Kiedy powstał pierwszy teatr? Jak pojawił się teatr? Pojawienie się krajowych tradycji teatralnych

12.06.2019

Pierwsze przedstawienia teatralne odbywały się kiedyś na ulicy. Zasadniczo przedstawienia wystawiali podróżujący artyści. Mogli śpiewać, tańczyć, zakładać różne kostiumy, portretować zwierzęta. Każdy zrobił to, co potrafił najlepiej. Nowa forma sztuki stopniowo się rozwijała, aktorzy doskonalili swoje umiejętności.

Pierwszy teatr na świecie

Słowo „teatr” w tłumaczeniu z języka greckiego oznacza miejsce wystawiania spektakli i samo widowisko. Pierwsza taka instytucja kulturalna powstała podobno w Grecji. Stało się to w V-IV wieku p.n.e. mi. Epokę tę nazwano „klasyczną”. Charakteryzuje się harmonią i równowagą wszystkich elementów i komponentów. Teatr starożytnej Grecji powstał z kultu różnych bogów.

Teatr Dionizosa jest najstarszym budynkiem teatralnym. Bóg wina, roślinności i natury był bardzo czczony przez starożytnych Greków. Dionizosowi poświęcono kultowe rytuały, które stopniowo przekształciły się w prawdziwe tragedie i komedie. Rytualne uroczystości zamieniły się w prawdziwe przedstawienia teatralne. Konstrukcja była przestrzenią na świeżym powietrzu. Widzowie początkowo siedzieli na drewnianych siedzeniach. był tak czczony w starożytnej Grecji, że władze dawały biednym obywatelom pieniądze na występy. Zamężnym kobietom nie wolno było oglądać przedstawień.

Pierwsza świątynia sztuki składała się z trzech głównych części:

orkiestra – występowali tam tancerze i chór;
widownia – zlokalizowana wokół orkiestry;
Budynek Skena, w którym znajdowały się pokoje dla artystów.

Nie było kurtyny ani zwykłej sceny, a wszystkie role kobiece grali mężczyźni. Aktorzy podczas jednego przedstawienia kilkukrotnie zmieniali role, dlatego musieli znakomicie tańczyć i śpiewać. Wygląd aktorów zmieniono za pomocą masek. Obok budynku znajdowała się świątynia Dionizosa.

Teatr starożytny położył podwaliny i istotę teatru współczesnego. Najbliższy gatunek można nazwać teatrem dramatycznym. Z biegiem czasu pojawiało się coraz więcej różnych gatunków.

Gatunki teatralne

Gatunki teatralne we współczesnym świecie są tak różnorodne. Sztuka ta stanowi syntezę literatury, muzyki, choreografii, wokalu i sztuk wizualnych. Wyrażają różne emocje i sytuacje. Ludzkość stale się rozwija. W związku z tym pojawiają się różne gatunki. Zależą one od kraju, z którego pochodzą, od rozwoju kulturalnego ludności, od nastroju publiczności i jej potrzeb.

Wymieńmy niektóre rodzaje gatunków: dramat, komedia, monodram, wodewil, ekstrawagancja, parodia, mim, farsa, moralitet, pastoralny, musical, tragikomedia, melodramat i inne.

Gatunki sztuki teatralnej nie mogą ze sobą konkurować. Każdy z nich jest interesujący na swój sposób. Widzowie, którzy kochają teatr operowy, z nie mniejszą przyjemnością odwiedzają teatr komediowy.

Najpopularniejsze gatunki teatralne to dramat, komedia, tragikomedia, musical, parodia i wodewil.

W dramacie można zobaczyć zarówno momenty tragiczne, jak i komiczne. Obserwowanie pracy aktorów tutaj jest zawsze bardzo interesujące. Role tego gatunku nie są łatwe i łatwo angażują widza w empatię i analizę.

Celem przedstawień komediowych jest przede wszystkim rozśmieszenie publiczności. Aby ośmieszyć pewne sytuacje, aktorzy również muszą się bardzo postarać. W końcu widz musi im uwierzyć! Role komediowe są równie trudne do zagrania jak role dramatyczne. Element satyry ułatwia oglądanie spektaklu.

Tragedia zawsze wiąże się z sytuacją konfliktową i o tym jest spektakl. Gatunek ten jako jeden z pierwszych pojawił się w starożytnej Grecji. Podobnie jak komedia.

Musical ma wielu fanów. To zawsze świetna akcja z tańcem, piosenkami, ciekawą fabułą i dawką humoru. Drugą nazwą tego gatunku jest komedia muzyczna. W USA pojawił się pod koniec XIX wieku.

Odmiany

Rodzaje teatrów są bezpośrednio powiązane z gatunkami, które są w nich reprezentowane. Chociaż wyrażają nie tyle gatunek, co formę gry aktorskiej. Wymieńmy niektóre z nich:

operowy;
dramatyczny;
dziecięce;
autorski;
teatr jednoosobowy;
teatr światła;
komedia muzyczna;
teatr satyry;
teatr poetycki;
teatr tańca;
Muzyka pop;
teatr robotów;
balet;
teatr zwierząt;
teatr dla osób niepełnosprawnych;
poddany;
gra cieni;
teatr pantomimy;
teatr piosenki;
ulica.

Teatr Opery i Baletu

Opera i balet pojawiły się we Włoszech w okresie renesansu. Pierwszy pojawił się w Wenecji w 1637 roku. Balet wyłonił się we Francji jako odrębny gatunek teatralny, przekształcając się z tańców dworskich. Bardzo często tego typu teatry są łączone w jednym miejscu.

Operze i baletowi towarzyszy orkiestra symfoniczna. Muzyka staje się integralną częścią tych produkcji. Oddaje nastrój i atmosferę wszystkiego, co dzieje się na scenie i podkreśla grę aktorów. Śpiewacy operowi pracują głosem i emocjami, a tancerze baletowi przekazują wszystko poprzez ruch. Teatry opery i baletu to zawsze najpiękniejsze instytucje teatralne. Mieszczą się one w najbogatszych budynkach miasta o unikalnej architekturze. Luksusowe wyposażenie, piękna kurtyna, duże orkiestrony – tak to wygląda od środka.

Teatr Dramatyczny

Tutaj główne miejsce zajmują aktorzy i reżyser. To oni tworzą osobowości bohaterów, przekształcając się w niezbędne obrazy. Reżyser przekazuje swoją wizję i kieruje zespołem. Teatr dramatyczny nazywany jest teatrem „doświadczeń”. K. S. Stanisławski pisał swoje dzieła studiując twórczość aktorów dramatycznych. Organizują nie tylko spektakle - zabawy o skomplikowanych fabułach. Teatr dramatyczny ma w swoim repertuarze komedie, musicale i inne przedstawienia muzyczne. Wszystkie spektakle oparte są wyłącznie na literaturze dramatycznej.

Teatr na każdy gust

Teatr Muzyczny to miejsce, w którym można obejrzeć każdy akt teatralny. Znajdują się tu opery, komedie, operetki, musicale i wszystkie te przedstawienia, które zawierają dużo muzyki. Pracują tu tancerze baletowi, muzycy i aktorzy. Teatr muzyczny łączy teatry opery, baletu i operetki. Każdy rodzaj sztuki teatralnej związany z muzyką popularną czy klasyczną może znaleźć w tym teatrze swoich fanów.

Przedstawienie kukiełkowe

To szczególne miejsce. Tutaj zanurzysz się w świat dzieciństwa i radości. Dekoracja jest tu zawsze kolorowa i przyciąga uwagę najmłodszych widzów. Teatr lalek jest często pierwszym teatrem, do którego uczęszczają dzieci. A od tego, jakie wrażenie zrobi na niedoświadczonym widzu, zależy od przyszłego stosunku dziecka do teatru. Różnorodne akcje teatralne opierają się na wykorzystaniu różnego rodzaju lalek.

Ostatnio aktorzy-lalkarze nie chowają się za ekranami, lecz wchodzą w interakcję z lalkami na scenie. Pomysł ten należy do słynnego S.V. Obraztsova. Włożył na rękę kukiełkę w rękawiczce o imieniu Tyapa i znakomicie grał na scenie miniatury, wcielając się w rolę swojego ojca.

Początki tego rodzaju teatru sięgają daleko w starożytną Grecję. Tworząc lalki do rytuałów, ludzie nie wiedzieli, że rozwinie się to w prawdziwą sztukę. Teatr lalek to nie tylko wstęp do sztuki, ale także metoda psychologicznej korekty najmłodszych.

Teatr Komedia

Połączeni aktorzy, którzy potrafią śpiewać i tańczyć. Powinny łatwo przyzwyczaić się do postaci komediowych i nie bać się być zabawnymi. Bardzo często można zobaczyć „Teatry Dramatu i Komedii”, „Teatry Komedii Muzycznej”. Połączenie kilku gatunków w jednym teatrze nie przeszkadza w zachowaniu jego pikanterii. W repertuarze mogą znajdować się operetki, komedie satyryczne, musicale, dramaty i przedstawienia muzyczne dla dzieci. Ludzie z przyjemnością chodzą do teatru komediowego. Sala jest zawsze pełna.

Teatrzyk rewiowy

Uzupełnienie typów teatrów stosunkowo niedawno. A publiczność od razu się w nim zakochała. Pierwszy teatr popowy pojawił się w połowie ubiegłego wieku. Stał się teatrem w Leningradzie, który został otwarty w 1939 roku. W 2002 roku otrzymał nazwę „Teatr Rozmaitości im. AI Raikin.” Różnorodni artyści to współcześni piosenkarze, tancerze i prezenterzy. Artyści różnorodni to gwiazdy show-biznesu, tancerze i showmani, jak się ich obecnie nazywa.

W różnych teatrach często odbywają się koncerty solowe, koncerty poświęcone pamiętnym datom i występy współczesnych autorów. Humoryści organizują tu koncerty, sceniczne przedstawienia komiksowe i przedstawienia dzieł klasycznych. Teatr muzyczny może oferować podobne przedstawienia.

Teatr Satyry

Bardzo kochamy publiczność! Od chwili pojawienia się odzwierciedla życie mieszczan, pokazując wszystkie niedociągnięcia i ośmieszając je. Aktorzy byli zawsze znani z widzenia, grali doskonałe role komiczne nie tylko na scenie, ale także w filmach. Teatry satyryczne zawsze znajdowały się w czołówce tych, którym zakazano wystawiania niektórych przedstawień. Było to spowodowane cenzurą. Wyśmiewając negatywne aspekty ludzkich zachowań, często można było przekroczyć granicę dopuszczalności. Zakazy przyciągnęły jeszcze więcej widzów. Wspaniali aktorzy teatru satyrycznego, którzy są dobrze znani: A. A. Mironow, Olga Aroseva, Spartak Mishulin, Michaił Derzhavin, Alexander Shirvindt. Dzięki tym ludziom teatry satyryczne pokochały publiczność.

Z biegiem czasu pojawiają się typy teatrów, które albo już dawno zostały zapomniane, albo zupełnie nie przypominają niczego, co istnieje.

Nowe trendy

Nowe typy świątyń sztuki zaskakują najbardziej wyrafinowanego widza. Niedawno w Polsce pojawił się pierwszy Teatr Robotów. Przedstawia aktorów-robotów, którzy za pomocą oczu i gestów przekazują swoje emocje. Spektakle przeznaczone są obecnie dla dziecięcej widowni, jednak liderzy projektu zamierzają stale poszerzać repertuar.

Latem przedstawienia teatralne odbywają się na świeżym powietrzu. Stało się to już tradycją. W tym roku wiele festiwali odbyło się na świeżym powietrzu. Tuż obok teatrów zbudowano małe sceny, na których odbywało się całe przedstawienie. Nawet artyści opery i baletu wychodzą już poza teatr, aby przyciągnąć jak najwięcej widzów.

Spróbujmy wyobrazić sobie sztukę światową bez teatru. Z takiej myśli natychmiast znika jasne zrozumienie, czym w zasadzie jest sztuka. Jeśli usuniesz przynajmniej jeden aspekt kreatywności, sztuka całkowicie zniknie, ponieważ jest integralna. Teatr syntetyzuje wszystkie aspekty twórcze: muzykę, malarstwo, architekturę, ekspresyjne środki literatury i ekspresyjne środki człowieka, hojnie mu obdarzone przez naturę.

Ponadto, będąc naturalnie integralną częścią kultury, teatr staje się sposobem spędzania wolnego czasu, bez którego współczesny człowiek nie może się obejść. Ludzie potrzebują chleba i igrzysk. I to jest właściwie jedno z zadań funkcjonalnych teatru, co staje się oczywiste, jeśli zrozumie się pochodzenie tego terminu.
Pojęcie „teatru” pochodzi z języka greckiego. „teatron” – co dosłownie oznacza miejsce na spektakle, samo widowisko. Idea teatru pojawiła się w starożytnej Grecji i dopiero wówczas umocniła się i zapuściła potężne korzenie w sferę sztuki w takim znaczeniu, do jakiego jesteśmy przyzwyczajeni. Początkowo narodziny teatru łączono z rytualnymi zabawami poświęconymi bogom patronom rolnictwa: Demeter, jej córce Kore, Dionizosowi. Na tę ostatnią, z całego panteonu Bogów, Grecy zwracali szczególną uwagę. Dionizos był uważany za boga twórczych sił natury, winiarstwa, a później nazywany nawet bogiem poezji i teatru. W poświęcone mu święta śpiewano uroczyste pieśni karnawałowe, orszak w kostiumach zorganizował świąteczną procesję, posmarował twarze fusami z wina, założył maski i kozie skóry (w ten sposób okazując szacunek Bogu, był przedstawiany w postaci kozła ). To tu zaczął się teatr. Z gier rytualnych wyrosły gatunki: tragedia i komedia, które są podstawą dramaturgii. Ciekawostką jest to, że w teatrze greckim wszystkie role grali wyłącznie mężczyźni. Aktorzy, których na scenie było dwóch, występowali w ogromnych maskach i na buskinsach (butach na wysokiej platformie). Nie było żadnych dekoracji. Kobiety w wyjątkowych przypadkach mogły uczestniczyć w przedstawieniach i z reguły siedziały oddzielnie od mężczyzn.
O ile w starożytnej Grecji teatr był sprawą państwową, dramatopisarze i aktorzy byli szanowanymi obywatelami i mogli zajmować wysokie stanowiska publiczne, o tyle w czasach Cesarstwa Rzymskiego publiczny status sztuki teatralnej znacznie się pogorszył. Organizowano występy, kładąc główny nacisk na rozrywkę. Wkrótce zaczęto je całkowicie zastępować walkami gladiatorów, które odbywały się w Koloseum i innych budynkach teatralnych. Odbywały się tam także krwawsze widowiska – masowe polowania, sztuki walki ze zwierzętami, publiczne rozrywanie skazanych przestępców przez dzikie zwierzęta. W tym czasie sztuka teatralna całkowicie straciła związek z rytuałem i jej sakralnym charakterem, a aktorzy przesunęli się z szanowanych obywateli do najniższych warstw społeczeństwa.

Teatr średniowieczny

Teatr średniowieczny lub zachodnioeuropejski obejmuje ogromny okres rozwoju sztuki teatralnej - dziesięć wieków: od V do XI wieku. (wczesne średniowiecze) i od XII do XV wieku. (okres rozwiniętego feudalizmu). Jej rozwój jest zdeterminowany ogólnym historycznym procesem rozwoju cywilizacji i jest nierozerwalnie związany z jego tendencjami.
Średniowiecze było jednym z najtrudniejszych i najciemniejszych okresów w historii. Po upadku Cesarstwa Rzymskiego w V w. starożytna cywilizacja została praktycznie zmieciona z powierzchni ziemi. Młoda religia chrześcijańska, jak każda ideologia na swoim wczesnym etapie, zrodziła fanatyków, którzy walczyli ze starożytną pogańską kulturą i teatrem, uważając ją także za relikt pogaństwa. W tym okresie nadeszły trudne czasy dla sztuki w ogóle, a zwłaszcza dla teatru.
Pierwsi ideolodzy chrześcijaństwa: Jan Chryzostom, Cyprian i Tertulian nazywali aktorów dziećmi szatana, a widzów – zagubionymi duszami. Zamknięto wszystkie dotychczasowe teatry świeckie, wyklęto wszystkich aktorów, muzyków, żonglerów, cyrkowców i tancerzy. Sztuki performatywne zostały uznane za herezję i objęte inkwizycją. Wydawać by się mogło, że pod takim reżimem teatr powinien zniknąć z powierzchni ziemi, a jednak przetrwał. W dużej mierze dzięki podróżującym zespołom, które przechadzały się po małych wioskach z improwizowanymi skeczami. A dzięki temu, że tradycje teatralne uparcie utrwalały się w ludowych zabawach rytualnych i rytuałach związanych z cyklem kalendarzowym. Państwo nie było w stanie wszystkiego śledzić, dlatego elementy teatru wyraźnie przedostały się przez prawo do tradycji rytualnych licznych wsi. Na przykład w krajach Europy Zachodniej i Wschodniej organizowano teatralne igrzyska majowe, symbolizujące zwycięstwo lata nad zimą i jesienne dożynki. Z czasem tradycyjne przedstawienia obrzędowe ulegały stopniowym przeobrażeniom, zawierały elementy folklorystyczne, coraz większe znaczenie zyskiwała artystyczna strona obrzędu, zbliżając się do współczesnej koncepcji teatru. Ludzie zaczęli wyróżniać się spośród innych i zaczęli bardziej profesjonalnie angażować się w gry i zajęcia. Z tego źródła wyrosła jedna z trzech głównych linii teatru średniowiecznego – ludowo-plebejski. Później ten wątek rozwinął się w przedstawieniach ulicznych i satyrycznych farsach.
Inną linią teatru średniowiecznego jest kościół feudalny. Wiąże się to ze zmianą stosunku Kościoła do sztuki teatralnej i zastąpieniem polityki prohibicyjnej polityką integracyjną. Około IX wieku Kościół, przegrawszy wojnę z pozostałościami pogaństwa i doceniając ideologiczny i propagandowy potencjał spektaklu, zaczął włączać do swojego arsenału elementy teatru. Temu okresowi przypisuje się zwykle pojawienie się dramatu liturgicznego. Teksty dramatu zaczerpnięto z pism ewangelicznych, wybrzmiałych po łacinie, a ich aktorskie wykonanie wyróżniało się formalnością, surowością i suchością, z pretekstem do katharsis. Jednak pomimo formalności przedstawienia dramat liturgiczny stał się dla teatru luką w legalizacji. W XII-XIII wieku do dramatu liturgicznego zaczęły przenikać elementy folkloru i życia codziennego, epizody komiczne i słownictwo ludowe. Już w 1210 roku papież Innocenty III wydał dekret zakazujący wystawiania dramatów liturgicznych w kościołach. Kościół nie chciał jednak rezygnować z tak potężnego środka przyciągania ludzkiej miłości. Dramat liturgiczny przekształcił się w dramat półliturgiczny. Była to pierwsza forma przejściowa od teatru religijnego do świeckiego. Włóczęgów – podróżujących tekściarzy, komediantów spośród księży i na wpół wykształconych seminarzystów – można również uznać za formę przejściową między ludowo-plebejską a feudalno-kościelną linią rozwoju średniowiecznego teatru. Ich pojawienie się wynika z dramatu liturgicznego - występów włóczęgów, z reguły satyrycznie parodiowanych liturgii, rytuałów kościelnych, a nawet modlitw, zastępując ideę pokory i poddania się Bogu gloryfikacją ziemskich cielesnych radości. Włóczędzy byli prześladowani przez Kościół ze szczególnym okrucieństwem. Do XIII wieku. praktycznie zniknęły.
Trzecią linią rozwoju teatru średniowiecznego jest linia mieszczańska. W średniowieczu pojawiały się izolowane, nieśmiałe próby tworzenia świeckiego dramatu. Jedną z pierwszych form teatru świeckiego były koła poetyckie Puy, które początkowo miały charakter religijno-propagandowy, później stały się świeckie. Członek Arras „Puy”, francuski truveur (muzyk, poeta i piosenkarz) Adam de La Halle, napisał pierwsze średniowieczne sztuki świeckie – „Gra w altanie” i „Gra Robina i Marion”. Był to właściwie jedyny świecki dramaturg wczesnego średniowiecza, nie ma więc co mówić o żadnych nurtach.

Teatr renesansowy

W okresie renesansu zmiany w dziedzinie sztuki wiążą się z przemianą ogólnej doktryny ideologicznej: od ascezy i fanatyzmu średniowiecza do harmonii, wolności i harmonijnego rozwoju osobowości renesansu. Już samo określenie (renesans francuski – odrodzenie) głosi podstawową zasadę: powrót do klasycznych przykładów sztuki antycznej. Teatr, który był praktycznie zakazany przez około tysiąc lat, szczególnie gwałtownie rozwinął się w okresie renesansu. Zmiany nastąpiły we wszystkich aspektach życia teatralnego: pojawiły się nowe gatunki, formy, zawody teatralne. Wynika to nie tylko ze zmian klimatu społecznego, ale także z jednej z jego najważniejszych konsekwencji – rozwoju nauki i technologii.
Najważniejszym czynnikiem, który wpłynął na rozwój ówczesnego teatru, była nowo rozpoczęta budowa budynków teatralnych. Wynaleziono i wdrożono zasadniczo nowy typ budynku teatralnego - szeregowy lub wielopoziomowy. Dało to sztuce teatralnej nowe możliwości, także akustyczne. W rezultacie doprowadziło to do powstania i szybkiego rozwoju nowych form teatralnych - klasycznej opery i baletu. Nowa koncepcja konstrukcji teatralnej traktowała scenę i widownię jako jedną całość, dlatego impuls do rozwoju otrzymały nowe zasady sztuki teatralnej i dekoracyjnej - tworzenie malowniczej scenerii z perspektywą. Pojawienie się krytych budynków teatralnych w nowy sposób postawiło przed teatrem techniczne i artystyczne wyzwania związane z oświetleniem scenicznym – nie można było już grać wyłącznie przy świetle dziennym. Nowe trendy techniczne wymagały ich praktycznego wdrożenia. Dzięki temu rozwinęło się wiele nowych zawodów teatralnych: operatorzy scen, dekoratorzy, akustycy, graficy, projektanci oświetlenia itp.
Dramatyczne zmiany zaszły także w organizacji przedstawień teatralnych: w okresie renesansu teatr po raz pierwszy w historii stanął przed palącym problemem rywalizacji o widzów. Kiedy w mieście istnieje jednocześnie kilka budynków teatralnych, a jednocześnie na placu występuje trupa podróżujących komików, potencjalni widzowie mają realną alternatywę. Tym samym konkurencja w dużej mierze determinowała rozwój różnych gatunków i typów sztuki teatralnej w okresie renesansu. Na przykład we Włoszech największym sukcesem cieszyła się młoda opera i obszar improwizowanego teatru masek (commedia dell'arte). W Anglii otwierano kolejno publiczne teatry dramatyczne (Globe, Curtain, Rose, Swan, Fortune i in.). W Hiszpanii teatr religijny – autosakramentalny – nadal cieszył się ogromnym powodzeniem. W Niemczech aktywnie rozwijała się sztuka mistrzów śpiewu - fastnachtspiel (przedstawienia na Mardi Gras) i farsy. W Europie wyraźnie dało się odczuć oznaki integracji geograficznej i wzajemnego oddziaływania sztuki teatralnej różnych krajów: rosnąca konkurencja o widzów doprowadziła do powszechnej praktyki „objazdowej” mobilnych zespołów aktorskich (głównie włoskich i angielskich).
W pewnym sensie teatr w okresie renesansu osiągnął szczyt swojego rozwoju, opanowując niemal wszystkie możliwe gatunki, typy i kierunki. Jednocześnie powstały dwa główne typy teatrów: teatr repertuarowy (kiedy stała trupa aktorska wystawia spektakle oparte na twórczości różnych dramaturgów) i teatr przedsiębiorczości (kiedy różni specjaliści zbierają się specjalnie dla określonego projektu teatralnego). Dalej, niemal do końca XIX w. Rozwój teatru nastąpił głównie pod wpływem zmiany nurtów estetycznych: klasycyzmu, oświecenia, romantyzmu, sentymentalizmu, symbolizmu, naturalizmu, realizmu itp.

Nowoczesny teatr

Transformację teatru w XIX wieku zdeterminowała rewolucja naukowo-techniczna, a w szczególności pojawienie się kina. Za konkurentów teatru uznano początkowo kino, a później telewizję. Teatr jednak się nie poddał, był koniec XIX – początek XX wieku. charakteryzuje się szczególną intensywnością w poszukiwaniu nowych środków wyrazu teatralnego. W tym czasie pojawił się nowy zawód teatralny, który dziś stał się głównym w teatrze - zawód reżysera. Jeśli teatr wszystkich minionych stuleci można słusznie nazwać teatrem aktorskim, to od początku XX wieku. Nadeszła nowa era – teatr reżyserski. Wyłania się zasadniczo nowa koncepcja sztuki teatralnej: samo profesjonalne wykonanie spektaklu (aktorstwo, scenografia, efekty dźwiękowe i świetlne itp.) nie wystarczy, konieczne jest ich organiczne połączenie, zlanie się w jedną całość. W konsekwencji do teorii i praktyki teatru włączają się nowe podstawowe pojęcia: ogólna koncepcja spektaklu, superzadanie, całościowa akcja, zespół aktorski, decyzja reżysera itp.
Nowa koncepcja teatru okazała się niezwykle owocna w odniesieniu do wszystkich kierunków estetycznych. Szczególnie wyraźnie widać to na przykładzie systemów teatralnych K.S. Stanisławski, a także M.A. Czechow, aktywnie rozwijający się w Rosji na początku XX wieku. Potężna, definiująca zasada reżyserska czyni te systemy fundamentalnymi dla współczesnego teatru. Co więcej, reżyseria wyniosła sztukę aktorską na nowy etap, ustanawiając nowe zasady gry aktorskiej.Nowa koncepcja teatru reżyserskiego wywarła zasadniczy wpływ na kino: bardzo szybko postać reżysera filmowego z prostego organizatora procesu filmowego zmieniła się w w głównego autora, twórcę filmu. Można śmiało powiedzieć, że teatr reżyserski stanowi optymalną drogę do powrotu sakralności spektaklu teatralnego.

W naszej bibliotece znajdziesz

Słowo „teatr” jest tłumaczone z języka greckiego jako „spektakl” i „miejsce spektakli”.

„Spektakl”, „widz”, „wizja” to słowa pokrewne, mające ten sam rdzeń.

Czyli teatr to:

to, co widz ogląda: spektakle, koncerty, występy (koniecznie na scenie, aby spektakl można było zobaczyć z dowolnego miejsca na widowni);
gdzie widz ogląda: szczególne miejsce, budynek, w którym odbywa się przedstawienie teatralne.

Można więc powiedzieć: „Byliśmy w teatrze”. Możesz też powiedzieć: „Oglądaliśmy teatr”.

Powstanie teatru

Teatr powstał już w starożytności. W starożytnej Grecji zwyczajowo świętowano ważne wydarzenia: nadejście wiosny, żniwa. Grecy szczególnie kochali święto boga Dionizosa, który uosabiał siły natury, które zasypiają zimą i odradzają się wraz z pierwszymi promieniami słońca.

(Komentarz dla dorosłych: Z tą esencją Dionizosa związany jest także jego drugi hipostaza, bóg winogron i winiarstwa. Cały proces przetwarzania winogron, ich fermentacji i przekształcania w ekscytujące doświadczeniewino można uznać za metaforę śmierci i odrodzenia DionaJest.)

Ten festiwal radość i wolność, gdy więźniowie zostali zwolnieni za kaucją, dłużnicy zostali sami i nikogo nie aresztowano, aby każdy mógł wziąć udział w zabawie,Tak nazywano ją „Wielką Dionizją” i świętowano całkowite zwycięstwo wiosny nad zimą.

Ludzie śpiewali piosenki, przebierali się, zakładali maski i robili pluszaki. Początkowo święto odbywało się na placach miejskich, a następnie zaczęto budować specjalne konstrukcje architektoniczne do organizowania przedstawień.

Budynek teatru wzniesiono na zboczu wzgórza. U stóp znajdowała się okrągła platforma – orkiestra, na której występowali śpiewacy, recytatorzy i aktorzy. Za orkiestrą znajdowała się skena – namiot do przebierania się dla aktorów i rekwizytów.

Niektóre teatry były naprawdę ogromne i pod względem pojemności porównywalne z nowoczesnymi stadionami.

Starożytny grecki teatr położony w mieście Larisa na południowej stronie góry Furourio

W starożytnym teatrze greckim aktorami mogli być wyłącznie mężczyźni: grali zarówno role męskie, jak i żeńskie. Był to bardzo szanowany zawód. I bardzo trudne. Aktorzy musieli występować w specjalnych maskach (więcej szczegółów tutaj), widzowie nie widzieli mimiki ich twarzy, dlatego wszystkie emocje trzeba było oddać gestem i głosem.

Również aktorzy tragedii wyszli na scenę w specjalnych sandałach na wysokiej platformie - nazywano ich buskinami. Te wysokie sandały sprawiały, że chód był wolniejszy, bardziej dostojny i dumny, jak przystało na bohatera tragedii.

(Co ciekawe, w starożytnym Rzymie noszono wyłącznie kozakiaktorzy przedstawiający bogów i cesarzy, aby odróżnić się od aktorów przedstawiających zwykłych ludzi.

A pod tym linkiem można przeczytać opracowanie, które dowodzi odmiennego pochodzenia buskinsów: „Kiedy grecki tragik otrzymał rolę boga, musiał rozwiązać dylemat:<...>jak poruszać się po scenie? Sprowadzić bogów z piedestału na ziemię orkiestry, postawić ich na starożytnej scenie „na tym samym poziomie” z człowiekiem? Grecki VI-V wiek p.n.e mi. Nie uważałem, że można to zrobić z wizerunkami bogów. Wciąż był z nimi zbyt blisko związany więzami religijnymi. Aktorowi pozostaje tylko jedno wyjście: poruszać się po scenie wraz z cokołem, nie schodząc z niego. W tym celu cokół przecięto na dwie połowy i każdą z nich przywiązano do nogi. W ten sposób wynaleziono buskins.”)

Jak widać teatr przetrwał do dziś, zachowując podstawowe założenia. Wizyta w teatrze nadal trwa wakacje, A aktor i teraz gra na specjalnej stronie - scena- zanim widzowie, próbując pokazać całą gamę emocje jego postać.

Odeon Heroda Attyka i Sala Akustyczna Teatru Maryjskiego (Mariinsky-2 )

Starożytni greccy aktorzy i aktorzy sztuki „Cipollino” („Teatr Taganka”)

Teatr to wielki cud.Jak powiedziała jedna z bohaterek Tove Jansson: „teatr jest najważniejszą rzeczą na świecie, ponieważ pokazuje, kim każdy powinien być i o czym marzy – jednak wielu nie ma odwagi tego zrobić – i jacy są w życiu."

Teatr jest popularną i lubianą formą sztuki. Kupując bilety do teatru, nie możemy się doczekać przyjemności zobaczenia i usłyszenia naszych ulubionych artystów.
Teatr ma bardzo starą historię. Wiele wieków temu nasi przodkowie również cieszyli się tą cudowną sztuką. W społeczeństwie prymitywnym ludzie oczywiście nie wiedzieli, czym jest plakat i nie mieli pojęcia o zawodzie aktora, ale brali bezpośredni udział w przedstawieniach teatralnych. Nawet pogańskie rytuały tamtych czasów miały charakter przedstawienia teatralnego, będącego sposobem służenia bogom. Każdy ksiądz miał dar przemawiania publicznego i charyzmę.

W dobie starożytności teatr stopniowo tracił funkcję rytualną i nabywał charakteru rozrywkowego. W starożytnej Grecji podstawą fabuły przedstawień teatralnych były epizody z życia bogów Olimpu, a także wyczyny greckich bohaterów. Aktorzy i dramatopisarze w Grecji otrzymywali wysokie wyróżnienia, ale w Rzymie, wręcz przeciwnie, aktorzy nie byli szczególnie szanowani. W budynkach teatralnych odbywały się walki gladiatorów, igrzyska cyrkowe i krwawe widowiska, zastępując niemal całkowicie sztukę teatralną.

W średniowieczu przedstawienia teatralne były zakazane, gdyż Kościół chrześcijański widział w nich pozostałości pogańskich obrzędów i rytuałów. Aktorzy byli poddawani surowym prześladowaniom ze strony Inkwizycji, a oglądanie przedstawień teatralnych karane było ekskomuniką. Wszystkie teatry były zamknięte, więc aktorzy zjednoczyli się w wędrowne trupy i pokazywali swoją sztukę w małych wioskach.

W okresie renesansu wpływ Kościoła na wszystkie sfery życia ludzkiego osłabł i rozpoczęło się przejście od ideałów ascezy do wolności indywidualnej i humanizmu. Aktywnie rozwijała się nauka i wszystkie dziedziny sztuki. Szczególnie szybki rozwój teatru: pojawiły się zadaszone, piętrowe budynki teatralne, rozwinęła się technologia sceniczna, w związku z czym powstały nowe specjalizacje teatralne: operator sceniczny, akustyk, projektant oświetlenia i inni, pojawiły się nowe gatunki sztuki teatralnej, w szczególności klasyczna opera.

Koniec XIX – początek XX wieku charakteryzuje się orientacją na harmonijne połączenie wszystkich elementów przedstawienia. Stało się to możliwe dzięki pojawieniu się zawodu reżysera i przejściu sztuk performatywnych na nowy poziom. Dużą rolę odegrała w tym szkoła aktorska K.S. Stanisławski.

Teraz teatr jest wielogatunkowy. Zmieniło się samo podejście do spektaklu teatralnego: obejmuje muzykę, instalacje, skomplikowaną maszynerię scenograficzną i projekcje. Nawet garnitur może stać się przedmiotem sztuki.
Zmieniła się także muzyka w teatrze. Wiele produkcji przypomina bardziej musicale z elementami interaktywnymi: widzów można łatwo zaprosić do udziału w wydarzeniach, zaśpiewania czegoś lub nawet odegrania mniejszej roli.

Teatr pozostaje gatunkiem żywym, stale wzbogaca się o nowe elementy – i to jest gwarancja, że będzie żył i rozwijał się.

Teatr (gr. θέατρον – główne znaczenie to miejsce spektakli, następnie – spektakl, od θεάομαι – patrzę, widzę) – widowiskowa forma sztuki, będąca syntezą różnych sztuk – literatury, muzyki, choreografii, wokalu, sztuki wizualne i inne i ma swoją specyfikę: odbicie rzeczywistości, konfliktów, postaci, a także ich interpretację i ocenę, akceptacja pewnych idei następuje tu poprzez akcję dramatyczną, której głównym nośnikiem jest aktor.

Ogólne pojęcie „teatru” obejmuje jego różne typy: teatr dramatyczny, operę, balet, teatr lalek, teatr pantomimy itp.

Teatr był przez cały czas sztuką zbiorową; We współczesnym teatrze oprócz aktorów i reżysera (dyrygenta, choreografa) w tworzenie spektaklu biorą udział scenograf, kompozytor, choreograf, a także rekwizytorzy, projektanci kostiumów, charakteryzatorzy, scenografowie i techników oświetlenia.

Rozwój teatru był zawsze nierozerwalnie związany z rozwojem społeczeństwa i stanem kultury jako całości – jego rozkwit lub upadek, dominacja określonych nurtów artystycznych w teatrze i jego rola w życiu duchowym kraju wiązały się z osobliwości rozwoju społecznego.

TEATR (od greckiego teatrron – miejsce spektaklu, spektakl), główny rodzaj sztuki rozrywkowej. Ogólna koncepcja teatru dzieli się na rodzaje sztuki teatralnej: teatr dramatyczny, opera, balet, teatr pantomimy itp. Pochodzenie tego terminu związane jest ze starożytnym teatrem greckim, gdzie tak nazywano siedzenia na widowni (od greckiego czasownika „theaomai” – patrzę). Jednak dziś znaczenie tego terminu jest niezwykle zróżnicowane. Jest dodatkowo stosowany w następujących przypadkach:

1. Teatr to budynek specjalnie zbudowany lub przystosowany do wystawiania spektakli („Teatr jest już pełny, loże lśnią” A.S. Puszkina).

2. Instytucja, przedsiębiorstwo zajmujące się wystawianiem przedstawień oraz cały zespół jej pracowników zajmujący się wypożyczaniem spektakli teatralnych (Teatr Mossovet, zwiedzanie Teatru Taganka itp.).

3. Zespół dzieł dramatycznych lub scenicznych, zorganizowanych według tej czy innej zasady (teatr Czechowa, teatr renesansowy, teatr japoński, teatr Marka Zacharowa itp.).

4. W przestarzałym znaczeniu (zachowanym jedynie w teatralnym argocie zawodowym) - scena, scena („Szlachetna bieda jest dobra tylko w teatrze” A.N. Ostrowskiego).

5. W sensie przenośnym - miejsce wszelkich bieżących wydarzeń (teatr działań wojennych, teatr anatomiczny).

Jak każda inna forma sztuki (muzyka, malarstwo, literatura), teatr ma swoje szczególne cechy. Jest to sztuka syntetyczna: na dzieło teatralne (performans) składa się tekst sztuki, dzieło reżysera, aktora, artysty i kompozytora. W operze i balecie muzyka odgrywa decydującą rolę.

Teatr jest sztuką zbiorową. Spektakl to efekt działania wielu osób, nie tylko tych, które pojawiają się na scenie, ale także tych, którzy szyją kostiumy, robią rekwizyty, ustawiają oświetlenie, pozdrawiają publiczność. Nie bez powodu istnieje definicja „pracowników warsztatów teatralnych”: spektakl to zarówno twórczość, jak i produkcja.

Teatr oferuje własny sposób rozumienia otaczającego nas świata, a co za tym idzie, własny zestaw środków artystycznych. Spektakl to zarówno specjalna akcja rozgrywająca się w przestrzeni sceny, jak i szczególne myślenie wyobrażeniowe, odmienne od np. muzyki.

Spektakl teatralny opiera się na tekście, tak jak sztuka na spektakl dramatyczny. Nawet w tych przedstawieniach scenicznych, w których nie ma słowa jako takiego, czasami potrzebny jest tekst; w szczególności balet, a czasem pantomima, ma scenariusz - libretto. Proces pracy nad spektaklem polega na przeniesieniu tekstu dramatycznego na scenę – jest to swego rodzaju „tłumaczenie” z jednego języka na drugi. W rezultacie słowo literackie staje się słowem scenicznym.

Pierwszą rzeczą, którą widz widzi po otwarciu (lub podniesieniu) kurtyny, jest przestrzeń sceniczna, w której umieszczona jest scenografia. Wskazują miejsce akcji, czas historyczny i odzwierciedlają barwę narodową. Za pomocą konstrukcji przestrzennych można nawet oddać nastrój bohaterów (np. w epizodzie cierpień bohatera pogrążyć scenę w ciemności lub zakryć jej tło czernią). Podczas akcji, za pomocą specjalnej techniki, zmienia się sceneria: dzień zamienia się w noc, zima w lato, ulica w pokój. Technika ta rozwinęła się wraz z myślą naukową ludzkości. Mechanizmy podnoszące, tarcze i włazy, które w starożytności były obsługiwane ręcznie, są obecnie podnoszone i opuszczane elektronicznie. Świece i lampy gazowe zastąpiono lampami elektrycznymi; Często wykorzystuje się także lasery.

Już w starożytności ukształtowały się dwa rodzaje scen i widowni: scena pudełkowa i scena amfiteatralna. Scena pudełkowa składa się z poziomów i stanowisk, a scena amfiteatru jest otoczona widzami z trzech stron. Obecnie oba typy są używane na świecie. Nowoczesna technologia umożliwia zmianę przestrzeni teatralnej - ustawienie podestu na środku widowni, posadzenie widza na scenie i przedstawienie spektaklu w sali.Budynek teatru zawsze przywiązywał dużą wagę. Teatry budowano zwykle na centralnym placu miasta; Architekci chcieli, aby budynki były piękne i przyciągały uwagę. Przychodząc do teatru widz odrywa się od codzienności, jakby wzniósł się ponad rzeczywistość. Dlatego to nie przypadek, że do holu często prowadzą schody ozdobione lustrami.

Muzyka pomaga zwiększyć emocjonalny wpływ przedstawienia dramatycznego. Czasami brzmi to nie tylko podczas akcji, ale także w przerwie - aby utrzymać zainteresowanie publiczności. Główną osobą w przedstawieniu jest aktor. Widz widzi przed sobą osobę, która w tajemniczy sposób zamieniła się w artystyczny obraz – wyjątkowe dzieło sztuki. Oczywiście dziełem sztuki nie jest sam wykonawca, ale jego rola. Jest dziełem aktora, stworzonym przez głos, nerwy i coś nieuchwytnego – ducha, duszę. Aby akcja na scenie mogła być postrzegana jako integralna, należy ją zorganizować przemyślanie i konsekwentnie. Te obowiązki we współczesnym teatrze pełni reżyser. Oczywiście wiele zależy od talentu aktorów spektaklu, niemniej jednak są oni podporządkowani woli lidera – reżysera. Ludzie, jak wiele wieków temu, przychodzą do teatru. Tekst spektakli brzmi ze sceny, przetworzony siłami i uczuciami wykonawców. Artyści prowadzą własny dialog – i to nie tylko werbalny. To rozmowa gestów, postaw, spojrzeń i mimiki. Wyobraźnia artysty-dekoratora za pomocą koloru, światła i konstrukcji architektonicznych na scenie sprawia, że przestrzeń sceniczna „mówi”. A wszystko razem zamyka się w ścisłych ramach reżyserskiego planu, który nadaje heterogenicznym elementom kompletność i integralność.

Widz świadomie (a czasem nieświadomie, jakby wbrew swojej woli) ocenia grę aktorską i reżyserię, zgodność rozwiązania przestrzeni teatralnej z ogólnym projektem. Ale najważniejsze, że on, widz, zapoznaje się ze sztuką, w odróżnieniu od innych, powstających tu i teraz. Rozumiejąc sens przedstawienia, pojmuje sens życia. Historia teatru trwa.

Rodzaje i gatunki sztuki teatralnej

VAUDEVILLE to rodzaj serialu komediowego z piosenkami wierszowanymi i tańcami. Pochodzi z Francji; z początku XIX wieku. otrzymał ogólnoeuropejską dystrybucję. Najlepsze prace charakteryzują się zabawą i aktualnym odzwierciedleniem rzeczywistości.

DRAMAT to jeden z wiodących gatunków dramatu, począwszy od Oświecenia, który przedstawia świat prawdziwego człowieka w jego dotkliwie sprzecznej, ale nie beznadziejnej relacji ze społeczeństwem lub samym sobą. W XX wieku Dramat wyróżniał się poważną treścią, odzwierciedlał różne aspekty życia ludzkiego i społeczeństwa, zgłębiał psychologię człowieka.

KOMEDIA to rodzaj dramatu, w którym akcja i postacie są interpretowane w formie komiksu. Podobnie jak tragedia, narodziła się w starożytnej Grecji z rytuałów towarzyszących procesjom ku czci boga Dionizosa. Komedia na trzeźwo badająca ludzką naturę, ośmieszająca ludzkie wady i błędne przekonania. Najlepsze przykłady tego gatunku wyróżniają się bezkompromisową analizą, ostrością i odwagą w ośmieszaniu wad społeczeństwa. Różne kraje opracowały własne wersje komedii. Znane są komedie „naukowe” włoskich humanistów i komedie hiszpańskie Lope de Vegi i Calderona, komedie angielskie renesansu, francuskie klasycystyczne komedie Oświecenia i rosyjska komedia realistyczna. Zgodnie z zasadą organizacji akcji wyróżnia się komedię postaci, sytuacji i idei. W zależności od rodzaju fabuły komedie mogą być codzienne i liryczne, a zgodnie z charakterem komiksu - humorystyczne, satyryczne.

MELODRAMA to sztuka z wyraźną intrygą, przesadną emocjonalnością, ostrym kontrastem dobra i zła oraz tendencją moralną i pouczającą. Powstał pod koniec XVII wieku. we Francji, w Rosji - w latach 20. XIX wiek

MIM to gatunek komediowy w starożytnym teatrze ludowym, krótkie improwizowane skecze o charakterze satyrycznym i rozrywkowym.

OPERA to gatunek sztuki muzyczno-dramatycznej, w którym treść ucieleśnia się za pomocą dramaturgii muzycznej, głównie poprzez muzykę wokalną. Literacką podstawą opery jest libretto. Ten gatunek muzyczny łączy w jedną całość poezję i sztukę dramatyczną, muzykę wokalną i instrumentalną, mimikę, taniec, malarstwo, scenografię i kostiumy.

TAJEMNICA to gatunek średniowiecznego zachodnioeuropejskiego teatru religijnego. Tajemnice przedstawiano na placach miast. Sceny religijne przeplatały się z przerywnikami.

MONODRAMA to utwór dramatyczny w wykonaniu jednego aktora.

MORALITE - gatunek teatru zachodnioeuropejskiego XV-XVI wieku, budujący dramat alegoryczny, którego bohaterowie uosabiali różne cnoty i wady.

MUSICAL to dzieło muzyczno-sceniczne, głównie o charakterze komediowym, wykorzystujące środki muzyki rozrywkowej i codziennej, sztuk dramatycznych, choreograficznych i operowych, gatunek powstał w USA pod koniec XIX wieku.

PARODIA – 1) gatunek teatralny, sceniczny, świadome naśladownictwo w celach satyrycznych, ironicznych i humorystycznych indywidualnego sposobu bycia, stylu, stereotypów mowy i zachowania; 2) zniekształcone podobieństwo czegoś.

PASTORALNE – opera, pantomima lub balet, którego fabuła wiąże się z wyidealizowanym przedstawieniem życia pasterskiego.

SOTI to gatunek komediowo-satyryczny francuskiego teatru XV-XVII wieku, rodzaj farsy.

TRAGEDIA (z greckiego „pieśń kozłów”) to rodzaj dramatu przesiąkniętego patosem tragizmu. W starożytności przedstawiał bezpośrednie życie bohaterów tragicznych wydarzeń; akcja przeważała nad historią. W okresie renesansu w sztukach odrzucono uznawaną za obowiązującą jedność akcji, często tragizm łączono z komizmem. Następnie tragedia jest ściśle regulowana: znowu panuje jedność akcji, miejsca i czasu; Istnieje rozgraniczenie pomiędzy komizmem a tragedią. We współczesnym teatrze tragedia w czystej postaci jest rzadkością. Podstawą tragedii są ostre konflikty społeczne, podstawowe problemy egzystencjalne, starcia jednostki z losem i społeczeństwem. Tragiczny konflikt zwykle kończy się śmiercią bohatera.

TRAGICOMEDY to utwór dramatyczny, który ma cechy zarówno komedii, jak i tragedii. Opiera się na poczuciu względności istniejących kryteriów życiowych; Dramaturg widzi to samo zjawisko zarówno w świetle komicznym, jak i tragicznym, charakterystycznym dla XX wieku.

Farsa - 1) rodzaj średniowiecznego zachodnioeuropejskiego teatru ludowego komedii codziennych o charakterze satyrycznym, który istniał w XIV-XVI wieku. Blisko niemieckiego fastnachtspiel, włoskiej komedii dell'arte itp.; 2) w teatrze XIX-XX wieku. komedia-wodewil o lekkiej treści z czysto zewnętrznymi technikami komiksowymi.

Extravaganza to gatunek przedstawień teatralnych, w których do fantastycznych scen wykorzystuje się efekty sceniczne. Pochodzi z Włoch w XVII wieku.

FLIAKI – ludowe przedstawienia teatralne w starożytnej Grecji, szczególnie rozpowszechnione w III-IV wieku. PNE. w koloniach greckich: krótkie improwizowane dowcipy i sceny z życia codziennego o wesołych przygodach bogów i bohaterów.

2. Teatr starożytnej Grecji.

Powstanie teatru w starożytnej Grecji.

Teatr to jedna z najstarszych sztuk. Jego korzenie zostały utracone w prymitywnym społeczeństwie. Teatr powstał z ludowych zabaw łowieckich i rolniczych o charakterze magicznym. Wierząc, że naśladowanie zwierzęcia, jego wyglądu i zwyczajów może mieć wpływ na wynik polowania, ludzie prymitywni organizowali tańce ludzi ubranych w zwierzęce skóry.

Wraz z pojawieniem się rolnictwa pojawiły się festiwale upamiętniające żniwa. Na festiwalu ku czci boga wina Dionizosa winiarze w kozich skórach przedstawiali różne epizody z życia Dionizosa i śpiewali o mocy winorośli, która daje radość.

Z tej pieśni ludzi w kozich skórach zrodziła się tragedia (tragos to po grecku „koza”).

Z tych samych świąt poświęconych Dionizosowi narodziła się komedia (od słowa komos - nieokiełznana zabawa). Komedia, w przeciwieństwie do poważnych i bolesnych tragedii, wywoływała śmiech.

Z biegiem czasu greckie przedstawienia teatralne straciły kontakt z kultem boga Dionizosa, opowiadały o życiu innych greckich bogów, bohaterów, a także zwykłych ludzi.

Struktura teatru w starożytnej Grecji.

Teatry w starożytnej Grecji budowano na świeżym powietrzu, na zboczach gór i wzgórz. Przeznaczone były dla kilku, a nawet kilkudziesięciu tysięcy widzów. Publiczność siedziała na kamiennych ławach podniesionych przez półki, zwrócona twarzą w stronę szerokiej okrągłej lub kwadratowej platformy – orkiestry.

Teatr grecki. W centrum znajduje się orkiestra. Na nim po prawej i lewej stronie znajduje się chór, pośrodku znajduje się posąg Dionizosa. Orkiestrę zamyka sköne – kryte pomieszczenie do przebierania się aktorów. Przed skene stoi trzech aktorów. Rysunek współczesnego artysty na podstawie wykopalisk teatru greckiego. W centrum znajduje się orkiestra. Na nim po prawej i lewej stronie znajduje się chór, pośrodku znajduje się posąg Dionizosa. Orkiestrę zamyka sköne – kryte pomieszczenie do przebierania się aktorów. Przed skene stoi trzech aktorów. Rysunek współczesnego artysty na podstawie danych wykopaliskowych

W skład orkiestry wchodzili aktorzy i chór, ubrani stosownie do sztuki.

Za orkiestrą znajdowało się pomieszczenie do przebierania się aktorów – skesh (stąd współczesna nazwa – scena). Aktorzy nosili w nim ubrania i duże, jaskrawe maski. Początkowo maski wykonywano z drewna, a następnie z płótna impregnowanego gipsem i pokrywanego farbą. Dzięki maskom wszyscy widzowie, nawet ci, którzy siedzieli bardzo daleko, mogli dostrzec „wyraz twarzy” odpowiadający akcji – żałobny, cierpiący, surowy, wesoły. Dodatkowo szeroko otwarte usta maski stworzyły coś w rodzaju megafonu, wzmacniającego głos aktora.

Wzrost aktora powiększono za pomocą tzw. buskinsów – sandałów z bardzo grubą podeszwą. Role kobiece w teatrze greckim odgrywali mężczyźni.

Poeci tragiczni i komediowi w starożytnej Grecji.

W Atenach odbywały się konkursy poetów tragicznych i komicznych. Każdy z nich musiał napisać i wystawić po trzy sztuki teatralne. Zwycięzca otrzymał wieniec laurowy zimozielony. Znani greccy poeci tragiczni V wieku. pne mi. - Ajschylos, Sofokles i Eurypides. Ajschylos, uczestnik wojen grecko-perskich, w tragedii „Persowie” potępił perskiego despotę Kserksesa za okrucieństwo i samowolę oraz pochwalił odwagę Greków w walce o wolność swojej ojczyzny. Bohaterami wielu tragedii Ajschylosa są bogowie i półbogowie. W tragedii „Przykuty Prometeusz” bohater mitu, tytan Prometeusz, jest przedstawiany jako bezinteresowny przyjaciel i dobroczyńca ludzkości, odważny bojownik przeciwko tyranii i przemocy, ucieleśniony w obrazie Zeusa.

W tragediach Sofoklesa to nie bogowie zachowują się jak ludzie. Tragedia „Antygona” przedstawia odważną kobietę, która sprzeciwiła się niesprawiedliwej decyzji króla i została za to skazana na śmierć. Antygona odważnie stawiła czoła werdyktowi. Po śmierci zwyciężyła, ponieważ sam król później żałował i anulował, choć późno, swój wyrok. Tragedia „Antygona” była żarliwym apelem do ludzkości, o wierność obowiązkom, o sprawiedliwość.

Eurypides przybliżył widzowi tragedię, czyniąc ją bardziej zrozumiałą i istotną. Poetka odważnie stawia nurtujące wielu współczesnych pytania o niesprawiedliwość nierówności kobiet. Portretuje ludzi ze wszystkimi ich pasjami, uczuciami i aspiracjami, podobnie jak starożytny grecki aktor. Na jego twarzy jest tragiczna maska. Na nogach znajdują się kosteczki. Figurka z kości słoniowej, malowana starożytnego greckiego aktora. Na jego twarzy jest tragiczna maska. Na nogach znajdują się kosteczki. Figurka z kości słoniowej, pomalowana kolorami takimi, jakie są za życia.

Największym poetą komiksowym był Arystofanes. W swoich pracach ze złością obnażał wady ówczesnej demokracji ateńskiej, przez co wielu jej przywódców wyglądało śmiesznie. Arystofanes ostro sprzeciwiał się wojnom między Grekami, z których korzystała tylko garstka właścicieli niewolników, a gloryfikował ludzi pokojowo pracujących. Wiele komedii Arystofanesa wyśmiewa oszustwo, chciwość i niesprawiedliwość bogów olimpijskich. I tak w komedii „Ptaki” przedstawia Zeusa jako złodzieja i zwodziciela, Posejdona jako łapowcę, a Herkulesa jako żarłoka. Komedie Arystofanesa cieszyły się zasłużonym sukcesem wśród ludu.

Znaczenie teatru greckiego.

Teatr był największą siłą w państwach greckich. Twórców tragedii i komedii słuchał cały lud. Pieśń chóru z tragedii „Antygona” – „Na świecie jest wiele cudów, ale najcudowniejszy jest człowiek” – stała się ulubioną piosenką Ateńczyków.

Teatr nazywano „szkołą dla dorosłych”. Wpajał miłość do ojczyzny, szacunek do pracy, odwagę i inne wspaniałe przymioty, dostrzegał braki w strukturze społeczeństwa.

Teatr grecki miał ogromny wpływ na rozwój sztuki teatralnej narodów współczesnej Europy. Teatr naszych czasów zapożyczył nie tylko terminologię teatru greckiego, ale także wiele swoich cech i technik zawdzięcza Grekom. Sztuki starożytnych greckich dramaturgów, powstałe ponad dwa tysiące lat temu, wywarły wpływ na twórczość wielu wielkich dramaturgów czasów nowożytnych. W naszym kraju i niektórych innych krajach do dziś wystawiane są sztuki Ajschylosa, Sofoklesa i Eurypidesa. Specjalną decyzją Światowej Rady Pokoju cała postępowa ludzkość obchodziła niedawno rocznicę Arystofanesa. Ekscytują nas myśli i uczucia ludzi odległej epoki, wyrażone w tragediach i komediach Greków.

3. Dzieła Ajschylosa, Sofoklesa, Eurypidesa, Arystofanesa.

Ajschylos

Ajschylos stał się prawdziwym sprawcą tragedii. Jest autorem ponad siedemdziesięciu dzieł, z których tylko siedem dotarło do nas: „Persowie”, „Błagacze”, „Siedmiu przeciw Tebom”, „Prometeusz w więzach”, „Agamemnon”, „Choephori”, „ Eumenides”. Wszystkie sztuki Ajschylosa przesiąknięte są silnym uczuciem religijnym, opierają się na konflikcie ludzkich namiętności z duchowością.

Ajschylos był twórcą ideologicznej tragedii obywatelskiej, współczesny i uczestnik wojen grecko-perskich, poeta czasów kształtowania się demokracji w Atenach. Głównym motywem jego twórczości jest gloryfikacja odwagi obywatelskiej i patriotyzmu. Jednym z najwybitniejszych bohaterów tragedii Ajschylosa jest nieprzejednany bogobojnik Prometeusz, uosobienie twórczych sił Ateńczyków. To obraz nieugiętego bojownika o wysokie ideały, o szczęście ludzi, ucieleśnienie rozumu pokonującego potęgę natury, symbol walki o wyzwolenie ludzkości od tyranii, ucieleśniony w obrazie okrutnego i mściwego Zeus, od którego niewolniczej służby Prometeusz wolał męki.

Sofokles

Sofokles napisał 125 dramatów, z których zachowało się siedem tragedii: „Antygona”, „Ajaks”, „Król Edyp”, „Elektra” itp. Według Arystotelesa Sofokles przedstawiał ludzi idealnych, natomiast Eurypides przedstawiał ludzi takimi, jakimi są w rzeczywistości . Właściwie. Eurypides był bardziej komentatorem niż uczestnikiem wydarzeń i był głęboko zainteresowany psychologią kobiet. Najbardziej znane z 19 dzieł, które do nas dotarły, to Medea i Fedra.

Cechą charakterystyczną wszystkich starożytnych dramatów był chór, który towarzyszył całej akcji śpiewem i tańcem. Ajschylos wprowadził dwóch aktorów zamiast jednego, redukując partie chóralne i skupiając się na dialogu, co było decydującym krokiem w kierunku przekształcenia tragedii z czysto mimetycznego tekstu chóralnego w autentyczny dramat. Gra dwóch aktorów pozwoliła zwiększyć napięcie akcji. Pojawienie się trzeciego aktora to innowacja Sofoklesa, która pozwoliła nakreślić różne linie zachowań w tym samym konflikcie.

Eurypides

Eurypides w swoich tragediach odzwierciedlał kryzys tradycyjnej ideologii polis i poszukiwanie nowych fundamentów światopoglądowych. Z wyczuciem reagował na palące kwestie życia politycznego i społecznego, a jego teatr stanowił swego rodzaju encyklopedię ruchu intelektualnego Grecji drugiej połowy V wieku. pne mi. W dziełach Eurypidesa stawiano różne problemy społeczne, prezentowano i omawiano nowe idee.

Starożytna krytyka nazywała Eurypidesa „filozofem na scenie”. Poeta nie był jednak zwolennikiem określonej doktryny filozoficznej, a jego poglądy nie były spójne. Jego stosunek do demokracji ateńskiej był ambiwalentny. Gloryfikował go jako system wolności i równości, ale jednocześnie przerażał go biedny „tłum” obywateli, który pod wpływem demagogów decydował o sprawach na zgromadzeniach publicznych. Wspólnym wątkiem przewijającym się przez całe dzieło Eurypidesa jest zainteresowanie jednostką z jej subiektywnymi aspiracjami. Wielki dramaturg portretował ludzi z ich popędami i impulsami, radościami i cierpieniami. Eurypides całą swoją kreatywnością zmusił widzów do zastanowienia się nad swoim miejscem w społeczeństwie, nad swoim podejściem do życia.

Arystofanes

Najbardziej znanym autorem komedii był Arystofanes, który potrafił kierować swoje satyryczne „strzały” przeciwko współczesnym politykom, pisarzom i filozofom. Jego najbardziej uderzające dzieła to „Osy”, „Żaby”, „Chmury”, „Lysistrata”. Bohaterami komedii Arystofanesa nie są postacie legendarne, ale mieszkańcy współczesnych Arystofanesowi Aten: kupcy, rzemieślnicy, niewolnicy. W komediach nie ma takiego szacunku dla bogów jak w tragediach. Czasami byli nawet wyśmiewani.

Arystofanes stanowi odważną satyrę na polityczny i kulturowy stan Aten w czasie, gdy demokracja zaczyna doświadczać kryzysu. Jego komedie reprezentują różne warstwy społeczne: mężów stanu i generałów, poetów i filozofów, chłopów i wojowników, mieszkańców miast i niewolników. Arystofanes osiąga ostre efekty komiczne, łącząc realność z fantastycznością i doprowadzając wyśmiewany pomysł do absurdu. Arystofanes posługuje się językiem elastycznym i żywym, czasem zbliżonym do codziennego, czasem bardzo niegrzecznym i prymitywnym, czasem parodycznie podniosłym i bogatym w nieoczekiwane komediowe formacje słowne.

Naukę i literaturę starożytnej Grecji stworzyli ludzie wolni, obdarzeni poetyckim i mitologicznym postrzeganiem świata. We wszystkim, co rozumiał Grek, odkrywał harmonię, czy to wszechświata, czy ludzkiej osobowości. Grek w swojej mitologicznej percepcji uduchowiał wszystko, czego dotknęła jego świadomość. Harmonia i duchowość decydują o organiczności i integralności greckiej kultury, a przede wszystkim sztuki.

4. Teatr starożytnego Rzymu.

W III-II wieku p.n.e. mi. W Rzymie ważną rolę odgrywa teatr, fabuła przedstawień jest zapożyczona od Greków, ale bohaterowie są pochodzenia rzymskiego.

Teatr rzymski powstał w wyniku rozkładu systemu patriarchalno-plemiennego. Nie znał towarzyskich i okrągłych form tanecznych teatru greckiego i nie opierał się na amatorskich przedstawieniach ludności miejskiej. Teatr rzymski od razu stał się profesjonalny.

Teatr rzymski nie był kojarzony z kultem bóstwa, jak w Grecji, nie miał więc takiego znaczenia społecznego. Aktorzy nie byli ludźmi szanowanymi, ale ludźmi gardzili. Rekrutowano ich spośród niewolników i wyzwoleńców i groziło im bicie za słabe wyniki. Przedstawienia wystawiano z okazji świąt państwowych, a także w każdym innym terminie z inicjatywy jednego ze szlacheckich obywateli.

Przez długi czas w Rzymie nie było stałych budynków teatralnych.

Na potrzeby występów zbudowano specjalne tymczasowe konstrukcje drewniane, które pod koniec przedstawienia rozebrano. Sceną była drewniana platforma podniesiona nad ziemię do połowy wysokości człowieka. Prowadziły do niego trzy wąskie, kilkustopniowe schody, po których wspinały się postacie, które przybyły (według fabuły) z innego miasta. Tłem była tylna ściana budki z kurtyną. Były ławki dla widzów, ale czasami przedstawienia można było oglądać tylko na stojąco.Grali tak dość długo, łącznie z komediami Plauta.

Jednak wraz z rozwojem dramaturgii rosła potrzeba dokonywania zmian w realizacji. Konieczność budowy stałego, specjalnego gmachu teatru w Rzymie była przedmiotem dyskusji Senatu. Senat uważał jednak, że teatr zniewieściałą młodzież i zepsute kobiety – i w 154 roku wstrzymał rozpoczętą kilka lat wcześniej budowę teatru kamiennego.

Pierwszy stały teatr kamienny został zbudowany około 55 roku p.n.e. dowódcy Gnejusza Pompejusza Wielkiego i pomieścił 17 tysięcy widzów.

Teatr rzymski różnił się od greckiego. Rozmiar orkiestry zmniejszono o połowę, zamieniono ją w półkole. (w teatrze hellenistycznym orkiestra zajmowała trzy czwarte koła).

Etruskowie i Rzymianie, jak wszystkie ludy, posiadali rytualne i kultowe pieśni i zabawy, istniał także ludowy teatr komediowy, wywodzący się od Etrusków teatr histrion oraz ludowy teatr Athelana (z miasta Atella) ze stałą siedzibą zamaskowane postacie były bliskie greckiemu mimowi.: głupiec Bukkon, głupiec Makk, prostak Papp, przebiegły Dossen. Ponieważ przedstawienie teatralne nie było kojarzone z kultem bóstwa, lecz zbiegało się w czasie ze świętami, występami cyrkowymi, walkami gladiatorów, triumfami i pochówkami mężów stanu oraz konsekracją świątyń, teatr rzymski miał charakter użytkowy. Republika Rzymska, a zwłaszcza Cesarstwo, była państwem oligarchicznym, więc rozwój życia kulturalnego również przebiegał inaczej, co nie pozostało bez wpływu na teatr. W takich warunkach nie mogła się głęboko zakorzenić. Status aktora był inny niż w Grecji. W przeciwieństwie do Greka nie był pełnoprawnym członkiem społeczeństwa, a jego zawód był pogardzany.

Organizacja teatru rzymskiego miał swoją specyfikę. Chór nie brał udziału w przedstawieniu, a aktorzy nie nosili masek. Problematyka dramatu rzymskiego nie osiągnęła wyżyn moralnych starożytnej Grecji. Do naszych czasów w pełni dotarły dzieła zaledwie dwóch dramaturgów: Plauta i Terencjusza, komediantów, z których jeden pochodził z niższych warstw społeczeństwa, a drugi był niewolnikiem wypuszczonym na wolność przez swego pana za talent. Fabuła ich komedii czerpana była ze sztuk komedii neoattyckiej, a głównym bohaterem był sprytny, wścibski niewolnik. Gatunek tragiczny reprezentują jedynie dzieła Seneki, stoickiego filozofa, który pisał sztuki o tematyce mitologicznej dla wąskiego kręgu elity i nie są one ściśle związane z teatrem.

Wraz z powstaniem Cesarstwa Rzymskiego pantomimy stały się powszechne. Niemniej jednak dramaturgia rzymska wywarła ogromny wpływ na dramaturgię czasów nowożytnych w okresie klasycyzmu: Corneille, Racine (w postarożytnej Europie język grecki był znany nielicznym).

5. Organizacja przedstawień teatralnych w starożytnej Grecji i starożytnym Rzymie.

W Rzymie, podobnie jak w Grecji, przedstawienia teatralne odbywały się nieregularnie, ale zbiegały się w czasie z określonymi świętami. Do połowy I wieku. PNE. W Rzymie nie zbudowano teatru kamiennego. Przedstawienia odbywały się w konstrukcjach drewnianych, które po ich ukończeniu rozebrano. Początkowo w Rzymie nie było specjalnych miejsc dla widzów, a „zabawy sceniczne” oglądali stojąc lub siedząc na zboczu wzgórza sąsiadującego ze sceną.

Pierwszy kamienny teatr w Rzymie został zbudowany przez Pompejusza podczas jego drugiego konsulatu, w 55 rpne. Po nim w Rzymie zbudowano inne kamienne teatry.

Budynek teatru rzymskiego charakteryzował się następującymi cechami: miejsca dla widzów tworzyły dokładne półkole; półkolista orkiestra nie była przeznaczona dla chóru (w teatrze rzymskim już jej nie było), ale była miejscem dla uprzywilejowanych widzów; scena była niska i głęboka.

Przedstawienia teatru rzymskiego były spektakularne i przeznaczone głównie dla widzów plebejskich. „Chleb i igrzyska” to hasło było bardzo popularne wśród zwykłych ludzi w Rzymie. Początkami teatru rzymskiego byli ludzie niskiej rangi i wyzwoleńcy.

Jednym ze źródeł przedstawień teatralnych w Rzymie były pieśni ludowe. Należą do nich fesceniny – żrące, wściekłe rymy rzucane przez wymamrotanych wieśniaków podczas dożynek. Wiele do teatru trafiło z Atellany – ludowej komedii o maskach, która wywodzi się z plemion Oscan zamieszkujących Włochy w pobliżu miasta Atella.

Atellana wprowadziła do rzymskiego teatru uznane maski, których korzenie sięgają starożytnych etruskich igrzysk Saturnin, organizowanych na cześć starożytnego boga Saturna, kursywą. Atellan miał cztery maski: Makk – głupiec i żarłok, Bukk – głupi bufon, pusty gaduła i prostak, Papp – prosty, głupi starzec i Dossen – brzydki szarlatan-naukowiec. Ta urocza firma od dawna bawi uczciwych ludzi.

Należy wspomnieć o innym starożytnym typie akcji dramatycznej - mim. Początkowo była to szorstka improwizacja wykonywana podczas włoskich świąt, w szczególności podczas wiosennego festiwalu Floralia, z czasem mim stał się gatunkiem literackim.

W Rzymie znanych było kilka gatunków przedstawień dramatycznych. Poeta Gnejusz Naevius stworzył także tzw. tragedię pretekstową, której bohaterowie nosili preteksty – ubrania rzymskich urzędników.

Komedia w Rzymie reprezentowana była przez dwa typy; komedia togata i komedia palliata. Pierwsza to wesoła zabawa oparta na lokalnym materiale włoskim. Jej bohaterami byli ludzie zwykłej rangi. Togata wzięła swoją nazwę od zewnętrznego ubioru rzymskiego – togi. Twórców takich komedii, Tytyniusza, Afraniusza i Atty, znamy jedynie z pojedynczych, zachowanych fragmentów. Nazwa komedii palliata kojarzona była z krótkim greckim płaszczem – paliuszem. Autorzy tej komedii sięgnęli przede wszystkim do twórczego dziedzictwa greckich dramaturgów, przedstawicieli komedii neoattyckiej – Menandera, Filemona i Diphilusa. Rzymscy komicy często łączyli sceny z różnych greckich sztuk w jedną komedię.

Najbardziej znanymi przedstawicielami komedii palliata są rzymscy dramatopisarze Plaut i Terencjusz.

Plaut, któremu teatr światowy zawdzięcza wiele odkryć artystycznych (muzyka stała się integralną częścią akcji, można było ją usłyszeć zarówno w scenach lirycznych, jak i komediowych), był osobowością uniwersalną: pisał teksty, występował w wystawianych przez siebie sztukach („ Osły”, „Garnek”, „Chwalebny wojownik”, „Amfitrion” itp.). Był artystą prawdziwie ludowym, podobnie jak jego teatr.

Terence'a najbardziej interesują konflikty rodzinne. Wypędza ze swoich komedii prymitywną farsę, wyrafinowuje je językowo, w formach wyrażania ludzkich uczuć („Dziewczyna z Andos”, „Bracia”, „Teściowa”). To nie przypadek, że w okresie renesansu doświadczenie Terencjusza było tak przydatne nowym mistrzom dramatu i teatru.

Narastający kryzys doprowadził do tego, że starożytny dramat rzymski albo popadł w ruinę, albo był realizowany w formach niezwiązanych z samym teatrem. I tak największy tragiczny poeta Rzymu, Seneka, pisze swoje tragedie nie dla występów, ale jako „dramaty do czytania”. Ale Atellana nadal się rozwija, liczba jej masek jest uzupełniana. Jej spektakle często poruszały tematy polityczne i społeczne. Tradycje atellany i pantomimy tak naprawdę nigdy nie umarły wśród ludzi; istniały nadal w średniowieczu i renesansie.

W Rzymie kunszt aktorów osiągnął bardzo wysoki poziom. Aktor tragiczny Ezop i jego współczesny aktor komediowy Roscius (I w. p.n.e.) cieszyli się miłością i szacunkiem publiczności.

Teatr starożytnego świata stał się integralną częścią duchowego doświadczenia całej ludzkości, kładąc podwaliny pod to, co dziś nazywamy kulturą współczesną.

6. Teatr średniowiecza. Teatr religijny i ludowy

Historia teatru średniowiecznego to przekrój kulturowy całej epoki (średniowiecze – epoka ustroju feudalnego, V-XVII w.), z którego można badać świadomość człowieka średniowiecznego. Świadomość ta w sprzeczności łączył zdrowy rozsądek ludowy z najdziwniejszymi przesądami, żar wiary i kpiny z dogmatów kościelnych, spontaniczną miłość do życia, tęsknotę za rzeczami ziemskimi i wpojoną przez Kościół surową ascezę. Często ludowe, realistyczne zasady wchodziły w konflikt z idealistycznymi ideami religijnymi i to, co „ziemskie”, wzięło górę nad tym, co „niebiańskie”. A sam teatr średniowieczny powstał w głębokich warstwach kultury ludowej.

Już pod koniec wczesnego średniowiecza na placach i ulicach miast oraz w hałaśliwych tawernach pojawiały się wędrowne rozrywki – histriony. We Francji nazywano ich żonglerami, w Anglii – minstrelami, na Rusi – bufonami. Zręczny histrion był spektaklem jednoosobowym. Był magikiem i akrobatą, tancerzem i muzykiem, potrafił odegrać akcję z małpą lub niedźwiedziem, odegrać scenę komiczną, chodzić na kole od wozu, opowiedzieć niesamowitą historię. W tych opowieściach i przedstawieniach żył wesoły duch jarmarku, swobodny żart.

Jeszcze odważniejsza była sztuka włóczęgów. Królowała tu parodia i satyra. Vagantes, czyli „wędrujący duchowni”, to półwykształceni seminarzyści i pozbawieni urzędu księża. W rytm hymnów kościelnych śpiewali pieśni pochwalne „Wszystkopijącego Bachusa” oraz parodiowali modlitwy i nabożeństwa. Histrioni i włóczędzy, prześladowani przez Kościół, zjednoczyli się w bractwa, przyciągając szeroką gamę ludzi. Tak było na przykład we Francji z „Braterstwem Beztroskich Dzieci” kierowanym przez Księcia Głupców. „Chłopaki” odgrywali zabawne „głupie” czynności (soti), w których wyśmiewano wszystko i wszystkich, a kościół przedstawiano w przebraniu Matki Błazna.

Kościół prześladował Histrionów i Włóczęgów, nie był jednak w stanie zniszczyć miłości ludu do spektakli teatralnych. Chcąc usprawnić nabożeństwo - liturgię, sami duchowni zaczynają sięgać po formy teatralne. Na podstawie scen z Pisma Świętego powstaje dramat liturgiczny. Grano na niej w świątyni, a później na kruchcie lub dziedzińcu kościelnym. W XIII-XIV w. pojawia się nowy gatunek średniowiecznego przedstawienia teatralnego - cud („cud”). Fabuła cudów zapożyczona jest z legend o świętych i Dziewicy Maryi. Jednym z najbardziej znanych jest „Cud Teofila” francuskiego poety z XIII wieku. Rutbefa.

Szczyt średniowiecznego teatru - tajemnica.

Gatunek ten rozwinął się w XV wieku. W misteriach brała udział niemal cała ludność miasta: niektórzy jako aktorzy (do 300 i więcej osób), inni jako widzowie. Występ zbiegł się z jarmarkem, wyjątkową okazją, i rozpoczął się kolorową procesją mieszkańców miasta w każdym wieku i ze wszystkich klas. Fabuła została zaczerpnięta z Biblii i Ewangelii. Akcja trwała od rana do wieczora przez kilka dni. Altany zbudowano na drewnianej platformie, z których każda miała swoje własne wydarzenia. Na jednym końcu platformy znajdował się bogato zdobiony Raj, na drugim końcu znajdowało się Piekło z rozdziawioną paszczą smoka, narzędziami tortur i ogromnym kotłem dla grzeszników. Dekoracje pośrodku były niezwykle lakoniczne: napis nad bramą „Nazaret” lub złocony tron wystarczał, aby wskazać miasto lub pałac. Na scenie pojawili się prorocy, żebracy, diabły prowadzone przez Lucyfera... Prolog ukazywał sfery niebieskie, gdzie zasiadał Bóg Ojciec w otoczeniu aniołów i alegorycznych postaci - Mądrości, Miłosierdzia, Sprawiedliwości itd. Następnie akcja przeniosła się na ziemię i dalej - do piekła, gdzie szatan smażył grzeszne dusze. Sprawiedliwi wyszli w bieli, grzesznicy w czerni, diabły w czerwonych rajstopach, pomalowanych przerażającymi „twarzami”.

Najbardziej żałosne momenty przedstawień wiązały się z pogrążoną w żałobie Matką Bożą i cierpieniem Jezusa. Tajemnica miała także swoich komicznych bohaterów: błaznów, żebraków, diabłów, których się bali, ale często oszukiwali. Żałosne i komiczne współistniały, nie mieszając się ze sobą. Wydarzenia rozwijały się przy największej uwadze i interwencji sił wyższych i niższych. Niebo, ziemia i podziemia tworzyły jeden ogromny świat, a człowiek na tym świecie był zarówno ziarnkiem piasku, jak i jego centrum – wszak o jego duszę walczyły siły znacznie potężniejsze od niego samego. Najpopularniejsze były tajemnice Arnoula Grebana, a także jedno z rzadkich dzieł o tematyce światowej - „Tajemnica oblężenia Orleanu”, które odtworzyło wydarzenia wojny stuletniej (1337–1453) między Anglią a Francja i wyczyn Dziewicy Orleańskiej – Joanny d'Arc, która przewodziła walce narodu francuskiego z angielskimi najeźdźcami, a następnie zdradzona przez króla francuskiego, któremu zwróciła tron.Będzie to występ publiczny skierowany do masowej publiczności misterium wyrażało zarówno zasady ludowe, ziemskie, jak i system idei religijnych i kościelnych.Ta wewnętrzna niespójność gatunku doprowadziła do jego upadku, a następnie stała się przyczyną jego zakazu przez Kościół.

Innym popularnym gatunkiem były moralitety. Wydawało się, że oddzieliły się od misterium i stały się niezależnymi przedstawieniami o charakterze budującym. Odgrywano przypowieści o „Roztropnych i nieroztropnych”, o „Sprawiedliwych i biesiadników”, gdzie pierwszy bierze rozum i wiarę za swoich partnerów życiowych, drugi - nieposłuszeństwo i rozproszenie. W tych przypowieściach cierpienie i łagodność są nagradzane w niebie, podczas gdy zatwardziałość serca i skąpstwo prowadzą do piekła.

Na scenie odgrywali moralitety. Było coś w rodzaju balkonu, na którym prezentowane były żywe obrazy sfer niebieskich – aniołów i boga zastępów. Postacie alegoryczne, podzielone na dwa obozy, ukazały się z przeciwnych stron, tworząc symetryczne grupy: Wiara – z krzyżem w dłoniach, Nadzieja – z kotwicą, Chciwość – z sakiewką złota, Przyjemność – z pomarańczą i Pochlebstwo miało lisy ogon, który głaskała Głupota.

Moralit to rozgrywający się na scenie spór między osobami, konflikt wyrażający się nie poprzez działanie, ale poprzez kłótnię między postaciami. Czasem w skeczach, w których mowa była o grzechach i występkach, pojawiał się element farsy i satyry społecznej, przenikał do nich oddech tłumu i „wolny duch placu” (A.S. Puszkin).

Teatr kwadratowy, czy to misterium, moralitet, soti czy przedstawienie histrionów, odzwierciedlał umiłowanie życia średniowiecznego człowieka, jego pogodną śmiałość i pragnienie cudów - wiarę w zwycięstwo dobra i sprawiedliwości.

I to nie przypadek, że w XX w. zainteresowanie teatrem średniowiecznym rośnie. Dramaturgów i reżyserów przyciąga atrakcyjność dla mas, wyraźne rozróżnienie dobra i zła tkwiące w powszechnej świadomości, „uniwersalny” zakres wydarzeń, zamiłowanie do przypowieści i jasnych metafor „plakatowych”. Poetykę tego ludowego spektaklu wykorzystuje V. E. Meyerhold przy wystawianiu sztuki V. V. Majakowskiego „Tajemnica-Buffe”. W Niemczech sztukę przypowieści zatwierdził B. Brecht. Na przełomie lat 60. i 70., w okresie protestu studenckiego, L. Ronconi we Włoszech wystawił na placu „Wściekłego Rolanda” L. Ariosto, a we Francji A. Mnouchkine inscenizował przedstawienia Wielkiej Rewolucji Francuskiej („1789”, „1791” „). Dawna tradycja teatralna zdaje się zyskiwać nowe życie, łącząc się z poszukiwaniami współczesnych pracowników teatru.

Gatunki średniowiecznego teatru religijnego

W IX wieku. narodził się pierwszy gatunek średniowiecznego teatru religijnego - dramat liturgiczny. To przedstawienie teatralne było częścią nabożeństwa (liturgii).

Przyczyny pojawienia się tego gatunku najprawdopodobniej związane są z pragnieniem księży, aby przyciągnąć jak najwięcej ludzi do religii, aby kult (w średniowieczu nabożeństwa chrześcijańskie odprawiano po łacinie) był bardziej zrozumiały dla niepiśmiennego prostego ludu .

Z tropu kościelnego narodził się dramat liturgiczny – dialogizowana transkrypcja tekstu ewangelicznego, która zwykle kończyła się śpiewem. Po nim liturgia była kontynuowana jak zwykle

Pierwszym dramatem liturgicznym jest scena przyjścia trzech Marii do Grobu Świętego. Ten dramat miał miejsce w Wielkanoc. Jej fabuła polegała na tym, że Maria (kapłani, którzy zakładali na głowy chusty na ramiona, wskazując na strój kobiecy) przyszła do grobu, w którym miało leżeć ciało ukrzyżowanego Chrystusa, aby posmarować je maścią. Jednak w grobie spotkali anioła (młodego kapłana w białej szacie). W tej scenie pojawił się już dialog i indywidualne odpowiedzi (między aniołem a Maryją), co pozwala powiedzieć, że akcja ta była pierwszym dramatem liturgicznym.

Inscenizację dramatu liturgicznego organizowali sami księża. Przedstawienia odbywały się w świątyni.

W początkowej fazie swego istnienia dramat liturgiczny był ściśle związany z mszą, jego tekst całkowicie pokrywał się z tekstem nabożeństwa, zarówno pod względem treści, jak i stylu. Dramat liturgiczny odbywał się w języku łacińskim i podobnie jak msza przepojony był uroczystym nastrojem. „Aktorzy” recytowali swoje słowa śpiewnym głosem.

Stopniowo dramat coraz bardziej oddziela się od służby. Pojawiają się dwa niezależne cykle dramatu liturgicznego – bożonarodzeniowy (na który składały się epizody: procesja pasterzy, zapowiadająca narodziny Chrystusa, kult Trzech Króli, scena gniewu króla Heroda, który nakazał śmierć wszystkich dzieci w Betlejem) i wielkanocnym (obejmował epizody związane ze zmartwychwstaniem Chrystusa).

Z biegiem czasu dramat liturgiczny również ewoluuje od statycznego i symbolicznego do skutecznego. Zaczyna się do niego wprowadzać elementy gospodarstwa domowego.

Dramat liturgiczny, tworzony początkowo w celu uczynienia kultu bardziej zrozumiałym dla parafian, upraszczał idee religijne, co jednak było obarczone wielkim niebezpieczeństwem dla religii, gdyż prowadził do jej profanacji.

W 1210 roku dekretem papieża Innocentego III zakazano odgrywania dramatów liturgicznych w budynkach kościelnych. W tym momencie dramat liturgiczny jako gatunek przestaje istnieć.

Jednak teatr religijny nie znika. Dramat liturgiczny wychodzi z kościoła na kruchtę i staje się dramatem półliturgicznym.

Motywów światowych jest w tym przedstawieniu jeszcze więcej. Traci silny związek z nabożeństwem i kalendarzem kościelnym, dlatego wybór dnia wykonania staje się bardziej swobodny. Podczas jarmarku rozgrywany jest także dramat półliturgiczny. Zamiast po łacinie przedstawienia zaczynają odbywać się w językach narodowych.

Role „boskie” nadal pełnili duchowni. W przedstawieniu wykorzystano szaty i przybory kościelne. Akcji towarzyszył śpiew chóru wykonującego pieśni religijne w języku łacińskim.

Duchowni mieli ogromny udział w organizowaniu przedstawień dramatu półliturgicznego (zapewnienie terenu do przedstawienia (ganek), odgrywanie głównych ról, dobór repertuaru, przygotowanie „kostiumów” i „rekwizytów”).

Jednak tematyka religijna zaczyna aktywnie przeplatać się ze świecką. Kultura teatralna dąży do oddzielenia się od religii, co jednak nie nastąpi całkowicie przez całe średniowiecze.

Tajemnica

Kolejny gatunek związany z teatrem religijnym. Tajemnica wywodzi się z procesji na cześć świąt kościelnych.

Nazwa pochodzi od łac. ministerium – nabożeństwo kościelne

Rozkwit teatru misteryjnego przypada na XV-XVI wiek.

Przedstawienia organizowały warsztaty miejskie i gminy, a nie kościół. W misteriach uczestniczyli wszyscy mieszkańcy miasta.

W dni targowe często organizowano przedstawienia misteryjne.

Rankiem w dniu otwarcia jarmarku odbyło się w kościele nabożeństwo modlitewne, po czym zorganizowano uroczystą procesję, w której wzięło udział całe miasto. Po nim rozegrała się sama tajemnica.

Tajemnice zostały podzielone na trzy cykle – Stary Testament (Stary Testament, od stworzenia świata do narodzin Chrystusa), Nowy Testament (Nowy Testament, narodziny, życie, śmierć, zmartwychwstanie i wniebowstąpienie Chrystusa) oraz apostolski (żywoty świętych).

W organizacji i prezentacji misterium wzięli udział przedstawiciele różnych warsztatów miejskich. Każdy warsztat otrzymał swój własny, niezależny epizod w akcji.

Występ trwał cały dzień, a czasem i kilka dni.

Tam było trzy typy organizacji przestrzeni scenicznej i odpowiednio trzy rodzaje prezentacji tajemnic.

Mobilny (charakterystyczny przede wszystkim dla Anglii). Poszczególne epizody tajemnic pokazywano w furgonetkach z wysoką platformą, otwartą ze wszystkich stron. Te samochody dostawcze nazywano pagentami. Po wyświetleniu pewnego odcinka furgonetka przejechała na kolejny plac, a na jej miejsce podjechała nowa z aktorami, odgrywającymi kolejny odcinek. I tak dalej, aż do końca zagadki.

Pierścieniowy. Na placu znajdował się jeden peron. Pale do niego ułożono w kształcie pierścienia. Na platformie znajdowało się kilka oddzielnych sekcji, przedstawiających różne sceny akcji. Widzowie byli rozmieszczoni wokół peronu.

Besedoczny. Na placu ukazano jednocześnie kilka scen akcji. Był to ciąg altanek ustawionych na jednym podeście w linii prostej i zwróconych frontalnie do widzów. W każdej altanie rozgrywały się osobne epizody, w zależności od sceny akcji, którą ta altana przedstawiała. Publiczność przemieszczała się z jednej altanki do drugiej.

Z taką organizacją przestrzeni scenicznej wiąże się najważniejsza zasada teatru średniowiecznego – jednoczesność (symultaniczność). Zasada ta zakładała jednoczesną obecność kilku miejsc akcji na placu i, w związku z tym, jednoczesność działań odbywających się w nich. Równoczesność sięga średniowiecznych koncepcji czasu.

Organizując spektakle, aktywnie korzystano z maszyn, dużą wagę przywiązywano do scenografii, zwłaszcza przedstawiającej niebo lub piekło. Strona rozrywkowa była niezwykle ważna.

W misterium współistniał naturalizm (szczególnie przejawiający się w przedstawieniu różnych krwawych scen) i konwencja.

Pomimo tego, że misterium organizowały osoby świeckie, był to rodzaj nabożeństwa religijnego, które sprawowało całe miasto.

Udział w misterium uznawano za czyn pobożny. Wiele ról cieszyło się tak dużym zainteresowaniem wśród kandydatów, że organizatorzy zorganizowali aukcję, na której te role zostały sprzedane.

Tajemnica zawierała elementy całkowicie heterogeniczne. Mimo że jej główną treścią był jakiś epizod z Biblii, elementy życia codziennego bardzo aktywnie wnikały w tajemnicę. Poza tym czasami misterium było rozrzedzane całymi scenami farsowymi, które stanowiły praktycznie odrębny spektakl, nie mający żadnego związku fabularnego z misterium. Ponadto dużą popularnością cieszyły się odcinki z udziałem diabłów. I często w tajemnicach pojawiała się taka postać jak błazen.

Początkowo organizacją misteriów zajmowali się amatorzy, później zaczęto tworzyć całe związki, których zadaniem było inscenizacja misterium. Z reguły nazywano je bractwami przez analogię do innych bractw średniowiecznych.

Najbardziej znaną taką organizacją było Bractwo Męki Pańskiej we Francji, które od 1402 roku uzyskało nawet monopol na organizowanie w Paryżu nie tylko misteriów, ale także cudów i „innych religijnych przedstawień moralnych” (jak stwierdza patent wydany członkom bractwa przez króla).

Cud

Nazwa tego gatunku pochodzi od łacińskiego słowa miraculum (cud).

Pochodzi z Francji w XIII wieku.

Cud pochodzi z hymnów ku czci świętych i czytań o ich życiu w kościele. Dlatego podstawą fabuły były opowieści o cudach dokonywanych przez Dziewicę Maryję i świętych.

Organizacją cudów we Francji zajmowały się specjalne wspólnoty – puys. Ich nazwa pochodzi od słowa podium.

Moralność

Kolejny gatunek związany z teatrem religijnym średniowiecza.

Pojawia się w XV-XVI wieku.

Jest to sztuka alegoryczna, w której występują postacie alegoryczne. Każdy z nich jest uosobieniem jakiegoś abstrakcyjnego pojęcia (grzech, cnota, jakość itp.). Istota fabuły sprowadzała się do opowieści o tym, jak człowiek staje przed wyborem między dobrem a złem.

Ludzie, którzy wybrali cnotę, zostali w końcu nagrodzeni, a ci, którzy oddawali się występkowi, zostali ukarani. Zatem każdy moralitet był przesiąknięty dydaktyzmem.

Moralności nie mają bezpośredniego związku z fabułą biblijną, jednak ich moralizujący charakter pozwala zaliczyć ten gatunek do teatru religijnego średniowiecza.

Sceną dla moralitetu była scena zbudowana na placu.

Postacie alegoryczne nosiły na piersiach napisy, które wyjaśniały widzom, kto znajdował się przed nimi. Ponadto każdy z nich miał swój integralny atrybut, z którym zawsze pojawiał się na scenie i który także symbolicznie wyjaśniał, jakiego rodzaju była to alegoria.