Minimalizm lub minimal art to ruch w sztuce, który pojawił się w latach 60. XX wieku. Krótko mówiąc minimalizm w malarstwie- to chęć artysty, aby maksymalnie uprościć swoją pracę, ograniczając do minimum ilość szczegółów i elementów obcych. Jednocześnie ważnym warunkiem minimalizmu jest zachowanie znaczenia obrazu, jego głównej istoty i przesłania dla widza. Aby osiągnąć maksymalną wyrazistość, łatwość percepcji, a także ujawnić prawdziwe znaczenie i głębię obrazu, pozwala to osiągnąć celowa prostota obrazu i lakonizm form. Minimalizm charakteryzuje się dosłownym podejściem do przedmiotu.
Minimalizm w malarstwie to skupienie się na tym, co najważniejsze, na najważniejszej idei, którą autor chciał pokazać. Widz w minimalizmie nie jest rozpraszany przez obce przedmioty, niepotrzebne detale, rozwiązania kompozycyjne, tło i inne rzeczy. Cała jego uwaga skupia się na najważniejszej rzeczy, a ta najważniejsza rzecz jest często jedyną rzeczą obecną na zdjęciu. Minimalizm upraszcza obraz, często upodabniając go do rzeźby, aby ukazać zasadniczą podstawę głównego tematu obrazu.
Po pojawieniu się w połowie ubiegłego wieku minimalizm od razu stał się interesujący zarówno dla koneserów sztuki, jak i widzów. Minimalizm stał się swego rodzaju kontynuacją awangardowych ruchów w sztuce - impresjonizmu, abstrakcjonizmu, konstruktywizmu, formalizmu i tak dalej. Artyści tacy jak Ryman, Le Witt, Flavin, De Maria, Bochner, Duchamp, Carl Andre, Robert Morris i inni przekształcili fenomen minimalizmu w pełnoprawny kierunek artystyczny. Świadome i nienaturalne upraszczanie form w malarstwie klasycznym stało się kolejnym wyzwaniem w sztuce, kolejnym skokiem w rozwoju nowoczesnych, jak na tamte czasy, technik i trendów.
Minimalizm to filozoficzne spojrzenie na rzeczy - kontemplacja medytacyjna, refleksja nad naturą i istotą rzeczy i zjawisk. To pewność, stabilność, brak niepotrzebnych rzeczy, wyraźny wynik. Artyści minimalistyczni starają się odnaleźć prawdziwą filozofię przedstawianego przedmiotu, ukazać nie tylko jego walory zewnętrzne, ale także wydobyć jego stronę metafizyczną, duchową.
Minimalizm w malarstwie malarskim
|
|
Obrazy utrzymane w stylu minimalistycznym są przykładami sztuki współczesnej. Są istotne o każdej porze roku, niezależnie od tego, co dyktuje moda. Ten ruch artystyczny pojawił się w Nowym Jorku, ale szybko podbił serca twórców na całym świecie. Co jest specjalnego w tym kierunku? Co koneserzy i wielbiciele tego typu twórczości odnajdują w takich pracach? Postaramy się odpowiedzieć na te pytania w naszym artykule.
Definicja minimalizmu
Samo określenie pojawiło się w latach 60. XX wieku jako określenie małej gałęzi postmodernizmu. Jak sama nazwa wskazuje, styl obrazów charakteryzuje się prostotą. Wyraża się to w prostych formach. Najczęściej artysta wykorzystuje zwykłe kształty geometryczne.
Ponadto w obrazach olejnych utrzymanych w stylu minimalistycznym powtarzają się powtórzenia. Mogą to być obrysy, podkreślenia lub kształty. Wielu autorów używa monochromatycznego (jeden lub dwa kolory). Nie zawsze są to rysunki czarno-białe. Czasami jeden kolor jest brany pod uwagę w różnych odcieniach. Obraz wykonywany jest w tym zakresie. Niektórzy artyści lubią dzielić płótno na segmenty kolorystyczne, takie jak niebo i ziemia.
Ogólnie rzecz biorąc, minimaliści starają się jak najdokładniej przekazać istotę przedmiotu, jego symboliczne znaczenie. W tym przypadku znak i obrazy wtórne są całkowicie obcięte lub przedstawione możliwie schematycznie.
Artyści
Dziś jest wielu twórców, którzy tworzą niesamowite rzeczy. Jak w każdej sztuce, są tacy, których nazwiska są znane na całym świecie.
Frank Stella jest jednym z pierwszych artystów tego gatunku. Już w 1959 roku zaczął tworzyć cykl zatytułowany „Czarne obrazy”. Jak sama nazwa wskazuje, na płótnach dominowały ciemne linie. Inspiracją do stworzenia takich obrazów Franka były dzieła Kazimierza Malewicza. Czarne kwadraty i inne geometryczne kształty (w tym czerwone kółko) zainspirowały wielu artystów do stworzenia podobnych arcydzieł.
W okresie rozkwitu minimalizmu wielu artystów zaczęło przedstawiać na płótnach wypukłe części, ulepszając w ten sposób ten pomysł.
Carl Andre nie był wyjątkiem. Jego prace są na swój sposób wyjątkowe. Jako jeden z pierwszych zdecydował się na tworzenie obrazów poprzez instalację. Andre wykorzystał wszystko, co mógł znaleźć w Massachusetts. Tym samym jedna z prac została wykonana z materiałów przemysłowych w trójwymiarowej strefie wykorzystującej przestrzeń ujemną. Andre próbował oprzeć swoją twórczość na obiektach geometrycznych: kwadratach, liniach, kątach, diagramach i tym podobnych. Do tej pory kontemplując twórczość tego wielkiego minimalisty, można odnieść wrażenie, że granice fizycznej obecności zacierają się.
Warto także zwrócić uwagę na świetnych artystów, takich jak Dan Flavin, Donald Judd, Robert Morris i Tony Smith.
Historia stworzenia
Zanim zrozumiemy specyfikę tego kierunku, należy prześledzić, skąd pochodzi. Większość artystów-teoretyków jest skłonna wierzyć, że podstawy ruchu stworzyli Kazimierz Malewicz, a także Marcel Duchamp w swoich książkach. Następnie w pracach tych mistrzów ustalono wyraźną granicę między kubizmem a minimalizmem. Po tych mistrzach pojawiła się fala nowych artystów.
Obrazy minimalistyczne zazwyczaj przedstawiają dokładne kształty i symbole przedmiotu. Ale jednocześnie artyści nie spędzają dużo czasu na tworzeniu szczegółów. Kolory mogą mieć ostre przejścia, a paleta może składać się tylko z 2 odcieni. Chłodny balans bieli pozwala dodać tajemniczości do obrazu.
Znając historię powstania tego ruchu, nie jest zaskakujące, że obrazy w stylu minimalistycznym spotkały się z ostrą krytyką ze strony krytyków sztuki i widzów teatralnych. Mimo to kurs się rozwija i cieszy się dużym zainteresowaniem.
Neominimalizm
Konceptualizm neogeometryczny powstał dopiero pod koniec XX wieku, zatem ruch ten można nazwać zupełnie nowym. Płótna tego kierunku są jeszcze bardziej geometryczne (w przeciwieństwie do obrazów w stylu minimalistycznym). Wielu historyków sztuki wciąż spiera się, jakiej epoki jest odgałęzieniem neominimalizm. Można więc usłyszeć stwierdzenia, że ruch ten wyrósł z pop-artu, a nawet suprematyzmu, którego założycielem był Kazimierz Malewicz.
Modne obrazy do wnętrz w stylu minimalistycznym, które wiele znanych osób wybiera do swoich domów, w większości są przykładem neo-geo.
Współcześni artyści należący do tego ruchu: Katharina Burgess, Paul Kuhn i Christopher Willard.
Postminimalizm
Choć sam kierunek już wykracza poza granice, to gałąź ta praktykuje jeszcze większą skrajność. W obrazach postminimalizmu trudno więc znaleźć fabułę czy po prostu przedmiot. Częściej artysta próbuje narysować stan umysłu, zjawiska pogodowe lub coś innego, czego nie da się wyrazić w innym kierunku artystycznym.
Największą wartością artysty jest przekazywanie idei intelektualnej. W postminimalizmie wszystko się zmienia, a forma przekazu jest na pierwszym miejscu. Obrazy w stylu minimalistycznym, których zdjęcia zamieściliśmy w naszym artykule, malują dziś tak znani artyści jak Tom Friedman, Eva Hesse i Anisha Kapoor.
Tworzenie własnego płótna
Malarstwo, jak każda sztuka w ogóle, jest pojęciem bardzo indywidualnym. Niektórzy lubią Salvadora Dali, inni podziwiają obrazy Iwana Szyszkina. To samo można powiedzieć o gatunku minimalizmu. Charakterystyczną cechą tego kierunku jest to, że prawie każdy może własnymi rękami stworzyć obraz w stylu minimalistycznym.
Jeżeli dana osoba nie ma zapędów artystycznych, to można zapisać się na dwutygodniowy kurs. Warto dokładnie przemyśleć, co zostanie przedstawione na zdjęciu.
Doskonałą opcją byłoby płótno w formie kontynuacji ściany. W tym przypadku na środku możesz przedstawić coś, co przyciągnie uwagę i sprawi, że tło będzie rozmyte. Najważniejsze, aby nie przeciążać obrazu niepotrzebnymi szczegółami i rozwiązaniami kompozycyjnymi. Minimalizm jest prosty. Obraz stworzony własnymi rękami będzie wyjątkowy.
Ponadto można zmieścić rzeźbę we wnętrzu, ale należy to robić bardzo ostrożnie. Jeśli masz małe mieszkanie o typowym układzie, to umieszczenie instalacji pod sufitem jest absurdem. W tym przypadku świetnie będzie się prezentował wazon lub stojak w stylu minimalistycznym.
Minimalizm to amerykański ruch w sztukach wizualnych, muzyce i rzeźbie powstały w Nowym Jorku pod koniec lat 60. XX wieku, charakteryzujący się niezwykłą prostotą formy i dosłownym, obiektywnym podejściem. W procesie twórczym artyści wykorzystują minimalne przekształcenia materiału, aby stworzyć znaczące płótna. Minimalizm to rodzaj sztuki wizualnej, który sprowadza się do podstaw abstrakcji geometrycznej w malarstwie.
Założyciel
Termin „minimalizm” należy do R. Wollheima. Autor koncepcji wyszedł z analizy twórczości artystów, którzy dążyli do minimalizacji ingerencji artysty w otoczenie. Minimalizm nazywany jest „fajną sztuką”, „sztuką seryjną” i „malowaniem systematycznym”.
Źródła ruchu należy szukać w pop-arcie, konstruktywizmie, amerykańskim formalizmie, suprematyzmie i Dadaizmie. Jednym z założycieli stylu, od którego twórczości rozpoczął się okres minimalizmu w sztuce, jest amerykański malarz F. Stella. W latach 1959 – 1960 stworzył cykl prac „Czarne obrazy”. Na płótnach dominowały czarne linie. Pierwsze prace, które można nazwać czysto minimalistycznymi, pojawiają się w latach 1962–1964.
Malarstwo północnego renesansu
Na kształtowanie się stylu wpłynęła twórczość suprematystycznego artysty Kazimierza Malewicza. Badacze stylu odkryli wspólne tendencje w rozwoju minimalizmu i szkoły Bauhaus.
Pomysły i cele
Minimaliści odeszli od abstrakcjonizmu, ekspresjonizmu i innych dziedzin malarstwa.
Surrealizm jako styl w malarstwie
Artyści minimalistyczni chcieli umożliwić widzowi bezpośrednie postrzeganie koloru, bez interpretacji i subiektywnej opinii samego malarza. Minimalizm starał się zdemistyfikować sztukę, aby odsłonić jej podstawowe podstawy.
Precz z subiektywizmem
W twórczości minimalistów na pierwszy plan wysuwają się:
Przedstawiciele
Prace minimalistów prezentowane są w najlepszych galeriach sztuki współczesnej w Ameryce. Terminem minimalizm najczęściej określa się twórczość artystów postmodernistycznych: Carla Andre, Dana Flavina, Donalda Judda, Ellswortha Kelly’ego, Sola LeWitta, Roberta Morrisa, Kennetha Nolana, Richarda Serry, Tony’ego Smitha i Anne Truitt. 
Konstruktywizm jako ruch awangardowy
Główne zbiory dzieł sztuki minimalistycznej prezentowane są w muzeach:
- Fundacja Chinati (Teksas, USA);
- Muzeum Sztuki Współczesnej Fort Worth (Teksas, USA);
- Muzeum Sztuki Montclair (New Jersey, USA);
- Muzeum Guggenheima (Nowy Jork, USA);
- Muzeum Sztuki Nowoczesnej (Nowy Jork, USA);
- Muzeum Boijmans Van Beuningen (Rotterdam, Holandia);
- Muzeum Guggenheima w Bilbao (Bilbao, Hiszpania);
- Pinakoteka Nowoczesności (Monachium, Niemcy).
Rozwój
Pod koniec XX wieku minimalizm rozwinął się w nowe kierunki:
Neominimalizm
Nieprecyzyjny, niejasny styl artystyczny końca XX i początku XXI wieku, reprezentowany w malarstwie, rzeźbie, architekturze, designie i muzyce. W odniesieniu do stylu używane są pojęcia „neokonceptualizm”, „neofuturyzm”, „nowa abstrakcja”, „postabstrakcjonizm”, „smart art”. Przedstawiciele: Katharina Burgess, Marjan Egermond, Paul Kuhn, Christopher Willard. 
Minimalizm(z angielskiego minimal art – minimal art) to ruch artystyczny wywodzący się z minimalnej transformacji materiałów wykorzystywanych w procesie twórczym, prostoty i jednolitości form, twórczej samokontroli artysty i monochromatyczności.
Minimalizm odrzuca podmiotowość, iluzjonizm, reprezentację.
Minimaliści odrzucili konwencjonalne materiały artystyczne i klasyczne podejście do kreatywności.
Wykorzystywali naturalne i przemysłowe materiały o prostszych geometrycznych kształtach, a także małych objętościach, neutralnych kolorach (takich jak szary i czarny), stosowali przenośnikowe i seryjne metody produkcji przemysłowej. Z góry określony wynik kreatywnego procesu produkcyjnego jest artefaktem w swojej minimalistycznej koncepcji. Minimalizm, po najbardziej zaawansowanym rozwoju w rzeźbie i malarstwie, rozumiany szerzej jako oszczędzanie środków artystycznych, znalazł zastosowanie także w innych dziedzinach sztuki, w większym stopniu w teatrze i kinie.
Artyści minimalistyczni
Powstał minimalizm w USA w pierwszej połowie lat 60. Jego korzenie sięgają konstruktywizmu, suprematyzmu, Dadaizmu, abstrakcjonizmu, formalistycznego malarstwa amerykańskiego końca lat 50. i pop-artu.
Bezpośrednim poprzednikiem minimalizmu jest amerykański artysta F. Stella, który w latach 1959-1960 zaprezentował cykl „Czarnych obrazów”, w których dominowały uporządkowane linie proste. W latach 1962-1963 pojawiły się pierwsze prace minimalistyczne. Termin „minimalizm” należy bezpośrednio do R. Wollheima, który wprowadził go zgodnie z analizą twórczości M. Duchampa, a także artystów popowych, którzy minimalizowali ingerencję artysty w otoczenie.
Jego synonimami były:
„Sztuka ABC”, „Struktury pierwotne”, „Sztuka fajna”, „Sztuka jako proces”, „Sztuka seryjna”, „Malarstwo systematyczne”.
Najbardziej reprezentatywnymi minimalistami są M. Bochner, R. Mangold, C. Andre, W. De Ma-ria, B. Marden, R. Morris, D. Flavin, R. Ryman, S. Le Witt. Wszystkich łączy próba odtworzenia naturalnej faktury materiałów i wprowadzenia artefaktu do otoczenia. D. Jade określiła go jako „specyficzny przedmiot”, odmienny od charakterystycznych dzieł sztuk plastycznych. Oświetlenie jako metoda zbudynki minimalistycznych sytuacji artystycznych, pełni samodzielną rolę, tworząc oryginalne rozwiązania przestrzenne z wykorzystaniem komputerowych metod tworzenia dzieł.
8-częściowa kostka, Sol Le Witt Artist’s Against Torture, D. Judd Steel Magnesium Plain, C. Andre
Idee ideologicznego uwarunkowania ruchu twórczego w minimalizmie rozwinęły się także w konceptualizmie.
Amerykańskie ruchy antyformalne wpisywały się w ideę sztuki jako działania, czasoprzestrzennego doświadczenia panowania nad otoczeniem, sztuki autodestrukcyjnej i postminimalizmu drugiej połowy lat 60.
Amerykańscy artyści dali szansę minimalizm stać się główną i wpływową postacią nowej sztuki, zagłębiając się bardziej w trójwymiarowość niż dwuwymiarowość. Minimalistyczne przedmioty, takie jak monolity i rury, nie znaczą nic poza sobą. Te wyimaginowane prace muszą wywołać u widza nudę. Tony Smith jest najwybitniejszym przedstawicielem tego ruchu. Minimalizm jakby ograniczał ekspresję plastyczną do najbardziej elementarnych struktur.
Dziś kolor znów pojawia się w malarstwie, i to z większym naciskiem. Amerykański artysta Pawła Stone’a pokazuje rzeczywistość minimalizm w malarstwie, pozbawiając jego dzieło wielu szczegółów. Cechą charakterystyczną jego prac są duże formy wypełnione jasną kolorystyką. Nie interesują go szczegóły anatomii. Zadaniem jest stworzenie pożądanego nastroju w obrazach, a artysta wykorzystuje w tym celu maksymalnie kolor.
Obrazy bardzo mi się podobały, szczególnie w porównaniu z setkami innych współczesnych autorów amerykańskich. Obecnie w USA wielu artystów zainteresowało się hiperrealizmem i na jego tle Pawła Stone’a wygląda bardzo korzystnie. Jego malarstwo ma swój niepowtarzalny, rozpoznawalny styl malarski, w przeciwieństwie do setek hiperrealistów, których dzieł najczęściej nie da się zidentyfikować.
W internecie jest bardzo mało informacji o artyście. Najbardziej znalazłem tekst z wernisażu wystawy, który załączam poniżej w nieco poprawionej formie...
Pawła Stone’a urodzony w Vermont (USA), w mieście Westminster. Rysuję odkąd pamiętam. Maluje od ponad czterdziestu lat. Studiował w Dartmouth College i Tufts University. Obecnie znany ze swoich żywych obrazów i krajobrazów Vermont. Oprócz swojego rodzinnego stanu Paul maluje krajobrazy wybrzeża Maine. Inspiruje go gra światła i koloru na otaczających go kształtach, często jako obiekty kreatywności wybiera stodoły i żaglówki. Dzięki swobodnemu posługiwaniu się kolorem i szerokim pociągnięciom osiąga w swoich pracach dużą jasność.
Paul Stone wykonuje rysunki i drobne szkice w plenerze, jednak większość jego prac odbywa się w pracowni, gdzie przyszłe obrazy „komponowane” są w formie szkiców. Pracownia pozwala mu skupić się na kolorze i kształcie, tworząc efekt wizualny. Większość jego prac wykonywana jest w technice olejnej, choć zdarzają się też akwarele.
Sam artysta twierdzi, że inspiracje czerpie z otoczenia, doświadczeń życiowych i szacunku do otaczającego go świata. Jego obrazy nie niosą ze sobą żadnych na wpół ukrytych przesłaniów, są kompletne same w sobie i mówią same za siebie. Można powiedzieć, że odzwierciedlają one obecność człowieka w przyrodzie. Paul Stone stara się oddać klimat miejsc, które przedstawia. Czasem pomagają mu w tym ludzie, a czasem podpowiada mu duch miejsca...