wyraźniej podkreślić ich cechy.

Nadanie wyrazistości formie pomaga w głębszym ujawnieniu treściowej strony tematu. Jeśli patrząc na kompozycję, widz odczuwa estetyczną przyjemność, to produkt jest dziełem sztuki.

Kolor w kompozycji

Rozpoczynając jakąkolwiek pracę graficzną, studenci wykonują serię szkiców, aby określić wzór przyszłej kompozycji. Ponieważ jednak w pracy zostanie wykorzystany kolor - jeden z najważniejszych środków kompozycyjnych, ważne jest, aby uczniowie opanowali umiejętność posługiwania się kolorami, znali właściwości kolorów i umiejętnie wykorzystywali ich kombinacje w kompozycji.

Tak więc kolor (farba, kolor) należy do najważniejszych elementów formy artystycznej dzieła sztuki - harmonijnego połączenia kolorów, które przyczynia się do ujawnienia znaczenia dzieła, ujawnienia jego istoty.

Kompozycje kolorystyczne dzieli się zwykle na trzy kategorie:

a) kompozycje zbudowane na zasadzie izolowanego koloru;

b) kompozycje zbudowane na zasadzie harmonii kolorystycznej,

c) kompozycje oparte na zasadzie korelacji kolorystycznej.

Rozważ wymienione kompozycje kolorów.

a) Kompozycje o izolowanym kolorze. Cechą charakterystyczną kompozycji zbudowanej na zasadzie wyizolowanej barwy jest dobór jednej lub kilku nasyconych barw, a dla każdej barwy tworzone są warunki, w których uwydatnia się jej brzmienie, jasność i bogactwo. Liczba różnych kolorów w tych kompozycjach jest niewielka, zwykle nie więcej niż trzy lub cztery. Ta technika kolorystyczna jest najbardziej odpowiednia do budowania kompozycji kolorystycznej.

Kolor na białym tle kompozycji rysunkowej

W izolowanych kompozycjach kolorystycznych stosowane są czyste, radosne barwy. Kolory takie „brzmią” szczególnie mocno w środowisku achromatycznym - na tle czarnym, białym lub szarym, czasem z ledwo zauważalną domieszką dodatkowego (jeśli w kompozycji zaangażowany jest jeden kolor) lub balansującego (jeśli w skład wchodzą dwa kolory). kompozycja). To tło „izoluje” od siebie kolorowe płaszczyzny.

Dwie lub trzy małe kolorowe plamy w achromatycznym otoczeniu są natychmiast dostrzegane, natychmiast uderzają, zmuszając do skupienia się na nich.

Izolowane kompozycje kolorystyczne są stosunkowo łatwe do wykonania, ponieważ każdy jasny kolor dobrze komponuje się z tonami achromatycznymi. Dwa lub trzy kolory biorące udział w kompozycji nie stykają się ze sobą, są od siebie odizolowane, więc ich dobór jest mniej odpowiedzialny niż w innych rodzajach kompozycji kolorystycznych.

b) Kompozycje kolorystyczne. Kompozycja kolorystyczna „harmonii koloru” jest całkowicie odwrotna do kompozycji barwy izolowanej.

Charakterystyczną cechą budowania kompozycji kolorystycznej według zasady „harmonii koloru” jest duża liczba kolorów i ich odcieni z mniej lub bardziej stopniowym przechodzeniem z jednej barwy na drugą. Dodanie kilku bardziej zbliżonych tonów lub wykluczenie ich z tego rodzaju kompozycji na ogół nie zaburzy początkowego wrażenia.

Rysunek kompozycji kolorystycznej

Takie kompozycje są typowe dla malarstwa sztalugowego. Przy dużej różnorodności kolorów ludzkie oko nie może od razu uchwycić i ocenić każdego z kolorów i relacji jednego koloru do drugiego. Zarówno ogólnie, jak i w szczegółach kompozycja kolorystyczna jest przeznaczona do długotrwałego oglądania.

W pracach dekoracyjnych o charakterze użytkowym „harmonia koloru” nie jest często używana, więc w tej pracy nie poświęca się jej wiele uwagi.

c) Kompozycje proporcji barw. Budowa kompozycji kolorystycznej zgodnie z zasadą korelacji barw sprowadza się do wyboru kilku barw, rozpatrywanych w określonej kolejności i tworzących harmonijny „akord”.

Charakter wpływu takiej kompozycji na osobę zależy od stopnia zróżnicowania odcienia, nasycenia i jasności, a także od ilości każdego koloru i jego umiejscowienia. Czasami w takiej harmonii każdy kolor z osobna wydaje się brzydki, ale w zestawieniu z innymi kolorami nabiera innego znaczenia.

W przeciwieństwie do harmonii koloru, dodanie dowolnego koloru, a także wyłączenie jednego z kolorów, diametralnie zmienia charakter kompozycji i jej oddziaływanie.

Rysunek Skład proporcji kolorów

Wielkość i kształt plam barwnych zależy od charakteru wybranego kształtu. Na przykład równoległościan łatwiej odkształca się za pomocą plam, które podążają za konturami jego krawędzi lub przekątnych. Innym przykładem deformacji kształtu jest kamuflaż wojskowy. Nadmiernie małe plamki mogą odtworzyć efekt tekstury lub tekstury bez niszczenia objętości.

Właściwości przestrzenne koloru zależą od percepcji z lotu ptaka: jasne, ciepłe i kontrastowe zestawienia są typowe dla pierwszego planu, zimne - dla odległych planów. W rzeczywistych warunkach po usunięciu współczynniki kontrastu łagodzą, ciemne kolory rozjaśniają się, jasne kolory tracą nasycenie.

Przed przystąpieniem do pracy z kolorem wskazane jest, aby uczniowie naszkicowali kompozycję w wersji linearnej na małym papierze. Należy upewnić się, że proporcje kompozycyjne są harmonijne, integralność i wyrazistość kompozycji. Kolor może nieznacznie zmienić postrzeganie kompozycji, więc na kolejnym etapie pracy uczniowie wykonują kolorowe szkice najbardziej udanej kompozycji: powinno być kilka opcji. Dopiero po zatwierdzeniu szkicu studenci przystępują do pracy nad kompozycją w technice layoutu.

układy krajobrazowe

Architektura to sztuczne środowisko stworzone przez człowieka dla siebie. Człowiek opanował naturalne pejzaże, ukształtował je i przekształcił przestrzennie. Ogromne znaczenie dla przyszłego architekta ma możliwość plastycznego opracowania płaszczyzny poziomej układu – podmodelu.

Podmodel służy jako model powierzchni Ziemi. Może być wykonywany jako warunkowo płaska powierzchnia i jako teren. W pierwszym przypadku ustalamy wielkość podmodelu i wykonujemy fałdy od 2 do 5 mm na jego końcach, w zależności od wielkości powierzchni, oraz sklejamy na rogach tak, aby uzyskać cienką blachę. W drugim przypadku, gdy konieczne jest pokazanie złożonego reliefu, warunkowo dzielimy relief płaszczyznami poziomymi w regularnych odstępach i montujemy je jedna nad drugą.

Istnieje wiele sposobów na pokazanie reliefu w układzie. Przyjrzyjmy się niektórym z nich. Jeśli układ jest wykonany z grubej tektury, a relief jest wystarczająco płaski, płaszczyzny reliefowe można skleić jedna na drugiej. Jeśli układ jest wykonany z papieru, a kąt przyłożenia jest wystarczająco duży, lepiej jest wykonać go z oddzielnych płaszczyzn uniesionych jedna nad drugą. Aby to zrobić, możesz użyć pasków papieru o grubości około 5 mm, złożonego „akordeon” i przyklejonego do krawędzi. Najpierw nakładamy klej PVA na jedną końcową stronę „harmonijki” i przyklejamy go do powierzchni przekroju, a następnie na drugą i układamy na podstawie układu. Taki sposób wyświetlania reliefu pozwala nam uzyskać schodkową powierzchnię podmodelu.

Jeśli konieczne jest wykonanie gładkiej linii reliefowej, postępuj w inny sposób. Paski papieru są cięte w formie poziomych o pożądanej wysokości i przyklejane do nich pogniecioną kalką lub papierem. Same poziomy są sklejane w sposób opisany powyżej. Wskazane jest rozpoczęcie pracy nad układem od szkicu ołówkiem, w którym należy narysować charakter reliefu i rozważyć rozmieszczenie wszystkich elementów: głównego i drugorzędnego.

Wykonując relief jako złożoną kompozycję trójwymiarową (układ krajobrazowy), powinieneś już mieć umiejętności układania. Wymagania dotyczące kompozycji krajobrazu są takie same, jak ogólnie dla kompozycji przestrzenno-kubaturowej. Mianowicie: gotowy układ musi mieć integralność kompozycyjną, wyrazistość i figuratywność. Ponadto układ krajobrazowy przewiduje organizację ruchu człowieka. Skalę obrazu w makiecie można oddać za pomocą rzeczywistych obiektów, takich jak drzewa, domy, bruk itp. W warunkowym języku makiety elementy otoczenia przybierają warunkową formę obrazu. Kształt drzew, krzewów i innych elementów powinien podkreślać ogólną ideę artystyczną tkwiącą w wizerunku projektowanego obiektu.

Kolor pomaga wyrazić nastrój, kształt przestrzeni, zorganizować ruch. Wybierając kolor, lepiej jest używać stonowanych odcieni i kolorów. Jasne kolory przełamują skalę form przestrzennych. Bruk jest przedstawiony prosto i naturalnie: pocięte kawałki papieru imitujące kostkę nakleja się bezpośrednio na podstawę makiety.

Krzewy są przedstawiane jako zakrzywione lub wielokrotnie składane kawałki papieru umieszczone na krawędzi. Możesz obrabiać krawędzie pasków papieru małymi nacięciami, wtedy będą wyglądać bardziej przewiewnie. Im dokładniejsze studium drzew, tym bardziej konkretyzują one krajobraz.

Cele i zadania dyscypliny „Prototypowanie”. Podstawowe pojęcia i definicje. Zapoznanie z podstawami przedmiotów, narzędzi, technik wykonywania modeli papierowych Naturalne i sztuczne

Narzędzia użyte w makiecie muszą być dobrej jakości, to jest klucz do sukcesu w realizacji makiety. Jednocześnie należy zauważyć, że dokładny rysunek i czyste wykonanie części i rozwiertaków są ważnymi czynnikami.

Praca graficzna 1

WITRAŻ

Kompozycje frontalne odgrywają bardzo istotną rolę w organizacji zarówno wewnętrznej, jak i zewnętrznej przestrzeni architektonicznej. Do najczęstszych kompozycji frontowych należą płaskorzeźby, różne płyciny i witraże.

Obecnie istnieje wiele różnych technik witrażowych. Każda technika ma swoje zalety i wady. Techniki te wykorzystują szkło, elementy fusingowe, szkło fazowane, specjalne folie, elementy metalowe, a także różne metody chemicznego trawienia szkła, piaskowania, malowania szkła.

Aby imitować witraż, najbardziej odpowiednia jest technika aplikacji (rysunek). Zastosowanie błyszczącego papieru szczególnie wzmacnia efekt szklanej powierzchni. Jednocześnie zastosowanie kleju w sztyfcie, w przeciwieństwie do PVA i kleju biurowego, daje bardziej równą powierzchnię przyszłego układu witrażowego.

Tematykę utworu ustala student w porozumieniu z prowadzącym.

Szkic wykonywany jest w wersji graficznej (liniowej) oraz dwóch podwariantach kolorystycznych. Wykonując ostateczny szkic kolorystyczny, konieczne jest zidentyfikowanie centrum kompozycyjnego.

Rysunek - Praca wykonana w technice aplikacji

Obrazek - . Przykład pracy graficznej 1 „Witraż”

Obrazek -

Praca graficzna 2

Skład czcionki

Rymowanka - powtarzające się elementy, które wyznaczają rytm napisu. Może to być dokładne powtórzenie, odbicie lustrzane, pozioma lub pionowa wspólna dla kilku elementów, nie powtarzająca się, ale podobna forma itp. Graficzna rymowanka działa dokładnie w ten sam sposób. jako poetycki: jest łatwy do odczytania i łatwy do zapamiętania, dzięki czemu znak lub wypadek są rozpoznawalne.

Obrazek - . Dokładne powtórzenie w kompozycji czcionki

Rysunek – Korzystanie z tych samych ozdobnych krzywizn i zakończeń liter

Rysunek - Ogólna ukośna linia dla kilku linii

Rysunek - Odbiór korzystania z cienia liter

Praca graficzna 3

Plastyczność powierzchni i faktura różnych materiałów. Ornament. płaskorzeźba

Zanim zaczniesz tworzyć złożone kompozycje, musisz zapoznać się z technikami i metodami ich modelowania. Wskazane jest rozpoczęcie badania plastyczności powierzchni od najprostszych kompozycji płaskorzeźbowych.

Ulga w architekturze – wypukły obraz, którego głównym celem jest nie tylko ozdobienie płaszczyzny, ale także podkreślenie planarnego charakteru kompozycji. Istnieją trzy rodzaje płaskorzeźby: płaskorzeźba - wypukły obraz wystający ponad płaszczyznę tła nie więcej niż o połowę objętości, wysoki relief - wystający o ponad połowę objętości, kontrrelief - obraz zakopany w stosunku do płaszczyzna tła.

Obrazek. Fragment płaskorzeźby katedry Chrystusa Zbawiciela

Uruchom na kartonie o wymiarach 105x297 układ trójwymiarowego ornamentu

Powierzchnie i rodzaje ich plastycznego rozwoju są niezwykle zróżnicowane. Wśród nich można wyróżnić rodzaje podziałów w postaci elementów wystających i tonących. Podział reliefu może być wysunięty i cofnięty, poziomy, pionowy i pochyły, a także o różnych kształtach: prosty, łamany, krzywoliniowy i mieszany.

Należy pamiętać, że przesunięcie elementu nad płaszczyzną musi być małe, w przeciwnym razie płaszczyzna zamieni się w objętość.

Obrazek -

Ornament to dekoracja artystyczna, wzór zbudowany na rytmicznej przemianie elementów geometrycznych lub obrazowych, przetłumaczony z łaciny - dekoracja. Ozdobami są wstążki, dywany z wyraźną przemiennością tego samego rodzaju form, często o geometrycznym wzorze, oraz „heraldyczne” o symetrycznym wzorze.

Obrazek. Przykład rytmicznej alternacji

Obrazek -

Praca graficzna 4

Skład wolumetryczny

Cechy budowania kompozycji objętościowej

Pracując nad trzecim zadaniem graficznym, uczniowie muszą narysować trójwymiarową kompozycję.

Trójwymiarowa kompozycja składa się z części i elementów, które są proporcjonalnie rozwinięte we wszystkich trzech współrzędnych - pod względem długości, szerokości i wysokości. To właśnie trójwymiarowość jest cechą wyróżniającą taką kompozycję. Wymagania dla tego typu kompozycji są takie same jak dla kompozycji frontalnej - tworzenie jedności, wyrazistość kompozycji, jej integralność, kompletność, równowaga. Podobnie jak w kompozycji frontalnej, elementy trójwymiarowej kompozycji mogą sąsiadować ze sobą, znajdować się jeden na drugim, zderzać się ze sobą lub znajdować się w pewnej odległości od siebie. W tym drugim przypadku nie możemy zapominać, że odstępy między elementami muszą być na tyle małe, aby kompozycja nie rozpadła się na kilka oddzielnych części, ale wyglądała na kompletną. Należy wykonać abstrakcyjną kompozycję trójwymiarową, ponieważ. modelowanie abstrakcyjne pomaga odwrócić uwagę od drugorzędnych właściwości obiektu otoczenia i ujawnić istotne wizualnie parametry przestrzeni.

Kombinację trójwymiarowych form można zbudować z podobnych elementów lub z elementów o kontrastujących kształtach. W pierwszym przypadku otrzymujemy kompozycję integralną, w drugim – kompozycję opartą na zasadzie opozycji.

W kompozycji zbudowanej na kontraście często stosuje się podporządkowanie małych tomów jednej głównej dużej objętości, co ułatwia podkreślenie centrum kompozycyjnego; Można skontrastować formy prostoliniowe i krzywoliniowe.

W pierwszym etapie powstają szybkie szkice - małe szkice ołówkiem, zarówno w planie, jak iw perspektywie. Ponadto przemyślane są nie tylko główne parametry kształtu elementów, ich przecięcia i wstawki, ale także główna skala detali. Wymiary i złożoność konfiguracji części określają sposób wykonania układu: w niektórych przypadkach można użyć jednego skanu, o wiele bardziej odpowiednie jest zastosowanie metody kompilacji części.

Następnym krokiem są problemy z kolorami. Jeśli forma jest wystarczająco złożona, możliwe jest fundamentalne odrzucenie koloru lub kompozycji w jednym neutralnym kolorze. Jeśli masz wątpliwości co do własnych możliwości przy rozwiązywaniu problemów kolorystycznych, możesz skorzystać z achromatycznej gamy kolorów.

Samo wykonanie makiety odbywa się w dwóch etapach. Najpierw tworzony jest szkic lub układ roboczy. Na tym etapie określa się ogólne proporcje i proporcje form, określa się miejsca zapięcia lub wiązania, wybiera się gamę ogólnej kolorystyki kompozycji.

I dopiero wtedy układ jest demontowany i na jego podstawie powstaje ostateczna wersja.

Używanie kolorów achromatycznych w kompozycji

Kolory chromatyczne w kompozycji

Praca graficzna 5

Kompozycja głębokiej przestrzeni

Praca graficzna 6

układ krajobrazowy

W układach planistycznych powierzchnie wody są dość powszechne. Wykonuje się je przede wszystkim przed przyklejeniem reliefu. Pierwsza pozioma kreska naklejona na makiecie powinna nieco zachodzić na powierzchnię wody.

Materiały do ​​produkcji powierzchni wodnych mogą służyć jako szkło organiczne, celuloid, cellon, blacha aluminiowa, kalka, papier fotograficzny itp.

Najlepszym materiałem do wykonania powierzchni wodnych jest przezroczyste szkło organiczne.

Celuloid arkuszowy (lub cellon) jest używany jako przezroczysty z późniejszym zabarwieniem od wewnątrz lub czarnym. Przy grubości materiału od 0,5 do 1 mm nie zaleca się wykonywania dużej powierzchni, ponieważ ta ostatnia może być nierówna.

Kiedy widzimy linię, chcemy ją kontynuować, aby dowiedzieć się, dokąd prowadzi, ponieważ z natury jesteśmy bardzo ciekawi. Oznacza to, że bardzo ważną częścią kompozycji są linie. Patrząc na poszczególne linie trudno określić ich kierunek, ale na zdjęciu możemy skupić się na krawędziach kadru. Uwzględnienie interakcji linii z formatem ramki pozwala na ich bardzo efektywne wykorzystanie.

Kierunek

Wykorzystanie linii w kompozycji, ich położenie i kierunek odgrywa ogromną rolę w tym, jak postrzegamy obraz.

Kontury

Linie, które przecinają ramę poziomo, są zwykle uważane za pasywne. Jesteśmy tak przyzwyczajeni do widzenia horyzontu w życiu codziennym, że poziome linie w kadrze dają nam poczucie stabilności i spokoju. Oglądanie obrazu od lewej do prawej (lub od prawej do lewej) jest najbardziej naturalne i znajome, a przyczyniają się do tego poziomy.

pionów

Linie, które przecinają obraz w pionie i dają mu więcej ruchu niż linie poziome. Ponieważ pionki przerywają spokojne linie poziome, mogą sprawić, że zdjęcie będzie mniej przyjemne dla oka i bardziej tajemnicze. Zastosowanie pionowych linii zmusza widza do oglądania kompozycji od dołu do góry, co jest mniej komfortowe niż studiowanie dzieła wzdłuż osi poziomej.

Przekątne

Linie przecinające obraz po przekątnej mają bardziej złożony efekt. Są bardziej dynamiczne niż poziome i pionowe, dzięki czemu nadają obrazowi energię i poczucie głębi.

linie zbieżne

Dwie lub więcej zbiegających się linii nadają Twojej pracy wrażenie znacznej głębi. Jest to klasyczny sposób na dodanie perspektywy do obrazu 2D, ponieważ znamy efekt zmniejszania się obiektów w oddali.

Korzystanie z linii pomocniczych

Klasyczna technika kompozycyjna polega na wykorzystaniu przekątnych lub zbiegających się linii, aby wciągnąć wzrok widza w głąb obrazu. Najczęściej stosuje się linie, które są wynikiem działalności człowieka, ponieważ są bardziej równe niż elementy środowiska naturalnego. Obiekty, takie jak drogi, ogrodzenia, ścieżki i ściany stanowią wyraźne linie w krajobrazie, podczas gdy obiekty naturalne, takie jak rzeki i formacje skalne, stanowią mniej wyraźną alternatywę. Linie wiodące można wykorzystać do przyciągnięcia oka widza do punktu centralnego; można je również wykorzystać samodzielnie do stworzenia bardziej tajemniczej lub graficznej kompozycji.