„Autoportret” 1888
Paul Gauguin (1848-1903), malarz francuski. W młodości służył jako marynarz, w latach 1871-1883 - jako makler giełdowy w Paryżu. W latach 70. XIX wieku Paul Gauguin zaczął malować, brał udział w wystawach impresjonistów, korzystał z rad Camille'a Pissarro. Od 1883 poświęcił się całkowicie sztuce, co doprowadziło Gauguina do biedy, zerwania z rodziną i tułaczek. W 1886 Gauguin mieszkał w Pont-Aven (Bretania), w 1887 - w Panamie i na Martynice, w 1888 wraz z Vincentem van Goghiem pracował w Arles, w latach 1889-1891 - w Le Pouldu (Bretania) . Odrzucenie współczesnego społeczeństwa wzbudziło zainteresowanie Gauguina tradycyjnym sposobem życia, sztuką archaicznej Grecji, krajami starożytnego Wschodu i kulturami prymitywnymi. W 1891 roku Gauguin wyjechał na wyspę Tahiti (Oceania) i po krótkim (1893-1895) powrocie do Francji osiadł na wyspach na zawsze (najpierw na Tahiti, od 1901 roku na wyspie Hiva-Oa). Nawet we Francji poszukiwanie uogólnionych obrazów, tajemniczego znaczenia zjawisk („Wizja po kazaniu”, 1888, National Gallery of Scotland, Edynburg; „Żółty Chrystus”, 1889, Albright Gallery, Buffalo) zbliżyło Gauguina do symboliki i doprowadziła go i grupę pracujących pod jego wpływem młodych artystów do stworzenia swoistego systemu obrazowego – „syntetyzmu”, w którym światłocieniowe modelowanie brył, światło-powietrze i perspektywy linearne zastępuje rytmiczne zestawienie poszczególne płaszczyzny czystego koloru, które całkowicie wypełniły kształty przedmiotów i odgrywają wiodącą rolę w tworzeniu emocjonalnej i psychologicznej struktury obrazu („Cafe in Arles ”, 1888, Muzeum Puszkina, Moskwa). System ten został rozwinięty w obrazach namalowanych przez Gauguina na wyspach Oceanii. Przedstawiając soczyste, pełnokrwiste piękno tropikalnej przyrody, naturalnej, nieskażonej przez cywilizację ludzi, artysta dążył do realizacji utopijnego marzenia o ziemskim raju, o życiu człowieka w zgodzie z naturą („Czy jesteś zazdrosny?”, 1892; Żona króla”, 1896; „Zbieranie owoców ”, 1899, - wszystkie obrazy w Muzeum Puszkina w Moskwie; „Kobieta trzymająca owoc”, 1893, Ermitaż, Petersburg).
„Pejzaż tahitański” 1891, Musee d'Orsay, Paryż
„Dwie dziewczyny” 1899, Metropolitan, Nowy Jork
„Pejzaż bretoński” 1894, Musee d'Orsay, Paryż
„Portret Madeleine Bernard” 1888, Muzeum Sztuki, Grenoble
„Bretońska wieś w śniegu” 1888, Muzeum Sztuki, Göteborg
„Przebudzenie ducha umarłych” 1892, Knox Gallery, Buffalo
Płótna Gauguina, pod względem dekoracyjnej kolorystyki, płaskości i monumentalności kompozycji, uogólnienia stylizowanego rysunku, nosiły wiele cech rozwijającej się w tym okresie secesji, wpłynęły na poszukiwania twórcze mistrzów grupy Nabis i innych malarzy początek XX wieku. Gauguin zajmował się także rzeźbą i grafiką.
„Tahitańskie kobiety na plaży” 1891
"Czy jesteś zazdrosny?" 1892
„Kobiety z Tahiti” 1892
„Na wybrzeżu” 1892
„Wielkie drzewa” 1891
„Nigdy (Oh Tahiti)” 1897
„Dzień Świętych” 1894
„Vairumati” 1897
"Kiedy weźmiesz ślub?" 1892
„Nad morzem” 1892
„Jeden” 1893
„Tahitańskie duszpasterstwa” 1892
„Contes barbares” (opowieści barbarzyńskie)
„Maska Tehury” 1892, drewno pua
„Merahi metua no Teha”amana (Przodkowie Teha”amana)” 1893
„Madame Mette Gauguin w sukni wieczorowej”
Latem pod koniec lat 80. ubiegłego wieku w Pont-Aven (Bretania, Francja) zgromadziło się wielu francuskich artystów. Zebrali się i niemal natychmiast podzielili na dwie wrogie frakcje. Do jednej grupy należeli artyści, którzy wkroczyli na drogę poszukiwań i których połączyła wspólna nazwa „Impresjoniści”. Według drugiej grupy, na czele której stał Paul Gauguin, nazwa ta była obraźliwa. P. Gauguin w tym czasie miał już mniej niż czterdzieści lat. Otoczony tajemniczą aureolą podróżnika, który eksplorował obce krainy, miał wielkie życiowe doświadczenie zarówno wielbicieli, jak i naśladowców jego twórczości.
Oba obozy zostały również podzielone ze względu na przewagę ich pozycji. Jeśli impresjoniści mieszkali na strychach lub strychach, to inni artyści zajmowali najlepsze pokoje Hotelu Gloanek, jadali w największej i najładniejszej sali restauracji, gdzie członkowie pierwszej grupy nie byli wpuszczani. Jednak starcia między grupami nie tylko nie przeszkodziły P. Gauguinowi w pracy, wręcz przeciwnie, w pewnym stopniu pomogły mu uświadomić sobie te cechy, które wywołały u niego gwałtowny protest. Odrzucenie analitycznej metody impresjonistów było przejawem całkowitego przemyślenia przez niego zadań malarstwa. Pragnienie impresjonistów, aby uchwycić wszystko, co widzieli, ich bardzo artystyczna zasada - nadać swoim obrazom wygląd przypadkowego podglądu - nie odpowiadała władczej i energicznej naturze P. Gauguina.
Jeszcze mniej zadowalały go teoretyczne i artystyczne poszukiwania J. Seurata, który dążył do zredukowania malarstwa do zimnego, racjonalnego użycia naukowych formuł i receptur. Puentylistyczny warsztat J. Seurata, jego metodyczne nakładanie farby krzyżowymi pociągnięciami pędzla i kropkami drażniły Paula Gauguina swoją monotonią.
Pobyt artysty na Martynice wśród natury, która wydawała mu się luksusowym, baśniowym dywanem, ostatecznie przekonał P. Gauguina do użycia w swoich obrazach wyłącznie nierozłożonego koloru. Wraz z nim artyści, którzy podzielali jego myśli, ogłosili za swoją zasadę „Syntezę”, czyli syntetyczne uproszczenie linii, kształtów i kolorów. Celem tego uproszczenia było oddanie wrażenia maksymalnego nasycenia barw i pominięcie wszystkiego, co osłabia to wrażenie. Technika ta stanowiła podstawę dawnego dekoracyjnego malarstwa fresków i witraży.
Kwestia proporcji koloru i farby była bardzo interesująca dla P. Gauguina. W swoim malarstwie starał się też wyrazić nie to, co przypadkowe i powierzchowne, ale to, co trwałe i istotne. Prawem była dla niego tylko twórcza wola artysty, a swoje zadanie artystyczne widział w wyrażaniu wewnętrznej harmonii, którą rozumiał jako syntezę szczerości natury i zaburzonego tą szczerością nastroju duszy artysty. Sam P. Gauguin mówił o tym w ten sposób: „Nie biorę pod uwagę prawdy natury, widocznej z zewnątrz… Popraw tę fałszywą perspektywę, która zniekształca temat ze względu na swoją prawdziwość… Należy unikać dynamiki. Niech wszystko oddychaj ze spokojem i spokojem, unikaj póz w ruchu... Każda z postaci musi być w nieruchomej pozycji." I zredukował perspektywę swoich obrazów, zbliżył ją do płaszczyzny, ustawiając postaci frontalnie i unikając kątów. Dlatego ludzie przedstawieni przez P. Gauguina są na obrazach nieruchomi: są jak posągi wyrzeźbione dużym dłutem bez zbędnych szczegółów.
Okres dojrzałej twórczości Paula Gauguina rozpoczął się na Tahiti, to tutaj problem artystycznej syntezy uzyskał w nim pełny rozwój. Na Tahiti artysta wyrzekł się wielu rzeczy, które znał: w tropikach formy są wyraźne i wyraźne, cienie są ciężkie i gorące, a kontrasty są szczególnie ostre. Tutaj wszystkie zadania postawione przez niego w Pont-Aven zostały rozwiązane same. Farby P. Gauguina stają się czyste, bez smug. Jego tahitańskie obrazy sprawiają wrażenie orientalnych dywanów lub fresków, dzięki czemu kolory na nich są harmonijnie dobrane do określonej tonacji.
„Kim jesteśmy? Skąd jesteśmy? Dokąd zmierzamy?”
Twórczość P. Gauguina z tego okresu (czyli pierwszej wizyty artysty na Tahiti) wydaje się cudowną baśnią, którą przeżył wśród prymitywnej, egzotycznej przyrody dalekiej Polinezji. W rejonie Mataye znajduje małą wioskę, kupuje sobie chatę, z której jednej strony pluska ocean, az drugiej widać górę z ogromną szczeliną. Europejczycy jeszcze tu nie dotarli, a życie wydawało się P. Gauguinowi prawdziwym ziemskim rajem. Podporządkowuje się powolnemu rytmowi tahitańskiego życia, chłonie jaskrawe barwy błękitnego morza, czasem pokrytego zielonymi falami rozbijającymi się z hałasem o rafy koralowe.
Artysta od pierwszych dni nawiązał proste, ludzkie relacje z Tahitańczykami. Praca zaczyna coraz bardziej chwytać P. Gauguina. Wykonuje liczne szkice i szkice z natury, w każdym razie stara się uchwycić na płótnie, papierze czy drewnie charakterystyczne twarze Tahitańczyków, ich sylwetki i pozy - w trakcie pracy lub odpoczynku. W tym okresie stworzył słynne na całym świecie obrazy „Duch umarłych budzi się”, „Czy jesteś zazdrosny?”, „Rozmowa”, „Pastorale tahitańskie”.
Ale jeśli w 1891 roku droga na Tahiti wydawała mu się promienna (udał się tu po kilku artystycznych zwycięstwach we Francji), to za drugim razem udał się na ukochaną wyspę jako chory człowiek, który stracił większość złudzeń. Irytowało go wszystko po drodze: przymusowe postoje, bezużyteczne wydatki, niedogodności drogowe, drobiazgi celne, natrętni towarzysze podróży…
Tylko dwa lata nie było go na Tahiti, a tak wiele się tu zmieniło. Europejski najazd zniszczył pierwotne życie tubylców, wszystko wydaje się P. Gauguinowi bałaganem nie do zniesienia: oświetlenie elektryczne w Papeete, stolicy wyspy, nieznośne karuzele w pobliżu zamku królewskiego i dźwięki fonografu przerywające dawną ciszę .
Tym razem artysta przebywa w Punoauia, na zachodnim wybrzeżu Tahiti, budując dom na wynajętej działce z widokiem na morze i góry. Spodziewając się solidnego osiedlenia na wyspie i stworzenia warunków do pracy, nie szczędzi pieniędzy na urządzenie swojego domu i wkrótce, jak to często bywa, zostaje bez pieniędzy. P. Gauguin liczył na przyjaciół, którzy przed wyjazdem artysty z Francji pożyczyli od niego łącznie 4000 franków, ale nie spieszyli się z ich zwrotem. Mimo że wysyłał im liczne przypomnienia o obowiązkach, skarżył się na los i skrajnie przykrą sytuację...
Wiosną 1896 roku artysta znajduje się w uścisku najcięższej potrzeby. Do tego dochodzi ból złamanej nogi, która pokryta jest wrzodami i sprawia mu nieznośne cierpienie, pozbawiając go snu i energii. Myśl o daremności wysiłków w walce o byt, o niepowodzeniu wszelkich planów artystycznych każe mu coraz częściej myśleć o samobójstwie. Ale gdy tylko P. Gauguin poczuje najmniejszą ulgę, natura artysty bierze w nim górę, a pesymizm rozprasza się przed radością życia i kreatywnością.
Były to jednak chwile rzadkie, a nieszczęścia następowały jedno po drugim z katastrofalną regularnością. A najstraszniejszą dla niego rzeczą była wiadomość z Francji o śmierci jego ukochanej córki Aliny. Nie mogąc przeżyć straty, P. Gauguin wziął ogromną dawkę arszeniku i udał się w góry, aby nikt nie mógł go powstrzymać. Próba samobójcza doprowadziła do tego, że noc spędził w strasznej agonii, bez żadnej pomocy iw całkowitej samotności.
Artysta przez długi czas był w całkowitym pokłonie, nie mógł utrzymać pędzla w dłoniach. Jedynym pocieszeniem było ogromne płótno (450 x 170 cm), namalowane przez niego przed próbą samobójczą. Nazwał obraz „Skąd jesteśmy? Kim jesteśmy? Dokąd idziemy?” a w jednym ze swoich listów napisał: „Włożyłem w to, zanim umarłem, całą swoją energię, tak żałobną namiętność w moich strasznych okolicznościach i wizję tak jasną, bez korekty, że ślady pośpiechu zniknęły i całe życie jest w nim widoczny”.
P. Gauguin pracował nad obrazem w strasznym napięciu, choć pomysł na to płótno kiełkował w wyobraźni od dawna, sam nie potrafił dokładnie określić, kiedy powstał pomysł tego płótna. Odrębne fragmenty tego monumentalnego dzieła pisał w różnych latach iw innych utworach. Na przykład postać kobieca z „Tahitańskich pasterzy” jest powtórzona na tym obrazie obok idola, centralna postać zbieracza owoców została znaleziona w złotej etiudzie „Człowiek zbierający owoce z drzewa”…
Marząc o poszerzeniu możliwości malarstwa, Paul Gauguin starał się nadać swojemu obrazowi charakter fresku. W tym celu pozostawia dwa górne rogi (jeden z nazwą obrazu, drugi z sygnaturą artysty) żółte i niewypełnione malarstwem - „jak fresk, uszkodzony w rogach i nałożony na złotą ścianę”.
Wiosną 1898 roku wysłał obraz do Paryża, aw liście do krytyka A. Fontaine'a donosił, że jego celem nie było „stworzenie skomplikowanego łańcucha pomysłowych alegorii, które należałoby rozwiązać. Wręcz przeciwnie, alegoryczna treść obrazu jest niezwykle prosta - ale nie w sensie odpowiedzi na postawione pytania, ale w sensie samego stawiania tych pytań. Paul Gauguin nie zamierzał odpowiadać na pytania, które umieścił w tytule obrazu, ponieważ wierzył, że są one i będą straszną i najsłodszą tajemnicą dla ludzkiej świadomości. Istota alegorii przedstawionych na tym płótnie polega więc na czysto obrazowym ucieleśnieniu tej zagadki czyhającej w naturze, świętej grozy nieśmiertelności i tajemnicy bytu.
Podczas swojej pierwszej wizyty na Tahiti P. Gauguin patrzył na świat entuzjastycznymi oczami wielkiego dziecka-ludzi, dla którego świat nie stracił jeszcze swojej nowości i wspaniałych kamieni szlachetnych. Jego dziecinnie wzniosłe spojrzenie ujawniło kolory niewidoczne dla innych w naturze: szmaragdową trawę, szafirowe niebo, ametystowy cień słońca, rubinowe kwiaty i czyste złoto maoryskiej skóry. Tahitańskie obrazy P. Gauguina z tego okresu płoną szlachetnym złotym blaskiem, jak witraże gotyckich katedr, odlane królewskim przepychem bizantyjskich mozaik i pachną bogatymi plamami kolorów.
Samotność i głęboka rozpacz, które ogarnęły go podczas drugiej wizyty na Tahiti, zmusiły P. Gauguina do zobaczenia wszystkiego tylko na czarno. Naturalny instynkt mistrza i jego kolorystyczny wzrok nie pozwoliły jednak artyście całkowicie zatracić smaku życia i jego barw, choć stworzył ponure płótno, namalował je w stanie mistycznego przerażenia.
Więc czym jest ten obraz? Podobnie jak wschodnie rękopisy, które należy czytać od prawej do lewej, treść obrazu rozwija się w tym samym kierunku: krok po kroku odsłania się bieg ludzkiego życia – od początków do śmierci, niosącej lęk przed niebytem.
Przed widzem, na dużym, rozciągniętym w poziomie płótnie, przedstawiony jest brzeg leśnego potoku, w którego ciemnych wodach odbijają się tajemnicze, nieokreślone cienie. Po drugiej stronie gęsta, bujna tropikalna roślinność, szmaragdowa trawa, gęste zielone krzewy, dziwne błękitne drzewa, „rosnące jak nie na ziemi, ale w raju”.
Pnie drzew dziwnie się wiją, splatają, tworząc koronkową sieć, przez którą widać morze z białymi grzbietami przybrzeżnych fal, ciemnopurpurową górę na sąsiedniej wyspie, błękitne niebo – „spektakl dziewiczej przyrody, który mógłby być rajem”. ”.
Na pierwszym planie obrazu, na terenie wolnym od roślin, wokół kamiennego posągu bóstwa znajduje się grupa ludzi. Bohaterów nie łączy żadne wydarzenie ani wspólna akcja, każdy jest zajęty swoim i pogrążony w sobie. Reszty śpiącego dziecka pilnuje duży czarny pies; „trzy kobiety kucają, jakby nasłuchiwały samych siebie, zastygłe w oczekiwaniu na jakąś nieoczekiwaną radość. Stojący pośrodku młody mężczyzna obiema rękami zrywa owoc z drzewa… Jedna postać, celowo ogromna wbrew prawom perspektywy ... podnosi rękę, patrząc ze zdziwieniem na dwie postacie, które ośmielają się pomyśleć o swoim losie.
Obok posągu samotna kobieta, jakby mechanicznie, odchodzi na bok, pogrążona w stanie intensywnej, skupionej refleksji. Po ziemi zbliża się do niej ptak. Po lewej stronie płótna siedzące na ziemi dziecko bierze do ust owoc, kot chłpie z miski... A widz zadaje sobie pytanie: "Co to wszystko znaczy?"
Na pierwszy rzut oka wydaje się to codziennością, ale oprócz bezpośredniego znaczenia każdy obraz niesie ze sobą poetycką alegorię, wskazówkę dotyczącą możliwości interpretacji figuratywnej. I tak np. motyw leśnego potoku czy tryskającej z ziemi źródlanej wody jest ulubioną metaforą Gauguina dla źródła życia, tajemniczego początku bytu. Śpiące dziecko uosabia czystość zarania ludzkiego życia. Młody mężczyzna zbierający owoce z drzewa i kobiety siedzące na ziemi po prawej stronie uosabiają ideę organicznej jedności człowieka z naturą, naturalności jego istnienia w niej.
Mężczyzna z uniesioną ręką, patrzący ze zdziwieniem na swoich przyjaciół, to pierwszy przebłysk niepokoju, początkowy impuls do zrozumienia tajemnic świata i bytu. Inne ujawniają zuchwałość i cierpienie ludzkiego umysłu, tajemnicę i tragedię ducha, które tkwią w nieuchronności poznania przez człowieka jego śmiertelnego przeznaczenia, krótkości ziemskiej egzystencji i nieuchronności końca.
Sam Paul Gauguin podał wiele wyjaśnień, ale ostrzegał przed pragnieniem zobaczenia na swoim obrazie ogólnie przyjętych symboli, zbyt prostego rozszyfrowania obrazów, a tym bardziej szukania odpowiedzi. Niektórzy historycy sztuki uważają, że stan depresyjny artysty, który doprowadził go do próby samobójczej, został wyrażony w ścisłym, zwięzłym języku artystycznym. Zauważają, że obraz jest przeładowany drobnymi szczegółami, które nie wyjaśniają ogólnej idei, a jedynie dezorientują widza. Nawet wyjaśnienia w listach mistrza nie są w stanie rozwiać mistycznej mgły, którą włożył w te szczegóły.
Sam P. Gauguin uważał swoje dzieło za duchowy testament, być może dlatego obraz stał się poematem obrazkowym, w którym konkretne obrazy przemieniały się w wzniosłą ideę, a materię w ducha. W fabule płótna dominuje poetycki nastrój, bogaty w nieuchwytne odcienie i wewnętrzne znaczenia. Jednak nastrój pokoju i łaski przesłonięty jest już niejasnym niepokojem kontaktu ze światem tajemniczym, rodzi uczucie ukrytego niepokoju, bolesnej nierozwiązywalności najskrytszych tajemnic bytu, tajemnicy przyjścia na świat człowieka i tajemnicę jego zniknięcia. Na obrazie szczęście przyćmiewa cierpienie, duchowe udręki zmywa słodycz fizycznej egzystencji - „złoty horror, okryty radością”. Wszystko jest nierozłączne, jak w życiu.
P. Gauguin celowo nie koryguje niewłaściwych proporcji, starając się za wszelką cenę zachować szkicową manierę. Doceniał tę szkicowość, niekompletność, szczególnie wysoko, wierząc, że to ona wniosła żywy strumień na płótno i nadała obrazowi szczególną poezję, która nie jest charakterystyczna dla rzeczy skończonych i przesadnie wykończonych.
"Martwa natura"
„Jakub walczący z aniołem” 1888
„Utrata dziewictwa”
„Tajemnicze źródło” (Pape moe)
„Narodziny Chrystusa, Syna Bożego (Te tamari no atua)”
„Żółty Chrystus”
„Miesiąc Maryi”
„Kobieta trzymająca płód” 1893
„Cafe in Arles”, 1888, Muzeum Puszkina, Moskwa
„Żona króla” 1896
„Żółty Chrystus”
"Biały koń"
„Idol” 1898 Ermitaż
„Sen” (Te rerioa)
„Poimes barbares (wersety barbarzyńskie)”
„Dzień dobry, panie Gauguin”
„Autoportret” ok. 1890-1899
„Autoportret z paletą” Zbiory prywatne 1894
„Autoportret” 1896
„Autoportret na Kalwarii” 1896
francuski artysta Paul Gauguin dużo podróżował, ale wyspa Tahiti była dla niego miejscem szczególnym – krainą „ekstazy, spokoju i sztuki”, która stała się dla artysty drugim domem. To tutaj pisze swoje najwybitniejsze dzieła, z których jedno - "Czy jesteś zazdrosny?"- zasługuje na szczególną uwagę.
Po raz pierwszy Paul Gauguin przybył na Tahiti w 1891 roku. Miał nadzieję znaleźć tu ucieleśnienie swojego marzenia o złotym wieku, o życiu w zgodzie z naturą i ludźmi. Port Papeete, który go spotkał, rozczarował artystę: nijakie miasteczko, chłodne spotkania z miejscowymi kolonistami i brak zamówień na portrety skłoniły go do szukania nowej przystani. Gauguin spędził około dwóch lat w rodzinnej wiosce Mataiea, był to jeden z najbardziej owocnych okresów w jego twórczości: w ciągu 2 lat namalował około 80 płócien. 1893-1895 spędza we Francji, a potem ponownie wyjeżdża do Oceanii, by nigdy nie wrócić.
Gauguin zawsze mówił o Tahiti ze szczególnym ciepłem: „Urzekła mnie ta ziemia i jej ludzie, prości, nie zepsuci przez cywilizację. Aby stworzyć coś nowego, musimy zwrócić się do naszych początków, do dzieciństwa ludzkości. Eva, którą wybieram, jest prawie zwierzęciem, więc pozostaje czysta, nawet naga. Wszystkie Wenus wystawione w Salonie wyglądają nieprzyzwoicie, obrzydliwie lubieżnie…”. Gauguin niestrudzenie podziwiał tahitańskie kobiety, ich powagę i prostotę, majestat i spontaniczność, niezwykłą urodę i naturalny wdzięk. Malował je na wszystkich swoich płótnach.
Obraz „Czy jesteś zazdrosny?” powstał podczas pierwszego pobytu Gauguina na Tahiti, w 1892 roku. To właśnie w tym okresie twórczości pojawiła się w jego stylu niezwykła harmonia koloru i formy. Wychodząc od zwykłej fabuły, zajrzanej w codzienne życie tahitańskich kobiet, artystka tworzy prawdziwe arcydzieła, w których kolor staje się głównym nośnikiem symbolicznych treści. Krytyk Paul Delaroche napisał: „Jeśli Gauguin, reprezentujący zazdrość, robi to z różem i fioletem, to wydaje się, że bierze w tym udział cała natura”.
Artysta tak tłumaczył swój styl twórczy w tym okresie: „Za pretekst biorę każdy temat zapożyczony z życia lub natury i mimo rozmieszczenia linii i kolorów otrzymuję symfonię i harmonię, które nie przedstawiają niczego do końca realnego w dokładne znaczenie tego słowa…”. Gauguin zaprzeczył rzeczywistości, którą pisali realiści – stworzył inną.
Fabuła obrazu „Czy jesteś zazdrosny?” podglądał też codzienne życie tahitańskich kobiet: aborygeńskie siostry po kąpieli wygrzewają się na brzegu i rozmawiają o miłości. Jedno ze wspomnień nagle wywołuje zazdrość jednej z sióstr, co sprawiło, że druga nagle usiadła na piasku i wykrzyknęła: „Ach, jesteś zazdrosna!” Artysta napisał te słowa w lewym dolnym rogu płótna, odtwarzając mowę tahitańską alfabetem łacińskim. Z tego przypadkowego epizodu czyjegoś życia narodziło się arcydzieło sztuki.
Obie dziewczyny przedstawione na zdjęciu są nagie, ale w ich nagości, mimo zmysłowych póz, nie ma nic wstydliwego, dziwnego, erotycznego czy wulgarnego. Ich nagość jest równie naturalna, jak niezwykle jasna egzotyczna przyroda wokół. Według europejskich kanonów piękna trudno je nazwać atrakcyjnymi, ale Gauguinowi wydają się piękne, a on w pełni udaje mu się uchwycić swój stan emocjonalny na płótnie.
Gauguin przywiązywał szczególną wagę do tego obrazu. W 1892 roku powiedział w liście do przyjaciela: „Niedawno namalowałem wspaniały obraz aktów, dwóch kobiet na plaży, co uważam za najlepszą rzecz, jaką kiedykolwiek zrobiłem”. Tahitańskie kobiety są tajemnicze i niewytłumaczalnie piękne, tak jak inne
1848-1903: między tymi postaciami - całe życie największego, wielkiego, genialnego malarza Paula Gauguina.
„Jedynym sposobem, aby stać się Bogiem, jest robienie tego, co On: tworzenie”.
Paul Gauguin
na zdjęciu: fragment zdjęcia Paul Gauguin„Autoportret z paletą”, 1894
Szczegóły życia Paul Gauguin stworzył jedną z najbardziej niezwykłych biografii w historii sztuki. Jego życie naprawdę dało różnym ludziom powody do mówienia o nim, podziwiania, śmiechu, urazy i klękania.
Paul Gauguin: Wczesne lata
Paul Eugeniusz Henri Gauguin Urodził się w Paryżu 7 czerwca 1848 roku w rodzinie dziennikarza Clovisa Gauguina, zagorzałego radykała. Po klęsce powstania czerwcowego rodzina Gauguina ze względów bezpieczeństwa była zmuszona przenieść się do krewnych w Peru, gdzie Clovis zamierzał wydawać własne czasopismo. Ale w drodze do Ameryki Południowej dziennikarz zmarł na atak serca, pozostawiając żonę z dwójką małych dzieci. Musimy oddać hołd wytrzymałości psychicznej matki artysty, która sama, bez skarg, wychowywała dzieci.
Świecący przykład odwagi w środowisku rodzinnym pola była jego babka Flora Tristan, jedna z pierwszych socjalistek i feministek w kraju, która opublikowała w 1838 r. autobiograficzną książkę „Wędrówki pariasa”. Od niej Paul Gauguin odziedziczyła nie tylko podobieństwo zewnętrzne, ale także charakter, temperament, obojętność na opinię publiczną i zamiłowanie do podróży.
Wspomnienia z życia z krewnymi w Peru były tak drogie Gauguinaże później nazwał siebie „peruwiańskim dzikusem”. Początkowo nic nie wróżyło mu losu wielkiego artysty. Po 6 latach mieszkania w Peru rodzina wróciła do Francji. Ale szare prowincjonalne życie w Orleanie i nauka w paryskiej szkole z internatem zmęczyły Gauguina, aw wieku 17 lat, wbrew woli matki, wstąpił do służby francuskiej floty handlowej i udał się do Brazylii, Chile, Peru, a następnie u wybrzeży Danii i Norwegii. Był to pierwszy, według ogólnie przyjętych standardów, wstyd, jaki Paweł sprowadzony do swojej rodziny. Matka, która zginęła w czasie jego podróży, nie wybaczyła synowi i za karę pozbawiła go jakiegokolwiek spadku. Po powrocie do Paryża w 1871 r. Gauguina z pomocą swojego opiekuna Gustawa Arosy, przyjaciela matki, dostał posadę maklera w jednej z najbardziej renomowanych firm giełdowych w stolicy. pole miał 23 lata i wielką karierę przed sobą. Dość wcześnie założył rodzinę i stał się wzorowym ojcem rodziny (miał 5 dzieci).
„Rodzina w ogrodzie” Paul Gauguin, 1881, olej na płótnie, New Carlsberg Glyptothek, Kopenhaga
Malarstwo jako hobby
Ale ich stabilne samopoczucie Gauguina bez wahania poświęcił swoją pasję do malarstwa. farba Gauguina rozpoczął się w 1870 roku. Na początku było to niedzielne hobby i Paweł skromnie oceniał jego możliwości, a rodzina uważała jego pasję do malowania za słodką ekscentryczność. Poprzez Gustave Arosę, który kochał sztukę i kolekcjonował obrazy, Paul Gauguin spotkał kilku impresjonistów, entuzjastycznie przyjmując ich pomysły.
Po udziale w 5 wystawach impresjonistów nazwa Gauguina zabrzmiało w kręgach artystycznych: artysta prześwitywał już przez paryskiego maklera. I Gauguina postanowił całkowicie poświęcić się malarstwu i nie być, jak sam mówi, „niedzielnym artystą”. Kryzys giełdowy z 1882 r., który sparaliżował sytuację finansową, również przyczynił się do wyboru na rzecz sztuki. Gauguina. Ale kryzys finansowy dotknął także malarstwo: obrazy słabo się sprzedawały i życie rodzinne Gauguina zamienił się w walkę o przetrwanie. Przeprowadzka do Rouen, a później do Kopenhagi, gdzie artysta sprzedawał wyroby z płótna, a jego żona udzielała lekcji francuskiego, nie uchroniła go przed biedą, a małżeństwo Gauguina zerwać. Gauguin wrócił do Paryża ze swoim najmłodszym synem, gdzie nie zaznał ani spokoju ducha, ani dobrego samopoczucia. Aby nakarmić syna, wielki artysta był zmuszony zarabiać, publikując plakaty. „Znałem prawdziwą biedę” — napisał Gauguina w „Zeszycie dla Aliny”, jego ukochanej córki. - To prawda, że mimo wszystko cierpienie wyostrza talent. Jednak nie powinno to być zbyt dużo, w przeciwnym razie cię zabije”.
„Kwiaty i japońska książka”, Paul Gauguin, 1882, olej na drewnie, New Carlsberg Glyptothek, Kopenhaga
Kształtowanie własnego stylu
do malowania Gauguina był to punkt zwrotny. Szkołą artysty był impresjonizm, który w tym czasie osiągnął swój szczyt, a nauczyciel był Kamila Pissarro, jeden z twórców impresjonizmu. Imię patriarchy impresjonizmu Kamila Pissarro dozwolony Gauguina wziąć udział w pięciu z ośmiu wystaw impresjonistów w latach 1874-1886.
„Wodopoj”, Paul Gauguin, 1885, olej na płótnie, własność prywatna
W połowie lat osiemdziesiątych XIX wieku rozpoczął się kryzys impresjonizmu Paul Gauguin zaczął odnajdywać się w sztuce. Wycieczka do malowniczej Bretanii, która zachowała swoje starożytne tradycje, zapoczątkowała zmiany w twórczości artysty: odejście od impresjonizmu i wypracowanie własnego stylu, łączącego elementy kultury bretońskiej z radykalnie uproszczonym stylem pisarskim – syntetyzmem. Styl ten charakteryzuje się uproszczeniem obrazu, przekazywanym przez jasną, niezwykle jaskrawą kolorystykę i celowo nadmierną dekoracyjność.
Syntetyzm pojawił się i objawił około 1888 roku w twórczości innych artystów ze szkoły Pont-Aven: Émile Bernard, Louis Anquetin, Paul Serusier i inne Cechą stylu syntetycznego było dążenie artystów do „syntezy” światów widzialnych i wyimaginowanych, a często to, co powstawało na płótnie, było wspomnieniem tego, co kiedyś widzieli. Jako nowy nurt w sztuce syntetyzm zyskał na znaczeniu po zorganizowaniu Gauguina wystawy w paryskiej kawiarni Volpini w 1889 r. Nowe pomysły Gauguina stała się koncepcją estetyczną znanej grupy Nabis, z której wyrósł nowy ruch artystyczny, Art Nouveau.
„Wizja po kazaniu (Walka Jakuba z aniołem)”, Paul Gauguin, 1888, olej na płótnie, 74,4 x 93,1 cm, National Gallery of Scotland, Edynburg
Sztuka starożytnych ludów jako źródło inspiracji dla malarstwa europejskiego
Kryzys impresjonizmu postawił artystów, którzy porzucili ślepe „naśladowanie natury” z koniecznością poszukiwania nowych źródeł inspiracji. Sztuka starożytnych ludów stała się niewyczerpanym źródłem inspiracji dla malarstwa europejskiego i wywarła silny wpływ na jego rozwój.
Styl Paula Gauguina
Fraza z listu Gauguina„W prymitywach zawsze można znaleźć ukojenie” świadczy o jego wzmożonym zainteresowaniu sztuką prymitywną. Styl Gauguina, harmonijnie łącząc impresjonizm, symbolizm, grafikę japońską i ilustrację dziecięcą, idealnie nadawał się do przedstawiania ludów „niecywilizowanych”. Jeśli impresjoniści, każdy na swój sposób, starali się analizować kolorowy świat, przekazując rzeczywistość bez specjalnej podstawy psychologicznej i filozoficznej, to Gauguina nie tylko oferował technikę wirtuozerską, ale odzwierciedlał się w sztuce:
„Dla mnie wielki artysta jest receptą na największy umysł”.
Jego obrazy to pełne harmonii metafory o złożonych znaczeniach, często przesiąknięte pogańskim mistycyzmem. Postacie ludzi, które malował z natury, nabrały symbolicznego, filozoficznego znaczenia. Relacjami kolorystycznymi artysta przekazał nastrój, stan umysłu, myśli: na przykład różowy kolor ziemi na obrazach jest symbolem radości i obfitości.
„Dzień Bóstwa (Mahana no Natua)”, Paul Gauguin, 1894, olej na płótnie, Art Institute of Chicago, USA
Z natury marzycielka Paul Gauguin przez całe życie szukał ziemskiego raju, aby uchwycić go w swoich dziełach. Szukałem go w Bretanii, na Martynice, na Tahiti, na Markizach. Trzy wyprawy na Tahiti (w 1891, 1893 i 1895), gdzie artysta namalował szereg swoich słynnych dzieł, przyniosły rozczarowanie: prymitywność wyspy została utracona. Choroby wprowadzone przez Europejczyków zmniejszyły populację wyspy z 70 do 7 tysięcy, a wraz z wyspiarzami wymarły ich obrzędy, sztuka i lokalne rzemiosło. na obrazie Gauguina„Dziewczyna z kwiatkiem” można wyczuć dwoistość struktury kulturowej na wyspie w tym czasie: wymownie świadczy o tym europejski strój dziewczyny.
„Dziewczyna z kwiatkiem” Paul Gauguin
W poszukiwaniu nowego, niepowtarzalnego języka artystycznego Gauguina nie był sam: pragnienie zmiany w sztuce zjednoczyło odmiennych i oryginalnych artystów ( Seurata, Signaca, Van Gogha, Cezanne'a, Toulouse-Lautreca, Bonnarda i inni), dając początek nowemu nurtowi – postimpresjonizmowi. Pomimo zasadniczej odmienności stylów i pisma, w twórczości postimpresjonistów można odnaleźć nie tylko jedność ideową, ale także wspólnotę codzienności – z reguły samotność i tragizm życiowych sytuacji. Opinia publiczna ich nie rozumiała i nie zawsze rozumieli się nawzajem. W recenzjach wystawy malarstwa Gauguina przywiezionego z Tahiti można było przeczytać:
„Aby zabawić swoje dzieci, wyślij je na wystawę Gauguina. Będą bawić się przed kolorowymi obrazkami przedstawiającymi czwororękie stworzenia kobiece rozciągnięte na stole bilardowym…”.
Po tak uwłaczającej krytyce Paul Gauguin nie został w domu iw 1895 ponownie i po raz ostatni wyjechał na Tahiti. W 1901 roku artysta przeniósł się na wyspę Domenique (Markizy), gdzie zmarł na atak serca 8 maja 1903 roku. Paul Gauguin Został pochowany na miejscowym cmentarzu katolickim na Wyspie Dominika (Hiva Oa).
„Jeźdźcy na Wybrzeżu” Paul Gauguin, 1902
Nawet po śmierci artysty władze francuskie na Tahiti, które prześladowały go za życia, bezlitośnie rozprawiły się z jego artystycznym dziedzictwem. Nieświadomi urzędnicy sprzedawali jego obrazy, rzeźby, drewniane płaskorzeźby pod młotkiem za grosze. Prowadzący licytację żandarm złamał na oczach zgromadzonych rzeźbioną laskę. Gauguina, ale ukrył swoje obrazy i po powrocie do Europy otworzył muzeum artysty. Uznanie przyszło Gauguina 3 lata po jego śmierci, kiedy w Paryżu wystawiono 227 jego prac. Prasa francuska, która za życia złośliwie wyśmiewała artystę z każdej z jego nielicznych wystaw, zaczęła drukować pochwalne ody do jego sztuki. Pisano o nim artykuły, książki i wspomnienia.
"Kiedy jest ślub?", Paul Gauguin, 1892, olej na płótnie, Bazylea, Szwajcaria (do 2015)
Kiedyś w liście do Paula Serusiera Gauguina Desperacko zasugerował: „... moje obrazy mnie przerażają. Społeczeństwo nigdy ich nie zaakceptuje”. Jednak zdjęcia Gauguina społeczeństwo akceptuje i kupuje za duże pieniądze. Na przykład w 2015 roku bezimienny nabywca z Kataru (według MFW – najbogatszego kraju na świecie od 2010 roku) kupił obraz Gauguina„Kiedy jest ślub?” za 300 milionów dolarów. Obraz Gauguina otrzymał honorowy status najdroższego obrazu świata.
Aby być sprawiedliwym, należy to zauważyć Gauguina w ogóle nie przejmował się brakiem zainteresowania opinii publicznej jego twórczością. Był przekonany: „Każdy powinien podążać za swoją pasją. Wiem, że ludzie będą mnie coraz mniej rozumieć. Ale czy to naprawdę może mieć znaczenie?” Całe życie Paul Gauguin była walką z filisterstwem i uprzedzeniami. Zawsze przegrywał, ale dzięki swojej obsesji nigdy się nie poddał. Miłość do sztuki, która mieszkała w jego niezłomnym sercu, stała się gwiazdą przewodnią dla artystów, którzy poszli w jego ślady.
Był odnoszącym sukcesy przedsiębiorcą iw ciągu kilku lat dorobił się dużej fortuny, która wystarczyłaby na utrzymanie całej rodziny - żony i pięciorga dzieci. Ale w pewnym momencie ten człowiek wrócił do domu i powiedział, że chce zamienić swoją nudną pracę finansową na farby olejne, pędzle i płótno. W ten sposób odszedł z giełdy i pochłonięty swoim ulubionym biznesem został z niczym.
Teraz postimpresjonistyczne płótna Paula Gauguina szacuje się na ponad milion dolarów. Na przykład w 2015 roku obraz artysty pt. „Kiedy ślub?” (1892), przedstawiający dwie tahitańskie kobiety i malowniczy tropikalny krajobraz, został sprzedany na aukcji za 300 milionów dolarów. Okazało się jednak, że za życia utalentowany Francuz, podobnie jak jego kolega ze sklepu, nie otrzymał zasłużonego uznanie i sławę. Ze względu na sztukę Gauguin celowo skazał się na egzystencję biednego wędrowca i zamienił bogate życie na skrajną biedę.
Dzieciństwo i młodość
Przyszły artysta urodził się w mieście miłości – stolicy Francji – 7 czerwca 1848 roku, w tym niespokojnym czasie, gdy kraj Cezanne’a i Parmezanu czekały polityczne przewroty, wpływające na życie wszystkich obywateli – od zwykłych kupców po wielkich przedsiębiorców . Ojciec Paula, Clovis, pochodził z drobnomieszczaństwa Orleanu, pracował jako liberalny dziennikarz w lokalnej gazecie Nacional i skrupulatnie zajmował się kronikami spraw państwowych.
Jego żona Alina Maria pochodziła ze słonecznego Peru, dorastała i wychowywała się w rodzinie szlacheckiej. Matka Aliny, a zatem babcia Gauguina, nieślubna córka szlachcica Don Mariano i Flory Tristan, wyznająca idee polityczne utopijnego socjalizmu, stała się autorką krytycznych esejów i autobiograficznej książki Wędrówki partii. Związek Flory i jej męża Andre Chazala zakończył się smutno: nieszczęsny kochanek zaatakował swoją żonę i trafił do więzienia za usiłowanie zabójstwa.
Z powodu zawirowań politycznych we Francji Clovis w obawie o bezpieczeństwo swojej rodziny został zmuszony do ucieczki z kraju. Ponadto władze zamknęły wydawnictwo, w którym pracował, a dziennikarz został bez środków do życia. Dlatego głowa rodziny wraz z żoną i małymi dziećmi udała się w 1850 roku statkiem do Peru.
Ojciec Gauguina był pełen dobrych nadziei: marzył o osiedleniu się w państwie południowoamerykańskim i pod auspicjami rodziców żony o założeniu własnej gazety. Jednak plany mężczyzny nie spełniły się, ponieważ podczas podróży Clovis nagle zmarł na zawał serca. Dlatego Alina wróciła do ojczyzny jako wdowa wraz z 18-miesięcznym Gauguinem i jego 2-letnią siostrą Marie.
Do siódmego roku życia Paul mieszkał w starożytnym stanie Ameryki Południowej, którego górzyste malownicze obrzeża pobudzają wyobraźnię każdej osoby. Młody Gauguin miał oko za oko: w posiadłości swojego wuja w Limie był otoczony przez służących i pielęgniarki. Paul zachował żywe wspomnienie tego okresu dzieciństwa, z przyjemnością wspominał bezkresne przestrzenie Peru, z których wrażenia prześladowały utalentowanego artystę do końca życia.
Idylliczne dzieciństwo Gauguina w tym tropikalnym raju nagle się skończyło. W wyniku konfliktów domowych w Peru w 1854 r. wybitni krewni ze strony matki utracili władzę polityczną i przywileje. W 1855 roku Alina wróciła z Marią do Francji, aby otrzymać spadek po wuju. Kobieta osiedliła się w Paryżu i zaczęła zarabiać na życie jako krawcowa, podczas gdy Paul pozostał w Orleanie, gdzie wychowywał go dziadek ze strony ojca. Dzięki wytrwałości i pracy w 1861 roku rodzic Gauguina stał się właścicielem własnej pracowni krawieckiej.
Po kilku lokalnych szkołach Gauguin został wysłany do prestiżowej katolickiej szkoły z internatem (Petit Seminaire de La Chapelle-Saint-Mesmin). Paweł był pilnym uczniem, więc wyróżniał się z wielu przedmiotów, ale dla utalentowanego młodzieńca szczególnie dobry był język francuski.
Gdy przyszły artysta miał 14 lat, wstąpił do Szkoły Przygotowawczej Marynarki Wojennej w Paryżu i przygotowywał się do wstąpienia do szkoły żeglarskiej. Ale na szczęście lub nieszczęście w 1865 roku młody człowiek nie zdał egzaminów przed komisją selekcyjną, dlatego nie tracąc nadziei został zatrudniony na statku jako pilot. Tak więc młody Gauguin wyruszył w podróż po bezkresnych przestrzeniach wodnych i podróżował cały czas po wielu krajach, odwiedził Amerykę Południową, wybrzeże Morza Śródziemnego, eksplorował morza północne.
Kiedy Paweł był na morzu, jego matka zmarła z powodu choroby. Gauguin pozostawał w niewiedzy o strasznej tragedii przez kilka miesięcy, aż list z nieprzyjemnymi wiadomościami od jego siostry wyprzedził go w drodze do Indii. W testamencie Alina zaleciła swojemu potomstwu zrobienie kariery, ponieważ jej zdaniem Gauguin ze względu na swój uparty temperament nie będzie mógł polegać na przyjaciołach lub krewnych w razie kłopotów.
Paweł nie sprzeciwił się ostatniej woli rodziców iw 1871 roku wyjechał do Paryża, aby rozpocząć samodzielne życie. Młody człowiek miał szczęście, ponieważ przyjaciel jego matki, Gustave Arosa, pomógł 23-letniemu osieroconemu chłopcu wyrwać się z łachmanów do bogactwa. Gustaw, makler giełdowy, polecił Paula do firmy, dzięki czemu młody człowiek dostał posadę maklera.
Obraz
Utalentowany Gauguin odniósł sukces w swoim zawodzie, człowiek zaczął mieć pieniądze. Przez dziesięć lat swojej kariery stał się osobą szanowaną w społeczeństwie i zdołał zapewnić rodzinie wygodne mieszkanie w centrum miasta. Podobnie jak jego opiekun Gustave Arosa, Paul zaczął kupować obrazy słynnych impresjonistów, aw wolnych chwilach zainspirowany obrazami Gauguina zaczął próbować swoich sił.
W latach 1873-1874 Paul stworzył pierwsze żywe krajobrazy odzwierciedlające kulturę peruwiańską. Jedna z debiutanckich prac młodej artystki – „Leśne zarośla w Viroffie” – została wystawiona w Salonie i zebrała entuzjastyczne recenzje krytyków. Wkrótce mistrz nowicjuszy poznał Camille Pissarro, francuskiego malarza. Ciepła przyjaźń rozwinęła się między tymi dwoma kreatywnymi ludźmi, Gauguin często odwiedzał swojego mentora na północno-zachodnich przedmieściach Paryża - Pontoise.
Artysta, który nie znosi świeckiego życia i kocha samotność, coraz częściej wolny czas poświęca malowaniu, stopniowo pośrednik jest postrzegany nie jako pracownik dużej firmy, ale jako utalentowany artysta. Pod wieloma względami na los Gauguina wpłynęła jego znajomość z pewnym, oryginalnym przedstawicielem ruchu impresjonistycznego. Degas wspiera Paula zarówno moralnie, jak i finansowo, kupując jego ekspresyjne płótna.
W poszukiwaniu inspiracji i relaksu z hałaśliwej stolicy Francji mistrz spakował walizkę i wyruszył w podróż. Odwiedził więc Panamę, mieszkał z Van Goghiem w Arles, odwiedził Bretanię. W 1891 roku, wspominając szczęśliwe dzieciństwo spędzone w ojczyźnie matki, Gauguin wyjeżdża na Tahiti, wulkaniczną wyspę, której bezkresy dają upust fantazji. Podziwiał rafy koralowe, gęste dżungle, w których rosną soczyste owoce i lazurowe brzegi morza. Paul starał się przekazać wszystkie naturalne kolory, które widział na płótnach, dzięki czemu dzieła Gauguina okazały się oryginalne i jasne.
Artysta obserwował to, co się wokół niego działo i to, co zobaczył, uchwycił wrażliwym artystycznym okiem w swoich pracach. A więc fabuła obrazu „Czy jesteś zazdrosny?” (1892) pojawił się w rzeczywistości przed oczami Gauguina. Dwie siostry Tahitian, które właśnie się wykąpały, położyły się w odprężonych pozycjach na brzegu w palącym słońcu. Z dziewczęcego dialogu o miłości Gauguin usłyszał spór: „Jak? Czy jesteś zazdrosny!". Paul przyznał później, że ten obraz jest jednym z jego ulubionych dzieł.
W tym samym 1892 roku mistrz namalował mistyczne płótno „Duch zmarłych nie śpi”, wykonane w ponurych, tajemniczych odcieniach fioletu. Widz widzi leżącą na łóżku nagą tahitańską kobietę, a za nią duch w ponurej szacie. Faktem jest, że pewnego dnia w lampie artysty zabrakło oleju. Zapalił zapałkę, aby oświetlić przestrzeń, przerażając w ten sposób Tehurę. Paul zaczął się zastanawiać, czy ta dziewczyna mogłaby wziąć artystę nie za osobę, ale za ducha lub ducha, którego Tahitańczycy bardzo się boją. Te mistyczne myśli Gauguina zainspirowały go fabułą obrazu.
Rok później mistrz maluje kolejny obraz zatytułowany „Kobieta trzymająca płód”. Idąc jego śladem, Gauguin podpisuje to arcydzieło drugim, maoryskim imieniem Euhaereiaoe („Dokąd [jedziesz]?”). W tej pracy, podobnie jak we wszystkich pracach Pawła, człowiek i natura są statyczne, jakby zlewały się w jedno. Początkowo obraz ten został zakupiony przez rosyjskiego kupca, obecnie dzieło znajduje się w murach Państwowego Ermitażu. Między innymi autor Szyjącej w ostatnich latach życia napisał książkę NoaNoa, wydaną w 1901 roku.
Życie osobiste
Paul Gauguin w 1873 roku złożył propozycję małżeństwa Duńczykowi Matte-Sophie Gad, który zgodził się i dał swojemu kochankowi czwórkę dzieci: dwóch chłopców i dwie dziewczynki. Gauguin uwielbiał swoje pierwsze dziecko, Emila, urodzonego w 1874 roku. Wiele płócien mistrza pędzli i farb zdobi wizerunek poważnego chłopca, który sądząc po pracach lubił czytać książki.
Niestety życie rodzinne wielkiego impresjonisty nie było bezchmurne. Obrazy mistrza nie były sprzedawane i nie przynosiły dawnego dochodu, a żona artysty nie była zdania, że ze słodkim rajem w chacie. Z powodu trudnej sytuacji Pawła, który ledwo wiązał koniec z końcem, często dochodziło między małżonkami do kłótni i konfliktów. Po przybyciu na Tahiti Gauguin poślubił młodą miejscową piękność.
Śmierć
Kiedy Gauguin był w Papeete, pracował bardzo wydajnie i udało mu się napisać około osiemdziesięciu płócien, które są uważane za najlepsze w jego historii. Ale los przygotował nowe przeszkody dla utalentowanego człowieka. Gauguinowi nie udało się zdobyć uznania i sławy wśród wielbicieli twórczości, więc pogrążył się w depresji.
Z powodu czarnej passy, która pojawiła się w jego życiu, Paul podejmował próby samobójcze więcej niż raz. Stan umysłu artysty doprowadził do znęcania się nad zdrowiem, autor „Bretońskiej wioski pod śniegiem” zachorował na trąd. Wielki mistrz zmarł na wyspie 9 maja 1903 roku w wieku 54 lat.
Niestety, jak to często bywa, sława przyszła do Gauguina dopiero po jego śmierci: trzy lata po śmierci mistrza jego płótna zostały wystawione publicznie w Paryżu. Ku pamięci Paula w 1986 roku nakręcono film „Wilk na progu”, w którym rolę artysty grał słynny hollywoodzki aktor. Brytyjski prozaik napisał także dzieło biograficzne „Księżyc i grosz”, w którym Paul Gauguin stał się prototypem głównego bohatera.
Dzieła sztuki
- 1880 - „Szyjąca kobieta”
- 1888 - „Wizja po kazaniu”
- 1888 - „Kawiarnia w Arles”
- 1889 - „Żółty Chrystus”
- 1891 - „Kobieta z kwiatem”
- 1892 - „Duch zmarłych nie śpi”
- 1892 - „Ach, czy jesteś zazdrosny?”
- 1893 - „Kobieta trzymająca płód”
- 1893 - „Nazywała się Vairaumati”
- 1894 - „Zabawy złego ducha”
- 1897–1898 - „Skąd się wzięliśmy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy?"
- 1897 - „Nigdy więcej”
- 1899 - „Zbieranie owoców”
- 1902 - „Martwa natura z papugami”
W szczególności arcydzieła sztuki są odbiciem drogi człowieka, ucieleśnieniem uczucia, którego nie można opisać słowami. Być może mają głębsze, bardziej fundamentalne znaczenie. Paul Gauguin, łowca tajemnic i, jak go nazywano, słynny „twórca mitów”, próbował go odnaleźć.
Paul Gauguin był tą kreatywną osobą, która w locie pojmuje nowe rzeczy, nieustannie angażując się w samokształcenie. Ale to, co zobaczył, postrzegał na swój sposób, podświadomie wprowadzało go w jego artystyczny świat i łączył go z innymi częściami. Stworzył świat własnych fantazji i myśli, stworzył własną mitologię. Zaczynając jako samouk, Gauguin był pod wpływem szkoły Barbizon, impresjonistów, symbolistów i indywidualnych artystów, z którymi spotkał go los. Ale po opanowaniu niezbędnych umiejętności technicznych poczuł nieodpartą potrzebę znalezienia własnej drogi w sztuce, która pozwoliłaby mu wyrazić swoje myśli i idee.
Eugene Henri Paul Gauguin 7 czerwca 1848 w Paryżu, zm. Tym razem przypadły na lata rewolucji francuskiej. W 1851 roku, po zamachu stanu, rodzina przeniosła się do Peru, gdzie chłopiec był zafascynowany jasnym, niepowtarzalnym pięknem nieznanego kraju. Jego ojciec, liberalny dziennikarz, zmarł w Panamie, a rodzina osiedliła się w Limie.
Do siódmego roku życia Paweł mieszkał z matką w Peru. Dziecięce „kontakty” z egzotyczną przyrodą, z jaskrawymi strojami ludowymi głęboko zapadły mu w pamięć i wpłynęły na nieustanną chęć zmiany miejsca. Po powrocie do ojczyzny w 1855 roku nieustannie powtarzał, że wróci do „raju utraconego”.
Lata dzieciństwa spędzone w Limie i Orleanie zdeterminowały losy artysty. Po ukończeniu szkoły średniej w 1865 roku Gauguin jako młody człowiek wstępuje do francuskiej floty handlowej i przez sześć lat podróżuje po świecie. W latach 1870 - 1871 przyszły artysta bierze udział w wojnie francusko-pruskiej, w bitwach na Morzu Śródziemnym i Północnym.
Po powrocie do Paryża w 1871 roku Gauguin objawia się jako makler giełdowy pod okiem swojego bogatego opiekuna Gustave'a Arosy. Arosa był wówczas wybitnym kolekcjonerem malarstwa francuskiego, w tym współczesnego impresjonizmu. To właśnie Arosa rozbudził w Gauguinie zainteresowanie sztuką i je wspierał.
Zarobki Gauguina były bardzo przyzwoite, aw 1873 roku Paul ożenił się z Duńczykiem Mette Sophie Gad, która służyła jako guwernantka w Paryżu. Dom, w którym osiedlili się nowożeńcy, Gauguin zaczął dekorować kupionymi przez siebie obrazami i kolekcjonowaniem, którymi poważnie się zainteresował. Paul znał wielu malarzy, ale Camille Pissarro, który uważał, że „można zrezygnować ze wszystkiego! dla sztuki” to artysta, który pozostawił w swoim umyśle największy emocjonalny ślad.
Paul zaczął malować i oczywiście próbował sprzedawać swoje dzieła. Idąc za jego przykładem Arosa, Gauguin kupuje impresjonistyczne płótna. W 1876 wystawił w Salonie swój własny obraz. Żona uznała to za dziecinne, a kupowanie obrazów było stratą pieniędzy.
W styczniu 1882 r. załamała się francuska giełda i bank Gauguina pękać. Gauguin ostatecznie rozstał się z myślą o znalezieniu pracy i po bolesnych namysłach, w 1883 roku dokonał wyboru, mówiąc żonie, że malowanie to jedyny sposób, w jaki może zarobić na życie. Oszołomiona i przerażona nieoczekiwaną wiadomością Mette przypomniała Paulowi, że mają pięcioro dzieci i nikt nie kupuje jego obrazów – wszystko na próżno! Ostateczne zerwanie z żoną pozbawiło go domu. Żyjąc z dnia na dzień za pożyczone pieniądze na przyszłe opłaty, Gauguin nie wycofuje się. Paweł uparcie szuka własnej drogi w sztuce.
We wczesnych obrazach Gauguina XIX wieku, wykonany na poziomie malarstwa impresjonistycznego, nie ma w nim nic niezwykłego, dla czego warto byłoby porzucić nawet średnio płatną pracę, okoliczności zmusiły go do przekształcenia hobby w rzemiosło, które zapewniłoby jemu i jego rodzinie środki do życia.
Czy Gauguin uważał się wtedy za malarza? Kopenhaska „”, napisana zimą 1884 - 1885, wyznacza ważny punkt zwrotny w życiu Gauguina i jest punktem wyjścia do kształtowania wizerunku artysty, który będzie tworzył przez całą swoją karierę.
Gauguin odnotował ważny punkt zwrotny w swoim życiu: rok temu porzucił pracę, kończąc na zawsze karierę maklera giełdowego i egzystencję szanowanego mieszczanina, stawiając sobie za zadanie zostać wielkim artystą.
W czerwcu 1886 r Gauguina wyjeżdża do Pont - Aven, miasteczka na południowym wybrzeżu Bretanii, gdzie do dziś zachowały się oryginalne zwyczaje, zwyczaje i dawne stroje. Gauguin napisał, że Paryż jest „pustynią dla biednych”. […] Pojadę do Panamy i będę tam żył jako dzikus. [...] Wezmę ze sobą pędzle i farby i odnajdę nowe siły z dala od społeczeństwa ludzi”.
Nie tylko bieda odciągnęła Gauguina od cywilizacji. Poszukiwacz przygód o niespokojnej duszy, zawsze starał się dowiedzieć, co kryje się za horyzontem. Dlatego tak lubił eksperymenty w sztuce. Podczas podróży pociągały go egzotyczne kultury i chciał się w nich zanurzyć w poszukiwaniu nowych sposobów wizualnej ekspresji.
Tutaj zbliża się do M. Denisa, E. Bernarda, C. Lavala, P. Serusiera i C. Filizhe. Artyści entuzjastycznie badali naturę, która wydawała im się tajemniczym mistycznym działaniem. Dwa lata później grupa malarzy – wyznawców Gauguina, skupionych wokół Serusiera, otrzyma nazwę „Nabis”, co po hebrajsku oznacza „prorocy”. W Pont - Aven Gauguin maluje obrazy z życia chłopów, w których stosuje uproszczone kontury i ścisłą kompozycję. Nowy obrazowy język Gauguina wywołał ożywioną debatę wśród artystów.
W 1887 udał się na Martynikę, która urzekła go na wpół zapomnianą egzotyką tropików. Ale gorączka bagienna zmusiła artystę do powrotu do ojczyzny, gdzie pracował i zakończył leczenie w Arles. W tym samym czasie mieszkał tam jego przyjaciel Van Gogh.
Tutaj zaczyna próbować z uproszczonym „dziecinnym” rysunkiem - bez cieni, ale z bardzo chwytliwymi kolorami. Gauguin zaczął uciekać się do bardziej kolorowego koloru, nakładać grubsze masy, komponować z większym rygorem. Było to decydujące doświadczenie, które zwiastowało nowe podboje. Prace z tego okresu obejmują prace „” (1887), „” (1887).
Obrazy z Martyniki zostały wystawione w Paryżu w styczniu 1888 roku. Krytyk Felix Feneon znalazł w twórczości Gauguina „cierpliwość i barbarzyński charakter”, chociaż uznaje się, że „te dumne obrazy” już dają zrozumienie twórczej natury artysty. Jednak bez względu na to, jak owocny był okres Martyniki, nie był to punkt zwrotny w twórczości Gauguina.
Charakterystyczna cecha wszystkich rodzajów twórczości Paul Gauguin jest chęć wyjścia poza mentalność, na podstawie której zdeterminowana była jego „europejska” sztuka, chęć wzbogacenia europejskiej tradycji artystycznej o nowe środki malarskie, w inny sposób pozwalające spojrzeć na otaczający go świat, który przenika wszystkie twórczych poszukiwań artysty.
W jego słynnym obrazie „” (1888) obraz wyraźnie rozłożony na płaszczyźnie jest podzielony pionowo na strefy warunkowe położone, jak w średniowiecznych „prymitywach” czy japońskim kakemono, naprzeciwko siebie. Na martwej naturze, rozciągniętej w pionie, obraz rozwija się od góry do dołu. Podobieństwo średniowiecznego zwoju zostało zbudowane wbrew ogólnie przyjętym metodom budowania kompozycji. Na lśniącej białej płaszczyźnie - tle - jak palisada, łańcuszek okularów oddziela górną kondygnację od szczeniąt. Jest to rodzaj pojedynczej struktury elementów starego japońskiego drzeworytu autorstwa japońskiego artysty Utagawa Kuniyoshi „” i „ Martwa natura z kokardą» Paweł Cezanne.
Obraz „”, rodzaj manifestacji tego samego pomysłu porównania „odległych i różnych”, aby udowodnić ich związek, jak w „ Martwa natura z głową konia". Ale ta idea jest wyrażona w innym języku plastycznym - z całkowitym odrzuceniem wszelkiej naturalnej iluzoryczności i wiarygodności, podkreślonym przez niekonsekwencje na dużą skalę i tę samą ozdobną i dekoracyjną interpretację materiału. Tutaj można zobaczyć porównanie „różnych epok” kultury obrazkowej – wyraźnie zgrubna i uproszczona górna część obrazu, przypominająca wczesne formy sztuki „prymitywnej”, oraz dolna część, wskazująca na końcowy etap jego nowożytnej ewolucji.
Czując wpływ japońskiego rytownictwa, Gauguin zrezygnował z modelowania form, czyniąc rysunek i kolorystykę bardziej wyrazistymi. Artysta zaczął w swoich obrazach podkreślać płaski charakter płaszczyzny obrazu, nawiązując jedynie do relacji przestrzennych i zdecydowanie odrzucając perspektywę powietrzną, budując swoje kompozycje jako sekwencję płaskich planów.
Doprowadziło to do powstania symboliki syntetycznej. Nowy styl opracowany przez jego współczesnego i artystę Emile'a Bernarda wywarł na Gauguinie silne wrażenie. postrzegane Gauguina Cloisonism, którego podstawą był system jasnych kolorowych plam na płótnie, podzielony na kilka płaszczyzn o różnych kolorach z ostrymi i dziwacznymi liniami konturowymi, zastosował w swoim malarstwie kompozycyjnym „” (1888). Przestrzeń i perspektywa całkowicie zniknęły z obrazu, ustępując miejsca kolorystycznej konstrukcji powierzchni. Kolor Gauguina stał się odważniejszy, bardziej dekoracyjny i nasycony.
W liście do Van Gogha z 1888 roku Gauguin napisał, że na jego obrazie zarówno krajobraz, jak i walka Jakuba z aniołem żyją tylko w domysłach tych, którzy modlą się po kazaniu. Stąd bierze się kontrast między prawdziwymi ludźmi a bijącymi postaciami na tle pejzażu, które są nieproporcjonalne i nierealne. Niewątpliwie pod walczącym Jakubem Gauguin miał na myśli siebie, nieustannie walczącego z niesprzyjającymi okolicznościami życiowymi. Obojętnymi na jego los świadkami są modlące się bretońskie kobiety – statystki. Epizod zmagań ukazany jest jako wyimaginowana, senna scena, co odpowiada skłonnościom samego Jakuba, który we śnie przedstawił się schodom z aniołami.
Stworzył swoje płótno po pracy Bernarda „”, ale to jeszcze nie oznacza wpływu obrazu na niego, ponieważ zarówno ogólny trend twórczej ewolucji Gauguina, jak i niektóre z jego wcześniejszych dzieł świadczą o nowej wizji i ucieleśnieniu ta wizja w malarstwie.
Bretońskie kobiety Gauguina wcale nie wyglądają na świętych, postacie i typy są przenoszone, całkiem konkretnie. Ale budzi się w nich stan skupienia na sobie. Białe czapki ze skrzydlatymi trenami przyrównują je do aniołów. Artysta zrezygnował z przeniesienia objętości, z perspektywy linearnej, i zupełnie inaczej buduje kompozycję. Wszystko podporządkowane jest jednemu celowi – przekazaniu określonej myśli.
Dwa tytuły obrazu odnoszą się do dwóch różnych światów przedstawionych na płótnie. Gauguin wytyczył te światy, dzieląc je kompozycyjnie potężnym, grubym pniem drzewa, przecinającym ukośnie całe płótno. Wprowadzane są różne punkty widzenia: artysta patrzy na bliskie postacie nieco z dołu, na krajobraz - ostro z góry. Z tego powodu powierzchnia ziemi jest prawie pionowa, horyzont znajduje się gdzieś poza płótnem. Nie pozostaje pamięć o perspektywie liniowej. Istnieje rodzaj „nurkowania”, skierowanego z góry na dół „perspektywy”.
Zimą 1888 roku Gauguin podróżuje do Arles i współpracuje z Van Goghiem, który marzył o stworzeniu bractwa artystów. Wspólne dzieło Gauguina z Van Goghiem osiągnęło punkt kulminacyjny, kończąc się kłótnią obu artystów. Po ataku Van Gogha na artystę Gauguinowi objawił się egzystencjalny sens malarstwa, co całkowicie zburzyło zbudowany przez niego zamknięty system klonisizmu.
Po tym, jak został zmuszony do ucieczki przed Van Goghiem do hotelu, Gauguin lubił pracować z prawdziwym ogniem w paryskiej ceramice Chaplina i stworzył najbardziej przejmujący dialog w życiu Vincenta Van Gogha - garnek z twarzą Van Gogha i odciętym uchem zamiast rączki, nad którym rozlewają się strumienie czerwonej wody. Gauguin przedstawił się jako artysta przeklęty, jako ofiara twórczej męki.
Po Arles, gdzie Gauguin wbrew woli Van Gogha nie chciał zostać, udał się z Pont - Aven do Le Pouldu, gdzie kolejno pojawiają się jego słynne płótna z bretońskim krucyfiksem, a potem szuka siebie w Paryżu, rzucając się która kończy się wyjazdem do Oceanii z - na bezpośredni konflikt z Europą.
W wiosce Le Pouldu Paul Gauguin namalował swój obraz „” (1889). Gauguina Chciałem doświadczyć, jego słowami, „dzikiej, prymitywnej jakości” chłopskiego życia, w miarę możliwości w odosobnieniu. Gauguin nie kopiował natury, ale używał jej do rysowania wyimaginowanych obrazów.
” jest wyraźnym przykładem jego metody: odrzuca się zarówno perspektywę, jak i naturalistyczną modulację kolorów, co sprawia, że obraz wygląda jak witraże lub japońskie grafiki, które inspirowały Gauguina przez całe życie.
Różnica między Gauguinem przed przybyciem do Arles a Gauguinem po jest oczywista na przykładzie interpretacji bezpretensjonalnej i dość jasnej fabuły „”. „” (1888) wciąż przesiąknięty jest duchem epitafium, a starożytny taniec bretoński, z jego podkreślonym archaizmem, nieudolnymi i powściągliwymi ruchami dziewcząt, doskonale komponuje się z absolutnym bezruchem u podstawy stylizowanej kompozycji figur geometrycznych. Mali Bretończycy - to dwa małe cuda, zamrożone jak dwa posągi na brzegu morza. Gauguin namalował je już w następnym roku, 1889. Wręcz przeciwnie, zadziwiają kompozycyjną zasadą otwartości, nierównowagi, która napełnia te wyrzeźbione z materii nieożywionej figurki szczególną witalnością. Dwa idole, w postaci małych Bretonów, zacierają granicę między światem realnym a tamtym, który zamieszkiwał kolejne płótna Gauguina.
Na początku 1889 roku w Paryżu w kawiarni „Voltaire” podczas XX Wystawy Światowej w Brukseli Paul Gauguin pokazuje siedemnaście swoich obrazów. Ekspozycja prac Gauguina i artystów jego szkoły, nazywana przez krytyków „Wystawą impresjonistów i syntetyków”, nie powiodła się, ale dała początek terminowi „syntetyzm”, który łączył technikę klausonizmu i symbolizmu, rozwijając w kierunku przeciwnym do puentylizmu.
Paul Gauguin był głęboko zaniepokojony obrazem samotnego, niezrozumianego i cierpiącego za swoje ideały Chrystusa. W rozumieniu mistrza jego los jest ściśle związany z losem osoby twórczej. Przez Gauguina, artysta jest ascetą, świętym męczennikiem, a twórczość jest drogą krzyżową. Jednocześnie obraz mistrza wyrzutka jest dla Gauguina autobiograficzny, ponieważ sam artysta często nie był rozumiany: publiczność – jego twórczość, rodzina – droga, którą wybrał.
Artysta podjął temat ofiary i Drogi Krzyżowej w obrazach przedstawiających ukrzyżowanie Chrystusa i zdjęcie Go z krzyża – „” (1889) i „” (1889). Płótno "" przedstawia drewnianą polichromię "Ukrzyżowanie" autorstwa średniowiecznego mistrza. U jego stóp trzy bretońskie kobiety skłoniły się i zamarły w modlitewnych pozach.
Jednocześnie bezruch i majestat póz przywodzą na myśl monumentalne kamienne rzeźby, a zraniona postać ukrzyżowanego Chrystusa o twarzy pełnej smutku wręcz przeciwnie, wygląda „żywo”. Dominującą treść emocjonalną dzieła można określić jako tragicznie beznadziejną.
Obraz „” rozwija motyw poświęcenia. Opiera się na ikonografii piety. Na wąskim, wysokim cokole ustawiono drewnianą grupę rzeźbiarską ze sceną „Opłakiwanie Chrystusa” – fragment starego, okresowo zieleniejącego, średniowiecznego pomnika w Nizonie. U stóp smutna Bretonka, pogrążona w ponurych myślach, trzymająca w dłoni czarną owcę: symbol śmierci.
Ponownie stosowana jest metoda „rewitalizacji” pomnika i uczynienia z żywego człowieka pomnika. Surowe, ustawione frontalnie drewniane posągi kobiet niosących mirrę, opłakujących Zbawiciela, tragiczny wizerunek bretońskiej kobiety nadają płótnu iście średniowiecznego ducha.
Gauguin wykonał szereg autoportretów - obrazów, w których identyfikował się z Mesjaszem. Jednym z takich dzieł jest „” (1889). W nim mistrz przedstawia się niejako w trzech formach. W centrum znajduje się autoportret, na którym artysta wygląda ponuro i przygnębiony. Za drugim razem jego rysy są odgadywane w groteskowej ceramicznej masce dzikusa w tle.
W trzecim przypadku Gauguin zostaje schwytany na obraz ukrzyżowanego Chrystusa. Dzieło wyróżnia się symboliczną uniwersalnością – artysta tworzy złożony, wielowartościowy obraz własnej osobowości. Działa jednocześnie jako grzesznik – dzikus, zwierzęca zasada i święty – zbawiciel.
W autoportrecie „” (1889) - jednym z jego najtragiczniejszych dzieł - Gauguin ponownie porównuje się z Chrystusem, pogrążonym w bolesnych myślach. Zgięta postać, opadająca głowa i bezradnie opuszczone ręce wyrażają ból i beznadzieję. Gauguina wywyższa się do poziomu Zbawiciela i przedstawia Chrystusa jako osobę niepozbawioną męki moralnej i wątpliwości.
Jeszcze śmielej wygląda „” (1889), gdzie mistrz przedstawia się w postaci „syntetycznego świętego”. To autoportret - karykatura, groteskowa maska. Jednak w tej pracy nie wszystko jest tak jasne. Rzeczywiście, dla grupy artystów, którzy skupili się wokół Gauguina w Le Pouldu, był swego rodzaju nowym Mesjaszem kroczącym ciernistą drogą ku ideałom prawdziwej sztuki i wolnej twórczości. Gorycz i ból skrywają się za martwą maską i symulowaną zabawą, dlatego „” odbierany jest jako obraz wyśmianego artysty lub świętego.
W 1891 roku Gauguin maluje duże symboliczne płótno „” i z pomocą przyjaciół przygotowuje swoją pierwszą podróż na Tahiti. Pomyślna sprzedaż jego obrazów w lutym 1891 roku pozwoliła mu wyruszyć w drogę już na początku kwietnia.
9 czerwca 1891 roku Gauguin przybył do Papeete i pogrążył się w rodzimej kulturze. Na Tahiti po raz pierwszy od wielu lat poczuł się szczęśliwy. Z czasem stał się orędownikiem praw miejscowej ludności i tym samym awanturnikiem w oczach władz kolonialnych. Co ważniejsze, wykształcił nowy styl zwany prymitywizmem - płaski, pasterski, często nazbyt barwny, prosty i spontaniczny, całkowicie oryginalny.
Teraz posługuje się swoistym obrotem ciał, charakterystycznym dla egipskich malowideł: połączeniem bezpośredniego obrotu ramion twarzą ze skrętem nóg w jednym kierunku i głową w przeciwnym kierunku, połączeniem tworzącym pewien muzyczny rytm : “ Rynek"(1892); pełne wdzięku pozy tahitańskich kobiet, pogrążonych w marzeniach, przechodzą z jednej strefy kolorystycznej do drugiej, bogactwo kolorowych niuansów tworzy wrażenie snu rozlanego w naturze: „” (1892), „” (1894).
Swoim życiem i pracą zrealizował projekt ziemskiego raju. Na obrazie „” (1892) przedstawił Ewę Tahitańską w pozie płaskorzeźb świątyń Borobudur. Obok niej na gałęzi zamiast węża siedzi fantastyczna czarna jaszczurka z czerwonymi skrzydłami. Postać biblijna pojawiła się w ekstrawaganckim pogańskim przebraniu.
Na mieniących się kolorami płótnach, opiewających urok niesamowitej harmonii ze złocistym odcieniem ludzkiej skóry i egzotyką pierwotnej przyrody, niezmiennie obecna jest trzynastoletnia partnerka życiowa Tekhury, według lokalnych wyobrażeń jej żona. Gauguina uwiecznił ją na wielu płótnach, m.in. Ta mate" (Rynek), "", "".
Młodą, kruchą postać Tehury, nad którą unoszą się duchy przodków, budząc strach u Tahitańczyków, namalował na obrazie „” (1892). Praca została oparta na prawdziwych wydarzeniach. Artysta udał się do Papeete i pozostał tam do wieczora. Tehura, młoda tahitańska żona Gauguina, była zaniepokojona, podejrzewając, że jej mąż znów przebywa ze skorumpowanymi kobietami. Skończył się olej w lampie i Tehura leżał w ciemności.
Na zdjęciu dziewczyna leżąca na brzuchu jest odpisana od leżącej Tekhury, a zły duch strzegący zmarłych - tupapau, jest przedstawiony jako kobieta siedząca w tle. Ciemnofioletowe tło obrazu nadaje tajemniczy klimat.
Tekhura był wzorem dla kilku innych obrazów. Tak więc na obrazie „” (1891) pojawia się w postaci Madonny z dzieckiem w ramionach, a na płótnie „” (1893) jest przedstawiona w postaci Ewy Tahitańskiej, w której rękach owoc mango zastąpił jabłko. Elastyczna linia artystki zarysowuje mocny tułów i ramiona dziewczyny, jej oczy uniesione do skroni, szerokie skrzydła nosa i pełne usta. Tahitian Eve uosabia pragnienie „prymitywnego”. Jej piękno kojarzy się z wolnością i bliskością natury, ze wszystkimi tajemnicami prymitywnego świata.
Latem 1893 roku sam Gauguin zniszczył swoje szczęście. Tehura, zasmucony, pozwolił Pawłowi pojechać do Paryża, aby pokazać swoje nowe prace i otrzymać swój mały spadek. Gauguin rozpoczął pracę w wynajętym warsztacie. Wystawa, na której artysta wystawiał swoje nowe obrazy, zakończyła się fiaskiem - publiczność i krytycy znów go nie zrozumieli.
W 1894 roku Gauguin wrócił do Pont-Aven, ale w kłótni z żeglarzami złamał nogę, w wyniku czego przez pewien czas nie mógł pracować. Jego młody towarzysz, tancerz kabaretu Montmartre, zostawia artystę w Bretanii w szpitalnym łóżku i ucieka do Paryża, zabierając majątek warsztatu. Aby choć trochę zarobić na wyjazd, kilkoro przyjaciół Gauguina organizuje aukcję na sprzedaż jego obrazów. Sprzedaż nie powiodła się. Ale w tak krótkim czasie udaje mu się stworzyć wspaniałą serię drzeworytów w kontrastowym stylu, które przedstawiają tajemnicze, przerażające tahitańskie obrzędy. w 1895 r Gauguina opuszcza Francję, już na zawsze, i udaje się na Tahiti w Punaauia.
Ale kiedy wrócił na Tahiti, nikt na niego nie czekał. Były kochanek ożenił się z innym, Paul próbował zastąpić ją trzynastoletnią Pakhurą, która urodziła mu dwoje dzieci. Pozbawiony miłości, szukał pocieszenia w cudownych modelach.
Przygnębiony śmiercią swojej córki Aline, która zmarła we Francji na zapalenie płuc, Gauguin popada w ciężką depresję. Idea sensu życia, ludzkiego losu przenika dzieła religijne i mistyczne tego czasu, których cechą charakterystyczną jest plastyczność klasycznych rytmów. Artystce z miesiąca na miesiąc coraz trudniej jest pracować. Bóle nóg, napady gorączki, zawroty głowy, stopniowa utrata wzroku pozbawiają Gauguina wiary w siebie, w powodzenie osobistej twórczości. W całkowitej rozpaczy i beznadziejności Gauguin pod koniec lat 90. XIX wieku napisał kilka ze swoich najlepszych dzieł” żona króla», « Macierzyństwo», « królowa piękna», « Nigdy„”, „”. Umieszczając niemal statyczne postacie na płaskim, kolorowym tle, artysta tworzy dekoracyjne kolorowe panele, w których odbijają się legendy i wierzenia Maorysów. W nich żebrak i głodny artysta ucieleśnia swoje marzenie o idealnym idealnym świecie.
Królowa piękna. 1896. Akwarela na papierze
Pod koniec 1897 roku w Punaauia, około dwóch kilometrów od tahitańskiego portu Papeete, Gauguin przystąpił do tworzenia swojego największego i najważniejszego obrazu. Portfel miał prawie pusty, był osłabiony syfilisem i wyniszczającymi atakami serca.
Duże epickie płótno „” można nazwać zwięzłym traktatem filozoficznym, a jednocześnie testamentem Gauguina. " Skąd pochodzimy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy?” - te niezwykle proste pytania, napisane Paul Gauguin w kącie jego genialnego tahitańskiego płótna, są w rzeczywistości centralnymi kwestiami religii i filozofii.
To niezwykle mocny obraz pod względem oddziaływania na widza. W alegorycznych obrazach Gauguin przedstawił na nim kłopoty czekające człowieka, pragnienie odkrycia tajemnic porządku świata, pragnienie zmysłowej przyjemności, mądry spokój, spokój i oczywiście nieuchronność godziny śmierć. Ścieżka każdej indywidualnej osoby i ścieżka cywilizacji jako całości starały się uosabiać słynnego postimpresjonistę.
Gauguin wiedział, że jego czas dobiega końca. Wierzył, że ten obraz będzie jego ostatnim dziełem. Po jej ukończeniu udał się w góry za Papeete, aby popełnić samobójstwo. Zabrał ze sobą butelkę arszeniku, który był wcześniej przechowywany, prawdopodobnie nie wiedząc, jak bolesna jest śmierć od tej trucizny. Spodziewał się zgubić w górach przed zażyciem trucizny, aby jego zwłoki nie zostały znalezione, ale stały się pokarmem dla mrówek.
Jednak próba otrucia, która przyniosła artystce straszne cierpienie, na szczęście zakończyła się niepowodzeniem. Gauguin wrócił do Punaauii. I choć jego siły witalne były na wyczerpaniu, postanowił się nie poddawać. Aby przeżyć, podjął pracę jako urzędnik w Urzędzie Robót Publicznych i Badań w Papeete, gdzie zarabiał sześć franków dziennie.
W 1901 roku w poszukiwaniu jeszcze większej samotności przeniósł się na małą malowniczą wyspę Chiwa – Oa na odległych Markizach. Tam zbudował chatę. Na drzwiach drewniana belka chaty Gauguina wyrzeźbił napis „Maison de juire” („Dom rozkoszy” lub „Mieszkaniec zabawy”) i mieszkał z czternastoletnią Marie-Rose, bawiąc się z innymi egzotycznymi pięknościami.
Gauguin jest zadowolony ze swojego „Domu rozkoszy” i swojej niezależności. „Miałbym tylko dwa lata zdrowia i niezbyt wiele zmartwień finansowych, które zawsze mnie dręczą…” - napisał artysta.
Ale skromne marzenie Gauguina nie chciało się spełnić. Nieprzyzwoity tryb życia dodatkowo nadszarpnął jego osłabione zdrowie. Trwają zawały serca, pogarsza się wzrok, a w nodze nieustanny ból, który nie pozwala zasnąć. Aby zapomnieć i uśmierzyć ból, Gauguin spożywa alkohol i morfinę i rozważa powrót do Francji na leczenie.
Kurtyna jest gotowa do opadnięcia. Prześladuje w ostatnich miesiącach Gauguinażandarm policji, oskarżając mieszkającego w dolinie Murzyna o zabicie kobiety. Artysta staje w obronie Murzyna i opiera się oskarżeniom, zarzucając żandarmowi nadużycie władzy. Tahitański sędzia skazuje Gauguina na trzy miesiące więzienia za obrazę żandarma i grzywnę w wysokości tysiąca franków. Od wyroku można odwołać się tylko w Papeete, ale Gauguin nie ma pieniędzy na podróż.
Wyczerpany cierpieniem fizycznym, doprowadzony do rozpaczy brakiem pieniędzy, Gauguin nie może skoncentrować się na kontynuowaniu pracy. Tylko dwie osoby są mu bliskie i wierne: protestancki ksiądz Vernier i sąsiadka Thioka.
Świadomość Gauguina jest coraz bardziej tracona. Już z trudem znajduje właściwe słowa, myli dzień z nocą. Wczesnym rankiem 8 maja 1903 r. Vernier odwiedził artystę. Trudny stan artysty tego ranka nie trwał długo. Czekając, aż przyjaciel poczuje się lepiej, Vernier wyszedł, ao jedenastej Gauguin zmarł leżąc na łóżku. Eugene Henri Paul Gauguin został pochowany na katolickim cmentarzu Chiva - Oa. Po śmierci z powodu niewydolności serca praca Gauguina niemal natychmiast wybuchła w Europie w szalony sposób. Ceny obrazów poszybowały w górę...
Gauguin wywalczył sobie miejsce na Olimpie sztuki kosztem swojego zdrowia i życia. Artysta pozostał obcy dla własnej rodziny, dla paryskiego społeczeństwa, obcy dla swojej epoki.
Gauguin miał ciężki, powolny, ale potężny temperament i kolosalną energię. Tylko dzięki nim mógł w nieludzko trudnych warunkach toczyć zaciekłą walkę z życiem o życie aż do śmierci. Całe życie spędził na nieustannych wysiłkach, by przetrwać i zachować siebie jako osobę. Przyszedł za późno i za wcześnie, to była tragedia uniwersalizmu Gauguina geniusz.