Renesans rozpoczął się we Włoszech. Swoją nazwę zawdzięcza gwałtownemu rozkwitowi intelektualnemu i artystycznemu, który rozpoczął się w XIV wieku i wywarł ogromny wpływ na społeczeństwo i kulturę europejską. Renesans wyrażał się nie tylko w malarstwie, ale także w architekturze, rzeźbie i literaturze. Najwybitniejszymi przedstawicielami renesansu są Leonardo da Vinci, Botticelli, Tycjan, Michał Anioł i Rafael.

W tamtych czasach głównym celem malarzy było realistyczne przedstawienie ludzkiego ciała, dlatego malowali głównie ludzi, przedstawiali różne tematy religijne. Wymyślono również zasadę perspektywy, co otworzyło przed artystami nowe możliwości.

Centrum renesansu stała się Florencja, następnie Wenecja, a później, bliżej XVI wieku, Rzym.

Leonardo jest nam znany jako utalentowany malarz, rzeźbiarz, naukowiec, inżynier i architekt renesansu. Przez większość życia Leonardo pracował we Florencji, gdzie stworzył wiele arcydzieł znanych na całym świecie. Wśród nich: „Mona Lisa” (inaczej – „Gioconda”), „Dama z gronostajem”, „Madonna Benois”, „Jan Chrzciciel” i „Św. Anna z Maryją i Dzieciątkiem Jezus.

Artysta ten jest rozpoznawalny dzięki unikalnemu stylowi, który wypracował przez lata. Malował też ściany Kaplicy Sykstyńskiej na osobiste zlecenie papieża Sykstusa IV. Botticelli malował słynne obrazy o tematyce mitologicznej. Do takich obrazów należą „Wiosna”, „Pallas i centaur”, „Narodziny Wenus”.

Tycjan był głową florenckiej szkoły artystów. Po śmierci swojego nauczyciela Belliniego Tycjan został oficjalnym, powszechnie uznanym artystą Republiki Weneckiej. Malarz ten znany jest ze swoich portretów o tematyce religijnej: „Wniebowstąpienie Maryi”, „Danae”, „Miłość ziemska i Miłość niebiańska”.

Włoski poeta, rzeźbiarz, architekt i artysta przedstawił wiele arcydzieł, wśród których znajduje się słynna rzeźba „Dawida” wykonana z marmuru. Ten posąg stał się główną atrakcją Florencji. Michał Anioł namalował sklepienie Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie, co było głównym zleceniem papieża Juliusza II. W okresie swojej twórczości poświęcił więcej uwagi architekturze, ale dał nam „Ukrzyżowanie św. Piotra”, „Złożenie do grobu”, „Stworzenie Adama”, „Wróżbiarz”.

Jego twórczość powstała pod wielkim wpływem Leonarda da Vinci i Michała Anioła, dzięki którym zdobył bezcenne doświadczenie i umiejętności. Malował sale reprezentacyjne w Watykanie, przedstawiając działalność człowieka i przedstawiając różne sceny z Biblii. Wśród słynnych obrazów Rafaela są „Madonna Sykstyńska”, „Trzy gracje”, „Święty Michał i diabeł”.

Iwan Siergiejewicz Ceregorodcew

Ogromną rolę, jaką Brunelleschi odegrał w architekturze wczesnego renesansu, a Donatello w rzeźbie, odegrał Masaccio (1401-1428) w malarstwie. Słynny historyk sztuki Vipper powiedział: „Masaccio to jeden z najbardziej niezależnych i konsekwentnych geniuszy w historii malarstwa europejskiego, twórca nowego realizmu…” Kontynuując poszukiwania Giotta, Masaccio śmiało zrywa ze średniowiecznymi tradycjami artystycznymi. Na fresku „Trójca” (1426-27), stworzonym dla kościoła Santa Maria Novella we Florencji, Masaccio po raz pierwszy używa pełnej perspektywy w malarstwie ściennym. Na malowidłach ściennych kaplicy Brancacci kościoła Santa Maria del Carmine we Florencji (1425-28) – głównego dzieła jego krótkiego życia – Masaccio nadaje obrazom niespotykaną żywotność, podkreśla fizyczność i monumentalność swoich postaci, po mistrzowsku przekazuje stan emocjonalny psychologiczna głębia obrazów. Na fresku „Wygnanie z raju” artysta rozwiązuje najtrudniejsze zadanie swoich czasów, przedstawiając nagą postać ludzką. Surowa i odważna sztuka Masaccio wywarła ogromny wpływ na kulturę artystyczną renesansu, w szczególności na twórczość Piero della Francesca i Michała Anioła.

Rozwój malarstwa wczesnego renesansu był niejednoznaczny: artyści szli własnymi drogami, czasem na różne sposoby. Świecki początek, pragnienie fascynującej narracji, liryczne, ziemskie uczucie znalazło żywy wyraz w twórczości brata Filippa Lippiego (1406-69), mnicha z zakonu karmelitów. Uroczy mistrz, autor wielu kompozycji ołtarzowych, wśród których za najlepszy uważany jest obraz „Adoracja Dzieciątka”, stworzony do kaplicy w Pałacu Medici-Riccardi, Filippo Lippi potrafił przekazać ludzkie ciepło i poetycką miłość do natury w nich.

W połowie XVw. malarstwo środkowych Włoch przeżyło gwałtowny rozkwit, czego jaskrawym przykładem jest twórczość Piero della Francesca (1420-92), największego artysty i teoretyka sztuki renesansu. Najbardziej niezwykłym dziełem Piero della Francesca jest cykl fresków w kościele San Francesco w Arezzo, opartych na legendzie o Życiodajnym Drzewie Krzyża. Ułożone w trzech kondygnacjach freski śledzą historię życiodajnego krzyża od samego początku, kiedy z nasion rajskiego drzewa poznania dobra i zła na grobie Adama wyrasta święte drzewo, aż po kończy się, gdy cesarz bizantyjski Herakliusz uroczyście zwraca chrześcijańską relikwię do Jerozolimy. Twórczość Piero della Francesca wykraczała poza lokalne szkoły malarstwa i determinowała rozwój sztuki włoskiej w ogóle.

W drugiej połowie XV wieku wielu utalentowanych rzemieślników pracowało w północnych Włoszech w miastach Werona, Ferrara i Wenecja. Wśród malarzy tego czasu najbardziej znany jest Andrea Mantegna (1431-1506) – mistrz malarstwa sztalugowego i monumentalnego, rysownik i rytownik, rzeźbiarz i architekt. Manierę obrazową artysty wyróżnia pogoń za formą i rysunkiem, rygoryzm i prawdziwość uogólnionych obrazów. Dzięki przestrzennej głębi i rzeźbiarskiemu charakterowi postaci, Mantegna osiąga wrażenie rzeczywistej sceny zatrzymanej na chwilę - jego postacie wyglądają tak obszernie i naturalnie. Przez większość życia Mantegna mieszkał w Mantui, gdzie stworzył swoje najsłynniejsze dzieło - obraz „Chamber degli Sposi” w wiejskim zamku markiza Gonzagi. Za pomocą samego malarstwa stworzył tu luksusowe renesansowe wnętrze, miejsce uroczystych przyjęć i świąt. Ciesząca się wielką sławą sztuka Mantegny wywarła wpływ na całe malarstwo północnych Włoch.

Szczególne miejsce w malarstwie wczesnego renesansu zajmuje Sandro Botticelli (1445-1510), rówieśnik Leonarda da Vinci i młodego Michała Anioła. Znakomita sztuka Botticellego z elementami stylizacji (tj. uogólnienia obrazów za pomocą konwencjonalnych technik - uproszczenia koloru, kształtu i objętości) cieszyła się dużym powodzeniem wśród wykształconych Florentczyków. Sztuka Botticellego, w przeciwieństwie do większości mistrzów wczesnego renesansu, opierała się na osobistych doświadczeniach. Wśród wielu obrazów stworzonych przez Botticellego znajdują się jedne z najpiękniejszych dzieł sztuki światowej („Narodziny Wenus”, „Wiosna”). Niezwykle wrażliwy i szczery Botticelli przeszedł trudną i tragiczną drogę twórczych poszukiwań – od poetyckiego postrzegania świata w młodości po mistycyzm i egzaltację religijną w wieku dorosłym.

Leonardo da Vinci

W istocie jeden mistrz, Leonardo da Vinci, działał jako twórca sztuki Wielkiego Renesansu i jest głęboko symptomatyczne, że jak nikt inny był w pełni uzbrojony w najwyższe osiągnięcia kultury materialnej i duchowej swoich czas we wszystkich jego obszarach. Wkład Leonarda w sztukę Wielkiego Renesansu można porównać z rolą Giotta i Masaccio, inicjatorów poprzednich etapów sztuki renesansu, z tą różnicą, że zgodnie z warunkami nowej epoki i większym rozmachem talentu Leonarda sens jego sztuki stał się nieporównanie szerszy.

Leonardo był malarzem, rzeźbiarzem, architektem, piosenkarzem i muzykiem, poetą-improwizatorem, teoretykiem sztuki, reżyserem teatralnym i bajkopisarzem, filozofem i matematykiem, inżynierem, wynalazcą mechaniki, fizykiem i astronomem, anatomem i optykiem, geologiem, zoologiem, botanikiem i wszystkim innym. to nie wyczerpuje jego działalności.

Sztuka dla Leonarda była środkiem poznania świata, poznania człowieka. Uważał naturę za mentora iw swojej twórczości wychodził z ich konkretnej rzeczywistości, od niej odpychany. Nieustannie eksperymentował z farbami, starając się wydobyć ukryte w nich możliwości w przekazywaniu światła i cienia, malarskich niuansów, niemal niezauważalnych przejściach tonalnych. Ogromne znaczenie dla całej jego twórczości i całego późniejszego malarstwa miało dokonane przez niego odkrycie niestabilności, kruchości, płynności widzialnego świata i sposobu, w jaki został on przekazany na obrazie.

Ten przewrót, w którym panowała przed nim niezachwiana i samowystarczalna linia, nazwał „znikaniem konturów”. Przechodząc od rozważań teoretycznych do praktyki, Leonardo zaczyna stosować swoje słynne „sfumato” – „zadymiony światłocień”, wrażenie optyczne w duchu impresjonizmu. Na jego płótnach jest to delikatny półmrok z miękką gamą tonów mleczno-srebrnych, niebieskawych, czasem z zielonkawymi odcieniami, w których linia staje się jakby zwiewna.

Sztuka i nauka dla Leonarda istniały nierozłącznie. Skalę proporcji sylwetki ludzkiej skojarzył z kwadratem, którego długość wyznacza długość ciała człowieka i zawiera system podziałów pozwalający na ustalenie wymiarów za pomocą kompasu w stosunku od 1/2 do 1/96 figury. Wyraził to w kategoriach „kwadratury koła” i „człowieka witruwiańskiego”. Wprowadził termin „złoty podział” dla harmonicznego podziału segmentu, znany w starożytności i rozpoznawany w średniowiecznej Europie z arabskiego tłumaczenia „Początków” Euklidesa.

Najsłynniejsze obrazy Leonarda, które wpłynęły na rozwój całej sztuki europejskiej: „Madonna w Grocie” – pierwszy monumentalny ołtarz Wielkiego Renesansu; „Ostatnia wieczerza”, portret Mony Lisy – „La Gioconda”.

Renesans to fenomenalne zjawisko w historii ludzkości. Dawno już nie było tak błyskotliwego błysku w dziedzinie sztuki. Rzeźbiarze, architekci i artyści renesansu (lista jest długa, ale dotkniemy najsłynniejszych), których nazwiska są znane wszystkim, dali światu bezcenne. Wyjątkowi i wyjątkowi ludzie pokazali się nie w jednej dziedzinie, ale w kilku natychmiast.

Malarstwo wczesnego renesansu

Renesans ma względne ramy czasowe. Po raz pierwszy zaczęło się we Włoszech - 1420-1500. W tym czasie malarstwo i cała sztuka w ogóle nie różni się zbytnio od niedawnej przeszłości. Po raz pierwszy pojawiają się jednak elementy zapożyczone z klasycznej starożytności. I dopiero w kolejnych latach rzeźbiarze, architekci i artyści renesansu (których lista jest bardzo długa) pod wpływem nowoczesnych warunków życia i postępowych trendów ostatecznie porzucają średniowieczne fundamenty. Odważnie przyjmują do swoich dzieł najlepsze przykłady sztuki antycznej, zarówno w całości, jak iw poszczególnych szczegółach. Ich nazwiska są znane wielu, skupmy się na najjaśniejszych osobowościach.

Masaccio – geniusz malarstwa europejskiego

To on wniósł ogromny wkład w rozwój malarstwa, stając się wielkim reformatorem. Florencki mistrz urodził się w 1401 roku w rodzinie rzemieślników artystycznych, więc zmysł smaku i chęć tworzenia miał we krwi. W wieku 16-17 lat przeniósł się do Florencji, gdzie pracował w warsztatach. Donatello i Brunelleschi, wielcy rzeźbiarze i architekci, uważani są za jego nauczycieli. Komunikacja z nimi i nabyte umiejętności nie mogły nie wpłynąć na młodego malarza. Od początku Masaccio zapożyczył nowe rozumienie osobowości człowieka, charakterystyczne dla rzeźby. U drugiego mistrza – podstawa Za pierwsze wiarygodne dzieło badacze uznają Tryptyk San Giovenale (na pierwszym zdjęciu), który został odkryty w małym kościółku niedaleko miejscowości, w której urodził się Masaccio. Głównym dziełem są freski poświęcone historii życia św. Piotra. Artysta brał udział w powstaniu sześciu z nich, a mianowicie: „Cud z państwem”, „Wygnanie z raju”, „Chrzest neofitów”, „Podział majątku i śmierć Ananiasza”, „Zmartwychwstanie Syna Teofila”, „Św. Piotr swoim cieniem uzdrawia chorych” i „Św. Piotr na ambonie”.

Włoscy artyści renesansu to ludzie, którzy całkowicie poświęcili się sztuce, nie zwracając uwagi na zwykłe codzienne problemy, które czasami prowadziły ich do nędznej egzystencji. Masaccio nie jest wyjątkiem: genialny mistrz zmarł bardzo wcześnie, w wieku 27-28 lat, pozostawiając po sobie wielkie dzieła i dużą liczbę długów.

Andrea Mantegna (1431-1506)

To przedstawiciel szkoły malarskiej w Padwie. Otrzymał podstawy umiejętności od swojego przybranego ojca. Styl ukształtował się pod wpływem twórczości Masaccia, Andrei del Castagno, Donatella oraz malarstwa weneckiego. To zdeterminowało nieco surowy i surowy sposób bycia Andrei Mantegny w porównaniu z Florentczykami. Był kolekcjonerem i znawcą dzieł kultury okresu antycznego. Dzięki swojemu stylowi, jak nikt inny, zasłynął jako innowator. Jego najsłynniejsze dzieła to: „Martwy Chrystus”, „Triumf Cezara”, „Judyta”, „Bitwa bogów morza”, „Parnas” (na zdjęciu) itp. Od 1460 roku aż do śmierci pracował jako nadworny malarz w rodzinie książąt Gonzaga.

Sandro Botticelli (1445-1510)

Botticelli to pseudonim, prawdziwe imię to Filipepi. Nie od razu wybrał drogę artysty, lecz początkowo studiował jubilerstwo. W pierwszych niezależnych utworach (kilka Madonn) wyczuwalny jest wpływ Masaccia i Lippiego. W przyszłości wychwalał się także jako portrecista, większość zamówień pochodziła z Florencji. Wyrafinowany i wyrafinowany charakter jego pracy z elementami stylizacji (uogólnienie obrazów za pomocą konwencjonalnych technik - prostota formy, koloru, objętości) odróżnia go od innych mistrzów tamtych czasów. Współczesny Leonardo da Vinci i młody Michał Anioł pozostawili jasny ślad w sztuce światowej („Narodziny Wenus” (zdjęcie), „Wiosna”, „Adoracja Trzech Króli”, „Wenus i Mars”, „Boże Narodzenie” itp. .). Jego malarstwo jest szczere i wrażliwe, a jego droga życiowa skomplikowana i tragiczna. Romantyczne postrzeganie świata w młodym wieku zostało zastąpione mistycyzmem i egzaltacją religijną w okresie dojrzałości. Ostatnie lata swojego życia Sandro Botticelli żył w biedzie i zapomnieniu.

Piero (Pietro) della Francesca (1420-1492)

Włoski malarz i kolejny przedstawiciel wczesnego renesansu, pochodzący z Toskanii. Styl autora ukształtował się pod wpływem florenckiej szkoły malarstwa. Oprócz talentu artystki Piero della Francesca odznaczał się wybitnymi zdolnościami w dziedzinie matematyki i poświęcił jej ostatnie lata życia, starając się łączyć ją ze sztuką wysoką. W rezultacie powstały dwa traktaty naukowe: „O perspektywie w malarstwie” i „Księga pięciu prawidłowych brył”. Jego styl wyróżnia powaga, harmonia i szlachetność obrazów, równowaga kompozycyjna, precyzja linii i konstrukcji, miękka gama kolorystyczna. Piero della Francesca posiadał niesamowitą znajomość technicznej strony malarstwa i specyfiki ówczesnej perspektywy, co przyniosło mu duży prestiż wśród współczesnych. Najsłynniejsze dzieła: „Historia królowej Saby”, „Biczowanie Chrystusa” (na zdjęciu), „Ołtarz Montefeltro” itp.

Malarstwo wysokiego renesansu

Jeśli protorenesans i wczesna epoka trwały odpowiednio prawie półtora wieku, to okres ten obejmuje tylko kilka dekad (we Włoszech od 1500 do 1527 roku). To był jasny, oślepiający błysk, który dał światu całą galaktykę wspaniałych, wszechstronnych i błyskotliwych ludzi. Wszystkie gałęzie sztuki szły ręka w rękę, więc wielu mistrzów to także naukowcy, rzeźbiarze, wynalazcy, a nie tylko artyści renesansu. Lista jest długa, ale szczyt renesansu zaznaczyły prace L. da Vinci, M. Buanarottiego i R. Santiego.

Niezwykły geniusz Da Vinci

Być może jest to najbardziej niezwykła i wybitna osobowość w historii światowej kultury artystycznej. Był osobą uniwersalną w pełnym tego słowa znaczeniu i posiadał najbardziej wszechstronną wiedzę i talenty. Artysta, rzeźbiarz, teoretyk sztuki, matematyk, architekt, anatom, astronom, fizyk i inżynier - to wszystko o nim. Co więcej, w każdej z dziedzin Leonardo da Vinci (1452-1519) pokazał się jako innowator. Do tej pory zachowało się tylko 15 jego obrazów, a także wiele szkiców. Posiadając ogromną witalność i głód wiedzy, był niecierpliwy, fascynował go sam proces poznawania. W bardzo młodym wieku (20 lat) uzyskał kwalifikacje mistrza cechu św. Łukasza. Jego najważniejszymi dziełami były fresk „Ostatnia wieczerza”, obrazy „Mona Lisa”, „Madonna Benois” (na zdjęciu powyżej), „Dama z gronostajem” itp.

Portrety artystów renesansu należą do rzadkości. Woleli zostawić swoje wizerunki na obrazach o wielu twarzach. Tak więc wokół autoportretu da Vinci (na zdjęciu) spory nie cichną do dziś. Przedstawiane są wersje, że zrobił to w wieku 60 lat. Według biografa, artysty i pisarza Vasariego, wielki mistrz umierał w ramionach swojego bliskiego przyjaciela króla Franciszka I w swoim zamku Clos Luce.

Rafał Santi (1483-1520)

Artysta i architekt pochodzący z Urbino. Jego nazwisko w sztuce niezmiennie kojarzone jest z ideą wysublimowanego piękna i naturalnej harmonii. Przez dość krótkie życie (37 lat) stworzył wiele światowej sławy obrazów, fresków i portretów. Fabuły, które przedstawił, są bardzo różnorodne, ale zawsze pociągał go obraz Matki Bożej. Absolutnie słusznie Rafael nazywany jest „mistrzem Madonn”, szczególnie znane są te, które namalował w Rzymie. W Watykanie pracował od 1508 roku do końca życia jako oficjalny artysta na dworze papieskim.

Wszechstronnie uzdolniony, jak wielu innych wielkich artystów renesansu, Rafał był także architektem, a także zajmował się wykopaliskami archeologicznymi. Według jednej wersji ostatnie hobby ma bezpośredni związek z przedwczesną śmiercią. Przypuszczalnie podczas wykopalisk zachorował na rzymską febrę. Wielki mistrz jest pochowany w Panteonie. Zdjęcie przedstawia jego autoportret.

Michał Anioł Buoanarroti (1475-1564)

Długi 70-latek tego człowieka był bystry, pozostawił swoim potomkom niezniszczalne dzieła nie tylko malarstwa, ale i rzeźby. Podobnie jak inni wielcy artyści renesansu, Michał Anioł żył w czasach pełnych historycznych wydarzeń i wstrząsów. Jego sztuka jest pięknym zwieńczeniem całego renesansu.

Mistrz stawiał rzeźbę ponad wszystkie inne sztuki, ale z woli losu stał się wybitnym malarzem i architektem. Jego najbardziej ambitnym i niezwykłym dziełem jest obraz (na zdjęciu) w pałacu w Watykanie. Powierzchnia fresku przekracza 600 metrów kwadratowych i zawiera 300 postaci ludzkich. Najbardziej imponująca i znana jest scena Sądu Ostatecznego.

Artyści włoskiego renesansu byli wszechstronnymi talentami. Tak więc niewiele osób wie, że Michał Anioł był także wielkim poetą. Ten aspekt jego geniuszu objawił się w pełni pod koniec jego życia. Do dziś zachowało się około 300 wierszy.

Malarstwo późnego renesansu

Ostatni okres obejmuje okres od 1530 do 1590-1620. Według Encyclopædia Britannica renesans jako okres historyczny zakończył się wraz z upadkiem Rzymu w 1527 r. Mniej więcej w tym samym czasie kontrreformacja zatriumfowała w południowej Europie. Nurt katolicki patrzył z obawą na jakąkolwiek wolnomyślność, w tym intonowanie piękna ludzkiego ciała i wskrzeszenie sztuki antycznej, czyli wszystkiego, co było filarami renesansu. Doprowadziło to do powstania szczególnego nurtu – manieryzmu, charakteryzującego się utratą harmonii między duchowością a fizycznością, człowiekiem a naturą. Ale nawet w tym trudnym okresie niektórzy znani artyści renesansu stworzyli swoje arcydzieła. Wśród nich są Antonio da Correggio (uważany za twórcę klasycyzmu i palladianizmu) oraz Tycjan.

Tycjan Vecellio (1488-1490 - 1676)

Słusznie uważany jest za tytana renesansu, obok Michała Anioła, Rafaela i da Vinci. Jeszcze zanim skończył 30 lat, Tycjan był znany jako „król malarzy i malarz królów”. Zasadniczo artysta malował obrazy o tematyce mitologicznej i biblijnej, ponadto zasłynął jako wspaniały portrecista. Współcześni wierzyli, że odciskanie pędzla wielkiego mistrza oznacza uzyskanie nieśmiertelności. I rzeczywiście tak jest. Rozkazy dla Tycjana pochodziły od najbardziej szanowanych i szlachetnych osób: papieży, królów, kardynałów i książąt. Oto tylko kilka, najsłynniejszych z jego dzieł: „Wenus z Urbino”, „Porwanie Europy” (na zdjęciu), „Nieśli krzyż”, „Koronacja cierniem”, „Madonna z Pesaro”, „Kobieta z lustro" itp.

Nic nie powtarza się dwa razy. Era renesansu dała ludzkości genialne, niezwykłe osobowości. Ich nazwiska złotymi literami zapisały się w światowej historii sztuki. Architekci i rzeźbiarze, pisarze i artyści renesansu – ich lista jest bardzo długa. Dotknęliśmy tylko tytanów, którzy tworzyli historię, przynieśli światu idee oświecenia i humanizmu.

Na początku XV wieku we Włoszech nastąpiły ogromne zmiany w życiu i kulturze. Od XII wieku mieszczanie, kupcy i rzemieślnicy Italii toczyli bohaterską walkę z zależnością feudalną. Rozwijając handel i produkcję, mieszczanie stopniowo bogacili się, odrzucili władzę panów feudalnych i organizowali wolne państwa-miasta. Te wolne włoskie miasta stały się bardzo potężne. Ich obywatele byli dumni ze swoich podbojów. Ogromne bogactwo niezależnych miast włoskich spowodowało ich rozkwit. Włoska burżuazja patrzyła na świat innymi oczami, mocno wierzyła w siebie, we własne siły. Obce im było pragnienie cierpienia, pokory, odrzucenia wszelkich ziemskich radości, które do tej pory im wmawiano. Wzrósł szacunek dla ziemskiego człowieka cieszącego się radościami życia. Ludzie zaczęli przyjmować aktywny stosunek do życia, chętnie poznawać świat, podziwiać jego piękno. W tym okresie rodzą się różne nauki, rozwija się sztuka.

We Włoszech zachowało się wiele zabytków sztuki starożytnego Rzymu, więc epoka starożytna ponownie była czczona jako wzór, sztuka antyczna stała się przedmiotem podziwu. Imitacja starożytności dała powód do nazwania tego okresu w sztuce - odrodzenie co oznacza po francusku "Renesans". Oczywiście nie było to ślepe, dokładne powtórzenie sztuki antycznej, była to już sztuka nowa, ale oparta na antycznych wzorach. Włoski renesans dzieli się na 3 etapy: VIII - XIV wiek - Prerenesans (Protorenesans lub Trecento- z tym.); XV wiek - wczesny renesans (Quattrocento); koniec XV - początek XVI w. - wysoki renesans.

W całych Włoszech prowadzono wykopaliska archeologiczne w poszukiwaniu starożytnych zabytków. Nowo odkryte posągi, monety, naczynia, broń były pieczołowicie konserwowane i gromadzone w specjalnie do tego celu utworzonych muzeach. Artyści studiowali na tych próbkach starożytności, czerpali je z natury.

Trecento (przed renesansem)

Prawdziwy początek renesansu wiąże się z nazwą Giotto di Bondone (1266? - 1337). Uważany jest za twórcę malarstwa renesansowego. Florencki Giotto wniósł wielki wkład w historię sztuki. Był odnowicielem, przodkiem całego malarstwa europejskiego po średniowieczu. Giotto tchnął życie w sceny ewangelii, stworzył obrazy prawdziwych ludzi, uduchowionych, ale ziemskich.

Giotto po raz pierwszy tworzy tomy za pomocą światłocienia. Lubi czyste, jasne kolory w chłodnych odcieniach: róże, perłowe szarości, blade fiolety i jasne bzy. Ludzie na freskach Giotta są krępi, z ciężkim bieżnikiem. Mają duże rysy twarzy, szerokie kości policzkowe, wąskie oczy. Jego człowiek jest miły, troskliwy, poważny.

Spośród dzieł Giotta najlepiej zachowane są freski w świątyniach Padwy. Przedstawił tutaj historie ewangeliczne jako istniejące, ziemskie, rzeczywiste. Opowiada w tych utworach o problemach, które dotyczą człowieka w każdym czasie: o życzliwości i wzajemnym zrozumieniu, podstępie i zdradzie, o głębi, smutku, łagodności, pokorze i wiecznej wszechogarniającej matczynej miłości.

Zamiast rozbieżnych pojedynczych postaci, jak w malarstwie średniowiecznym, Giotto zdołał stworzyć spójną historię, całą narrację o złożonym życiu wewnętrznym bohaterów. Zamiast konwencjonalnego złotego tła bizantyjskich mozaik, Giotto wprowadza tło krajobrazowe. I jeśli w malarstwie bizantyjskim postacie niejako unosiły się, wisiały w przestrzeni, to bohaterowie fresków Giotta znajdowali pod nogami solidny grunt. Poszukiwania Giotta przeniesienia przestrzeni, plastyczności figur, wyrazistości ruchu uczyniły jego sztukę całym etapem renesansu.

Jeden ze słynnych mistrzów renesansu -

Simone Martini (1284-1344).

W jego malarstwie zachowały się cechy północnego gotyku: postacie Martiniego są wydłużone i z reguły na złotym tle. Ale Martini tworzy obrazy za pomocą światłocienia, nadaje im naturalny ruch, stara się przekazać pewien stan psychiczny.

Quattrocento (wczesny renesans)

Starożytność odegrała ogromną rolę w kształtowaniu się świeckiej kultury wczesnego renesansu. We Florencji zostaje otwarta Akademia Platońska, biblioteka Laurenziana zawiera najbogatszy zbiór starożytnych rękopisów. Pojawiają się pierwsze muzea sztuki, wypełnione posągami, fragmentami antycznej architektury, marmurami, monetami i ceramiką. W renesansie wyróżniały się główne ośrodki życia artystycznego Włoch - Florencja, Rzym, Wenecja.

Jednym z największych ośrodków, kolebką nowej, realistycznej sztuki była Florencja. W XV wieku mieszkało, studiowało i pracowało tu wielu znanych mistrzów renesansu.

Architektura wczesnego renesansu

Mieszkańcy Florencji odznaczali się wysoką kulturą artystyczną, aktywnie uczestniczyli w tworzeniu miejskich pomników, dyskutowali o możliwościach budowy pięknych budowli. Architekci porzucili wszystko, co przypominało gotyk. Pod wpływem starożytności budowle zwieńczone kopułą zaczęto uważać za najdoskonalsze. Wzorem był tu rzymski Panteon.

Florencja to jedno z najpiękniejszych miast na świecie, miasto-muzeum. Zachowała swoją starożytną architekturę prawie nietkniętą, jej najpiękniejsze budowle powstały w większości w okresie renesansu. Ponad dachami z czerwonej cegły starożytnych budynków Florencji wznosi się ogromny budynek miejskiej katedry Santa Maria del Fiore, często nazywana po prostu katedrą we Florencji. Jego wysokość sięga 107 metrów. Katedra wieńczy wspaniała kopuła, której harmonię podkreślają żebra z białego kamienia. Kopuła jest imponujących rozmiarów (jej średnica to 43 m), wieńczy całą panoramę miasta. Katedra jest widoczna z niemal każdej ulicy we Florencji, wyraźnie majacząc na tle nieba. Ta wspaniała konstrukcja została zbudowana przez architekta

Filippo Brunelleschi (1377 - 1446).

Najwspanialszą i najsłynniejszą budowlą renesansową była kopuła Bazylika Świętego Piotra w Rzymie. Budowano go ponad 100 lat. Twórcami pierwotnego projektu byli architekci Bramantego i Michała Anioła.

Renesansowe budowle zdobią kolumny, pilastry, lwie głowy i "putti"(nagie dzieci), wieńce gipsowe z kwiatów i owoców, liście i wiele detali, których próbki znaleziono w ruinach starożytnych budowli rzymskich. Powrót mody łuk półkolisty. Bogaci ludzie zaczęli budować coraz piękniejsze i wygodniejsze domy. Zamiast ciasno przylegających do siebie domów pojawiły się luksusowe pałace – palazzo.

Rzeźba wczesnego renesansu

W XV wieku we Florencji działało dwóch słynnych rzeźbiarzy - Donatello i Verrocchio.Donatello (1386? - 1466)- jeden z pierwszych rzeźbiarzy we Włoszech, który wykorzystał doświadczenia sztuki antycznej. Stworzył jedno z najwspanialszych dzieł wczesnego renesansu - posąg Dawida.

Według biblijnej legendy, prosty pasterz, młody człowiek Dawid pokonał olbrzyma Goliata, a tym samym uratował mieszkańców Judei przed zniewoleniem, a później został królem. Dawid był jednym z ulubionych obrazów renesansu. Rzeźbiarz przedstawia go nie jako pokornego świętego z Biblii, ale jako młodego bohatera, zwycięzcę, obrońcę rodzinnego miasta. W swojej rzeźbie Donatello opiewa człowieka jako ideał pięknej bohaterskiej osobowości, która powstała w renesansie. Dawid jest koronowany wieńcem laurowym zwycięzcy. Donatello nie bał się wprowadzić takiego detalu jak kapelusz pasterski – znak jego prostego pochodzenia. W średniowieczu kościół zabraniał przedstawiania nagiego ciała, uważając je za naczynie zła. Donatello był pierwszym mistrzem, który odważnie złamał ten zakaz. Twierdzi przez to, że ludzkie ciało jest piękne. Posąg Dawida jest pierwszą okrągłą rzeźbą z tamtej epoki.

Znana jest również inna piękna rzeźba Donatello - posąg wojownika , dowódca Gattamelaty. Był to pierwszy pomnik konny renesansu. Stworzony 500 lat temu pomnik ten do dziś stoi na wysokim cokole, zdobiąc plac w Padwie. Po raz pierwszy w rzeźbie uwieczniono nie boga, nie świętego, szlachetnego i bogatego człowieka, ale szlachetnego, walecznego i groźnego wojownika o wielkiej duszy, który zasłużył sobie na sławę wielkimi czynami. Ubrany w antyczną zbroję Gattemelata (to jego przezwisko oznaczające „cętkowany kot”) siedzi na potężnym koniu w spokojnej, majestatycznej pozie. Rysy twarzy wojownika podkreślają zdecydowany, stanowczy charakter.

Andrea Verrocchio (1436 -1488)

Najsłynniejszy uczeń Donatella, twórca słynnego pomnika konnego kondotiera Colleoniego, który stanął w Wenecji na placu przy kościele San Giovanni. Najważniejszą rzeczą, która uderza w pomniku, jest wspólny energiczny ruch konia i jeźdźca. Koń niejako pędzi poza marmurowy cokół, na którym wzniesiony jest pomnik. Colleoni, stojąc w strzemionach, przeciągnął się, wysoko unosząc głowę, spogląda w dal. Na jego twarzy zamarł grymas gniewu i napięcia. W jego postawie czuć ogromną wolę, twarz przypomina drapieżnego ptaka. Obraz jest wypełniony niezniszczalną siłą, energią, surowym autorytetem.

Malarstwo wczesnego renesansu

Renesans zaktualizował także sztukę malarstwa. Malarze nauczyli się poprawnie oddawać przestrzeń, światło i cień, naturalne pozy, różne ludzkie uczucia. To właśnie wczesny renesans był czasem akumulacji tej wiedzy i umiejętności. Obrazy z tamtych czasów są nasycone światłem i humorem. Tło jest często malowane w jasnych kolorach, podczas gdy budynki i naturalne motywy są obrysowane ostrymi liniami, dominują czyste kolory. Z naiwną pieczołowitością oddano wszystkie szczegóły wydarzenia, postacie są najczęściej ustawione w szeregu i oddzielone od tła wyraźnymi konturami.

Malarstwo wczesnego renesansu dążyło jedynie do perfekcji, jednak dzięki swojej szczerości porusza duszę widza.

Tommaso di Giovanni di Simone Cassai Guidi, Znany z imienia Masaccio (1401 - 1428)

Uważany jest za następcę Giotta i pierwszego mistrza malarstwa wczesnego renesansu. Masaccio żył zaledwie 28 lat, ale w tak krótkim życiu pozostawił w sztuce ślad trudny do przecenienia. Udało mu się dokończyć rewolucyjne przemiany w malarstwie zapoczątkowane przez Giotta. Jego malarstwo wyróżnia się ciemnym i głębokim kolorem. Ludzie na freskach Masaccio są znacznie gęstsi i potężniejsi niż na obrazach z epoki gotyku.

Masaccio jako pierwszy poprawnie ułożył obiekty w przestrzeni, uwzględniając perspektywę; zaczął przedstawiać ludzi zgodnie z prawami anatomii.

Umiał połączyć figury i pejzaż w jedną akcję, oddać życie natury i ludzi w dramatyczny, a zarazem całkiem naturalny sposób - i to jest wielka zasługa malarza.

Jest to jedno z nielicznych sztalugowych dzieł sztalugowych zamówionych przez Masaccia w 1426 roku do kaplicy w kościele Santa Maria del Carmine w Pizie.

Madonna zasiada na tronie zbudowanym ściśle według praw perspektywy Giotta. Jej postać jest napisana pewnymi i wyraźnymi pociągnięciami, co stwarza wrażenie rzeźbiarskiej objętości. Jej twarz jest spokojna i smutna, jej obojętne spojrzenie nie jest skierowane donikąd. Otulona ciemnoniebieskim płaszczem Matka Boska trzyma w ramionach Dzieciątko, którego złocista postać ostro odcina się od ciemnego tła. Głębokie fałdy płaszcza pozwalają artystce bawić się światłocieniem, co również tworzy specjalny efekt wizualny. Dziecko je czarne winogrona - symbol komunii. Nienagannie narysowane anioły (artysta doskonale znał ludzką anatomię) otaczające Madonnę nadają obrazowi dodatkowego emocjonalnego wydźwięku.

Jedyna szarfa namalowana przez Masaccio do tryptyku dwustronnego. Po przedwczesnej śmierci malarza resztę dzieła, zamówionego przez papieża Marcina V dla kościoła Santa Maria w Rzymie, wykonał artysta Masolino. Przedstawia dwie surowe, monumentalnie wykonane postacie świętych ubranych na czerwono. Hieronim trzyma otwartą księgę i makietę bazyliki, u jego stóp leży lew. Jan Chrzciciel jest przedstawiony w swojej zwykłej postaci: jest bosy i trzyma krzyż w dłoni. Obie figury imponują anatomiczną precyzją i niemal rzeźbiarskim poczuciem objętości.

Zainteresowanie osobą, zachwyt nad jej urodą były w renesansie tak wielkie, że doprowadziło to do powstania nowego gatunku w malarstwie – gatunku portretowego.

Pinturicchio (wariant Pinturicchio) (1454 - 1513) (Bernardino di Betto di Biagio)

Pochodzi z Perugii we Włoszech. Przez pewien czas malował miniatury, pomagał Pietro Perugino dekorować freskami Kaplicę Sykstyńską w Rzymie. Zdobywał doświadczenie w najbardziej skomplikowanych formach dekoracyjnego i monumentalnego malarstwa ściennego. Kilka lat później Pinturicchio został niezależnym muralistą. Pracował nad freskami w apartamentach Borgiów w Watykanie. Malowidła ścienne wykonał w bibliotece katedry w Sienie.

Artysta nie tylko przekazuje podobieństwo portretowe, ale stara się ujawnić wewnętrzny stan osoby. Przed nami nastolatek, ubrany w surowy różowy miejski strój, z małą niebieską czapeczką na głowie. Brązowe włosy opadają na ramiona, okalając delikatną twarz, uważne spojrzenie brązowych oczu jest zamyślone, trochę zaniepokojone. Za chłopcem rozciąga się krajobraz Umbrii z cienkimi drzewami, srebrzystą rzeką i różowym niebem na horyzoncie. Wiosenna czułość natury, będąca echem charakteru bohatera, harmonizuje z poezją i wdziękiem bohatera.

Wizerunek chłopca jest przedstawiony na pierwszym planie, duży i zajmuje prawie całą płaszczyznę obrazu, a pejzaż jest namalowany w tle i bardzo mały. Stwarza to wrażenie doniosłości człowieka, jego dominacji nad otaczającą przyrodą, potwierdza, że ​​człowiek jest najpiękniejszym stworzeniem na ziemi.

Tutaj przedstawiony jest uroczysty wyjazd kardynała Kapranika do katedry w Bazylei, który trwał prawie 18 lat, od 1431 do 1449 roku, najpierw w Bazylei, a następnie w Lozannie. Młody Piccolomini był także w orszaku kardynała. W eleganckiej ramie półkolistego łuku przedstawiona jest grupa jeźdźców w towarzystwie paziów i służby. Wydarzenie nie jest tak realne i wiarygodne, ale rycersko wyrafinowane, wręcz fantastyczne. Na pierwszym planie piękny jeździec na białym koniu, w luksusowym stroju i kapeluszu, odwracając głowę, patrzy na widza - to Eneasz Sylwio. Z przyjemnością artysta pisze bogate stroje, piękne konie w aksamitnych kocach. Wydłużone proporcje postaci, lekko manieryczne ruchy, lekkie przechylenia głowy bliskie są dworskiemu ideałowi. Życie papieża Piusa II było pełne jasnych wydarzeń, a Pinturicchio opowiadał o spotkaniach papieża z królem Szkocji, z cesarzem Fryderykiem III.

Filippo Lippi (1406 - 1469)

O życiu Lippiego krążyły legendy. Sam był mnichem, ale opuścił klasztor, został wędrownym artystą, porwał zakonnicę z klasztoru i zmarł otruty przez krewnych młodej kobiety, w której zakochał się w podeszłym wieku.

Malował obrazy Madonny z Dzieciątkiem, przepełnione żywymi ludzkimi uczuciami i przeżyciami. W swoich obrazach przedstawiał wiele szczegółów: przedmioty gospodarstwa domowego, otoczenie, więc jego tematy religijne były podobne do obrazów świeckich.

Domenico Ghirlandaio (1449 - 1494)

Malował nie tylko tematy religijne, ale także sceny z życia florenckiej szlachty, jej bogactwa i przepychu, portrety szlachty.

Przed nami żona bogatego Florentyńczyka, przyjaciela artysty. W tej niezbyt pięknej, luksusowo ubranej młodej kobiecie artysta wyraził spokój, chwilę bezruchu i ciszy. Wyraz twarzy kobiety jest zimny, obojętny na wszystko, wydaje się, że przewiduje rychłą śmierć: wkrótce po namalowaniu portretu umrze. Kobieta ukazana jest z profilu, co jest charakterystyczne dla wielu ówczesnych portretów.

Piero della Francesca (1415/1416 - 1492)

Jedno z najważniejszych nazwisk w malarstwie włoskim XV wieku. Dokonał licznych przeobrażeń w metodach konstruowania perspektywy przestrzeni malowniczej.

Obraz został namalowany na desce topolowej temperą jajeczną - oczywiście do tego czasu artysta nie opanował jeszcze tajników malarstwa olejnego, w technice której miały powstać jego późniejsze prace.

Artysta uchwycił objawienie się tajemnicy Trójcy Świętej w momencie chrztu Chrystusa. Biała gołębica rozpościerająca skrzydła nad głową Chrystusa symbolizuje zstąpienie Ducha Świętego na Zbawiciela. Postacie Chrystusa, Jana Chrzciciela i stojących obok nich aniołów utrzymane są w powściągliwej kolorystyce.
Jego freski są uroczyste, wzniosłe i majestatyczne. Francesca wierzyła w wysokie przeznaczenie człowieka, aw jego dziełach ludzie zawsze dokonują cudownych rzeczy. Używał subtelnych, delikatnych przejść kolorystycznych. Francesca jako pierwsza malowała w plenerze (w powietrzu).

W pierwszych dziesięcioleciach XV wieku nastąpił decydujący zwrot w sztuce Italii. Pojawienie się we Florencji potężnego ośrodka renesansu doprowadziło do odnowy całej włoskiej kultury artystycznej. Dzieło Donatella, Masaccio i ich współpracowników oznacza zwycięstwo realizmu renesansowego, który znacznie różnił się od „realizmu detali” charakterystycznego dla sztuki gotyckiej późnego trecenta. Dzieła tych mistrzów są przesiąknięte ideałami humanizmu. Wychwalają i wychwalają osobę, wznoszą ją ponad poziom codziennego życia.

W zmaganiach z tradycją gotycką artyści wczesnego renesansu szukali oparcia w starożytności i sztuce protorenesansu. To, czego mistrzowie protorenesansu szukali intuicyjnie, dotykiem, teraz opiera się na dokładnej wiedzy.

Sztuka włoska XV wieku wyróżnia się dużą różnorodnością. Odmienność warunków, w jakich powstają lokalne szkoły, powoduje powstawanie różnorodnych ruchów artystycznych. Nowa sztuka, która zwyciężyła na początku XV wieku w rozwiniętej Florencji, nie od razu zyskała uznanie i rozpowszechnienie w innych rejonach kraju. Podczas gdy Bruneleschi, Masaccio, Donatello pracowali we Florencji, tradycje sztuki bizantyjskiej i gotyckiej wciąż żyły w północnych Włoszech, tylko stopniowo zastępowane przez renesans.

Florencja była głównym ośrodkiem wczesnego renesansu. Kultura florencka pierwszej połowy i połowy XV wieku jest zróżnicowana i bogata. Od 1439 roku, od ekumenicznego soboru kościelnego, który odbył się we Florencji, na który przybył cesarz bizantyjski Jan Paleolog i patriarcha Konstantynopola w towarzystwie wspaniałej orszaku, a zwłaszcza po upadku Bizancjum w 1453 roku, kiedy to wielu naukowców, którzy uciekli z Wschód znalazł schronienie we Florencji, miasto to staje się jednym z głównych ośrodków we Włoszech do nauki języka greckiego, a także literatury i filozofii starożytnej Grecji. A przecież wiodącą rolę w życiu kulturalnym Florencji w pierwszej połowie i połowie XV wieku niewątpliwie odgrywała sztuka.

Architektura

Filippo Brunelleschi (1337-1446) to jeden z największych włoskich architektów XV wieku. Otwiera nowy rozdział w historii architektury, kształtowania się stylu renesansowego. Innowacyjną rolę mistrza zauważyli nawet jego współcześni. Kiedy Leon Battista Alberti przybył do Florencji w 1434 roku, uderzyło go pojawienie się artystów, którzy nie byli gorsi od „żadnego ze starożytnych i znamienitych mistrzów sztuki”. Pierwszego z tych artystów nazwał Brunelleschi. Według najwcześniejszego biografa mistrza, Antonio Manettiego, Brunelleschi „odnowił i wprowadził do obiegu ten styl architektury, który nazywa się rzymskim lub klasycznym”, podczas gdy przed nim i za jego czasów budowali tylko w „niemieckim” lub „nowoczesnym” ( czyli gotycki). Sto lat później Vasari argumentowałby, że wielki florencki architekt przyszedł na świat „aby nadać architekturze nową formę”.

Zrywając z gotykiem, Brunelleschi oparł się nie tyle na antycznych klasykach, ile na architekturze protorenesansu i narodowej tradycji architektury włoskiej, która zachowała elementy klasyki przez całe średniowiecze. Dzieło Brunelleschiego stoi na przełomie dwóch epok: jednocześnie dopełnia tradycję protorenesansu i kładzie podwaliny pod nową drogę w rozwoju architektury.

Filippo Brunelleschi był synem notariusza. Ponieważ do tej samej działalności przygotowywał go ojciec, otrzymał szerokie wykształcenie humanistyczne. Zamiłowanie do sztuki zmusiło go jednak do zboczenia z drogi wyznaczonej przez ojca i podjęcia praktyki u jubilera.

Na początku XV wieku florenccy władcy, organizacje cechowe i kupieckie przywiązywali dużą wagę do ukończenia budowy i dekoracji florenckiej katedry Santa Maria del Fiore. W zasadzie budynek był już wzniesiony, ale ogromna kopuła pomyślana w XIV wieku nie została zrealizowana. Od 1404 roku Brunelleschi był zaangażowany w projektowanie kopuły. W końcu otrzymał polecenie wykonania zadania; zostaje liderem. Główną trudność, z jaką musiał zmierzyć się mistrz, wynikała z gigantycznych rozmiarów rozpiętości środkowego krzyża (ponad 48 metrów), co wymagało szczególnych wysiłków, aby ułatwić rozkładanie. Stosując pomysłowy projekt, Brunelleschi rozwiązał problem, tworząc, jak powiedział Leon Battista Alberta, „najbardziej pomysłowy wynalazek, który rzeczywiście jest tak niesamowity w naszych czasach, jak tylko mógł, był nieznany i niedostępny dla starożytnych ”. Kopułę rozpoczęto w 1420 r., a ukończono w 1436 r. bez latarni, ukończoną według rysunków Brunelleschiego po śmierci mistrza. To dzieło florenckiego architekta zapoczątkowało budowę kopulastych kościołów włoskiego renesansu, aż do św. Piotra, zwieńczonych kopułą Michała Anioła.

Pierwszym zabytkiem nowego stylu i najwcześniejszym dziełem Brunelleschiego w dziedzinie budownictwa lądowego jest dom sierocińca (szpitala) Ospedale degli Innocenti na placu Santissima Annunziata (1419-1445). Już na pierwszy rzut oka rzuca się w oczy zasadnicza i zasadnicza różnica w stosunku do budowli gotyckich. Podkreślona horyzontalność elewacji, której dolną kondygnację zajmuje loggia otwierająca się dziewięcioma łukami na plac, symetria kompozycji, uzupełniona po bokach dwoma szerszymi otworami ujętymi pilastrami, wywołują wrażenie równowagi, harmonia i spokój. Jednak zbliżając się do klasycznej koncepcji, Brunelleschi ucieleśnił ją w pełnoprawnych formach starożytnej architektury. Lekkie proporcje kolumn, gracja i subtelność profilowania gzymsów zdradzają pokrewieństwo twórczości Brunelleschiego z wersją klasyków, którą architektura toskańskiego protorenesansu przyniosła późnemu średniowieczu.

Jednym z głównych dzieł Brunelleschiego jest przebudowany przez niego kościół San Lorenzo we Florencji. Rozpoczął ją od budowy bocznej kaplicy, która później otrzymała nazwę starej zakrystii (1421-1428). Stworzył w nim typ renesansowej budowli centrycznej, na planie kwadratu i nakrytej kopułą wspartą na żaglach. Sam budynek kościoła jest trzydniową bazyliką.

Idee kopułowej konstrukcji, założone w starej zakrystii San Lorenzo, zostały rozwinięte w jednym z najsłynniejszych i najdoskonalszych dzieł Brunelleschiego - Kaplicy Pazzi (1430-1443). Wyróżnia się klarownością kompozycji przestrzennej, czystością linii, elegancją proporcji i dekoracją. Centralny charakter budynku, którego wszystkie bryły zgrupowane są wokół kopułowej przestrzeni, prostota i przejrzystość form architektonicznych, harmonijna równowaga części sprawiają, że kaplica Pazzi skupia się na nowych zasadach architektury renesansowej.

Ostatnie prace Brunelleschiego - oratorium kościoła Santa Maria degli Angeli, kościół San Spirito i kilka innych - pozostały niedokończone.

Nowe nurty w sztukach wizualnych objawiły się najpierw w rzeźbie. Na początku XV wieku duże zamówienia na dekorację największych budowli miasta – katedry, baptysterium, kościoła Or San Mekele – pochodzące od najbogatszych i najbardziej wpływowych warsztatów i cechów kupieckich w mieście, przyciągały wielu młodych artystów, spośród których wkrótce wyłoniło się wielu wybitnych mistrzów.

Donatello (1386-1466) – wielki rzeźbiarz florencki, który przewodził mistrzom, którzy zapoczątkowali rozkwit renesansu. W sztuce swoich czasów działał jak prawdziwy innowator.

Obrazy stworzone przez Donatello są pierwszym ucieleśnieniem humanistycznego ideału wszechstronnie duchowej osobowości i charakteryzują się jasną indywidualnością i bogatym życiem duchowym. Donatello, opierając się na gruntownym badaniu przyrody i umiejętnie wykorzystując antyczne dziedzictwo, jako pierwszy z mistrzów renesansu rozwiązał problem stabilnego ustawienia figury, oddania organicznej integralności ciała, jego ciężkości, masy. Jego prace uderzają różnorodnością nowych początków. Wskrzesił obraz nagości w plastyce rzeźbiarskiej, położył podwaliny pod rzeźbiarski portret, odlał pierwszy pomnik z brązu, stworzył nowy typ nagrobka, spróbował rozwiązać problem grupy wolnostojącej. Jako jeden z pierwszych zastosował w swoich pracach teorię perspektywy linearnej. Problematyka nakreślona w twórczości Donatello na długi czas zdeterminowała rozwój rzeźby europejskiej.

Donato di Niccolò di Betty Bardi, powszechnie nazywany zdrobnieniem Donatello. Uważa się, że został po raz pierwszy wyszkolony w warsztatach, które pracowały w tym czasie nad dekoracją katedry. Prawdopodobnie tutaj zbliżył się do Brunelleschiego, z którym łączyła go bliska przyjaźń przez całe życie. Już w 1406 roku Donatello otrzymał pierwsze samodzielne zamówienie na posąg proroka dla jednego z portali katedry. Następnie wykonał marmurowego „Dawida” dla katedry (1408-1409, Florencja, Muzeum Narodowe).

Już w tej wczesnej pracy przejawia się zainteresowanie artysty stworzeniem bohaterskiego obrazu. Odrzucając tradycyjne przedstawienie króla Dawida jako starca z lirą lub zwojem islamu w dłoniach, Donatello przedstawił Dawida jako młodzieńca w chwili triumfu nad pokonanym Goliatem. Dumny ze świadomości zwycięstwa Dawid stoi na biodrach, depcząc stopami odciętą głowę wroga. Uważa się, że tworząc ten wizerunek biblijnego bohatera, Donatello starał się oprzeć na starożytnych tradycjach, wpływ starożytnych prototypów na interpretację twarzy i włosów był szczególnie zauważalny: twarz Dawida w ramce długich włosów, pokrytych rondo pasterskiego kapelusza, jest prawie niewidoczne z powodu lekkiego pochylenia głowy. Jest w tym posągu inscenizacja postaci, zgięcie tułowia, ruch rąk - i echa gotyku. Jednak odważny impuls, ruch, duchowość już pozwalają poczuć temperament Donatello.

Donatello w swoich pracach dążył nie tylko do obiektywnej poprawności proporcji i budowy figury, ale zawsze brał pod uwagę wrażenie, jakie wywarłby posąg ustawiony na swoim miejscu.

W latach 1411-1412 Donatello wykonał figurę św. Marka do jednej z zewnętrznych nisz kościoła Or San Michele. Skupione spojrzenie jest pełne głębokiego zamyślenia, pod zewnętrznym spokojem można domyślić się wewnętrznego rozpalenia. Wszystko na tej figurze jest ciężkie i materialne. Czuje się, jak ciężar tułowia spada na nogi, jak ciężki zwisa gęsta tkanina odzieży. Po raz pierwszy w historii włoskiego renesansu problem stabilnego ułożenia postaci został rozwiązany z tak klasyczną klarownością. Donatello wskrzesza tu technikę inscenizacyjną powszechną w sztuce antycznej, motyw ten ujawnia się w postaci św. Marka z najwyższą wyrazistością i determinuje zarówno ustawienie lekko zgiętego tułowia, ramion i głowy, jak i charakter fałd szat.

Donatello, według Vasariego, zasługuje na wszelkie pochwały za to, że „pracował tyle samo rękami, co kalkulacją”, nie upodabniając się do artystów, których „dzieła kończą się i wydają się piękne w pokoju, w którym są wykonane, ale zabierane potem wyjęte i umieszczone w innym miejscu, w innym świetle lub na większej wysokości, uzyskują zupełnie inny wygląd i robią wrażenie wręcz odwrotne do tego, co wytworzyły w swoim pierwotnym miejscu. Posąg Jerzego jest jednym ze szczytów dzieła Donatello. Tutaj tworzy głęboko indywidualny obraz, a jednocześnie ucieleśnia ideał silnej osobowości, potężnej i pięknej osoby, która była bardzo zgodna z epoką i znalazła później odzwierciedlenie w wielu dziełach mistrzów włoskiego renesansu. „George” Donatello to gibki, szczupły młodzieniec w lekkiej zbroi, z niedbale zarzuconym na ramiona płaszczem, stoi pewnie, opierając się o tarczę. Bohaterski wizerunek młodego patrioty, gotowego do obrony Republiki Florenckiej, jest jaskrawo indywidualny, niemal portretowy. Jest to cecha typowa dla sztuki wczesnego renesansu, wynikająca z chęci wyzwolenia się artysty ze średniowiecznego kanonu, który zrównał ludzką osobowość.

Donatello ostatnie lata życia spędził we Florencji. Ponury i niepokojący nastrój ogarnia artystę w tych latach. W jego dziełach coraz częściej słychać motywy starości, cierpienia, śmierci, nawet w posągu „Marii Magdaleny” (1445), wbrew tradycji, przedstawił św. w górę, wyczerpany postem i pokutą, pustelnik ubrany w zwierzęcą skórę. Zniedołężniała twarz Magdaleny o głęboko zapadniętych oczach i bezzębnych ustach ma niesamowitą siłę wyrazu.

Późniejsza twórczość Donatella wyróżnia się na tle sztuki florenckiej lat 50. i 60. XX wieku. W połowie stulecia rzeźba florencka traci swój monumentalny charakter i cechy dramatycznego wyrazu. Motywy świeckie i codzienne stają się coraz bardziej rozpowszechnione, pojawia się i szybko rozprzestrzenia rzeźbiarski portret. Malarstwo florenckie pierwszej tercji XV wieku jest bogate w kontrasty. Podobnie jak w rzeźbie, ale nieco później, dokonuje się w niej zdecydowana zmiana od zauważalnych wpływów sztuki gotyckiej późnego trecenta do sztuki renesansu. Na czele nowego kierunku stanął Masaccio, którego działalność przypada na trzecią dekadę XV wieku. Sztuka Masaccio wyprzedzała swoje czasy. Jego radykalne i śmiałe innowacje wywarły ogromne wrażenie na artystach, ale zostały tylko częściowo zaakceptowane. Masaccio. (1401-1428) - człowiek opętany sztuką, obojętny na wszystko, co leżało poza jego granicami, beztroski i roztargniony, i za to roztargnienie otrzymał przydomek Masaccio, co po włosku oznacza mufę. Domniemanym nauczycielem Masaccio jest florencki Masolino. Sztuka Giotta, a także twórczy kontakt z rzeźbiarzem Donatello i architektem Brunelleschim wywarły ogromny wpływ na młodego artystę.

Najwyraźniej Brunelleschi pomógł Masaccio w rozwiązaniu trudnego problemu perspektywy. Masaccio wraz z Brunelleschim i Donatello przewodzili realistycznemu nurtowi sztuki renesansu florenckiego.

Uważa się, że jego najwcześniejsze zachowane dzieło to Madonna z Dzieciątkiem ze św. Anną i aniołami (około 1420 r.).

W 1422 roku Masaccio wstąpił do cechu lekarzy i aptekarzy, gdzie przyjmowano także artystów, aw 1424 roku wstąpił do stowarzyszenia malarzy św. Łukasza.

W 1426 roku Masaccio namalował duży poliptyk ołtarzowy dla kościoła Carline w Pizie.

Napisany mniej więcej w tym samym czasie (1426-1427) w starym gotyckim kościele Santa Maria Novella we Florencji fresk „Trójca” odzwierciedla nowy etap w twórczości Masaccia. W kompozycji fresku po raz pierwszy konsekwentnie zastosowano linearny system perspektywiczny, nad którym pracował wówczas Brunelleschi. Pierwsze jej plany zajmują krzyż z ukrzyżowanym Chrystusem oraz nadchodzącą Maryją i Janem, na drugim planie widoczna jest postać Boga Ojca u góry za Chrystusem.

Nowatorstwo fresków Masaccia wynika nie tylko z umiejętnego wykorzystania perspektywy linearnej i malowanych przez niego majestatycznych renesansowych form architektonicznych. Nowością była zwięzłość kompozycji, niemal rzeźbiarska realność form, wyrazistość twarzy.

Szczytem sztuki Masaccio są freski w kaplicy Bracacciego kościoła Santa Maria del Carmine, wykonane w latach 1427-1428. Freski kaplicy przedstawiają epizody z historii Apostoła Piotra, a także dwie sceny biblijne – „Upadek” i „Wygnanie z Raju”. Począwszy od wysokości 1,96 metra nad podłogą, freski są ułożone w dwóch poziomach na ścianach kaplicy i flankują jej wejście w filarach. Jednym z najbardziej znanych dzieł Masaccia w kaplicy Bracacciego jest Wygnanie z raju. Na tle oszczędnie zarysowanego pejzażu wyraźnie wyłaniają się postacie Adama i Ewy wyłaniające się z bram raju, nad którymi unosi się anioł z mieczem. Po raz pierwszy w historii malarstwa renesansowego Masaccio potrafił przekonująco wykonać nagie ciało, nadać mu naturalne proporcje, mocno i stabilnie postawić na podłożu. Pod względem siły wyrazu fresk ten nie ma odpowiedników w sztuce swoich czasów. Freski Masaccio w Kaplicy Bracacciego są przepojone trzeźwym realizmem. Opowiadając o cudach, Masaccio pozbawia przedstawiane przez siebie sceny jakiegokolwiek odcienia mistycyzmu. Jego Chrystus, Piotr i apostołowie to ludzie ziemscy, ich twarze są zindywidualizowane i naznaczone piętnem ludzkich uczuć, ich działania są podyktowane naturalnymi ludzkimi impulsami. Inna monumentalna kompozycja „Cud z denarem” przekazuje ewangeliczną legendę, która mówi, że poborca ​​podatkowy, zatrzymawszy Chrystusa idącego z uczniami, zażądał od niego daniny. Chrystus nakazał swemu uczniowi, apostołowi Piotrowi, wyłowić ryby z jeziora, wyjąć z niego denara i dać monetę kolekcjonerowi. Te trzy epizody ujęte są w ramach jednego fresku: w centrum Chrystus w kręgu uczniów i zagradzający mu drogę inkasent; po lewej - apostoł Piotr wyciąga denara z ryby; po prawej Piotr wręcza inkasentowi pieniądze. Masaccio nie układa postaci w rzędy, jak robili to jego poprzednicy, ale grupuje je zgodnie z intencją swojej narracji i swobodnie umieszcza w pejzażu. Za pomocą światła i koloru pewnie rzeźbi kształty przedmiotów. Ponadto światło, podobnie jak w „Wygnaniu z raju”, pada zgodnie z kierunkiem naturalnego światła, którego źródłem są okna kaplicy, umieszczone wysoko po prawej stronie. W ciągu swojego krótkiego życia Masaccio zdążył stworzyć niewiele dzieł, ale to, co stworzył, było punktem zwrotnym w historii malarstwa włoskiego. Przez ponad sto lat po jego śmierci kaplica Bracacciego była miejscem pielgrzymek i szkołą dla malarzy. „Wszyscy, którzy aspirowali do nauki tej sztuki, nieustannie udawali się do tej kaplicy, aby uczyć się od postaci Masaccia wskazówek i zasad dobrej pracy” – pisał Vasari, przytaczając długą listę tych, którzy studiowali freski Masaccia, w tym Leonarda, Rafaela i Michał Anioł.