Klasycyzm(fr. klasycyzm, z łac. klasyczny- wzorcowy) - styl artystyczny i kierunek estetyczny w sztuce europejskiej XVII-XIX wieku.
Klasycyzm opiera się na ideach racjonalizmu, które ukształtowały się jednocześnie z tymi samymi ideami w filozofii Kartezjusza. Dzieło sztuki z punktu widzenia klasycyzmu powinno być budowane w oparciu o ścisłe kanony, ukazując w ten sposób harmonię i logikę samego wszechświata. Klasycyzm interesuje tylko to, co wieczne, niezmienne - w każdym zjawisku stara się on rozpoznać jedynie istotne cechy typologiczne, odrzucając przypadkowe cechy indywidualne. Estetyka klasycyzmu przywiązuje dużą wagę do społecznej i edukacyjnej funkcji sztuki. Klasycyzm przejmuje wiele zasad i kanonów ze sztuki antycznej (Arystoteles, Horacy).
Klasycyzm ustanawia ścisłą hierarchię gatunków, które dzielą się na wysokie (oda, tragedia, epopeja) i niskie (komedia, satyra, bajka). Każdy gatunek ma ściśle określone cechy, których mieszanie nie jest dozwolone.
Jak ukształtował się pewien kierunek we Francji w XVII wieku. Klasycyzm francuski uznawał osobowość człowieka za najwyższą wartość egzystencji, uwalniając go spod wpływów religijnych i kościelnych.
Obraz
Zainteresowanie sztuką starożytnej Grecji i Rzymu pojawiło się już w okresie renesansu, który po wiekach średniowiecza zwrócił się w stronę form, motywów i tematów starożytności. Największy teoretyk renesansu, Leon Batista Alberti, już w XV wieku. wyraził idee, które zapowiadały pewne zasady klasycyzmu i zostały w pełni przejawione na fresku Rafaela „Szkoła ateńska” (1511).
Usystematyzowanie i utrwalenie dorobku wielkich artystów renesansu, zwłaszcza florenckich na czele z Rafaelem i jego uczniem Giulio Romano, ukształtowało program szkoły bolońskiej końca XVI wieku, której najbardziej typowymi przedstawicielami byli Carracci bracia. W swojej wpływowej Akademii Sztuk Bolończycy głosili, że droga na wyżyny sztuki wiedzie przez skrupulatne studiowanie dziedzictwa Rafaela i Michała Anioła oraz naśladowanie ich mistrzostwa w linii i kompozycji.
Na początku XVII wieku młodzi obcokrajowcy przybywali do Rzymu, aby zapoznać się z dziedzictwem starożytności i renesansu. Najbardziej znaczące miejsce wśród nich zajmował Francuz Nicolas Poussin, w swoich obrazach, głównie o tematyce starożytnej starożytności i mitologii, dostarczając niezrównanych przykładów geometrycznie precyzyjnej kompozycji i przemyślanych relacji między grupami kolorów. Inny Francuz, Claude Lorrain, w swoich antycznych pejzażach okolic „wiecznego miasta” porządkował obrazy natury, harmonizując je ze światłem zachodzącego słońca i wprowadzając osobliwe sceny architektoniczne.
Zimno racjonalny normatywizm Poussina zyskał aprobatę dworu wersalskiego i był kontynuowany przez artystów dworskich, takich jak Le Brun, który w malarstwie klasycystycznym widział idealny język artystyczny do wychwalania absolutystycznego państwa „króla słońca”. Chociaż klienci prywatni preferowali różne warianty baroku i rokoka, monarchia francuska utrzymała klasycyzm na powierzchni, finansując instytucje akademickie, takie jak École des Beaux-Arts. Nagroda Rzymska zapewniła najzdolniejszym studentom możliwość odwiedzenia Rzymu w celu bezpośredniego zapoznania się z wielkimi dziełami starożytności.
Odkrycie „prawdziwego” malarstwa starożytnego podczas wykopalisk w Pompejach, deifikacja starożytności przez niemieckiego historyka sztuki Winckelmanna i kult Rafaela głoszony przez bliskiego mu poglądami artystę Mengsa, tchnęły nowy oddech w klasycyzm w druga połowa XVIII wieku (w literaturze zachodniej etap ten nazywany jest neoklasycyzmem). Największym przedstawicielem „nowego klasycyzmu” był Jacques-Louis David; jego niezwykle lakoniczny i dramatyczny język artystyczny z równym powodzeniem służył propagowaniu ideałów rewolucji francuskiej („Śmierć Marata”) i Pierwszego Cesarstwa („Poświęcenie cesarza Napoleona I”).
W XIX wieku malarstwo klasycystyczne weszło w okres kryzysu i stało się siłą hamującą rozwój sztuki nie tylko we Francji, ale także w innych krajach. Linię artystyczną Davida z sukcesem kontynuował Ingres, który zachowując w swoich dziełach język klasycyzmu, często sięgał po tematykę romantyczną o orientalnym zabarwieniu („Łaźnie tureckie”); jego prace portretowe charakteryzują się subtelną idealizacją modela. Artyści z innych krajów (jak np. Karl Bryullov) także dzieła o klasycznej formie wypełnili duchem romantyzmu; połączenie to nazwano akademizmem. Jej wylęgarnią były liczne akademie artystyczne. W połowie XIX w. młode pokolenie, skłaniające się ku realizmowi, reprezentowane we Francji przez środowisko Courbeta, a w Rosji przez wędrowców, zbuntowało się przeciwko konserwatyzmowi establishmentu akademickiego.
Architektura
Główną cechą architektury klasycyzmu było odwołanie się do form architektury starożytnej jako standardu harmonii, prostoty, rygoru, logicznej przejrzystości i monumentalności. Architekturę klasycyzmu jako całości charakteryzuje regularność układu i klarowność formy wolumetrycznej. Podstawą języka architektonicznego klasycyzmu był porządek, w proporcjach i formach bliskich starożytności. Klasycyzm charakteryzuje się symetrycznymi kompozycjami osiowymi, powściągliwością dekoracji dekoracyjnych i regularnym układem urbanistycznym.
Architektoniczny język klasycyzmu został sformułowany pod koniec renesansu przez wielkiego weneckiego mistrza Palladia i jego następcę Scamozziego. Wenecjanie zabsolutyzowali zasady starożytnej architektury świątynnej do tego stopnia, że zastosowali je nawet przy budowie takich prywatnych rezydencji jak Villa Capra. Inigo Jones sprowadził palladianizm na północ do Anglii, gdzie lokalni architekci palladiańscy z różnym stopniem wierności przestrzegali zasad palladiańskich aż do połowy XVIII wieku.
W tym czasie wśród intelektualistów Europy kontynentalnej zaczęło narastać nasycenie „bitą śmietaną” późnego baroku i rokoka. Zrodzony z rzymskich architektów Berniniego i Borrominiego, barok przekształcił się w rokoko, styl przeważnie kameralny, z naciskiem na dekorację wnętrz i sztukę zdobniczą. Estetyka ta na niewiele się zdała przy rozwiązywaniu dużych problemów urbanistycznych. Już za Ludwika XV (1715-74) budowano w Paryżu zespoły urbanistyczne w stylu „starożytnego rzymskiego”, takie jak Place de la Concorde (architekt Jacques-Ange Gabriel) i kościół Saint-Sulpice, a za Ludwika XVI (1774-92) podobny „szlachetny lakonizm” staje się już głównym kierunkiem architektonicznym.
Najważniejsze wnętrza w stylu klasycystycznym zaprojektował Szkot Robert Adam, który w 1758 roku powrócił do ojczyzny z Rzymu. Był pod wielkim wrażeniem zarówno badań archeologicznych włoskich naukowców, jak i fantazji architektonicznych Piranesiego. W interpretacji Adama klasycyzm był stylem niewiele ustępującym rokoko pod względem wyrafinowania wnętrz, dzięki czemu zyskał popularność nie tylko wśród demokratycznie nastawionych kręgów społecznych, ale także wśród arystokracji. Podobnie jak jego francuscy koledzy, Adam głosił całkowite odrzucenie szczegółów pozbawionych konstruktywnej funkcji.
Francuz Jacques-Germain Soufflot podczas budowy kościoła Sainte-Geneviève w Paryżu wykazał zdolność klasycyzmu do organizowania rozległych przestrzeni miejskich. Ogromny rozmach jego projektów zapowiadał megalomanię stylu imperium napoleońskiego i późnego klasycyzmu. W Rosji Bazhenov poszedł w tym samym kierunku co Soufflot. Francuzi Claude-Nicolas Ledoux i Etienne-Louis Boullé poszli jeszcze dalej w kierunku opracowania radykalnego stylu wizjonerskiego, kładącego nacisk na abstrakcyjną geometrię form. W rewolucyjnej Francji ascetyczny obywatelski patos ich projektów nie cieszył się dużym zainteresowaniem; Innowację Ledoux w pełni docenili dopiero moderniści XX wieku.
Architekci napoleońskiej Francji czerpali inspirację z majestatycznych obrazów chwały militarnej pozostawionych przez cesarski Rzym, takich jak łuk triumfalny Septymiusza Sewera i Kolumna Trajana. Na rozkaz Napoleona obrazy te przeniesiono do Paryża w postaci łuku triumfalnego Karuzeli i kolumny Vendôme. W odniesieniu do pomników wielkości militarnej z epoki wojen napoleońskich używa się określenia „styl imperialny” – styl empire. W Rosji Carl Rossi, Andrei Voronikhin i Andreyan Zakharov okazali się wybitnymi mistrzami stylu Empire. W Wielkiej Brytanii styl empire odpowiada tzw. „Styl regencyjny” (największym przedstawicielem jest John Nash).
Estetyka klasycyzmu sprzyjała zakrojonym na szeroką skalę projektom urbanistycznym i prowadziła do usprawnienia zabudowy urbanistycznej w skali całych miast. W Rosji niemal wszystkie miasta prowincjonalne i wiele miast powiatowych zostały przebudowane zgodnie z zasadami racjonalizmu klasycystycznego. Miasta takie jak St. Petersburg, Helsinki, Warszawa, Dublin, Edynburg i szereg innych zamieniły się w prawdziwe skanseny klasycyzmu. Na całej przestrzeni od Minusińska po Filadelfię dominował jeden język architektoniczny, którego początki sięgają czasów Palladia. Zwykła zabudowa została przeprowadzona zgodnie z albumami standardowych projektów.
W okresie po wojnach napoleońskich klasycyzm musiał współistnieć z romantycznie zabarwionym eklektyzmem, zwłaszcza wraz z powrotem zainteresowania średniowieczem i modą na neogotyk architektoniczny. W związku z odkryciami Champolliona motywy egipskie zyskują na popularności. Zainteresowanie starożytną architekturą rzymską zastępuje szacunek dla wszystkiego, co starożytna greka („neo-grecka”), co szczególnie wyraźnie objawiło się w Niemczech i USA. Niemieccy architekci Leo von Klenze i Karl Friedrich Schinkel zbudowali odpowiednio Monachium i Berlin ze wspaniałymi muzeum i innymi budynkami użyteczności publicznej w duchu Partenonu. We Francji czystość klasycyzmu zostaje rozmyta darmowymi zapożyczeniami z repertuaru architektonicznego renesansu i baroku (patrz Beaux Arts).
38. Kultura artystyczna Europy okresu oświecenia.
Wiek Oświecenia- jedna z kluczowych epok w historii kultury europejskiej, związana z rozwojem myśli naukowej, filozoficznej i społecznej. Ten ruch intelektualny opierał się na racjonalizmie i wolnomyślicielstwie. Począwszy od Anglii, ruch ten rozprzestrzenił się na Francję, Niemcy, Rosję i objął inne kraje europejskie. Szczególny wpływ wywarli francuscy oświeceniowcy, którzy stali się „mistrzami myśli”. Zasady oświeceniowe stały się podstawą Amerykańskiej Deklaracji Niepodległości i Francuskiej Deklaracji Praw Człowieka i Obywatela. Ruch intelektualny i filozoficzny tej epoki wywarł ogromny wpływ na późniejsze zmiany w etyce i życiu społecznym Europy i Ameryki, walkę o niepodległość narodową amerykańskich kolonii krajów europejskich, zniesienie niewolnictwa i kształtowanie się praw człowieka . Ponadto zachwiało autorytetem arystokracji i wpływem Kościoła na życie społeczne, intelektualne i kulturalne.
Właściwie określenie Edukacja przyszedł na język rosyjski, a także na angielski ( Oświecenie) i niemieckim ( Zeitalter der Aufklärung) z francuskiego ( Siècle des lumières) i odnosi się przede wszystkim do ruchu filozoficznego XVIII wieku. Nie jest to przy tym nazwa pewnej szkoły filozoficznej, gdyż poglądy filozofów oświeceniowych często znacznie różniły się od siebie i były ze sobą sprzeczne. Dlatego oświecenie uważa się nie tyle za zespół idei, ile za pewien kierunek myśli filozoficznej. Filozofia Oświecenia opierała się na krytyce istniejących wówczas tradycyjnych instytucji, zwyczajów i moralności.
Oświecenie to ruch społeczny, estetyczny, ideologiczny i kulturowy w krajach Ameryki i Europy, związany ze zmianami warunków życia, które rozwinęły się pod wpływem upadku feudalizmu i powstania kapitalistycznych stosunków w gospodarce. Ramy historyczne - 1689-1789.
Warunkiem wstępnym i pierwotnymi przyczynami ewolucji estetycznej w społeczeństwie były zmiany w nauce, polityce, ideologii, kulturze i sztuce. Kultura doby Oświecenia walczyła o triumf „królestwa rozumu”, przede wszystkim dzięki rozwojowi nauki. Jej podstawą miała być zasada „równości naturalnej”, z wynikającymi z niej zasadami wolności politycznej i równości obywatelskiej.
Oświeceni byli przekonanymi materialistami i idealistami, którzy uznawali rozum za podstawę ludzkiego poznania i zachowania. Filozoficzne nurty myśli społecznej w kulturze Oświecenia reprezentowały pewną jedność, która wyrażała się w celach i ideałach - wolności, tolerancji religijnej, dobrobycie i szczęściu, niestosowaniu przemocy, wolnomyślicielstwie, a także krytycznym spojrzeniu na wszelkie autorytety.
Wiedza naukowa, dostępna wcześniej jedynie dla wąskiego kręgu naukowców, rozprzestrzenia się daleko poza granice laboratoriów i uniwersytetów. Nauka stopniowo staje się przedmiotem dyskusji wśród osobistości kultury, popularnie prezentujących najnowsze osiągnięcia filozofii i nauki.
Znani ludzie Oświecenia wywodzili się z różnych stanów i klas: od arystokracji i szlachty po pracowników kompleksów handlowych i przemysłowych. W każdym kraju kultura Oświecenia nosiła piętno tożsamości narodowej.
Po rewolucjach i wojnach domowych w XVII i XVIII wieku wygładzono sprzeczności społeczne, rozwinął się parlamentaryzm, co doprowadziło do wzmocnienia walki politycznej na polu prawnym. Kościół nie przeciwstawiał się oświeceniu, a nawet w pewnym stopniu odpowiadał swemu ideałowi tolerancji religijnej. Wszystko to przyczyniło się do szybkiego rozwoju kultury. Zachowana została równowaga pomiędzy wartościami tradycyjnymi, których opiekunem był kościół, a szczególnymi, nowatorskimi, jakie wniosła kultura Oświecenia.
Kultura artystyczna XVIII wieku to okres burzenia budowanego przez wieki systemu artystycznego: sceptycznego i ironicznego stosunku do wszystkiego, co wcześniej uważano za wybrane i wzniosłe. Po raz pierwszy przed artystami otworzyły się możliwości wolności obserwacji i kreatywności. Kultura Oświecenia korzystała z form stylistycznych klasyki, wykorzystując je do odzwierciedlenia zupełnie nowych treści.
Sztuka europejska XVIII wieku łączyła w sobie dwie przeciwstawne zasady: klasycyzm, oznaczający podporządkowanie człowieka systemowi, i romantyzm. W kulturze różnych narodów klasycyzm i romantyzm albo tworzyły pewną syntezę, albo istniały w różnego rodzaju mieszaninach i kombinacjach.
Nowym początkiem w kulturze Oświecenia było także pojawienie się ruchów, które nie miały własnej formy stylistycznej i nie odczuwały potrzeby jej generowania. Jednym z największych ruchów był przede wszystkim sentymentalizm, który w pełni odzwierciedlał oświeceniowe idee o dobroci i czystości natury ludzkiej, które zanikły wraz z „naturalnym stanem” społeczeństwa w trakcie jego stopniowego oddzielania się od natury. Sentymentalizm adresował się przede wszystkim do wewnętrznego, intymnego, osobistego świata ludzkich myśli i uczuć, dlatego nie wymagał specjalnych udoskonaleń stylistycznych. Sentymentalizm był bliski romantyzmowi, gloryfikowany przez niego człowiek „naturalny” nieustannie przeżywa tragedię zderzenia z siłami natury i społeczeństwa, z samym życiem, co szykuje dla niego wielkie wstrząsy. Ich przeczucie przenika całą kulturę Oświecenia.
Cechą charakterystyczną kultury Oświecenia jest proces zastępowania religii w sztuce przez świecką. Architektura świecka w XVIII wieku po raz pierwszy w swojej długiej historii uzyskała pierwszeństwo przed architekturą sakralną w całej Europie. Malarstwo rodzajowe, które odzwierciedlało codzienne obserwacje artystów dotyczące życia prawdziwych ludzi w realnym świecie, jest szeroko rozpowszechnione w krajach europejskich, a czasem nawet stara się zająć miejsce dominujące. Miejsce tak popularnego w przeszłości portretu państwowego zajmuje portret intymny, a w malarstwie pejzażowym pojawia się „pejzaż nastrojowy”, prezentowany przez takich artystów jak Gainsborough, Guardi, Watteau.
Cechą charakterystyczną kultury Oświecenia jest rosnące zainteresowanie szkicem nie tylko wśród samych artystów, ale nawet wśród krytyków i historyków sztuki. Indywidualne spostrzeżenia i nastroje odzwierciedlone w szkicach mają czasami efekt emocjonalny i estetyczny niż całkowicie ukończona praca. Grawerowanie i rysunek są cenione ponad obrazy, ponieważ ustanawiają wyraźniejszą więź między widzem a artystą. Gusta i preferencje epoki zmieniły także wymagania dotyczące koloru obrazów. Artyści XVIII wieku zintensyfikowali dekoracyjne postrzeganie koloru w swoich dziełach, a obrazy zaczęły ozdabiać miejsce, w którym się znajdują.
Kultura Oświecenia, ucieleśniona w architekturze i malarstwie rokokowym, miała przede wszystkim na celu zapewnienie komfortu osobie, której dzieła te będą się podobać. Małe pomieszczenia nie sprawiają wrażenia ciasnych dzięki iluzji „przestrzeni zabawy”, którą architekci i artyści osiągają poprzez zastosowanie różnych środków artystycznych: ozdób, luster, paneli, specjalnych kolorów itp. Styl ten stał się popularny w biednych domach, do których wniósł ducha wygody i przytulności, bez nadmiernej przepychu i luksusu.
Kolejną charakterystyczną cechą kultury Oświecenia było przedstawianie ludzkich doznań i przyjemności – duchowych i fizycznych – za pomocą środków artystycznych. Od XVIII wieku. zarówno publiczność, jak i krytycy wymagają od nowego malarstwa, muzyki i teatru czegoś więcej „przyjemnego” i „zmysłowego”.
W niekończących się sporach między nimi zrodziły się współczesne teorie praw człowieka jako niezależnego obywatela i części społeczeństwa obywatelskiego, demokracji w państwie prawa, etyki indywidualizmu i gospodarki rynkowej.
Starą ideologię, feudalizm, zastąpiły czasy ekonomistów, filozofów, socjologów i pisarzy Oświecenia.
Kultura epoki oświecenia.
Kon. 17 – początek XVIII wiek Otrzymał nazwę „Wiek Oświecenia” lub „Wiek Rozumu”
Okres ten rozpoczyna się w Anglii w roku 1689. Następnie rozprzestrzenia się we Francji i Niemczech. A era ta kończy się wraz z Wielką Rewolucją Francuską w 1789 roku.
Znaki epoki oświecenia:
· Idea równości wszystkich ludzi wobec prawa, innych ludzi i społeczeństwa.
· Zwycięstwo umysłu. Oświeciciele widzieli rozwiązanie wszystkich problemów społecznych w rozpowszechnianiu wiedzy. Za swoje zadanie uważali szerzenie wiedzy i nauczanie zwykłych ludzi.
· Optymizm historyczny. Przedstawiciele tej epoki wierzyli w możliwość zmiany ludzi na lepsze i stworzenia sprawiedliwego społeczeństwa.
W życiu politycznym, gospodarczym i kulturalnym nastąpił proces porzucania stosunków feudalnych i kształtowania się kapitalizmu.
Wiek Oświecenia był okresem szybkiego rozwoju filozofii i ducha. k-ry Wybitny filozof angielski drugiej poł. XVII wiek był John Locke. W jego pismach sformułowano program w języku angielskim. Oświecenie. Uważał, że człowiek ma trzy podstawowe prawa: do życia, do wolności, do własności.
Oświecenie francuskie reprezentowane przez:
· Piłka Louisa Montere. Ostro krytykował absolutyzm i despotyzm, przeciwstawiając je ideałom wolności politycznej.
· Voltaire zajmował się różnymi gatunkami: tragedią, historią. eseje, filozof powieści, traktaty i artykuły polityczne. Sprzeciwiał się Kościołowi i klerykalizmowi, wyśmiewał moralność społeczeństwa feudalnego i absolutyzm.
· Jean Jacques Rousseau – doktryna sprowadzała się do nakazu wyprowadzenia społeczeństwa ze stanu powszechnego zepsucia moralności. Rozwiązanie widział w wychowaniu moralnym, równości materialnej i politycznej. Uważał, że moralność zależy od polityki i systemu społecznego.
Denis Diderot był wybitną postacią francuskiej edukacji. Kierował publikacją 35-tomowej encyklopedii „Explanatory Dictionary of Sciences, Arts and Crafts”. Był to kompletny zasób wiedzy o otaczającym nas świecie. Wydawana była od 1751 do 1772 roku. Niemieckie oświecenie ukształtowało się pod wpływem filozofa Christiana Wulffa. Łączył kult rozumu z głębokim szacunkiem dla religii chrześcijańskiej. Osobliwością niemieckiego oświecenia jest to, że inicjatywa szerzenia nowych idei wyszła od króla Fryderyka Wielkiego.
Wybitnym przedstawicielem niemieckiego oświecenia był profesor Emmanuel Kant z uniwersytetu w Królewcu. Uformował zasady moralnego i intelektualnego wyzwolenia człowieka. Uzasadnił formy prawne i metody walki o zmianę państwa. oraz system społeczny, który przyjął ścieżkę stopniowych reform wykluczających przemoc.
Wiek Oświecenia był punktem zwrotnym w duchowym rozwoju Europy. Ludzie Oświecenia stworzyli nowy system wartości, skierowany do człowieka i niezależny od jego przynależności społecznej. System ten stał się podstawą cywilizacji zachodnioeuropejskiej. Uczeni oświeceniowi przywiązywali dużą wagę do sztuki. Ponieważ postrzegali to jako ważny środek edukacji.
Sztukę zachodnioeuropejską XVIII wieku reprezentują następujące kierunki: klasycyzm, sentymentalizm, realizm.
Na przełomie XVII i XVIII w. Zmiany zachodzą także w kulturze. Centrum kultury XVIII wieku. Francja staje się.
W XVIII wieku. zmianę podejścia do różnych rodzajów sztuki. Malarstwo ustępuje miejsca muzyce.
W XVIII wieku. Rozliczana jest działalność takich znanych lutników jak: Chati, Stradivali, Guarneri.
W XVIII wieku Zalicza się działalność następujących muzyków: włoskiego (Vivaldi), rozkwitu szkoły wiedeńskiej (Haydn, Mozart), szkoły niemieckiej (Beethoven, Bach).
Opera została zreformowana przez kompozytora Glucka.
Wiodącymi gatunkami literatury oświeceniowej były opowiadania satyryczne i rodzinne, opowiadania filozoficzne i dramat.
Pisarze Oświecenia starali się przybliżyć literaturę do życia i poprzez nią zmieniać obyczaje społeczne.
Literaturę niemiecką reprezentuje Friedrich Schiller (dramaty historyczne): „Dziewica z Arlian”, „William Tell”, „Maria Stuart”.
W tym czasie rozpoczął się rozwój reżyserii realistycznej: Jonathan Swift („Podróże Guliwera”), Daniel Defoe („Robinson Crusoe”).
Wielu przedstawicieli oświecenia, na czele z Denisem Diderotem, sprzeciwiało się wyrafinowanej sztuce rokoka. Domagali się sztuki, która wiernie przedstawia życie i ma korzystny wpływ na społeczeństwo.
Głównym kierunkiem był klasycyzm, który w przededniu Wielkiego. Rewolucja Francuska objawiła się w postaci tzw. rewolucyjnego klasycyzmu. Szefem tego kierunku był Francuz. artysta Jean Louis David. Jego najsłynniejsze obrazy: o tematyce starożytnej („Przysięga Horacego”), w sposób realistyczny („Zabójstwo Marata”).
W tym czasie rozwijał się realistyczny kierunek w malarstwie Jeana Baptiste'a Chardina. Maluje martwe natury, obrazy rodzajowe, w których przedstawia życie domowe.
Był wybitnym hiszpańskim artystą XVIII i XIX wieku. Francisco Goya. Był malarzem nadwornym, ale jego obrazy charakteryzowały się ostrą charakterystyką i wdziękiem. Najbardziej znane są ryciny (odbitki) Goi, które nazwano Kaprysami.
Wybitnym rzeźbiarzem francuskim był Etienne Maurice Falconet. Kierował manufakturą porcelany w Sevres. Tworzył drobne rzeźby z biskwitu (nie szkliwionej porcelany). Jest autorem Jeźdźca Brązowego.
Sentymentalizm powstał w ramach Oświecenia. Jego zwolennicy uważali, że nie da się przezwyciężyć chorób społecznych i przemienić społeczeństwa poprzez edukację i reedukację, a sentymentaliści zwrócili uwagę na uczucia ludzi. Oceniają osobę na podstawie jej zdolności do szczerego i głębokiego odczuwania.
Bohaterami dzieł byli ludzie niezwykli. Głównym gatunkiem literatury jest powieść w listach. Powieści Richardsona i Fieldinga cieszą się dużą popularnością.
Pisarze sentymentalistyczni przywiązywali dużą wagę do krajobrazu.
Wybitnym francuskim artystą tego ruchu był Jean Baptiste Greuze, a w Anglii – Thomas Gainsborough. Malują portrety kobiet i obrazy rodzajowe.
Kultura europejska XIX wieku.
Na początku wydarzenia historyczne 19 wiek Związane były z kampaniami wojskowymi Napoleona I. Po obaleniu Napoleona we Francji utworzono monarchię konstytucyjną. W 1848 roku w wyniku rewolucji obalony został król burżuazyjny Ludwik Filip Burbon. W 1871 roku w Paryżu wybuchło powstanie, w wyniku którego powstała Komuna Paryska. Po klęsce gminy zostaje ustanowiona republikańska forma rządów, która stopniowo przybiera nowoczesną formę.
W 2. połowie. 19 wiek Austria utraciła pozycję wielkiego mocarstwa. Jednak w 1868 roku na mocy porozumienia z Węgrami powstało zjednoczone państwo Austro-Węgry.
Wszystkiego o przedstawicielach klasycyzmu dowiecie się czytając ten artykuł.
Przedstawiciele klasycyzmu
Czym jest klasycyzm?
Klasycyzm to styl w sztuce oparty na naśladowaniu standardów antyku. Okres świetności kierunku przypada na XVII-XIX wiek. Odzwierciedla pragnienie integralności, prostoty i logiki.
Przedstawiciele rosyjskiego klasycyzmu
Klasycyzm w Rosji pojawił się na początku XVIII w. wraz z momentem przemian Piotra I i publikacją teorii „Trzech uspokojeń” Łomonosowa oraz reform Trediakowskiego. Do najwybitniejszych przedstawicieli tego kierunku należą:
- Antioch Dmitriewicz Kantemir,
- Aleksander Pietrowicz Sumarokow
- Iwan Iwanowicz Chemnitser.
Architektura rosyjska mieszała kulturę rosyjskiego baroku i bizantyjskiej. Podstawowy przedstawiciele klasycyzmu w architekturze - Eropkin, Kazakow, Zemtsov, Rossi, Korobov, Montferrand i Stasov.
Malarstwo podkreśla gładkość form, a głównymi elementami formy są światłocień i linia. Przedstawiciele klasycyzmu w malarstwie: I. Akimov, P. Sokolov, C. Lorrain i N. Poussin. Lorrain tworzył krajobrazy, które przedstawiały związek natury z człowiekiem, ich harmonię i interakcję. A Poussin malował arcydzieła przedstawiające bohaterskie czyny w stylu historycznym.
Przedstawiciele klasycyzmu w literaturze rosyjskiej
Najwybitniejsi przedstawiciele klasycyzmu w literaturze: Sumarokow, Trediakowski, Kantemir, Łomonosow. Trochę więcej szczegółów na temat każdego z nich. Trediakowski przeszedł do historii jako osoba, która odsłoniła istotę klasycyzmu. Ale Łomonosow wykonał świetną robotę, jeśli chodzi o formę artystyczną. Sumarokow jest twórcą dramatycznego systemu klasycyzmu. Jego słynne dzieło „Dmitrij pretendent” ujawniło sprzeciw wobec carskiego reżimu.
Warto zauważyć, że wszyscy kolejni znani przedstawiciele klasycyzmu studiowali u Łomonosowa. Odpowiada za sformułowanie zasad wersyfikacji i rewizję gramatyki języka rosyjskiego. Pisarz ten wprowadził do literatury rosyjskiej zasady klasycyzmu. Podzielił wszystkie słowa na trzy główne grupy („trzy spokój”):
- Pierwszą grupę wyróżnia powaga i majestat. Jest zdominowany przez starożytne słownictwo rosyjskie. Nadawał się do odów, tragedii i heroicznych eposów.
- Do drugiej grupy zaliczały się elegie, dramaty i satyry.
- Do trzeciej grupy zaliczały się komedie i bajki.
Wybitni przedstawiciele klasycyzmu dzielili swoich bohaterów na postacie pozytywne (które zawsze wygrywają) i negatywne. Fabuła z reguły opierała się na trójkącie miłosnym, walce mężczyzn o posiadanie kobiety. Akcja prac jest ograniczona w czasie (nie dłużej niż 3 dni) i odbywa się w jednym miejscu.
Przedstawiciele klasycyzmu w literaturze światowej
Praktykantami klasycyzmu byli przede wszystkim pisarze francuscy: poeta Malherbe, dramatopisarze Corneille, Racine,
W drugiej połowie XVIII wieku w sztuce rosyjskiej ukształtował się styl klasycyzmu. Oryginalność rosyjskiego klasycyzmu polegała na tym, że jego mistrzowie zwrócili się nie tylko ku starożytności, ale także do rodzimej historii, że dążyli do prostoty, naturalności i człowieczeństwa. W klasycyzmie idee państwa absolutystycznego, które zastąpiły fragmentację feudalną, znalazły swoje artystyczne ucieleśnienie. Absolutyzm wyrażał ideę mocnej władzy i propagował wieczność systemu absolutystycznego.
Wśród największych rosyjskich portrecistów drugiej połowy XVIII wieku najbardziej oryginalnym był F. Rokotow. Już jako młody człowiek dał się powszechnie poznać jako malarz zręczny i oryginalny. Jego twórcze dziedzictwo jest znaczące. Rokotow był już studentem Akademii Sztuk Pięknych w 1760 roku, a trzy lata później został jej nauczycielem, a następnie akademikiem. Usługa odciągnęła artystę od kreatywności, a oficjalne zamówienia stały się ciężarem. W 1765 Rokotow opuścił Akademię Sztuk Pięknych i przeniósł się na stałe do Moskwy. Tam rozpoczął się nowy, twórczy, bardzo owocny okres w jego życiu. Został artystą oświeconej szlachty w niezależnej i czasem wolnomyślącej Moskwie. Jego dzieła odzwierciedlały dążenie najlepszej, oświeconej części rosyjskiej szlachty do przestrzegania wysokich standardów moralnych, charakterystycznych dla tamtych czasów. Artysta uwielbiał przedstawiać osobę bez formalnego otoczenia, bez pozowania. Ludzie na późniejszych portretach Rokotowa stają się atrakcyjniejsi pod względem inteligencji i duchowości. Rokotov zwykle korzysta z miękkiego oświetlenia i skupia całą uwagę na twarzach. Ludzie na jego portretach prawie zawsze się lekko uśmiechają, często uważnie, czasem tajemniczo, patrząc na widza. Łączy ich coś wspólnego, jakiś rodzaj głębokiego człowieczeństwa i ciepła.
Na początku XIX wieku pojawił się wysoki klasycyzm. Cechą charakterystyczną malarzy tamtych czasów była romantyczna afirmacja piękna wyjątkowego, indywidualnego, niezwykłego, ale najwyższe osiągnięcie tej epoki sztuki pięknej w Rosji można uznać nie za malarstwo historyczne, ale za portret (I. Argunov, A. Antropow, W. Borovikovsky, O. Kiprensky).
O.A. Kiprensky (1782-1836) odkrył nie tylko nowe cechy ludzkie, ale także nowe możliwości malarstwa. Każdy z jego portretów ma swoją szczególną strukturę obrazową. Niektóre zbudowane są na ostrym kontraście światła i cienia. W innych głównym środkiem obrazowym jest subtelna gradacja kolorów, które są blisko siebie. Za obrazy K.P. Bryullov (1799-1852) charakteryzuje się połączeniem akademickiego klasycyzmu z romantyzmem, nowatorstwem fabuły, teatralną skutecznością plastyki i oświetlenia, złożonością kompozycji, błyskotliwą wirtuozerią pędzla. Powszechnie znany był obraz „Ostatni dzień Pompei” (1830-1833). Wzniosłe piękno człowieka i nieuchronność jego śmierci odbijają się na obrazie w tragicznej sprzeczności. Romantyczny charakter jest także nieodłącznym elementem większości portretów Bryullowa.
8. „Złoty wiek” kultury rosyjskiej (literatura)
Wiek XIX nazywany jest „złotym wiekiem” poezji rosyjskiej i stuleciem literatury rosyjskiej w skali światowej. Nie zapominajmy, że skok literacki, który nastąpił w XIX wieku, był przygotowany przez cały przebieg procesu literackiego XVII i XVIII wieku. XIX wiek to czas kształtowania się rosyjskiego języka literackiego, który ukształtował się w dużej mierze dzięki A.S. Puszkin.
Ale XIX wiek rozpoczął się wraz z rozkwitem sentymentalizmu i pojawieniem się romantyzmu. Te nurty literackie znalazły wyraz przede wszystkim w poezji. Na pierwszy plan wysuwają się dzieła poetyckie poetów E.A. Baratyński, K.N. Batyushkova, V.A. Żukowski, A.A. Feta, D.V. Davydova, N.M. Jazykowa. Twórczość F.I. Zakończył się „złoty wiek” poezji rosyjskiej Tyutczewa. Jednak centralną postacią tego czasu był Aleksander Siergiejewicz Puszkin.
JAK. Puszkin rozpoczął swoją wspinaczkę na literacki Olimp wierszem „Rusłan i Ludmiła” w 1920 roku. A jego powieść wierszem „Eugeniusz Oniegin” nazwano encyklopedią rosyjskiego życia. Wiersze romantyczne A.S. „Jeździec miedziany” Puszkina (1833), „Fontanna Bachczysaraja” i „Cyganie” zapoczątkowały erę rosyjskiego romantyzmu. Wielu poetów i pisarzy uważało A.S. Puszkina za swojego nauczyciela i kontynuowało ustanowione przez niego tradycje tworzenia dzieł literackich. Jednym z tych poetów był M.Yu. Lermontow. Znany jest jego romantyczny wiersz „Mtsyri”, poetycka opowieść „Demon” i wiele romantycznych wierszy. Co ciekawe, poezja rosyjska XIX wieku była ściśle związana z życiem społeczno-politycznym kraju. Poeci próbowali zrozumieć ideę ich specjalnego przeznaczenia. Poeta w Rosji uważany był za przewodnika boskiej prawdy, proroka. Poeci wzywali władze, aby wysłuchały ich słów. Żywymi przykładami zrozumienia roli poety i wpływu na życie polityczne kraju są wiersze A.S. Puszkin „Prorok”, oda „Wolność”, „Poeta i tłum”, wiersz M.Yu. Lermontowa „O śmierci poety” i wiele innych.
Wraz z poezją zaczęła rozwijać się proza. Na prozaików początku stulecia wpływały angielskie powieści historyczne W. Scotta, których tłumaczenia cieszyły się ogromną popularnością. Rozwój prozy rosyjskiej XIX wieku rozpoczął się od prozy A.S. Puszkin i N.V. Gogola. Puszkin pod wpływem angielskich powieści historycznych tworzy historię „Córka kapitana”, której akcja rozgrywa się na tle wspaniałych wydarzeń historycznych: podczas buntu Pugaczowa. JAK. Puszkin wykonał ogromną pracę, badając ten okres historyczny. Praca ta miała w dużej mierze charakter polityczny i była skierowana do osób sprawujących władzę.
Od połowy XIX wieku trwa kształtowanie się rosyjskiej literatury realistycznej, która powstała na tle napiętej sytuacji społeczno-politycznej, która rozwinęła się w Rosji za panowania Mikołaja I. Kryzys systemu pańszczyzny jest warzenia piwa, a sprzeczności między władzami a zwykłymi ludźmi są silne. Istnieje pilna potrzeba tworzenia literatury realistycznej, żywo reagującej na sytuację społeczno-polityczną w kraju. Krytyk literacki V.G. Bieliński wyznacza nowy realistyczny kierunek w literaturze. Jego stanowisko rozwija N.A. Dobrolyubov, N.G. Czernyszewskiego. Między ludźmi Zachodu a słowianofilami powstaje spór o ścieżki historycznego rozwoju Rosji.
Pisarze zwracają się ku problematyce społeczno-politycznej rosyjskiej rzeczywistości. Rozwija się gatunek powieści realistycznej. Jego prace są tworzone przez I.S. Turgieniew, F.M. Dostojewski, L.N. Tołstoj, I.A. Gonczarow. Dominują zagadnienia społeczno-polityczne i filozoficzne. Literaturę wyróżnia szczególny psychologizm.
Koniec XIX wieku upłynął pod znakiem pojawienia się nastrojów przedrewolucyjnych. Tradycja realistyczna zaczęła zanikać. Zastąpiła ją tzw. literatura dekadencka, której charakterystycznymi cechami był mistycyzm, religijność, a także przeczucie zmian w życiu społeczno-politycznym kraju. Następnie dekadencja rozwinęła się w symbolikę. Otwiera to nową kartę w historii literatury rosyjskiej.
9.Złoty wiek" kultury rosyjskiej (malarstwo, muzyka)
Malarstwo rosyjskie. W 1830 roku rosyjski artysta Karl Pawłowicz Bryullow odwiedził wykopaliska starożytnego miasta Pompeje. Spacerował po starożytnych chodnikach, podziwiał freski, a w jego wyobraźni powstała tragiczna noc sierpnia 79 r. n.e. e., kiedy miasto pokryło się gorącym popiołem i pumeksem przebudzonego Wezuwiusza. Trzy lata później obraz „Ostatni dzień Pompejów” odbył triumfalną podróż z Włoch do Rosji.
Bryullov był we Włoszech w podróży służbowej do Akademii Sztuk Pięknych. Ta instytucja edukacyjna zapewniła dobre wykształcenie w zakresie technik malarskich i rysunkowych. Akademia wyraźnie jednak skupiła się na dziedzictwie starożytnym i tematyce heroicznej. Malarstwo akademickie charakteryzowało się dekoracyjnym pejzażem i teatralnością całości kompozycji. Sceny ze współczesnego życia i zwykłe rosyjskie krajobrazy uznano za niegodne pędzla artysty. Klasycyzm w malarstwie nazywano akademizmem.
Dwóch wybitnych malarzy portretowych swoich czasów - Orest Adamowicz Kiprensky (1782–1836) i Wasilij Andriejewicz Tropinin (1776–1857) – pozostawiło nam dożywotnie portrety Puszkina. W Kiprenskim Puszkin wygląda uroczyście i romantycznie, w aurze poetyckiej chwały. „Pochlebiasz mi, Oreste” – westchnął Puszkin, patrząc na ukończone płótno. W portrecie Tropinina poeta jest czarujący w swojski sposób. Z dzieł Tropinina emanuje szczególne staro-moskiewskie ciepło i komfort.
Proces tworzenia rosyjskiej kultury muzycznej przebiegał w różnych kierunkach. Dzieła kompozytorów początku XIX wieku. był związany z teatrem. Do wczesnych gatunków teatralnych zaliczały się baśniowe opery „Niewidzialny książę” i „Ilja Bogatyr”, opera patriotyczna „Iwan Susanin” K. A. Kavosa, muzyka O. A. Kozłowskiego do tragedii V. A. Ozerowa, oratorium S. A. Degtyareva „ Minina i Pożarskiego” („Wyzwolenie Moskwy”).
Ważną rolę w rozwoju rosyjskiego romansu odegrali kompozytorzy A. A. Alyabyev, A. E. Varlamov, A. L. Gurilev, A. N. Verstovsky. Autor słynnego „Słowika” do słów A. A. Delviga Alyabyeva wprowadził do rosyjskiej muzyki wokalnej romantycznego ducha. Pisał romanse oparte na słowach Puszkina („Kochałem cię”, „Przebudzenie”, „Zimowa droga” itp.). Varlamov stworzył około 200 romansów i pieśni na podstawie wierszy rosyjskich poetów M. Yu. Lermontowa, A. N. Pleszczejewa, A. A. Feta, A. V. Kolcowa i innych. Jego romanse odzwierciedlały figuratywną strukturę rosyjskiej pieśni ludowej, jej intonację i cechy progu. Liryczny talent Gurilewa ujawnia się w jego najlepszych romansach „You Can’t Understand My Sadness”, „Inner Music”. Tradycje baśni i eposów są nieodłącznie związane z romantyczną operą Wierstowskiego „Grób Askolda”.
Dzieła A.S. Puszkina
Twórczość Puszkina była ruchem szybkim, ściśle związanym z jego losami, z życiem społeczno-ideologicznym i literackim Rosji pierwszej tercji XIX wieku. Puszkin nie ma dwóch biografii – zwykłej, codziennej i literackiej. Jest przykładem jedności człowieka i poety. Życie i poezja zlały się dla niego w jedną całość. Dla Puszkina fakty życiowe stały się faktami twórczymi. Z kolei poezja zadecydowała o jego losie.
Prawdziwym triumfem okresu petersburskiego było dzieło „Rusłan i Ludmiła”, opublikowane w 1820 r. Puszkin wziął wątki fabularne, postacie i niektóre sceny z innych źródeł historycznych i literackich, dokonując swojej artystycznej adaptacji. Twórcze rezultaty przyniosły także podróże na Kaukaz i Krym. W 1821 r. ukazali się „Bracia Zbójnicy” i „Więzień Kaukazu”. Wrażenia krymskie zostały przekazane w wierszu „Fontanna Bakczysaraja” z 1822 r. A nocleg u Cyganów w drodze do Odessy przyniósł Puszkinowi inspirację do napisania w 1824 roku wiersza „Cyganie”.
W wyniku twórczych i literackich eksperymentów Puszkina powstały historie o treści romantycznej, z których najlepsze są uważane za „Młodą damę-wieśniaczkę”, powieść poetycką „Eugeniusz Oniegin” i „Opowieść o carze Saltanie”. Podczas pobytu w Moskwie w 1832 roku Puszkin napisał słynną powieść „Dubrowski”, która opowiada o tyranii obszarników, nawiązując do legend z „Syren” i realiów „Jeźdźca z brązu”. Bajki pozostają niezmienione w jego twórczości: o zmarłej księżniczce, o złotym koguciku itp. W 1835 r. ukazały się słynne „Noce egipskie”, a w 1836 r. „Córka kapitana”, które przyniosły Puszkinowi niesamowity sukces.
Analiza opowiadania „Córka kapitana” A. S. Puszkina
Gatunek utworu to opowieść historyczna zapisana w formie pamiętników.
Podstawą wydarzeń historycznych opisanych w opowieści jest powstanie prowadzone przez Emelyana Pugaczowa w latach 1773–1775.
Kompozycja. Fabuła opowiada o dzieciństwie i młodości Petrushy Grineva, o życiu w rodzinie rodzicielskiej. Punktem kulminacyjnym historii jest zdobycie twierdzy Biełogorsk przez rebeliantów i egzekucja kapitana Mironowa i jego żony.
Drugim punktem kulminacyjnym jest pojawienie się Grinewa w zdobytej fortecy, aby uratować Maszę. Rozwiązaniem jest wiadomość o ułaskawieniu Grinewa przez cesarzową. Opowieść kończy się krótkim epilogiem, choć nie jest zaznaczone, że jest to epilog.
Historia ta przedstawia żywy obraz spontanicznego powstania ludowego. Puszkin wymienia niektóre przyczyny powstania i ukazuje zróżnicowany skład narodowościowy i społeczny uczestników ruchu. Bohaterowie tej historii nie są bezimienną masą pod przewodnictwem swojego przywódcy, to różnorodne osobowości, których łączy konkretny cel: okaleczeni Baszkirowie, Chlopusza, Kozacy, chłopi i wielu innych, którzy stali pod sztandarem Pugaczowa.
Podstawowe obrazy. Rysując wizerunek starca Grinewa, Puszkin porusza problem wychowania i edukacji młodzieży. Autor nie idealizuje rodziny Grinevów: głowa rodziny szybko podejmuje decyzje i stosuje represje, jest niestała w poszukiwaniu prawdy. Współczucie budzi jego syn Piotr, który w trudnych okolicznościach, choć jeszcze bardzo młody, honorowo pozostał wierny swemu słowu. Szczery, przyzwoity, wierny przysiędze, nie bojący się zagrożenia i sądu wojskowego, budzi szacunek.
Klasycyzm (od łacińskiego „classicus”, czyli „wzorowy”) to kierunek w malarstwie, którego jedną z charakterystycznych cech było ścisłe przestrzeganie szeregu zasad i kanonów. Zasady zostały opracowane jako środek do osiągnięcia głównego celu, jakim jest oświecenie ludności, poprzez pokazanie jej wzniosłych przykładów i przykładów.
Klasycyzm skupiał się na dziełach sztuki starożytnej, nie oznaczało to jednak prostego kopiowania. Kierunek zakładał także ciągłość tradycji estetycznych renesansu, którego artyści bardzo często sięgali po tematykę antyku.
Klasycyzm wywodzi się z malarstwa artystów krajów Europy Zachodniej końca XVI wieku. Bracia Carracci wnieśli wielki wkład w usystematyzowanie i utrwalenie dorobku wielkich mistrzów renesansu, zwłaszcza Michała Anioła i Rafaela. W latach 80. XVI w otworzyli Akademię Sztuk Pięknych w Bolonii, w której edukacja opierała się na szczegółowym studiowaniu zasad pracy wielkich malarzy (od podstaw kompozycji po rysunek) i naśladowaniu ich umiejętności.
Na początku XVII wieku. Początkujący malarze z różnych krajów przyjeżdżają do Rzymu, aby studiować malarstwo w oparciu o zapoznanie się z arcydziełami starożytności i renesansu. Wielki sukces odniósł Francuz Nicolas Poussin (1594-1664). Następnie stworzył wiele wartościowych artystycznie dzieł na tematy starożytności i mitologii. Jego dzieła wyróżniała niezrównana precyzja kompozycji i przemyślana kolorystyka („Midas i Bachus”, 1625; „Triumf Neptuna”, 1634).
Inny francuski artysta Claude Lorrain (1600-1682) namalował serię pejzaży przedmieść Rzymu. Stał się pierwszym z malarzy, który poważnie zainteresował się problematyką przedstawiania oświetlenia porannego i wieczornego, nasycenia światłem. Filigranowa praca ze światłem i obrazami sylwetek, tworząc efekt głębi przestrzeni - wszystko to tworzy styl dzieł Lorraina („Krajobraz z kupcami”, 1628; „Gwałt Europy”, 1655 itd.).
Klasycyzm osiągnął swój szczyt w XVII wieku. wraz z powstaniem monarchii absolutnej we Francji i wyraźnym rozwojem sztuki teatralnej. Kierunkiem kieruje otwarta w 1648 roku w Paryżu Akademia Sztuk, która stworzyła zbiór niewzruszonych zasad i praw dotyczących malarstwa.
Przedmiotem sztuki mogło stać się tylko to, co piękne i wzniosłe; starożytność pozostała ideałem estetycznym (dlatego w dziełach klasycystów nie można znaleźć osoby o bezkształtnej sylwetce lub zwiotczałej skórze). Akademia ustaliła także zasady przedstawiania „namiętności”; Podzieliła także gatunki sztuki na „wysokie” (historyczne, religijne, mitologiczne) i „niskie” (portret, pejzaż, martwa natura, gatunek codzienny), a łączenie gatunków w malarstwie nie było dozwolone.
W dziełach klasycyzmu główną wagę przywiązywano do: logicznego znaczenia fabuły, jasnej i kompetentnej kompozycji oraz prawidłowego przeniesienia objętości. Głównymi elementami konstruowania formy były linia oraz światło i cień; podział na planach krajobrazowych odbywał się za pomocą koloru (pierwszy plan był brązowy, środkowy zielonkawy, tło niebieskie).
Wybitnymi przedstawicielami europejskiego „późnego klasycyzmu” lub „neoklasycyzmu” byli francuscy artyści Jacques-Louis David (1748-1825) i Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867). Niezwykle suchy i pełen dramatyzmu język obrazowy Jacques’a-Louisa Davida z równym powodzeniem gloryfikował ideały Wielkiej Rewolucji Francuskiej („Śmierć Marata”, 1793), jak i gloryfikował Pierwsze Cesarstwo we Francji („Poświęcenie cesarza Napoleona I” , 1805-07).
Obrazy Ingresa, który często sięgał po tematykę romantyczną, zachwycają wyczuciem stylu, elegancją linii, wspaniałą grą kolorów i światła („Wielka Odaliska”, 1814; „Siedzący kąpiący”, 1808).
Stopniowo malarstwo europejskiego neoklasycyzmu, pomimo działań poszczególnych czołowych malarzy (Jacques-Louis David i Jean-Auguste-Dominique Ingres), przeradza się w oficjalną apologetyczną lub sentymentalną sztukę salonową.
Klasycyzm rosyjski pojawił się w procesie europeizacji Rosji za czasów Katarzyny II i rozpowszechnił się pod koniec XVIII i w pierwszej połowie XIX wieku. Na płótnach artystów dominują idee obywatelstwa, wzniosłych ideałów moralnych, patriotyzmu i wartości osoby ludzkiej. Kultura starożytna, podobnie jak w klasycyzmie europejskim, uznawana jest za absolutną klasykę i bezcenne dziedzictwo historyczne. Sztukę postrzega się jako środek, który powinien oswajać surowe namiętności i angażować się w wychowanie moralne poprzez romantyczną afirmację piękna.
Przedstawicielami rosyjskiego klasycyzmu są przede wszystkim portreciści D. G. Levitsky (1735–1822), F. Rokotov (1736–1808), V. A. Tropinin (1776–1857), O. Kiprensky (1782–1836), V. Borovikovsky ( 1757-1825). Malarze stworzyli całą galerię wspaniałych portretów swoich współczesnych - dzieł wychwalających wewnętrzne piękno i szlachetność ludzkich aspiracji.
Portrety przyniosły nam wizerunki znanych osób, pokazały dojrzałość i kunszt artystyczny artystów. Do najsłynniejszych dzieł należą „Portret koronacyjny Katarzyny II” F. Rokotowa, 1763; „Portret E. I. Nelidovej” D. Levitsky’ego, 1773; „Portret M. I. Lopukhiny” V. Borovikovsky'ego, 1797; „Portret Puszkina” V. Tropinina, 1827
Słynnym rosyjskim klasycystą jest K. A. Bryullov (1799-1852). Jego obrazy łączył akademicki klasycyzm z romantyzmem. Najsłynniejszy obraz artysty „Ostatni dzień Pompei” (1830-33) wyróżnia się dramatyczną fabułą, teatralną widowiskowością plastiku, złożonością oświetlenia i wirtuozowskim wykonaniem.
Ci i inni artyści – przedstawiciele klasycyzmu – w swoich dziełach w dużej mierze antycypowali osiągnięcia rosyjskiego realizmu kolejnych dekad.
Klasycyzm jest wiodącym stylem w sztuce absolutyzmu. Architektura i sztuki piękne klasycyzmu.
Jako styl artystyczny klasycyzm (od łacińskiego classicus - wzorowy) zaczął kształtować się w sztuce europejskiej w XVII wieku.
Jej najważniejszą cechą było odwołanie się do zasad sztuki starożytnej: racjonalizm, symetria, kierunek, powściągliwość i ścisła zgodność treści dzieła z jego formą.
Styl ten rozwinął się we Francji, odzwierciedlając ustanowienie absolutyzmu w tym kraju. Równolegle ze stylem barokowym klasycyzm rozwiązywał problemy swoich czasów z innych stanowisk i innymi środkami wizualnymi - gloryfikując władzę monarchy absolutnego.
W rozwoju klasycyzmu można wyróżnić dwa etapy: wiek XVII. i XVIII - początek XIX wieku.
Zasady klasycyzmu opierają się na ideach filozoficznego racjonalizmu, który broni idei rozsądnego wzorca świata i pięknej, uszlachetnionej natury. Według tej koncepcji dzieło sztuki jest owocem rozumu i logiki, który zwycięża lub pokonuje postrzegany zmysłowo chaos i płynność życia.
Dla klasycystów wartość estetyczną ma tylko to, co ponadczasowe, czyli niezniszczalne.
Klasycyzm wysunął nowe standardy etyczne, przywiązując dużą wagę do społecznej i edukacyjnej funkcji sztuki.
Bohaterowie klasycyzmu są odporni na zmienne koleje i okrucieństwo losu. Dla nich to, co ogólne, jest wyższe od tego, co osobiste, namiętności są podporządkowane obowiązkowi, rozsądkowi i interesowi publicznemu.
Estetyka klasycyzmu, oparta na orientacji na zasadę racjonalną, określiła odpowiednie wymagania, czyli reguły normatywne. Ustalono ścisłą hierarchię gatunków. Tym samym w malarstwie obrazy historyczne, mityczne i religijne uznano za gatunki „wysokie”. Do „niskich” zaliczano pejzaż, portret i martwą naturę.
Dla rzeźby i malarstwa ustalono wyraźne rozgraniczenie planów i gładkość form: jeśli w figurach był ruch, to nie zakłócał on ich spokojnej statyczności i plastycznej izolacji. Aby wyraźnie wyróżnić obiekty, zastosowano kolor lokalny: brązowy dla bliży, zielony dla środka, niebieski dla tła.
W architekturze Budowle publiczne i pałacowe, zespoły miejskie, zespoły pałacowo-parkowe przepojone są duchem podniosłego przepychu. Ich rozwiązania przestrzenne wyróżnia przejrzysta logika, elewacje wyróżniają się harmonią kompozycyjnej konstrukcji z proporcjonalnością części, a formy architektoniczne wyróżniają się prostotą i rygorem.
Nawet w naturze wprowadza się rygorystyczny porządek: mistrzowie klasycyzmu stworzyli system tzw zwykły park. Architekci klasycyzmu szeroko zwracają się do dziedzictwa starożytnego, studiując ogólne zasady architektury starożytnej.
Duch klasycyzmu nie sprzyjał wyrażaniu idei religijnych i mistycznych, a co za tym idzie budowle sakralne nie mają w architekturze klasycyzmu tak ogromnego znaczenia jak w baroku. Klasycyzm pozostawił w zespole architektonicznym tak wspaniałe zabytki syntezy artystycznej, jak rzeźba oraz sztuka dekoracyjna i użytkowa.
W sztukach pięknych Klasycyzm, jednym z głównych tematów był temat obowiązku, zwycięstwa publicznego nad osobistym, temat afirmacji najwyższych zasad etycznych: bohaterstwa, męstwa, czystości moralnej, które znajdują swoją artystyczną realizację w obrazach przepełnionych wzniosłością piękno i wielkość. Klasycyzm przeciwstawia sprzeczności i niedoskonałości rzeczywistości zasadzie racjonalności i ścisłej dyscypliny, za pomocą której człowiek musi pokonywać przeszkody życiowe.
Zgodnie z estetyką klasycyzmu, rozum jest głównym kryterium piękna. Artysta w swojej twórczości musi opierać się na doskonałych wzorach, które uważano za dzieła sztuki starożytnej i wysokiego renesansu.
W środkach języka wizualnego teoria klasycyzmu preferuje rysunek, a kolorowaniu przypisuje się rolę podrzędną. Uznając piękno prawdziwego życia, piękno natury, artyści klasycystyczni preferowali przedstawianie natury, które nie tylko służy jako aktywne tło w kompozycjach fabularnych, ale często stanowi decydującą podstawę w ogólnej strukturze obrazu.
Artyści: Liderem francuskiego klasycyzmu w malarstwie jest Jacques Louis David (1748-1825). „Przysięga Horatii”; „Koronacja Napoleona”; „Andromacha opłakuje śmierć Hektora”; „Śmierć Marata”.
Jean Auguste Ingres (1780-1867) jest genialnym mistrzem kompozycji i rygorystycznego, drobnego rysunku. Jest autorem obrazów o tematyce historycznej i religijnej („Ślub Ludwika XIII”, „Apoteoza Homera”). Zapisał się w historii sztuki francuskiej jako pierwszorzędny portrecista realistyczny. „Portret Bertina”; cykle „Odaliski”, „Wielki Kąpiący”.
Nicolas Poussin (1594-1665) - twórca malarstwa klasycystycznego, głównego nurtu stylowego we Francji; „Tankred i Erminia”, „Śmierć Germanika”. Majestatyczne bohaterskie krajobrazy Poussin są piękne: „Krajobraz Polifema”, „Pasterze Arkadyjscy”.