Wykład
Gatunki symfoniczne
Historia narodzin symfonii jako gatunku
Historia symfonii jako gatunku sięga około dwóch i pół wieku.
U schyłku średniowiecza we Włoszech podjęto próbę wskrzeszenia dramatu starożytnego. Zapoczątkowało to zupełnie inny rodzaj sztuki muzyczno-teatralnej – operę.
We wczesnej operze europejskiej chór nie odgrywał tak istotnej roli jak śpiewacy solowi wraz z towarzyszącą mu grupą instrumentalistów.Aby nie zakłócać widzowi widoku na artystów występujących na scenie, orkiestrę umieszczono w specjalnej wnęce pomiędzy stoiskami a sceną. Najpierw to miejsce nazywano „orkiestrą”, a potem samych wykonawców.
SYMFONIA(Grecki) - współbrzmienie. W okresie od XVI-XVIII w. to pojęcie oznaczało „eufoniczne połączenie dźwięków”, „harmonijny śpiew chóralny” i „polifoniczne dzieło muzyczne”.
« Symfonie” zwany orkiestrowe przerwy pomiędzy aktami opery. « Orkiestry„(starożytna greka) nazywano tereny przed sceną teatralną, gdzie pierwotnie mieścił się chór.
Dopiero w latach 30., 40. W XVIII wieku ukształtował się niezależny gatunek orkiestrowy, który zaczęto nazywać symfonią.
Nowym gatunkiem był utwór składający się z kilku części (cyklu), przy czym część pierwsza, zawierająca główny sens utworu, z pewnością musi odpowiadać „formie sonatowej”.
Miejscem narodzin orkiestry symfonicznej jest miasto Mannheim. Tutaj, w kaplicy miejscowego elektora, powstała orkiestra, której sztuka wywarła ogromny wpływ na twórczość orkiestrową i na cały dalszy rozwój muzyki symfonicznej.
« Ta niezwykła orkiestra ma mnóstwo przestrzeni i krawędzi– napisał słynny historyk muzyki Charles Burney. Tutaj wykorzystano efekty, jakie może wytworzyć taka masa dźwięków: to tutaj narodziło się „crescendo”, „diminuendo”, oraz „piano”, które wcześniej służyło głównie jako echo i było z nim zwykle synonimem, oraz „ forte” zostały uznane za kolory muzyczne, mające swoje odcienie, jak czerwień czy błękit w malarstwie…”
Jednymi z pierwszych kompozytorów zajmujących się gatunkiem symfonicznym byli:
Włoski – Giovanni Sammartini, francuski – Francois Gossec i czeski kompozytor – Jan Stamitz.
Mimo to Joseph Haydn uważany jest za twórcę klasycznego gatunku symfonii. Jest właścicielem pierwszych znakomitych przykładów sonaty klawiszowej, tria smyczkowego i kwartetu. To właśnie w twórczości Haydna narodził się, ukształtował i przyjął swój ostateczny, jak dziś mówimy, klasyczny kształt, gatunek symfonii.
I.Haydn i W.Mozart podsumowali i stworzyli w twórczości symfonicznej wszystko, co najlepsze, w co bogata była przed nimi muzyka orkiestrowa. Jednocześnie symfonie Haydna i Mozarta otworzyły naprawdę niewyczerpane możliwości dla nowego gatunku. Pierwsze symfonie tych kompozytorów projektowano na małą orkiestrę. Ale później I. Haydn rozwija orkiestrę nie tylko ilościowo, ale także poprzez zastosowanie wyrazistych kombinacji brzmieniowych instrumentów, które odpowiadają tylko jednemu z jego planów.
Jest to sztuka instrumentacji lub orkiestracji.
Orkiestracja- to żywy akt twórczy, projekt muzycznych pomysłów kompozytora. Instrumentacja to kreatywność – jeden z aspektów duszy samej kompozycji.
W okresie twórczości Beethovena ukształtował się ostatecznie klasyczny skład orkiestry, na który składały się:
Smyczki,
Sparowana kompozycja instrumentów drewnianych,
2 (czasem 3-4) rogi,
2 kotły. Ta kompozycja nazywa się mały.
G. Berlioz i R. Wagner starali się zwiększyć skalę brzmienia orkiestry, zwiększając 3-4-krotnie kompozycję.
Szczytem radzieckiej muzyki symfonicznej było dzieło S. Prokofiewa i D. Szostakowicza.
Symfonia... Porównywany jest do powieści i opowiadania, epopei filmowej i dramatu, malowniczego fresku. Oznaczający Wszystkie te analogie są jasne. W tym gatunku można wyrazić to, co ważne, czasem najważniejsze, dla czego istnieje sztuka, dla czego człowiek żyje w świecie - pragnienie szczęścia, światła, sprawiedliwości i przyjaźni.
Symfonia to utwór muzyczny na orkiestrę symfoniczną, napisany w formie cyklicznej sonatowej. Zwykle składa się z 4 części, wyrażających złożone przemyślenia artystyczne na temat ludzkiego życia, ludzkich cierpień i radości, aspiracji i impulsów. Istnieją symfonie o większej i mniejszej liczbie części, do jednej części.
Aby poprawić efekty dźwiękowe, czasami symfonie obejmują chór i wokal solowy. Istnieją symfonie na orkiestry smyczkowe, kameralne, duchowe i inne, na orkiestrę z instrumentem solowym, organy, chór i zespół wokalny... . Cztery części symfonie wyrażają typowe kontrasty stanów życiowych: obrazy dramatycznych zmagań (część pierwsza), epizody humorystyczne lub taneczne (menuet lub scherzo), wzniosłą kontemplację (część powolna) oraz uroczysty lub ludowy finał taneczny.
Muzyka symfoniczna to muzyka przeznaczona do wykonywania przez orkiestrę symfoniczną
orkiestra; najbardziej znacząca i bogata dziedzina muzyki instrumentalnej,
obejmujące duże, wieloczęściowe dzieła, bogate w złożoną ideologię
treści emocjonalne i małe utwory muzyczne.Głównym tematem muzyki symfonicznej jest temat miłości i temat wrogości.
Orkiestra symfoniczna,
łącząc różnorodne instrumenty, zapewnia bogatą paletę
kolory dźwiękowe, środki wyrazu.
Dużą popularnością nadal cieszą się dzieła symfoniczne: III Symfonia L. Beethovena („Eroiczna”), Nr 5, Uwertura „Egmont”;
P. Czajkowski Symfonia nr 4, nr 6, Uwertura „Romeo i Julia”, koncerty (fokus,
VII Symfonia S. Prokofiewa
I. Strawiński fragmenty z baletu „Pietruszka”
Symfojazz J. Gershwina „Błękitna rapsodia”
Muzyka na orkiestrę rozwijała się w ciągłym współdziałaniu z innymi rodzajami sztuki muzycznej: muzyką kameralną, muzyką organową, muzyką chóralną, muzyką operową.
Gatunki charakterystyczne XVII-XVIII w.: suita, koncert- zespół-orkiestra, uwertura próbka opery. Rodzaje apartamentów z XVIII wieku: rozrywka, serenada, nokturn.
Potężny rozwój muzyki symfonicznej wiąże się z promocją symfonii, jej rozwojem jako cyklicznej formy sonatowej i doskonaleniem klasycznego typu orkiestry symfonicznej. Często zaczęto wprowadzać do symfonii i innych rodzajów muzyki symfonicznej chór i wokal solowy. Wzmocniła się zasada symfoniczna w dziełach wokalnych i orkiestrowych, operze i balecie. Gatunki muzyki symfonicznej obejmują również symfonietta, wariacje symfoniczne, fantasy, rapsodia, legenda, capriccio, scherzo, składanka, marsz, różne tańce, różne miniatury itp. W repertuarze symfonicznym koncertu znajdują się także m.in indywidualne fragmenty orkiestrowe z oper, baletów, dramatów, sztuk teatralnych, filmów.
Muzyka symfoniczna XIX wieku. ucieleśniał ogromny świat idei i emocji. Odzwierciedla szeroką tematykę społeczną, najgłębsze przeżycia, obrazy natury, życia codziennego i fantazji, postaci narodowych, obrazy sztuk przestrzennych, poezję i folklor.
Istnieją różne rodzaje orkiestr:
Orkiestra wojskowa (składająca się z instrumentów dętych – dętych blaszanych i drewnianych)
Orkiestra smyczkowa:.
Orkiestra symfoniczna ma największy skład i najbogatsze możliwości; przeznaczony do koncertowego wykonywania muzyki orkiestrowej. Orkiestra symfoniczna w swojej nowoczesnej formie nie powstała od razu, ale w wyniku długiego procesu historycznego.
Koncertowa orkiestra symfoniczna, w odróżnieniu od orkiestry operowej, umiejscowiona jest bezpośrednio na scenie i znajduje się stale w polu widzenia publiczności.
Ze względu na tradycje historyczne orkiestry symfoniczne koncertowe i operowe od dawna różniły się składem, obecnie jednak różnica ta prawie zanikła.
Całkowita liczba muzyków w orkiestrze symfonicznej nie jest stała: może wahać się w granicach 60-120 (a nawet więcej) osób. Dla skoordynowanej gry tak duża grupa uczestników wymaga umiejętnego kierowania. Ta rola należy do dyrygenta.
Do początków XIX w. sam dyrygent podczas przedstawienia grał na jakimś instrumencie – na przykład na skrzypcach. Jednak z biegiem czasu treść muzyki symfonicznej stała się bardziej złożona, co stopniowo zmusiło dyrygentów do porzucenia takiego połączenia.
Tannhäuser: Otwieram nowy dział o formach i gatunkach muzycznych. A pierwsza strona, słusznie, zaczyna się od „SYMFONIA”... Dodam do tekstu portrety wielkich kompozytorów i inne rysunki. Nie dodałem wszystkich nazwisk znanych mi symfonistów. Ale będę Was dalej przedstawiać. Będę z „nowymi” zapomnianymi nazwiskami. Nie będę przeciążać wpisu klipami audio i wideo... Bez obaw znajdziecie je sami... A w moim Dziennik też. Do zobaczenia w tym dziale.
Symfonia(z greckiego „konsonans”) – utwór na orkiestrę, składający się z kilku części. Symfonia jest najbardziej muzyczną formą koncertowej muzyki orkiestrowej.
Klasyczna struktura
Ze względu na względne podobieństwo budowy do sonaty, symfonię można nazwać wielką sonatą na orkiestrę. Sonata i symfonia, a także koncert, trio, kwartet itp. należą do „cyklu sonatowo-symfonicznego” - cyklicznej formy muzycznej dzieła, w której zwyczajowo prezentuje się przynajmniej jedną z części (zwykle pierwszą) w formie sonatowej. Cykl sonatowo-symfoniczny jest największą formą cykliczną spośród form czysto instrumentalnych.
Podobnie jak sonata, symfonia klasyczna ma cztery części:
- część pierwsza, utrzymana w szybkim tempie, utrzymana jest w formie sonatowej;
- część druga, w części wolnej, napisana jest w formie ronda, rzadziej w formie sonaty lub wariacji;
- część trzecia, scherzo lub menuet w formie trójdzielnej;
- część czwarta, w szybkim tempie, w formie sonatowej lub w formie rondo, rondo sonata.
Jeżeli pierwsza część jest napisana w umiarkowanym tempie, to odwrotnie, może po niej nastąpić szybka druga i powolna trzecia część (np. IX symfonia Beethovena).
Zważywszy, że symfonia przeznaczona jest na dużą orkiestrę, każda jej partia jest napisana szerzej i bardziej szczegółowo niż np. w zwykłej sonacie fortepianowej, gdyż bogactwo środków wyrazu orkiestry symfonicznej pozwala na szczegółowe przedstawienie utworu muzycznego. myśl.
Historia symfonii
Terminu symfonia używano w starożytnej Grecji, średniowieczu i renesansie przede wszystkim do opisania różnych instrumentów, zwłaszcza tych, które potrafią wytworzyć więcej niż jeden dźwięk jednocześnie. Tak więc w Niemczech do połowy XVIII wieku symfonia była ogólnym określeniem odmian klawesynów - spinetów i virgineli, we Francji była to nazwa organów beczkowych, klawesynów, dwugłowych bębnów itp.
Słowo symfonia, oznaczające dzieła muzyczne, które brzmią razem, zaczęło pojawiać się w tytułach niektórych dzieł baroku z XVI i XVII wieku, takich kompozytorów jak Giovanni Gabrieli (Sacrae symphoniae, 1597 i Symphoniae sacrae 1615), Adriano Banchieri ( Eclesiastiche Sinfonie, 1607), Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie musicali, 1610) i Heinrich Schütz (Symphoniae sacrae, 1629).
Za pierwowzór symfonii można uznać uwerturę włoską, która ukształtowała się pod koniec XVII wieku za czasów Domenico Scarlattiego. Formę tę zwano już symfonią i składała się z trzech kontrastujących ze sobą części: allegro, andante i allegro, które połączyły się w jedną całość. To właśnie ta forma jest często postrzegana jako bezpośrednia prekursorka symfonii orkiestrowej. Przez większą część XVIII wieku terminy „uwertura” i „symfonia” były używane zamiennie.
Innymi ważnymi przodkami symfonii były suita orkiestrowa, składająca się z kilku części w najprostszych formach i przeważnie w tej samej tonacji, oraz koncert ripieno, forma przypominająca koncert na smyczki i continuo, ale bez instrumentów solowych. W tej formie powstały dzieła Giuseppe Torelliego i Antonia Vivaldiego, a bodaj najsłynniejszym koncertem ripieno jest III Koncert brandenburski Jana Sebastiana Bacha.
Za twórcę klasycznego modelu symfonii uważa się Josepha Haydna. W symfonii klasycznej tę samą tonację mają tylko części pierwsza i ostatnia, a środkowe zapisane są w tonacji powiązanej z tonacją główną, która wyznacza tonację całej symfonii. Wybitnymi przedstawicielami symfonii klasycznej są Wolfgang Amadeus Mozart i Ludwig van Beethoven. Beethoven radykalnie rozszerzył symfonię. Jego III Symfonia („Eroica”) ma skalę i rozpiętość emocjonalną przewyższającą wszystkie wcześniejsze dzieła, a V Symfonia jest prawdopodobnie najsłynniejszą symfonią, jaką kiedykolwiek napisano. Jego IX Symfonia staje się jedną z pierwszych „symfonii chóralnych” po włączeniu w ostatniej części partii solistów i chóru.
Symfonia romantyczna była połączeniem formy klasycznej z romantycznym wyrazem. Rozwija się także trend oprogramowania. Pojawiają się motywy przewodnie. Główną cechą wyróżniającą romantyzm był rozwój formy, składu orkiestry i gęstości dźwięku. Do najwybitniejszych autorów symfonii tej epoki należą Franz Schubert, Robert Schumann, Felix Mendelssohn, Hector Berlioz, Johannes Brahms, P. I. Czajkowski, A. Bruckner i Gustav Mahler.
Począwszy od drugiej połowy XIX w., a zwłaszcza XX w., nastąpiła dalsza transformacja symfonii. Czteroczęściowa struktura stała się opcjonalna: symfonie mogą zawierać od jednej (VII Symfonia Jeana Sibeliusa) do jedenastu (XIV Symfonia D. Szostakowicza) lub więcej części. Wielu kompozytorów eksperymentowało z metrum symfonii, jak np. VIII Symfonia Gustava Mahlera, zwana „Symfonią Tysiąca Uczestników” (ze względu na siłę orkiestry i chórów wymaganych do jej wykonania). Użycie formy sonatowej staje się opcjonalne.
Po IX Symfonii L. Beethovena kompozytorzy coraz częściej zaczęli wprowadzać do symfonii partie wokalne. Jednakże skala i zawartość materiału muzycznego pozostają niezmienne.
Joseph Haydn – 108 symfonii
Wolfgang Amadeusz Mozart – 41 (56) symfonii
Ludwig van Beethoven – 9 symfonii
Franz Schubert – 9 symfonii
Robert Schumann – 4 symfonie
Feliks Mendelssohn – 5 symfonii
Hector Berlioz – kilka symfonii programowych
Antonin Dvorak – 9 symfonii
Johannes Brahms – 4 symfonie
Piotr Czajkowski – 6 symfonii (w tym symfonia Manfreda)
Anton Bruckner – 10 symfonii
Gustav Mahler – 10 symfonii
Jean Sibelius – 7 symfonii
Siergiej Rachmaninow – 3 symfonie
Igor Strawiński – 5 symfonii
Siergiej Prokofiew – 7 symfonii
Dymitr Szostakowicz – 15 symfonii (także kilka symfonii kameralnych)
Alfred Schnittke – 9 symfonii
Symfonia(z greckiego „konsonans”) – utwór na orkiestrę, składający się z kilku części. Symfonia jest najbardziej muzyczną formą koncertowej muzyki orkiestrowej.
Klasyczna struktura
Ze względu na względne podobieństwo budowy do sonaty, symfonię można nazwać wielką sonatą na orkiestrę. Sonata i symfonia, a także trio, kwartet itp. należą do „cyklu sonatowo-symfonicznego” - cyklicznej formy muzycznej dzieła, w której zwyczajowo prezentuje się przynajmniej jedną z części (zwykle pierwszą) w sonatach formularz. Cykl sonatowo-symfoniczny jest największą formą cykliczną spośród form czysto instrumentalnych.
Podobnie jak sonata, symfonia klasyczna ma cztery części:
- część pierwsza, utrzymana w szybkim tempie, utrzymana jest w formie sonatowej;
- część druga, w części wolnej, napisana jest w formie ronda, rzadziej w formie sonaty lub wariacji;
- część trzecia, scherzo lub menuet w formie trójdzielnej;
- część czwarta, w szybkim tempie, w formie sonatowej lub w formie rondo, rondo sonata.
Jeżeli pierwsza część jest napisana w umiarkowanym tempie, to odwrotnie, może po niej nastąpić szybka druga i powolna trzecia część (np. IX symfonia Beethovena).
Zważywszy, że symfonia przeznaczona jest na dużą orkiestrę, każda jej partia jest napisana szerzej i bardziej szczegółowo niż np. w zwykłej sonacie fortepianowej, gdyż bogactwo środków wyrazu orkiestry symfonicznej pozwala na szczegółowe przedstawienie utworu muzycznego. myśl.
Historia symfonii
Terminem symfonia posługiwano się już w starożytnej Grecji, w średniowieczu i głównie na określenie różnych instrumentów, zwłaszcza tych, które potrafią wytworzyć więcej niż jeden dźwięk jednocześnie. Tak więc w Niemczech do połowy XVIII wieku symfonia była ogólnym określeniem odmian klawesynów - spinetów i virgineli, we Francji była to nazwa organów beczkowych, klawesynów, dwugłowych bębnów itp.
Słowo symfonia, oznaczające „współbrzmiące razem” dzieła muzyczne, zaczęło pojawiać się w tytułach niektórych dzieł XVI i XVII wieku takich kompozytorów, jak Giovanni Gabrieli (Sacrae symphoniae, 1597 i Symphoniae sacrae 1615), Adriano Banchieri ( Eclesiastiche Sinfonie, 1607), Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie musicali, 1610) i Heinrich Schütz (Symphoniae sacrae, 1629).
Za pierwowzór symfonii można uznać tę, która ukształtowała się pod koniec XVII wieku za czasów Domenico Scarlattiego. Formę tę zwano już symfonią i składała się z trzech kontrastujących ze sobą części: allegro, andante i allegro, które połączyły się w jedną całość. To właśnie ta forma jest często postrzegana jako bezpośrednia prekursorka symfonii orkiestrowej. Przez większą część XVIII wieku terminy „uwertura” i „symfonia” były używane zamiennie.
Innymi ważnymi przodkami symfonii były suita orkiestrowa, składająca się z kilku części w najprostszych formach i przeważnie w tej samej tonacji, oraz koncert ripieno, forma przypominająca koncert na smyczki i continuo, ale bez instrumentów solowych. W takiej formie powstały dzieła Giuseppe Torelliego, a chyba najsłynniejszym koncertem ripieno jest III Koncert brandenburski Jana Sebastiana Bacha.
Uważany jest za twórcę klasycznego modelu symfonii. W symfonii klasycznej tę samą tonację mają tylko części pierwsza i ostatnia, a środkowe zapisane są w tonacji powiązanej z tonacją główną, która wyznacza tonację całej symfonii. Wybitnymi przedstawicielami symfonii klasycznej są Wolfgang Amadeus Mozart i Ludwig van Beethoven. Beethoven radykalnie rozszerzył symfonię. Jego III Symfonia („Eroica”) ma skalę i rozpiętość emocjonalną przewyższającą wszystkie wcześniejsze dzieła, a V Symfonia jest prawdopodobnie najsłynniejszą symfonią, jaką kiedykolwiek napisano. Jego IX Symfonia staje się jedną z pierwszych „symfonii chóralnych” po włączeniu w ostatniej części partii solistów i chóru.
Symfonia romantyczna była połączeniem formy klasycznej z romantycznym wyrazem. Rozwija się także trend oprogramowania. Pojawić się. Główną cechą wyróżniającą romantyzm był rozwój formy, składu orkiestry i gęstości dźwięku. Do najwybitniejszych autorów symfonii tej epoki należą Franz Schubert, Robert Schumann, Felix Mendelssohn, Hector Berlioz, Johannes Brahms, P. I. Czajkowski, A. Bruckner i Gustav Mahler.
Począwszy od drugiej połowy XIX w., a zwłaszcza XX w., nastąpiła dalsza transformacja symfonii. Czteroczęściowa struktura stała się opcjonalna: symfonie mogą zawierać od jednej (VII Symfonia) do jedenastu (XIV Symfonia D. Szostakowicza) lub więcej części. Wielu kompozytorów eksperymentowało z metrum symfonii, jak np. VIII Symfonia Gustava Mahlera, zwana „Symfonią Tysiąca Uczestników” (ze względu na siłę orkiestry i chórów wymaganych do jej wykonania). Użycie formy sonatowej staje się opcjonalne.
Po IX Symfonii L. Beethovena kompozytorzy coraz częściej zaczęli wprowadzać do symfonii partie wokalne. Jednakże skala i zawartość materiału muzycznego pozostają niezmienne.
Lista wybitnych autorów symfonii
Joseph Haydn – 108 symfonii
Wolfgang Amadeusz Mozart – 41 (56) symfonii
Ludwig van Beethoven – 9 symfonii
Franz Schubert – 9 symfonii
Robert Schumann – 4 symfonie
Feliks Mendelssohn – 5 symfonii
Hector Berlioz – kilka symfonii programowych
Antonin Dvorak – 9 symfonii
Johannes Brahms – 4 symfonie
Piotr Czajkowski – 6 symfonii (w tym symfonia Manfreda)
Anton Bruckner – 10 symfonii
Gustav Mahler – 10 symfonii
- 7 symfonii
Siergiej Rachmaninow – 3 symfonie
Igor Strawiński – 5 symfonii
Siergiej Prokofiew – 7 symfonii
Dymitr Szostakowicz – 15 symfonii (także kilka symfonii kameralnych)
Alfred Schnittke – 9 symfonii
♫♪ ♫♪ ♫♪
DRUGA (BOHATERSKA) SYMFONIA ALEKSANDRA BORODINA (b-moll, 1869–1876)
W Rosji już w drugiej połowie XIX wieku wśród kompozytorów dojrzała pewna idea: przyszedł czas na stworzenie własnej, rosyjskiej symfonii. W tym czasie w Europie symfonia obchodziła swoje stulecie, przechodząc przez wszystkie etapy łańcucha ewolucyjnego: od uwertury operowej, która opuściła scenę teatralną i była wykonywana oddzielnie od opery, po takie kolosy, jak IX Symfonia Beethovena. (1824) czy Symfonia fantastyczna Berlioza (1830). W Rosji moda na ten gatunek nie przyjęła się: raz, drugi próbowano (Dmitrij Bortnyansky – Symfonia koncertowa, 1790; Aleksander Alyabyev – symfonie e-moll, Es-dur) – i porzucili ten pomysł na rzecz powróć do niego kilkadziesiąt lat później w dziełach Antona Rubinsteina, Milii Bałakiriewa, Nikołaja Rimskiego-Korsakowa, Aleksandra Borodina i innych.
Wspomniani kompozytorzy oceniali absolutnie słusznie, zdając sobie sprawę, że jedyną rzeczą, jaką może pochwalić się symfonia rosyjska na tle europejskiej obfitości, jest jej narodowy smak. A Borodin nie ma w tym sobie równych. W jego muzyce tchnie bezmiar bezkresnych równin, waleczność rosyjskich rycerzy, szczerość pieśni ludowych z ich bolesną, wzruszającą nutą. Motywem przewodnim pierwszej części stał się emblemat symfonii, po usłyszeniu którego przyjaciel i mentor kompozytora, muzykolog Władimir Stasow, zaproponował dwie nazwy: najpierw „Lwica”, a następnie bardziej odpowiednią ideę: „Bogatyrskaja”.
W przeciwieństwie do dzieł symfonicznych tego samego Beethovena czy Berlioza, opartych na ludzkich pasjach i doświadczeniach, Symfonia Bogatyra opowiada o czasie, historii i ludziach. W muzyce nie ma dramatu, nie ma wyraźnego konfliktu: przypomina ona serię płynnie zmieniających się obrazów. I znajduje to zasadnicze odzwierciedlenie w konstrukcji symfonii, gdzie powolna część, zwykle na drugim miejscu, i żywiołowe scherzo (tradycyjnie po nim) zamieniają się miejscami, a finał w uogólnionej formie powtarza idee pierwszej ruch. W ten sposób Borodinowi udało się osiągnąć maksymalny kontrast w muzycznej ilustracji eposu narodowego, a model strukturalny Bogatyrskiej posłużył później za wzór dla epickich symfonii Głazunowa, Miaskowskiego i Prokofiewa.
I. Allegro (00:00)
II. Scherzo: Prestissimo - Trio: Allegretto (07:50)
III. Andante (13:07)
IV. Finał: Allegro (23:42)
♫♪ ♫♪ ♫♪
VI (żałosna) SYMFONIA (b-moll, 1893) Piotra Czajkowskiego
Dowodów, interpretacji i prób wyjaśnienia jej treści jest tak wiele, że cały opis tego dzieła mógłby składać się z cytatów. Oto jedna z nich, z listu Czajkowskiego do jego siostrzeńca Władimira Dawidowa, któremu symfonia jest dedykowana: „W czasie podróży wpadłem na pomysł innej symfonii, tym razem programowej, ale z programem, który pozostanie tajemnica dla każdego. Ten program jest najbardziej przesiąknięty subiektywnością i często podczas moich podróży, komponując go w myślach, bardzo płakałam”. Co to za program? Czajkowski wyznaje to swojej kuzynce Annie Merkling, która zasugerowała, aby w tej symfonii opisał swoje życie. „Tak, dobrze zgadłeś” – potwierdził kompozytor.
Na początku lat 90. XIX wieku myśl o pisaniu wspomnień wielokrotnie nawiedzała Czajkowskiego. Z tego czasu pochodzą szkice do jego niedokończonej symfonii „Życie”. Sądząc po zachowanych szkicach, kompozytor planował przedstawić pewne abstrakcyjne etapy życia: młodość, pragnienie aktywności, miłość, rozczarowanie, śmierć. Obiektywny plan jednak Czajkowskiemu nie wystarczył i prace zostały przerwane, ale w VI Symfonii kierował się wyłącznie osobistymi doświadczeniami. Jak chora musiała być dusza kompozytora, żeby narodziła się muzyka z tak niesamowitą, niesamowitą siłą oddziaływania!
Liryczno-tragiczna pierwsza część i finał nierozerwalnie łączą się z obrazem śmierci (w rozwinięciu pierwszej części przytaczany jest temat duchowego śpiewu „Odpocznij ze świętymi”), jak sam Czajkowski zeznał, odwołując się do tej symfonii w odpowiedzi na propozycję wielkiego księcia Konstantina Romanowa napisania „Requiem” „ Dlatego tak mocno odbierane jest jasne, liryczne intermezzo (pięciotaktowy walc w drugiej części) oraz uroczyste i triumfalne scherzo. Istnieje wiele dyskusji na temat roli tego ostatniego w kompozycji. Wydaje się, że Czajkowski chciał pokazać daremność ziemskiej chwały i szczęścia w obliczu nieuniknionej straty, potwierdzając w ten sposób wielkie powiedzenie Salomona: „Wszystko przemija. To też minie.”
1. Adagio - Allegro non troppo 00:00
2. Allegro z gracją 18:20
3. Allegro molto vivace 25:20
4. Finał. Adagio lamentoso 33:44
♫♪ ♫♪ ♫♪
TRZECIA SYMFONIA („BOSKI POEMAT”) ALEKSANDRA SKRYABINA (c-moll, 1904)
Jeśli zdarzy Ci się odwiedzić Dom-Muzeum Aleksandra Skriabina w Moskwie w ciemny jesienny wieczór, z pewnością poczujesz niesamowitą i tajemniczą atmosferę, która otaczała kompozytora za jego życia. Dziwna struktura kolorowych żarówek na stoliku w salonie, pulchne tomy o filozofii i okultyzmie za przyćmioną szybą drzwiczek regału i wreszcie ascetycznie wyglądająca sypialnia, w której Skriabin przez całe życie bał się śmierci z powodu zatrucia krwi, zmarł na sepsę. Miejsce mroczne i tajemnicze, doskonale oddające światopogląd kompozytora.
Nie mniej charakterystycznym punktem myślenia Skriabina jest jego III Symfonia, która otwiera tak zwany środkowy okres twórczości. W tym czasie Skriabin stopniowo formułował swoje poglądy filozoficzne, których istotą jest to, że cały świat jest wynikiem własnej twórczości i własnych myśli (solipsyzm w skrajnym stadium) oraz że kreacja świata i tworzenie sztuki są zasadniczo podobnymi procesami. Procesy te przebiegają w ten sposób: z pierwotnego chaosu twórczego ospałości powstają dwie zasady – czynna i bierna (męska i żeńska). Pierwszy niesie boską energię, drugi daje początek światu materialnemu z jego naturalnym pięknem. Współdziałanie tych zasad tworzy kosmiczny eros, prowadzący do ekstazy – swobodnego triumfu ducha.
Bez względu na to, jak dziwnie to wszystko może brzmieć, Skriabin szczerze wierzył w ten model Księgi Rodzaju, według którego napisano III Symfonię. Jej pierwsza część nazywa się „Walka” (walka człowieka-niewolnika, poddanego najwyższemu Władcy świata i boga-człowieka), druga - „Przyjemności” (człowiek poddaje się radościom świata zmysłów , rozpuszcza się w naturze), i wreszcie trzecia – „Boska zabawa” (wyzwolony duch, „tworzący wszechświat jedyną mocą swojej twórczej woli”, pojmuje „wzniosłą radość swobodnego działania”). Ale filozofia to filozofia, a sama muzyka jest cudowna, odsłania wszystkie możliwości barwowe orkiestry symfonicznej.
I. Lento
II. Luty
III. Wolupty
IV. Jeu Divin
♫♪ ♫♪ ♫♪
PIERWSZA (KLASYCZNA) SYMFONIA Siergieja Prokofiewa (D-dur, 1916–1917)
Jest rok 1917, trudne lata wojny, rewolucji. Wydawać by się mogło, że sztuka powinna ponuro marszczyć brwi i opowiadać o sprawach bolesnych. Ale smutne myśli nie są dla muzyki Prokofiewa – słonecznej, błyszczącej, młodzieńczo czarującej. To jego Pierwsza Symfonia.
Kompozytor już w latach studenckich interesował się twórczością klasyków wiedeńskich. Teraz spod jego pióra wyszło dzieło na wzór Haydna. „Wydawało mi się, że gdyby Haydn żył do dziś, zachowałby swój styl pisania, a jednocześnie przyjął coś nowego” – skomentował swoje dzieło Prokofiew.
Kompozytor wybrał skromny skład orkiestry, znów w duchu wiedeńskiego klasycyzmu – bez ciężkich instrumentów dętych blaszanych. Tekstura i orkiestracja są lekkie i przejrzyste, skala dzieła nie jest duża, kompozycja jest harmonijna i logiczna. Jednym słowem bardzo przypomina dzieło klasycyzmu, omyłkowo narodzonego w XX wieku. Nie brakuje jednak także emblematów czysto Prokofiewa, jak na przykład jego ulubiony gatunek gawota w części trzeciej zamiast scherza (kompozytor wykorzystał ten materiał muzyczny później w balecie „Romeo i Julia”), a także ostry „pieprz” harmonia i otchłań muzycznego humoru.
0:33 I. Allegro
5:20 II. Larghetto
9:35 III. Gavotta (Non troppo allegro)
11:17 IV. Finał (Molto vivace)
♫♪ ♫♪ ♫♪
SIÓDMA (LENINGRADSKA) SYMFONIA DMITRIA SZOSTAKOWICZA (C-dur, 1941)
2 lipca 1942 roku dwudziestoletni pilot porucznik Litwinow cudem przedarł się przez okrążenie wroga i zdołał sprowadzić do oblężonego Leningradu lekarstwa i cztery pulchne książki muzyczne z partyturą VII Symfonii D.D. Szostakowicza, a następnego dnia w Leningradzkiej Prawdzie ukazała się krótka notatka: „Partytura VII Symfonii Dmitrija Szostakowicza została dostarczona samolotem do Leningradu. Jej publiczne wykonanie odbędzie się w Sali Wielkiej Filharmonii.”
Wydarzenie, dla którego historia muzyki nie zna analogii: w oblężonym mieście potwornie wyczerpani muzycy (wzięli w nim udział wszyscy, którzy przeżyli) pod batutą dyrygenta Carla Eliasberga wykonali nową symfonię Szostakowicza. Tę samą, którą kompozytor skomponował w pierwszych tygodniach oblężenia, aż do ewakuacji wraz z rodziną do Kujbyszewa (Samara). W dniu leningradzkiej premiery, 9 sierpnia 1942 r., Wielka Sala Filharmonii Leningradzkiej wypełniła się po brzegi wyczerpanymi mieszkańcami miasta o przezroczystych twarzach, ale jednocześnie w eleganckich strojach oraz personelem wojskowym, który przybył prosto z linia frontu. Symfonia była transmitowana na ulice przez głośniki radiowe. Tego wieczoru cały świat zatrzymał się i słuchał bezprecedensowego wyczynu muzyków.
...To godne uwagi, ale słynny temat w duchu „Bolera” Ravela, uosabianego obecnie zwykle przez faszystowską armię bezmyślnie poruszającą się i niszczącą wszystko na swojej drodze, Szostakowicz napisał jeszcze przed wybuchem wojny. Został on jednak w sposób naturalny włączony do pierwszej części Symfonii Leningradzkiej, zajmując miejsce tzw. „epizodu inwazji”. Umacniające życie zakończenie okazało się także prorocze, uprzedzające upragnione Zwycięstwo, od którego dzieliły go jeszcze tak długie trzy i pół roku...
I. Allegretto 00:00
II. Moderato (poco allegretto) 26:25
III. Adagio 37:00
IV. Allegro non troppo 53:40
♫♪ ♫♪ ♫♪
z języka greckiego symponia – współbrzmienie
Utwór muzyczny na orkiestrę, głównie symfoniczny, zwykle w formie cyklicznej sonatowej. Zwykle składa się z 4 części; Są S. z większą i mniejszą liczbą części, aż do jednej części. Czasami w S. oprócz orkiestry wprowadza się chór i wokal solowy. głosy (stąd droga do S. cantata). Istnieją orkiestry na orkiestrę smyczkową, kameralną, dętą i inne, na orkiestrę z instrumentem solowym (koncert koncertowy), organy, chór (orkiestra chóralna) i wok. zespół (wokal C). Symfonia koncertowa - S. z instrumentami koncertowymi (solowymi) (od 2 do 9), strukturą zbliżoną do koncertu. S. jest często bliski innym gatunkom: S.-suite, S.-rhapsody, S.-fantasy, S.-ballad, S.-legend, S.-poemat, S.-cantata, S.-requiem, S. .-balet, S.-dramat (rodzaj kantaty), teatr. S. (rodzaj oners). Z natury S. można porównać także do tragedii, dramatu, liryzmu. wiersz, bohaterski epicki, aby zbliżyć się do cyklu muz gatunkowych. sztuki, przedstawię w serialu. muzyka obrazy W typowym w swoich próbkach łączy kontrast części z jednością koncepcji, wielość różnorodnych obrazów z integralnością muz. dramaturgia. S. zajmuje w muzyce to samo miejsce, co dramat czy powieść w literaturze. Jako najwyższy typ instr. muzyki, przewyższa wszystkie inne jej rodzaje najszerszymi możliwościami ucieleśnienia, co oznacza. pomysłów i bogactwa stanów emocjonalnych.
Początkowo u dr. Grecja, słowo „S.” oznaczało harmonijne połączenie tonów (kwarta, kwinta, oktawa), a także wspólne śpiewanie (zespół, chór) w unisono. Później u dr. Rzym, taka stała się nazwa instrumentu. zespół, orkiestra. W środę. wieków, S. rozumiano jako świeckiego instr. muzyka (w tym znaczeniu tego terminu używano we Francji już w XVIII wieku), czasem muzyka w ogóle; poza tym tak nazywały się niektóre muzy. narzędzia (np. lira korbowa). W XVI wieku to słowo jest używane w nazwie. zbiory motetów (1538), madrygałów (1585), instrumentów wokalnych. kompozycje („Sacrae symphoniae” – „Symfonie sakralne” G. Gabrieli, 1597, 1615), a następnie instrumentalne. polifoniczny sztuki teatralne (początek XVII w.). Jest przypisany do wielokąta. (często akordowe) odcinki, takie jak intro lub przerywnik w woku. i instr. inscenizacje, zwłaszcza wstępy (uwertury) do suit, kantat i oper. Wśród uwertur operowych wyłoniły się dwa typy: wenecka – składająca się z dwóch części (powolna, uroczysta i szybka, fuga), rozwinięta później w język francuski. uwertura i neapolitańska – składająca się z trzech części (szybka – wolna – szybka), wprowadzona w 1681 r. przez A. Scarlattiego, który jednak stosował inne kombinacje głosów. Sonata cykliczna. forma stopniowo staje się dominująca w S. i otrzymuje w niej szczególnie wieloaspektowy rozwój.
Po oddzieleniu ok. 1730 z opery, gdzie ork. wstęp zachowano w formie uwertury, S. zamieniono na samodzielną. typ orka muzyka. W XVIII wieku spełni to jako podstawę. kompozycją były struny. instrumenty, oboje i rogi. Na rozwój S. wpływały różne czynniki. typy orków. i muzyka kameralna - koncert, suita, sonata trio, sonata itp., a także opera z jej zespołami, chórami i ariami, których wpływ na melodię, harmonię, strukturę i strukturę figuratywną S. jest bardzo zauważalny. Jak konkretny. Gatunek symfonii dojrzał w miarę oddzielenia się od innych gatunków muzycznych, zwłaszcza teatralnych, usamodzielnił się co do treści, formy, rozwinięcia tematów i stworzył ten sposób komponowania, który później otrzymał nazwę symfonizm i który z kolei miał ogromny wpływ na wiele dziedzin muzyki kreatywność.
Struktura S. przeszła ewolucję. Podstawą serii był trzyczęściowy cykl typu neapolitańskiego. Często na wzór wenecki i francuski. Uwertura S. zawierała powolne wprowadzenie do części I. Później menuet został włączony do S. - najpierw jako finał 3-częściowego cyklu, następnie jako jedna z części (zwykle 3.) 4-częściowego cyklu, którego finał z reguły wykorzystywał forma ronda lub sonaty rondo. Od czasów L. Beethovena menuet został zastąpiony scherzem (część III, czasem II), a od czasów G. Berlioza – walcem. Najważniejsza forma sonatowa dla S. używana jest przede wszystkim w części I, czasem także w częściach wolnych i końcowych. W XVIII wieku S. była uprawiana wielokrotnie. mistrzowie Należą do nich Włoch G. B. Sammartini (85 n.e., ok. 1730-70, z czego 7 zaginęło), kompozytorzy szkoły mannheimskiej, w której czołową pozycję zajmowali Czesi (F. K. Richter, J. Stamitz i in.). ), przedstawiciele tzw przedklasyczna (lub wczesna) szkoła wiedeńska (M. Monn, G. K. Wagenseil i in.), pracujący w Paryżu Belg F. J. Gossec, założyciel Francuzów. S. (29 S., 1754-1809, w tym „Polowanie”, 1766; dodatkowo 3 S. na orkiestrę dętą). Klasyczny typ S. został stworzony przez Austriaków. komp. J. Haydna i W. A. Mozarta. W twórczości „ojca symfonii” Haydna (104 S., 1759-95) zakończyła się formacja symfonii, która z gatunku rozrywkowej muzyki codziennej przekształciła się w dominujący typ instrumentu poważnego. muzyka. Główny cechy jego struktury. System rozwinął się jako sekwencja wewnętrznie kontrastujących, celowo rozwijających się części, połączonych wspólną ideą. Mozart przyczynił się do powstania dramatu S. napięcie i namiętny liryzm, wielkość i wdzięk nadały mu jeszcze większą jedność stylistyczną (ok. 50 C, 1764/65-1788). Jego ostatnie C. - Es-dur, g-moll i C-dur („Jupiter”) – najwyższe osiągnięcie symfonii. Sztuka XVIII wieku Doświadczenia twórcze Mozarta znalazły odzwierciedlenie w jego późniejszych dziełach. Haydna. Rola L. Beethovena, ukończenia wiedeńskiej szkoły klasycznej (9 S., 1800-24), jest szczególnie duża w historii S. Jego III („Bohaterska”, 1804), V (1808) i IX (z kwartetem wokalnym i chórem w finale, 1824) S. są przykładami bohaterstwa. symfonizm skierowany do mas, ucieleśniający rewolucję. patos nar. walka. Jego VI S. („Pastoral”, 1808) jest przykładem symfonizmu programowego (patrz Muzyka programowa), a VII S. (1812), według słów R. Wagnera, jest „apoteozą tańca”. Beethoven rozszerzył zakres S., zdynamizował jego dramaturgię, pogłębił dialektykę tematów tematycznych. rozwój, wzbogacony wewnętrznie struktura i znaczenie ideowe S.
Dla Austriaka i niemiecki Kompozytorzy romantyczni I poł. 19 wiek Typowe gatunki to liryczny (Symfonia „Niedokończona” Schuberta, 1822) i epicki (ostatnia – VIII Symfonia Schuberta), a także pejzaż i styl codzienny z kolorowymi motywami narodowymi. kolorowanie („włoski”, 1833 i „szkocki”, 1830-42, Mendelssohn-Bartholdy). Wzrósł także poziom psychologiczny. bogactwo S. (4 symfonie R. Schumanna, 1841-51, w których najbardziej wyraziste są części wolne i scherza). Trend, który wyłonił się wśród klasyki, był natychmiastowy. przejście z jednej części do drugiej i ustalenie tematów. wśród romantyków nasiliły się powiązania między częściami (np. w V symfonii Beethovena) i pojawiło się C, w którym części następują jedna po drugiej bez przerw (symfonia „szkocka” Mendelssohna-Bartholdy’ego, IV symfonia Schumanna).
Powstanie Francuzów S. sięga lat 1830-40, kiedy to pojawiła się nowatorska produkcja. G. Berlioz, twórca romantyka. Oprogramowanie C oparte na lit. fabuła (5-częściowy „Fantastyczny” S., 1830), S.-koncert („Harold we Włoszech”, na altówkę i orkiestrę, wg J. Byrona, 1834), S.-oratorium („Romeo i Julia”, dramat S. w 6 częściach, z solistami i chórem, wg W. Szekspira, 1839), „Symfonia żałobno-triumfalna” (marsz żałobny, „oratorskie” puzon solo i apoteoza – na orkiestrę dętą lub orkiestrę symfoniczną, opcjonalnie – i chór, 1840). Berlioza charakteryzuje się rozmachem swojej inscenizacji, kolosalną kompozycją orkiestry i barwną instrumentacją z subtelnymi niuansami. Filozoficzne i etyczne problemy znalazły odzwierciedlenie w symfoniach F. Liszta („Symfonia Fausta”, ale J. W. Goethe, 1854, z finałowym refrenem, 1857; „S. do Boskiej Komedii Dantego”, 1856). Niemowa działała jako przeciwieństwo programowego kierunku Berlioza i Liszta. Komi J. Brahmsa, który pracował w Wiedniu. W swoich 4 S. (1876-85), rozwijając tradycje Beethovena i romantyzmu. symfonizm, połączony z klasyką. harmonię i różnorodność stanów emocjonalnych. Podobny styl. aspiracje, a jednocześnie indywidualny Francuz. S. z tego samego okresu - III S. (z organami) C. Saint-Saensa (1887) i S. d-moll S. Franka (1888). W S. „Z Nowego Świata” A. Dvořáka (ostatni, chronologicznie 9. 1893) odbiły się nie tylko muzy czeskie, ale także murzyńskie i indyjskie. elementy. Ideologiczne koncepcje Austriaków są istotne. symfoniści A. Bruckner i G. Mahler. Produkcja monumentalna. Brucknera (8 S., 1865-1894, 9. niedokończony, 1896) cechuje bogactwo polifoniczne. tkaniny (wpływ sztuki organizacyjnej, a być może także dramatów muzycznych R. Wagnera), czas trwania i siła napięć emocjonalnych. Do Symfonii Mahlera (9 S., 1838-1909, w tym 4 ze śpiewem, w tym VIII - „Symfonia tysiąca uczestników”, 1907; dziesiąta nie jest ukończona, próbę jej uzupełnienia na podstawie szkiców podjął D. Cooka 1960; S. cantata „Pieśń o ziemi” z 2 śpiewakami solowymi, 1908) charakteryzuje się surowością konfliktów, wzniosłym patosem i tragedią oraz wyraża nowość. fundusze. Jakby w przeciwieństwie do ich dużych kompozycji, w których wykorzystuje się bogatego wykonawcę. pojawia się symfonia kameralna i symfonietta.
Najwybitniejsi autorzy XX wieku. we Francji - A. Roussel (4 S., 1906-34), A. Honegger (Szwajcar ze względu na narodowość, 5 S., 1930-50, w tym 3. - „Liturgiczny", 1946, 5. - S. „three re”, 1950), D. Milhaud (12 S., 1939-1961), O. Messiaen („Turangalila”, w 10 częściach, 1948); w Niemczech - R. Strauss („Dom”, 1903, „Alpejski”, 1915), P. Hindempt (4 S., 1934–58, w tym 1. - „Artysta Mathis”, 1934, 3- I - „Harmonia świat”, 1951), K. A. Hartman (8 S., 1940-62) i inni. Wkład w rozwój S. wnieśli Szwajcar H. Huber (8 S., 1881-1920, w tym 7 - „ Swiss”, 1917), Norwegowie K. Sinding (4 S., 1890-1936), H. Severud (9 S., 1920-1961, w tym z założenia antyfaszystowski 5-7-I, 1941-1945), K Egge (5 S., 1942-69), Dane K. Nielsen (6 S., 1891-1925), Finn J. Sibelius (7 S., 1899-1924), Rumun J. Enescu (3 S., 1905) -19), Holender B. Peyper (3 S., 1917-27) i H. Badings (10 S., 1930-1961), Szwed H. Rusenberg (7 S., 1919-69 i S. za instrumenty dęte i perkusyjne, 1968), Włoch J. F. Malipiero (11 S., 1933-69), Anglik R. Vaughan Williams (9 S., 1909-58), B. Britten (S.-requiem, 1940, „ Spring” S. na śpiewaków solowych, chór mieszany, chór chłopięcy i orkiestrę symfoniczną, 1949), Amerykanie C. Ives (5 S., 1898-1913), W. Piston (8 S., 1937-65) i R. Harris (12 S., 1933-69), Brazylijczyk E. Vila Lobos (12 S., 1916-58) i inni.Szeroka gama typów C. XX w. ze względu na wielość kreatywności. kierunki, krajowy szkoły, powiązania folklorystyczne. Nowoczesny S. różnią się także budową, formą i charakterem: skłaniają się ku intymności, a wręcz przeciwnie, ku monumentalności; nie podzielone na części i składające się z liczby mnogiej. Części; tradycyjny magazyn i dowolny skład; dla zwykłej symfonii orkiestrę oraz za kompozycje nietypowe itp. Jeden z nurtów w muzyce XX wieku. związany z modyfikacjami muz starożytnych – przedklasycznych i wczesnoklasycznych. gatunki i formy. S. S. Prokofiew oddał mu hołd w „Symfonii klasycznej” (1907) oraz I. F. Strawińskiego w Symfonii C i „Symfonii w trzech częściach” (1940-45). W niektórych S. 20 wieku. odejście od dotychczasowych norm ujawnia się pod wpływem atonalizmu, atematyzmu i innych nowych zasad kompozycji. A. Webern zbudował S. (1928) na serii 12-tonowej. Wśród przedstawicieli „awangardy” S. jest represjonowany. nowe eksperymentalne gatunki i formy.
Pierwszy wśród Rosjan. kompozytorzy zwrócili się w stronę gatunku S. (z wyjątkiem D. S. Bortnyansky'ego, którego „Symfonia koncertująca”, 1790, została napisana na zespół kameralny) Mich. Y. Vielgorsky (jego II S. wykonano w 1825 r.) i A. A. Alyabyev (jego jednoczęściowy S. e-moll, 1830 i niedatowana 3-częściowa suita typu S. Es-dur, z 4 rogami koncertowymi, zachowały się ), później A.G. Rubinstein (6 S., 1850-86, w tym 2. - „Ocean”, 1854, 4. - „Dramatyczny”, 1874). M. I. Glinka, autor niedokończonej S.-uwertury na dole Rus. tematy (1834, ukończone w 1937 przez V. Ya. Shebalina), wywarły decydujący wpływ na ukształtowanie się stylistyki. cholerny rosyjski S. ze wszystkimi jego symfoniami. twórczość, w której dominują dzieła innych gatunków. W S. rus. Autorzy wyraźnie wyrażają nacjonalizm. charakteru, rejestrowane są zdjęcia ludzi. życie, historyczny wydarzenia, odbijają się motywy poezji. Spośród kompozytorów „Potężnej garści” N. A. Rimski-Korsakow (3 S., 1865–74) jako pierwszy wystąpił jako autor S. Twórca języka rosyjskiego epicki S. pojawił się A.P. Borodin (2. S., 1867-76; niedokończony 3., 1887, częściowo spisany z pamięci przez A.K. Głazunowa). W swojej twórczości, zwłaszcza w „Bogatyrskiej” (2.) S., Borodin ucieleśniał obrazy gigantycznego ludu. wytrzymałość. Wśród najwyższych osiągnięć światowej symfonii - produkcja. P. I. Czajkowski (6 S., 1800-93 i program S. „Manfred”, za J. Byronem, 1885). Czwarty, piąty, a zwłaszcza szósty („żałosny” z powolnym zakończeniem) S., o charakterze liryczno-dramatycznym, osiągają tragiczną siłę w wyrazie życiowych zderzeń; są głęboko psychologiczne. dzięki wnikliwości przekazują bogatą gamę ludzkich doświadczeń. Epicka linia S. kontynuowany przez A.K. Głazunowa (8 S., 1881-1906, w tym 1. – „słowiański”; niedokończony 9. 1910, – jedna część, instrumentowana przez G. Ya. Yudina w 1948 r.), 2 S. napisał M. A. Balakirev (1898, 1908), 3 S - R. M. Gliere (1900-11, 3. - „Ilya Muromets”). Symfonie przyciągają Cię swoimi uduchowionymi tekstami. S. Kalinnikova (2 S., 1895, 1897), głęboka koncentracja myśli - S. c-moll S. I. Taneyeva (1., właściwie 4., 1898), dramat. żałosne - symfonie S. V. Rachmaninowa (3 S., 1895, 1907, 1936) i A. N. Skriabina, twórcy 6-częściowego 1. (1900), 5-częściowego 2. (1902) i 3-częściowego 3. („Boski poemat ”, 1904), wyróżniający się szczególną dramaturgią. integralność i siłę wyrazu.
S. zajmuje ważne miejsce w Związku Radzieckim. muzyka. W twórczości sów. kompozytorzy otrzymali szczególnie bogaty i żywy rozwój wysokich tradycji muzyki klasycznej. symfonizm. Sowieci zwracają się do S. kompozytorzy wszystkich pokoleń, poczynając od starszych mistrzów - N. Ja. Myaskowskiego, twórcy 27 S. (1908-50, w tym 19 - na orkiestrę dętą, 1939) i S. S. Prokofiewa, autora 7 S. (1917-1952). ), a kończąc na utalentowanych młodych kompozytorach. Czołowa postać w dziedzinie sów. S. - D. D. Szostakowicz. W jego 15 S. (1925-71) ujawniają się głębiny ludzkiej świadomości i niezłomność moralności. siły (5. – 1937, 8. – 1943, 15. – 1971), ucieleśnione ekscytujące tematy nowoczesności (7. – tzw. Leningradska, 1941) i historii (11. – „1905”, 1957; 12. – „1917”, 1961), wysoki humanizm. ideały kontrastują z mrocznymi obrazami przemocy i zła (5-częściowa 13. do słów E. A. Jewtuszenki na bas, chór i orkiestrę, 1962). Rozwijanie tradycji. i nowoczesne typy konstrukcji cyklu sonatowego kompozytor, wraz z dowolnie interpretowanym cyklem sonatowym (niektóre jego cykle sonatowe charakteryzują się sekwencją: wolno – szybko – wolno – szybko), posługuje się innymi konstrukcjami (np. w XI - „1905”), przyciąga głos ludzki (soliści, chór). W 11-częściowym XIV S. (1969), w którym wątek życia i śmierci ukazany jest na szerokim tle społecznym, dwa śpiewające głosy występują solo, wsparte smyczkami. i dmuchać. narzędzia.
Przedstawiciele wielu osób pracują produktywnie w regionie S. krajowy gałęzie sów muzyka. Wśród nich są wybitni mistrzowie sów. muzyka, taka jak A.I. Chaczaturian – największy Ormianin. symfonista, autor pieśni barwnych i temperamentnych (I - 1935, II - "S. z dzwonkiem", 1943, III - S.-poemat z organami i 15 dodatkowymi piszczałkami, 1947); w Azerbejdżanie - K. Karaev (wyróżnia się jego 3. S., 1965), na Łotwie - Y. Ivanov (15 S., 1933-72) itd. Zobacz muzykę radziecką.
Literatura: Glebov Igor (Asafiev B.V.), Budowa nowoczesnej symfonii „Muzyka współczesna”, 1925, nr 8; Asafiev B.V., Symfonia, w książce: Eseje o radzieckiej twórczości muzycznej, t. 1, M.-L., 1947; 55 symfonii radzieckich, Leningrad, 1961; Popova T., Symfonia, M.-L., 1951; Yarustovsky B., Symfonie o wojnie i pokoju, M., 1966; Symfonia radziecka od 50 lat, (komp.), ks. wyd. G. G. Tigranov, Leningrad, 1967; Konen V., Teatr i symfonia…, M., 1968, 1975; Tigranov G., O krajowej i międzynarodowej symfonii radzieckiej, w książce: Muzyka w społeczeństwie socjalistycznym, t. 1, L., 1969; Rytsarev S., Symfonia we Francji przed Berliozem, M., 1977. Brenet M., Histoire de la symphonie a Orchestra depuis ses origines jusqu"a Beethoven, P., 1882; Weingartner F., Die Symphonie nach Beethoven, V. 1898 Lpz., 1926; jego to samo, Ratschldge fur Auffuhrungen klassischer Symphonien, Bd 1-3, Lpz., 1906-23, "Bd 1, 1958 (tłumaczenie na język rosyjski - Weingartner R., Wykonywanie symfonii klasycznych. Rady dla dyrygentów, t 1, M., 1965); Goldschmidt H., Zur Geschichte der Arien- und Symphonie-Formen, „Monatshefte für Musikgeschichte”, 1901, Jahrg. 33, nr 4-5, Heuss A., Die venetianischen Opern-Sinfonien, "SIMG", 1902/03, Bd 4; Torrefrança F., Le origini della sinfonia, „RMI”, 1913, t. 20, s. 20. 291-346, 1914, w. 21, s. 21 97-121, 278-312, 1915, t. 22, s. 27-121. 431-446 Bekker P., Die Sinfonie von Beethoven bis Mahler, V., (1918) (tłumaczenie na język rosyjski - Becker P., Symfonia od Beethovena do Mahlera, wyd. i wstęp I. Glebova, L., 1926 ); Nef K., Geschichte der Sinfonie und Suite, Lpz., 1921, 1945, Sondheimer R., Die formale Entwicklung der vorklassischen Sinfonie, „AfMw”, 1922, Jahrg. 4, H. 1, same, Die Theorie der Sinfonie und die Beurteilung einzelner Sinfoniekomponisten bei den Musikschriftstellern des 18 Jahrhunderts, Lpz., 1925, Tutenberg Fr., Die opera buffa-Sinfonie und ihre Beziehungen zur klassischen Sinfonie, "AfMw", 1927 , Jahrg. 8, nr 4; to samo, Die Durchführungsfrage in der vorneuklassischen Sinfonie, "ZfMw", 1926/27, Jahrg 9, S. 90-94; Mahling Fr., Die deutsche vorklassische Sinfonie, V., (1940), Walin S., Beiträge zur Geschichte der schwedischen Sinfonik, Stockh., (1941), Сarse A., Symfonie XVIII wieku, L., 1951; Borrel E., La symphonie, P., (1954), Brook B. S., La symphonie française dans la seconde moitié du XVIII siècle, t. 1-3, s. 1962; Kloiber R., Handbuch der klassischen und romantischen Symphonie, Wiesbaden, 1964.
B. S. Steinpress