Leonardo di Ser Piero da Vinci (15 kwietnia 1452 - 2 maja 1519) był słynnym włoskim malarzem, architektem, filozofem, muzykiem, pisarzem, odkrywcą, matematykiem, inżynierem, anatomem, wynalazcą i geologiem. Znany jest ze swoich obrazów, z których najbardziej znane to „Ostatnia wieczerza” i „Mona Lisa”, a także licznych wynalazków, które znacznie wyprzedzały swoją epokę, ale pozostały tylko na papierze. Ponadto Leonardo da Vinci wniósł istotny wkład w rozwój anatomii, astronomii i technologii.
Raphael Santi (28 marca 1483 - 6 kwietnia 1520) był wielkim włoskim artystą i architektem działającym w okresie renesansu, obejmującym okres od końca XV do początków XVI wieku. Tradycyjnie Rafael uważany jest za jednego z trzech wielkich mistrzów tego okresu, obok Michała Anioła i Leonarda da Vinci. Wiele jego dzieł znajduje się w Pałacu Apostolskim w Watykanie, w sali zwanej Strofami Rafaela. Znajduje się tu między innymi jego najsłynniejsze dzieło „Szkoła ateńska”.
Diego Rodriguez de Silva y Velazquez (6 czerwca 1599 - 6 sierpnia 1660) - malarz hiszpański, portrecista, nadworny malarz króla Filipa IV, najwybitniejszy przedstawiciel złotego wieku malarstwa hiszpańskiego. Oprócz licznych obrazów przedstawiających sceny historyczne i kulturalne z przeszłości, namalował wiele portretów hiszpańskiej rodziny królewskiej, a także innych znanych postaci europejskich. Za najsłynniejsze dzieło Velázqueza uważa się obraz „Las Meninas” (czyli „Rodzina Filipa IV”) z 1656 roku, znajdujący się w Muzeum Prado w Madrycie.
Pablo Diego Jose Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Ruiz y Picasso (25 października 1881 - 8 kwietnia 1973) - światowej sławy hiszpański artysta i rzeźbiarz, założyciel ruchu w sztuce pięknej - kubizmu . Uważany za jednego z najwybitniejszych artystów, którzy wywarli wpływ na rozwój sztuk pięknych XX wieku. Eksperci uznali go za najlepszego artystę, jaki żył w ciągu ostatnich 100 lat, a także za „najdroższego” na świecie. W ciągu swojego życia Picasso stworzył około 20 tysięcy dzieł (według innych źródeł 80 tysięcy).
Vincent Willem van Gogh (30 marca 1853 – 29 lipca 1890) był znanym holenderskim artystą, który zyskał sławę dopiero po swojej śmierci. Według wielu ekspertów Van Gogh to jeden z najwybitniejszych artystów w historii sztuki europejskiej, a także jeden z najwybitniejszych przedstawicieli postimpresjonizmu. Autor ponad 2100 dzieł sztuki, w tym 870 obrazów, 1 tys. rysunków i 133 szkiców. Jego liczne autoportrety, pejzaże i portrety należą do najbardziej rozpoznawalnych i kosztownych dzieł sztuki na świecie. Za najsłynniejsze dzieło Vincenta Van Gogha uważa się chyba serię obrazów zatytułowanych „Słoneczniki”.
Michelangelo Buonarroti (6 marca 1475 – 18 lutego 1564) to światowej sławy włoski rzeźbiarz, artysta, architekt, poeta i myśliciel, który pozostawił niezatarty ślad w całej kulturze światowej. Najbardziej znanym dziełem artysty są chyba freski na suficie Kaplicy Sykstyńskiej. Wśród jego rzeźb najbardziej znane to „Pieta” („Opłakiwanie Chrystusa”) i „Dawid”. Wśród dzieł architektury – projekt kopuły Bazyliki św. Piotra. Co ciekawe, Michał Anioł stał się pierwszym przedstawicielem sztuki zachodnioeuropejskiej, którego biografia została napisana za jego życia.
Na czwartym miejscu na liście najsłynniejszych artystów świata znajduje się Masaccio (21 grudnia 1401-1428), wielki artysta włoski, który wywarł ogromny wpływ na innych mistrzów. Masaccio żył bardzo krótko, dlatego istnieje niewiele dowodów biograficznych na jego temat. Zachowały się jedynie cztery jego freski, które niewątpliwie są dziełem Masaccio. Uważa się, że inne zostały zniszczone. Za najsłynniejsze dzieło Masaccio uważa się fresk Trójcy Świętej w kościele Santa Maria Novella we Florencji we Włoszech.
Peter Paul Rubens (28 czerwca 1577 - 30 maja 1640) był malarzem flamandzkim (południowo-holenderskim), jednym z najwybitniejszych artystów epoki baroku, znanym ze swojego ekstrawaganckiego stylu. Uważany był za najbardziej wszechstronnego artystę swoich czasów. W swoich pracach Rubens podkreślał i ucieleśniał witalność i zmysłowość koloru. Malował liczne portrety, pejzaże i obrazy historyczne o tematyce mitologicznej, religijnej i alegorycznej. Najsłynniejszym dziełem Rubensa jest tryptyk „Zejście z krzyża”, namalowany w latach 1610-1614, który przyniósł artyście światową sławę.
Michelangelo Merisi da Caravaggio (29 września 1571 - 18 lipca 1610) był wielkim włoskim artystą wczesnego baroku, twórcą europejskiego malarstwa realistycznego XVII wieku. W swoich pracach Caravaggio umiejętnie posługiwał się kontrastami światła i cienia, skupiając się na detalach. Często przedstawiał zwykłych Rzymian, ludzi z ulic i targowisk w wizerunkach świętych i madonn. Przykładami są „Ewangelista Mateusz”, „Bachus”, „Nawrócenie Saula” itp. Jednym z najsłynniejszych obrazów artysty jest „Lutnista” (1595), który Caravaggio nazwał swoim najbardziej udanym dziełem malarskim.
Rembrandt Harmensz van Rijn (1606-1669) to słynny holenderski malarz i rytownik, uznawany za największego i najsłynniejszego artystę na świecie. Autor około 600 obrazów, 300 rycin i 2 tysięcy rysunków. Cechą charakterystyczną jest mistrzowska gra efektami świetlnymi i głębokimi cieniami. Za najsłynniejsze dzieło Rembrandta uważa się czterometrowy obraz „Straż nocna”, namalowany w 1642 roku i obecnie przechowywany w Rijksmuseum w Amsterdamie.
Udostępnij w mediach społecznościowych sieci
Sztuka jest prawie tak stara jak sama ludzkość, a na przestrzeni wieków naszego istnienia powstała niezliczona ilość unikalnych dzieł.
Sporządzanie listy najwybitniejszych arcydzieł byłoby zapewne zbyt odważne, gdyż kryteria oceny twórczości są zbyt subiektywne. Dlatego w naszym rankingu znalazły się obrazy i rzeźby, które z pewnością są najbardziej rozpoznawalne na świecie, co nie znaczy, że są w jakiś sposób lepsze od innych genialnych dzieł.
Które dzieła są najbardziej znane? Dowiedzieć się teraz! Być może nie znasz wszystkich i nadszedł czas, aby sprawdzić swoją erudycję i horyzonty.
25. Kąpiący się – Paul Cézanne
Obraz ten uznawany jest za prawdziwe arcydzieło sztuki współczesnej. „Kąpiący się” to jedno z najsłynniejszych dzieł Paula Cézanne’a. Po raz pierwszy dzieło zostało zaprezentowane szerokiej publiczności na wystawie w 1906 roku. Malarstwo olejne Cézanne’a przetarło drogę artystom przyszłości, pozwalając im odejść od tradycyjnych schematów i zbudowało pomost pomiędzy postimpresjonizmem a sztuką XX wieku. 24. Dyskoteka, autor: Miron 
„Dyskobol” to legendarny grecki posąg, wykonany przez słynnego greckiego rzeźbiarza Myrona z Eleutherae w okresie od około 460 do 450 roku p.n.e. mi. Dzieło cieszyło się ogromnym podziwem wśród Rzymian i wykonali nawet kilka kopii tej rzeźby, zanim jej oryginał zniknął bez śladu. Następnie dyskoteka stała się symbolem igrzysk olimpijskich. 23. Apollo i Dafne, Bernini 
Apollo i Dafne to naturalnej wielkości rzeźba stworzona przez włoskiego artystę Gian Lorenzo Berniniego około 1622-1625. Arcydzieło przedstawia półnagą kobietę próbującą uciec przed prześladowcą. Rzeźba wyraźnie świadczy o wysokim kunszcie twórcy, który odtworzył kulminację słynnej opowieści Owidiusza o Dafnie i Phoebusie. 22. Nocna Straż – Rembrandt
Arcydzieło cieszącego się międzynarodowym uznaniem duńskiego artysty Rembrandta, Straż nocna, jest jednym z najsłynniejszych obrazów XVII wieku. Praca została ukończona w 1642 roku i zlecono przedstawienie portretu grupowego kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocqa i porucznika Willema van Ruytenburgha (Frans Banning Cocq, Willem van Ruytenburgh). Dziś obraz zdobi wystawę Rijksmuseum w Amsterdamie. 21. Rzeź niewinnych – Rubens
„Rzeź niewiniątek” to obraz opowiadający historię straszliwego rozkazu króla żydowskiego Heroda, na którego rozkaz w Betlejem i okolicach zabijano wszystkie dzieci do 2. roku życia w Betlejem. Tyran wierzył w przepowiednię mówiącą o nadchodzącym dniu, w którym król Izraela usunie go z tronu i miał nadzieję, że wśród zamordowanych dzieci znajdzie się jego przyszły rywal. Rubens, przedstawiciel flamandzkiego baroku, w odstępie 25 lat napisał dwie wersje słynnej biblijnej historii. Przed Państwem stoi pierwsza wersja obrazu, która powstała w latach 1611-1612. 20. Zupa cebulowa z wołowiną Campbella autorstwa Warhola
Namalowana przez amerykańskiego artystę Andy'ego Warhola w 1962 roku zupa cebulowa z wołowiną Campbell's jest jednym z najsłynniejszych przykładów sztuki współczesnej. W swojej twórczości Warhol po mistrzowsku pokazał monotonię branży reklamowej, odtwarzając wielokrotne kopie tego samego produktu na swoim gigantycznym płótnie. Warhol powiedział też, że jadł te zupy codziennie przez 20 lat. Być może dlatego puszka zupy cebulowej stała się tematem jego słynnego dzieła. 19. Gwiaździsta noc – Van Gogha
Obraz olejny „Gwiaździsta noc” jest dziełem duńskiego postimpresjonisty Vincenta Van Gogha, który ukończył to legendarne dzieło w 1889 roku. Inspiracją do namalowania obrazu dla artysty było patrzenie na nocne niebo przez okno swojego pokoju w ośrodku Saint-Paul Asylum w Saint-Remy na południu Francji (Saint-Paul Asylum, Saint-Remy). To tam słynny twórca swego czasu szukał ulgi od emocjonalnego cierpienia, które prześladowało go do końca jego dni. 18. Malowidła naskalne jaskini Chauvet
Rysunki odkryte na południu Francji w jaskini Chauvet należą do najsłynniejszych i najlepiej zachowanych prehistorycznych arcydzieł sztuki światowej. Wiek tych dzieł to około 30 000 – 33 000 lat. Na ścianach jaskiń znajdują się setki prehistorycznych zwierząt, w tym niedźwiedzie, mamuty, lwy jaskiniowe, pantery i hieny. 17. Pocałunek — Rodin 
„Pocałunek” to marmurowy posąg stworzony przez słynnego francuskiego rzeźbiarza Auguste’a Rodina w 1889 roku. Fabuła arcydzieła została zainspirowana smutną historią Paolo i Franceski, bohaterów legendarnego dzieła Dantego Alighieri „Boska komedia” (Paolo, Francesca, Dante Alighieri). Kochankowie zostali zabici przez męża Franceski, który nagle przyłapał młodych ludzi, gdy zafascynowani sobą chłopak i dziewczyna zamienili swój pierwszy pocałunek. 16. Manneken Pis, autorstwo nieznane
„Manneken Pee” lub „Manneken Pis” to niewielka rzeźba z brązu, która stała się prawdziwą atrakcją fontanny w centrum Brukseli. Pierwotne autorstwo dzieła nie jest znane, lecz w 1619 roku zostało ono zmodyfikowane przez belgijskiego rzeźbiarza Hieronima Duquesnoya. Wizytówka miasta „Manneken Pie” miała zostać zainstalowana na pamiątkę wydarzeń wojny w Grimbergen, podczas której sikające dziecko według jednej wersji oddało mocz na żołnierzy, a według innej zgasiło amunicję wroga zagrażającą zniszczyć całe miasto. W czasie świąt rzeźba ubrana jest w kostiumy tematyczne. 15. Trwałość pamięci – Salvador Dali
Namalowany w 1931 roku przez słynnego hiszpańskiego artystę Salvadora Dali Trwałość pamięci jest jednym z najbardziej rozpoznawalnych arcydzieł sztuki surrealistycznej w historii malarstwa. Praca przedstawia ponurą piaszczystą plażę usianą topniejącymi zegarami. Niezwykła fabuła Dali została zainspirowana teorią względności Alberta Einsteina. 14. Pieta, czyli Opłakiwanie Chrystusa, Michał Anioł
Pieta to słynna renesansowa rzeźba stworzona przez florenckiego artystę Michała Anioła w latach 1498-1500. Utwór opisuje scenę biblijną – Maryja trzyma w ramionach ciało Jezusa zdjęte z krzyża. Rzeźba znajduje się obecnie w Bazylice św. Piotra w Watykanie. Pieta to jedyne dzieło Michała Anioła, które podpisał. 13. Lilie wodne – Claude Monet
„Lilie wodne” to seria około 250 obrazów olejnych autorstwa światowej sławy francuskiego impresjonisty Claude'a Moneta. Zbiór tych dzieł uznawany jest za jedno z najwybitniejszych osiągnięć sztuki początku XX wieku. Jeśli wszystkie obrazy zostaną umieszczone razem, powstaje iluzja niekończącego się krajobrazu wypełnionego liliami wodnymi, drzewami i chmurami odbitymi w wodzie. 12. Krzyk Edvarda Muncha 
Krzyk to kultowe arcydzieło norweskiego ekspresjonisty Edvarda Muncha. W latach 1893–1910 napisał 4 różne wersje tej historii. Inspiracją do powstania słynnej pracy artysty były autentyczne przeżycia artysty podczas spaceru na łonie natury, podczas którego Munch został porzucony przez swoich towarzyszy (którzy również znajdują się w tle obrazu). 11. Moai, autorstwo nieznane
Posągi Moai to masywne kamienne monolity odkryte na Wyspie Wielkanocnej na Oceanie Spokojnym w zachodniej Polinezji. Posągi są również znane jako Głowy Wyspy Wielkanocnej, ale w rzeczywistości wszystkie mają ciała ukryte pod ziemią. Posągi Moai datowane są na około 1400 - 1650 rok i uważa się, że zostały wyrzeźbione w kamieniu przez Aborygenów, którzy niegdyś mieszkali na wyspie Rapa Nui (lokalna nazwa Wyspy Wielkanocnej). W sumie na tym obszarze odkryto około 1000 takich gigantycznych arcydzieł starożytności. Tajemnica ich przemieszczania się po wyspie wciąż pozostaje nierozwiązana, a najcięższa postać waży około 82 ton. 10. Myśliciel Rodina 
„Myśliciel” to najsłynniejsze dzieło francuskiego rzeźbiarza Auguste’a Rodina. Autor ukończył swoje arcydzieło w 1880 roku i pierwotnie nazwał rzeźbę „Poeta”. Posąg był częścią kompozycji zatytułowanej „Wrota piekieł” i uosabiał samego Dantego Alighieri, autora słynnej „Boskiej komedii”. Według pierwotnego pomysłu Rodina Alighieri pochyla się nad kręgami piekła, rozmyślając nad swoją pracą. Następnie rzeźbiarz przemyślał postać i uczynił z niej uniwersalny obraz twórcy. 9. Guernica – Pablo Picasso
Obraz olejny wielkości całego fresku Guernica jest jednym z najsłynniejszych dzieł słynnego hiszpańskiego artysty Pabla Picassa. Czarno-biały obraz jest reakcją Picassa na nazistowskie bombardowanie baskijskiego miasta Guernica podczas hiszpańskiej wojny domowej. Arcydzieło ukazuje całą tragedię, okropności wojny i cierpienia wszystkich niewinnych obywateli w osobie zaledwie kilku postaci. 8. Ostatnia wieczerza – Leonardo da Vinci
Obraz ten można podziwiać dzisiaj podczas wizyty w klasztorze dominikanów Santa Maria delle Grazie w Mediolanie. Legendarny obraz Leonarda da Vinci „Ostatnia wieczerza” to jedno z najsłynniejszych dzieł sztuki na świecie. Artysta pracował nad tym freskiem od 1494 do 1498 roku i przedstawił na nim słynną biblijną scenę ostatniej wieczerzy Jezusa Chrystusa w otoczeniu uczniów, szczegółowo opisaną w Ewangelii Jana. 7. Statua Wolności autorstwa Eiffla, Bartholdi
Ikoniczna rzeźba znajduje się na Liberty Island w Nowym Jorku i była kiedyś prezentem na znak przyjaźni między narodami Francji i Stanów Zjednoczonych. Dziś Statua Wolności uznawana jest za międzynarodowy symbol wolności i demokracji. Autorem kompozycji był francuski rzeźbiarz Bartholdi, a zaprojektował ją i zbudował architekt Gustav Eiffel. Dar został wręczony 28 października 1886 roku. 6. Hermes z małym Dionizosem lub Hermes Olimp – Praksyteles 
„Hermes z Dzieciątkiem Dionizosem” to starożytna grecka rzeźba odkryta podczas wykopalisk w 1877 roku wśród ruin świątyni bogini Hery w Grecji. Prawa ręka Hermesa zaginęła, ale archeolodzy uważają, że w tej historii bóg handlu i sportowców trzymał w niej winorośl, pokazując ją małemu Dionizosowi, bogu wina, orgii i religijnych uniesień. 5. Stworzenie Adama – Michał Anioł
Stworzenie Adama to jeden z najsłynniejszych fresków Michała Anioła. Powstał w latach 1508-1512 i jest uważany za najpopularniejszą kompozycję sufitową Kaplicy Sykstyńskiej, kultowego ośrodka katolickiego znajdującego się w Watykanie. Obraz ilustruje moment biblijnego stworzenia pierwszego człowieka w dziejach, opisany w Księdze Rodzaju w Starym Testamencie. 4. Wenus z Milo, czyli Afrodyta z wyspy Milos 
Wenus z Milo urodziła się około 130–100 r. p.n.e. i jest jedną z najsłynniejszych starożytnych rzeźb greckich. Marmurowy posąg odkryto w 1820 roku na wyspie Milos, będącej częścią archipelagu Cyklady na Morzu Egejskim. Tożsamość bohaterki nie została jeszcze dokładnie ustalona, ale badacze sugerują, że autorką arcydzieła wykutego w kamieniu była Afrodyta, grecka bogini miłości i piękna, często przedstawiana jako półnaga. Chociaż istnieje wersja, w której posąg jest odlany na obraz bogini morza Amphitrite, która była szczególnie czczona na wyspie, na której znaleziono artefakt. 3. Narodziny Wenus – Sandro Botticelli
Narodziny Wenus to dzieło włoskiego artysty Sandro Botticellego, namalowane w latach 1482-1485 i uważane za jedno z najsłynniejszych i najcenniejszych arcydzieł sztuki na świecie. Obraz ilustruje scenę ze słynnego wiersza Owidiusza „Metamorfozy”, w której bogini Wenus po raz pierwszy wychodzi na brzeg z morskiej piany. Prace można oglądać w Galerii Uffizi we Florencji. 2. Dawid – Michał Anioł 
Legendarna renesansowa rzeźba powstała w latach 1501-1504 przez genialnego twórcę Michała Anioła. Dziś „Dawid” uważany jest za najsłynniejszy posąg na świecie. To zachwycające arcydzieło to biblijny bohater Dawid wyryty w kamieniu. Artyści i rzeźbiarze z przeszłości tradycyjnie przedstawiali Dawida podczas bitwy, zwycięzcę nad potężnym Goliatem, wojowniczego męża i bohatera, ale Michał Anioł wybrał do swojego dzieła wizerunek uroczego młodego mężczyzny, który nie nauczył się jeszcze sztuki wojny i morderstwa. 1. Mona Lisa, Leonardo da Vinci
Być może niektóre dzieła z tej listy były Wam nieznane, ale „Mona Lisa” Leonarda da Vinci zna każdy. To najsłynniejszy, najczęściej omawiany, najbardziej znany i najczęściej odwiedzany obraz na świecie. Genialny mistrz namalował go w latach 1503-1506, a do płótna pozowała Lisa Gherardini, żona kupca jedwabiu Francesco del Giocondo. Słynna ze swojego tajemniczego wyrazu Mona Lisa jest dumą Luwru, najstarszego i najbogatszego muzeum we Francji i na świecie.Najsłynniejsze i najbardziej znaczące obrazy świata dla historii sztuki dla Twojej inspiracji.Nieśmiertelne obrazy wielkich artystów podziwiają miliony ludzi. Sztuka, klasyczna i nowoczesna, jest jednym z najważniejszych źródeł inspiracji, gustu i edukacji kulturalnej każdego człowieka, a tym bardziej twórczej.
Rafaela „Madonna Sykstyńska” 1512
Przechowywane w Galerii Starych Mistrzów w Dreźnie.
Obraz skrywa małą tajemnicę: tło, które z daleka wydaje się być chmurami, po bliższym przyjrzeniu się okazuje się, że są to głowy aniołów. A dwa anioły przedstawione na poniższym zdjęciu stały się motywem licznych pocztówek i plakatów.
Rembrandt „Nocna straż” 1642
Przechowywane w Rijksmuseum w Amsterdamie.
Prawdziwy tytuł obrazu Rembrandta brzmi: „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenburga”. Historycy sztuki, którzy odkryli obraz w XIX wieku, uważali, że postacie wyróżniają się na ciemnym tle, dlatego nazwano go „Nocną Strażą”. Później odkryto, że warstwa sadzy powoduje, że obraz jest ciemny, choć akcja tak naprawdę rozgrywa się w dzień. Jednak obraz znalazł się już w skarbnicy sztuki światowej pod nazwą „Nocna straż”.
Leonardo da Vinci „Ostatnia wieczerza” 1495-1498
Znajduje się w klasztorze Santa Maria delle Grazie w Mediolanie.
W ponad 500-letniej historii dzieła fresk był wielokrotnie niszczony: w obrazie wycięto i następnie zamurowano drzwi wejściowe, refektarz klasztoru, w którym znajduje się obraz, służył jako zbrojownia, więzienie i został zbombardowany. Słynny fresk był odnawiany co najmniej pięć razy, a ostatnia renowacja trwała 21 lat. Dziś, aby obejrzeć dzieło sztuki, należy wcześniej zarezerwować bilety, a w refektarzu można spędzić tylko 15 minut.
Salvador Dali „Trwałość pamięci”, 1931
Przechowywane w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku.
Według samego autora obraz powstał w wyniku skojarzeń, jakie Dali miał z widokiem sera topionego. Wracając z kina, do którego poszła tego wieczoru, Gala całkiem słusznie przewidziała, że nikt, kto obejrzy Trwanie pamięci, nie zapomni o tym.
Pieter Bruegel Starszy „Wieża Babel” 1563
Przechowywany w Kunsthistorisches Museum w Wiedniu.
Według Bruegla niepowodzenie budowy Wieży Babel nie wynikało z barier językowych, które zgodnie z historią biblijną nagle się pojawiły, ale z błędów popełnionych w procesie budowy. Na pierwszy rzut oka ogromna konstrukcja wydaje się dość mocna, ale po bliższym przyjrzeniu się staje się jasne, że wszystkie kondygnacje są ułożone nierównomiernie, dolne piętra są albo niedokończone, albo już się zawalają, sam budynek przechyla się w stronę miasta, a perspektywy na cały projekt jest bardzo smutny.
Kazimierz Malewicz „Czarny kwadrat” 1915
Według artysty obraz malował przez kilka miesięcy. Następnie Malewicz wykonał kilka kopii „Czarnego kwadratu” (według niektórych źródeł siedem). Według jednej wersji artysta nie był w stanie ukończyć obrazu w terminie, dlatego musiał pokryć dzieło czarną farbą. Następnie, po publicznym uznaniu, Malewicz namalował na pustych płótnach nowe „Czarne kwadraty”. Malewicz namalował także „Kwadrat Czerwony” (w dwóch egzemplarzach) i jeden „Kwadrat Biały”.
Kuźma Siergiejewicz Pietrow-Wodkin „Kąpiel czerwonego konia” 1912
Znajduje się w Państwowej Galerii Trietiakowskiej w Moskwie.
Namalowany w 1912 roku obraz okazał się wizjonerski. Czerwony koń jest Losem Rosji lub samej Rosji, którego kruchy i młody jeździec nie jest w stanie utrzymać. Tym samym artysta swoim obrazem symbolicznie przepowiedział „czerwone” losy Rosji w XX wieku.
Peter Paul Rubens „Gwałt na córkach Leukipposa” 1617-1618
Przechowywany w Alte Pinakothek w Monachium.
Obraz „Gwałt na córkach Leucypa” uważany jest za uosobienie męskiej namiętności i fizycznego piękna. Silne, muskularne ramiona młodych mężczyzn podnoszą młode nagie kobiety i wsadzają je na konie. Synowie Zeusa i Ledy kradną narzeczone swoim kuzynom.
Paul Gauguin „Skąd przybyliśmy? Kim jesteśmy? Dokąd zmierzamy?” 1898
Przechowywane w Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie.
Według samego Gauguina obraz należy czytać od prawej do lewej – trzy główne grupy postaci ilustrują postawione w tytule pytania. Trzy kobiety z dzieckiem symbolizują początek życia; grupa środkowa symbolizuje codzienną egzystencję dojrzałości; w ostatniej grupie, zgodnie z planem artysty, „stara kobieta, zbliżając się do śmierci, wydaje się pojednana i oddana swoim myślom”, u jej stóp „dziwny biały ptak… reprezentuje bezużyteczność słów”.
Eugene Delacroix „Wolność wiodąca naród”, 1830
Przechowywany w Luwrze w Paryżu
Delacroix stworzył obraz oparty na rewolucji lipcowej 1830 roku we Francji. W liście do brata z 12 października 1830 roku Delacroix pisze: „Jeśli nie walczyłem za Ojczyznę, to przynajmniej będę dla niej pisał”. Naga klatka piersiowa kobiety prowadzącej lud symbolizuje poświęcenie ówczesnego narodu francuskiego, który z nagą klatką piersiową wystąpił przeciwko wrogowi.
Claude Monet „Impresja. Wschodzące słońce” 1872
Przechowywane w Muzeum Marmottan w Paryżu.
Tytuł dzieła „Impresja, soleil levant” lekką ręką dziennikarza L. Leroya stał się nazwą ruchu artystycznego „impresjonizm”. Obraz został namalowany z życia w starym porcie Le Havre we Francji.
Jan Vermeer „Dziewczyna z perłą” 1665
Przechowywane w Galerii Mauritshuis w Hadze.
Jeden z najsłynniejszych obrazów holenderskiego artysty Jana Vermeera nazywany jest często nordycką lub holenderską Mona Lisą. Niewiele wiadomo o obrazie: nie jest on datowany, a imię przedstawionej dziewczyny jest nieznane. W 2003 roku na podstawie powieści Tracy Chevalier pod tym samym tytułem nakręcono film fabularny „Dziewczyna z perłą”, w którym hipotetycznie przywrócono historię powstania obrazu w kontekście biografii i życia rodzinnego Vermeera .
Iwan Aiwazowski „Dziewiąta fala”, 1850 r
Przechowywany w Petersburgu w Państwowym Muzeum Rosyjskim.
Iwan Aiwazowski to światowej sławy rosyjski malarz morski, który poświęcił swoje życie przedstawianiu morza. Stworzył około sześciu tysięcy dzieł, z których każde zyskało uznanie za życia artysty. Obraz „Dziewiąta fala” znajduje się w książce „100 wielkich obrazów”.
Andriej Rublow „Trójca” 1425-1427
Ikona Trójcy Świętej, namalowana przez Andrieja Rublowa w XV wieku, jest jedną z najsłynniejszych ikon rosyjskich. Ikona to tablica w formacie pionowym. Królowie (Iwan Groźny, Borys Godunow, Michaił Fiodorowicz) „pokryli” ikonę złotem, srebrem i drogimi kamieniami. Dziś pensja jest przechowywana w Państwowym Rezerwacie Muzealnym Siergijewa Posada.
Michaił Wrubel „Siedzący demon” 1890
Przechowywane w Galerii Trietiakowskiej w Moskwie.
Fabuła filmu inspirowana jest poematem Lermontowa „Demon”. Demon jest obrazem siły ludzkiego ducha, wewnętrznej walki, zwątpienia. Tragicznie załamując ręce, Demon siedzi ze smutnymi, wielkimi oczami skierowanymi w dal, otoczony niespotykanymi kwiatami.
William Blake „Wielki architekt” 1794
Przechowywane w British Museum w Londynie.
Tytuł obrazu „Przedwieczny” dosłownie tłumaczy się z angielskiego jako „Przedwieczny”. Wyrażenie to było używane jako imię Boga. Głównym bohaterem obrazu jest Bóg w chwili stworzenia, który nie ustanawia porządku, ale ogranicza wolność i wyznacza granice wyobraźni.
Edouard Manet „Bar w Folies Bergere”, 1882
Przechowywane w Courtauld Institute of Art w Londynie.
Folies Bergere to paryski program rozrywkowy i kabaret. Manet często odwiedzał Folies Bergere i ostatecznie namalował ten obraz, ostatni przed śmiercią w 1883 roku. Za barem, pośrodku tłumu pijącego, jedzącego, rozmawiającego i palącego, stoi pogrążona we własnych myślach barmanka, obserwując akrobatę na trapezie, którego widać w lewym górnym rogu zdjęcia.
Tycjan „Miłość ziemska i miłość niebiańska” 1515-1516
Przechowywany w Galerii Borghese w Rzymie.
Warto zauważyć, że współczesna nazwa obrazu nie została nadana przez samego artystę, ale zaczęła być używana dopiero dwa wieki później. Do tego czasu obraz nosił różne tytuły: „Piękno, zdobione i pozbawione ozdób” (1613), „Trzy rodzaje miłości” (1650), „Kobiety boskie i świeckie” (1700), a ostatecznie „Miłość ziemska i niebiańska”. Miłość” „(1792 i 1833).
Michaił Niestierow „Wizja młodzieży Bartłomieja” 1889-1890
Przechowywane w Państwowej Galerii Trietiakowskiej w Moskwie.
Pierwsze i najważniejsze dzieło z cyklu poświęconego Sergiuszowi z Radoneża. Artysta do końca swoich dni był przekonany, że „Wizja młodości Bartłomieja” jest jego najlepszym dziełem. Artysta na starość lubił powtarzać: "To nie ja przeżyję. Przeżyje "Młody Bartłomiej". Teraz, choć trzydzieści, pięćdziesiąt lat po mojej śmierci, wciąż coś do ludzi mówi, to znaczy, że żyje, to znaczy Ja też żyję”
Pieter Bruegel Starszy „Przypowieść o niewidomych”, 1568
Przechowywany w Muzeum Capodimonte w Neapolu.
Inne tytuły obrazu to „Ślepy”, „Parabola niewidomych”, „Ślepy prowadzący ślepego”. Uważa się, że fabuła filmu opiera się na biblijnej przypowieści o niewidomym: „Jeśli ślepiec prowadzi ślepego, obaj wpadną do dołu”.
Wiktor Wasniecow „Alyonushka” 1881
Przechowywane w Państwowej Galerii Trietiakowskiej.
Opiera się na bajce „O siostrze Alyonuszce i bracie Iwanuszce”. Początkowo obraz Wasnetsowa nazywał się „Głupiec Alyonushka”. W tamtych czasach sieroty nazywano „głupcami”. „Alyonushka” – powiedział później sam artysta – „wydawało się, że żyła w mojej głowie przez długi czas, ale w rzeczywistości widziałem ją w Achtyrce, kiedy spotkałem jedną prostowłosą dziewczynę, która uderzyła moją wyobraźnię. Było tyle melancholii , samotność i czysto rosyjski smutek w jej oczach... Emanował z niej jakiś szczególny rosyjski duch.
Vincent van Gogh „Gwiaździsta noc”, 1889 r
Przechowywane w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku.
W przeciwieństwie do większości obrazów artysty, „Gwiaździsta noc” została namalowana z pamięci. Van Gogh przebywał w tym czasie w szpitalu Saint-Rémy, dręczony atakami szaleństwa.
Karl Bryullov „Ostatni dzień Pompejów” 1830–1833
Przechowywany w Państwowym Muzeum Rosyjskim w Petersburgu.
Obraz przedstawia słynną erupcję Wezuwiusza w 79 r. n.e. mi. i zniszczenie Pompejów pod Neapolem. Wizerunek artysty w lewym rogu obrazu jest autoportretem autora.
Pablo Picasso „Dziewczyna na balu” 1905
Przechowywane w Muzeum Puszkina w Moskwie
Obraz trafił do Rosji za sprawą przemysłowca Iwana Abramowicza Morozowa, który kupił go w 1913 roku za 16 000 franków. W 1918 r. znacjonalizowano zbiory osobiste I. A. Morozowa. Obecnie obraz znajduje się w zbiorach Państwowego Muzeum Sztuk Pięknych im. A.S. Puszkin.
Leonardo da Vinci „Madonna Litta” 1491
Przechowywany w Ermitażu w Petersburgu.
Oryginalny tytuł obrazu brzmiał „Madonna z Dzieciątkiem”. Współczesna nazwa obrazu pochodzi od nazwiska jego właściciela – hrabiego Litty, właściciela rodzinnej galerii sztuki w Mediolanie. Istnieje przypuszczenie, że postać dziecka nie została namalowana przez Leonarda da Vinci, ale należy do pędzla jednego z jego uczniów. Świadczy o tym nietypowa w stylu autorki poza dziecka.
Jean Ingres „Łaźnia turecka” 1862
Przechowywany w Luwrze w Paryżu.
Ingres zakończył malowanie tego obrazu, gdy miał już ponad 80 lat. Artysta podsumowuje tym obrazem wizerunek kąpiących się, którego tematyka od dawna obecna jest w jego twórczości. Początkowo płótno miało kształt kwadratu, jednak rok po jego ukończeniu artysta przekształcił je w okrągły obraz – tondo.
Iwan Szyszkin, Konstantin Sawicki „Poranek w sosnowym lesie” 1889
Przechowywane w Galerii Trietiakowskiej w Moskwie
„Poranek w sosnowym lesie” to obraz rosyjskich artystów Iwana Szyszkina i Konstantina Sawickiego. Savitsky namalował niedźwiedzie, ale kolekcjoner Paweł Tretiakow, kiedy nabył obraz, usunął jego podpis, więc teraz jako autora obrazu wskazany jest sam Szyszkin.
Michaił Wrubel „Księżniczka łabędzi”, 1900 r
Przechowywane w Państwowej Galerii Trietiakowskiej
Obraz oparty jest na scenicznym wizerunku bohaterki opery N. A. Rimskiego-Korsakowa „Opowieść o carze Saltanie” opartej na fabule baśni A. S. Puszkina pod tym samym tytułem. Vrubel stworzył szkice scenografii i kostiumów na premierę opery w 1900 roku, a jego żona śpiewała rolę Księżniczki Łabędzi.
Giuseppe Arcimboldo „Portret cesarza Rudolfa II jako Vertumnusa” 1590
Znajduje się w zamku Skokloster w Sztokholmie.
Jedno z niewielu zachowanych dzieł artysty, który komponował portrety z owoców, warzyw, kwiatów, skorupiaków, ryb, pereł, instrumentów muzycznych i innych, książek i tak dalej. „Vertumnus” to portret cesarza, przedstawianego jako starożytny rzymski bóg pór roku, roślinności i transformacji. Na zdjęciu Rudolf składa się wyłącznie z owoców, kwiatów i warzyw.
Edgar Degas „Niebiescy tancerze” 1897
Znajduje się w Muzeum Sztuki. A. S. Puszkina w Moskwie.
Degas był wielkim fanem baletu. Nazywany jest artystą baletnic. Praca „Niebiescy tancerze” sięga późnego okresu twórczości Degasa, kiedy jego wzrok osłabł i zaczął pracować w dużych plamach koloru, przywiązując ogromne znaczenie do dekoracyjnej organizacji powierzchni obrazu.
Przypomnijmy sobie teraz najsłynniejsze obrazy świata. Temat ten jest z jednej strony bardzo prosty, ale z drugiej niezwykle złożony. Rzeczywiście, w całej historii ludzkości na Matce Ziemi w różnych stuleciach i różnych krajach urodziło się wielu genialnych malarzy, którzy pozostawili światu swoje nieśmiertelne arcydzieła.
Naprawdę nie chciałbym bezpodstawnie ignorować żadnego wielkiego artysty. Ale w ramach tego artykułu postaramy się porozmawiać tylko o tych dziełach, które są znane nie tylko prawdziwym koneserom piękna, artystom i krytykom sztuki, ale także bezwzględnej większości najprostszych mieszkańców naszej planety.
Są to na przykład obrazy da Vinci, Raphaela, Botticellego, Van Gogha, Salvadora Dali, Karla Bryullova, Aivazovsky'ego, Kustodiewa itp. Ich prace drukowane są w kalendarzach, w czasopismach, książkach i podręcznikach, publikowane w ogromnych nakładach w formie reprodukcji, stale migających na ekranach telewizorów. Tak naprawdę są nam znane od dzieciństwa.
Obrazy Leonarda da Vinci
Nie sposób rozmawiać o najsłynniejszych obrazach świata, nie wspominając o takich światowej klasy obrazach, jak słynna „La Gioconda”, „Madonna Litta”, „Dama z gronostajem”, namalowana przez wielkiego Leonarda da Vinci. Na tej liście wyróżniają się zwłaszcza dwa pierwsze nazwiska. Piękna i tajemnicza „Mona Lisa” istnieje od wielu stuleci, z wyjątkowym uśmiechem na ustach, spokojnie patrząc na zgiełk tego świata - czy wśród cywilizowanych ludzi jest choć jedna osoba, która nigdy nie widziała tego obrazu?
Uważa się, że obraz przedstawia Lisę Gherardini, skromną żonę pewnego bogatego florenckiego kupca Francesco del Giocondo. Czy teraz rozumiesz, skąd wzięła się tak niezwykła nazwa portretu - „La Gioconda”? A obraz został namalowany mniej więcej w latach 1503-1505. Dziś jego bezcenny oryginał można zobaczyć osobiście w Luwrze. Tam wisi portret, chroniony grubą kuloodporną szybą, a wokół niego zawsze tłoczy się mnóstwo ludzi. I nie jest to zaskakujące, ponieważ ludziom wciąż nie udało się rozwikłać tajemnicy uśmiechu tej pani.
Obrazy Da Vinci są bezcenne, każdego z osobna, nie da się ich kupić nawet za duże pieniądze. Ale wśród jego dzieł jest dzieło szczególne - jest to malowniczy fresk „Ostatnia wieczerza”. Czas jego powstania: 1495-1498, a został napisany przez mistrza na zlecenie kościoła w refektarzu klasztoru Santa Maria delle Grazia, który znajduje się w słynnym włoskim Mediolanie. Fabuła przedstawia jedno z najważniejszych wydarzeń w historii ludzkości - ostatni wieczorny posiłek Chrystusa z dwunastoma uczniami. To wielkie szczęście, że konserwatorom udało się zachować fresk do dziś, bo... Powszechnie wiadomo, że Leonardo pracując nad nim eksperymentował z farbami i podkładem na ścianie, co w konsekwencji doprowadziło do szybkiego zniszczenia warstwy farby.
Prace Rafaela Santiego
Kolejnym artystą, o którym bez przesady można powiedzieć, że pozostawił po sobie najsłynniejsze obrazy świata, jest oczywiście Raphael Santi, malarz mieszkający we Włoszech w latach 1483-1520. Jedno z jego najsłynniejszych i najpopularniejszych dzieł - uważane za jedno z najdoskonalszych i najbardziej niesamowitych obrazów, jakie kiedykolwiek stworzyła ręka człowieka.
Innym znanym dziełem mistrza jest ogromny (770 na 500 cm) fresk „Szkoła ateńska”, który zdobi jedną z sal reprezentacyjnych Pałacu Watykańskiego. Wśród licznych postaci na zdjęciu można zobaczyć tak wielkich myślicieli ludzkości, jak Pitagoras, Epikur, Sokrates, Diogenes, Arystoteles, Platon. Wśród filozofów Rafael przedstawił siebie i swoją piękną ukochaną Margheritę.
Niezrównany Botticelli
Jak myślisz, jakie kolejne prace znajdą się na naszej liście „Obrazów najsłynniejszych artystów świata”? To oszałamiające i eteryczne dzieła Sandro Botticellego. Wymieńmy tylko dwa z jego dzieł, które są znane każdemu: „Narodziny Wenus” i płótno przedstawiające słynne Trzy Gracje - „Wiosnę”. Obydwa obrazy są hymnem na cześć kobiecego piękna. Żadnemu innemu artyście nie udało się uchwycić w farbie tak urzekających i poetyckich wizerunków kobiet.
Muzą artystki była młoda piękna florencka kobieta, ukochana Giuliano Medici – to właśnie jej delikatne, doskonałe rysy patrzą na nas od niepamiętnych czasów.
Obrazy impresjonistyczne
Cóż, teraz czas przypomnieć sobie o impresjonizmie. Ten ruch artystyczny powstał we Francji na przełomie XIX i XX wieku. Artystów pracujących w ten sposób jest wielu, a twórczość każdego z nich zasługuje na osobne omówienie. W tym artykule porozmawiamy o najsłynniejszych obrazach Moneta, który stał u początków impresjonizmu i jest uważany za jednego z jego twórców. Dzieła tego mistrza znajdują się w zbiorach najważniejszych muzeów w Paryżu, Berlinie, Petersburgu i innych miastach świata.
Opinia publiczna doskonale zna takie obrazy Claude'a Moneta, jak „Staw z” i „Lilie wodne”. Artysta namalował wiele wersji dzieł opartych na tych motywach.
Van Gogh to artysta, którego obrazy są najdroższe na świecie
Van Gogh był prawdopodobnie najbardziej produktywnym artystą w historii ludzkości. Na jego dziedzictwo składa się około 800 obrazów i niezliczona ilość rysunków. Najbardziej znanym jest być może „Słoneczniki”. Wiadomo na pewno, że mistrz namalował 7 martwych natur z tej serii. Jednak do dziś przetrwało tylko 5, a każdy obraz uznawany jest za najdroższy diament. Pomyśl tylko: w ciągu swojego życia Van Goghowi udało się sprzedać tylko jedno ze swoich dzieł i to za grosze, a teraz ceny jego obrazów na aukcjach biją wszelkie rekordy.
Kolejnym z najsłynniejszych obrazów Van Gogha jest znakomity obraz fantasy „Gwiaździsta noc”. Dzieło to cieszy się tak dużą popularnością, że dziś w Internecie można znaleźć nawet jego animowaną wersję. Obrazy Van Gogha są tak utalentowane i oryginalne, że nawet w formie reprodukcji można je oglądać bez końca.
Marzenia uchwycone na płótnie
Mówiąc o najsłynniejszych obrazach świata, nie sposób nie wspomnieć o twórczości twórcy surrealizmu, Salvadora Dali. Uważa się, że najpopularniejszym obrazem artysty jest „Trwałość pamięci”, który przedstawia zegar jako symbol niekończącego się upływu czasu. Opuszczony brzeg w oddali symbolizuje pustkę, którą według Dali często odczuwał w sobie.
Nie jest to jednak jedyne popularne dzieło surrealisty. Nie mniej znane są obrazy „Atomowa Leda”, „Przeczucie wojny domowej”, „Płonąca żyrafa”, „Sen”.
Najsłynniejsze rosyjskie obrazy
Do tej pory w naszym artykule wspominaliśmy o obrazach mistrzów zagranicznych. Tymczasem istnieje wiele obrazów namalowanych przez naszych wspaniałych rodaków, które cieszą się ogromną popularnością na całym świecie. W Rosji zawsze było wielu utalentowanych artystów. A jeśli wiele arcydzieł malarstwa światowego jest dość trudnych do zobaczenia na własne oczy, ponieważ znajdują się za granicą, oryginały rosyjskich malarzy możemy zobaczyć w wielu muzeach w naszym kraju, na przykład w Galerii Trietiakowskiej w Moskwie.
Oto obrazy z Galerii Trietiakowskiej, najsłynniejsze w kraju i za granicą: „Trzej bohaterowie” (V. Vasnetsova), „Iwan Groźny i jego syn Iwan” (I. Repin), „Siedzący demon” (M. Vrubel), „Pojawienie się Chrystusa ludziom (A. Iwanow), „Dziewczyna z brzoskwiniami” (I. Repin), „Poranek w lesie sosnowym” (I. Szyszkin), „Dziedziniec moskiewski” (V. Polenow) , „Przybyły gawrony” itp.
Piękno Kustodiewskiego
Osobno chciałbym porozmawiać o twórczości światowej sławy rosyjskiego artysty Borysa Kustodiewa - nikt inny nie potrafił tak smakowicie i pięknie opowiedzieć poprzez malowanie o rosyjskim życiu, o tajemniczej rosyjskiej duszy. Któż z nas nie podziwiał tęgiej piękności za samowarem („Żona kupiecka przy herbacie”) lub pełnokrwistej młodej damy tryskającej zdrowiem i młodością w wiejskiej łaźni („Rosyjska Wenus”).
Oto także nazwy niektórych popularnych dzieł oryginalnego malarza: „Zima”, „Portret Fiodora Chaliapina”, „Sianokiszonki”, „Kupiec z zakupami”, „Jarmark”, „Kąpiący się”, „Maslenica”.
„Czarny kwadrat Malewicza
Krótko rozmawialiśmy o niektórych z najsłynniejszych rosyjskich obrazów, ale błędem byłoby zakończyć artykuł, nie pisząc nic o jednym z najbardziej kontrowersyjnych i kontrowersyjnych dzieł, które wyszły na jaw spod pędzla jednego z wybitnych rosyjskich artystów. Mowa o „Czarnym kwadracie” Kazimierza Malewicza, twórcy nurtu w malarstwie zwanego „suprematyzmem”. I choć Malewicz w swoim długim życiu twórczym namalował wiele obrazów, to właśnie to jego dzieło najbardziej zapadło w pamięć całego świata.
Istnieje kilka wariantów „Czarnego kwadratu”. Można je zobaczyć w Galerii Trietiakowskiej, Ermitażu i Muzeum Rosyjskim. Cena tych prac jest ogromna, według ekspertów dziś może sięgać nawet 80 milionów dolarów.
Wniosek
Szkoda, że w tej krótkiej recenzji nie można było opowiedzieć o światowych arcydziełach Rembrandta, Rubensa, Karla Bryullova, Pabla Picassa, Paula Gauguina i innych wspaniałych twórców. Ich twórczość jest nie mniej godna uwagi.
Prawie każde znaczące dzieło sztuki ma tajemnicę, „podwójne dno” lub sekretną historię, którą chcesz odkryć.
Muzyka na pośladkach
Hieronim Bosch, „Ogród rozkoszy ziemskich”, 1500-1510.
Fragment części tryptyku
Spory o znaczenia i ukryte znaczenia najsłynniejszego dzieła holenderskiego artysty nie ucichły od czasu jego pojawienia się. Prawe skrzydło tryptyku zatytułowanego „Muzyczne piekło” przedstawia grzeszników torturowanych w podziemiach przy pomocy instrumentów muzycznych. Jeden z nich ma wytłoczone nuty na pośladkach. Studentka Oklahoma Christian University, Amelia Hamrick, która studiowała obraz, przetłumaczyła XVI-wieczny zapis na współczesny akcent i nagrała „500-letnią piekło z piekła rodem”.
Naga Mona Lisa
Słynna „La Gioconda” występuje w dwóch wersjach: naga wersja nazywa się „Monna Vanna” i została namalowana przez mało znanego artystę Salai, który był uczniem i opiekunem wielkiego Leonarda da Vinci. Wielu historyków sztuki jest przekonanych, że to on był wzorem dla obrazów Leonarda „Jan Chrzciciel” i „Bachus”. Istnieją również wersje, w których Salai ubrana w kobiecy strój służyła jako wizerunek samej Mony Lisy.
Stary rybak
W 1902 roku węgierski artysta Tivadar Kostka Csontvary namalował obraz „Stary rybak”. Wydawać by się mogło, że w obrazie nie ma nic niezwykłego, jednak Tivadar umieścił w nim podtekst, który nigdy nie został ujawniony za życia artysty.
Niewiele osób myślało o umieszczeniu lustra na środku obrazu. W każdej osobie może być zarówno Bóg (zduplikowane jest prawe ramię Starego Człowieka), jak i Diabeł (zduplikowane jest lewe ramię Starego Człowieka).
Czy był wieloryb?
Hendrik van Antonissen, Scena na brzegu.
Wydawać by się mogło, że to zwykły krajobraz. Łodzie, ludzie na brzegu i bezludne morze. I dopiero badanie rentgenowskie wykazało, że ludzie gromadzili się na brzegu nie bez powodu - w oryginale oglądali zwłoki wieloryba wyrzuconego na brzeg.
Artysta jednak zdecydował, że nikt nie będzie chciał patrzeć na martwego wieloryba, i przepisał obraz.
Dwa „Śniadania na trawie”
Edouard Manet, „Obiad na trawie”, 1863.
Claude Monet, „Obiad na trawie”, 1865.
Artyści Edouard Manet i Claude Monet są czasami zdezorientowani - w końcu obaj byli Francuzami, żyli w tym samym czasie i pracowali w stylu impresjonizmu. Monet zapożyczył nawet tytuł jednego z najsłynniejszych obrazów Maneta „Obiad na trawie” i napisał własny „Obiad na trawie”.
Podwaja się podczas Ostatniej Wieczerzy
Leonardo da Vinci, „Ostatnia wieczerza”, 1495-1498.
Pisząc Ostatnią Wieczerzę Leonardo da Vinci przywiązywał szczególną wagę do dwóch postaci: Chrystusa i Judasza. Bardzo długo szukał dla nich modeli. Wreszcie udało mu się znaleźć wzór obrazu Chrystusa wśród młodych śpiewaków. Leonardo przez trzy lata nie mógł znaleźć wzoru dla Judasza. Ale pewnego dnia natknął się na pijaka, który leżał w rynsztoku. Był to młody człowiek, który postarzał się wskutek intensywnego picia. Leonardo zaprosił go do tawerny, gdzie od razu zaczął malować z niego Judasza. Kiedy pijak opamiętał się, powiedział artyście, że już raz mu pozował. Było to kilka lat temu, gdy śpiewał w chórze kościelnym, Leonardo namalował z niego Chrystusa.
„Straż nocna” czy „Straż dzienna”?
Rembrandt, „Nocna straż”, 1642.
Jeden z najsłynniejszych obrazów Rembrandta „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenburga” wisiał w różnych pokojach przez około dwieście lat i został odkryty przez historyków sztuki dopiero w XIX wieku. Ponieważ postacie zdawały się pojawiać na ciemnym tle, nazwano go „Nocną Strażą” i pod tą nazwą wszedł do skarbnicy sztuki światowej.
I dopiero podczas renowacji przeprowadzonej w 1947 roku odkryto, że w holu obraz zdążył pokryć się warstwą sadzy, co zniekształciło jego kolorystykę. Po oczyszczeniu oryginalnego obrazu ostatecznie okazało się, że scena przedstawiona przez Rembrandta faktycznie rozgrywa się w dzień. Położenie cienia z lewej ręki Kapitana Koka pokazuje, że czas akcji nie przekracza 14 godzin.
Przewrócona łódź
Henri Matisse, „Łódź”, 1937.
Obraz Henriego Matisse’a „Łódź” został wystawiony w nowojorskim Muzeum Sztuki Nowoczesnej w 1961 roku. Dopiero po 47 dniach ktoś zauważył, że obraz wisiał do góry nogami. Płótno przedstawia 10 fioletowych linii i dwa niebieskie żagle na białym tle. Artysta nie bez powodu namalował dwa żagle, drugi żagiel jest odbiciem pierwszego na powierzchni wody.
Aby nie popełnić błędu w sposobie zawieszenia obrazu, należy zwrócić uwagę na szczegóły. Większy żagiel powinien znajdować się na górze obrazu, a szczyt żagla obrazu powinien znajdować się w kierunku prawego górnego rogu.
Oszustwo w autoportrecie
Vincent van Gogh, „Autoportret z fajką”, 1889.
Istnieją legendy, że Van Gogh rzekomo odciął sobie ucho. Najbardziej wiarygodna wersja mówi, że van Gogh uszkodził sobie ucho podczas małej bójki z udziałem innego artysty, Paula Gauguina.
Autoportret jest o tyle ciekawy, że odzwierciedla rzeczywistość w zniekształconej formie: artysta ukazany jest z zabandażowanym prawym uchem, gdyż podczas pracy korzystał z lustra. W rzeczywistości dotknięte było lewe ucho.
Obce niedźwiedzie
Iwan Szyszkin, „Poranek w sosnowym lesie”, 1889.
Słynny obraz należy nie tylko do Szyszkina. Wielu zaprzyjaźnionych artystów często korzystało z „pomocy przyjaciela”, a Iwan Iwanowicz, który przez całe życie malował pejzaże, obawiał się, że jego dotykające się niedźwiedzie nie wyjdą tak, jak chciał. Dlatego Szyszkin zwrócił się do swojego przyjaciela, artysty zwierząt Konstantina Savickiego.
Savitsky namalował chyba najlepsze niedźwiedzie w historii malarstwa rosyjskiego, a Tretiakow nakazał zmyć jego imię z płótna, ponieważ wszystko na obrazie „od koncepcji po wykonanie, wszystko mówi o sposobie malowania, o metodzie twórczej charakterystyczne dla Szyszkina.
Niewinna historia „Gothica”
Grant Wood, Amerykański gotyk, 1930.
Twórczość Granta Wooda uznawana jest za jedną z najdziwniejszych i najbardziej przygnębiających w historii malarstwa amerykańskiego. Obraz z ponurym ojcem i córką jest wypełniony szczegółami, które wskazują na surowość, purytanizm i wsteczny charakter przedstawionych ludzi.
Tak naprawdę artysta nie miał zamiaru przedstawiać żadnych horrorów: podczas podróży do Iowa zauważył mały dom w stylu gotyckim i postanowił przedstawić tych ludzi, którzy jego zdaniem byliby idealni jako mieszkańcy. Siostra Granta i jego dentysta zostają uwiecznieni jako bohaterowie, którymi mieszkańcy Iowa byli tak urażeni.
Zemsta Salvadora Dali
Obraz „Postać w oknie” został namalowany w 1925 roku, gdy Dali miał 21 lat. Gala nie była jeszcze wówczas obecna w życiu artysty, a jego muzą była jego siostra Ana Maria. Relacje między bratem i siostrą uległy pogorszeniu, gdy na jednym z obrazów napisał: „Czasami pluję na portret własnej matki i sprawia mi to przyjemność”. Ana Maria nie mogła wybaczyć tak szokującego zachowania.
W swojej książce Salvador Dali oczami siostry z 1949 roku pisze o swoim bracie bez żadnych pochwał. Książka rozwścieczyła Salvadora. Przez kolejne dziesięć lat wspominał ją ze złością przy każdej okazji. I tak w 1954 roku ukazał się obraz „Młoda dziewica oddając się grzechowi sodomii za pomocą rogów własnej czystości”. Postawa kobiety, jej loki, pejzaż za oknem i kolorystyka obrazu wyraźnie nawiązują do „Postać w oknie”. Istnieje wersja, w której Dali zemścił się na swojej siostrze za jej książkę.
Danae o dwóch twarzach
Rembrandt Harmens van Rijn, „Danae”, 1636 - 1647.
Wiele tajemnic jednego z najsłynniejszych obrazów Rembrandta wyszło na jaw dopiero w latach 60. XX wieku, kiedy płótno zostało naświetlone promieniami rentgenowskimi. Przykładowo strzelanina pokazała, że we wczesnej wersji twarz księżniczki, która wdała się w romans z Zeusem, była podobna do twarzy Saskii, żony malarza, zmarłej w 1642 roku. W ostatecznej wersji obrazu zaczął on przypominać twarz Gertje Dirks, kochanki Rembrandta, z którą artysta mieszkał po śmierci żony.
Żółta sypialnia Van Gogha
Vincent Van Gogh, „Sypialnia w Arles”, 1888 - 1889.
W maju 1888 roku Van Gogh nabył małą pracownię w Arles na południu Francji, gdzie uciekł przed paryskimi artystami i krytykami, którzy go nie rozumieli. W jednym z czterech pokoi Vincent urządza sypialnię. W październiku wszystko jest już gotowe i postanawia namalować „Sypialnię Van Gogha w Arles”. Dla artysty bardzo ważny był kolor i wygoda pomieszczenia: wszystko musiało przywoływać na myśl o relaksie. Jednocześnie obraz jest utrzymany w niepokojących żółtych odcieniach.
Badacze twórczości Van Gogha tłumaczą to faktem, że artysta zażywał naparstnicę, lek na epilepsję, który powoduje poważne zmiany w postrzeganiu koloru przez pacjenta: cała otaczająca rzeczywistość jest pomalowana na odcienie zieleni i żółci.
Bezzębna doskonałość
Leonardo da Vinci, „Portret Lady Lisy del Giocondo”, 1503 - 1519.
Powszechnie panuje opinia, że Mona Lisa jest perfekcją, a jej uśmiech jest piękny w swojej tajemniczości. Jednak amerykański krytyk sztuki (i dentysta na pół etatu) Joseph Borkowski uważa, że sądząc po wyrazie twarzy, bohaterka straciła wiele zębów. Studiując powiększone fotografie arcydzieła Borkowski odkrył także blizny wokół ust. „Uśmiecha się” właśnie z powodu tego, co ją spotkało – uważa ekspert. „Wyraz jej twarzy jest typowy dla ludzi, którzy stracili przednie zęby”.
Specjalizacja w kontroli twarzy
Paweł Fedotow, „Swatanie majora”, 1848.
Publiczność, która po raz pierwszy zobaczyła obraz „Major's Matchmaking”, roześmiała się serdecznie: artysta Fiedotow wypełnił go ironicznymi szczegółami, które były zrozumiałe dla ówczesnej publiczności. Na przykład major wyraźnie nie zna zasad etykiety szlacheckiej: pojawił się bez wymaganych bukietów dla panny młodej i jej matki. A jej kupieccy rodzice sami ubrali pannę młodą w wieczorową suknię balową, chociaż był dzień (wszystkie lampy w pokoju były zgaszone). Dziewczyna najwyraźniej po raz pierwszy przymierzyła głęboko wyciętą sukienkę, jest zawstydzona i próbuje uciec do swojego pokoju.
Dlaczego Liberty jest naga?
Ferdinand Victor Eugene Delacroix, „Wolność na barykadach”, 1830.
Zdaniem krytyka sztuki Etienne Julie Delacroix wzorował twarz kobiety na słynnej paryskiej rewolucjonistce – praczce Annie-Charlotte, która po śmierci brata z rąk królewskich żołnierzy poszła na barykady i zabiła dziewięciu gwardzistów. Artysta przedstawił ją z nagimi piersiami. Według jego planu jest to symbol nieustraszoności i bezinteresowności, a także triumfu demokracji: naga pierś pokazuje, że Liberty jako zwykły człowiek nie nosi gorsetu.
Kwadrat niekwadratowy
Kazimierz Malewicz, „Plac Czarnej Suprematyzmu”, 1915.
Tak naprawdę „Czarny kwadrat” wcale nie jest czarny i wcale nie jest kwadratowy: żaden z boków czworokąta nie jest równoległy do żadnego z pozostałych boków, ani do żadnego boku kwadratowej ramy otaczającej obraz. A ciemny kolor to efekt zmieszania różnych barw, wśród których nie było czerni. Uważa się, że nie było to zaniedbanie autora, ale pryncypialne stanowisko, chęć stworzenia dynamicznej, mobilnej formy.
Specjaliści z Galerii Trietiakowskiej odkryli autorski napis na słynnym obrazie Malewicza. Napis głosi: „Bitwa Czarnych w ciemnej jaskini”. To zdanie nawiązuje do tytułu humorystycznego obrazu francuskiego dziennikarza, pisarza i artysty Alphonse’a Allaisa „Bitwa Murzynów w ciemnej jaskini w środku nocy”, który miał kształt całkowicie czarnego prostokąta.
Melodramat austriackiej Mony Lisy
Gustav Klimt, „Portret Adele Bloch-Bauer”, 1907.
Jeden z najważniejszych obrazów Klimta przedstawia żonę austriackiego magnata cukrowniczego Ferdinada Blocha-Bauera. Cały Wiedeń omawiał burzliwy romans Adele ze słynną artystką. Ranny mąż chciał zemścić się na swoich kochankach, ale wybrał bardzo nietypową metodę: postanowił zamówić Klimtowi portret Adele i zmusić go do wykonania setek szkiców, aż artysta zaczął na nią wymiotować.
Bloch-Bauer chciał, aby praca trwała kilka lat, aby opiekunka mogła zobaczyć, jak słabną uczucia Klimta. Złożył artyście hojną ofertę, której nie mógł odmówić, i wszystko potoczyło się zgodnie ze scenariuszem oszukanego męża: praca została ukończona w ciągu 4 lat, kochankowie już dawno się ochłodzili. Adele Bloch-Bauer nigdy nie wiedziała, że jej mąż był świadomy jej związku z Klimtem.
Obraz, który przywrócił Gauguina do życia
Paul Gauguin, „Skąd przychodzimy? Kim jesteśmy? Dokąd zmierzamy?”, 1897-1898.
Najsłynniejszy obraz Gauguina ma jedną cechę charakterystyczną: „czyta się” go nie od lewej do prawej, ale od prawej do lewej, jak teksty kabalistyczne, którymi interesował się artysta. W tej kolejności rozwija się alegoria życia duchowego i fizycznego człowieka: od narodzin duszy (śpiące dziecko w prawym dolnym rogu) do nieuchronności godziny śmierci (ptak z jaszczurką w szponach w lewy dolny róg).
Obraz został namalowany przez Gauguina na Tahiti, gdzie artysta kilkakrotnie uciekał przed cywilizacją. Ale tym razem życie na wyspie nie ułożyło się: totalna bieda doprowadziła go do depresji. Po ukończeniu płótna, które miało stać się jego duchowym testamentem, Gauguin wziął skrzynkę z arszenikiem i udał się w góry, aby umrzeć. Nie obliczył jednak dawki i samobójstwo się nie powiodło. Następnego ranka pojechał do swojej chaty i zasnął, a kiedy się obudził, poczuł zapomniane pragnienie życia. A w 1898 roku jego działalność zaczęła się poprawiać i rozpoczął się w jego pracy jaśniejszy okres.
112 przysłów na jednym obrazku
Pieter Bruegel Starszy, „Przysłowia holenderskie”, 1559
Pieter Bruegel Starszy przedstawił krainę zamieszkałą przez dosłowne obrazy holenderskich przysłów tamtych czasów. Obraz zawiera około 112 rozpoznawalnych idiomów. Niektóre z nich są stosowane do dziś, np.: „płyń pod prąd”, „walenie głową o ścianę”, „uzbrojony po zęby” czy „duża ryba zjada małą rybkę”.
Inne przysłowia odzwierciedlają ludzką głupotę.
Subiektywność sztuki
Paul Gauguin, „Bretońska wioska w śniegu”, 1894
Obraz Gauguina „Bretońska wioska w śniegu” został sprzedany po śmierci autora za jedyne siedem franków i w dodatku pod nazwą „Wodospad Niagara”. Mężczyzna prowadzący aukcję przez przypadek powiesił obraz do góry nogami, bo zobaczył na nim wodospad.
Ukryty obraz
Pablo Picasso, „Niebieski pokój”, 1901
W 2008 roku promieniowanie podczerwone ujawniło, że pod Błękitnym Pokojem ukryty był kolejny obraz – portret mężczyzny ubranego w garnitur z muszką i opierającego głowę na dłoni. „Gdy tylko Picasso wpadł na nowy pomysł, chwycił za pędzel i ożywił go. Nie miał jednak możliwości zakupu nowego płótna za każdym razem, gdy odwiedzała go muza” – historyk sztuki Patricia Favero wyjaśnia możliwą przyczynę tego stanu rzeczy.
Niedostępne Marokańczycy
Zinaida Serebryakova, „Nago”, 1928
Któregoś dnia Zinaida Serebryakova otrzymała kuszącą propozycję – wybrania się w twórczą podróż mającą na celu przedstawienie nagich postaci orientalnych dziewcząt. Okazało się jednak, że w tych miejscach po prostu nie da się znaleźć modeli. Z pomocą przyszedł tłumacz Zinaidy – przyprowadził do niej swoje siostry i narzeczoną. Nikomu wcześniej ani później nie udało się uchwycić nagich, orientalnych kobiet w zamknięciu.
Spontaniczny wgląd
Walentin Sierow, „Portret Mikołaja II w marynarce”, 1900
Przez długi czas Sierow nie mógł namalować portretu cara. Kiedy artysta całkowicie się poddał, przeprosił Nikołaja. Nikołaj był trochę zdenerwowany, usiadł przy stole i wyciągnął przed siebie ramiona... I wtedy dotarło do artysty - oto obraz! Prosty wojskowy w kurtce oficerskiej o jasnych i smutnych oczach. Portret ten uznawany jest za najlepszy wizerunek ostatniego cesarza.
Kolejny dwójka
© Fedor Reshetnikov
Słynny obraz „Deuce Again” to dopiero druga część artystycznej trylogii.
Pierwsza część to „Przyjechałem na wakacje”. Oczywiście zamożna rodzina, ferie zimowe, radosny, doskonały student.
Druga część to „Znowu dwójka”. Biedna rodzina z robotniczych przedmieść, szczyt roku szkolnego, przygnębiony idiota, który znów dostał złą ocenę. W lewym górnym rogu widać obraz „Przybył na wakacje”.
Trzecia część to „Ponowne badanie”. Wiejski dom, lato, wszyscy chodzą, jeden złośliwy ignorant, który nie zdał rocznego egzaminu, zmuszony jest siedzieć w czterech ścianach i tłoczyć się. W lewym górnym rogu widać obraz „Deuce Again”.
Jak rodzą się arcydzieła
Joseph Turner, Deszcz, para i prędkość, 1844
W 1842 roku pani Simon podróżowała pociągiem po Anglii. Nagle zaczęła się silna ulewa. Starszy pan siedzący naprzeciw niej wstał, otworzył okno, wystawił głowę na zewnątrz i patrzył przez około dziesięć minut. Nie mogąc powstrzymać ciekawości, kobieta również otworzyła okno i zaczęła patrzeć przed siebie. Rok później na wystawie w Królewskiej Akademii Sztuk odkryła obraz „Deszcz, para i prędkość” i rozpoznała w nim ten sam epizod w pociągu.
Lekcja anatomii od Michała Anioła
Michał Anioł, „Stworzenie Adama”, 1511
Para amerykańskich ekspertów w dziedzinie neuroanatomii uważa, że Michał Anioł rzeczywiście pozostawił po sobie pewne ilustracje anatomiczne w jednym ze swoich najsłynniejszych dzieł. Wierzą, że prawa strona obrazu przedstawia ogromny mózg. Co zaskakujące, można znaleźć nawet złożone elementy, takie jak móżdżek, nerwy wzrokowe i przysadka mózgowa. A przyciągająca wzrok zielona wstążka idealnie komponuje się z położeniem tętnicy kręgowej.
„Ostatnia wieczerza” Van Gogha
Vincent Van Gogh, Taras kawiarni nocą, 1888
Badacz Jared Baxter uważa, że obraz Van Gogha „Taras kawiarni nocą” zawiera zaszyfrowaną dedykację dla „Ostatniej wieczerzy” Leonarda da Vinci. Pośrodku obrazu stoi kelner z długimi włosami i białą tuniką przypominającą szaty Chrystusa, a wokół niego znajduje się dokładnie 12 osób odwiedzających kawiarnię. Baxter zwraca także uwagę na umieszczony bezpośrednio za kelnerem krzyż w kolorze białym.
Obraz pamięci Dali
Salvador Dali, „Trwałość pamięci”, 1931
Nie jest tajemnicą, że myśli, które nawiedziły Dali podczas tworzenia jego arcydzieł, zawsze miały formę bardzo realistycznych obrazów, które artysta następnie przeniósł na płótno. Zatem, według samego autora, obraz „Trwałość pamięci” powstał w wyniku skojarzeń, jakie narosły na widok sera topionego.
O czym Munch krzyczy?
Edvard Munch, „Krzyk”, 1893.
Munch opowiadał o idei jednego z najbardziej tajemniczych obrazów w malarstwie światowym: „Szedłem z dwoma przyjaciółmi ścieżką – słońce zachodziło – nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, wyczerpany, oparłem się o płot – patrzyłem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miastem – moi przyjaciele poszli dalej, a ja stałem drżący z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę.” Ale jaki zachód słońca mógł tak przestraszyć artystę?
Istnieje wersja, że pomysł na „Krzyk” narodził się u Muncha w 1883 roku, kiedy miało miejsce kilka potężnych erupcji wulkanu Krakatoa – tak potężnych, że zmieniły temperaturę ziemskiej atmosfery o jeden stopień. Obfite ilości pyłu i popiołu rozprzestrzeniły się po całym świecie, docierając nawet do Norwegii. Przez kilka wieczorów z rzędu zachody słońca wyglądały, jakby miała nadejść apokalipsa – jeden z nich stał się źródłem inspiracji dla artysty.
Pisarz wśród ludzi
Aleksander Iwanow, „Pojawienie się Chrystusa ludowi”, 1837-1857.
Dziesiątki modelek pozowało Aleksandrowi Iwanowowi do jego głównego obrazu. Jeden z nich jest znany nie mniej niż sam artysta. W tle, wśród podróżników i jeźdźców rzymskich, którzy nie słyszeli jeszcze kazania Jana Chrzciciela, widać postać w tunice. Iwanow napisał to od Mikołaja Gogola. Pisarz utrzymywał ścisły kontakt z artystą we Włoszech, zwłaszcza w kwestiach religijnych i udzielał mu rad podczas procesu malowania. Gogol uważał, że Iwanow „już dawno umarł za cały świat, z wyjątkiem swojej pracy”.
Dna Michała Anioła
Rafael Santi, „Szkoła ateńska”, 1511.
Tworząc słynny fresk „Szkoła ateńska”, Rafael uwiecznił swoich przyjaciół i znajomych na obrazach starożytnych greckich filozofów. Jednym z nich był Michelangelo Buonarotti „w roli” Heraklita. Przez kilka stuleci fresk skrywał tajemnice życia osobistego Michała Anioła, a współcześni badacze sugerują, że dziwnie kanciaste kolano artysty wskazuje na chorobę stawów.
Jest to całkiem prawdopodobne, biorąc pod uwagę specyfikę stylu życia i warunków pracy artystów renesansu oraz chroniczny pracoholizm Michała Anioła.
Lustro pary Arnolfinich
Jan van Eyck, „Portret pary Arnolfinich”, 1434
W lustrze za parą Arnolfinich widać odbicie dwóch kolejnych osób w pokoju. Najprawdopodobniej są to świadkowie obecni przy zawarciu umowy. Jednym z nich jest van Eyck, o czym świadczy łaciński napis umieszczony wbrew tradycji nad lustrem w centrum kompozycji: „Jan van Eyck był tutaj”. W ten sposób zazwyczaj zawierano umowy.
Jak wada zamieniła się w talent
Rembrandt Harmens van Rijn, Autoportret w wieku 63 lat, 1669.
Badaczka Margaret Livingston przestudiowała wszystkie autoportrety Rembrandta i odkryła, że artysta cierpiał na zez: na obrazach jego oczy patrzą w różnych kierunkach, czego nie obserwuje się na portretach innych osób autorstwa mistrza. Choroba sprawiła, że artysta potrafi lepiej postrzegać rzeczywistość w dwóch wymiarach niż osoby o prawidłowym wzroku. Zjawisko to nazywane jest „ślepotą stereo” – niemożnością zobaczenia świata w 3D. Ponieważ jednak malarz musi pracować z obrazem dwuwymiarowym, właśnie ta wada Rembrandta może być jednym z wyjaśnień jego fenomenalnego talentu.
Bezgrzeszna Wenus
Sandro Botticelli, „Narodziny Wenus”, 1482-1486.
Przed pojawieniem się Narodzin Wenus wizerunek nagiego kobiecego ciała w malarstwie symbolizował jedynie ideę grzechu pierworodnego. Sandro Botticelli był pierwszym z europejskich malarzy, który nie znalazł w nim nic grzesznego. Co więcej, historycy sztuki są pewni, że pogańska bogini miłości symbolizuje na fresku chrześcijański obraz: jej pojawienie się jest alegorią odrodzenia duszy, która przeszła rytuał chrztu.
Lutniarz czy lutnista?
Michelangelo Merisi da Caravaggio, „Lutnista”, 1596.
Przez długi czas obraz był wystawiany w Ermitażu pod tytułem „Lutnista”. Dopiero na początku XX w. historycy sztuki zgodzili się, że obraz przedstawia młodego mężczyznę (pozował mu prawdopodobnie znajomy Caravaggia, artysta Mario Minniti): na notatkach przed muzykiem widać nagranie basu wers madrygału Jakuba Arkadelta „Wiesz, że cię kocham”. Kobieta nie mogłaby dokonać takiego wyboru - po prostu ciężko jest jej w gardle. Poza tym lutnia, podobnie jak skrzypce na samym brzegu obrazu, w czasach Caravaggia uważana była za instrument męski.