Klasycyzm w literaturze. Czym rosyjski klasycyzm w architekturze różni się od europejskiego

Klasycyzm to styl artystyczny i architektoniczny, który dominował w Europie w XVII-XIX wieku. To samo określenie posłużyło jako nazwa kierunku estetycznego. Obiekty powstałe w tym okresie miały służyć za przykład idealnego, „właściwego” stylu.

Klasycyzm opiera się na ideach racjonalizmu i trzyma się pewnych kanonów, dlatego harmonia i logika są nieodłącznym elementem niemal wszystkich projektów realizowanych w epoce klasycyzmu.

Klasycyzm w architekturze

Klasycyzm zastąpił rokoko, które było przedmiotem publicznej krytyki za nadmierną złożoność, pompatyczność, maniery i nadmiar elementów zdobniczych. Jednocześnie społeczeństwo europejskie zaczęło coraz bardziej zwracać się w stronę idei oświeceniowych, co wyrażało się we wszystkich aspektach działalności, w tym w architekturze. Uwagę architektów przyciągnęła prostota, zwięzłość, klarowność, spokój i surowość charakterystyczna dla architektury starożytnej, zwłaszcza greckiej. W istocie klasycyzm stał się naturalnym rezultatem rozwoju architektury renesansowej i jej przemian.

Zadaniem wszystkich obiektów tworzonych w stylu klasycyzmu jest dążenie do prostoty, rygoru, a jednocześnie harmonii i doskonałości – dlatego średniowieczni mistrzowie często sięgali po monumentalne antyczne formy architektoniczne. Architekturę klasyczną charakteryzuje regularny układ i klarowne formy. Podstawą tego stylu był porządek czasów starożytnych, w szczególności kompozycje przestrzenne, powściągliwość wystroju, system planowania, zgodnie z którym budynki usytuowano przy szerokich prostych ulicach, przestrzegano proporcji i ścisłych kształtów geometrycznych.

Estetyka klasycyzmu sprzyjała tworzeniu projektów na dużą skalę w obrębie całych miast. W Rosji wiele miast przeplanowano zgodnie z zasadami klasycznego racjonalizmu.

Tektonika murów i sklepień w dalszym ciągu wpływała na charakter architektury. W okresie klasycyzmu sklepienia uległy spłaszczeniu, pojawił się portyk. Jeśli chodzi o ściany, zaczęto je oddzielać gzymsami i pilastrami. W kompozycji klasycznej dominuje symetria, podążając za kompozycją antyku. Kolorystyka składa się głównie z jasnych pastelowych kolorów, które służą podkreśleniu elementów architektonicznych.

Najbardziej zakrojone na szeroką skalę projekty końca XVIII i pierwszej połowy XIX wieku kojarzą się z klasycyzmem: pojawiają się nowe miasta, parki, kurorty.

W latach 20. XIX wieku, wraz z klasycyzmem, popularny był styl eklektyczny, który miał wówczas romantyczny koloryt. Ponadto klasycyzm został rozcieńczony elementami renesansu i (sztuki beaux).

Rozwój klasycyzmu na świecie

Klasycyzm powstał i rozwinął się pod wpływem pedagogicznych, postępowych tendencji myśli społecznej. Kluczowymi ideami były idee patriotyzmu i obywatelstwa, a także idea wartości osoby ludzkiej. W starożytności zwolennicy klasycyzmu znaleźli przykład idealnego ustroju państwowego i harmonijnych relacji człowieka z przyrodą. Starożytność jest postrzegana jako wolna era, kiedy człowiek rozwinął się duchowo i fizycznie. Z punktu widzenia postaci klasycyzmu był to idealny czas w historii, bez sprzeczności społecznych i konfliktów społecznych. Zabytki kultury stały się także wzorami do naśladowania.

W rozwoju klasycyzmu na świecie można wyróżnić trzy etapy:

• Wczesny klasycyzm (lata 60. XVIII w. – początek lat 80. XVIII w.).
• Ścisły klasycyzm (połowa lat 80. - 90. XVIII w.).
• Imperium.

Okresy te obowiązują zarówno w Europie, jak i w Rosji, ale rosyjski klasycyzm można uznać za odrębny trend architektoniczny. W rzeczywistości on, podobnie jak europejski klasycyzm, stał się przeciwieństwem baroku i szybko go zastąpił. Równolegle z klasycyzmem istniały inne nurty architektoniczne (i kulturowe): rokoko, pseudogotyk, sentymentalizm.

Wszystko zaczęło się od panowania Katarzyny Wielkiej. Klasycyzm harmonijnie wpisał się w ramy umacniania kultu państwowości, kiedy głoszono prymat obowiązku publicznego nad uczuciami osobistymi. Nieco później idee Oświecenia znalazły odzwierciedlenie w teorii klasycyzmu, tak że „klasycyzm stanowy” XVII wieku został przekształcony w „klasycyzm oświeceniowy”. W rezultacie zespoły architektoniczne pojawiły się w centrach rosyjskich miast, w szczególności w Petersburgu, Twerze, Kostromie, Jarosławiu.

Cechy klasycyzmu

Klasycyzm charakteryzuje się dążeniem do przejrzystości, pewności, jednoznaczności, logicznej dokładności. Dominują monumentalne budowle o prostokątnych kształtach.

Kolejną cechą i zasadniczym zadaniem było naśladowanie natury, harmonijnej, a zarazem nowoczesnej. Piękno rozumiano jako coś, co zrodziło się z natury i jednocześnie ją przewyższało. Powinien przedstawiać prawdę i cnotę, angażować się w edukację moralną.

Architektura i sztuka mają na celu przyczynianie się do rozwoju jednostki, tak aby stał się on oświecony i cywilizowany. Im silniejszy związek pomiędzy różnymi sztukami, tym skuteczniejsze jest ich działanie i tym łatwiej osiągnąć ten cel.

Dominują kolory: biały, niebieski, a także nasycone odcienie zieleni, różu, fioletu.

Podążając za starożytną architekturą, klasycyzm wykorzystuje surowe linie, gładki wzór; elementy są powtarzalne i harmonijne, a formy wyraźne i geometryczne. Główną ozdobą są płaskorzeźby w medalionach, posągi na dachach, rotundy. Często na zewnątrz znajdowały się antyczne ozdoby. Ogólnie wystrój jest powściągliwy, bez dodatków.

Przedstawiciele klasycyzmu

Klasycyzm stał się jednym z najpowszechniejszych stylów na całym świecie. Przez cały okres jej istnienia pojawiło się wielu utalentowanych rzemieślników i powstało wiele projektów.

Główne cechy klasycyzmu architektonicznego w Europie ukształtowały się dzięki twórczości weneckiego mistrza Palladia i jego naśladowcy Scamozziego.

W Paryżu jeden z najbardziej wpływowych architektów okresu klasycyzmu, Jacques-Germain Soufflot, poszukiwał optymalnych rozwiązań w zakresie organizacji przestrzeni. Claude-Nicolas Ledoux antycypował wiele zasad modernizmu.

Ogólnie rzecz biorąc, główne cechy klasycyzmu we Francji objawiły się w takim stylu jak Imperium - „stylu imperialnym”. Jest to styl późnego klasycyzmu w architekturze i sztuce, zwany także wysokim. Powstała we Francji za panowania Napoleona I i rozwijała się do lat 30. XIX wieku. po czym został zastąpiony przez prądy eklektyczne.

W Wielkiej Brytanii „styl regencyjny” stał się odpowiednikiem stylu Empire (w szczególności John Nash wniósł znaczący wkład). Jednym z założycieli brytyjskiej tradycji architektonicznej jest Inigo Jones, architekt, projektant i artysta.

Najbardziej charakterystyczne wnętrza w stylu klasycyzmu zaprojektował Szkot Robert Adam. Próbował porzucić szczegóły, które nie spełniają konstruktywnej funkcji.

W Niemczech za sprawą Leo von Klenze i Karla Friedricha Schinkla budynki użyteczności publicznej pojawiły się w duchu Partenonu.

W Rosji Andriej Woronikhin i Andriej Zacharow pokazali szczególne umiejętności.

Klasycyzm we wnętrzu

Wymagania stawiane wnętrzom w stylu klasycyzmu były bowiem takie same jak stawiane obiektom architektonicznym: solidne konstrukcje, precyzyjne linie, zwięzłość i zarazem elegancja. Wnętrze staje się jaśniejsze i bardziej powściągliwe, a meble proste i lekkie. Często wykorzystywane są motywy egipskie, greckie czy rzymskie.

Meble epoki klasycyzmu wykonywano ze szlachetnego drewna, ogromne znaczenie nabrała faktura, która zaczęła pełnić funkcję dekoracyjną. Do dekoracji często używano drewnianych rzeźbionych wstawek. Ogólnie wystrój stał się bardziej powściągliwy, ale lepszej jakości i droższy.

Kształty obiektów ulegają uproszczeniu, linie stają się proste. W szczególności nogi są wyprostowane, powierzchnie stają się prostsze. Popularne kolory: mahoń i wykończenie w kolorze jasnego brązu. Krzesła i fotele obite są tkaninami w kwiatowe wzory.

Żyrandole i lampy wyposażone są w kryształowe wisiorki i są dość masywne w wykonaniu.

We wnętrzu znajduje się także porcelana, lustra w drogich ramach, książki, obrazy.

Kolory tego stylu często obejmują wyraźne, prawie pierwotne żółcie, błękity, fiolety i zielenie, przy czym ta ostatnia jest używana z biżuterią czarną i szarą, a także brązową i srebrną. Popularnym kolorem jest biały. Często stosuje się lakiery kolorowe (biały, zielony) w połączeniu z lekkim złoceniem poszczególnych detali.

Obecnie styl klasycystyczny można z powodzeniem stosować zarówno w przestronnych korytarzach, jak i małych pokojach, pożądane jest jednak, aby miały one wysokie sufity - wtedy ta metoda dekoracji będzie miała większy efekt.

Do takiego wnętrza nadają się również tkaniny - z reguły są to jasne, bogate odmiany tekstyliów, w tym gobeliny, tafty i aksamity.

Przykłady architektury

Rozważ najważniejsze dzieła architektów XVIII wieku - okres ten jest szczytem rozkwitu klasycyzmu jako trendu architektonicznego.

We Francji epoki klasycyzmu budowano różne instytucje publiczne, wśród których znajdowały się budynki biznesowe, teatry i budynki komercyjne. Największą budowlą tamtych czasów jest Panteon w Paryżu, którego autorem jest Jacques-Germain Souflo. Pierwotnie projekt był pomyślany jako kościół św. Genevieve, patronkę Paryża, lecz w 1791 roku zamieniono ją w Panteon – miejsce pochówku wielkich ludzi Francji. Stał się przykładem architektury w duchu klasycyzmu. Panteon to budowla na planie krzyża z wielką kopułą i bębnem otoczonym kolumnami. Fasadę główną zdobi portyk z frontonem. Części budynku są wyraźnie odgraniczone, widać przejście od cięższych form do lżejszych. We wnętrzu dominują wyraźne linie poziome i pionowe; kolumny podtrzymują system łuków i sklepień, a jednocześnie tworzą perspektywę wnętrza.

Panteon stał się pomnikiem oświecenia, rozumu i obywatelstwa. W ten sposób Panteon stał się nie tylko architektonicznym, ale także ideologicznym ucieleśnieniem epoki klasycyzmu.

Wiek XVIII był okresem rozkwitu architektury angielskiej. Jednym z najbardziej wpływowych angielskich architektów tamtych czasów był Christopher Wren. Jego prace łączą w sobie funkcjonalność i estetykę. Po wybuchu pożaru w 1666 roku zaproponował własny plan odbudowy centrum Londynu; Jednym z jego najambitniejszych projektów stała się także Katedra św. Pawła, nad którą prace trwały około 50 lat.

Katedra św. Pawła znajduje się w City – biznesowej części Londynu – w jednej z najstarszych dzielnic i jest największym kościołem protestanckim. Ma wydłużony kształt, nawiązujący do krzyża łacińskiego, lecz oś główna zlokalizowana jest podobnie jak osie w cerkwiach. Duchowieństwo angielskie nalegało, aby budowla opierała się na konstrukcji typowej dla średniowiecznych kościołów w Anglii. Sam Wren chciał stworzyć budowlę bliższą formom włoskiego renesansu.

Główną atrakcją katedry jest drewniana kopuła pokryta ołowiem. Jej dolną część otaczają 32 kolumny korynckie (wysokość – 6 metrów). Na szczycie kopuły znajduje się latarnia zwieńczona kulą i krzyżem.

Portyk, znajdujący się w fasadzie zachodniej, ma wysokość 30 metrów i podzielony jest kolumnami na dwie kondygnacje: sześć par kolumn w dolnej i cztery pary w górnej. Na płaskorzeźbie można zobaczyć posągi apostołów Piotra, Pawła, Jakuba i czterech ewangelistów. Po bokach portyku znajdują się dwie dzwonnice: w lewej – 12, a w prawej „Wielkie Podłoga” – główny dzwon Anglii (jego waga wynosi 16 ton) i zegar (tarcza średnica wynosi 15 metrów). Przy głównym wejściu do katedry stoi pomnik Anny, angielskiej królowej poprzedniej epoki. U jej stóp można zobaczyć alegoryczne postacie Anglii, Irlandii, Francji i Ameryki. Drzwi boczne flankowane są pięcioma kolumnami (które pierwotnie nie były częścią planu architekta).

Kolejnym wyróżnikiem jest skala katedry: jej długość wynosi prawie 180 metrów, wysokość od podłogi do kopuły wewnątrz budynku wynosi 68 metrów, a wysokość katedry z krzyżem wynosi 120 metrów.

Do dziś zachowała się kuta ażurowa kratownica autorstwa Jeana Tijoux (koniec XVII w.) oraz rzeźbione drewniane ławy w chórze, uważane za najcenniejszą dekorację katedry.

Jeśli chodzi o mistrzów Włoch, jednym z nich był rzeźbiarz Antonio Canova. Swoje pierwsze dzieła wykonywał w stylu rokoko. Następnie zaczął studiować sztukę starożytną i stopniowo stał się zwolennikiem klasycyzmu. Debiutanckie dzieło nosiło tytuł Tezeusz i Minotaur. Kolejnym dziełem był nagrobek papieża Klemensa XIV, który przyniósł sławę autorowi i przyczynił się do ugruntowania się stylu klasycyzmu w rzeźbie. W późniejszych dziełach mistrza można zaobserwować nie tylko orientację na starożytność, ale także poszukiwanie piękna i harmonii z naturą, form idealnych. Canova aktywnie zapożyczał tematy mitologiczne, tworząc portrety i nagrobki. Do jego najsłynniejszych dzieł należą posąg Perseusza, kilka portretów Napoleona, portret Jerzego Waszyngtona, nagrobki papieży Klemensa XIII i Klemensa XIV. Klientami Canovy byli papieże, królowie i bogaci kolekcjonerzy. Od 1810 roku pełnił funkcję dyrektora Akademii św. Łukasza w Rzymie. W ostatnich latach życia mistrz zbudował w Possagno własne muzeum.

W epoce klasycyzmu w Rosji pracowało wielu utalentowanych architektów, zarówno Rosjan, jak i tych, którzy przyjechali z zagranicy. Wielu zagranicznych architektów, którzy pracowali w Rosji, tylko tutaj mogło w pełni pokazać swój talent. Są wśród nich Włosi Giacomo Quarenghi i Antonio Rinaldi, Francuz Vallin-Delamot i Szkot Charles Cameron. Wszyscy pracowali głównie na dworze w Petersburgu i okolicach. Według projektów Karola Camerona w Carskim Siole wybudowano Sale Agatowe, Zimne Łaźnie i Galerię Cameron. Zaproponował szereg rozwiązań wnętrzarskich, w których wykorzystał sztuczny marmur, szkło z folią, fajans i kamienie półszlachetne. Jedno z jego najsłynniejszych dzieł – pałac i park w Pawłowsku – było próbą połączenia harmonii natury z harmonią twórczości. Główną fasadę pałacu zdobią galerie, kolumny, loggia i kopuła pośrodku. Jednocześnie park angielski zaczyna się od zorganizowanej części pałacowej z alejkami, ścieżkami i rzeźbami, stopniowo przechodząc w las.

Jeśli na początku nowego okresu architektonicznego wciąż nieznany styl reprezentowali głównie zagraniczni mistrzowie, to w połowie stulecia pojawili się oryginalni rosyjscy architekci, tacy jak Bażenow, Kazakow, Starow i inni. Prace ukazują równowagę klasycznych form zachodnich i zjednoczenie z naturą. W Rosji klasycyzm przeszedł kilka etapów rozwoju; swój rozkwit przypadł na okres panowania Katarzyny II, która popierała idee francuskiego oświecenia.

Akademia Sztuk Pięknych wznawia tradycję nauczania swoich najlepszych studentów za granicą. Dzięki temu możliwe stało się nie tylko opanowanie tradycji klasyki architektury, ale także przedstawienie rosyjskich architektów zagranicznym kolegom jako równych partnerów.

Był to duży krok naprzód w organizacji systematycznej edukacji architektonicznej. Bazhenov miał okazję stworzyć budynki Carycyna, a także Dom Paszkowa, który nadal uważany jest za jeden z najpiękniejszych budynków w Moskwie. Racjonalne rozwiązanie kompozycyjne łączy się z wyszukanymi detalami. Budynek stoi na wzgórzu, fasadą zwróconą w stronę Kremla i nasypu.

Bardziej podatnym gruntem dla pojawienia się nowych idei, zadań i zasad architektonicznych był Petersburg. Na początku XIX wieku Zacharow, Woronikhin i Thomas de Thomon wprowadzili w życie wiele znaczących projektów. Najbardziej znaną budowlą Andrieja Woronichina jest katedra kazańska, którą niektórzy nazywają kopią katedry św. Piotra w Rzymie, jednak pod względem planu i kompozycji jest dziełem oryginalnym.

Kolejnym ośrodkiem organizacyjnym Petersburga była Admiralicja architekta Adriana Zacharowa. Dbają o niego główne aleje miasta, a iglica staje się jednym z najważniejszych pionowych punktów orientacyjnych. Pomimo kolosalnej długości fasady Admiralicji Zacharow znakomicie poradził sobie z zadaniem jej rytmicznej organizacji, unikając monotonii i powtórzeń. Budynek Giełdy, który Thomas de Thomon zbudował na mierzei Wyspy Wasiljewskiej, można uznać za rozwiązanie trudnego zadania zachowania projektu mierzei Wyspy Wasiljewskiej, a jednocześnie łączy się go z zespołami z poprzednich epok .

z łac. klasyczny, dosł. - należący do pierwszej klasy obywateli rzymskich; w sensie przenośnym - wzorcowy) - sztuka. kierunek i odpowiadająca mu estetyka. teoria, której powstanie datuje się na XVI wiek, rozkwit – na XVII wiek, upadek – na początek XIX wieku. K. to pierwszy w historii nowożytności nurt w sztuce, w którym zastosowano estetykę. teoria poprzedzała sztukę. praktykowała i narzucała własne prawa. Estetyka K. normatywna i zredukowana do następujących. Przepisy: 1) podstawa art. kreatywność to umysł, któremu muszą podlegać wszystkie składniki art-va; 2) celem twórczości jest poznanie prawdy i jej ujawnienie w formie artystycznej i wizualnej; nie może być rozbieżności między pięknem a prawdą; 3) sztuka musi podążać za naturą, „naśladować” ją; to, co z natury brzydkie, musi stać się estetycznie akceptowalne w sztuce; 4) roszczenie ma charakter moralny ze swej natury i całego systemu sztuk. dzieła potwierdzają moralny ideał społeczeństwa; 5) poznawczy, estetyczny. i etyczne jakość roszczenia-va dyktuje pewne. systemu artystycznego. techniki, aby żyto najlepiej przyczyniło się do praktyki. realizacja zasad K.; zasady dobrego smaku określają cechy, normy i granice każdego rodzaju sztuki i każdego gatunku w obrębie danego rodzaju sztuki; 6) art. ideał, zdaniem teoretyków K., ucieleśnia się w antyku. roszczenie-ve. Dlatego najlepszym sposobem na osiągnięcie sztuki. perfekcja - naśladowanie klasycznych modeli. twierdzenia starożytności. Imię „K.” wywodzi się z przyjętej przez ten kierunek zasady naśladowania antyku. klasyka. K. jest po części charakterystyczna dla estetyki antycznej: teoretycy cesarskiego Rzymu wystąpili z żądaniami naśladowania greki. próbki, kierować się w twierdzeniu zasadami rozumu itp. Kult starożytności odradza się w epoce renesansu, kiedy wzmaga się zainteresowanie starożytnością. kultura, częściowo zniszczona, częściowo zapomniana w średniowieczu. Humaniści badali zabytki starożytności, szukając oparcia w pogańskim światopoglądzie starożytności w walce ze spirytyzmem i scholastyką średniowiecza. wojna. ideologia. „W rękopisach ocalonych podczas upadku Bizancjum, w antycznych posągach wydobytych z ruin Rzymu, przed zdumionym Zachodem ukazał się nowy świat – grecka starożytność; duchy średniowiecza zniknęły przed jego jasnymi obrazami” (Engels F. zob. Marks K. i Engels F., op., wyd. 2, t. 20, s. 345–46). Najważniejsze dla kształtowania estetyki. Teoria humanizmu renesansu opierała się na studiach na temat poetyki Arystotelesa i Horacego, aby żyto zostało przyjęte jako zbiór niepodważalnych praw sztuki. W szczególności rozwinął się on już w XVI wieku. teoria dramatu, zwłaszcza tragedii, i teoria eposu. wiersze, na które zwraca się szczególną uwagę w zachowanym tekście Poetyki Arystotelesa. Minturpo, Castelvetro, Scaliger i inni komentatorzy Arystotelesa położyli podwaliny pod poetykę karnawału i ustalili sztuki typowe dla tej sztuki. kierunki zasad kompozycji dramatu, eposu i innej literatury. gatunki. Na obrazku art-wah i architektura zwracają się od gotyku średniowiecza do stylu Anticha. próbek, co znajduje odzwierciedlenie w teorii. zajmuje się roszczeniami, w szczególności Leon Battista Alberti. W renesansie natomiast estetyka Teoria K. przeżyła jedynie początkowy okres swojego kształtowania. Nie uznawano tego za obowiązkowe, a art. praktyka w dużym stopniu odbiegała od tego. Podobnie jak w literaturze, dramacie i obrazie. art-wah i architektura, sztuka. zdobycze starożytności wykorzystano w takim stopniu, w jakim odpowiadały one ideologii i estetyce. aspiracje postaci humanizmu art-va. W XVII wieku następuje przekształcenie K. w doktrynę niepodważalną, podążanie za rojem staje się obowiązkowe. Jeśli początkowy etap powstawania K. ma miejsce we Włoszech, wówczas projekt K. staje się kompletną estetyką. Doktryna ta miała miejsce we Francji w XVII wieku. Społeczno-polityczne. podstawą tego procesu była regulacja wszystkich sfer życia, prowadzona przez państwo absolutystyczne. Kardynał Richelieu utworzył we Francji Akademię (1634), której powierzono monitorowanie czystości Francuzów. język i literatura. Pierwszym dokumentem, który oficjalnie zatwierdził doktrynę K., była „Opinia Akademii Francuskiej na temat tragikomedii (P. Corneille)„ Cid ”(„Les sentymenty de l’Acad? Mie fran? Aise sur la tragi-com? Die du Cid”, 1638), w którym proklamowano zasady trzech jedności w dramacie (jedność miejsca, czasu i akcji). Równolegle z aprobatą K. w literaturze i teatrze podbił także sferę architektury, malarstwa i rzeźby. We Francji powstaje Akademia Malarstwa i Rzeźby, na której spotkaniach formułowane są zasady K. i plastyczne. roszczenie-wah. Francja w XVII wieku K. znajduje swoją klasykę. formę nie tylko ze względu na stan. wsparcia, ale także ze względu na ogólność rozwoju kultury duchowej tamtych czasów. Przełomowym momentem treści roszczenia-va K. była idea ustanowienia państwowości. Powstał jako przeciwwaga dla waśni. separatyzmu i pod tym względem była zasadą postępową. Jednak postępowość tego pomysłu była ograniczona, ponieważ. sprowadzało się to do przeprosin za monarchię. autokracja. Nosicielem zasady państwowości był monarcha absolutny i w jego osobie ucieleśniała się osoba. ideał. Pieczęć tej koncepcji leży na całym twierdzeniu K., to-ry nazywano później nawet czasem „sądem K.”. Chociaż dwór królewski był rzeczywiście ośrodkiem, skąd ideologiczne. dyrektyw do pozwu, K. jako całość nie był bynajmniej tylko szlachcicem-arystokratą. pozew sądowy. Estetyka K. jest na wyczerpaniu. pod wpływem filozofii racjonalizmu. Ch. Przedstawiciel Francji. Racjonalizm XVII w. Decydujący wpływ na kształtowanie się estetyki miał R. Kartezjusz. doktryna K. Etyka. Ideały K. tylko z pozoru były arystokratyczne. Ich istota była humanistyczna. etyki, uznając potrzebę kompromisu z państwem absolutystycznym. Jednakże w ramach przysługujących im środków zwolennicy K. walczyli z nałogami szlachty i monarchii. społeczeństwo i wychował świadomość moralności. odpowiedzialność wszystkich wobec społeczeństwa, w tym także króla, który był także przedstawiany jako osoba, która w imię interesów państwa porzuciła interesy osobiste. Taka była pierwsza dostępna na tamtym etapie społeczeństw forma ideału obywatelskiego. rozwoju, gdy wschodząca burżuazja nie była jeszcze na tyle silna, aby przeciwstawić się państwu absolutystycznemu. Wręcz przeciwnie, używając jego ext. sprzeczności, przede wszystkim walka monarchii z samowolą szlachty i Frondy, czołowych postaci burżuazyjno-demokratycznych. kultury wspierały monarchię jako państwo centralizujące. początek zdolny do moderowania sporu. ucisku, lub przynajmniej umieścić go w jakichś ramach. Jeśli w niektórych typach i gatunkach sztuki i literatury dominowała zewnętrzna pompatyczność, uniesienie formy, to w innych dopuszczano swobodę. Zgodnie z naturą stanu stanowego, w sztuce istniała także hierarchia gatunków, które dzieliły się na wyższe i niższe. Do niższych zaliczały się komedia, satyra, bajka w literaturze. Jednak to w nich rozwinęły się najbardziej demokratyczne idee. tendencje epoki (komedie Moliera, satyry Boileau, bajki La Fontaine’a). Ale nawet w wysokich gatunkach literatury (tragedia) wpływają zarówno sprzeczności, jak i zaawansowana moralność. ideały epoki (wczesny Corneille, dzieło Racine’a). W zasadzie K. twierdził, że stworzył estetykę. teoria przepojona wszechogarniającą jednością, ale w praktyce sztuka. kulturę epoki charakteryzują wyraźne sprzeczności. Najważniejszym z nich była ciągła rozbieżność między nowoczesnością. treść i antyka. kształt, w jaki został ściśnięty. Bohaterowie tragedii klasycystycznych, mimo antychu. nazwy były francuskie w XVII wieku. poprzez sposób myślenia, moralność i psychologię. Jeśli czasami taka maskarada była korzystna dla ukrycia ataków na władzę, to jednocześnie uniemożliwiała bezpośrednie odbicie nowoczesności. rzeczywistość w klasyce „wysokich gatunków”. pozew sądowy. Dlatego największy realizm charakteryzują gatunki niższe, którym nie zabroniono wizerunku „paskudnego” i „podłego”. W porównaniu z wielostronnym realizmem renesansu K. reprezentował zawężenie sfery życia objętej sztuką. kultura. Jednak estetyka Teoria K. ma tę zaletę, że ujawniła wagę tego, co typowe w sztuce. Co prawda, zasada typizacji była rozumiana w sposób ograniczony, gdyż jej realizację osiągnięto kosztem utraty zasady jednostkowej. Ale istota zjawisk życiowych i człowieka. Bohaterowie otrzymują w K. takie wcielenie, które sprawia, że ​​jest to naprawdę możliwe zarówno poznawczo, jak i edukacyjnie. funkcja dzieł. Ich treść ideologiczna staje się jasna i precyzyjna, zrozumiałość idei nadaje dziełom sztuki bezpośrednią ideologię. postać. Pozew zamienia się w trybunał moralny, filozoficzny, religijny. i polityczne. pomysły. Kryzys feudalny. monarchia rodzi nową formę anty-waśni. ideologie - oświecenie. Istnieje nowa odmiana tej sztuki. kierunki – tzw. edukacyjny K., to-ry charakteryzuje się zachowaniem wszelkich walorów estetycznych. zasady K. XVII w. Poetyka Oświecenia C., sformułowana ostatecznie przez Boileau (traktat poetycki „Sztuka poezji” – „L´art po?tique”, 1674), pozostaje kodem nienaruszalnych zasad dla oświeceniowców – klasycystów , na którego czele stoi Wolter. Nowość w K. XVIII w. ma przede wszystkim charakter społeczno-polityczny. orientacja. Powstaje idealny bohater obywatelski, któremu nie zależy na dobru państwa, ale na dobru społeczeństwa. Nie służenie królowi, ale troska o lud staje się centrum moralnym i politycznym. aspiracje. Tragedie Voltaire'a, Cato Addisona, w pewnym stopniu tragedie Alfieriego i rosyjskie. Klasycyści z XVIII w (A. Sumarokov) afirmuje koncepcje życiowe i ideały sprzeczne z zasadami waśni. państwowość i abs. monarchia. Ten nurt obywatelski we Francji ulega przemianie we Francji w przededniu i w trakcie pierwszej burżuazji. rewolucja w K.Republikanie. Powody, które doprowadziły do ​​odnowienia K. w okresie Franza. burżuazyjny rewolucje zostały głęboko ujawnione przez Marksa, który pisał: „W klasycznie surowych tradycjach Republiki Rzymskiej gladiatorzy społeczeństwa burżuazyjnego odnaleźli ideały i formy artystyczne, potrzebne im złudzenia, aby ukryć przed sobą ograniczoną burżuazyjnie treść swego walczyć, aby utrzymać natchnienie u szczytu wielkiej tragedii historycznej” („Osiemnasty Brumaire Ludwika Bonaparte”, zob. Marx K. i Engels F., Soch., wyd. 2, t. 8, s. 23. 120). Dla republikańskiego K. okresu pierwszego burżuazji. Po rewolucji nastąpiło K. Cesarstwo Napoleońskie, które stworzyło styl Empire. Wszystko to było historyczną maskaradą obejmującą burżuazję. treść ówczesnego przewrotu społecznego. K. XVIII w wolny od pewnych cech dogmatyzmu właściwych poetyce XVII wieku. Działo się to w okresie Oświecenia, w związku z głębszymi studiami nad sztuką klasyczną. starożytność kult starożytności w plastiku. pozew zyskuje szczególnie duży rozwój. W Niemczech Winckelmann, a następnie Lessing uznali tę estetykę. urok zabytków starożytności jest związany z politycznym. budowanie greckiego polis: tylko demokracja i psychologia wolnego obywatela mogą zrodzić tak piękną sztukę. Od tego czasu w nim. teoretyczny myśl potwierdza ideę związku między estetyką. idealny i polityczny wolność, co najwyraźniej zostało wyrażone w „Listach o wychowaniu estetycznym” F. Schillera („ber die? sthetische Erziehung lier Menschen, in einer Reihe von Briefen”, 1795). Jednak dla niego idea ta jawi się w idealistycznie wypaczonej formie: wolność obywatelską osiąga się poprzez estetykę. Edukacja. Takie sformułowanie zagadnienia wiązało się z zacofaniem Niemiec i brakiem warunków wstępnych dla burżuazji. pucz. Jednak w tej formie późny Niemiec. klasycyzm, tzw. Klasycyzm weimarski Goethego i Schillera był sztuką postępową, choć ograniczoną, ideologiczną. zjawisko. W ogóle K. był ważnym etapem w rozwoju praktyki artystycznej i teorii. myśli. W antyku skorupa była ubrana w zaawansowaną burżuazyjno-demokratyczną. ideologia powstania burżuazji. społeczeństwo. Pętający charakter doktrynerskiego nauczania klasycystów był jasny już pod koniec XVII wieku, kiedy zbuntował się przeciwko niemu Saint-Evremond. W XVIII wieku Lessing zadał miażdżące ciosy właśnie w stronę dogmatyki. elementy K., chroniąc jednak „duszę” K., jego piękny ideał człowieka wolnego, harmonijnie rozwiniętego. To był rdzeń klasycyzmu weimarskiego Goethego i Schillera. Ale w pierwszej tercji XIX wieku, po zwycięstwie i aprobacie burżuazji. budynek na Zachodzie. Europa K. traci na znaczeniu. Upadek oświeceniowych złudzeń co do nadejścia królestwa rozumu po zwycięstwie burżuazji. rewolucja uwydatnia iluzoryczną naturę klasyki. ideał w królestwie burżuazji. proza. Historyczny rolę w obaleniu K. pełniła estetyka romantyzmu, przeciwstawiająca się dogmatom K. Walka z K. osiągnęła największe zaostrzenie we Francji pod koniec 1820 r. – wcześnie. 1830, kiedy romantycy zdobyli dyplom. zwycięstwo nad K jak sztuka. kierunek i estetyka. teoria. Nie oznaczało to jednak całkowitego zaniku myśli K. w pozwie. Zarówno pod koniec XIX, jak i w XX w. estetyka ruchy Zap. W Europie występują nawroty. idee, których korzenie sięgają K. Są antyrealistyczne. i estetyczny charakter (tendencje „neoklasyczne” w poezji francuskiej drugiej połowy XIX w.) lub pełnią funkcję maski ideologicznej. reakcje, np. w teoriach dekadenckiego T. S. Eliota po I wojnie światowej. Najbardziej stabilne były estetyczne. Ideały K. w architekturze. Klasyczny styl architektury był wielokrotnie powielany w budownictwie architektonicznym m.in. w latach 30. i 40. XX wieku. w rozwoju architektury w ZSRR. Oświetlony.: Marks K. i Engels F., O sztuce, t. 1–2, M., 1957; Plechanow G. V., Sztuka i literatura, [sob. ], M., 1948, s. 25. 165–87; Kranz [E. ], Doświadczenia z filozofii literatury. Kartezjusz i klasycyzm francuski, przeł. [z francuskiego. ], Petersburg, 1902; Lessing G. E., Dramaturgia Hamburga, M. – L., 1936; Pospelow G. N., Sumarokow i problem języka rosyjskiego. klasycyzm, „Uch. Zap. Moskiewski Uniwersytet Państwowy”, 1948, sygn. 128, książka. 3; Kupreyanov E. H., W kwestii klasycyzmu, w książce: XVIII wiek, sob. 4, M.–L., 1959; Ernst F., Der Klassizismus in Italien, Frankreich und Deutschland, Z., 1924; Peyre H., Qu'est-ce que le classicisme?, P., 1942; Kristeller PO, Klasyka i myśl renesansowa, Camb. (Mass.), 1955. A. Anist. Moskwa.

Klasycyzm (francuski klasycyzm, od łac. Classicus - wzorowy) to styl artystyczny i architektoniczny, nurt w sztuce europejskiej XVII-XIX wieku.

Klasycyzm przeszedł w swoim rozwoju trzy etapy:

* Wczesny klasycyzm (1760–1780)
* Ścisły klasycyzm (połowa lat 80. - 90. XVIII w.)
* Imperium (od imperium francuskiego - „imperium”)
Empire - styl późnego (wysokiego) klasycyzmu w architekturze i sztuce użytkowej. Pochodzi z Francji za panowania cesarza Napoleona I; opracowany w ciągu pierwszych trzech dekad XIX wieku; zastąpione przez prądy eklektyczne.

Choć takie zjawisko w kulturze europejskiej jak klasycyzm dotknęło wszystkich przejawów sztuki (malarstwa, literatury, poezji, rzeźby, teatru), w tym artykule zajmiemy się klasycyzmem w architekturze i wystroju wnętrz.

Historia powstania klasycyzmu

Klasycyzm w architekturze zastąpił pompatyczny rokoko, styl, który już od połowy XVIII wieku był szeroko krytykowany za nadmierną złożoność, pompatyczność, manierę, za komplikowanie kompozycji elementami dekoracyjnymi. W tym okresie idee oświeceniowe zaczęły przyciągać coraz większą uwagę w społeczeństwie europejskim, co znalazło odzwierciedlenie w architekturze. Tym samym uwagę architektów tamtych czasów przyciągnęła prostota, zwięzłość, klarowność, spokój i rygor architektury starożytnej, a przede wszystkim greckiej. Do rosnącego zainteresowania starożytnością przyczyniło się odkrycie w 1755 roku Pompejów z najbogatszymi zabytkami artystycznymi, wykopaliska w Herkulanum, badania architektury starożytnej w południowych Włoszech, na podstawie których ukształtowały się nowe poglądy na architekturę rzymską i grecką. Nowy styl - klasycyzm stał się naturalnym skutkiem rozwoju architektury renesansowej i jej przemian.

Słynne budowle architektoniczne klasycyzmu:

• Dawid Mayernik
  Na zewnątrz Biblioteki Flemingów w Szkole Amerykańskiej w Lugano, Szwajcaria (1996) " target="_blank"> Biblioteka Fleminga Biblioteka Fleminga
• Roberta Adama
  Przykładem brytyjskiego palladianizmu jest londyńska rezydencja Osterley Park „target="_blank"> parku Osterleya parku Osterleya
• Claude-Nicolas Ledoux
  Placówka celna na placu Stalingradu w Paryżu "target="_blank"> placówka celna placówka celna
• Andrzej Palladio
  Andrzej Palladio. Willa Rotunda niedaleko Vicenzy" target="_blank"> Willa Rotunda Willa Rotunda

Główne cechy klasycyzmu

Architekturę klasycyzmu jako całości charakteryzuje regularność planowania i klarowność formy wolumetrycznej. Podstawą języka architektonicznego klasycyzmu był porządek, w proporcjach i formach bliskich starożytności. Klasycyzm charakteryzuje się symetrycznymi kompozycjami osiowymi, powściągliwością dekoracji dekoracyjnej i regularnym układem planowania.

Architekci klasycyzmu

Andrea Palladio (włoski Andrea Palladio; 1508-1580, prawdziwe nazwisko Andrea di Pietro) - wielki włoski architekt późnego renesansu. Twórca palladianizmu i klasycyzmu. Prawdopodobnie jeden z najbardziej wpływowych architektów w historii.

Inigo Jones (1573-1652) był angielskim architektem, projektantem i artystą, który był pionierem brytyjskiej tradycji architektonicznej.

Claude Nicolas Ledoux (1736-1806) to mistrz architektury francuskiego klasycyzmu, antycypujący wiele zasad modernizmu. Uczeń Blondela.

Najważniejsze wnętrza w stylu klasycyzmu zaprojektował Szkot Robert Adam, który w 1758 roku wrócił do ojczyzny z Rzymu. Był pod wielkim wrażeniem zarówno badań archeologicznych włoskich naukowców, jak i fantazji architektonicznych Piranesiego. W interpretacji Adama klasycyzm był stylem niewiele ustępującym rokoko pod względem wyrafinowania wnętrz, co zapewniło mu popularność nie tylko w kręgach społeczeństwa o poglądach demokratycznych, ale także wśród arystokracji. Podobnie jak jego francuscy odpowiednicy, Adam głosił całkowite odrzucenie szczegółów pozbawionych konstruktywnej funkcji.

W Rosji Karl Rossi, Andrey Voronikhin i Andrey Zakharov okazali się wybitnymi mistrzami stylu Empire. Wielu zagranicznych architektów, którzy pracowali w Rosji, tylko tutaj mogło w pełni pokazać swój talent. Są wśród nich Włosi Giacomo Quarenghi, Antonio Rinaldi, Francuz Vallin-Delamote, Szkot Charles Cameron. Wszyscy pracowali głównie na dworze w Petersburgu i okolicach.

W Wielkiej Brytanii Imperium odpowiada tzw. „stylowi regencyjnemu” (największym przedstawicielem jest John Nash).

Niemieccy architekci Leo von Klenze i Karl Friedrich Schinkel budują Monachium i Berlin ze wspaniałymi muzeum i innymi budynkami użyteczności publicznej w duchu Partenonu.

Rodzaje budynków w stylu klasycyzmu

Charakter architektury w większości przypadków pozostawał zależny od tektoniki ściany nośnej i sklepienia, które uległo spłaszczeniu. Ważnym elementem plastycznym staje się portyk, natomiast ściany od zewnątrz i od wewnątrz przedzielone są drobnymi pilastrami i gzymsami. W kompozycji całości i szczegółów, brył i planów dominuje symetria.

Kolorystyka charakteryzuje się jasnymi pastelowymi tonami. Kolor biały z reguły służy ujawnieniu elementów architektonicznych będących symbolem aktywnej tektoniki. Wnętrze staje się jaśniejsze, bardziej powściągliwe, meble proste i lekkie, a projektanci wykorzystali motywy egipskie, greckie czy rzymskie.

Najważniejsze koncepcje urbanistyczne i ich realizacja w przyrodzie końca XVIII i pierwszej połowy XIX wieku kojarzą się z klasycyzmem. W tym okresie powstają nowe miasta, parki, kurorty.

Klasycyzm we wnętrzu

Meble epoki klasycyzmu - solidne i godne szacunku, wykonane zostały ze szlachetnego drewna. Ogromne znaczenie ma faktura drewna, pełniąca rolę elementu dekoracyjnego we wnętrzu. Meble często wykańczano rzeźbionymi wstawkami ze szlachetnego drewna. Elementy dekoracyjne są bardziej powściągliwe, ale drogie. Kształty obiektów zostają uproszczone, linie wyprostowane. Nogi są wyprostowane, powierzchnie stają się prostsze. Popularne kolory: mahoń i wykończenie w kolorze jasnego brązu. Krzesła i fotele obite są tkaninami w kwiatowe wzory.

Żyrandole i lampy wyposażone są w kryształowe wisiorki i są dość masywne w wykonaniu.

We wnętrzu znajduje się także porcelana, lustra w drogich ramach, książki, obrazy.

Kolory tego stylu często obejmują wyraźne, prawie pierwotne żółcie, błękity, fiolety i zielenie, przy czym ta ostatnia jest używana z biżuterią czarną i szarą, a także brązową i srebrną. Popularnym kolorem jest biały. Często stosuje się lakiery kolorowe (biały, zielony) w połączeniu z lekkim złoceniem poszczególnych detali.

• Dawid Mayernik
  Wnętrze Biblioteki Flemingów w Szkole Amerykańskiej w Lugano, Szwajcaria (1996) " target="_blank"> Biblioteka Fleminga Biblioteka Fleminga
• Elizabeth M. Dowling
  Nowoczesna aranżacja wnętrz w stylu klasycznym "target="_blank"> Nowoczesna klasyka Nowoczesna klasyka
• Klasycyzm
  Nowoczesna aranżacja wnętrz w stylu klasycznym "target="_blank"> Hala Hala
• Klasycyzm
  Projekt nowoczesnej jadalni w stylu klasycznym "target="_blank"> Jadalnia Jadalnia

1. Wstęp.Klasycyzm jako metoda artystyczna...................................2

2. Estetyka klasycyzmu.

2.1. Podstawowe zasady klasycyzmu ..................................................................................5

2.2. Obraz świata, koncepcja osobowości w sztuce klasycyzmu...5

2.3. Estetyczny charakter klasycyzmu .................................................. .............................9

2.4. Klasycyzm w malarstwie .................................................. ...........................15

2.5. Klasycyzm w rzeźbie .................................................. ............................... 16

2.6. Klasycyzm w architekturze .................................................. ..............................18

2.7. Klasycyzm w literaturze .................................................. ...............................20

2.8. Klasycyzm w muzyce .................................................. .................. ..................................22

2.9. Klasycyzm w teatrze .................................................. ..................................22

2.10. Oryginalność rosyjskiego klasycyzmu .................................................. .............. ....22

3. Wniosek……………………………………...…………………………...26

Bibliografia..............................…….………………………………….28

Aplikacje ........................................................................................................29

1. Klasycyzm jako metoda artystyczna

Klasycyzm to jedna z metod artystycznych, która naprawdę istniała w historii sztuki. Czasami określa się to terminami „kierunek” i „styl”. Klasycyzm (fr. klasycyzm, z łac. klasyczny- wzorcowy) - styl artystyczny i nurt estetyczny w sztuce europejskiej XVII-XIX wieku.

Klasycyzm opiera się na ideach racjonalizmu, które ukształtowały się jednocześnie z tymi samymi ideami w filozofii Kartezjusza. Dzieło sztuki z punktu widzenia klasycyzmu powinno być budowane w oparciu o ścisłe kanony, ukazując w ten sposób harmonię i logikę samego wszechświata. Klasycyzm interesuje tylko to, co wieczne, niezmienne - w każdym zjawisku stara się on rozpoznać jedynie istotne, typologiczne cechy, odrzucając przypadkowe cechy indywidualne. Estetyka klasycyzmu przywiązuje dużą wagę do społecznej i edukacyjnej funkcji sztuki. Klasycyzm przejmuje wiele zasad i kanonów ze sztuki antycznej (Arystoteles, Horacy).

Klasycyzm ustanawia ścisłą hierarchię gatunków, które dzielą się na wysokie (oda, tragedia, epopeja) i niskie (komedia, satyra, bajka). Każdy gatunek ma ściśle określone cechy, których mieszanie nie jest dozwolone.

Koncepcja klasycyzmu jako metody twórczej implikuje historycznie uwarunkowany sposób estetycznego postrzegania i modelowania rzeczywistości w obrazach artystycznych: obraz świata i koncepcja osobowości, najczęstsze dla masowej świadomości estetycznej danej epoki historycznej, to zawarte w wyobrażeniach o istocie sztuki słownej, jej związku z rzeczywistością, jej własnych, wewnętrznych prawach.

Klasycyzm powstaje i kształtuje się w określonych warunkach historycznych i kulturowych. Najbardziej powszechne przekonanie badawcze łączy klasycyzm z historycznymi warunkami przejścia od rozdrobnienia feudalnego do jednolitej państwowości narodowo-terytorialnej, w tworzeniu której monarchia absolutna odgrywa centralizującą rolę.

Klasycyzm jest organicznym etapem rozwoju każdej kultury narodowej, mimo że różne kultury narodowe przechodzą przez etap klasyczny w różnym czasie, ze względu na indywidualność narodowego wariantu kształtowania się ogólnego modelu społecznego państwa scentralizowanego.

Ramy chronologiczne istnienia klasycyzmu w różnych kulturach europejskich określa się na drugą połowę XVII – pierwsze trzydzieści lat XVIII wieku, mimo że tendencje wczesnoklasycystyczne są wyczuwalne już u schyłku renesansu, na przełomie z XVI-XVII w. W tych granicach chronologicznych francuski klasycyzm jest uważany za standardowe ucieleśnienie tej metody. Ściśle związana z rozkwitem absolutyzmu francuskiego w drugiej połowie XVII wieku, dała kulturze europejskiej nie tylko wielkich pisarzy – Corneille’a, Racine’a, Molière’a, Lafontaine’a, Voltaire’a, ale także wielkiego teoretyka sztuki klasycznej – Nicolasa Boileau-Depreo. . Będąc sam praktykującym pisarzem, który za życia zasłynął swoimi satyrami, Boileau zasłynął głównie dzięki stworzeniu kodu estetycznego klasycyzmu – poematu dydaktycznego „Sztuka poetycka” (1674), w którym podał spójną teoretyczną koncepcję twórczości literackiej, wywodzi się z praktyki literackiej współczesnych mu autorów. W ten sposób klasycyzm we Francji stał się najbardziej świadomym ucieleśnieniem tej metody. Stąd jego wartość referencyjna.

Historyczne przesłanki powstania klasycyzmu łączą problemy estetyczne metody z epoką zaostrzenia relacji między jednostką a społeczeństwem w procesie stawania się autokratyczną państwowością, która zastępując społeczne permisywizm feudalizmu, stara się regulować prawa i wyraźnie rozróżnić sferę życia publicznego od prywatnego oraz relację między jednostką a państwem. Określa to aspekt treściowy sztuki. Jego główne zasady motywowane są systemem poglądów filozoficznych epoki. Tworzą obraz świata i koncepcję osobowości, a kategorie te już zawarte są w całości technik artystycznych twórczości literackiej.

Najbardziej ogólne koncepcje filozoficzne obecne we wszystkich nurtach filozoficznych drugiej połowy XVII - końca XVIII wieku. i bezpośrednio związane z estetyką i poetyką klasycyzmu - są to pojęcia „racjonalizmu” i „metafizyki”, istotne zarówno dla idealistycznej, jak i materialistycznej nauki filozoficznej tamtych czasów. Założycielem filozoficznej doktryny racjonalizmu jest francuski matematyk i filozof Rene Descartes (1596-1650). Zasadnicza teza jego doktryny: „Myślę, więc istnieję” – realizowana była w wielu nurtach filozoficznych tamtych czasów, których łączyła potoczna nazwa „kartezjanizm” (od łacińskiej wersji imienia Kartezjusz – Kartezjusz). jest to teza idealistyczna, gdyż z idei wyprowadza byt materialny. Jednak racjonalizm, jako interpretacja rozumu jako pierwotnej i najwyższej zdolności duchowej człowieka, jest równie charakterystyczny dla materialistycznych nurtów filozoficznych epoki - jak na przykład materializm metafizyczny angielskiej szkoły filozoficznej Bacona-Locke'a , który uznawał doświadczenie za źródło wiedzy, ale stawiał je poniżej uogólniającej i analitycznej działalności umysłu, wydobywając z mnogości faktów uzyskanych przez doświadczenie najwyższą ideę, środek modelowania kosmosu – najwyższej rzeczywistości – z chaosu poszczególnych obiektów materialnych.

Do obu odmian racjonalizmu – idealistycznego i materialistycznego – pojęcie „metafizyki” ma jednakowe zastosowanie. Genetycznie sięga Arystotelesa i w jego doktrynie filozoficznej oznaczał gałąź wiedzy zgłębiającą to, co niedostępne zmysłom i jedynie racjonalnie spekulatywnie rozumiane przez najwyższe i niezmienne zasady wszystkiego, co istnieje. Zarówno Kartezjusz, jak i Bacon używali tego terminu w sensie arystotelesowskim. W czasach nowożytnych pojęcie „metafizyki” nabrało dodatkowego znaczenia i zaczęło oznaczać antydialektyczny sposób myślenia, który postrzega zjawiska i przedmioty bez ich wzajemnych powiązań i rozwoju. Historycznie rzecz biorąc, bardzo trafnie charakteryzuje to specyfikę myślenia epoki analitycznej XVII-XVIII wieku, okresu różnicowania wiedzy naukowej i sztuki, kiedy każda dziedzina nauki, wyróżniająca się z kompleksu synkretycznego, uzyskała swój odrębny przedmiot, ale jednocześnie utracił związek z innymi gałęziami wiedzy.

2. Estetyka klasycyzmu

2.1. Podstawowe zasady klasycyzmu

1. Kult rozumu 2. Kult obowiązku obywatelskiego 3. Odwoływanie się do tematów średniowiecznych 4. Abstrakcja od obrazu życia codziennego, od historycznej tożsamości narodowej 5. Naśladownictwo wzorców antycznych 6. Harmonia kompozycyjna, symetria, jedność dzieła sztuki 7. Bohaterowie są nosicielami jednej głównej cechy, wynikającej z rozwoju zewnętrznego 8. Antyteza jako główna technika tworzenia dzieła sztuki

2.2. Światopogląd, koncepcja osobowości

w sztuce klasycyzmu

Obraz świata generowany przez racjonalistyczny typ świadomości wyraźnie dzieli rzeczywistość na dwa poziomy: empiryczny i ideologiczny. Zewnętrzny, widzialny i namacalny świat materialno-empiryczny składa się z wielu odrębnych obiektów i zjawisk materialnych, które nie są ze sobą w żaden sposób powiązane – jest to chaos indywidualnych bytów prywatnych. Jednak ponad tą chaotyczną mnogością poszczególnych obiektów istnieje ich idealna hipostaza - harmonijna i harmonijna całość, uniwersalna idea wszechświata, która obejmuje idealny obraz każdego obiektu materialnego w jego najwyższym, oczyszczonym z szczegółów, wiecznym i niezmiennym forma: taka, jaka powinna być, zgodnie z pierwotnym zamysłem Stwórcy. Tę ogólną ideę można zrozumieć jedynie w sposób racjonalno-analityczny, stopniowo oczyszczając przedmiot lub zjawisko z jego specyficznych form i wyglądu oraz wnikając w jego idealną istotę i cel.

A ponieważ idea poprzedza stworzenie, a niezbędnym warunkiem i źródłem istnienia jest myślenie, ta idealna rzeczywistość ma najwyższy charakter pierwotny. Łatwo zauważyć, że główne wzorce takiego dwupoziomowego obrazu rzeczywistości bardzo łatwo przekładają się na główny problem socjologiczny okresu przejścia od fragmentacji feudalnej do państwowości autokratycznej – problem relacji jednostki do państwa . Świat ludzi to świat indywidualnych, prywatnych istot ludzkich, chaotyczny i nieuporządkowany, państwo to wszechstronna, harmonijna idea, która z chaosu tworzy harmonijny i harmonijny idealny porządek świata. To jest ten filozoficzny obraz świata XVII-XVIII wieku. określił takie merytoryczne aspekty estetyki klasycyzmu, jak pojęcie osobowości i typologia konfliktu, uniwersalnie charakterystyczne (z niezbędnymi odmianami historycznymi i kulturowymi) dla klasycyzmu w każdej literaturze europejskiej.

W dziedzinie relacji człowieka ze światem zewnętrznym klasycyzm widzi dwa rodzaje powiązań i stanowisk - te same dwa poziomy, które składają się na filozoficzny obraz świata. Pierwszy poziom to tzw. „osoba fizyczna”, istota biologiczna, stojąca wraz ze wszystkimi przedmiotami świata materialnego. Jest to podmiot prywatny, opętany egoistycznymi namiętnościami, nieporządny i nieskrępowany w dążeniu do zapewnienia sobie osobowego bytu. Na tym poziomie powiązań człowieka ze światem wiodącą kategorią wyznaczającą duchowy obraz człowieka jest pasja – ślepa i niepohamowana w swoim pragnieniu realizacji w imię osiągnięcia indywidualnego dobra.

Drugi poziom pojęcia osobowości to tzw. „osoba społeczna”, harmonijnie włączona w społeczeństwo w swoim najwyższym, idealnym obrazie, świadoma, że ​​jej dobro stanowi integralną część dobra wspólnego. „Osoba publiczna” w swoim światopoglądzie i działaniu kieruje się nie namiętnościami, ale rozumem, gdyż to właśnie rozum jest najwyższą duchową zdolnością człowieka, dającą mu możliwość pozytywnego samostanowienia w warunkach wspólnoty ludzkiej w oparciu o normy etyczne spójnego życia wspólnotowego. Zatem koncepcja osobowości ludzkiej w ideologii klasycyzmu okazuje się złożona i sprzeczna: osoba naturalna (namiętna) i społeczna (rozsądna) to jedna i ta sama postać, rozdarta wewnętrznymi sprzecznościami i znajdująca się w sytuacji wyboru .

Stąd – konflikt typologiczny sztuki klasycyzmu, który bezpośrednio wynika z takiej koncepcji osobowości. Jest całkiem oczywiste, że źródłem sytuacji konfliktowej jest właśnie charakter danej osoby. Charakter jest jedną z głównych kategorii estetycznych klasycyzmu, a jego interpretacja znacznie różni się od znaczenia, jakie współczesna świadomość i krytyka literacka nadają pojęciu „charakter”. W rozumieniu estetyki klasycyzmu charakter jest właśnie idealną hipostazą osoby - to znaczy nie indywidualnym magazynem konkretnej ludzkiej osobowości, ale pewnym uniwersalnym spojrzeniem na ludzką naturę i psychologię, ponadczasowym w swej istocie. Tylko w tej formie wiecznego, niezmiennego, uniwersalnego atrybutu człowieka charakter mógłby być przedmiotem sztuki klasycznej, jednoznacznie odnoszącej się do najwyższego, idealnego poziomu rzeczywistości.

Głównymi składnikami charakteru są namiętności: miłość, obłuda, odwaga, skąpstwo, poczucie obowiązku, zazdrość, patriotyzm itp. To przewaga jednej pasji determinuje charakter: „zakochany”, „skąpy”, „zazdrosny”, „patriota”. Wszystkie te definicje są właśnie „znakami” w rozumieniu klasycznej świadomości estetycznej.

Jednak namiętności te nie są sobie równoważne, chociaż zgodnie z koncepcjami filozoficznymi XVII-XVIII wieku. wszystkie namiętności są równe, gdyż wszystkie pochodzą z natury ludzkiej, wszystkie są naturalne i nie da się rozstrzygnąć, która namiętność jest zgodna z godnością etyczną człowieka, a która nie, nie jest w stanie tego dokonać żadna pasja sama w sobie. Decyzje te podejmowane są wyłącznie przez umysł. O ile wszystkie namiętności są w równym stopniu kategoriami emocjonalnego życia duchowego, o tyle niektóre z nich (takie jak miłość, chciwość, zazdrość, obłuda itp.) coraz trudniej zgodzić się z nakazami rozsądku, a bardziej łączą się z koncepcją dobra egoistycznego . Inne (odwaga, poczucie obowiązku, honor, patriotyzm) bardziej podlegają racjonalnej kontroli i nie są sprzeczne z ideą dobra wspólnego, etyką więzi społecznych.

I tak okazuje się, że namiętności rozsądne i nieuzasadnione, namiętności altruistyczne i egoistyczne, namiętności osobiste i publiczne zderzają się w konflikcie. A rozum to najwyższa duchowa zdolność człowieka, narzędzie logiczne i analityczne, które pozwala kontrolować namiętności i odróżniać dobro od zła, prawdę od fałszu. Najczęstszym typem klasycznego konfliktu jest sytuacja konfliktowa pomiędzy osobistymi skłonnościami (miłością) a poczuciem obowiązku wobec społeczeństwa i państwa, która z jakiegoś powodu wyklucza możliwość realizacji pasji miłosnej. Jest rzeczą oczywistą, że ze swej natury jest to konflikt psychologiczny, choć warunkiem koniecznym jego realizacji jest sytuacja, w której zderzają się interesy jednostki i społeczeństwa. Te najważniejsze ideowe aspekty myślenia estetycznego epoki znalazły swój wyraz w systemie wyobrażeń o prawach twórczości artystycznej.

2.3. Estetyczny charakter klasycyzmu

Estetyczne zasady klasycyzmu uległy znaczącym zmianom w trakcie jego istnienia. Cechą charakterystyczną tego nurtu jest kult starożytności. Sztuka starożytnej Grecji i starożytnego Rzymu uznawana była przez klasycystów za idealny wzór twórczości artystycznej. Wielki wpływ na ukształtowanie się zasad estetycznych klasycyzmu wywarły „Poetyka” Arystotelesa i „Sztuka poezji” Horacego. Ujawnia się tu tendencja do tworzenia obrazów wzniosłych, heroicznych, idealnych, racjonalistycznie przejrzystych i plastycznie wypełnionych. Z reguły w sztuce klasycyzmu współczesne ideały polityczne, moralne i estetyczne ucieleśniają się w postaciach, konfliktach, sytuacjach zapożyczonych z arsenału historii starożytnej, mitologii lub bezpośrednio ze sztuki starożytnej.

Estetyka klasycyzmu ukierunkowała poetów, artystów, kompozytorów na tworzenie dzieł sztuki wyróżniających się przejrzystością, logiką, ścisłą równowagą i harmonią. Wszystko to, zdaniem klasycystów, znalazło pełne odzwierciedlenie w starożytnej kulturze artystycznej. Dla nich rozum i starożytność są synonimami. Racjonalistyczna natura estetyki klasycyzmu przejawiała się w abstrakcyjnej typizacji obrazów, ścisłej regulacji gatunków i form, w interpretacji starożytnego dziedzictwa artystycznego, w odwoływaniu się sztuki do rozumu, a nie do uczuć, w pragnieniu podporządkować proces twórczy niewzruszonym normom, regułom i kanonom (norma – od łac. norma – zasada przewodnia, zasada, wzór; ogólnie przyjęta reguła, wzór zachowania lub działania).

Podobnie jak we Włoszech zasady estetyczne renesansu znalazły swój najbardziej typowy wyraz, tak i we Francji XVII wieku. - zasady estetyczne klasycyzmu. Do XVII wieku kultura artystyczna Włoch w dużej mierze straciła swój dawny wpływ. Ale wyraźnie wskazano na nowatorskiego ducha sztuki francuskiej. W tym czasie we Francji powstało państwo absolutystyczne, które zjednoczyło społeczeństwo i scentralizowało władzę.

Umocnienie absolutyzmu oznaczało zwycięstwo zasady powszechnej regulacji we wszystkich sferach życia, od gospodarki po życie duchowe. Dług jest głównym regulatorem ludzkiego zachowania. Państwo ucieleśnia ten obowiązek i działa jako swego rodzaju byt wyobcowany z jednostki. Poddanie się państwu, wypełnianie obowiązków publicznych jest najwyższą cnotą jednostki. Człowiek nie jest już postrzegany jako wolny, jak było to typowe dla światopoglądu renesansowego, ale jako podporządkowany obcym mu normom i zasadom, ograniczony siłami od niego niezależnymi. Siła regulująca i ograniczająca pojawia się w postaci bezosobowego umysłu, któremu jednostka musi być posłuszna i postępować zgodnie z jego poleceniami i przepisami.

Wysoki wzrost produkcji przyczynił się do rozwoju nauk ścisłych: matematyki, astronomii, fizyki, a to z kolei doprowadziło do zwycięstwa racjonalizmu (od łac. stosunek – umysł) – kierunku filozoficznego uznającego umysł za podstawę ludzkiej wiedzy i zachowania.

Idee dotyczące praw twórczości i struktury dzieła sztuki wywodzą się z tego samego epokowego typu światopoglądowego, co obraz świata i koncepcja osobowości. Rozum, jako najwyższa duchowa zdolność człowieka, uważany jest nie tylko za narzędzie wiedzy, ale także za organ twórczości i źródło przyjemności estetycznych. Jednym z najbardziej uderzających motywów przewodnich Sztuki poetyckiej Boileau jest racjonalny charakter działań estetycznych:

Klasycyzm francuski uznawał osobowość człowieka za najwyższą wartość bytu, uwalniając go od wpływów religijnych i kościelnych.

Zainteresowanie sztuką starożytnej Grecji i Rzymu pojawiło się już w epoce renesansu, który po wiekach średniowiecza zwrócił się ku formom, motywom i wątkom antyku. Największy teoretyk renesansu, Leon Batista Alberti, już w XV wieku. wyraził idee, które zapowiadały pewne zasady klasycyzmu i zostały w pełni przejawione na fresku Rafaela „Szkoła ateńska” (1511).

Usystematyzowanie i utrwalenie dorobku wielkich artystów renesansu, zwłaszcza florenckich na czele z Rafaelem i jego uczniem Giulio Romano, złożyło się na program szkoły bolońskiej końca XVI wieku, której najbardziej charakterystycznymi przedstawicielami byli bracia Carracci . W swojej wpływowej Akademii Sztuk Bolończycy głosili, że droga na wyżyny sztuki wiedzie przez skrupulatne studiowanie dziedzictwa Rafaela i Michała Anioła oraz naśladowanie ich mistrzostwa w linii i kompozycji.

W ślad za Arystotelesem klasycyzm uważał sztukę za naśladownictwo natury:

Przyrody jednak bynajmniej nie rozumiano jako wizualnego obrazu świata fizycznego i moralnego, jawiącego się zmysłom, ale właśnie jako najwyższą zrozumiałą istotę świata i człowieka: nie konkretny charakter, ale jego ideę, nie realną istotę. -historyczna lub współczesna fabuła, ale uniwersalna sytuacja konfliktu międzyludzkiego, nie dany krajobraz, ale idea harmonijnego połączenia rzeczywistości naturalnych w idealnie piękną jedność. Klasycyzm znalazł tak idealnie piękną jedność w literaturze starożytnej - to właśnie klasycyzm postrzegał jako osiągnięty już szczyt działalności estetycznej, wieczny i niezmienny standard sztuki, który odtwarzał w swoich wzorach gatunkowych ten najwyższy idealny ideał natury, fizycznej i fizycznej. moralność, którą sztuka powinna naśladować. Tak się złożyło, że teza o naśladowaniu natury przerodziła się w receptę na naśladowanie sztuki antycznej, skąd wziął się sam termin „klasycyzm” (od łac. classicus – wzorowy, studiowany na zajęciach):

Zatem przyroda w sztuce klasycznej jawi się nie tyle jako reprodukcja, co wzorowanie się na wysokim modelu – „ozdobienie” uogólniającą analityczną aktywnością umysłu. Przez analogię można przywołać tzw. park „regularny” (tj. „poprawny”), w którym drzewa przycina się w postaci geometrycznych kształtów i symetrycznie osadza, a ścieżki o prawidłowym kształcie obsypuje się wielobarwnymi kamykami , a woda jest zamknięta w marmurowych basenach i fontannach. Ten styl sztuki ogrodniczej osiągnął swój szczyt właśnie w epoce klasycyzmu. Absolutna przewaga poezji nad prozą w literaturze klasycyzmu wynika z chęci przedstawienia natury „ozdobionej”: jeśli proza ​​jest tożsama z prostą naturą materialną, to poezja jako forma literacka jest z pewnością naturą idealną „ozdobioną”.

We wszystkich tych wyobrażeniach o sztuce, a mianowicie jako o racjonalnej, uporządkowanej, znormalizowanej działalności duchowej, realizowana była hierarchiczna zasada myślenia XVII-XVIII wieku. Literatura sama w sobie także została podzielona na dwa hierarchiczne rzędy, niski i wysoki, z których każdy był tematycznie i stylistycznie powiązany z jednym – materialnym lub idealnym – poziomem rzeczywistości. Satyrę, komedię, bajkę zaliczano do gatunków niskich; do wysokiego - oda, tragedia, epicka. W gatunkach niskich ukazana jest codzienna rzeczywistość materialna, a w powiązaniach społecznych pojawia się osoba prywatna (jednocześnie oczywiście zarówno osoba, jak i rzeczywistość to wciąż te same idealne kategorie pojęciowe). W gatunkach wysokich osoba ukazana jest jako istota duchowa i społeczna, w egzystencjalnym aspekcie swojej egzystencji, samotnie i wraz z odwiecznymi podstawami zagadnień bytu. Dlatego w przypadku gatunków wysokich i niskich istotne okazało się nie tylko zróżnicowanie tematyczne, ale także klasowe ze względu na przynależność bohatera do tej czy innej warstwy społecznej. Bohaterem gatunków niskich jest człowiek z klasy średniej; wysoki bohater - osoba historyczna, bohater mitologiczny lub fikcyjna postać wysokiej rangi - z reguły władca.

W niskich gatunkach postacie ludzkie kształtują podstawowe, codzienne namiętności (skąpstwo, obłuda, hipokryzja, zazdrość itp.); w gatunkach wysokich namiętności nabierają charakteru duchowego (miłość, ambicja, zemsta, poczucie obowiązku, patriotyzm itp.). A jeśli namiętności codzienne są jednoznacznie nierozsądne i błędne, to namiętności egzystencjalne dzielą się na rozsądne - publiczne i nieuzasadnione - osobiste, a od jego wyboru zależy status etyczny bohatera. Jest jednoznacznie pozytywna, jeśli preferuje namiętność racjonalną i jednoznacznie negatywna, jeśli wybiera namiętność nierozsądną. Klasycyzm nie dopuszczał w ocenie etycznej półtonów – na co wpływał także racjonalistyczny charakter metody, wykluczający jakąkolwiek mieszaninę tego, co wysokie i niskie, tragiczne i komiczne.

Ponieważ w teorii gatunkowej klasycyzmu te gatunki, które osiągnęły największy rozkwit w literaturze starożytnej, zostały legitymizowane jako główne, a twórczość literacka została pomyślana jako rozsądna imitacja wysokich standardów, kod estetyczny klasycyzmu nabrał charakteru normatywnego. Oznacza to, że model każdego gatunku został ustalony raz na zawsze w postaci jasnych zasad, od których niedopuszczalne było odstępowanie, a każdy konkretny tekst był oceniany estetycznie według stopnia zgodności z tym idealnym wzorcem gatunkowym.

Źródłem reguł stały się starożytne przykłady: epos Homera i Wergiliusza, tragedia Ajschylosa, Sofoklesa, Eurypidesa i Seneki, komedia Arystofanesa, Menandra, Terencjusza i Plauta, oda Pindara, bajka Ezopa i Fedrusa, satyra na Horacego i Juvenala. Najbardziej typowym i ilustracyjnym przypadkiem takiej regulacji gatunkowej są oczywiście reguły obowiązujące wiodący klasyczny gatunek, czyli tragedie, zaczerpnięte zarówno z tekstów starożytnych tragików, jak i z Poetyki Arystotelesa.

W przypadku tragedii forma poetycka („wiersz aleksandryjski” - sześciostopowy iambik z parą rymów), obowiązkowa konstrukcja składająca się z pięciu aktów, trzy jedności - czasy, miejsca i działania, wysoki styl, fabuła historyczna lub mitologiczna i konflikt, sugerujący obowiązkową sytuację wyboru pomiędzy rozsądną i nieuzasadnioną namiętnością, a sam proces wyboru miał stanowić akcję tragedii. To właśnie w dramatycznej części estetyki klasycyzmu z największą kompletnością i oczywistością wyraził się racjonalizm, hierarchia i normatywność metody:

Wszystko, co powiedziano powyżej o estetyce klasycyzmu i poetyce literatury klasycznej we Francji, odnosi się w równym stopniu do niemal każdej europejskiej odmiany tej metody, ponieważ francuski klasycyzm był historycznie najwcześniejszym i estetycznie najbardziej autorytatywnym wcieleniem tej metody. Ale w przypadku rosyjskiego klasycyzmu te ogólne postanowienia teoretyczne znalazły swego rodzaju załamanie w praktyce artystycznej, ponieważ wynikały z historycznych i narodowych cech kształtowania się nowej kultury rosyjskiej XVIII wieku.

2.4. Klasycyzm w malarstwie

Na początku XVII wieku młodzi obcokrajowcy przybywali do Rzymu, aby zapoznać się z dziedzictwem starożytności i renesansu. Najbardziej znaczące miejsce wśród nich zajął Francuz Nicolas Poussin w swoich obrazach, głównie o tematyce starożytnej starożytności i mitologii, dając niezrównane przykłady geometrycznie dokładnej kompozycji i przemyślanej korelacji grup kolorystycznych. Inny Francuz, Claude Lorrain, w swoich antycznych pejzażach okolic „wiecznego miasta” usprawniał obrazy natury, harmonizując je ze światłem zachodzącego słońca i wprowadzając osobliwe sceny architektoniczne.

Zimno racjonalny normatywizm Poussina spotkał się z aprobatą dworu wersalskiego i był kontynuowany przez malarzy dworskich, takich jak Lebrun, który w malarstwie klasycznym widział idealny język artystyczny do wychwalania absolutystycznego państwa „króla słońca”. Chociaż klienci prywatni preferowali odmiany baroku i rokoka, monarchia francuska utrzymała klasycyzm na powierzchni, finansując instytucje akademickie, takie jak Szkoła Sztuk Pięknych. Nagroda Rzymska zapewniła najzdolniejszym studentom możliwość odwiedzenia Rzymu w celu bezpośredniego zapoznania się z wielkimi dziełami starożytności.

Odkrycie „prawdziwego” malarstwa starożytnego podczas wykopalisk w Pompejach, deifikacja starożytności przez niemieckiego historyka sztuki Winckelmanna i kult Rafaela głoszony przez bliskiego mu światopoglądowo artystę Mengsa tchnęły nowy oddech w klasycyzm w drugiej połowie XVIII wieku (w literaturze zachodniej etap ten nazywany jest neoklasycyzmem). Największym przedstawicielem „nowego klasycyzmu” był Jacques-Louis David; jego niezwykle lakoniczny i dramatyczny język artystyczny służył z równym powodzeniem propagowaniu ideałów rewolucji francuskiej („Śmierć Marata”) i Pierwszego Cesarstwa („Poświęcenie cesarza Napoleona I”).

W XIX wieku malarstwo klasycystyczne wchodzi w okres kryzysu i staje się siłą hamującą rozwój sztuki nie tylko we Francji, ale także w innych krajach. Linię artystyczną Dawida z powodzeniem kontynuował Ingres, zachowując w swoich dziełach język klasycyzmu, często sięgając po tematykę romantyczną o orientalnym zabarwieniu („łaźnie tureckie”); jego prace portretowe charakteryzują się subtelną idealizacją modela. Artyści z innych krajów (jak np. Karl Bryullov) także dzieła o klasycznym kształcie nasycali duchem romantyzmu; to połączenie nazywa się akademizmem. Jej wylęgarnią były liczne akademie artystyczne. W połowie XIX wieku młode pokolenie skłaniające się ku realizmowi, reprezentowane we Francji przez krąg Courbeta, a w Rosji przez Wędrowców, zbuntowało się przeciwko konserwatyzmowi akademickiego establishmentu.

2.5. Klasycyzm w rzeźbie

Impulsem do rozwoju rzeźby klasycznej w połowie XVIII wieku były prace Winckelmanna i wykopaliska archeologiczne starożytnych miast, które poszerzyły wiedzę współczesnych na temat rzeźby antycznej. Na granicy baroku i klasycyzmu we Francji krążyli tacy rzeźbiarze jak Pigalle i Houdon. Klasycyzm osiągnął swoje najwyższe wcielenie w dziedzinie sztuki plastycznej w heroicznej i idyllicznej twórczości Antonio Canovy, który czerpał inspirację głównie z posągów epoki hellenistycznej (Praxiteles). W Rosji Fedot Shubin, Michaił Kozłowski, Borys Orłowski, Iwan Martos skłaniali się ku estetyce klasycyzmu.

Pomniki publiczne, które stały się powszechne w epoce klasycyzmu, dały rzeźbiarzom możliwość idealizowania sprawności militarnej i mądrości mężów stanu. Wierność antycznemu modelowi wymagała od rzeźbiarzy przedstawiania modeli nago, co było sprzeczne z przyjętymi normami moralnymi. Aby rozwiązać tę sprzeczność, postacie nowoczesności były początkowo przedstawiane przez rzeźbiarzy klasycyzmu w postaci nagich starożytnych bogów: Suworowa - w postaci Marsa i Poliny Borghese - w postaci Wenus. Za Napoleona problem rozwiązano, przechodząc na wizerunek współczesnych postaci w antycznych togach (takie jak postacie Kutuzowa i Barclaya de Tolly'ego przed katedrą kazańską).

Klienci indywidualni epoki klasycyzmu woleli utrwalić swoje nazwiska na nagrobkach. Popularności tej formy rzeźbiarskiej sprzyjała aranżacja cmentarzy publicznych w głównych miastach Europy. Zgodnie z klasycznym ideałem postacie na nagrobkach z reguły znajdują się w stanie głębokiego spoczynku. Rzeźbie klasycyzmu na ogół obce są ostre ruchy, zewnętrzne przejawy takich emocji jak gniew.

Późny klasycyzm empirowy, reprezentowany przede wszystkim przez płodnego duńskiego rzeźbiarza Thorvaldsena, nasycony jest raczej suchym patosem. Szczególnie ceniona jest czystość linii, powściągliwość gestów, beznamiętność wyrażeń. Przy wyborze wzorców do naśladowania nacisk przesuwa się z hellenizmu na okres archaiczny. W modzie stają się obrazy religijne, które w interpretacji Thorvaldsena wywierają na widzu nieco mrożące krew w żyłach wrażenie. Rzeźba nagrobna późnego klasycyzmu często nosi lekki akcent sentymentalizmu.

2.6. Klasycyzm w architekturze

Główną cechą architektury klasycyzmu było odwołanie się do form architektury starożytnej jako standardu harmonii, prostoty, rygoru, logicznej przejrzystości i monumentalności. Architekturę klasycyzmu jako całości charakteryzuje regularność planowania i klarowność formy wolumetrycznej. Podstawą języka architektonicznego klasycyzmu był porządek, w proporcjach i formach bliskich starożytności. Klasycyzm charakteryzuje się symetrycznymi kompozycjami osiowymi, powściągliwością dekoracji dekoracyjnej i regularnym układem urbanistycznym.

Architektoniczny język klasycyzmu został sformułowany pod koniec renesansu przez wielkiego weneckiego mistrza Palladia i jego następcę Scamozziego. Wenecjanie zabsolutyzowali zasady starożytnej architektury świątynnej do tego stopnia, że ​​zastosowali je nawet przy budowie takich prywatnych rezydencji jak Villa Capra. Inigo Jones sprowadził palladianizm na północ do Anglii, gdzie lokalni architekci palladiańscy przestrzegali wskazań Palladia z różnym stopniem wierności aż do połowy XVIII wieku.

W tym czasie wśród intelektualistów Europy kontynentalnej zaczął gromadzić się nadmiar „bitej śmietany” późnego baroku i rokoka. Zrodzony przez rzymskich architektów Berniniego i Borrominiego, barok przekształcił się w rokoko, styl przeważnie kameralny, z naciskiem na dekorację wnętrz oraz sztukę i rzemiosło. Do rozwiązywania głównych problemów miejskich ta estetyka była mało przydatna. Już za Ludwika XV (1715-74) budowano w Paryżu zespoły urbanistyczne w stylu „starożytnego rzymskiego”, takie jak Place de la Concorde (architekt Jacques-Ange Gabriel) i kościół Saint-Sulpice, a za Ludwika XVI (1774-92) podobny „szlachetny lakonizm” staje się już głównym nurtem architektonicznym.

Najważniejsze wnętrza w stylu klasycyzmu zaprojektował Szkot Robert Adam, który w 1758 roku wrócił do ojczyzny z Rzymu. Był pod wielkim wrażeniem zarówno badań archeologicznych włoskich naukowców, jak i fantazji architektonicznych Piranesiego. W interpretacji Adama klasycyzm był stylem niewiele ustępującym rokoko pod względem wyrafinowania wnętrz, co zapewniło mu popularność nie tylko w kręgach społeczeństwa o poglądach demokratycznych, ale także wśród arystokracji. Podobnie jak jego francuscy koledzy, Adam głosił całkowite odrzucenie szczegółów pozbawionych konstruktywnej funkcji.

Francuz Jacques-Germain Soufflot podczas budowy kościoła Saint-Genevieve w Paryżu wykazał zdolność klasycyzmu do organizowania rozległych przestrzeni miejskich. Ogromny rozmach jego projektów był zapowiedzią megalomanii imperium napoleońskiego i późnego klasycyzmu. W Rosji Bazhenov podążał w tym samym kierunku co Soufflet. Francuzi Claude-Nicolas Ledoux i Etienne-Louis Boulet poszli jeszcze dalej w kierunku rozwoju radykalnego stylu wizjonerskiego, kładącego nacisk na abstrakcyjną geometrię form. W rewolucyjnej Francji ascetyczny obywatelski patos ich projektów na niewiele się zdał; Innowację Ledoux w pełni docenili dopiero moderniści XX wieku.

Architekci napoleońskiej Francji czerpali inspirację z majestatycznych obrazów chwały militarnej pozostawionych przez cesarski Rzym, takich jak łuk triumfalny Septymiusza Sewera i Kolumna Trajana. Na rozkaz Napoleona obrazy te przeniesiono do Paryża w postaci łuku triumfalnego Carruzel i kolumny Vendôme. W odniesieniu do pomników wielkości militarnej epoki wojen napoleońskich używa się określenia „styl imperialny” – styl Empire. W Rosji Karl Rossi, Andrey Voronikhin i Andrey Zakharov okazali się wybitnymi mistrzami stylu Empire. W Wielkiej Brytanii Imperium odpowiada tzw. „Styl regencyjny” (największym przedstawicielem jest John Nash).

Estetyka klasycyzmu faworyzowała wielkoskalowe projekty urbanistyczne i prowadziła do uporządkowania zabudowy miejskiej w skali całych miast. W Rosji niemal wszystkie miasta prowincjonalne i wiele powiatowych zostały przebudowane zgodnie z zasadami klasycznego racjonalizmu. Takie miasta jak St. Petersburg, Helsinki, Warszawa, Dublin, Edynburg i szereg innych zamieniły się w prawdziwe skanseny klasycyzmu. Na przestrzeni od Minusińska po Filadelfię dominował jeden język architektoniczny, którego początki sięgają Palladia. Zwykłą zabudowę wykonano zgodnie z albumami standardowych projektów.

W okresie po wojnach napoleońskich klasycyzm musiał się pogodzić z romantycznie zabarwionym eklektyzmem, zwłaszcza z powrotem zainteresowania średniowieczem i modą na neogotyk architektoniczny. W związku z odkryciami Champolliona motywy egipskie zyskują na popularności. Zainteresowanie starożytną architekturą rzymską zastępuje szacunek dla wszystkiego, co starożytna greka („neo-grecka”), co było szczególnie widoczne w Niemczech i Stanach Zjednoczonych. Niemieccy architekci Leo von Klenze i Karl Friedrich Schinkel budują odpowiednio Monachium i Berlin ze wspaniałymi muzeum i innymi budynkami użyteczności publicznej w duchu Partenonu. We Francji czystość klasycyzmu zostaje rozrzedzona darmowymi zapożyczeniami z repertuaru architektonicznego renesansu i baroku (patrz Beaus-Arts).

2.7. Klasycyzm w literaturze

Za twórcę poetyki klasycyzmu uważany jest francuski poeta Francois Malherbe (1555-1628), który zreformował język i wiersz francuski oraz rozwinął kanony poetyckie. Czołowymi przedstawicielami klasycyzmu w dramaturgii byli tragicy Corneille i Racine (1639-1699), których głównym tematem twórczości był konflikt pomiędzy obowiązkiem publicznym a namiętnościami osobistymi. Wysoki rozwój osiągnęły także gatunki „niskie” - bajka (J. La Fontaine), satyra (Boileau), komedia (Molière 1622-1673).

Boileau zasłynął w całej Europie jako „ustawodawca Parnasu”, największy teoretyk klasycyzmu, który swoje poglądy wyraził w traktacie poetyckim „Sztuka poetycka”. Pod jego wpływem w Wielkiej Brytanii znajdowali się poeci John Dryden i Alexander Pope, którzy uczynili z aleksandryny główną formę poezji angielskiej. Prozę angielską epoki klasycyzmu (Addison, Swift) charakteryzuje także składnia zlatynizowana.

Klasycyzm XVIII wieku rozwinął się pod wpływem idei Oświecenia. Twórczość Woltera (1694-1778) skierowana jest przeciwko fanatyzmowi religijnemu, uciskowi absolutystycznemu, przepełnionemu patosem wolności. Celem twórczości jest zmiana świata na lepsze, zbudowanie samego społeczeństwa zgodnie z prawami klasycyzmu. Z pozycji klasycyzmu Anglik Samuel Johnson badał literaturę współczesną, wokół której utworzyło się genialne grono podobnie myślących ludzi, w tym eseista Boswell, historyk Gibbon i aktor Garrick. Dzieła dramatyczne charakteryzują trzy jedności: jedność czasu (akcja rozgrywa się jednego dnia), jedność miejsca (w jednym miejscu) i jedność akcji (jedna fabuła).

W Rosji klasycyzm narodził się w XVIII wieku, po przemianach Piotra I. Łomonosow przeprowadził reformę poezji rosyjskiej, rozwinął teorię „trzech uspokojeń”, która w istocie była adaptacją klasycznych reguł francuskich na język rosyjski. Obrazy w klasycyzmie pozbawione są cech indywidualnych, gdyż mają przede wszystkim uchwycić trwałe cechy gatunkowe, które nie przemijają w czasie, będąc ucieleśnieniem wszelkich sił społecznych lub duchowych.

Klasycyzm w Rosji rozwinął się pod wielkim wpływem Oświecenia - idee równości i sprawiedliwości zawsze były w centrum uwagi rosyjskich pisarzy klasycznych. Dlatego w rosyjskim klasycyzmie gatunki, które implikują obowiązkową autorską ocenę rzeczywistości historycznej, znacznie się rozwinęły: komedia (D. I. Fonvizin), satyra (A. D. Kantemir), bajka (A. P. Sumarokov, I. I. Khemnitser), oda (Łomonosow, G. R. Derzhavin).

W związku z głoszonym przez Rousseau wezwaniem do bliskości z naturą i naturalnością, w klasycyzmie końca XVIII w. nasilają się zjawiska kryzysowe; kult czułych uczuć – sentymentalizm – zastępuje absolutyzację rozumu. Przejście od klasycyzmu do przedromantyzmu najwyraźniej znalazło odzwierciedlenie w literaturze niemieckiej epoki Sturm und Drang, reprezentowanej przez nazwiska J. W. Goethego (1749-1832) i F. Schillera (1759-1805), którzy za Rousseau widział w sztuce główną siłę wychowawczą osoby.

2.8. Klasycyzm w muzyce

Pojęcie klasycyzmu w muzyce na stałe kojarzone jest z twórczością Haydna, Mozarta i Beethovena, tzw. Klasyka wiedeńska i wyznaczyła kierunek dalszego rozwoju kompozycji muzycznej.

Pojęcia „muzyki klasycyzmu” nie należy mylić z pojęciem „muzyki klasycznej”, które ma bardziej ogólne znaczenie jako muzyka przeszłości, która przetrwała próbę czasu.

Muzyka epoki klasycyzmu śpiewa o działaniach i czynach człowieka, przeżywanych przez niego emocjach i uczuciach, uważnym i holistycznym ludzkim umyśle.

2.10. Oryginalność rosyjskiego klasycyzmu

Klasycyzm rosyjski powstał w podobnych warunkach historycznych - jego przesłanką było wzmocnienie autokratycznej państwowości i narodowego samostanowienia Rosji od czasów Piotra I. Europeizm ideologii reform Piotra Wielkiego ukierunkował kulturę rosyjską na opanowanie dorobku kultur europejskich . Ale jednocześnie klasycyzm rosyjski powstał prawie sto lat później niż francuski: w połowie XVIII wieku, kiedy klasycyzm rosyjski dopiero zaczynał zyskiwać na sile, we Francji osiągnął drugi etap swojego istnienia. Tak zwany „klasycyzm oświeceniowy” – połączenie klasycznych zasad twórczych z przedrewolucyjną ideologią Oświecenia – rozkwitł w literaturze francuskiej za sprawą Woltera i nabrał antyklerykalnego, społecznie krytycznego patosu: kilka dekad przed rewolucją francuską czasy apologii absolutyzmu były już odległą historią. Klasycyzm rosyjski, poprzez swój silny związek ze świecką reformą kultury, po pierwsze, po pierwsze, postawił sobie początkowo zadania edukacyjne, dążąc do wychowania swoich czytelników i skierowania monarchów na drogę dobra publicznego, po drugie, uzyskał status nurtu wiodącego w Literatura rosyjska do czasów, gdy Piotr I już nie żył, a losy jego reform kulturowych były zagrożone w drugiej połowie lat dwudziestych - trzydziestych XVIII wieku.

Dlatego rosyjski klasycyzm zaczyna się „nie od owocu wiosny - ody, ale od owocu jesieni - satyry”, i od samego początku wpisany jest w niego społecznie krytyczny patos.

Klasycyzm rosyjski odzwierciedlał także zupełnie inny typ konfliktu niż klasycyzm zachodnioeuropejski. Jeśli we francuskim klasycyzmie zasada społeczno-polityczna jest jedynie podłożem, na którym rozwija się psychologiczny konflikt racjonalnych i nieuzasadnionych namiętności i dokonuje się proces wolnego i świadomego wyboru między ich nakazami, to w Rosji, z jej tradycyjnie antydemokratyczną katolicyzmem i absolutnej władzy społeczeństwa nad jednostką, sytuacja była zupełnie inna. Dla mentalności rosyjskiej, która dopiero zaczynała pojmować ideologię personalizmu, potrzebę poniżania jednostki przed społeczeństwem, jednostka przed władzą wcale nie była taką tragedią, jak dla światopoglądu zachodniego. Istotny dla świadomości europejskiej wybór jako możliwość preferowania jednej rzeczy, w warunkach rosyjskich okazał się wyimaginowany, a jego wynik był z góry przesądzony na korzyść społeczeństwa. Tym samym sama sytuacja wyboru w rosyjskim klasycyzmie utraciła funkcję konfliktotwórczą i została zastąpiona inną.

Centralny problem życia Rosjan w XVIII wieku. istniał problem władzy i jej sukcesji: żaden cesarz rosyjski po śmierci Piotra I i przed wstąpieniem na tron ​​Pawła I w 1796 r. nie doszedł do władzy legalnie. 18 wiek - to epoka intryg i przewrotów pałacowych, które zbyt często prowadziły do ​​absolutnej i niekontrolowanej władzy ludzi, która bynajmniej nie odpowiadała nie tylko ideałowi oświeconego monarchy, ale także wyobrażeniom o roli monarchy w państwie państwo. Dlatego klasyczna literatura rosyjska natychmiast przyjęła kierunek polityczno-dydaktyczny i odzwierciedlała właśnie ten problem jako główny tragiczny dylemat epoki - niezgodność władcy z obowiązkami autokraty, konflikt doświadczania władzy jako egoistycznej pasji osobistej z idea władzy sprawowanej na korzyść poddanych.

Tym samym rosyjski konflikt klasycystyczny, zachowując sytuację wyboru między racjonalną i nieuzasadnioną namiętnością jako zewnętrzny schemat fabuły, zrealizował się w pełni jako konflikt społeczno-polityczny. Pozytywny bohater rosyjskiego klasycyzmu nie poniża swojej indywidualnej pasji w imię dobra wspólnego, ale upiera się przy swoich naturalnych prawach, broniąc swojego personalizmu przed tyrańskimi ingerencjami. A najważniejsze jest to, że tę narodową specyfikę metody dobrze zrozumieli sami pisarze: jeśli wątki francuskich tragedii klasycystycznych czerpano głównie ze starożytnej mitologii i historii, to Sumarokow pisał swoje tragedie na fabułach rosyjskich kronik i nawet na fabułach nie tak odległej historii Rosji.

Wreszcie kolejną specyficzną cechą rosyjskiego klasycyzmu było to, że nie opierał się on na tak bogatej i ciągłej tradycji literatury narodowej, jak jakakolwiek inna narodowa europejska odmiana metody. To, co miała każda literatura europejska w momencie pojawienia się teorii klasycyzmu - a mianowicie język literacki z uporządkowanym systemem stylów, zasadami wersyfikacji, dobrze określonym systemem gatunków literackich - wszystko to musiało zostać stworzone w języku rosyjskim . Dlatego w rosyjskim klasycyzmie teoria literatury wyprzedziła praktykę literacką. Akty normatywne rosyjskiego klasycyzmu – reforma wersyfikacji, reforma stylu i regulacja systemu gatunkowego – dokonane zostały w okresie od połowy 1730 r. do końca lat czterdziestych XVIII w. - to znaczy w zasadzie zanim w Rosji rozwinął się pełnoprawny proces literacki zgodnie z klasyczną estetyką.

3. Wniosek

Dla ideologicznych przesłanek klasycyzmu istotne jest, aby pragnienie wolności jednostki przyjąć tu za równie uzasadnione, jak potrzeba społeczeństwa wiązania tej wolności prawami.

Zasada osobista nadal zachowuje to bezpośrednie znaczenie społeczne, tę niezależną wartość, w jaką wyposażył ją renesans. Jednak w przeciwieństwie do niego, teraz ten początek należy do jednostki, wraz z rolą, jaką społeczeństwo otrzymuje teraz jako organizacja społeczna. A to oznacza, że ​​jakakolwiek próba obrony przez jednostkę swojej wolności na przekór społeczeństwu grozi jej utratą pełni więzi życiowych i przekształceniem wolności w wyniszczoną, pozbawioną wsparcia podmiotowość.

Kategoria miary jest kategorią podstawową w poetyce klasycyzmu. Jest niezwykle wieloaspektowa w treści, ma charakter zarówno duchowy, jak i plastyczny, nawiązuje, ale nie pokrywa się z inną typową koncepcją klasycyzmu - koncepcją normy - i jest ściśle związana ze wszystkimi aspektami afirmowanego tutaj ideału.

Umysł klasyczny, jako źródło i gwarant równowagi w przyrodzie i życiu ludzi, nosi piętno poetyckiej wiary w pierwotną harmonię wszystkich rzeczy, ufności w naturalny bieg rzeczy, ufności w istnienie wszechogarniającej zgodności pomiędzy ruchu świata i kształtowania się społeczeństwa, w humanistycznym, zorientowanym na człowieka charakterze tych powiązań.

Bliski jest mi okres klasycyzmu, jego zasady, poezja, sztuka, twórczość w ogóle. Wnioski, jakie klasycyzm wyciąga na temat ludzi, społeczeństwa, świata, wydają mi się jedyne prawdziwe i racjonalne. Mierz, jako środkową linię między przeciwieństwami, porządek rzeczy, systemy, a nie chaos; silny związek człowieka ze społeczeństwem przeciwko jego zerwaniu i wrogości, nadmiernemu geniuszowi i egoizmowi; harmonia przeciw skrajnościom – w tym widzę idealne zasady bytu, których podstawy znajdują odzwierciedlenie w kanonach klasycyzmu.

Lista źródeł

Klasycyzm (z łac. Classicus - wzorowy) to styl artystyczny sztuki europejskiej XVII-XIX wieku, którego jedną z najważniejszych cech było odwołanie się do sztuki starożytnej jako najwyższego modelu i oparcie się na tradycjach wysokiego renesansu. Sztuka klasycyzmu odzwierciedlała idee harmonijnej struktury społeczeństwa, ale pod wieloma względami utraciła je w porównaniu z kulturą renesansu. Konflikty jednostki i społeczeństwa, ideału i rzeczywistości, uczuć i rozumu świadczą o złożoności sztuki klasycyzmu. Formy artystyczne klasycyzmu charakteryzują się ścisłą organizacją, równowagą, przejrzystością i harmonią obrazów.

Klasycyzm kojarzony jest z Oświeceniem, opartym na ideach filozoficznego racjonalizmu, na ideach o racjonalnych prawach świata. Zgodnie ze wzniosłymi ideami etycznymi, edukacyjnym programem sztuki, estetyką klasycyzmu ustanowiono hierarchię gatunków - „wysoką” (tragedia, epos, oda, historia, mitologia, malarstwo religijne itp.) I „niską” (komedia, satyra, bajka, malarstwo rodzajowe itp.) itp.). W literaturze (tragedie P. Corneille'a, J. Racine'a, Voltaire'a, komedie Moliera, wiersz „Sztuka poezji” i satyry N. Boileau, bajki J. La Fontaine'a, proza ​​​​F. La Rochefoucauld, J. La Bruyère we Francji, twórczość okresu weimarskiego IV Goethego i F. Schillera w Niemczech, ody M. V. Łomonosowa i G. R. Derzhavina, tragedie A. P. Sumarokowa i Ya. B. Knyazhnina w Rosji), wiodącą rolę odgrywają istotne kolizje etyczne, normatywne obrazy typizowane. Dla sztuki teatralnej (Mondori, Duparc, M. Chanmelet, A.L. Leken, F.J. Talma, Rachel we Francji, F.K. Neuber w Niemczech, F.G. Volkov, I.A. Dmitrevsky w Rosji) uroczysta, statyczna struktura przedstawień, wyważone czytanie poezji są Charakterystyka.

Główne cechy rosyjskiego klasycyzmu: odwołanie do obrazów i form sztuki starożytnej; bohaterowie są wyraźnie podzieleni na pozytywne i negatywne; fabuła zwykle opiera się na trójkącie miłosnym: bohaterka jest kochankiem-bohaterem, drugim kochankiem; na końcu klasycznej komedii występek jest zawsze karany, a dobro zwycięża, zasada trzech jedności: czas (akcja trwa nie dłużej niż jeden dzień), miejsce, akcja. Można na przykład przytoczyć komedię Fonvizina „Undergrowth”. W tej komedii Fonvizin próbuje wdrożyć główną ideę klasycyzmu - reedukować świat rozsądnym słowem. Pozytywne postacie dużo mówią o moralności, życiu na dworze, obowiązkach szlacheckich. Negatywne postacie stają się ilustracją niewłaściwego zachowania. Za zderzeniem osobistych interesów widoczne są pozycje społeczne bohaterów.

Klasycyzm opiera się na ideach racjonalizmu, wywodzących się z filozofii Kartezjusza. Dzieło sztuki z punktu widzenia klasycyzmu powinno być budowane w oparciu o ścisłe kanony, ukazując w ten sposób harmonię i logikę samego wszechświata. Klasycyzm interesuje tylko to, co wieczne, niezmienne - w każdym zjawisku stara się on rozpoznać jedynie istotne, typologiczne cechy, odrzucając przypadkowe cechy indywidualne. Estetyka klasycyzmu przywiązuje dużą wagę do społecznej i edukacyjnej funkcji sztuki. Klasycyzm przejmuje wiele zasad i kanonów ze sztuki antycznej (Arystoteles, Horacy).