Jakie są rodzaje sztuki zdobniczej. Rodzaje kreatywności. Jakie są rodzaje twórczości

sztuka dekoracyjna i rzemiosło

Sztuka dekoracyjna i użytkowa to jeden z rodzajów sztuki plastycznej: tworzenie wyrobów artystycznych, które mają praktyczny cel w życiu publicznym i prywatnym oraz artystyczna obróbka przedmiotów użytkowych (naczynia, meble, tkaniny, narzędzia, pojazdy, odzież, biżuteria) , zabawki itp.).d.). Dzieła sztuki i rzemiosła wpisują się w otoczenie przedmiotowe otaczające człowieka i wzbogacają je estetycznie. Powstałe w starożytności rzemiosło artystyczne stało się jedną z najważniejszych dziedzin sztuki ludowej, jej historia związana jest z rzemiosłem artystycznym, przemysłem artystycznym, z działalnością profesjonalnych artystów i rzemieślników już od początku XX wieku. także z projektem artystycznym. Wielki słownik encyklopedyczny 1997

S.V. Pogodina podaje definicję rzemiosła ludowego: „Sztukę i rzemiosło ludowe definiuje się jako formę sztuki mającą na celu tworzenie wyrobów artystycznych mających praktyczne zastosowanie w życiu publicznym i prywatnym oraz obróbkę artystyczną przedmiotów użytkowych (naczynia, meble, tkaniny, narzędzia, ubrania, zabawki.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa istniała już na wczesnym etapie rozwoju społeczeństwa ludzkiego i przez wiele stuleci była najważniejszym, a dla wielu plemion i narodowości głównym obszarem twórczości artystycznej. Najstarsze dzieła sztuki i rzemiosła charakteryzują się wyjątkową treścią obrazów, dbałością o estetykę materiału, racjonalną konstrukcją formy, podkreśloną dekoracją. W tradycyjnej sztuce ludowej tendencja ta przetrwała do dziś. Wraz z początkiem rozwarstwienia klasowego społeczeństwa coraz ważniejsze staje się zainteresowanie bogactwem materiału i wystroju, ich rzadkością i wyrafinowaniem. Wyróżniają się produkty służące celom reprezentacyjnym (przedmioty rytuałów kultowych czy ceremonii dworskich, do dekoracji domów szlacheckich), w których rzemieślnicy, chcąc zwiększyć ich emocjonalny wydźwięk, często rezygnują z codziennej celowości budowania formy.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa jest zjawiskiem wielofunkcyjnym. Funkcje praktyczne, rytualne, estetyczne, ideologiczne i semantyczne, edukacyjne stanowią nierozerwalną całość. Jednak główną funkcją produktów jest bycie użytecznym i pięknym.

W sztuce i rzemiośle ludowym wyróżnia się dwa obszary:

• - miejskie rzemiosło artystyczne;
• - rzemiosło artystyczne ludowe

Gdy mówimy o sztuce i rzemiośle, ważnym pojęciem jest rzemiosło artystyczne ludowe – forma organizacji pracy artystycznej oparta na twórczości zbiorowej, rozwijająca lokalne tradycje kulturowe i nastawiona na sprzedaż rękodzieła. Rzemiosło jest strukturą niezwykle elastyczną, mobilną, rozwijającą się wprawdzie w ramach kanonu, niemniej jednak wrażliwie reagującą na zmiany stylu w sztuce profesjonalnej, indywidualną twórczość, na wymagania czasu i specyficznego otoczenia społecznego. Przedszkolaki zapoznają się z niektórymi rzemiosłami: lalkami lęgowymi, Gorodcami, obrazami Khokhloma, zabawkami Filimonowa i Dymkowa, ceramiką Gżel. Siła sztuki rękodzielniczej polega na przekazywaniu oryginalnych technik lokalnego rzemiosła.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa posiada charakterystyczne cechy odróżniające ją od innych rodzajów sztuki:

• - użyteczność, praktyczna przynależność;
• - synkretyzm lub niepodzielność różnych aspektów kultury ludowej (relacje między światem a człowiekiem, ustalanie moralnych i estetycznych zasad zarówno twórczości, jak i zachowania), których istota była tworzona i przekazywana przez wiele tysiącleci;
• - zbiorowość twórczości, tj. praca ma charakter zbiorowy, wielowiekowe doświadczenie sztuki ludowej przekazywane jest z pokolenia na pokolenie;
• - tradycjonalizm charakteryzuje się przestrzeganiem tradycji, ale powstaje także z powodu pilnych i duchowych potrzeb, odsłaniając sferę indywidualności;
• - rzeczywistość, która tkwi w jej wielowiekowej aktualności.

Kategoria integralności pozwala na wytyczenie linii podziału pomiędzy sztuką ludową a właściwą sztuką zdobniczą. Charakterystyczną cechą tradycyjnej sztuki dekoracyjnej sztuki ludowej jest właśnie brak integralności światopoglądu.

Zapoznając się z różnorodnością i bogactwem wyrobów rzemieślników ludowych, dzieci przepojone są dobrymi uczuciami do tych, którzy stworzyli rzeczy niezwykłe. W swojej książce S.V. Pogodina pisze: „Sztuka ludowa karmi artystyczne postrzeganie dzieci, sprzyja przeżyć estetycznych i pierwszych sądów estetycznych”

Zapoznanie się z dziełami sztuki ludowej wzbogaca nie tylko doświadczenia poznawcze dziecka, ale także jego aktywność emocjonalną i estetyczną. Każdy region ma swoje rzemiosło ludowe, a postrzeganie ich dzieł przez dzieci przyczynia się do kształtowania uczuć estetycznych, emocjonalnego pozytywnego stosunku do rzemiosła ludowego i tradycji. Piękno jako kategoria filozoficzno-estetyczna w sztuce ludowej ma realne formy refleksji. To, co w dziele sztuki nazywamy pięknym, tworzone jest za pomocą wyrazistych środków, które mistrz łączy zgodnie z tradycjami danego zawodu lub rzemiosła. W dziełach sztuki i rzemiosła jednym z głównych elementów przyciągających uwagę jest forma. Pozwala połączyć stronę funkcjonalną z estetyką, tak aby zewnętrzne piękno i elegancja nie zaprzeczały praktycznemu przeznaczeniu rzeczy. Forma jest jednym z głównych elementów przyciągających uwagę. Formularz zawiera kilka cech. Po pierwsze, w dużej mierze determinuje znaczenie podmiotu. Po drugie, forma wyraża intencję twórczą mistrza i ujawnia konkretną ideę. Po trzecie, służy jako rodzaj symbolu, którego znaczenie było przekazywane z pokolenia na pokolenie.

W sztuce ludowej ważny jest stosunek celu i materiału, wzajemne oddziaływanie formy i funkcji. Materiał może przyczynić się do ujawnienia istoty przedmiotu lub może naruszyć jego integralność i uczynić go bezużytecznym. Dzięki materiałowi mistrzowi udaje się stworzyć materialną podstawę dla swojego pomysłu, ale sam materiał w odbiorze przedmiotu pozostaje na drugim planie, na pierwszy plan wysuwa się wystrój. Dekoracja to ostatni moment dekorowania rzeczy. Biżuteria odróżnia od siebie dzieła sztuki ludowej, czyni je wyjątkowymi, a przez to cennymi. W wystroju nie ma przedmiotów tego samego typu. Wykonując tę ​​samą ozdobę, trudno jest szczegółowo powtórzyć wszystkie szczegóły.

Techniki wykonywania pracy zależą od zadań stojących przed mistrzem

Technologia. Tradycyjna sztuka ludowa i technologia nie wykluczają się wzajemnie. Wszystko zależy od tego, jak technologia zostanie wykorzystana w procesie tworzenia rzeczy, która nosi piętno przeszłych doświadczeń ludzi. Najważniejsze jest, aby w dążeniu do udoskonalenia lub ułatwienia procesu powstawania przedmiotu sztuki ludowej nie zaprzepaścić jego kulturowej i historycznej wyjątkowości.

Wartość estetyczna przedmiotu wynika ze zdobnictwa. Ozdoba – dekoracja malarska, graficzna lub rzeźbiarska zdobiąca artystycznie rzecz, charakteryzująca się rytmicznym układem elementów rysunkowych.

Rytmiczna konstrukcja ornamentu jest podstawą artystyczną wielu produktów: naczyń, mebli, dywanów, odzieży. Język ozdobny jest niezwykle bogaty. W zależności od charakteru motywów wyróżnia się ozdoby: geometryczne, kwiatowe, zoomorficzne, antropomorficzne, kombinowane.

Ozdoba geometryczna może składać się z kropek, linii, okręgów, rombów, wielościanów, gwiazd, krzyży, spirali. Ten rodzaj ozdoby jest jednym z najstarszych. Na początku były to łatwe do zapamiętania znaki-symbole. Stopniowo zaczęto go wzbogacać o prawdziwe obserwacje i motywy fantastyczne, zachowując zasadę rytmiczną, komplikując jego treść i znaczenie estetyczne.

Warzywo ozdoba składa się ze stylizowanych liści, kwiatów, owoców, gałęzi. Często spotykany jest motyw „drzewa życia” - jest to ozdoba kwiatowa. Jest przedstawiany zarówno jako kwitnący krzew, jak i bardziej dekoracyjnie, w przenośni.

Ozdoba zoomorficzna przedstawia stylizowane postacie lub części postaci zwierząt rzeczywistych i fantastycznych. Do tego typu ozdób należą także dekoracyjne wizerunki ptaków i ryb.

Ozdoba antropomorficzna wykorzystuje jako motywy stylizowane postacie męskie i żeńskie lub część twarzy i ciała osoby. Dotyczy to również fantastycznych stworzeń, takich jak dziewica, człowiek-koń.

Często jest to kombinacja różnych motywów. Taką ozdobę można nazwać połączoną . LV Kosogorova i L.V. Neretyn wyróżnia się także zdobieniami kaligraficznymi (z liter i elementów tekstowych) i heraldycznymi (róg obfitości, lira, pochodnie, tarcze).

Ze względu na schematy kompozycyjne ozdoby to:

• - taśma
• - siatka
• - Zamknięte.

Ozdoba jest cechą najbardziej charakterystyczną, szczególnym znakiem przedmiotów twórczości chłopskiej. Ozdoba pozwala mówić o estetyce przedmiotu, jego artyzmie.

W rzemiośle wykorzystuje się następujące materiały: drewno, glina, metal, kość, puch, wełna, futro, tekstylia, kamień, szkło, ciasto.

Zgodnie z techniką sztuki dekoracyjne i użytkowe dzielą się na następujące typy.

Nitka. Zdobienie produktu poprzez narysowanie wzoru przy użyciu różnych foremek i noży. Stosuje się go podczas pracy z drewnem, kamieniem, kością.

Obraz. Dekorację nanosi się za pomocą barwników na przygotowaną powierzchnię (najczęściej drewno lub metal). Rodzaje malowania: na drewnie, na metalu, na tkaninie.

Haft. Rozpowszechniony rodzaj rzemiosła, w którym wzór i obraz wykonuje się ręcznie (igłą, czasem szydełkiem) lub za pomocą hafciarki na różnych tkaninach, skórze, filcu i innych materiałach. Haftują nićmi lnianymi, bawełnianymi, wełnianymi, jedwabnymi (zwykle kolorowymi), a także włosami, koralikami, perłami, kamieniami szlachetnymi, cekinami, monetami itp.

Rodzaje haftu: siatkowy, haft krzyżykowy, ścieg satynowy, wycinankowy (tkanina jest wycinana w formie wzoru, który następnie poddawany jest różnym szwom), typograficzny (wykonywany czerwonymi, czarnymi nićmi z dodatek tonów złotych lub niebieskich), top-stitch (pozwala na tworzenie trójwymiarowych wzorów na dużych płaszczyznach).

Do zastosowań szytych (rodzaj haftu, często ze szwem reliefowym) wykorzystuje się tkaniny, futra, filc i skórę. Haft służy do ozdabiania odzieży, artykułów gospodarstwa domowego, do tworzenia niezależnych paneli dekoracyjnych. Głównymi wyrazistymi środkami haftu jako formy artystycznej są: wydobywanie walorów estetycznych materiału (opalizujący połysk jedwabiu, równomierny połysk lnu, blask złota, cekinów, kamieni, puszystość i matowość wełny itp.). ); wykorzystanie właściwości linii i plam barwnych wzoru haftu, aby dodatkowo wpłynąć na rytmicznie wyraźną lub fantazyjnie swobodną grę szwów; efekty wynikające z połączenia wzoru i obrazu z tłem (tkaniną lub innym podłożem), które jest zbliżone lub kontrastuje z haftem pod względem faktury i koloru.

Robienie na drutach. Wykonywanie wyrobów (najczęściej elementów odzieży) z nitek ciągłych poprzez zaginanie ich w pętelki i łączenie pętelek ze sobą za pomocą prostych narzędzi, ręcznie (szydełko, igły) lub na specjalnej maszynie (dziewiarstwo mechaniczne).

Tkactwo. Odnosi się do techniki polegającej na przeplataniu pasków w formie siatki o różnej konfiguracji i wzorze.

Rodzaje tkania: tkanie koronek i koralików, tkanie z kory brzozowej i winorośli, z nici (makrama), z papieru.

Pięta (farsz). Ręczne uzyskanie wzoru, rysunków monochromatycznych i kolorowych na tkaninie za pomocą form z wzorem wypukłym, a także tkaniny z wzorem uzyskanym tą metodą. Formy do pięt wykonywane są z rzeźbionego drewna (maniery) lub zestawiania czcionek (miedziane płyty ze znakami z ćwiekami), w których wzór jest pisany na maszynie z miedzianych płytek lub drutu. Podczas wypychania na tkaninę nakłada się formę pokrytą farbą i uderza się w nią specjalnym młotkiem (młotkiem) (stąd nazwa „pięta”, „farsz”). W przypadku projektów wielokolorowych liczba płyt drukarskich musi odpowiadać liczbie kolorów.

Drukowanie jest mało wydajne i niemal całkowicie zastępowane drukowaniem wzoru na tkaninie na maszynach drukarskich.

Odlew. Wykorzystuje się go w pracy z metalami szlachetnymi. Pod wpływem wysokich temperatur metal doprowadza się do stanu stopionego, a następnie wlewa się do przygotowanych form.

Ściganie. Metal w stanie nagrzanym jest przyspieszany do cienkiego arkusza, przy czym jego elastyczność i sprężystość nie są tracone. Kształt przedmiotu kształtowany jest już w stanie wystudzonym poprzez przyspieszanie młotków, w wyniku czego uzyskuje się wyroby o kształcie wypukłym i wklęsłym.

Kucie. Jeden ze sposobów przetwarzania żelaza. Uderzeniami młotka nagrzany kęs otrzymuje pożądany kształt.

Złocenie. Operacja wytwarzania złota, podczas której mniej wartościowe metale przyjmują wygląd złota. Rodzaje złoceń: zimne, ogniowe, płynne.

Skan (filigran); (od łac. drut). Jest to ozdoba wykonana z cienkich, złotych lub srebrnych, gładkich lub tłoczonych drutów, które zwija się w spirale, antenki, kratki i przylutowuje do przedmiotu. Skan wykonany jest z czystego złota lub srebra, które ze względu na brak zanieczyszczeń jest miękkie i daje się rozciągać w bardzo cienkie druty. Tanie zeskanowane przedmioty wykonywano również z drutu czerwono-miedzianego, a następnie złocono lub srebrzono.

Szkliwo. Specjalny rodzaj szkła, które jest malowane na różne kolory tlenkami metali. Służy do ozdabiania wyrobów metalowych, stanowi malowniczy dodatek do wyrobu złotego. Emaliowanie to całkowite lub częściowe pokrycie powierzchni metalu masą szklaną, a następnie wypalenie produktu.

Czarny. Mieszankę srebra z miedzią, siarką i ołowiem, sporządzoną według określonych receptur, nakłada się na grawerowane przedmioty wykonane z metali lekkich, a następnie wszystko to wypala się na małym ogniu. Niello to czarna masa – specjalny stop srebra, podobny do węgla.

Dmuchanie. Technika stosowana w pracy ze szkłem. Szkło doprowadzone do stanu ciekłego jest dmuchane na gorąco za pomocą specjalnych rurek, tworząc w ten sposób wyroby o dowolnym kształcie.

Modelowanie. Jedna z powszechnych technik w rzemiośle artystycznym, dzięki której powstaje wiele zabawek i wyrobów ceramicznych. Jest to kształtowanie materiału plastycznego (plasteliny, gliny, plastiku, tworzyw sztucznych itp.) za pomocą rąk i narzędzi pomocniczych.

Batik. Malowany ręcznie na tkaninie z wykorzystaniem kompozycji rezerwowych. Na tkaninę - jedwab, bawełnę, wełnę, syntetyki - nakłada się farbę odpowiednią do tkaniny. Aby uzyskać wyraźne granice na styku farb, stosuje się specjalny utrwalacz, zwany rezerwą (kompozycja rezerwująca na bazie parafiny, benzyny, wody - w zależności od wybranej techniki, tkaniny i farb).

Mozaika. Sztuka dekoracyjna, użytkowa i monumentalna różnych gatunków, której dzieła polegają na kształtowaniu obrazu poprzez układanie, osadzanie i mocowanie na powierzchni (zwykle na płaszczyźnie) wielobarwnych kamieni, smaltu, płytek ceramicznych i innych materiałów.

origami. Starożytna sztuka składania papieru. Klasyczne origami zaleca użycie jednej kartki papieru bez użycia kleju i nożyczek. W tym przypadku, często w celu ukształtowania złożonego modelu lub jego konserwacji, stosuje się impregnację oryginalnego arkusza kompozycjami klejącymi zawierającymi metylocelulozę.

Przeznaczenie: naczynia, meble, tkaniny, gobeliny, dywany, narzędzia, broń, odzież i biżuteria, zabawki, produkty kulinarne.

Rola funkcjonalna:

Sztuka praktyczna wiąże się z wykorzystaniem w ekonomicznym, codziennym życiu człowieka w celu uzyskania praktycznych korzyści.

Artystyczna i estetyczna, wynikająca z realizacji estetycznych potrzeb człowieka.

Wypoczynek, mający na celu zaspokojenie potrzeb dziecka) w formie rozrywki i gier.

Technologia produkcji:

Zautomatyzowane. Produkty powstają automatycznie według zadanego programu, schematu, wzoru (pierniki Tula, szaliki z nadrukiem itp.).

Mieszany. Wykorzystuje się zarówno pracę zautomatyzowaną, jak i ręczną.

Podręcznik. Prace wykonywane są wyłącznie ręcznie, a każdy produkt jest indywidualny.

W sztuce i rzemiośle wykorzystuje się szereg środków wyrazu artystycznego.

1) Proporcja

Proporcje w dziele sztuki to stosunek wielkości jego elementów, a także poszczególnych elementów kompozycji do całego dzieła jako całości. W kompozycji ważną rolę odgrywa przestrzeganie proporcji, ponieważ tworzy to korzystny stosunek całości i jej części.

2) Skala i skala

Pojęcia skali i skali stosuje się, jeśli konieczne jest scharakteryzowanie proporcjonalności całości lub jej poszczególnych części.

Obiekty podmiotowego środowiska tworzone przez osobę muszą być w stosunku do niego na dużą skalę, tj. ich masę należy odnieść do masy ciała człowieka.

Skala jest względną cechą wielkości obiektu, jest to stosunek wielkości obrazu na obrazie, szkicu, rysunku do jego rzeczywistego rozmiaru w naturze.

Skala to proporcjonalność formy i jej elementów w stosunku do osoby, otaczającej przestrzeni i innych form. Każdy obiekt ma swoją skalę, ale nie zawsze można mówić o jego skali, proporcjonalności w stosunku do osoby. Skala jest cechą jakościową, szczególnie w kompozycjach trójwymiarowych i trójwymiarowych. Jako środek kompozycyjny należy go stosować w miarę swobodnie, kierując się względami wyrazu artystycznego.

Rytm jest ważnym środkiem harmonijnej jedności różnych form i ich elementów.

Rytm (grecki przepływ) to naprzemienność proporcjonalnych elementów dowolnej całości, zachodząca z regularną kolejnością i częstotliwością.

Rytm jest nieodłącznie związany z różnymi zjawiskami i formami natury: zmianą pór roku, dnia i nocy, układem liści na gałęzi drzewa, paskami i plamami w kolorze zwierząt itp. Występuje we wszystkich dziełach sztuki: muzyce ( naprzemienność dźwięków), poezja (naprzemienność rymów), architektura, sztuki plastyczne i dekoracyjne (różne powtarzanie i naprzemienność form na płaszczyźnie lub w przestrzeni).

Kolor jest jednym z ważnych środków wyrazu artystycznego, wyraża stosunek do tworzonego obrazu. Pomaga odkryć główne właściwości przedmiotów, daje każdemu możliwość pokazania swojej indywidualności.

5) Skład

Jest to najważniejsza zasada konstrukcyjna dzieła, organizująca wzajemne ułożenie jego części, ich podporządkowanie względem siebie i całości, co nadaje dziełu jedność, integralność i kompletność.

6) Faktura

Jest to charakter powierzchni przedmiotu, zdeterminowany właściwościami materiału, z którego się składa, oraz sposobem jego obróbki.

7) Symetria

Symetria - Proporcjonalne, proporcjonalne rozmieszczenie części czegoś. w stosunku do centrum, środek.

Sylwetka to jednokolorowy konturowy obraz osoby, przedmiotu na tle innego koloru, narysowany lub wycięty.

Estetyczne postrzeganie przez dzieci cech wizualnych, plastycznych i teksturalnych materiałów charakteryzujących próbki ludowej sztuki użytkowej zostało stosunkowo mało zbadane. Liczne obserwacje, rozmowy pozwalają stwierdzić, że dzieci wykazują duże zainteresowanie tematyką rosyjskiej sztuki ludowej. Kolorowe obrazy pędzlem na drewnie w twórczości mistrzów ludowych z Gorodca i malarstwa Khokhloma, nasycone kolorami wzory roślin, kwiatów i ptaków, dekoracyjne tace Zhostovo, lalki lęgowe malowane przez Semenova robią żywe wrażenie na dzieciach. Wesołe uśmiechy i współczucie wywołują u dzieci wyroby bogorodskich rzeźbiarzy: niedźwiedzie, które potrafią budować domy i jeździć na rowerach, ptaki i jelenie, ozdobione słynną bogorodską rzeźbą. Dzieci bardzo emocjonalnie i bezpośrednio pokazują swój stosunek do dekoracyjności, wyrazistości obrazów, piękna faktury materiałów ludowych dzieł sztuki użytkowej, odrzucając z reguły naturalistyczne i przeładowane próbkami dekoracji.

Poprzez obcowanie ze sztuką ludową wzbogaca się dusza dziecka, zaszczepia miłość do własnej ziemi. Sztuka ludowa zachowuje i przekazuje nowym pokoleniom tradycje narodowe i wypracowane przez ludzi formy estetycznego stosunku do świata. Ponieważ doświadczenie tysiącleci zostało ucieleśnione w sztuce ludowej.

Mówiąc o wykorzystaniu dzieł sztuki i rzemiosła w przedszkolu, szczególną uwagę zwraca się na przedmioty tradycyjnej sztuki ludowej. Rzeczywiście wyroby rzemieślników ludowych: rzeźba i malowanie na drewnie, miniatury lakowe i tłoczenia, szkło i ceramika, wyroby tkane, koronkowe i haftowane, zabawki ludowe - to przejaw talentu, umiejętności i niewyczerpanego optymizmu artystów ludowych . Wspaniałe przykłady sztuki i rzemiosła pomagają wychowywać dzieci w szacunku i miłości do kultury swojego ludu, swojej ojczyzny, swojej ziemi. Przewaga form roślinnych jest cechą rosyjskiej sztuki ludowej.

Sztuka rzemieślników ludowych pomaga odkrywać dzieciom świat piękna, rozwijać ich gust artystyczny. Sztuka ludowa wnosi głęboki wpływ na świat dziecka, ma wartość moralną, estetyczną, poznawczą, ucieleśnia doświadczenie historyczne wielu pokoleń i jest uważana za część kultury materialnej.

Sztuka i rzemiosło ludowe to złożone zjawisko kultur historycznych, socjologicznych, etnograficznych i narodowych, a jednocześnie najbardziej demokratyczne i dostępne dla człowieka od dzieciństwa.

W przeciwieństwie do masowych produktów pozbawionych twarzy, przedmioty ręcznie robione są zawsze wyjątkowe. Mistrzowsko wykonane sprzęty gospodarstwa domowego, ubrania, elementy wyposażenia wnętrz są drogie. A jeśli w dawnych czasach takie rzeczy były przedmiotami użytkowymi, to dziś przeszły do ​​kategorii sztuki. Piękna rzecz wykonana przez dobrego rzemieślnika zawsze będzie cenna.

W ostatnich latach rozwój sztuki użytkowej nabrał nowego impetu. Ten trend jest zachęcający. Piękne naczynia wykonane z drewna, metalu, szkła i gliny, koronek, tekstyliów, biżuterii, haftów, zabawek - po kilkudziesięciu latach zapomnienia wszystko to znów stało się aktualne, modne i poszukiwane.

Historia Moskiewskiego Muzeum Sztuki Ludowej

W 1981 roku w Moskwie przy ulicy Delegackiej otwarto Muzeum Sztuki Dekoracyjnej, Użytkowej i Ludowej. W jego zbiorach znajdują się unikatowe próbki rękodzieła rodzimych mistrzów z przeszłości, a także najlepsze dzieła współczesnych artystów.

W 1999 r. Miało miejsce następujące ważne wydarzenie - Ogólnorosyjskie Muzeum Sztuki Dekoracyjnej, Stosowanej i Ludowej przyjęło do swoich zbiorów eksponaty Muzeum Sztuki Ludowej imienia Savvy Timofiejewicza Morozowa. Trzon tej kolekcji powstał przed rewolucją 1917 roku. Podstawą tego były eksponaty pierwszego rosyjskiego muzeum etnograficznego. Było to tak zwane Muzeum Rękodzieła Sztuki Dekoracyjnej i Stosowanej, otwarte w 1885 roku.

Muzeum posiada specjalistyczną bibliotekę, w której można zapoznać się z rzadkimi książkami z zakresu teorii i historii sztuki.

Kolekcja muzealna

Tradycyjne rodzaje sztuki i rzemiosła są usystematyzowane i podzielone na działy. Główne obszary tematyczne to ceramika i porcelana, szkło, biżuteria i metal, rzeźba w kościach i drewnie, tekstylia, miniatury lakieru i materiały szlachetne.

Muzeum Sztuki Dekoracyjnej i Stosowanej w otwartych funduszach i magazynach posiada ponad 120 tysięcy eksponatów. Rosyjską secesję reprezentują dzieła Vrubela, Konenkowa, Golovina, Andreeva i Malyutina. Kolekcja radzieckiej porcelany i tkanin propagandowych z drugiej ćwierci ubiegłego wieku jest obszerna.

Obecnie to muzeum sztuki ludowej i rzemiosła uważane jest za jedno z najważniejszych na świecie. Najstarsze eksponaty o dużej wartości artystycznej pochodzą z XVI wieku. Zbiory muzeum były zawsze aktywnie uzupełniane darowiznami od osób prywatnych, a także wysiłkiem odpowiedzialnych urzędników aparatu państwowego w latach władzy radzieckiej.

W ten sposób wyjątkowa ekspozycja tkanin powstała w dużej mierze dzięki hojności obywatela francuskiego P. M. Tołstoja-Miłosławskiego, który podarował muzeum dużą kolekcję tekstyliów rosyjskich, orientalnych i europejskich, zebraną przez N. L. Shabelską.

Dwie duże kolekcje porcelany zostały podarowane muzeum przez wybitne postacie sztuki radzieckiej - Leonida Osipowicza Utiosowa oraz małżonków Marię Mironową i Aleksandra Menakera.

Moskiewskie Muzeum Sztuki Stosowanej może poszczycić się salami poświęconymi życiu Rosjan w różnych okresach. Tutaj możesz zapoznać się z mieszkaniami przedstawicieli różnych klas. Meble, sprzęty, ubrania chłopów i mieszkańców miast, zabawki dziecięce zostały zachowane, odrestaurowane i wystawione na wystawę. Rzeźbione dekoracje opasek i szczytów dachów, pieców kaflowych, skrzyń, które służyły nie tylko jako wygodne schowki na rzeczy, ale także jako łóżka, gdyż zostały wykonane w odpowiednich rozmiarach, przywołują obrazy spokojnego, wyważonego i dobrze odżywionego życia zaplecza rosyjskiego.

Miniatura lakieru

Miniatura lakiernicza jako sztuka użytkowa osiągnęła swój szczyt w XVIII i XIX wieku. Miasta słynące z warsztatów malowania ikon stały się ośrodkami artystycznymi, które udzieliły pozwolenia na pobyt głównym nurtom. Są to Palech, Mstyora, Kholuy i Fedoskino. Szkatułki, broszki, panele, skrzynie wykonane z papier-mache malowano farbami olejnymi lub temperą i lakierowano. Rysunkami były stylizowane wizerunki zwierząt, roślin, postaci z baśni i eposów. Artyści, mistrzowie miniatur lakowych, malowali ikony, wykonywali portrety na zamówienie, malowali sceny rodzajowe. Każda miejscowość wypracowała swój własny styl pisania, ale prawie wszystkie rodzaje sztuki użytkowej w naszym kraju łączą takie cechy, jak nasycenie i jasność kolorów. Szczegółowe opracowanie rysunków, gładkie i zaokrąglone linie - to właśnie wyróżnia rosyjskie miniatury. Co ciekawe, obrazy dekoracyjnej sztuki użytkowej z przeszłości inspirują także współczesnych artystów. Wzory vintage są często wykorzystywane do tworzenia tkanin do kolekcji mody.

Malarstwo artystyczne na drewnie

Malarstwo Khokhloma, Mezen i Gorodets są rozpoznawalne nie tylko w Rosji, ale także za granicą. Meble, wazony, pudełka, łyżki, miski i inne przybory gospodarstwa domowego wykonane z drewna, malowane jedną z tych technik, uważane są za uosobienie Rosji. Lekkie drewniane naczynia, pomalowane czarnymi, czerwonymi i zielonymi farbami na złotym tle, wyglądają masywnie i ciężko – to charakterystyczny styl Khokhloma.

Produkty Gorodets wyróżniają się wielobarwną paletą barw i nieco mniejszą w porównaniu do Khokhloma okrągłością form. Jako fabuły wykorzystywane są sceny rodzajowe, a także wszelkiego rodzaju fikcyjni i prawdziwi przedstawiciele świata zwierząt i roślin.

Sztuka i rzemiosło regionu Archangielska, w szczególności malowanie Mezen na drewnie, to przedmioty użytkowe ozdobione specjalnymi wzorami. Rzemieślnicy Mezen używają w swoich pracach wyłącznie dwóch kolorów - czarnego i czerwonego, czyli sadzy i ochry, ułamkowego schematycznego rysunku wtorków, szkatułek i skrzyń, fryzów w formie bordiur z powtarzających się ściętych postaci koni i jeleni. Statyczny, niewielki, często powtarzający się wzór wywołuje wrażenie ruchu. Malarstwo Mezen jest jednym z najstarszych. Rysunki używane przez współczesnych artystów to napisy hieroglificzne, których używały plemiona słowiańskie na długo przed pojawieniem się państwa rosyjskiego.

Rzemieślnicy przed przekształceniem dowolnego przedmiotu z litego pręta zabezpieczają drewno przed pękaniem i wysychaniem, dzięki czemu ich produkty mają bardzo długą żywotność.

Tace Zhostovo

Metalowe tace malowane w kwiaty to sztuka użytkowa Zhostova pod Moskwą. Tace Zhostovo, niegdyś pełniące wyłącznie funkcję użytkową, od dawna służą jako dekoracja wnętrz. Jasne bukiety dużego ogrodu i małych dzikich kwiatów na czarnym, zielonym, czerwonym, niebieskim lub srebrnym tle są łatwo rozpoznawalne. Charakterystyczne bukiety Zhostovo zdobią teraz metalowe pudełka herbatą, ciasteczkami czy słodyczami.

Szkliwo

Takie rzemiosło jak emalia odnosi się również do malowania na metalu. Najbardziej znane są wytwory mistrzów Rostowa. Przezroczyste farby ogniotrwałe nakłada się na blachę miedzianą, srebrną lub złotą, a następnie wypala w piecu. W technice gorącej emalii, jak nazywa się również emalię, wykonuje się biżuterię, naczynia, rękojeści do broni i sztućce. Farby pod wpływem wysokiej temperatury zmieniają kolor, dlatego rzemieślnicy muszą zrozumieć zawiłości obchodzenia się z nimi. Najczęściej motywy kwiatowe są wykorzystywane jako fabuły. Najbardziej doświadczeni artyści wykonują miniatury z portretami ludzi i krajobrazów.

Majolika

Moskiewskie Muzeum Sztuki Stosowanej daje możliwość zobaczenia dzieł uznanych mistrzów malarstwa światowego, wykonanych w nie do końca dla nich charakterystyczny sposób. Na przykład w jednej z sal znajduje się majolika Vrubela - kominek „Mikula Selyaninovich i Wołga”.

Majolika to wyrób wykonany z czerwonej gliny, malowany na surowej emalii i wypalany w specjalnym piecu w bardzo wysokiej temperaturze. W regionie Jarosławia sztuka i rzemiosło stały się powszechne i rozwinięte dzięki dużej liczbie złóż czystej gliny. Obecnie w szkołach w Jarosławiu dzieci uczą się pracy z tym tworzywem sztucznym. Dziecięca sztuka użytkowa to drugi wiatr dla dawnego rzemiosła, nowe spojrzenie na tradycje ludowe. Nie jest to jednak wyłącznie hołd złożony tradycjom narodowym. Praca z gliną rozwija motorykę małą, poszerza kąt widzenia i normalizuje stan psychosomatyczny.

Gżel

Sztuka dekoracyjna i użytkowa, w przeciwieństwie do sztuk pięknych, polega na utylitarnym, ekonomicznym wykorzystaniu przedmiotów stworzonych przez artystów. Porcelanowe czajniki, wazony na kwiaty i owoce, świeczniki, zegary, uchwyty do sztućców, talerze i filiżanki są niezwykle delikatne i dekoracyjne. Na podstawie pamiątek Gzhel powstają nadruki na dzianinach i materiałach tekstylnych. Kiedyś myśleliśmy, że Gzhel to niebieski wzór na białym tle, ale początkowo porcelana Gzhel była wielokolorowa.

Haft

Haft tkaninowy jest jednym z najstarszych rodzajów robótek ręcznych. Początkowo przeznaczony był do ozdabiania ubiorów szlacheckich, a także tkanin przeznaczonych do rytuałów religijnych. Ta sztuka ludowa i rzemiosło przywędrowały do ​​nas z krajów Wschodu. Szaty bogatych ludzi haftowano kolorowym jedwabiem, złotymi i srebrnymi nićmi, perłami, drogimi kamieniami i monetami. Najcenniejsze są hafty drobnymi ściegami, w których daje się wrażenie gładkiego, jakby narysowanego farbą wzoru. W Rosji haft szybko wszedł do użytku. Pojawiły się nowe technologie. Oprócz tradycyjnego ściegu satynowego i ściegu krzyżykowego zaczęto haftować podwinięciami, czyli układaniem ażurowych ścieżek wzdłuż pustek utworzonych przez wyrwane nici.

Zabawki dla dzieci w Dymkowie

W przedrewolucyjnej Rosji ośrodki rzemiosła ludowego, oprócz przedmiotów użytkowych, wyprodukowały setki tysięcy zabawek dziecięcych. Były to lalki, zwierzęta, naczynia i meble do zabawy dla dzieci, gwizdki. Sztuka dekoracyjna i użytkowa tego kierunku jest nadal bardzo popularna.

Symbol ziemi Vyatka - zabawka Dymkowo - nie ma odpowiednika na świecie. Jasne kolorowe młode panie, panowie, pawie, karuzele, kozy są natychmiast rozpoznawalne. Żadna zabawka się nie powtarza. Na śnieżnobiałym tle wzory w postaci kół, linii prostych i falistych rysowane są farbami w kolorze czerwonym, niebieskim, żółtym, zielonym i złotym. Wszystkie rzemiosła są bardzo harmonijne. Emanują tak potężną pozytywną energią, że czuje ją każdy, kto weźmie do ręki zabawkę. Może nie trzeba umieszczać chińskich symboli dobrego samopoczucia w postaci trójnożnych ropuch, plastikowych czerwonych ryb czy drzewek pieniędzy w rogach mieszkania, ale lepiej udekorować swój dom wyrobami rosyjskich mistrzów - gliną pamiątki z Kargopola, Tuły czy Wiatki, miniaturowe drewniane rzeźby rzemieślników z Niżnego Nowogrodu. Nie może być tak, że nie przyciągają do rodziny miłości, dobrobytu, zdrowia i dobrego samopoczucia.

Zabawka Filimonowa

W ośrodkach twórczości dziecięcej w wielu regionach naszego kraju dzieci uczą się rzeźbić z gliny i malować na wzór rzemiosła ludowego w środkowej Rosji. Dzieci bardzo lubią pracować z tak wygodnym i plastycznym materiałem, jak glina. Wymyślają nowe rysunki zgodnie ze starożytnymi tradycjami. W ten sposób rozwija się krajowa sztuka użytkowa, która pozostaje poszukiwana nie tylko w ośrodkach turystycznych, ale w całym kraju.

Objazdowe wystawy zabawek Filimonowo cieszą się we Francji dużą popularnością. Przez cały rok podróżują po kraju i towarzyszą im kursy mistrzowskie. Zabawki z gwizdkiem kupują muzea w Japonii, Niemczech i innych krajach. Statek ten, który ma stałe miejsce zamieszkania w regionie Tula, ma około 1000 lat. Prymitywnie wykonane, ale pomalowane na różowo-zieloną kolorystykę, wyglądają bardzo wesoło. Uproszczoną formę tłumaczy się tym, że zabawki mają w środku wnęki z wychodzącymi otworami. Jeśli dmuchniesz w nie, na przemian zamykając różne dziurki, otrzymasz prostą melodię.

Szale Pawłowo

Przytulne, kobiece i bardzo jasne szale tkaczy Pavlovo-Posad stały się znane na całym świecie dzięki niesamowitej kolekcji mody rosyjskiego projektanta mody Wiaczesława Zajcewa. Tradycyjne tkaniny i wzory wykorzystywał do produkcji damskich sukienek, męskich koszul, innej odzieży, a nawet butów. Szal Pavlovsky Posad to dodatek, który można dziedziczyć jak biżuterię. Trwałość i odporność chusteczek na zużycie są powszechnie znane. Wykonane są z wysokiej jakości cienkiej wełny. Rysunki nie blakną na słońcu, nie blakną od prania i nie kurczą się. Frędzle na szalach wykonują specjalnie przeszkoleni rzemieślnicy - wszystkie komórki ażurowej siateczki wiązane są w supełki w tej samej odległości od siebie. Rysunek przedstawia kwiaty na czerwonym, niebieskim, białym, czarnym i zielonym tle.

Koronka Wołogdy

Słynna na całym świecie koronka Wołogdy jest tkana przy użyciu szpulek brzozowych lub jałowcowych z nici bawełnianych lub lnianych. W ten sposób powstają miarki, narzuty, szale, a nawet sukienki. Koronka Wołogdy to wąski pasek, który stanowi główną linię wzoru. Pustki są wypełnione sieciami i robakami. Tradycyjny kolor to biały.

Sztuka użytkowa nie stoi w miejscu. Rozwój i zmiany zachodzą cały czas. Muszę powiedzieć, że na początku ubiegłego wieku pod wpływem rozwijającego się przemysłu pojawiły się manufaktury przemysłowe wyposażone w szybkie maszyny elektryczne, powstała koncepcja produkcji masowej. Sztuka i rzemiosło ludowe zaczęły podupadać. Dopiero w połowie ubiegłego wieku przywrócono tradycyjne rosyjskie rzemiosło. W ośrodkach artystycznych, takich jak Tuła, Włodzimierz, Gus-Chrustalny, Archangielsk, Rostów, Zagorsk i innych, budowano i otwierano szkoły zawodowe, kształcono wykwalifikowanych nauczycieli i kształcono nowych młodych mistrzów.

Nowoczesne rodzaje robótek ręcznych i kreatywność

Ludzie podróżują, poznają kultury innych narodów, uczą się rzemiosła. Co jakiś czas pojawiają się nowe rodzaje rzemiosła artystycznego. Takimi nowościami w naszym kraju stały się scrapbooking, origami, quilling i inne.

Kiedyś betonowe mury i płoty kwitły najróżniejszymi rysunkami i napisami wykonanymi w wysoce artystyczny sposób. Graffiti, czyli sztuka natryskowa, to nowoczesna interpretacja starożytnego rodzaju sztuki naskalnej. Możesz śmiać się z nastoletnich zainteresowań, do których na pewno zalicza się graffiti, ale spójrz na zdjęcia w Internecie lub pospaceruj po własnym mieście, a znajdziesz prace naprawdę wysoce artystyczne.

scrapbooking

Projektowanie notesów, książek i albumów, które istnieją w jednym egzemplarzu, nazywa się scrapbookingiem. Ogólnie rzecz biorąc, działalność ta nie jest całkowicie nowa. Albumy, których celem było utrwalenie dla potomności historii rodziny, miasta czy jednostki, powstawały już wcześniej. Współczesna wizja tej sztuki polega na tworzeniu książek artystycznych z ilustracjami autorów, a także korzystaniu z komputerów z różnymi edytorami graficznymi, muzycznymi, fotograficznymi i innymi.

Quilling i origami

Quilling, tłumaczony na rosyjski jako „zwijanie papieru”, służy do tworzenia paneli, ozdabiania pocztówek, ramek do zdjęć itp. Technika polega na skręcaniu cienkich pasków papieru i przyklejaniu ich do podłoża. Im mniejszy fragment, tym bardziej eleganckie i dekoracyjne rzemiosło.

Origami, podobnie jak quilling, to papierkowa robota. Tylko origami to praca z kwadratowymi kartkami papieru, z których powstają wszelkiego rodzaju kształty.

Z reguły wszystkie rzemiosła związane z papiernictwem mają chińskie korzenie. Azjatycka sztuka i rzemiosło były pierwotnie rozrywką szlachty. Biedni nie byli zaangażowani w tworzenie pięknych rzeczy. Ich przeznaczeniem jest rolnictwo, hodowla bydła i wszelkiego rodzaju prace fizyczne. Europejczycy, przyjmując podstawy technologii, która historycznie jest bardzo małą i delikatną pracą z papierem ryżowym, przenieśli sztukę do dogodnych dla nich warunków.

Chińskie produkty wyróżniają się mnóstwem bardzo drobnych detali, które wyglądają monolitycznie i bardzo elegancko. Taka praca jest możliwa tylko dla bardzo doświadczonych rzemieślników. Ponadto cienkie wstążki papierowe można skręcić w ciasną i równą cewkę tylko za pomocą specjalnych narzędzi. Europejscy miłośnicy rękodzieła nieco zmodyfikowali i uprościli starożytne chińskie rzemiosło. Papier zwinięty w spirale o różnej wielkości i gęstości stał się popularną ozdobą pudeł kartonowych, wazonów na suszone kwiaty, ramek i paneli.

Mówiąc o sztuce i rzemiośle, niesprawiedliwe byłoby pominięcie takich rzemiosł, jak malowanie na jedwabiu, czy batik, druk czy tłoczenie, czyli malowanie na metalu, tkanie dywanów, beading, makrama, dziewiarstwo. Coś odchodzi w przeszłość, a coś innego staje się tak modne i popularne, że nawet przedsiębiorstwa przemysłowe rozpoczynają produkcję sprzętu do tego rodzaju twórczości.

Zachowanie starożytnych rzemiosł i pokaz najlepszych przykładów w muzeach to dobry uczynek, który zawsze będzie źródłem inspiracji dla ludzi wykonujących zawody twórcze i pomoże wszystkim innym dołączyć do piękna.

Wyświetleń: 13 338

Sztuka i rzemiosło(od łac. dekoracje- dekorować) - szeroka dziedzina sztuk plastycznych, obejmująca różne gałęzie działalności twórczej, których celem jest tworzenie wyrobów artystycznych o funkcjach użytkowych i artystycznych. Termin zbiorczy warunkowo łączy dwa szerokie typy sztuk: dekoracyjny I stosowany. W odróżnieniu od dzieł sztuki, przeznaczonych dla przyjemności estetycznych i z nimi związanych czysta sztuka, liczne przejawy sztuki i rzemiosła mogą mieć praktyczne zastosowanie w życiu codziennym.

Dzieła sztuki i rzemiosła spełniają kilka cech: mają walory estetyczne; zaprojektowany z myślą o efekcie artystycznym; służą do dekoracji życia codziennego i wnętrz. Takimi dziełami są: odzież, tkaniny ubiorowe i dekoracyjne, dywany, meble, szkło artystyczne, porcelana, fajans, biżuteria i inne wyroby artystyczne.
Od drugiej połowy XIX w. w literaturze naukowej utrwaliła się klasyfikacja gałęzi sztuki i rzemiosła. według materiału (metal, ceramika, tekstylia, drewno), zgodnie z techniką wykonania (rzeźba, malowanie, haft, druk, odlewanie, tłoczenie, intarsja itp.) oraz według cech funkcjonalnych użytkowanie przedmiotu (meble, zabawki). Klasyfikacja ta wynika z ważnej roli zasady konstrukcyjno-technologicznej w sztuce i rzemiośle oraz jej bezpośredniego związku z produkcją.

Specyfika gatunkowa DPI

• Szycie- tworzenie ściegów i szwów na materiale za pomocą igły i nici, żyłki itp. Szycie to jedna z najstarszych technologii produkcji, która powstała jeszcze w epoce kamienia.
  • Flowermaking - wykonywanie biżuterii damskiej z tkaniny w formie kwiatów
  • Patchwork (szycie z łat), kołdra patchworkowa - technika patchworkowa, mozaika patchworkowa, mozaika tekstylna - rodzaj robótek ręcznych, w których zgodnie z zasadą mozaiki cały produkt jest szyty z kawałków tkaniny.
    • Aplikacja - sposób na uzyskanie obrazu; technika plastyczna i rzemieślnicza.
  • Wyroby pikowane, pikowanie - przeszyte dwa kawałki materiału i ułożona pomiędzy nimi warstwa mrugnięcia lub waty.
• Haft- sztuka zdobienia wszelkiego rodzaju tkanin i materiałów najróżniejszymi wzorami, od najgrubszych i najgęstszych, takich jak np.: płótno, płótno, skóra, po tkaniny najdelikatniejsze - batyst, muślin, gaz, tiul itp. Narzędzia i materiały do ​​haftu: igły, nici, tamborki, nożyczki.
• Robienie na drutach- proces wytwarzania wyrobów z nitek ciągłych poprzez zaginanie ich w pętelki i łączenie pętelek ze sobą za pomocą prostych narzędzi ręcznie lub na specjalnej maszynie.
• Artystyczna obróbka skóry- produkcja różnorodnych artykułów ze skóry, zarówno do użytku domowego, jak i dekoracyjnego.
• Tkactwo- produkcja tkanin na krosnach, jedno z najstarszych rzemiosł człowieka.
• Tkanie dywanów- produkcja dywanów.
• Wypalić się- wzór nakłada się na powierzchnię dowolnego materiału organicznego za pomocą gorącej igły.
  • Spalanie drewna
  • Wypalanie na tkaninie (gilosz) to technika robótek ręcznych polegająca na wykańczaniu wyrobów ażurową koronką i wykonywaniu aplikacji poprzez wypalanie ich za pomocą specjalnej aparatury.
  • Dla innych materiałów
  • Hot-stamping to technologia artystycznego znakowania produktów metodą hot-stampingu.
  • Obróbka drewna kwasami
• Rzeźba artystyczna- jeden z najstarszych i najbardziej rozpowszechnionych rodzajów obróbki materiałów.
  • Rzeźbienie w kamieniu to proces formowania pożądanego kształtu, który odbywa się poprzez wiercenie, polerowanie, szlifowanie, piłowanie, grawerowanie itp.
  • Rzeźbienie w kościach jest rodzajem sztuki i rzemiosła.
  • rzeźbienie w drewnie
• Malowanie na porcelanie, szkle
• Mozaika- kształtowanie wizerunku poprzez ułożenie, ustawienie i utrwalenie na powierzchni wielobarwnych kamieni, smalty, płytek ceramicznych i innych materiałów.
• witraż- dzieło sztuki zdobniczej o charakterze malarskim lub zdobniczym, wykonane z kolorowego szkła, przeznaczone do oświetlenia przelotowego i przeznaczone do wypełnienia otworu, najczęściej okna, w dowolnym obiekcie architektonicznym.
• Dekupaż- technika zdobnicza tkanin, naczyń, mebli itp., polegająca na skrupulatnym wycinaniu z papieru obrazów, które następnie przykleja się lub w inny sposób mocuje do różnych powierzchni w celu dekoracji.
• Modelarstwo, rzeźba, florystyka ceramiczna- kształtowanie tworzywa sztucznego za pomocą rąk i narzędzi pomocniczych.
• Tkactwo- metoda wytwarzania sztywniejszych konstrukcji i materiałów z mniej trwałych materiałów: nici, łodyg roślin, włókien, kory, gałązek, korzeni i innych podobnych miękkich surowców.
  • Bambus - tkanie z bambusa.
  • Kora brzozy - tkanie z górnej kory brzozy.
  • Beading, beading - tworzenie biżuterii, wyrobów artystycznych z koralików, w których w przeciwieństwie do innych technik, w których jest stosowany, koraliki są nie tylko elementem dekoracyjnym, ale także konstrukcyjnym i technologicznym.
  • Kosz
  • Koronka - elementy dekoracyjne wykonane z tkaniny i nici.
  • Makrama to technika tkania węzłów.
  • Winorośl - rzemiosło wytwarzania wyrobów wiklinowych z winorośli: sprzętów gospodarstwa domowego i pojemników o różnym przeznaczeniu.
  • Mata - podłoga tkająca podłogę z dowolnego szorstkiego materiału, maty, maty.
• Obraz:
  • Malarstwo Gorodets to rosyjskie rzemiosło sztuki ludowej. Malarstwo jasne, lakoniczne (sceny rodzajowe, figurki koni, kogutów, wzory kwiatowe), wykonane swobodnym pociągnięciem z biało-czarnymi kreskami graficznymi, zdobione wirującymi kołami, meblami, okiennicami, drzwiami.
  • Malarstwo Polchow-Majdan - produkcja malowanych wyrobów tokarskich - lalek gniazdowych, pisanek, grzybów, solniczek, kielichów, artykułów eksploatacyjnych - bogato zdobionych soczystym malarstwem ozdobnym i fabularnym. Wśród motywów malowniczych najczęstsze są kwiaty, ptaki, zwierzęta, pejzaże wiejskie i miejskie.
  • Malarstwo mezen na drewnie - rodzaj malowania sprzętów gospodarstwa domowego - kołowrotków, chochli, pudełek, braci.
  • Malarstwo Zhostovo to ludowe rzemiosło polegające na artystycznym malowaniu metalowych tac.
  • Malarstwo Siemionowskiej - wykonanie drewnianej zabawki z obrazu.
  • Khokhloma - stare rosyjskie rzemiosło ludowe, urodzone w XVII wieku w powiecie Niżnym Nowogrodzie
  • Malarstwo witrażowe - ręczne malowanie na szkle, imitacja witrażu.
  • Batik - malowany ręcznie na tkaninie z wykorzystaniem kompozycji rezerwowych.
    • Zimny ​​batik - technika malowania na tkaninie wykorzystuje specjalną kompozycję zatrzymującą zimno.
    • Gorący batik - wzór powstaje przy użyciu roztopionego wosku lub innych podobnych substancji.
• scrapbooking- projektowanie albumów fotograficznych
• Wyrób z gliny— tworzenie form i przedmiotów z gliny. Można go wyrzeźbić za pomocą koła garncarskiego lub ręcznie.

O mnie (o gobelinie):

Gobelin(fr. gobelin), Lub krata, - jeden z rodzajów rzemiosła artystycznego, jednostronny, niestrzępiący się dywan ścienny z fabułą lub kompozycją ozdobną, tkany ręcznie o krzyżowym splocie nitek. Tkacz przepuszcza nić wątku przez osnowę, tworząc zarówno obraz, jak i samą tkaninę. W Słowniku Encyklopedycznym Brockhausa i Efrona gobelin definiuje się jako „ręcznie tkany dywan, na którym odtworzono obraz i specjalnie przygotowaną tekturę mniej lub bardziej znanego artysty z wielobarwnej wełny i częściowo jedwabiu”.

Gobeliny wykonywano z wełny, jedwabiu, czasem wprowadzano do nich złote lub srebrne nici. Obecnie do ręcznej produkcji dywanów wykorzystuje się szeroką gamę materiałów: preferowane są nici z włókien syntetycznych i sztucznych, w mniejszym stopniu materiały naturalne. Technika ręcznego tkania jest pracochłonna, jeden mistrz może wykonać około 1-1,5 m² (w zależności od gęstości) kraty rocznie, dlatego produkty te są dostępne tylko dla zamożnych klientów. A obecnie ręcznie robiony gobelin (krata) nadal jest drogim dziełem.

Od średniowiecza aż do XIX wieku wytwarzanie gobelinów prowadzono w cyklach (zespołach), łączących wyroby związane z jedną tematyką. Ten zestaw gobelinów miał za zadanie ozdobić pokój w tym samym stylu. Liczba arrasów w zespole zależała od wielkości pomieszczenia, w którym miały być umieszczone. W tym samym stylu co kraty ścienne, wykonano baldachimy, zasłony, poszewki na poduszki, które również stanowiły komplet.

Trapezami nie można nazywać niestrzępiących się, ozdobnych dywanów, a jedynie te, na których powstają obrazy za pomocą samej techniki tkania, tj. przeplatanie się nitek wątku i osnowy, dzięki czemu stanowią one organiczną część samej tkaniny, w przeciwieństwie do haftu, którego wzory nanoszone są na tkaninę dodatkowo za pomocą igły. Średniowieczne gobeliny produkowane były w warsztatach klasztornych Niemiec i Holandii, w miastach Tournai na zachodzie Flandrii i Arras w północnej Francji. Najbardziej znane to millefleurs (francuskie millefleurs, od mille - „tysiąc” i fleurs - „kwiaty”). Nazwa wzięła się stąd, że postacie na tego typu gobelinach ukazane są na ciemnym tle usianym wieloma drobnymi kwiatkami. Cecha ta związana jest z dawnym zwyczajem obchodzenia katolickiego święta Ciała Pańskiego (obchodzonego w czwartek po dniu Trójcy Świętej). Ulice, którymi przemieszczała się świąteczna procesja, ozdobiono panelami utkanymi z wielu świeżych kwiatów. Wywieszano je za oknami. Uważa się, że tkacze przenieśli ten wystrój na dywany. Najwcześniejszy znany millefleur powstał w Arras w 1402 roku. Dywany z tego miasta były tak popularne, zwłaszcza we Włoszech, że otrzymały włoską nazwę „arazzi”.

Karton w malarstwie- rysunek węglem lub ołówkiem (lub dwoma ołówkami - białym i czarnym), wykonany na papierze lub na zagruntowanym płótnie, z którego obraz jest już zamalowany farbami.

Początkowo rysunki takie wykonywano wyłącznie dla fresków, gruby papier (wł. karton), na którym wykonywano rysunek, przebijany był wzdłuż jego konturu, nakładany na podłoże przygotowane do malowania fresków i posypywany w miejscu nakłucia proszkiem węgla drzewnego, dzięki czemu w obwodzie masowym uzyskano słabą czerń. Malarstwo freskowe pisane było od razu, bez poprawek, zatem konieczne było zastosowanie gotowego, całkowicie przemyślanego konturu. Gotowe deski często mają wartość obrazów, z wyjątkiem farb; takie są kartony Michała Anioła, Leonarda da Vinci, Rafaela (tektury dla „Szkoła Ateńska” przechowywany w Mediolanie), Andrea Mantegni, Giulio Romano i in. Często znani artyści wykonywali z tektury obrazy z tkanych dywanów (kraty); znanego z siedmiu kartonów Rafaela „Dzieje Apostolskie”, wykonany przez niego dla tkaczy flamandzkich (przechowywany w Kensington Museum w Londynie), cztery kartony autorstwa Mantegny. Z XIX-wiecznej tektury możemy wymienić dzieła Friedricha Overbecka, Juliusa Schnorra von Karolsfelda, P. J. Corneliusa ( „Zniszczenie Troi”, „Sąd Ostateczny” i inni), Wilhelm von Kaulbach ( „Zniszczenie Jerozolimy”, „Bitwy Hunów” itp.), Ingra – za malowanie na szkle w grobowcu domu orleańskiego. W Rosji obrazy wykonano na tekturze w katedrze św. Izaaka (niezachowane). Czasami kartony tworzą jedni artyści, a obrazy na nich inni. I tak Peter Josef Cornelius oddał część kartonu do dyspozycji swoich uczniów niemal w całości.

Materiały, technika

Do XVIII wieku na podstawę gobelinów stosowano wełnę – materiał najtańszy i najłatwiejszy w obróbce, najczęściej była to wełna owcza. Głównym wymaganiem dla materiału podstawowego jest wytrzymałość. W XIX wieku podstawą gobelinów był czasami jedwab. Bawełniany spód znacząco zmniejsza wagę produktu, jest trwały, odporniejszy na niekorzystne wpływy środowiska.

W tkaniu gobelinów gęstość dywanu określa się liczbą nitek osnowy na 1 cm. Im większa gęstość, tym tkacz ma większe możliwości wykonania drobnych detali i wolniej postępuje praca. W średniowiecznym gobelinie europejskim na 1 cm przypada około 5 nitek osnowy, produkty brukselskich manufaktur z XVI wieku miały tę samą niską gęstość (5-6 nitek), ale lokalnym tkaczom udało się oddać złożone niuanse obrazu . Z biegiem czasu gobelin coraz bardziej zbliża się do malarstwa, jego gęstość wzrasta. W manufakturze Gobelin gęstość gobelinów w XVII wieku wynosiła 6-7 nitek na 1 cm, a w XVIII wieku już 7-8. W XIX wieku gęstość wyrobów manufaktury w Beauvais sięgała 10-16 nitek. Taki gobelin stał się w rzeczywistości jedynie imitacją malarstwa sztalugowego. Jednym ze sposobów przywrócenia dekoracyjności gobelinowi Jean Lursa rozważał zmniejszenie jego gęstości. W XX wieku francuskie manufaktury powróciły do ​​gęstości gobelinów w 5 nitkach. We współczesnym tkaniu ręcznym gęstość przyjmuje się na poziomie 1-2 nici na cm, gęstość większą niż 3 nici uważa się za wysoką.

Gobeliny tkane są ręcznie. Nitki osnowy naciągane są na maszynę lub ramę. Nici osnowy przeplatane są kolorowymi nićmi wełnianymi lub jedwabnymi, przy czym osnowa jest całkowicie zakryta, zatem jej kolor nie odgrywa żadnej roli.

Najwcześniejszym i najprostszym urządzeniem do pracy tkackiej była rama z naciągniętymi nitkami osnowy. Podstawę można mocować poprzez naciągnięcie gwoździ wbitych w ościeżnicę, zastosowanie ramki z nacięciami równomiernie rozmieszczonymi wzdłuż górnej i dolnej krawędzi lub po prostu nawinięcie nici wokół ościeżnicy. Jednak ta ostatnia metoda nie jest zbyt wygodna, ponieważ nitki osnowy mogą się przesuwać podczas procesu tkania.

Później pojawiły się krosna wysokie i niskie. Różnica w pracy na maszynach polega głównie na ułożeniu nitek osnowy, poziomym na niskim krośnie i pionowym na wysokim krośnie. Wynika to z ich specyficznego urządzenia i wymaga charakterystycznych ruchów podczas pracy. W obu przypadkach sposób tworzenia przejść objętościowych i kolorystycznych na obrazie jest taki sam. Nici o różnych kolorach przeplatają się i tworzą efekt stopniowej zmiany tonu lub poczucia objętości.

Obraz został skopiowany z karton - rysunek przygotowawczy w pełnowymiarowym kolorze gobelinu, wykonany na podstawie szkicu artysty. Na jednym kartonie można stworzyć kilka gobelinów, za każdym razem coś innego od siebie.

Mechanicznie technika wykonania gobelinu jest bardzo prosta, ale wymaga od mistrza dużej cierpliwości, doświadczenia i wiedzy artystycznej: tylko wykształcony artysta może być dobrym tkaczem, malarzem na swój sposób, różniącym się od prawdziwego jedynie że tworzy obraz nie farbami, ale kolorową nicią. Musi rozumieć rysunek, kolor i światło i cień jak artysta, a ponadto musi także posiadać pełną wiedzę na temat technik tkania krat i właściwości materiałów. Dość często nie można podnieść nici o różnych odcieniach tego samego koloru, dlatego tkacz musi zabarwić nici w trakcie pracy.

Podczas pracy na maszynie pionowej, z jej górnego wału, gdy produkt jest gotowy, podstawa jest rozwijana, a gotowa krata nawijana na dolną. Dywany wykonane na krośnie pionowym nazywane są dywanami haute-lisse(Gotlis, od ks. wysoki„wysoki” i Lisy"podstawy"). Technika Gotlissa pozwala na wykonanie bardziej złożonego rysunku, ale jest też bardziej pracochłonna. Miejsce pracy tkacza znajduje się po niewłaściwej stronie dywanu, na którym zamocowane są końce nici. Obraz z tektury przenoszony jest na kalkę, a z niej na dywan. Za plecami tkacza umieszczono karton, a na przedniej stronie pracy umieszczono lustro. Rozkładając nitki osnowy, mistrz może sprawdzić dokładność pracy na tekturze.

Inne dywany, przy produkcji których osnowa jest umieszczona poziomo pomiędzy dwoma wałami, dzięki czemu praca tkacza jest znacznie ułatwiona, nazywane są basse-lisse(baslis, od ks. bas„niski” i Lisy"podstawy"). Nitki osnowy są rozciągnięte pomiędzy dwoma wałami w płaszczyźnie poziomej. Krata jest odwracana do tkacza niewłaściwą stroną, wzór z tektury jest przenoszony na kalkę umieszczoną pod nitkami osnowy, dzięki czemu przednia strona produktu powtarza tekturę w lustrzanym odbiciu. Mistrz pracuje z małymi szpulkami, na które nawinięte są nici w różnych kolorach. Przepuszczając przez osnowę szpulkę z nitką dowolnego koloru i splatając ją z nią, powtarza tę czynność wymaganą ilość razy, po czym opuszcza ją i bierze kolejną z nitką w innym kolorze, aby powrócić do osnowy. pierwszą szpulkę, gdy będzie potrzebna ponownie.

Po wyjęciu gobelinu z krosna nie da się rozróżnić, w której z dwóch technik został wykonany. Aby to zrobić, musisz zobaczyć karton - gobelin baslijski powtarza to w odbiciu lustrzanym, Gotlis - bezpośrednio.

Cechy języka artystycznego DPI

Przedmiot działalności artysty rzemiosła artystycznego wyznacza cechy metody twórczej. Najczęściej w odniesieniu do tych cech używa się trzech głównych terminów: abstrakcja, geometria, stylizacja.

abstrakcja(łac. abstrakcja - „odwrócenie uwagi”) polega na odwróceniu dekoracyjnego obrazu od określonego obiektowo-przestrzennego środowiska naturalnego, gdyż rolę takiego środowiska, w przeciwieństwie do sztuki sztalugowej, przejmuje dekorowana powierzchnia. Stąd podstawowa umowność przedstawienia dekoracyjnego, w którym z łatwością można łączyć różne momenty czasu i przestrzeni. Przekonująco pisał o tym koneser ceramiki rosyjskiej A. B. Saltykov, zwracając uwagę na „brak jedności miejsca, czasu i działania” jako podstawową zasadę kompozycji dekoracyjnej. W szczególności wystrój umieszczony na trójwymiarowej formie naczynia, oddziałujący z krzywoliniową przestrzenią jego powierzchni, jest umiejscowiony w zależności od „geografii” obiektu, a nie według utartych wyobrażeń. Krzywizna, kolor i faktura dekorowanej powierzchni, na przykład białe tło w malarstwie porcelanowym lub fajansowym, mogą równie łatwo oznaczać wodę, niebo, ziemię czy powietrze, ale przede wszystkim walory estetyczne powierzchni jako takiej . W. D. Blavatsky napisał, że obraz starożytnej greckiej kylix (miski) należy oglądać obracając naczynie w rękach. Teraz możemy już krążyć po muzealnej gablocie.

Przejściowe etapy procesu abstrakcji i geometryzacji obrazu dekoracyjnego nazywane są „ornamentem obrazowym” i według odmian gatunkowych dzielą się na roślinne, zwierzęce, mieszane ... Jedna z najciekawszych odmian gatunkowych mieszanego ornamentu obrazkowego w historia sztuki to groteska.

Stylizacja w najogólniejszym znaczeniu tego terminu nazywa się intencjonalnym, świadomym posługiwaniem się przez artystę formami, metodami i technikami kształtowania, znanymi dotychczas w historii sztuki. Jednocześnie artysta przenosi się mentalnie do innego stulecia, jakby zanurzając się „w głąb czasu”. Dlatego tę stylizację można nazwać tymczasową. Stylizacja może mieć charakter prywatny, fragmentaryczny, wówczas poszczególne tematy, formy, motywy i techniki zostają wybrane jako przedmiot artystycznej gry. Czasami ten sposób kształtowania nazywany jest stylizacją motywu. Znaczna część dzieł sztuki „art nouveau” („nowa sztuka”) przełomu XIX i XX wieku. zbudowana w oparciu o stylizację z jednego motywu: fali, pędu rośliny, kosmyków włosów, zgięcia łabędziej szyi. Linie te były modne w kulturze „przełomu wieków”. W szczególności słynny francuski dekorator i projektant mody Paul Poiret (1879-1944) wymyślił gładko zakrzywioną linię damskiej sukienki, którą nazwali: linią Poiret.

Stylizację motywu można uznać za szczególny przypadek stylizacji dekoracyjnej, gdyż wysiłki artysty zmierzają do włączenia odrębnego dzieła, jego fragmentu lub stylizowanego motywu w szerszą całość kompozycyjną (co odpowiada ogólnemu znaczeniu pojęcia dekoracyjność). Artysta, stosując metodę stylizacji holistycznej, przenosi się mentalnie do innej epoki, dekoracyjnej – stara się myśleć organicznie w wytworzonym już wokół niego środowisku obiektowo-przestrzennym. Pierwszą metodę nazwaliśmy metodą stylizacji temporalnej, drugą można nazwać przestrzenną.

Oczywiste jest, że metoda dekoracyjnej stylizacji najpełniej przejawia się w sztuce dekoracyjnej, a zwłaszcza w sztuce efektownych plakatów i ilustracji książkowych, choć zdarzają się wyjątki. Tym samym niezwykły malarz i rysownik A. Modigliani budował delikatną wyrazistość obrazów na szczerej stylizacji linii i hiperbolizacji formy, a jego „maski” stylizują afrykańskie wzory.

W twórczości wielu artystów metody abstrakcji, geometryzacji i stylizacji łączą się organicznie.

Na dekoracyjność wpływa również gęstość, nasycenie obrazu, przewaga postaci nad tłem. W niektórych przypadkach prowadzi to do tak zwanej ozdoby wystroju, w innych - do „stylu dywanowego”. Procesy transformacji elementów obrazowych łączy koncepcja geometryzacji. Ostatecznie ten trend prowadzi do niezwykle abstrakcyjnego lub ozdoba geometryczna.

Oprócz podstawowych metod - abstrakcji, geometryzacji i stylizacji - artysta rzemieślniczy posługuje się prywatnymi metodami kształtowania, czyli tropami artystycznymi (gr. tropos - „obróć, obróć”).

W sztukach wizualnych porównanie opiera się na geometryzacja. Godnymi uwagi przykładami takich porównań są dzieła utrzymane w „zwierzęcym stylu”. Styl ten dominował w przedmiotach „małych form” na rozległych obszarach Eurazji od dolnego Dunaju, północnego regionu Morza Czarnego i stepów kaspijskich po południowy Ural, Syberię i północno-zachodnią część Chin w VII-IV wieku. pne mi.

Klasycznymi przykładami upodobnienia formy do formatu są kompozycje w okręgu, w szczególności kompozycje Dońców ze starożytnych greckich kilików - okrągłych szerokich mis na nóżce z dwoma poziomymi uchwytami po bokach. Z takich kielichów pito wino rozcieńczone wodą. W starożytnych domach, pomiędzy sympozjami (biesiadami), kylixy wieszano zwykle za jeden z uchwytów na ścianie. Dlatego obrazy umieszczono na zewnątrz czaszy, na całym obwodzie, tak aby były dobrze widoczne.

Główny problem DPI

Wszystkie dzieła starożytności organicznie łączą wartość materialną i duchową, użytkową, estetyczną i artystyczną. Co ciekawe, we wczesnej starożytności nie było odrębnego rozumienia cech naczynia jako pojemnika, jego znaczenia symbolicznego, wartości estetycznej, zawartości i wystroju.

Później zaczęto dzielić malarską przestrzeń rzeczy na wewnętrzny pojemnik i zewnętrzną powierzchnię, formę i ornament, przedmiot i otaczającą przestrzeń. W wyniku tak zróżnicowanego procesu powstał problem organicznego powiązania funkcji i formy produktu, jego harmonii z otoczeniem.

Jednocześnie twierdzenie, że prawdziwie dekoracyjny obraz powinien być płaski, nie odpowiada rzeczywistości. Abstrakcja wystroju nie polega na adaptacji, ale na interakcji formy obrazowej i otoczenia. Dlatego iluzoryczne obrazy, które wizualnie „przebijają się” przez powierzchnię, mogą być równie dekoracyjne, jak te, które „pełzają po płaszczyźnie”. Wszystko zależy od intencji artysty, zgodności rozwiązania kompozycyjnego z ideą.

To samo tyczy się problemu ukazania naturalnych właściwości materiału dekorowanej powierzchni. Całkowicie złocony wazon porcelanowy lub „metalowa” filiżanka mogą być nie mniej piękne niż najszlachetniejsza polichromia, cieniująca iskrzącą biel. Czy można powiedzieć, że naturalna faktura drewna jest bardziej dekoracyjna niż jego powierzchnia pokryta jasną farbą i złoceniem, a matowy biszkopt (nieszkliwiona porcelana) wygląda lepiej niż błyszcząca glazura?

W 1910 roku wybitny belgijski architekt, malarz i teoretyk secesji Henri Van de Velde (1863–1957) napisał polemiczny artykuł zatytułowany „Animacja materiału jako zasada piękna”.

W artykule tym Van de Velde przedstawił swoje poglądy na jeden z głównych problemów „nowego stylu” – stosunek artysty do materiału. Polemizuje z tradycyjnym poglądem, że artysta użytkowy powinien wydobyć naturalne piękno materiału. „Żaden materiał” – napisał Van de Velde – „nie może być piękny sam w sobie. Swoje piękno zawdzięcza duchowej zasadzie, którą artysta wnosi do natury.” Uduchowienie „martwego materiału” następuje poprzez jego przekształcenie w materiał kompozytowy. W tym przypadku artysta używa różnych środków, a następnie na podstawie tych samych materiałów uzyskuje odwrotny efekt. Znaczenie artystycznego przetwarzania naturalnych materiałów i form, w przeciwieństwie do właściwości estetycznych, które obiektywnie istnieją w naturze, zdaniem Van de Velde, polega na dematerializacji, nadaniu właściwości, których materiał ten nie posiadał, zanim dotknęła go ręka artysty. Tak ciężki i szorstki kamień zamienia się w najcieńszą „nieważką” koronkę gotyckich katedr, materialne właściwości barwników przekształcają się w blask barwnych promieni średniowiecznego witrażu, a złocenie staje się zdolne wyrazić niebiańskie światło .

W sztuce i rzemiośle, gdzie artysta zobowiązany jest do rozwiązania problemu relacji części do całości, w tym własnej kompozycji, w szerokim kontekście czasoprzestrzennym, ścieżki nabierają zasadniczego znaczenia. Przeniesienia znaczeń można dokonywać różnymi sposobami i technikami kompozycyjnymi. Najprostsza technika jest dobrze znana w historii sztuki starożytnego świata. To porównywanie formy do formatu. Taki trop obrazowy można skorelować z porównaniem literackim w oparciu o zasadę „całość z całością”, np.: „Koń leci jak ptak”.

Terminologia w DPI

Litry

Własow V. G. Podstawy teorii i historii rzemiosła artystycznego. Pomoc nauczania. - Uniwersytet Państwowy w Petersburgu, 2012. - 156 s.

Moran A. Historia sztuki zdobniczej i użytkowej. - M

Olga Makeenko
„Sztuka dekoracyjna i użytkowa jako sposób na zapoznawanie dzieci z kulturą ludową”

Wstęp

Kultura ludowa jest jednym z ważnych elementów każdego narodu, gdyż niesie w sobie doświadczenie przeszłych pokoleń, które ewoluowało na przestrzeni wieków. Kultura ludowa odzwierciedla życie i umiejętności naszych przodków, które są odzwierciedlone w taki czy inny sposób sztuka.

Uczenie się Kultura ludowa powinny być częścią programu nauczania dzieci. W końcu od dzieciństwa kształtują się u ludzi nawyki i umiejętności. Aby poprawnie sformułować koncepcję świata, ok sztuka Trzeba już od najmłodszych lat kształtować w głowach dzieci wyobrażenia o otaczającym ich świecie, a także opowiadać o historii zarówno kraju jako całości, jak i regionu, w którym żyje. Dzieci są naszą kontynuacją, przyszłość zarówno rodziny, jak i miasta, kraju i świata zależy od tego, jak je wychowamy.

„Przewodniki” w takim przypadku działania podejmą rodzice i nauczyciele. Przyszli nauczyciele szkół pedagogicznych, dyrektorzy przedszkoli i metodycy wychowania przedszkolnego muszą znać podstawowe metody i techniki kierowania różnego rodzaju zajęciami dzieci wiek przedszkolny. Wśród tego typu działalności zajmuje duże miejsce obrazowo.

Kultura ludowa jest kulturą tradycyjną, co zawiera warstwy kulturowe różnych epok, od czasów starożytnych do współczesności, którego przedmiotem jest ludzie kulturalny powiązania i mechanizmy życiowej aktywności. Taki kultura niepiśmienna, dlatego też tradycja ma w niej ogromne znaczenie jako sposób przekazywania istotnych dla społeczeństwa informacji.

Istnieje kilka sposobów uczenia się dziecięca kultura ludowa. Należą do nich literatura, kino i baśnie. Możesz dołączyć obrazy, gry i wiele, wiele więcej.

W tej pracy rozważymy zajęcia plastyczne i rzemieślnicze jako sposób na zapoznawanie dzieci z kulturą ludową. Aby osiągnąć ten cel, konieczne będzie przede wszystkim rozważenie podstawowych pojęć tego tematu. Koncepcja ta, jej główne kierunki i rodzaje; pojęcie Kultura ludowa; I sposób na zapoznawanie dzieci z kulturą ludową.

Reprezentuje sekcję sztuka dekoracyjna, która obejmuje kilka gałęzi twórczości poświęconych tworzeniu wyrobów artystycznych i przeznaczonych głównie do życia codziennego. Pracuje może być sztuka i rzemiosło: różne przybory, meble, broń, tkaniny, narzędzia, a także inne produkty, które ze względu na swoje pierwotne przeznaczenie nie są dziełami sztuka, Ale nabywać jakość artystyczna wynikająca z zastosowania do nich twórczości artysty; odzież i wszelkiego rodzaju biżuterię.

Od drugiej połowy XIX wieku w literaturze naukowej utrwaliła się klasyfikacja branż sztuka i rzemiosło:

1. W zależności od użytego materiału (ceramika, metal, tekstylia, drewno);

2. W zależności od techniki wykonania (rzeźba, druk, odlew, tłoczenie, haft, malowanie, intarsja).

Proponowana klasyfikacja wiąże się z ważną rolą zasady konstrukcyjno-technologicznej w sztuka i rzemiosło oraz jej bezpośrednie działanie związek z produkcją.

Należy jednocześnie do sfery twórczości oraz wartości materialnych i duchowych. Dzieła sztuki sztuka i rzemiosło nierozerwalnie związany z materiałem kultura współczesnej epoki, są ściśle związane z odpowiadającym jej sposobem życia, z takimi czy innymi lokalnymi cechami etnicznymi i narodowymi, różnicami grupowymi i klasowymi.

Dzieła sztuki sztuka i rzemiosło stanowią organiczną część przedmiotu środowiska, z którymi człowiek ma codzienny kontakt, a swoimi walorami estetycznymi, strukturą figuratywną, charakterem, stale wpływają na stan umysłu człowieka, jego nastrój, są ważnym źródłem emocji, które wpływają na jego stosunek do otaczającego go świata . Dzieła sztuki sztuka i rzemiosło estetycznie nasycić i przekształcić Środa otaczają człowieka, a jednocześnie jakby przez niego wchłonięte, bo są zwykle postrzegane w powiązaniu z jego rozwiązaniem architektonicznym i przestrzennym, z innymi wchodzącymi w jego skład przedmiotami lub ich zespołami (zestaw mebli lub usługa, kostium lub zestaw biżuterii). W tym względzie znaczenie ideologiczne dzieł sztuka i rzemiosło można najpełniej zrozumieć tylko dzięki prawdziwemu wyobrażeniu o tych relacjach podmiotu z środowisko i człowiek.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa powstał na najwcześniejszych etapach rozwoju społeczeństwa ludzkiego i przez wiele stuleci był najważniejszym, a dla wielu plemion i narodowości główny obszar twórczości artystycznej.

Według innego źródła, sztuka i rzemiosło- jest to tworzenie wyrobów artystycznych mających zastosowanie praktyczne (przybory gospodarstwa domowego, naczynia, tkaniny, zabawki, biżuteria itp., a także artystyczna obróbka starych przedmiotów) (meble, ubrania, broń itp.). Podobnie jak w poprzednim zapisie, mistrzowie sztuka i rzemiosło wykorzystuje się szeroką gamę materiałów - metal (srebro, złoto, platyna, brąz, a także różne stopy, drewno, glina, szkło, kamień, tekstylia (naturalne i sztuczne tkaniny) itd.

Wytwarzanie wyrobów z gliny nazywa się ceramiką, z kamieni szlachetnych i metali - biżuterią. sztuka. W procesie tworzenia dzieł sztuki z metalu stosuje się techniki odlewania, kucia, ścigania, grawerowania; tekstylia są dekorowane haftem lub nadrukami (na tkaninę nakłada się malowaną drewnianą lub miedzianą tablicę i uderza specjalnym młotkiem, uzyskując nadruk); obiekty drewniane - rzeźby, intarsje i kolorowe obrazy. Malowanie naczyń ceramicznych nazywa się malowaniem waz.

Wyroby artystyczne są ściśle związane ze sposobem życia i obyczajami danej epoki, ludzie lub grupa społeczna (szlachta, chłopi itp.). Już prymitywni rzemieślnicy dekorowali naczynia wzorami i rzeźbami, wykonywali prymitywne ozdoby z kłów zwierząt, muszli i kamieni. Obiekty te ucieleśniały idee starożytnych ludzi na temat piękna, struktury świata i miejsca w nim człowieka.

Tradycje starożytne sztuka nadal pojawiają się w folklorze i produktach rękodzieło.

W związku z powyższym zwracamy uwagę na główne punkty. Zatem termin sztuka i rzemiosło warunkowo łączy dwa rozległe rodzaje sztuka: dekoracyjne i stosowane. W przeciwieństwie do dzieł grzywny sztuka przeznaczone do przyjemności estetycznej i odnoszące się do czystości sztuka, liczne przejawy dekoracyjny- Sztuka użytkowa ma głównie praktyczne zastosowanie w życiu codziennym. Jest to cecha charakterystyczna tego gatunku. sztuka.

Dzieła sztuki sztuka i rzemiosło mieć pewne cechy: jakość estetyczna, zaprojektowana z myślą o efekcie artystycznym i służąca do dekoracji życia codziennego i wnętrz.

Rodzaje sztuka dekoracyjna: szycie, dzianie, wypalanie, tkanie dywanów, tkanie, haftowanie, obróbka skóry artystycznej, patchwork (szycie z patchworku, rzeźbienie artystyczne, rysowanie itp. Z kolei należy zaznaczyć, że niektóre rodzaje sztuka i rzemiosło podlegają własnej klasyfikacji. Na przykład spalanie to rysowanie wzoru na powierzchni jakiegoś materiału organicznego za pomocą gorącej igły i Zdarza się: wypalanie drewna, wypalanie tkanin (gilosz, wykonywanie aplikacji poprzez wypalanie specjalną aparaturą, tłoczenie na gorąco).

2. Kultura ludowa

Wcześniej podana została już definicja tego pojęcia. Kultura ludowa. Powtarzam kultura ludowa jest kulturą tradycyjną, co zawiera kulturalny warstwy różnych epok – od starożytności po współczesność, których tematem jest ludzie- osobowość zbiorowa, co oznacza zjednoczenie wszystkich jednostek kolektywu przez wspólnotę kulturalny powiązania i mechanizmy życiowej aktywności. Ten kultura niepiśmienna, dlatego też tradycja ma w niej ogromne znaczenie, jako sposób przekazywania istotnych dla społeczeństwa informacji. Definicja ta jest dość pojemna, ale nie jedyna. Sięgnijmy do innych źródeł.

Pod kultura rozumieć działalność człowieka w jej najróżniejszych przejawach, w tym wszelkie formy i metody ludzkiego wyrażania siebie i samowiedzy, akumulację umiejętności i zdolności przez osobę i społeczeństwo jako całość. kultura to zespół trwałych form działalności człowieka, bez których nie może ona być reprodukowana, a co za tym idzie – istnieć. Kultura to zbiór kodów które nakazują osobie określone zachowanie z jej nieodłącznymi doświadczeniami i myślami, wywierając w ten sposób na nią wpływ kierowniczy. źródło pochodzenia kultura myśl o działalności człowieka.

Koncepcja " ludzie„w językach rosyjskim i europejskim to populacja, zbiór jednostek. Ponadto ludzie rozumiana jest jako wspólnota ludzi, którzy urzeczywistnili się jako wspólnota etniczna lub terytorialna, klasa społeczna, grupa, reprezentująca czasami całe społeczeństwo, na przykład w jakimś decydującym momencie historycznym (wojny narodowo-wyzwoleńcze, rewolucje, odbudowa kraju, i tak dalej, mając podobne (ogólny) przekonania, przekonania lub ideały.

Społeczność ta pełni rolę podmiotu i nośnika szczególnej całości kultura różniącej się wizją świata, sposobami ucieleśnienia w różnych formach folkloru i kierunkami bliskimi folklorowi praktyki kulturowe co często sięga starożytności. W odległej przeszłości jej nosicielem była cała społeczność (klan, plemię, później etnos). (ludzie) .

W przeszłości, Kultura ludowa określał i utrwalał wszystkie aspekty życia, zwyczaje, rytuały, regulował relacje między członkami społeczności, typ rodziny, wychowanie dzieci, charakter mieszkania, sposoby panowania nad otaczającą przestrzenią, rodzaj ubioru, stosunek do natury, świata, legend, wierzeń, języka, twórczości artystycznej. Inaczej mówiąc, określano, kiedy siać zboże i zbierać plony, wypędzać bydło, jak budować relacje w rodzinie, w społeczności i tak dalej. Obecnie, w okresie komplikacji stosunków społecznych, pojawiło się wiele dużych i małych grup społecznych o charakterze formalnym i nieformalnym, nastąpiło rozwarstwienie stosunków społecznych i społecznych praktyki kulturowe, Kultura ludowa stał się jednym z elementów nowoczesnej wielowarstwowości kultura.

W twórczość kultury ludowej anonimowa, ponieważ nie realizuje się osobistego autorstwa i niezmiennie dominuje wyznaczenie celu, jakim jest wzorowanie się na modelu przejętym od poprzednich pokoleń. Cała społeczność jest niejako „właścicielem” tego modelu, a jednostka (narrator, mistrz rzemieślniczy, nawet bardzo zręczny, postrzega wzorce, standardy odziedziczone od przodków, utożsamia się ze wspólnotą, ma świadomość swojej przynależności do kultura miejsca, etnos, subetnos.

Manifestacje Kultura ludowa to identyfikacja siebie ze swoim ludzie, jego tradycje w stereotypach zachowań i działań społecznych, codziennych wyobrażeniach, wyborach kulturalny standardy i normy społeczne, orientacje na określone formy wypoczynku, amatorską praktykę artystyczną i twórczą.

Ważna jakość Kultura ludowa we wszystkich okresach jest tradycyjny. Tradycyjność wyznacza treść wartościowo-normatywną i semantyczną Kultura ludowa, społeczne mechanizmy jego przenoszenia, dziedziczenie w natychmiastowy twarzą w twarz, mistrz z uczniem, z pokolenia na pokolenie.

Zatem, kultura ludowa to kultura, tworzone na przestrzeni tysiącleci, drogą doboru naturalnego, przez anonimowych twórców – ludzi pracy, przedstawicieli ludzie którzy nie mają wykształcenia specjalnego i zawodowego. Kultura ludowa jest: religijne (chrześcijańskie, moralne, domowe, pracy, zdrowia, gier, rozrywki podsystemy kulturowe. Ten kultura zapisane w folklorze rzemiosło ludowe istnieje w zwyczajach i sposobie życia, w dekoracji domu, w tańcu, pieśni, ubiorze, w naturze żywienia i edukacji dzieci(pedagogika ludowa) .Kultura ludowa jest podstawą narodowości kultura, pedagogika, charakter, samoświadomość. Zapoznanie dzieci z korzeniami kultury ludowej oznacza zachowanie tradycji ludzie, ciągłość pokoleń, rozwój jego ducha.

3. Sposoby zapoznawania dzieci z kulturą ludową.

Ze względu na specyfikę wieku, np komunia do którejkolwiek umiejętności wymaga specjalnego podejścia. Zasadniczo używa się do tego gry, ponieważ jest ona najbardziej interesująca dla dzieci. Podczas zabawy dzieci interesują się tematem, co pozwala im odkryć najważniejsze elementy bez narzucania ich dziecku, ale łatwo i bez przymusu. Gry są wybierane pod kątem niesienia przydatnych informacji na ich temat. kultura ludu, na terytorium którego mieszka, lub ten, o którym musisz opowiedzieć. Podczas gry opowiedz o funkcjach narodowości, można je również uwzględnić w regułach. Możesz na przykład zorganizować grę konkurs: kto dostrzeże więcej szczegółów, kto wymieni bardziej znajome kolory, odcienie lub przedmioty przedstawione na obrazku i tak dalej. Taka zabawa pobudza aktywność poznawczą, rozwija u dzieci spostrzegawczość, uczy formułowania i wyrażania myśli.

Oprócz gry istnieje możliwość rysowania, malowania. Malarstwo pejzażowe to jeden z najbardziej lirycznych i emocjonalnych gatunków sztuk pięknych. sztuka to najwyższy etap artystycznego rozwoju przyrody, inspirująco i w przenośni odtwarzający jej piękno. Gatunek ten przyczynia się do rozwoju emocjonalnego i estetycznego dzieci, budzi życzliwy i ostrożny stosunek do przyrody, jej piękna, budzi szczere uczucie miłości do własnej ziemi, swojej historii. Malarstwo pejzażowe rozwija wyobraźnię i myślenie skojarzeniowe dziecka, sferę zmysłową, emocjonalną, głębię, świadomość i wszechstronność postrzegania przyrody i jej obrazu w dziełach sztuka, umiejętność wczucia się w artystyczny obraz krajobrazu, umiejętność powiązania swojego nastroju z własnym.

Identyfikacja zdolności dzieci a ich prawidłowy rozwój jest jednym z najważniejszych zadań pedagogicznych. I należy to podjąć, biorąc pod uwagę wiek. dzieci, rozwój psychofizyczny, warunki wychowania i inne czynniki. Rozwój umiejętności w dzieci do sztuk pięknych tylko wtedy przyniesie to owoce, gdy nauka rysunku będzie prowadzona przez nauczyciela systematycznie i systematycznie. W przeciwnym razie rozwój ten będzie przebiegał losowo, a zdolności wzrokowe dziecka mogą pozostać w powijakach.

Dzieci uwielbiają próbować nowych rzeczy. Ważne jest, aby nie zepsuć stosunku dziecka do kreatywności, ponieważ może to wpłynąć na jego przyszłe życie. Trzeba pozwolić mu ujawnić swoje możliwości i nie karcić, jeśli coś nie wyjdzie. W końcu ludzie mają to od dzieciństwa preferencje: kto lubi rysować, ktoś odnajdzie się w muzyce, inni zostaną humanitarystami. Mając to na uwadze, należy stosować różne metody nauczania dzieci tak, aby sami określili, co im się podoba, w przeciwnym razie w przyszłości przy wyborze zawodu decydujące będą czynniki narzucone z zewnątrz, a nie to, co jest naprawdę interesujące i czemu warto poświęcić swoje życie. Zdobądź pełną kwotę fundusze i sposobów przedstawiania składających się na umiejętność czytania i pisania, dziecko nie może tego zrobić. Znajomość nauczyciela na temat cech ekspresyjnych środki każdej sztuki pomagają ustalić które z nich dziecko może zrealizować i opanować, a które są dla niego niedostępne.

Zatem głównym celem rozwoju edukacji przedszkolnej jest kształtowanie osobowości dziecka, rozwój jego zdolności twórczych. Na zajęciach z dziećmi głównym zadaniem nauczyciela jest zwrócenie ich uwagi na obraz, rzeźba lub inną pracę i zatrzymaj ją. Dzieci chętniej zainteresują się obrazami, jeśli nauczycielowi uda się rozbudzić w nich wyobraźnię, włączyć dzieci do zabawy. Możesz na przykład poprosić ich, aby wyobrazili sobie siebie na miejscu postaci na obrazku, omówili, co każdy z nich zrobiłby na miejscu przedstawionej postaci, jakich emocji doświadczył, jakimi słowami opisałby swój stan. Ogólnie rzecz biorąc, poproś dziecko, aby opowiedziało o sobie w przedstawionej sytuacji.

Wniosek

Zapoznanie dzieci ze sztuką i rękodziełem Jest to znajomość tradycyjnych artykułów gospodarstwa domowego. Dzieci uczą się, jak i do czego używano tej lub innej rzeczy, próbują same z niej korzystać. Ponadto zachęca się dzieci do rozważenia wzory dekoracyjne, wyjaśnia symboliczne znaczenie poszczególnych elementów ozdoby. Ważne jest, aby zwrócić uwagę dziecka na powtarzalność wzorów i poszczególnych elementów na różnych przedmiotach oraz powiedzieć, jakie tradycyjne sposoby ozdabiania rzeczy są nieodłączne w różnych regionach Rosji.

Na zajęciach, które skupiają się na tradycji rękodzieło dzieci poznają podstawowe zasady konstruowania ozdoby, uczą się prawidłowego wykonywania powtarzających się elementów. Próbkami do modelowania i malowania dla dzieci mogą być tradycyjne naczynia, zabawki i inne artykuły gospodarstwa domowego.

W celu zapoznawanie dzieci ze sztuką wykorzystywane są zajęcia poznawcze i twórcze, polegające na odwiedzaniu różnorodnych wystaw malarstwa, rzeźby, sztuka ludowa i tak dalej. Wycieczki z przewodnikiem są dostępne, ale są zamierzone dzieci powyżej pięciu lat. Eksponaty wystawowe, których oglądanie towarzyszy objaśnieniom przewodnika, ugruntowują wiedzę i umiejętności zdobyte na zajęciach z edukacji estetycznej.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa jest w bliskim związku z Kultura ludowa. Ten typ sztuka ucieleśnia kulturę ludową. Używając sztuki i rzemiosła, można studiować kulturę ludową.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa zawiera mnóstwo przydatnych informacji dzieci w procesie studiowania historii własnego lub innego kraju, narodu czy społeczności. Jak sposób na zapoznanie się z kulturą ludową, sztuką zdobniczą i użytkową jest jednym z najbardziej skutecznych i interesujących.

Zdolność do kreatywności jest wrodzona genetycznie. Sztuka powstała w wyniku naturalnej ludzkiej potrzeby piękna, w zmysłowej satysfakcji z tego, co zostało stworzone lub widziane.
Za najstarszą formę działalności artystycznej uważa się sztukę dekoracyjną i użytkową (DPI). Ludzie od zawsze starali się ozdabiać siebie, swoje domy i przedmioty, których używali.Z najpopularniejszych materiałów – kamienia, metalu, drewna, gliny – tworzyli prawdziwe dzieła sztuki, które wyrażały emocjonalne i estetyczne postrzeganie otaczającego świata przez ludzi. gospodarz.

Wszystkie dzieła DPI można podzielić na dwie grupy. Do pierwszej zaliczają się artykuły gospodarstwa domowego (odzież, różne sprzęty, naczynia, meble, tkaniny), gdzie piękno przedmiotu nierozerwalnie wiąże się z jego użytecznością.

Drugą grupę reprezentują przedmioty dekoracyjne, tutaj możliwa jest bardziej swobodna interpretacja środków wyrazu, są to panele, wazony dekoracyjne, pamiątki itp.

Szczególne miejsce zajmują dekoracyjne posągi, gobeliny, mozaiki, panele, które mogą być zarówno środkiem dekoracji otoczenia architektonicznego, jak i samodzielnymi dziełami.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa ma bezpośredni związek z codziennymi potrzebami człowieka, ma własne środki wyrazu. Ludzkość przez całe życie jest zaangażowana w różnorodne zajęcia: życie domowe, sport, kreatywność, szeroki zakres funkcji społecznych, zawodowych, religijnych itp. Istnieje ogromna liczba różnych artykułów gospodarstwa domowego, rzeczy, które pomagają osobie wykonywać różne czynności. Wiele z nich jest związanych z dziedziną DPI. Przedmioty takie są wykonane z różnych materiałów i można zastosować różne techniki wykonania. Biorąc pod uwagę ważną rolę zasady konstrukcyjno-technologicznej w sztuce i rzemiośle oraz jej bezpośredni związek z produkcją, prace DPI są klasyfikowane według cech funkcjonalnych wykorzystania obiektów DPI, według przynależności do różnych rodzajów materiałów i technologia produkcji.

Klasyfikacja DPI według cech funkcjonalnych zastosowania.

Biżuteria.

Biżuteria.

Biżuteria wykonana z materiałów naturalnych.

Oświetlenie.

Przedmioty do dekoracji wnętrz itp.

Rodzaje DPI według technologii wykonania.

Tkanie dywanów.

Tkactwo.

Malowanie artystyczne jajek.

Produkcja wyrobów szklanych.

Garncarstwo.

Artystyczna obróbka metalu.

Wytynanka.

Tkanie winorośli.

Florystyka.

Malarstwo ludowe.

Artystyczna obróbka kości itp.

Klasyfikacja według materiałów.
Tkaniny artystyczne.

Tkaniny artystyczne.

Ceramika artystyczna.

Szkło artystyczne.

Metal artystyczny.

Artystyczna obróbka drewna (rzeźbienie, stolarstwo, bednarstwo).

Artystyczna obróbka skóry.

Rodzaje DPI zostaną omówione bardziej szczegółowo w kolejnych artykułach.

Zgodnie z metodą wytwarzania obiektów nowoczesnego DPI występują w dwóch postaciach: przemysłowej i rzemieślniczej.

Społeczny podział pracy na etapie manufaktury, rozwój przemysłu doprowadził do tego, że użyteczność i piękno, przeznaczenie i konstrukcja wytwarzanych produktów stały się prerogatywą różnych specjalistów.

Z biegiem czasu powstaje przemysł artystyczny - maszynowa produkcja wyrobów dekoracyjnych i użytkowych, którymi ozdabiają budynki mieszkalne i użyteczności publicznej, przedmioty użytku domowego. W naszych czasach, oprócz rzemiosła artystycznego, masową produkcję dzieł sztuki zapewniają specjalne przedsiębiorstwa przemysłu artystycznego.

Wyroby rzemiosła profesjonalnego i ludowego są pod wieloma względami podobne, ale są też różnice. Twórca ludowy wykonuje swoje prace głównie ręcznie. Mistrz potrafi pracować zarówno samodzielnie, jak i w zespole. Rękodzieło nie jest produkowane masowo. Nawet jeśli twórcy ludowi w warsztacie wytwarzają serię produktów, to jednak każdy przedmiot jest indywidualny.

Dzieła DPI powstające w przedsiębiorstwach przemysłu artystycznego lub w warsztatach powstają zwykle w masowym nakładzie. Standaryzacja nakłada pewne ograniczenia na twórczość artystów, upodabnia rzeczy, przedmioty. Ponadto specjaliści muszą brać pod uwagę popyt na produkt, jakość materiałów, z których rzecz zostanie wykonana, dostępność sprzętu, niezbędna moc itp. Ale profesjonalni artyści tworzą również oryginalne projekty, które istnieją w jednym egzemplarzu.Jeśli specjalista otrzyma indywidualne zamówienie, jest wolny od ograniczeń i potrafi stworzyć coś tak wyjątkowego, na ile pozwala mu talent twórczy i wymagania klienta.

Organiczna jedność formy przedmiotu, która jasno określa jego przeznaczenie, oraz środki artystyczne i wizualne nadające przedmiotowi piękno, odzwierciedlają kunszt zawodowy autora.

Istnieje również trzeci kierunek w tworzeniu produktów DPI, można to przypisać także formie rzemieślniczej.To ogromna armia wielbicieli twórczej aktywności, robótek ręcznych w życiu codziennym. Są to osoby bez specjalnego wykształcenia, amatorzy, dla których jest to pewien rodzaj sztuki amatorskiej, rodzaj rekreacji, a obecnie możliwość zarobienia dodatkowych pieniędzy.Dzianie, haftowanie, stolarstwo, florystyka, gonitwy, rzeźbienie itp. zajęcia „w domu”, które wprowadzają ludzi w twórczość artystyczną, kształtują gust, wysokie potrzeby artystyczne.

Kreatywność w domu w naszych czasach otrzymała nazwę „handmade”, od angielskiego „handmade” – ręcznie robione i tak też nazywa się proces tworzenia unikalnych produktów.

Moda na rękodzieło przyszła z Zachodu w XXI wieku. Obecnie słowem tym praktycznie określa się wszystko, co twórcze i oryginalne, każde rękodzieło, w które włożona jest cząstka autorskiego ciepła.

„Bądź szczęśliwy, używając mnie” – wygrawerowane na małej srebrnej łyżeczce przez mistrza z odległej epoki rzymskiej. To motto można teraz zastosować do wszystkich rodzajów sztuki użytkowej - niech będą szczęśliwi ludzie, dla których dobro i piękno są nierozłączne.