Był czas, kiedy artystów nie doceniano za ich twórczość. Ale obecnie te osoby są bardzo cenione, niezależnie od tego, czy pochodzą z czasów historycznych, czy żyją. Francuscy malarze są szczególnie szanowani za swoje niesamowite i zachwycające dzieła.
Oto 10 najsłynniejszych i najwybitniejszych francuskich artystów i malarzy. Cofnijmy się w czasie i spójrzmy na to wszystko razem. Proszę cieszyć się!
TOP 10 najsłynniejszych francuskich artystów i malarzy:
10. Paul Gauguin (1848-1903)
Paul Gauguin był francuskim artystą i malarzem czasów postimpresjonistycznych. Wniósł ogromny wkład w rozwój malarstwa awangardowego. Gauguin miał bliskie stosunki z Van Goghem.
9. Vincent Van Gogh (1853-1890)
Vincent Van Gogh należy do okresu postimpresjonistycznego. Jest jednym z najsłynniejszych malarzy i artystów na świecie. Znany ze swojej śmiałości i żywych obrazów Vincent urodził się w Holandii.
8. Kamil Pissarro (1830-1903)
Camille Pissarro należy do epoki impresjonistów i postimpresjonistów. Jest jednym z najbardziej wpływowych i najlepszych malarzy wszechczasów. Pracował nad nowymi i niepowtarzalnymi stylami w swoich obrazach, co mogłoby dać przewagę jego karierze.
7. Edouard Manet (1832-1883)
Edouard Manet jest znany ze swojego wkładu w szkoły realizmu i impresjonizmu. Był wielkim i nowatorskim malarzem. Przekształcił dzieła w kierunku impresjonizmu, aby nadać im nowoczesny wygląd.
6. Eugeniusz Delacroix (1798-1863)
Eugene Delacroix słynie z romantycznych obrazów i dzieł sztuki. Inspirację do tego dzieła czerpał od malarzy weneckiego renesansu i Rubensa.
5. Paul Cézanne (1839-1906)
Paul Cézanne urodził się w XVIII wieku. Niezwykły artysta epoki impresjonizmu. Swoją karierę rozpoczynał od form impresjonistycznych, ale rozwinął się jako artysta nowatorski, tworząc najlepsze dzieła sztuki XIX wieku.
4. Charles-Francois Dabigny (1817-1878)
Charles-François Dabigny to jeden z najsłynniejszych artystów wszechczasów. Wciąż jest pamiętany ze swoich tradycyjnych malarstwa pejzażowego i służy do imponowania innym unikalnymi dziełami sztuki.
3. August Renoir (1841-1919)
August Renoir należy do epoki impresjonizmu. Jest jednym z najsłynniejszych malarzy, który odegrał kluczową rolę w rozwoju twórczości impresjonistycznej.
2. Claude Monet (1840-1926)
Claude Monet jest malarzem impresjonistą. Jest jednym z najbardziej wpływowych malarzy XVIII wieku. Był pod silnym wpływem twórczości licealistów i pojawiły się jego własne prace, takie jak „Impresja”, „Wschód słońca” i inne.
1. Edgar Degas (1834-1917)
Edgar Degas uważany jest za prekursora impresjonizmu. Malował realistyczne aspekty życia ludzkiego. Jego styl pracy był naprawdę wyjątkowy i imponujący.
Francuski artysta Laurent Botella urodził się w 1974 roku w Nantes. Studia malarskie rozpoczął w 1989 roku w pracowni Maithe Rovino w Osson, a następnie przez rok w szkole Beaux Arts w Tuluzie. Zajęcia dotyczyły malarstwa olejnego i pasteli. Jednak podstawą jego twórczości przed i po studiach zawsze były obrazy węglem i ołówkiem.
Krajobrazy. Alaina Lutza
Alain Lutz to współczesny francuski artysta zajmujący się krajobrazem, urodzony w maju 1953 roku w Miluzie we Francji. Widząc jego niewątpliwy talent artystyczny, już w wieku trzynastu lat rodzice podarowali mu pierwsze farby olejne. Przez pewien czas studiował w szkole projektowej Boulle w Paryżu, ale ostatecznie kształcił się na projektanta przemysłowego, a po ukończeniu studiów znalazł pracę na stanowisku starszego technika.
Autoportret. Laurenta Dauptaina
Laurent Dauptain, utalentowany artysta francuski, studiował w szkole artystycznej w Paryżu, ukończył ją w 1981 r., następnie kontynuował naukę w Szkole Sztuk Dekoracyjnych tam w Paryżu, którą ukończył w 1983 r. z tytułem licencjata, a w 1984 r. uzyskał tytuł magistra z malarstwa . Po kilku latach pracy z autoportretami postanowiłam spróbować swoich sił w innych gatunkach, ale mimo to od czasu do czasu wracałam do portretów.
Naiwny styl. Michela Delacroix
Michel Delacroix urodził się w 1933 roku na lewym brzegu Sekwany, w 14. dzielnicy Paryża. Rysować zaczął już w młodym wieku, o ile pamięta, nie miał jeszcze siedmiu lat, jego miłość do rysunku zaczęła się już w czasie okupacji niemieckiej Paryża. Paryż pozostał Paryżem nawet w czasie okupacji i do dziś pojawia się na obrazach Delacroix. Prawie na wszystkich jego obrazach pojawiają się przechodnie, rzadkie samochody i latarnie, miasto na nich, jak wtedy, wygląda na ciche i spokojne, jakby odizolowane od zgiełku i hałasu.
Sposób na odnalezienie siebie. Pascale Taurua
Pascale Taurua urodziła się w 1960 roku w Noumea w Nowej Kaledonii. Ukończyła akademię artystyczną w Papeete na Tahiti. Swój pierwszy obraz namalowała w 1996 roku i od tego czasu zajmuje się malowaniem na pełen etat, prezentując swój własny styl figuratywny. Swoje prace pokazywała niemal we wszystkich krajach regionu Pacyfiku, gdzie jej obrazy cieszą się ogromnym zainteresowaniem i znajdują się w wielu prywatnych kolekcjach sztuki.
Ministrowie potworów. Antoniego Squizzato
Współczesny francuski artysta i ilustrator Anthony Squizzato zaprasza nas na relaks i wyruszenie w podróż na oficjalne spotkanie z bohaterami stworzonego przez niego świata, podczas którego widz będzie mógł osobiście poznać bohaterów jego dzieł – barwnych bohaterów jednego z największy (pod względem liczebności i liczby uczestników) w historii gabinetu ministrów.
Francuską szkołę artystyczną przełomu XVII i XVIII wieku można nazwać wiodącą szkołą europejską, to właśnie we Francji w tym czasie wykształciły się takie style w sztuce, jak rokoko, romantyzm, klasycyzm, realizm, impresjonizm i postimpresjonizm.
Rokoko (francuskie rokoko, od rocaille – motyw dekoracyjny w kształcie muszli) – styl w sztuce europejskiej I połowy XVIII wieku. Rokoko charakteryzuje się hedonizmem, wycofaniem się w świat idyllicznej zabawy teatralnej oraz upodobaniem do tematów duszpasterskich i zmysłowo-erotycznych. Charakter wystroju rokokowego nabrał zdecydowanie eleganckich, wyrafinowanych form.François Boucher, Antoine Watteau i Jean Honoré Fragonard pracowali w stylu rokoko.
Klasycyzm - styl w sztuce europejskiej XVII - początków XIX wieku, którego cechą charakterystyczną było odwoływanie się do form sztuki antycznej jako idealnego standardu estetycznego i etycznego.Jean Baptiste Greuze, Nicolas Poussin, Jean Baptiste Chardin, Jean Dominique Ingres i Jacques-Louis David pracowali w stylu klasycyzmu.
Romantyzm - styl w sztuce europejskiej XVIII-XIX w., którego charakterystycznymi cechami była afirmacja wewnętrznej wartości życia duchowego i twórczego jednostki, ukazywanie silnych i często buntowniczych namiętności i charakterów.Francisco de Goya, Eugene Delacroix, Theodore Gericault i William Blake pracowali w stylu romantyzmu.
|
Edwarda Maneta. Śniadanie w warsztacie. 1868 |
Narodziny realizmu w malarstwie najczęściej kojarzone są z twórczością francuskiego artysty Gustave’a Courbeta, który w 1855 roku otworzył w Paryżu swoją osobistą wystawę „Pawilon realizmu”, chociaż jeszcze przed nim pracowali artyści szkoły Barbizon Theodore Rousseau, Jean- François Millet i Jules Breton pracowali w sposób realistyczny. W latach 70. XIX wieku. realizm podzielono na dwa główne kierunki - naturalizm i impresjonizm.
Malarstwo realistyczne stało się powszechne na całym świecie. Wędrowcy pracowali w stylu realizmu o silnej orientacji społecznej w XIX wieku w Rosji.
Impresjonizm (z francuskiego impresja - impresja) - styl w sztuce ostatniej tercji XIX - początków XX wieku, którego cechą charakterystyczną była chęć jak najbardziej naturalnego uchwycenia realnego świata w jego ruchliwości i zmienności, oddania swojej ulotności wrażenia. Impresjonizm nie poruszał zagadnień filozoficznych, lecz skupiał się na płynności chwili, nastroju i oświetleniu. Tematy impresjonistów stają się samym życiem, jako seria małych wakacji, przyjęć, przyjemnych pikników na łonie natury w przyjaznym otoczeniu. Impresjoniści jako jedni z pierwszych malowali w plenerze, nie kończąc pracy w pracowni.Edgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Georges Seurat, Alfred Sisley i inni pracowali w stylu impresjonizmu.
Postimpresjonizm to styl w sztuce, który pojawił się pod koniec XIX wieku. Postimpresjoniści starali się w sposób swobodny i powszechny przekazać materialność świata, sięgając po dekoracyjną stylizację.Postimpresjonizm dał początek takim ruchom artystycznym, jak ekspresjonizm, symbolizm i modernizm.
Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cezanne i Toulouse-Lautrec pracowali w stylu postimpresjonistycznym.
Przyjrzyjmy się bliżej impresjonizmowi i postimpresjonizmowi na przykładzie twórczości poszczególnych mistrzów Francji w XIX wieku.
|
Edgara Degasa. Autoportret. 1854-1855 |
Zaczynając od obrazów historycznych i portretów o surowej kompozycji, w latach 70. XIX wieku Degas zbliżył się do przedstawicieli impresjonizmu i zaczął przedstawiać współczesne życie miejskie - ulice, kawiarnie, przedstawienia teatralne.
W obrazach Degasa szczegółowo przemyślana i zweryfikowana jest dynamiczna, często asymetryczna kompozycja, precyzyjny, elastyczny rysunek, nieoczekiwane kąty i aktywna interakcja figury z przestrzenią.
|
E. Degasa. Łazienka. 1885 |
Ulubiona technika pasteli pozwoliła Edgarowi Degasowi w pełni wykazać się talentem rysownika. Bogate odcienie i „błyszczące” pociągnięcia pasteli pomogły artyście stworzyć tę szczególną kolorową atmosferę, tę opalizującą lekkość, która tak wyróżnia wszystkie jego prace.
W swoich dojrzałych latach Degas często zwracał się do tematu baletu. Kruche i nieważkie postacie baletnic ukazują się widzowi albo w półmroku zajęć tanecznych, albo w świetle reflektorów na scenie, albo w krótkich minutach odpoczynku. Pozorna przypadkowość kompozycji i bezstronna postawa autora sprawiają wrażenie szpiegowania cudzego życia, artysta ukazuje nam świat wdzięku i piękna, nie popadając w nadmierny sentymentalizm.Edgara Degasa można nazwać subtelnym kolorystą, jego pastele są zaskakująco harmonijne, czasem delikatne i lekkie, czasem zbudowane na ostrych kontrastach kolorystycznych. Styl Degasa wyróżniał się niezwykłą swobodą; pastele stosował odważnymi, łamanymi pociągnięciami, czasami pozostawiając prześwitujący ton papieru lub dodając pociągnięcia olejem lub akwarelą. Kolor na obrazach Degasa wywodzi się z opalizującego blasku, z płynącego strumienia tęczowych linii, które rodzą formę.
Późne prace Degasa wyróżniają się intensywnością i bogactwem koloru, które uzupełniane są efektami sztucznego oświetlenia, powiększonymi, niemal płaskimi formami i ciasną przestrzenią, nadając im intensywnie dramatyczny charakter. W tym
okres Degas napisał jedno ze swoich najlepszych dzieł - „Niebiescy tancerze”. Artysta operuje tu dużymi plamami barwnymi, przywiązując pierwszorzędne znaczenie do dekoracyjnej organizacji powierzchni obrazu. Pod względem piękna harmonii kolorów i kompozycji kompozycyjnej obraz „Niebiescy tancerze” można uznać za najlepsze ucieleśnienie tematu baletu Degasa, który osiągnął w tym obrazie najwyższe bogactwo kombinacji faktur i kolorów.|
PO Renoir. Autoportret. 1875 |
|
PO Renoir. Brodzik dla dzieci. 1869 |
|
PO Renoir. Portret aktorki Zhanny Samari. 1877 |
Należy zauważyć, że użycie odcieni zieleni, żółci, ochry, różu i czerwieni do przedstawienia skóry zszokowało ówczesną publiczność, nieprzygotowaną na dostrzeżenie faktu, że cienie powinny być kolorowe, wypełnione światłem.
XIX wieku rozpoczął się w twórczości Renoira tzw. „okres Ingres”. Najbardziej znanym dziełem tego okresu są „Wielcy kąpiący się”. Aby zbudować kompozycję, Renoir po raz pierwszy zaczął używać szkiców i szkiców, linie rysunku stały się wyraźne i określone, kolory straciły swoją dawną jasność i nasycenie, obraz jako całość zaczął wyglądać bardziej powściągliwie i zimniej.
Na początku lat 90. XIX wieku w sztuce Renoira nastąpiły nowe zmiany. W sposób malarski pojawia się opalizacja koloru, dlatego okres ten nazywany jest czasami „perłowym”, następnie okres ten ustępuje miejsca „czerwonemu”, nazwanemu tak ze względu na upodobanie do odcieni czerwieni i różu.
Eugeniusza Henriego Paula Gauguina (życie 1848-1903) – francuski malarz, rzeźbiarz i grafik. Wraz z Cezanne’em i Van Goghiem był największym przedstawicielem postimpresjonizmu. Malować zaczął już w wieku dorosłym, wczesny okres jego twórczości kojarzony jest z impresjonizmem. Najlepsze dzieła Gauguina powstały na wyspach Tahiti i Hiva Oa w Oceanii, gdzie Gauguin opuścił „złośliwą cywilizację”. Cechą charakterystyczną stylu Gauguina jest tworzenie na dużych, płaskich płótnach statycznych i kontrastujących kompozycji kolorystycznych, głęboko emocjonalnych, a zarazem dekoracyjnych.Na obrazie „Żółty Chrystus” Gauguin przedstawił ukrzyżowanie na tle typowego francuskiego krajobrazu wiejskiego, cierpiącego Jezusa otoczonego przez trzy bretońskie wieśniaczki. Spokój w powietrzu, spokojne, uległe pozy kobiet, krajobraz nasycony słoneczną żółtą barwą z drzewami w czerwonych jesiennych liściach, chłop zajęty swoimi sprawami w oddali, nie mogą nie wejść w konflikt z tym, co dzieje się na krzyżu. Otoczenie ostro kontrastuje z Jezusem, którego twarz ukazuje etap cierpienia graniczący z apatią, obojętnością na wszystko, co Go otacza. Sprzeczność między bezgranicznymi mękami przyjętymi przez Chrystusa a „niedostrzegalnym” charakterem tej ofiary przez ludzi jest głównym tematem tego dzieła Gauguina.
|
P. Gauguina. Czy jesteś zazdrosny? 1892 |
na brzegu dwie siostry - właśnie pływały, a teraz ich ciała są rozciągnięte na piasku w swobodnych, zmysłowych pozach - mówiąc o miłości, jedno wspomnienie wywołuje niezgodę: „Jak? Czy jesteś zazdrosny!".
Malując bujne, pełnokrwiste piękno tropikalnej przyrody, naturalnych ludzi nieskażonych cywilizacją, Gauguin przedstawił utopijne marzenie o ziemskim raju, o życiu człowieka w harmonii z naturą. Polinezyjskie obrazy Gauguina przypominają panele dekoracyjną kolorystyką, płaskością i monumentalnością kompozycji oraz ogólnością stylizowanego projektu.
P. Gauguina. Skąd pochodzimy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy? 1897-1898
Obraz „Skąd przybyliśmy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy?" Gauguin uznał to za wzniosłe zwieńczenie swoich refleksji. Zgodnie z zamysłem artysty obraz należy czytać od prawej do lewej: trzy główne grupy postaci ilustrują postawione w tytule pytania. Grupa kobiet z dzieckiem po prawej stronie obrazu przedstawia początek życia; grupa środkowa symbolizuje codzienną egzystencję dojrzałości; w grupie skrajnie lewicowej Gauguin przedstawił ludzką starość, zbliżającą się do śmierci; niebieski bożek w tle symbolizuje inny świat. Obraz ten jest szczytem innowacyjnego stylu postimpresjonistycznego Gauguina; jego styl łączył wyraźne użycie koloru, dekoracyjną barwę i kompozycję, płaskość i monumentalność obrazu z emocjonalną ekspresją.
Twórczość Gauguina antycypowała wiele cech rodzącego się w tym okresie stylu secesyjnego i wpłynęła na rozwój mistrzów grupy „Nabi” oraz innych malarzy początku XX wieku.
|
V. Van Gogha. Autoportret. 1889 |
W 1888 roku Van Gogh przeniósł się do Arles, gdzie ostatecznie ustalono oryginalność jego stylu twórczego. Ognisty temperament artystyczny, bolesny pęd ku harmonii, pięknie i szczęściu, a jednocześnie strach przed siłami wrogimi człowiekowi, ucieleśniają się bądź w pejzażach mieniących się słonecznymi barwami południa („Żółty dom”, „Żniwa. La Croe Valley”), czy też w złowieszczych, przypominających koszmarne obrazy („Cafe Terrace at Night”); dynamika koloru i pociągnięcia pędzla
|
V. Van Gogha. Taras kawiarni nocnej. 1888 |
Intensywnej pracy Van Gogha w ostatnich latach towarzyszyły napady chorób psychicznych, które doprowadziły go do szpitala psychiatrycznego w Arles, następnie do Saint-Rémy (1889–1890) i do Auvers-sur-Oise (1890), gdzie popełnił samobójstwo . Twórczość ostatnich dwóch lat życia artysty naznaczona jest ekstatyczną obsesją, niezwykle wzmożoną ekspresją zestawień kolorystycznych, nagłymi zmianami nastroju – od szaleńczej rozpaczy i ponurej wizjonerstwa („Droga z cyprysami i gwiazdami”) po drżące poczucie oświecenia i spokój („Krajobraz Auvers po deszczu”).
|
V. Van Gogha. Irysy. 1889 |
V. Van Gogha. Pole pszenicy z wronami. 1890
„Pole pszenicy z wronami” to obraz Van Gogha, namalowany przez artystę w lipcu 1890 roku i jest jednym z jego najsłynniejszych dzieł. Obraz został podobno ukończony 10 lipca 1890 roku, 19 dni przed jego śmiercią w Auvers-sur-Oise. Istnieje wersja, w której Van Gogh popełnił samobójstwo w trakcie malowania tego obrazu (wychodząc na zewnątrz z materiałami do malowania, strzelił sobie w okolicę serca z pistoletu zakupionego do odstraszania stad ptaków, po czym samodzielnie dotarł do szpitalu, gdzie zmarł z powodu utraty krwi).
Sztuka i projektowanie
7404
24.09.15 01:41
„Tak mała, że jest wyraźnie przereklamowana!” – jęczą niektórzy turyści, którzy specjalnie przyjechali do Luwru, aby zobaczyć miejscową świątynię, Mona Lisę… Luwr to Luwr, ale nie powinniśmy zapominać, że wielu znanych malarzy urodziło się we Francji samo. Wybierzmy się na krótką wycieczkę w przeszłość tego kraju i przypomnijmy sobie najlepszych francuskich artystów.
Najlepsi francuscy artyści
Wielki klasycysta
Urodzony pod koniec XVI wieku Nicolas Poussin z entuzjazmem przyjął techniki mistrzów wysokiego renesansu, m.in. autora Giocondy da Vinci i Rafaela. Na jego obrazach często pojawiają się postacie biblijne i tematyka mitologiczna (nawet cykl pejzaży poświęconych porom roku, inspirowany Biblią). U początków klasycyzmu stał Norman Poussin, którego wkładu w sztukę francuską nie można przecenić. W naszej Ermitażu przechowywany jest jego obraz „Odpoczynek w drodze do Egiptu”.
Piosenkarz epoki waleczności
Antoine Watteau, urodzony prawie dwie dekady po śmierci Poussina, zdecydowanie królował na „Olympusie” francuskich artystów. W jego czasach nie było w Europie malarza, który mógłby mu konkurować umiejętnościami. Żył tylko 36 lat, ale udało mu się pozostawić wiele arcydzieł. Codzienne sceny, pejzaże i portrety Watteau są urocze i eleganckie, nazywa się go prekursorem stylu rokoko. Aby wstąpić do Akademii Sztuk Pięknych, młody człowiek namalował dwie wersje obrazu „Pielgrzymka na wyspę Cythera” (jedna przechowywana jest w Berlinie, druga w Luwrze w Paryżu). Do Ermitażu nabyto kilka dzieł francuskiego artysty, w tym obraz „Aktorzy komedii francuskiej”.
Utalentowany pejzażysta
We Włoszech przez długi czas pracował pierwszorzędny malarz marynistyczny i pejzażowy Claude Joseph Vernet. Wybrzeże Neapolu i potężny Tyber odcisnęły piętno na jego twórczości. W zbiorach Luwru znajdują się „Widok na most i Zamek Świętego Anioła” oraz „Widok Neapolu z Wezuwiuszem”, a w Ermitażu eksponaty „Skały nad brzegiem morza”, „Poranek w Castellamare” i kilka innych arcydzieł mistrza.
Romantyczni koledzy
Przedstawiciel nurtu romantycznego w sztuce Eugene Delacroix urodził się na przełomie XVIII i XIX wieku i otrzymał dobre wykształcenie. Uwielbiał kopiować arcydzieła dawnych mistrzów i na nich doskonalił swoją sztukę. Eugene przyjaźnił się z Alexandrem Dumasem i podziwiał dzieła Géricaulta. Do najsłynniejszych obrazów Delacroix (często wybierał tematykę historyczną) należą „Wolność na barykadach” i „Śmierć Sardanapala”.
Inny romantyk, Theodore Gericault, był zaledwie kilka lat starszy od Delacroix, ale był dla swojego kolegi wielkim autorytetem. Niestety los dał mu bardzo krótkie życie – w wieku 32 lat malarz spadł z konia i zginął. Theodore wolał sceny batalistyczne na dużą skalę, naśladował Rubensa, będąc zagorzałym wielbicielem Fleminga. Nawet jeśli nie słyszałeś nazwiska tego francuskiego artysty, prawdopodobnie widziałeś reprodukcje arcydzieła Géricaulta „Tratwa Meduzy” (dzieło to jest dumą Luwru).
Wieczny wędrowiec
Eugene Henri Paul Gauguin jest wśród nas bardziej znany. Postimpresjonista widział początek XX wieku, ale zmarł dość wcześnie: zmarł w 1903 roku w Polinezji Francuskiej w wieku 54 lat. Mówią, że geniusz zniszczyły choroby (najgorsza z nich to nieuleczalny trąd). W młodości dużo podróżował: Paweł służył jako prosty marynarz na okręcie wojennym i był strażakiem na statkach floty handlowej. Wrażenia te oczywiście znalazły odzwierciedlenie w twórczości malarza. Prawie poświęcił swoje życie pośrednictwu, ale w porę zatrzymał się i poświęcił się kreatywności. Nawet niewtajemniczeni ludzie znają żywe obrazy Gauguina, na przykład „Kobieta trzymająca owoc”.
Latające sylwetki
Każdy z Was słyszał wyrażenie „Degas Ballerinas”. Ten francuski artysta rzeczywiście czerpał inspirację ze szkół baletowych i prób. Jego jasnymi pastelowymi pociągnięciami udało się uchwycić wdzięczne, lekkie przechylenie głowy, piruety, ukłony, skoki - widzimy to w impresjonistycznych obrazach „Lekcja tańca” czy „Niebiescy tancerze”. Powszechnie znane są także jego sceny z życia codziennego: „Absynt”, „Prasownice”.
Ojciec impresjonizmu
Inny klasyk malarstwa europejskiego, Edouard Manet (jeden z „ojców” impresjonizmu), podobnie jak Degas, uwielbiał przedstawiać życie mieszkańców miast: ich spacery po ogrodzie czy pikniki na łonie natury. Jego portrety wyróżniają się prostotą i prostotą, a pod koniec życia nagle zainteresował się martwymi naturami. „Olimpia”, „Kolej”, „Śniadanie na trawie” uznawane są za arcydzieła światowej klasy.
Sentymentalny i perłowy
Ulubionym gatunkiem Pierre'a Auguste'a Renoira był portret. Towarzyskie prymitywki, młode niewinne panny, zakochane pary ożywają pod pewnymi pociągnięciami pędzla mistrza. Zaczynając jako impresjonista, Pierre stopniowo rozczarował się nim i dołączył do klasycystów. Jego sztuka jest sentymentalna i perłowa. Spójrz na „Dziewczyny przy fortepianie” lub „Wiosenny bukiet”, płótna wydają się świecić od wewnątrz.
Albo chłop, albo myśliciel...
Paul Cézanne, ze swoimi sylwetkami na portretach pozornie wykutymi z kamienia i lekko „rozmazanymi” pejzażami, jest wybitnym przedstawicielem postimpresjonizmu. Zarówno w pracy, jak i w życiu był skąpy w emocjach, lakoniczny i niezbyt emocjonalny - było w nim coś z chłopa, coś z naukowca-myśliciela. Co ciekawe, to właśnie jego arcydzieło „Gracze w karty” jest jednym z najdroższych obrazów świata (w 2012 roku został zakupiony do kolekcji emira Kataru za 250 milionów dolarów).
Zły los arystokraty
Ostatni na naszej liście najlepszych francuskich artystów jest biedny Henri Marie Raymond de Toulouse Lautrec. Dlaczego biedny facet? Tak, należał do starożytnej rodziny hrabiowskiej, ale w wieku 13 i 14 lat młodemu człowiekowi udało się najpierw złamać kość udową jednej nogi, potem drugiej, przez co przestały rosnąć. Henri pozostał niepełnosprawnym półkarłem. Niemożność zrobienia kariery wojskowej zszokowała całą rodzinę, a sam Henri został zmuszony do zajęcia się malarstwem. Uczył się u mistrzów (bardzo lubił twórczość Degasa i Cezanne’a), a po przybyciu do Paryża stał się bywalcem kabaretów i pubów, popadł w alkoholizm, zaraził się syfilisem i zmarł w wieku 37. Jego grafiki i obrazy zyskały uznanie po jego śmierci. Portrety artystów i prostytutek z Moulin Rouge, do usług których Toulouse Lautrec zmuszony był się zwrócić, uważane są dziś za arcydzieła.
