Jak wiadomo, historyczne granice XIX wieku nie pokrywają się z kalendarzowymi. Losy XVIII wieku przybliżyły feudalną Europę do nieuchronnego upadku, ponieważ w głębi jej systemu dojrzewało i rozwijało się europejskie oświecenie. Era kalendarzowa rozpoczęła się w 1801 roku, a rewolucja francuska (1789-1794) stała się historycznym finałem poprzedniego wieku. Jak słusznie zauważył A.S. Dmitriewowi, to wydarzenie, które wstrząsnęło całym światem, zostało dane właśnie po to, aby przygotować oświeconych. I chociaż byli pewni, że wraz z rewolucją nadejdzie powszechne królestwo dobra i sprawiedliwości, nowe burżuazyjne stosunki społeczne okazały się beznadziejnie dalekie od iluzorycznych ideałów oświecenia. JV Kurdina konkluduje, że umysł okazał się zwykłą roztropnością, wolność pojęciem względnym i niedostępnym, a sprawiedliwość pozostała nierozwiązanym problemem. Konsekwencją rewolucji jest okres kryzysu ideologii oświeceniowej i antyburżuazyjna reakcja. Wychodząc z tego, Dmitriew podaje następującą charakterystykę romantyzmu: „Romantyzm jest utopią zrodzoną z wyników rewolucji francuskiej, utopią, która niesie ze sobą zaprzeczenie tych stosunków społecznych, które ta rewolucja zaaprobowała”. Później rewolucja francuska przybrała formę dyktatury i krwawego terroru, co oczywiście doprowadziło do gorzkiego rozczarowania jej zwolenników. Zaczyna być rozumiana jako „obrzydliwa groteska epoki, w której głębokie uprzedzenia i brutalne kary mieszają się w straszliwym chaosie”. W rezultacie przemoc zaczyna być rozumiana jako problem, który stał się centralnym punktem etycznej myśli i twórczości pisarzy XIX wieku.
Cechy rozwoju romantyzmu w Anglii
W Anglii, podobnie jak na kontynencie, istniały własne punkty historyczne, własne wydarzenia, które określały charakter rozwoju kultury i literatury. Wojna o niepodległość w Ameryce, rocznica Chwalebnej Rewolucji, której setną rocznicę uroczyście obchodzono w Anglii, rewolucji agrarno-przemysłowej połowy XVIII wieku. (jego konsekwencją było zastąpienie kołowrotka obrabiarką, siły roboczej maszyną parową, a w efekcie upadek chłopstwa i wzrost klasy burżuazyjnej), poprzedziły nie mniej ważne wydarzenia w dziejach kraju. Jest to rzeź robotników (zwanych przez analogię Peterloo do Waterloo) i uparta walka reformatorska, zakończona zwycięstwem burżuazji w 1832 r., i potężny ruch czartystów, przejawiający się w stworzeniu określonego programu politycznego i zjednoczeniu klasy robotniczej i całego ludu pracującego. Nie wpadając w przyspieszony rytm życia, mieszkańcy klasy średniej doznawali poczucia bezużyteczności i osamotnienia, co znalazło odzwierciedlenie także w literaturze.
Wydarzenia te w Anglii przełomu lat 30. i 40. miały ogromne znaczenie, gdyż świadczyły o wysokim poziomie samoświadomości ludzi, stąd też romantyzm ukształtował się w Anglii wcześniej niż w wielu innych krajach Europy Zachodniej. Tendencje romantyczne przez długi czas istniały w ukryciu, nie wybuchając na powierzchnię, czemu w dużej mierze sprzyjało wczesne pojawienie się sentymentalizmu. Powszechnie przyjmuje się, że w literaturze momentem przejściowym między sentymentalizmem a romantyzmem był preromantyzm. Jeśli rozumiemy przez to wszystko, co sprzeciwia się racjonalnej estetyce oświecających, to należy pod tym pojęciem podsumować, co zastąpił kult Rozumu, kult Uczuć i Wyobraźni, uznawany za główną zdolność twórczą. Zwyczajowo kojarzy się z przedromantyzmem wszystko, co ma cechy malowniczości, wzniosłości.
Samo słowo „romantyczny” jako synonim „malowniczy”, „oryginalny” pojawiło się w 1654 roku. Po raz pierwszy użył go artysta John Evelyn, opisując okolice Bath. Później, na początku XVIII wieku. tego słowa używało już wielu pisarzy i poetów, także tych, którzy na co dzień kojarzą nam się z pojęciem „klasycyzmu”.
Literatura angielska odegrała bardzo istotną rolę w samym ukształtowaniu się romantyzmu, w określeniu jego źródeł. Sam termin „romantyczny” w swoim pochodzeniu jest związany z literaturą angielską końca XVIII wieku. Jedną z najwcześniejszych prób zrozumienia istoty romantyzmu był traktat T. Whartona O pochodzeniu poezji romantycznej w Europie, w którym autor łączy genezę romantyzmu z literaturą europejskiego średniowiecza i oddziaływaniem na nią z kolei poezji arabskiej i poezji skaldów skandynawskich.
Z biegiem czasu aksjologia romantyzmu wychodzi poza sztukę i zaczyna określać styl filozofii, zachowania, ubiór, a także inne aspekty życia. Romantycy odrzucają racjonalizm i praktyczność Oświecenia jako mechanistyczne, bezosobowe i sztuczne. Zamiast tego dla nich przede wszystkim emocjonalność ekspresji, inspiracja. Czując się wolni od upadającego systemu rządów arystokratycznych, starali się wyrazić swoje nowe poglądy, odkryte przez siebie prawdy. Zmieniło się ich miejsce w społeczeństwie. Znaleźli swojego czytelnika wśród rosnącej klasy średniej, gotowej do emocjonalnego wsparcia, a nawet ukłonu przed artystą – geniuszem i prorokiem. Powściągliwość i pokora zostały odrzucone. Zastąpiły je silne emocje, często sięgające skrajności.
Romantyzm w sztuce przejawiał się najwyraźniej w literaturze, malarstwie i grafice, mniej wyraźnie w rzeźbie i architekturze (np. fałszywy gotyk). Większość szkół narodowych epoki romantyzmu XIX wieku rozwinęła się w walce z oficjalnym klasycyzmem akademickim. Romantyzm rozwinął się w wielu krajach, wchłaniając w ten sposób jasne cechy narodowe każdego regionu, ze względu na lokalne warunki i tradycje historyczne.
W Wielkiej Brytanii obrazy J. Constable'a i R. Boningtona słynęły z romantycznej świeżości, niezwykłych obrazów i osobliwości środków wyrazu - dzieła W. Turnera, odwołanie się do kultury wczesnego renesansu i średniowiecza - dzieło mistrzów późnego ruchu romantycznego - Burne-Jones, Sh.G. Rossetti i in. Angielski romantyzm w malarstwie odznacza się także motywami fantastycznymi i religijno-mitycznymi. W Anglii reakcyjny romantyzm był ucieleśniony w mistycznej sztuce W. Blake'a, w fantastycznych pejzażach J. M. W. Turner, później - w teorii i praktyce prerafaelitów D.G. Rossetti i inni, którzy krytykę kapitalizmu łączyli z idealizacją średniowiecznego stylu życia, a rękodzieło z nastrojami religijnymi i mistycznymi.
LITERATURA XIX WIEKU
Okres największej stabilizacji w wieku XIX przypada na lata 20.-60. XIX wieku. W swojej dojrzałej postaci proces literacki XIX wieku reprezentuje jedność i walkę dwóch polarnych systemów artystycznych - romantyzmu i realizmu. Jednocześnie trzeba wziąć pod uwagę, że jest to ostatni okres w „łuku trzystu stuleci” kultury New Age (jeśli weźmiemy pod uwagę orientację eurocentryczną) 1 .
Dlatego w literaturze XIX wieku. z pewnością ujawnią się nie tylko nowe nurty (reprezentowane przez romantyzm i realizm), ale także cechy sztuki przeszłości (przede wszystkim klasycyzmu) i przyszłości (pierwsze przejawy tendencji modernistycznych i pojawienie się „kultury masowej”).
Narodziny literatury światowej. W 1827 roku sekretarz Goethego, Eckermann, zanotował oświadczenie wielkiego niemieckiego pisarza, że „rodzi się literatura światowa” ( Weltliteratura). Goethe nie powiedział, że już istnieje, odnotował jedynie moment początku jego powstawania. To był głęboki wgląd. W 19-stym wieku Literatura traci swoją regionalność i zaczyna ściślej ze sobą współdziałać. Pod wpływem literatury europejskiej literatura rosyjska zaczęła się szybko rozwijać w poprzednim stuleciu, a także w wieku XIX. stopniowo staje się jednym ze światowych liderów. Los literatury amerykańskiej był taki sam: twórczość F. Coopera, E. A. Poe, G. Melville'a, N. Hawthorne'a, G. Longfellowa, G. Beechera Stowe'a, F. Breta Gartha, W. Whitmana zaczyna silnie wpływać na pisarzy europejskich, znajduje miliony swoich czytelników na całym świecie. Europejczycy zaczynają poznawać skarby orientalnej poezji klasycznej i prozy. Z kolei dzieła pisarzy europejskich zyskują coraz szersze grono czytelników w Azji, Ameryce Łacińskiej i Australii. Istnieje sytuacja określona terminem „powszechność”.
ROMANTYZM
Obecnie romantyzm w swojej najbardziej ogólnej postaci uważany jest za jeden z największych nurtów w literaturze końca XVIII – pierwszej połowy XIX wieku. ze swoją nieodłączną metodą i stylem artystycznym, a czasem jako pierwsza faza modernizmu (z szerokim rozumieniem modernizmu).
Geneza terminu „romantyzm”. Francuski krytyk literacki F. Baldansperger odkrył słowo „romantyczny” w źródle z 1650 r. (jest to najstarsze znalezione źródło). Znaczenie słowa w XVII wieku. - „wyimaginowany”, „fantastyczny”. Wraca do średniowiecznego użycia słów „romans” (liryczna i heroiczna pieśń hiszpańska) i „rzymski” (epos o rycerzach), które pierwotnie oznaczały dzieła w jednym z języków romańskich, a nie po łacinie, a następnie otrzymały bardziej ogólne znaczenie - „narracja z fikcją”. W XVIII wieku. „romantyczny” oznacza wszystko, co niezwykłe, tajemnicze lub w inny sposób związane ze średniowieczną starożytnością. Oto charakterystyczne użycie tego słowa przez Rousseau w Spacerach samotnego marzyciela (1777-1778, wyd. 1782): „Brzegi jeziora w Biel są dziksze i bardziej romantyczne niż brzegi Jeziora Genewskiego: w Biel lasy i skały zbliżają się bardzo blisko wody”. Pod koniec XVIIIw. Romantycy niemieccy, bracia Schlegel, wysuwali przeciwieństwo pojęć „romantyczny” – „klasyczny”, podjął to i rozpowszechnił w całej Europie Germaine de Stael w traktacie „O Niemczech” (1810, opublikowanym w Londynie w 1813). W ten sposób powstaje pojęcie „romantyzmu” jako terminu teorii sztuki.
Literackie znaczenie tego terminu. Słowo „romantyzm” może określać rodzaj twórczości, który jest realizowany w takich pokrewnych systemach artystycznych, jak barok, preromantyzm, romantyzm, symbolizm itp. Istnieje powszechna idea romantyzmu jako stylu, który różny Wysokie loty koj uh o racjonalny awn, kult^ k zot trybik^1_f_a paskudny, powaga do ciebie, który przekazujesz dynamiczna rzeczywistość wiadomości, przeciw wymowa ludzkich namiętności. Szczegółowa koncepcja romantyzmu jako stylu została rozwinięta w muzykologii i teorii malarstwa. Dla historycznego i teoretycznego podejścia w krytyce literackiej znaczenie terminu „romantyzm” jako kierunku artystycznego, ruchu jest szczególnie ważne.
estetyka romantyzmu. U podstaw światopoglądu romantycznego leży „dwoistość romantyczna” – poczucie głębokiej przepaści między ideałem a rzeczywistością. Jednocześnie romantycy rozumieją zarówno ideał, jak i rzeczywistość w nowy sposób w porównaniu z klasycystami. Klasycy mają idealną konchę gnić i jest dostępny do realizacji, co więcej, został już wcielony w sztukę antyczną, która mu zatem i sl przejażdżki ^odraz Na ^ do kiedy podejść i dea1gu7| 1lya „1 romantyczny ideał to coś wiecznego, nieskończonego, absolutnego, pięknego, doskonałego, a jednocześnie” tajemniczego i często niezrozumiałego. Rzeczywistość wręcz przeciwnie, jest przemijająca, ograniczona, konkretna, brzydka. Idea przejściowości rzeczywistości odegrała decydującą rolę w kształtowaniu się zasady romantycznego historyzmu. Przezwyciężenie przepaści między ideałem a rzeczywistością jest możliwe w sztuce, co przesądza o jej szczególnej roli w umysłach romantyków. W tym właśnie romantyzm nabiera uniwersalizmu, który umożliwia łączenie tego, co najzwyklejsze, konkretu z abstrakcyjnymi ideałami.
A. V. Schlegel napisał: „Wcześniej gloryfikowaliśmy wyłącznie naturę, ale teraz gloryfikujemy ideał. Zbyt często zapomina się, że te rzeczy są ze sobą ściśle powiązane, że w sztuce natura musi być idealna, a ideał musi być naturalny. Ale niewątpliwie ideał jest dla romantyków nadrzędny: „SZTUKA zawsze musi być tworzona tylko w relacji do IDEAL-SHSHSHCHSHCHSKOTE” (A. deVina1) „Sztuka nie jest obrazem rzeczywistości, ale poszukiwaniem idealnej prawdy” (Georges Sand).
Typowa dla romantycznej metody artystycznej typizacja poprzez ekskluzywność i absolutność odzwierciedlała nowe rozumienie człowieka jako małego wszechświata, mikrokosmosu, szczególnej uwagi Romowie ntik ow do i nd indywidualność, do ludzka duszaTsak "skrzep_ sprzeczności V myśli, namiętności, pragnienia- stąd rozwój zasady romantycznego psychologizmu. Ro Mantiki patrz Pod prysznicem ludzka soja obiad nie dwa bieguny – „anioł” i „bestia”. I” (V. Hugo), zwracając uwagę na wyjątkowość klasycznej typizacji poprzez „znaki”. Novalis pisał o tym: „Różnorodność jest potrzebna w przedstawianiu ludzi. Gdyby tylko nie było lalek - nie tak zwanych "bohaterów" - żywy, dziwaczny, niespójny, pstrokaty świat (mitologia starożytnych).
Kontrastowanie poety z tłumem, bohatera z tłumem, z jednostką ma – społeczeństwu, które go nie rozumie i prześladuje – ha ra kluczowa cecha literatury romantycznej.
W estetyce romantyzmu ważną rolę odgrywa teza, że de Ważność b^)mmos1 £ G Len jest niezniszczalny. Skoro każda nowa postać rzeczywistości jest postrzegana jako „nowa próba urzeczywistnienia absolutnego ideału, to u podstaw ich estetyki romansu stawiane jest hasło: co nowe, jest piękne.
Ale rzeczywistość jest niska i konserwatywna. Stąd kolejny slogan: irrjfiKrja^TOjro^^rro nie odpowiada rzeczywistości, fantastyce^ Novalis pisał: „Wydaje mi się, że najtrafniej mogę oddać stan mojej duszy w bajce. Wszystko jest bajką”.
Fant azja utv odc oczekuje się nie tylko w obiekcie, ale i w strukturze pracy. Rozwija się romans tworzą fantastyczne gatunki, niszczą klasycystyczną zasadę czystości gatunków, mieszając w dziwacznych kombinacjach tragiczne i komiczne, wzniosłe i zwyczajne, rzeczywiste i baśniowe na zasadzie kontrastu - jednej z głównych cech stylu romantycznego. Pomost między ideałem a rzeczywistością romansu ma się odbywać za pomocą sztuki. Aby rozwiązać ten problem, romantycy niemieccy opracowali uniwersalne lekarstwo - ironię romantyczną (patrz rozdział „Romantyzm niemiecki”).
Romantyzm jako ruch literacki. Romantyzm wydaje się być jednym z najważniejszych nurtów w kulturze światowej, który szczególnie intensywnie rozwijał się w końcu XVIII i pierwszej połowie XIX wieku. w Europie i Ameryce Północnej.
Etapy rozwoju romantyzmu. Romantyzm jako kierunek powstaje pod koniec XVIII wieku. w kilku krajach jednocześnie. Niemal równocześnie romantycy z Jeny w Niemczech, Chateaubriand i de Stael we Francji oraz przedstawiciele szkoły Lake w Anglii wyszli z manifestami estetycznymi, traktatami wyznaczającymi narodziny romantyzmu.
Najogólniej można mówić o trzech etapach rozwoju romantyzmu w kulturze światowej, korelując romantyzm wczesny z końcem XVIII – początkiem XIX wieku, rozwiniętymi formami romantyzmu – „z lat ~20-40-tych XIX wieku, późnym romantyzmem – z okresem po rewolucjach europejskich 1848 r., których klęska zniszczyła wiele złudzeń utopijnych, stanowiących wylęgarnię romantyzmu. przejawom romantyzmu, a także różnym gatunkom, typom, typom sztuk, ta schematyczna periodyzacja nie bardzo się nadaje.
W Niemczech już na pierwszym etapie rozwoju romantyzmu, w twórczości jenańskich romantyków (Novalis, Wakenroder, bracia Schlegel, Tieck), dojrzałość myśli wpłynęła na ukształtowanie się dość kompletnego systemu gatunków romantycznych, obejmującego prozę, poezję, dramaturgię. Drugi etap, związany z działalnością heidelberskich romantyków, rozpoczyna się bardzo szybko, co tłumaczy się przebudzeniem świadomości narodowej w okresie napoleońskiej okupacji Niemiec. W tym czasie opublikowano baśnie braci Grimm, zbiór Arnima i Brentano „Czarodziejski róg chłopca” - żywy dowód odwołania romantyków do folkloru ich ojczyzny. W latach 20. XIX wieku. wraz ze śmiercią Hoffmanna i przejściem młodego Heinego do realizmu niemiecki romantyzm traci swoje zdobyte pozycje.
W Anglii romantyzm, przygotowany zdobyczami przedromantyzmu, rozwija się szybko, zwłaszcza w poezji. Po Wordsworth, Coleridge, Southey, Scott, wielcy angielscy poeci Byron i Shelley wchodzą do literatury. Ogromne znaczenie miało stworzenie przez Waltera Scotta gatunku powieści historycznej. Wraz ze śmiercią Shelleya (1822), Byrona (1824), Scotta (1832) angielski romantyzm schodzi na drugi plan. Twórczość Scotta świadczy o szczególnej bliskości romantyzmu i realizmu w literaturze angielskiej. Ta specyfika jest charakterystyczna dla twórczości realistów angielskich, zwłaszcza Dickensa, którego powieści readietyczne zachowały istotne elementy poetyki romantycznej.
We Francji, gdzie początkiem romantyzmu byli Germain de Stael, Chateaubriand, Senancourt, Constant, dość kompletny system gatunków romantycznych kształtuje się dopiero na początku lat 30. Walka o nowy dramat miała szczególne znaczenie dla romantyków francuskich, gdyż w teatrze najsilniejsze pozycje zajmowali klasycy. Hugo stał się największym reformatorem dramatu. Począwszy od lat dwudziestych XIX wieku prowadził także reformę poezji i prozy. George Sand i Musset, Vigny i Sainte-Beuve, Lamartine i Dumas przyczynili się do rozwoju nurtu romantycznego.
W Polsce pierwsze spory o romantyzm sięgają lat 1810-tych, ale jako nurt romantyzm ukształtował się w latach 20-tych XIX wieku wraz z pojawieniem się w literaturze Adama Mickiewicza i utrzymuje wiodącą pozycję.
Podjęte w ostatnim czasie szeroko zakrojone badania twórczości romantyków w Stanach Zjednoczonych (Irving, Cooper, Poe, Melville), Włoszech (Leopardi, Manzoni, Fosco-lo), Hiszpanii (Larra, Espronceda, Zorrilla), Danii (Ehlenschläger), Austrii (Lenau), na Węgrzech (Vörösmarty, Petofi) i szeregu innych krajów, pozwoliły badaczom dojść do wniosku, że rozwój tego kierunku, zróżnicowanie jej przejawów narodowych w zależności od przesłanek jej wystąpienia, stopnia rozwoju literackiego poszczególnych krajów, a także poszerzenie ram chronologicznych romantyzmu.
Wysunięto ideę narodowych typów romantyzmu 1. Typ „klasyczny” obejmuje sztukę romantyczną Anglii, Niemiec, Francji. Romantyzm we Włoszech i Hiszpanii wyróżnia się na inny typ: tutaj powolny burżuazyjny rozwój tych krajów łączy się z najbogatszą tradycją literacką. Szczególnym typem jest romantyzm krajów prowadzących walkę narodowowyzwoleńczą, który nabiera rewolucyjno-demokratycznego brzmienia (Polska, Węgry). W wielu krajach o powolnym rozwoju burżuazyjnym romantyzm rozwiązał problemy edukacyjne (na przykład w Finlandii, gdzie na podstawie zebranego przez niego folkloru karelsko-fińskiego ukazał się epos „Kalevala” Eliasa Lönrota (1802-1884) (wyd. 1 1835, wyd. 2 1849). Kwestia rodzajów romantyzmu pozostaje niedostatecznie zbadana.
i Jeszcze mniej jasności w badaniu nurtów romantyzmu. Można więc mówić o nurcie liryczno-filozoficznym i historyczno-obrazowym w romantyzmie francuskim, nurcie folklorystycznym w romantyzmie niemieckim itp., o nurtach ideologicznych, filozoficznych w romantyzmie. Ale typologia prądów nie została jeszcze opracowana.
Romantyzm jako ruch literacki. W wielu krajach, na pewnym etapie rozwoju, romantyzm nie został jeszcze oddzielony od innych nurtów. Przy podejściu historyczno-teoretycznym konieczne staje się oznaczenie takiej sytuacji literackiej specjalnym terminem. Pojęcie „ruchu literackiego” jest coraz szerzej używane. Ruch taki powstaje, gdy konieczna jest zmiana dominującego kierunku, w ruchu jednoczą się niekiedy bardzo niejednorodne elementy, podstawą skojarzenia staje się pojedyncza chęć pokonania wspólnego wroga. Specyfika ruchu romantycznego wyraziła się bardzo wyraźnie we Francji, gdzie pozycje klasycyzmu były szczególnie silne. Tu w latach dwudziestych XIX wieku pisarze o różnych orientacjach estetycznych znaleźli się w jednym ruchu romantycznym: romantycznym (Hugo, Vigny, Lamartine), realistycznym (Stendhal, Mérimée), przedromantycznym (Pic-serekur, Janin, młody Balzac) itd.
Romantyzm jako styl artystyczny. Romantycy wykształcili szczególny styl, oparty na kontraście i „charakteryzujący się wzmożoną emocjonalnością. Aby rozbudzić, uchwycić uczucia czytelników, szeroko stosowali zarówno środki literackie, jak i środki innych form sztuki. Dziedzina literatury obejmuje: łączenie różnych gatunków w jednym dziele; n niezwykłe ye, wyjątkowi bohaterowie, obdarzeni bogatym życiem duchowym, uczuciowym; od dynamicznych historii po detektywistyczne i przygodowe; kompozycja jest fragmentaryczna (brak prehistorii, wybór tylko najjaśniejszych, kulminacyjnych zdarzeń z sekwencyjnego biegu wydarzeń) lub retrospektywna (jak w kryminale: najpierw zdarzenie, potem stopniowe ujawnianie jego przyczyn) lub żartobliwa (połączenie dwóch wątków, jak w „Codziennych widokach Cat Murr” Hoffmanna itp.); cechy języka artystycznego (nasycenie jasnymi, emocjonalnymi epitetami, metaforami, porównaniami, wykrzyknikową intonacją itp.); romantyczna symbolika (obrazy wskazujące na istnienie innego, idealnego świata, jak symbol niebieskiego kwiatu w Heinrichu von Ofterdingen Novalisa). Pisarze romantyczni zapożyczają środki innych rodzajów sztuki: od muzyki - muzykalność obrazów, kompozycję, rytm, środki oddania nastroju; w malarstwie – malowniczość (uwaga na kolor, grę światła i cienia, symultanizm, czyli symultanizm, kontrast, jasność i symbolikę szczegółów); w teatrze - nagość konfliktu, teatralność, melodramat; opera ma monumentalność i czar; balet ma sztuczność, znaczenie postawy i gestu. W stylu romantycznym wielką rolę odgrywa folklor, który dostarczył przykładów mitologizmu narodowego, nie zorientowanego na starożytność. Romantycy rozwinęli ideę o posmaku lokalnym i historycznym, która skłania się ku egzotyce – podkreślając wszystko, co niezwykłe, nie charakterystyczne dla współczesnego stylu życia. W ramach ogólnego stylu romantycznego rozwinęły się style narodowe, regionalne i indywidualne.
ROMANTYZM ANGIELSKI
Estetyczną przesłanką angielskiego romantyzmu było rozczarowanie klasycyzmem i oświeceniowym realizmem jako systemami artystycznymi opartymi na filozofii oświeceniowej. Nie odsłaniały one w pełni wewnętrznego świata człowieka, praw ludzkich dziejów, które w świetle Rewolucji Francuskiej pojmowano na nowo. Podwaliny romantyzmu w Anglii położył Wilhelm Blake'a(1757-1827), ale romantyzm zyskał uznanie później.
Pierwszy etap angielskiego romantyzmu. „Szkoła nad jeziorem” Z działalnością szkoły Lake związany jest pierwszy etap romantyzmu angielskiego (1793-1812). Zawierał Williama Wordswortha(1770-1850), Samuela Taylora Coleridge'a(1772-1834), Robert Southey(1774-1843). Mieszkali w krainie jezior, dlatego nazywano ich leukistami (z ang. jezioro- jezioro). Wszyscy trzej poeci w młodości popierali rewolucję francuską. Ale już w 1794 r. odchodzili od tych pozycji. W 1796 roku Wordsworth i Coleridge spotykają się po raz pierwszy. Łączy ich rozczarowanie rewolucją, boją się burżuazyjnego świata. Poeci tworzą zbiór „Ballad lirycznych” (1798). Sukces tej kolekcji zapoczątkował angielski romantyzm jako ruch literacki. Przedmowa Wordswortha do drugiego wydania Lyric Ballads (1800) stała się manifestem angielskiego romantyzmu. Wordsworth formułuje zadania autorów w następujący sposób: „Głównym zadaniem tych Wierszy było więc wybieranie przypadków i sytuacji z życia codziennego i opowiadanie ich lub opisywanie, stale używając, w miarę możliwości, zwykłego języka, a jednocześnie kolorując je barwami wyobraźni, dzięki czemu zwykłe rzeczy pojawiały się w niezwykłej formie; wreszcie - i to jest najważniejsze - uczynić te przypadki i sytuacje interesującymi, ujawniając w nich z prawdą, ale nie celowo, podstawowe prawa naszej natury ... ”
Wordsworth wnosi wielki wkład w poezję angielską, zrywając z konwencjami osiemnastowiecznego języka poetyckiego. Rewolucja dokonana przez Wordswortha i Coleridge'a została opisana przez A.S. Puszkina w następujący sposób: „W dojrzałej literaturze nadchodzi czas, kiedy umysły znudzone monotonnymi dziełami sztuki, ograniczonym kręgiem uzgodnionego, wybranego języka, zwracają się do świeżych fikcji ludowych i dziwnego języka ojczystego, z początku godnego pogardy ... tak teraz Wordsworth i Coleridge porwali opinię wielu” („O programie poetyckim”, 1828).
Wordsworth stara się wniknąć w psychologię chłopa. Chłopskie dzieci zachowują szczególną naturalność uczuć, uważa poeta.
Jego ballada „We are Seven” opowiada o ośmioletniej dziewczynce. Jest naiwnie pewna, że w ich rodzinie jest siedmioro dzieci, nie zdając sobie sprawy, że dwoje z nich nie żyje. Poeta dostrzega w swoich odpowiedziach mistyczną głębię. Dziewczyna intuicyjnie domyśla się nieśmiertelności duszy.
Ale miasto, cywilizacja pozbawia dzieci naturalnych przywiązań. W balladzie „Biedna Zuzanna” śpiew drozda przypomniał młodej Zuzannie „ojczyznę – kwitnący raj na zboczu gór”. Ale „wizja wkrótce znika”. Co czeka dziewczynę w mieście? - „Torba z kijem, tak miedziany krzyż, // Tak, błaganie, tak strajki głodowe, // Tak, zły okrzyk: „Precz, złodzieju…”
Coleridge podąża nieco inną drogą w Lyrical Ballads. Jeśli Wordsworth pisał o niezwykłości zwyczajności, to Coleridge pisał o wyjątkowych wydarzeniach romantycznych. Najbardziej znanym dziełem Coleridge'a była ballada „Opowieść o starym marynarzu”. Stary marynarz zatrzymuje młodego człowieka spieszącego się na ucztę i opowiada mu swoją niezwykłą historię. Podczas jednej ze swoich wypraw żeglarz zabił albatrosa, ptaka przynoszącego szczęście statkom. I kłopoty przyszły na jego statek: woda się skończyła, wszyscy marynarze zginęli, a marynarz został sam wśród trupów. Wtedy zdał sobie sprawę, że przyczyną nieszczęścia był jego zły czyn i ofiarował modlitwę skruchy do nieba. Wiatr natychmiast wiał, statek wylądował na ziemi. Ocalono nie tylko życie, ale i duszę marynarza.
Bohater Coleridge'a, początkowo pozbawiony duchowego początku, w swoim cierpieniu zaczyna widzieć jasno. Dowiaduje się o istnieniu innego, wyższego świata. Rozbudzone sumienie objawia mu wartości moralne. Ten romantyczny ideał jest zabarwiony mistycyzmem.
Nieco poza Wordsworthem i Coleridge'em wyróżnia się Robert Southey. Początkowo fascynowały go idee rewolucji francuskiej, co znalazło odzwierciedlenie w jego tragedii Wat Tyler (1794, wyd. 1817) o przywódcy średniowiecznego powstania w Anglii. Ale później odszedł od rewolucjonizmu, został apologetą rządowej doktryny nacjonalistycznej (książka „Życie Nelsona”, 1813), za co był faworyzowany przez władze. W 1813 Southey otrzymał tytuł Poety Laureata. Beztroski Byron niejednokrotnie wyśmiewał tę polityczną lojalność i literacki konserwatyzm Southeya. Strzały satyry Byrona osiągnęły swój cel, a chwała Southeya zbladła w oczach potomności. Ale za życia poety słynęły jego wiersze: Talaba Niszczyciel (1801), oparty na arabskich legendach (przykład romantycznego orientalizmu w poezji angielskiej), Madoc (1805) o odkryciu Ameryki przez jednego z walijskich książąt XII c., „Klątwa Kehamy” (1810), której fabuła zaczerpnięta jest z mitologii indyjskiej, „Roderick, ostatni z Gotów” (1818) o arabskim podboju Hiszpanii w VIII V.
Szczególnie popularne były ballady Southeya, wśród których wyróżnia się ballada „Sąd Boży nad biskupem” (1799), znakomicie przetłumaczona na język rosyjski przez V. A. Żukowskiego. Biskup, który skazał wygłodniałych mieszkańców swojej ziemi na spalenie, by pozbyć się dodatkowych gęb, sam został zjedzony przez myszy – taka jest kara Boża dla łajdaka. W balladzie czuć współczucie dla biednych, nienawiść do bogatych, pogardę dla duchownych. Wznoszący się rytm ballady jest wspaniale zbudowany, oddając nadejście myszy, przed którą nie ma ucieczki.
Poetów „szkoły nad jeziorem” charakteryzują więc odważne poszukiwania estetyczne, zainteresowanie rodzimą historią, stylizacja form sztuki ludowej, a jednocześnie konserwatywne poglądy polityczne i filozoficzne. Przedstawiciele „szkoły jeziora” zreformowali poezję angielską, przygotowywali się na pojawienie się w literaturze kolejnego pokolenia romantyków – Byrona, Shelleya, Keatsa. Drugi etap romantyzmu angielskiego. Ta część obejmuje lata 1812-1832. (od wydania I I II pieśni z Pielgrzymki Childe Harolda Byrona aż do śmierci Waltera Scotta). Główne osiągnięcia tego okresu związane są z nazwiskami Byrona, Shelleya, Scotta, Keatsa. W wierszu Byrona Pielgrzymka Childe Harolda wyrażono ideę wolności dla wszystkich narodów, potwierdzono nie tylko prawo, ale także obowiązek każdego narodu do walki o niepodległość i wolność od tyranii. Po raz pierwszy stworzono romantyczny typ postaci, zwany bohaterem Byronic. Drugim znaczącym osiągnięciem tego okresu jest pojawienie się gatunku powieści historycznej, którego twórcą był Walter Scott.
Na początku drugiego okresu krąg londyńskich romantyków wreszcie się ukształtował. Krąg opowiadał się za prawami jednostki, za postępowymi reformami. Wśród dzieł londyńskich romantyków największe znaczenie mają wiersze i wiersze Jana Keatsa(1795-1821). Rozwinął tradycję wielkiego szkockiego poety XVIII V. Roberta Burnsa. Keith przekazuje w swoich wierszach uczucie jasnej radości z kontaktu z naturą, twierdzi: „Poezja ziemi nie zna śmierci” (sonet „Konik polny i świerszcz”, 1816). W jego wierszach („Endymion”, 1818, „Hyperion”, 1820) wpłynęło na pasję do mitologii i historii starożytnej Grecji, charakterystyczną dla romantyków (w przeciwieństwie do klasycystycznej pasji do starożytnego Rzymu). Konserwatywni krytycy zdecydowanie potępili nowatorską poezję Keatsa. Chory i nierozpoznany poeta musiał wyjechać do Włoch. Keith zmarł bardzo młodo. A w następnym roku zmarł Shelley, wielki angielski poeta, który wraz z Byronem zdeterminował oblicze angielskiej poezji romantycznej tamtych czasów.
Shelley. Percy Bysshe Shelley (1792-1822) urodził się w arystokratycznej rodzinie i studiował na Uniwersytecie Oksfordzkim, ale został wydalony za opublikowanie The Necessity of Atheism (1811). Później poeta został zmuszony do opuszczenia Anglii. Mieszkając we Włoszech, Shelley jest pod silnym wpływem Byrona, który również mieszkał wówczas we Włoszech. Shelley zginęła podczas sztormu na morzu.
Shelley był głównie poetą lirycznym. Jego teksty mają charakter filozoficzny. Shelley widzi prawdę w duchowym pięknie (wiersz „Hymn do piękna intelektualnego”). Poeta zaprzecza biblijnemu Bogu, wierzy, że Bóg jest naturą, w której królują zasady Konieczności i Zmienności (wiersz „Zmienność”). Miłość jako wyraz piękna w naturze jest główną ideą miłosnych tekstów Shelley („Wedding Song”, „To Jane” itp.). Piękno świata, człowieka i jego twórczości afirmowane jest także w wierszach poświęconych tematyce artystycznej („Sonnet do Byrona”, „Muzyka”, „Duch Miltona”). Wśród wierszy Shelleya jest wiele prac o tematyce politycznej („Do Lorda Kanclerza”, „Do ludzi Anglii” itp.). W wierszu „Ozymandiasz” (1818) poeta posługując się formą alegorii pokazuje, że każdy despota zostanie przez ludzkość zapomniany.
Najbardziej żywe filozoficzne rozumienie życia osobistego i społecznego na obrazach natury znajduje się w wierszu „Oda do zachodniego wiatru” (1819, wyd. 1820). Zachodni wiatr jest symbolem wielkiej zmiany. Poeta czeka na odnowę od wiatru, chce zrzucić swój „udawany spokój”, aby przekazać ludziom poetyckie słowo. Wiersz łączy w sobie główne wątki poezji Shelleya: przyrodę, cel poety w świecie, napięcie uczuć, zapowiedź potężnej rewolucyjnej przemiany życia. Klasyczny gatunek ody nabiera lirycznego, romantycznego charakteru. Idea zmienności organizuje kompozycję, wybór obrazów artystycznych, środki językowe. Używając technik personifikacji i reifikacji, Shelley wyraża ideę wiersza: poeta, podobnie jak zachodni wiatr, musi przynieść burzę i odnowę.
Zasada liryczno-filozoficzna dominuje także w wielkich utworach poetyckich Shelleya – wierszach „Królowa Mab” (1813), „The Rise of Islam” (1818), w dramatach „Prometeusz wyzwolony” (1819, wyd. 1820), „Cenci” (1819).
„Uwolniony Prometeusz”. To jedno z najważniejszych dzieł poety. Gatunkowo jest to poemat filozoficzny, formą dramat, w którym zastosowano środki teatru antycznego. Sam Shelley określił gatunek utworu jako „dramat liryczny”. Liryzm przejawia się przede wszystkim w autorskiej, subiektywnej interpretacji fabuły. Shelley zmienia bieg wydarzeń starożytnego greckiego mitu o Prometeuszu, który kończy się pojednaniem Prometeusza z Zeusem: „… byłem przeciwny tak marnemu wynikowi, jak pojednanie bojownika o ludzkość z jego ciemiężcą” – pisał poeta we wstępie do dramatu. Shelley czyni z Prometeusza idealnego bohatera, który zostaje ukarany przez bogów za pomaganie ludziom wbrew ich woli. W dramacie Shelleya cierpienie Prometeusza zostaje zastąpione triumfem jego uwolnienia. W trzecim akcie pojawia się fantastyczne stworzenie Demogorgon. On obala Zeusa, oświadczając: „Nie ma powrotu dla tyranii nieba i nie ma już następcy ciebie”. Prometeusz jest wolny - cały świat jest wolny. Na końcu dramatu wyłania się obraz przyszłości: człowiek jest wolny od „niezgody narodów, klas i klanów”.
Waltera Scotta. Walter Scott (1771 - 1832), według VG Belinsky'ego, stworzył powieść historyczną. Urodził się w Szkocji, w Edynburgu. Nie kończąc studiów, przyszły pisarz, pod kierunkiem ojca, przygotowywał się do kariery prawniczej. Po otrzymaniu tytułu prawnika Scott zajął silną pozycję w społeczeństwie.
Szok, jakiego doznały „Pieśni Ossiana” - mistyfikacja przedromantycznego J. MacPhersona, oparta na tradycjach szkockiego folkloru, rodzącego się w Szkocji, kulty narodowej starożytności skłoniły Scotta do stworzenia ballad, w szczególności ballady „Ivan's Evening” (1800, przeł. V.A. Żukowski w 1824 r. s of the Scottish Border” w 3 tomach, 1802-1803). Powszechną sławę przyniosły mu wiersze oparte na scenach z życia średniowiecza (Pieśń ostatniego minstrela, 1805; Marmion, 1808). W przeciwieństwie do Leukistów Skop nie idealizował średniowiecza, wręcz przeciwnie, podkreślał okrucieństwo tego czasu, a przedromantyczny pociąg do „straszności” łączył w jego pracach z romantycznym „kolorem lokalnym”. Uznany już poeta W. Scott opublikował anonimowo swoją pierwszą powieść historyczną Waverley (1814). Dopiero na pięć lat przed śmiercią pisarz zaczął podpisywać powieści własnym nazwiskiem (do 1827 roku ukazywały się one jako dzieła „autora Waverleya”). W 1816 r. Waverley został przetłumaczony na język francuski - w tej epoce główny język komunikacji międzyetnicznej, a prawdziwie światowa sława przypadła W. Scottowi. Wśród powieści historycznych pisarza są Purytanie (1816), Rob Roy (ISIS), Ivanhoe (1820), Quentin Dorward (1823). W Rosji powieści Sk<Я та знали уже в 1820-е годы. Отсюда утверждение в русском сознании имени автора в старинной французской форме - Вальтер Скотт (правильнее было бы Уолтер Скотт).
Walter Scott ustanowił w literaturze zasadę historyzmu, zastępując wątki historyczne jako „lekcje moralne” artystycznym studium praw procesu historycznego, stworzył pierwsze próbki gatunku powieści historycznej opartej na tej zasadzie. AS Puszkin już w 1830 r. Napisał: „Akcja V. Scotta jest namacalna we wszystkich gałęziach współczesnej literatury” („Historia narodu rosyjskiego: artykuł II”).
George Noel Gordon Byron (1788-1824) – największy poeta romantyczny. O jego wkładzie w literaturę decyduje, po pierwsze, znaczenie jego dzieł i obrazów, po drugie, rozwój nowych gatunków literackich (poemat liryczno-epicki, misterium filozoficzne, powieść wierszowana itp.), Nowatorstwo w różnych dziedzinach poetyki, wreszcie udział w zmaganiach literackich jego czasów.
Osobowość poety. Byron urodził się w 1788 roku w Londynie w arystokratycznej rodzinie. Dumny od dzieciństwa jest spokrewniony z królewską rodziną Stuartów, dzielnych przodków, których samo imię budziło kiedyś strach. Rodzinny zamek Byrona, który stał przez siedem wieków, zachował ślady dawnej świetności rodu, otaczając dziecko atmosferą tajemnicy. Zamek odziedziczył Byron w wieku 10 lat z tytułem lorda, co pozwoliło mu wejść do Izby Lordów angielskiego parlamentu i po osiągnięciu pełnoletności zaangażować się w działalność polityczną. Ale to tytuł lorda głęboko upokorzył Byrona. Poeta nie był na tyle bogaty, aby prowadzić życie zgodne z tym tytułem. Nawet dzień pełnoletności, zwykle obchodzony z wielką pompą, musiał spędzać samotnie. Przemówienie w Parlamencie w obronie luddytów - robotników, którzy w desperacji psuli maszyny, w których widzieli przyczynę bezrobocia, podobnie jak dwa pozostałe przemówienia, nie spotkało się z poparciem Lordów, a Byron przekonał się, że Parlament był „beznadziejną… ostoją nudy i przewlekłej gadaniny”.
Cechami charakterystycznymi młodego Byrona są duma i niezależność. I właśnie z powodu pychy doświadcza ciągłego upokorzenia. Szlachta współistnieje z biedą; miejsce w parlamencie - z niemożnością zmiany okrutnych praw; uderzająca uroda - z wadą fizyczną, która pozwoliła jego ukochanej dziewczynie nazywać go „kulawym chłopcem”; miłość do matki - z oporem wobec jej domowej tyranii... Byron próbuje zadomowić się w otaczającym go świecie, zająć w nim godne miejsce. Mimo niepełnosprawności fizycznej walczy pływając, szermierką.
Ale ani świeckie sukcesy, ani pierwsze przebłyski chwały nie satysfakcjonują poety. Przepaść między nim a świeckim społeczeństwem jest coraz większa. Byron znajduje wyjście w idei wolności. Pozwoliło to ujawnić istotę osobowości z największą kompletnością. Byron to człowiek wyjątkowy, człowiek genialny, który nie tylko wysławiał bohaterstwo narodów biorących udział w walce wyzwoleńczej, ale sam w niej uczestniczył. Jest pokrewny wyjątkowym romantycznym bohaterom swoich dzieł, ale podobnie jak oni, Byron swoim życiem wyrażał ducha całego pokolenia, ducha romantyzmu. Idea wolności odegrała ogromną rolę nie tylko w kształtowaniu osobowości Byrona, ale także w jego twórczości. Zmienia swoją treść na różnych etapach twórczości. Ale wolność zawsze pojawia się u Byrona jako istota romantycznego ideału i etyczna miara człowieka i świata.
perspektywa estetyczna. W młodości Byron zapoznał się z twórczością angielskiego i francuskiego oświecenia. Pod ich wpływem kształtuje się estetyka poety, która opiera się na oświeceniowej idei rozumu. Byron jest bliski klasycyzmowi, jego ulubionym poetą jest klasycysta Alexander Pope. Byron pisał: „Największą siłą Papieża jest to, że jest poetą etycznym (…), a moim zdaniem taka poezja jest w ogóle poezją najwyższą, bo wierszem osiąga to, co najwięksi geniusze chcieli zrealizować prozą”.
Jednak te sądy Byrona nie przeciwstawiają go romantykom, ponieważ zarówno „rozum”, jak i „zasada etyczna” służą wyrażeniu aktywnej obecności w twórczości samego artysty. Jego rola objawia się u Byrona nie tylko w sile zasady lirycznej, ale także w uniwersalizmie – w porównywaniu jednostkowości i uniwersalizmu, losu człowieka z życiem wszechświata, co prowadzi do tytanizmu obrazów, w maksymalizmie – bezkompromisowym programie etycznym, na podstawie którego zaprzeczanie rzeczywistości nabiera uniwersalnego charakteru. Te cechy sprawiają, że Byron jest romantykiem. Inne romantyczne cechy twórczości poety to głębokie poczucie tragicznej niezgodności ideału z rzeczywistością, indywidualizm, przeciwstawienie natury jako ucieleśnienia pięknej i wielkiej całości zepsutemu światu ludzi.
W swoich ostatnich utworach (zwłaszcza w Don Juanie) poeta zbliża się do estetyki sztuki realistycznej.
Pierwszy okres twórczości Byrona. 1806-1816 - to czas kształtowania się światopoglądu Byrona, jego stylu pisarskiego, czas pierwszych wielkich sukcesów literackich, początek jego światowej sławy. W pierwszych zbiorach wierszy poeta nie przezwyciężył jeszcze wpływów klasycystów, sentymentalistów i wczesnych romantyków. Ale już w zbiorze Godziny czasu wolnego (1807) pojawia się temat zerwania ze świeckim społeczeństwem, w które uderza hipokryzja. Bohater liryczny dąży do natury, do życia wypełnionego walką, tj. do prawdziwego, właściwego życia. Ujawnienie idei wolności jako właściwego życia w jedności z naturą osiąga największą siłę w wierszu „Chcę być wolnym dzieckiem…” Sam Byron zaczyna od powstania tej idei.
Kolekcja Leisure Hours zebrała w prasie negatywne recenzje. Byron odpowiedział jednemu z nich satyrycznym wierszem English Bards and Scottish Reviewers (1809). W formie jest to klasyczny poemat w duchu A. Pope'a. Jednak krytyka poetów „szkoły jeziora” zawarta w wierszu jest daleka od klasycznego punktu widzenia na zadania literatury: Byron wzywa do odzwierciedlenia rzeczywistości bez upiększeń, do dążenia do prawdy życia. Satyra „Angielscy bardowie i szkoccy recenzenci” uważana jest za pierwszy, choć niepełny, manifest tzw. „progresywnych romantyków” w Anglii.
W latach 1809-1811. Byron odwiedza Portugalię, Hiszpanię, Grecję, Albanię, Turcję, Maltę. Wrażenia z podróży stały się podstawą dwóch pierwszych pieśni liryczno-epickiego poematu „Pielgrzymka Childe'a Harolda”, opublikowanego w 1812 roku i przyniosły poecie wielką sławę.
Akcja pierwszych pieśni poematu toczy się w Portugalii, Hiszpanii, Grecji i Albanii.
W 1. i 2. piosence „Childe Harold” wolność jest rozumiana w szerokim i wąskim znaczeniu. W szerokim znaczeniu wolność to wyzwolenie całych narodów od niewolników. W pierwszej pieśni Childe Harolda Byron pokazuje, że zdobyta przez Francuzów Hiszpania może zostać wyzwolona tylko przez sam naród. Tyran poniża godność ludu i tylko haniebny sen, lenistwo, pokora ludu pozwalają mu utrzymać się przy władzy. Zniewolenie innych ludów jest korzystne tylko dla nielicznych tyranów. Ale cały lud-niewolnik ponosi winę. Najczęściej w ujawnianiu winy narodowej Byron odwołuje się do przykładu Anglii, a także Francji i Turcji. W wąskim sensie wolność dla Byrona jest wolnością jednostki. Wolność w obu znaczeniach tkwi w bohaterze wiersza – Childe Harold.
Childe Harold reprezentuje pierwsze wcielenie całego typu literackiego zwanego bohaterem byronowskim. Oto jego cechy: wczesna sytość życiem, choroba umysłu; utrata połączenia ze światem zewnętrznym; okropne uczucie samotności; egocentryzm (bohater nie odczuwa wyrzutów sumienia z powodu własnych przewinień, nigdy siebie nie potępia, zawsze uważa się za słusznego). Tak więc bohater wolny od społeczeństwa jest nieszczęśliwy, ale niezależność jest mu droższa niż spokój, wygoda, a nawet szczęście. Byronic bohater jest bezkompromisowy, nie ma w nim zakłamania, bo zerwane zostają więzi ze społeczeństwem, w którym hipokryzja jest sposobem na życie. Poeta uznaje za możliwe tylko jedno ludzkie połączenie dla swojego wolnego, nieobłudnego i samotnego bohatera - uczucie wielkiej miłości, przeradzające się w wszechogarniającą namiętność.
Wizerunek Childe Harolda pozostaje w złożonej relacji z wizerunkiem autora, faktycznego bohatera lirycznego: albo istnieją osobno, albo się zlewają. „Postać fikcyjna została wprowadzona do wiersza, aby połączyć jego poszczególne części…”, pisał Byron o Childe Haroldzie. Na początku wiersza stosunek autora do bohatera jest bliski satyry: jest on „obcym honorem i hańbą”, „próżniakiem zepsutym przez lenistwo”. I dopiero „choroba umysłu i serca”, „ból głuchy”, wynikająca z przesytu zdolność do refleksji nad fałszem świata, czynią Childe Harold interesującym dla poety.
Kompozycja wiersza oparta jest na nowych, romantycznych zasadach. Czysty rdzeń jest stracony. Nie wydarzenia z życia bohatera, ale jego ruch w przestrzeni, przemieszczanie się z jednego kraju do drugiego, determinują rozgraniczenie części. Jednocześnie bohater nigdzie nie zatrzymuje się, nie chwyta go żadne zjawisko, w żadnym kraju walka o niepodległość nie ekscytuje go tak, że zostaje i bierze w niej udział.
Ale w wierszu są wezwania: „Do broni, Hiszpanie! Zemsta, zemsta! (pierwsza piosenka); lub: „O Grecjo! Wstawaj do walki! // Niewolnik musi wygrać swoją własną wolność!” (2. piosenka). Oczywiście są to słowa samego autora. Kompozycja ma więc dwie warstwy: epicką, związaną z podróżą Childe Harolda, oraz liryczną, związaną z przemyśleniami autora. Charakterystyczna dla wiersza synteza warstwy epickiej i lirycznej nadaje kompozycji szczególną złożoność: nie zawsze można dokładnie określić, kto jest właścicielem lirycznych myśli - bohatera czy autora. Liryczny początek wprowadzają do wiersza obrazy natury, a przede wszystkim obraz morza, który staje się symbolem nieokiełznanego i niezależnego żywiołu wolności.
Byron używa „strofy Spencera”, która składa się z dziewięciu wersów o złożonym systemie rymów. W takiej zwrotce jest miejsce na rozwinięcie myśli, jej odsłonięcie z różnych stron i podsumowanie.
Kilka lat później Byron napisał kontynuację wiersza: pieśń 3 (1817, Szwajcaria) i pieśń 4 (1818, Włochy).
W pieśni 3 poeta nawiązuje do punktu zwrotnego w dziejach Europy – upadku Napoleona. Childe Harold odwiedza miejsce bitwy pod Waterloo, a autor zastanawia się, że w tej bitwie zarówno Napoleon, jak i jego zwycięscy przeciwnicy bronili nie wolności, ale tyranii. W związku z tym pojawia się temat Wielkiej Rewolucji Francuskiej, która niegdyś przedstawiała Napoleona jako obrońcę wolności. Byron wysoko ceni działalność oświeconych Woltera i Rousseau, którzy ideologicznie przygotowali rewolucję.
W czwartej piosence temat ten zostaje podjęty. Głównym problemem jest tutaj rola poety i sztuki w walce o wolność narodów. W tej części wiersza ostatecznie opuszcza wizerunek Childe Harolda, obcego wielkim wydarzeniom historycznym i popularnym zainteresowaniom. W centrum wizerunek autora. Poeta porównuje się do kropli, która wpadła do morza, do pływaka spokrewnionego z żywiołem morza. Ta metafora staje się zrozumiała, jeśli weźmiemy pod uwagę, że obraz morza ucieleśnia ludzi, którzy od wieków dążą do wolności. Obraz autora w wierszu jest zatem obrazem poety-obywatela, który ma prawo wykrzyknąć: „Ale żyłem i nie żyłem na próżno!”
Za życia Byrona większość czytelników nie mogła docenić tej pozycji poety. Wśród tych, którzy rozumieli jego poglądy, są Puszkin, Lermontow. Największą popularnością cieszył się wizerunek samotnego i dumnego Childe Harolda. Wielu świeckich ludzi zaczęło naśladować jego zachowanie, przyjęło się mentalność Childe Harolda, którą nazwano „byronizmem”.
Po pierwszej i drugiej piosence z Pielgrzymki Childe'a Harolda Byron tworzy sześć wierszy zwanych Oriental Tales. Odwoływanie się do Wschodu było charakterystyczne dla romantyków: objawiało im inny typ piękna w porównaniu z antycznym ideałem grecko-rzymskim, którym kierowali się klasycyści. Wschód dla romantyków to miejsce, gdzie szaleją namiętności, gdzie despoty dławią wolność, uciekając się do orientalnej przebiegłości i okrucieństwa, a osadzony w tym świecie romantyczny bohater jaśniej ujawnia swoje umiłowanie wolności w zderzeniu z tyranią. W pierwszych trzech wierszach (Gyaur, 1813; Oblubienica z Abydos, 1813; Korsarz, 1814) obraz byronicznego bohatera nabiera nowych cech. W przeciwieństwie do Childe Harolda, bohatera-obserwatora, który wycofał się z walki ze społeczeństwem, bohaterowie tych wierszy to ludzie czynu, czynnego protestu. Ich przeszłość i przyszłość owiana jest tajemnicą, ale pewne wydarzenia zmusiły ich do oderwania się od ojczystej ziemi. Gyaur – Włoch, który trafił do Turcji (po turecku Gyaur – „goj”); Bohater „Narzeczonej z Abydos” Selim, wychowany przez wuja – zdradzieckiego paszę, który zabił swojego ojca – poszukujący wolności, zostaje przywódcą piratów. Wiersz „Korsarz” opowiada o tajemniczym przywódcy morskich rabusiów – korsarzy – Conradzie. W jego wyglądzie nie ma zewnętrznej wielkości („jest szczupły, a wzrostu nie olbrzym”), potrafi jednak podporządkować sobie każdego, a jego spojrzenie „pali ogniem” tego, kto odważy się odczytać z jego oczu tajemnicę duszy Conrada. Ale „spoglądając w górę, drżącymi rękami… drżąc, niekończącymi się westchnieniami… niepewnymi krokami” łatwo zrozumieć, że pokój duszy jest mu nieznany. Można się tylko domyślać, co zaprowadziło Conrada do korsarzy: „Był zbyt dumny, by ciągnąć życie w rezygnacji, / I zbyt twardy, by paść przed silnym w błoto. // Przez swoje własne cnoty, // był skazany na to, że stanie się ofiarą oszczerstwa. Charakterystyczna dla wierszy Byrona fragmentaryczność kompozycji pozwala rozpoznać jedynie pojedyncze epizody z życia bohatera: próbę zdobycia miasta Seida Paszy, niewolę i ucieczkę. Wracając na wyspę korsarzy, Conrad znajduje martwą ukochaną Medorę i znika.
Byron postrzega Conrada zarówno jako bohatera, jak i złoczyńcę. Podziwia siłę charakteru Conrada, ale obiektywnie zdaje sobie sprawę z niemożności wygrania samotnika w walce z całym światem. Poeta podkreśla jasne uczucie „bohatera byronicznego” - miłości. Bez niej nie można sobie wyobrazić takiego bohatera. Dlatego cały poemat kończy się śmiercią Medory.
Okres szwajcarski. Miłość Byrona do wolności powoduje niezadowolenie z wysokiego angielskiego społeczeństwa. Jego zerwanie z żoną zostało wykorzystane do kampanii przeciwko poecie. W 1816 Byron wyjechał do Szwajcarii. Jego rozczarowanie staje się w rzeczywistości powszechne. Takie całkowite rozczarowanie romantyków nazywa się zwykle „smutkiem świata”. »
„Manfreda”. Symboliczno-filozoficzny poemat dramatyczny Manfred (1817) powstał w Szwajcarii.
Manfred, który pojął „całą ziemską mądrość”, jest głęboko rozczarowany. Cierpienie Manfreda, jego „światowy smutek” jest nierozerwalnie związane z samotnością, którą sam wybrał. Egocentryzm Manfreda sięga granic, uważa się ponad wszystko na świecie, pragnie pełnej, absolutnej wolności. Ale jego egocentryzm sprowadza zgubę na wszystkich, którzy go kochają. Zabił Astarte, która go kochała. Wraz z jej śmiercią zostaje zerwane ostatnie połączenie ze światem. I nie pojednawszy się z Bogiem, jak prosił ksiądz, Manfred umiera w radosnym poczuciu wyzwolenia z męki świadomości.
Poetykę "Manfreda" charakteryzuje synteza środków artystycznych: fuzja zasad muzycznych i malarskich, idei filozoficznych z konfesją.
Wręcz przeciwnie, w obrazach-postaciach „Manfreda” i innych dramatycznych dziełach Byrona dominuje zasada analityczna. A. S. Puszkin ujawnił tę ich cechę w następujący sposób: „W końcu zrozumiał, stworzył i opisał jedną postać (mianowicie swoją własną), przypisał wszystko, z wyjątkiem niektórych satyrycznych wygłupów rozproszonych w jego kreacjach, tej ponurej, potężnej twarzy, tak tajemniczo zniewalającej. Kiedy zaczął komponować swoją tragedię, rozdał każdej postaci jeden ze składników tej ponurej i silnej postaci, a tym samym podzielił swoje majestatyczne dzieło na kilka małych i nieistotnych twarzy ”(artykuł„ O dramatach Byrona ”). Puszkin skontrastował jednostronność postaci Byrona z różnorodnością postaci Szekspira. Ale trzeba pamiętać, że Manfred to nie tyle tragedia charakteru, ile tragedia idei absolutu. Bohater tytaniczny jest niepomiernie bardziej nieszczęśliwy niż zwykły człowiek; władza absolutna czyni władcę niewolnikiem; pełna wiedza ujawnia nieskończoność zła na świecie; nieśmiertelność zamienia się w udrękę, tortury, w człowieku pojawia się pragnienie śmierci - to niektóre z tragicznych pomysłów Manfreda. Najważniejsze jest to, że absolutna wolność oświetla życie człowieka cudownym celem, ale jej osiągnięcie niszczy w nim ludzkość, prowadzi go do „światowego smutku”.
A jednak Manfred zachowuje swoją wolność do końca, rzucając wyzwanie zarówno kościołowi, jak i siłom nieziemskim na skraju śmierci.
okres włoski. Po przeprowadzce do Włoch Byron bierze udział w ruchu karbonariuszy – włoskich patriotów, którzy tworzyli tajne organizacje do walki o wyzwolenie północnych Włoch spod panowania austriackiego. Okres włoski (1817-1823) to szczyt twórczości Byrona. Uczestnicząc w walce Włochów o wolność kraju, poeta pisze dzieła pełne rewolucyjnych idei. Bohaterowie tych prac gloryfikują radości życia, szukając walki.
Satyryczne wiersze Byrona z tego okresu stały się najbardziej uderzającym przykładem poezji politycznej angielskiego romantyzmu. Wiersz The Vision of Judgement (1822) wyśmiewa leuckiego poetę Southeya, który jest właścicielem wiersza The Vision of Judgement , który śpiewa o zmarłym angielskim królu Jerzym III, przedstawia wniebowstąpienie jego duszy do raju. Byron pisze parodię tego wiersza.
Jerzego III nie wpuszczono do nieba. Następnie Southey przemawia w jego obronie swoim wierszem. Ale jest tak przeciętna, że wszyscy się rozpraszają. Korzystając z zamieszania, król udaje się do raju. Reakcyjni poeci nieuchronnie stają się wspólnikami reakcyjnych polityków - taka jest idea wiersza.
"Kain". „Kain” (1821) – szczyt dramaturgii Byrona. Fabuła oparta jest na biblijnej legendzie o synu pierwszego człowieka Adama Kaina, który zabił swojego brata Abla. Taka fabuła była typowa dla średniowiecznego teatru, więc Byron nazwał „Kaina” tajemnicą. Ale w dramacie nie ma religijności. Killer Cain staje się tutaj prawdziwym romantycznym bohaterem. Tytaniczny indywidualizm Kaina każe mu rzucić wyzwanie samemu Bogu, a zabójstwo niewolniczo posłusznego Bogu Abla jest straszliwą formą protestu przeciwko okrucieństwu Boga, który żąda dla siebie krwawych ofiar.
Idee walki z Bogiem są również ucieleśnione na obrazie Lucyfera - najpiękniejszego z aniołów, który zbuntował się przeciwko Bogu, został wrzucony do piekła i otrzymał imię Szatana. Lucyfer wprowadza Kaina w tajemnice wszechświata, wskazuje na źródło zła w świecie – jest nim sam Bóg z jego pragnieniem tyranii, z pragnieniem powszechnego kultu.
Bohaterowie nie mogą wygrać w walce z wszechmocnym bóstwem. Ale człowiek zyskuje wolność w przeciwstawianiu się złu, duchowe zwycięstwo należy do niego. To jest główna idea pracy.
"Don Juan". „Don Giovanni” (1817-1823) to największe dzieło Byrona. Pozostał niedokończony (napisano 16 piosenek i początek 17). „Don Juan” nazywany jest wierszem, ale gatunkowo jest tak różny od innych wierszy Byrona, że bardziej poprawne jest zobaczenie w „Don Juanie” pierwszego przykładu „powieści wierszowanej” (jak „Eugeniusz Oniegin” Puszkina). „Don Juan” to nie historia jednego bohatera, to także „encyklopedia życia”. Fragmentaryzacja, fragmentaryzacja kompozycji „orientalnych opowieści”, atmosfera tajemniczości ustępuje miejsca badaniu związków przyczynowo-skutkowych. Po raz pierwszy Byron szczegółowo bada środowisko, w którym minęło dzieciństwo bohatera, proces kształtowania się postaci. Don Juan to bohater zaczerpnięty z hiszpańskiej legendy o ukaraniu ateisty i uwodziciela wielu kobiet. Ta legenda w różnych interpretacjach była często używana przez romantyków, na przykład Hoffmanna. Ale w Byronie jest pozbawiony romantycznej aureoli (z wyjątkiem historii jego miłości do Hyde'a, córki pirata). Często znajduje się w zabawnych sytuacjach (np. trafia do haremu jako konkubina tureckiego sułtana), dla kariery może poświęcić swój honor i uczucia (kiedyś w Rosji Don Juan zostaje ulubieńcem cesarzowej Katarzyny II). Ale wśród cech jego charakteru pozostaje romantyczna miłość do wolności. Dlatego Byron chciał zakończyć wiersz epizodem udziału Don Giovanniego w rewolucji francuskiej XVIII wieku.
Don Juan, zachowując związek z romantyzmem, jednocześnie otwiera historię angielskiego realizmu krytycznego.
Na początku wiersza bohater, który utracił swoją romantyczną ekskluzywność charakteru, tj. tytanizm, pojedyncza wszechogarniająca pasja, tajemnicza władza nad ludźmi, zachowuje wyłączność losu. Stąd jego niezwykłe przygody w odległych krainach, niebezpieczeństwa, wzloty i upadki - zasada nieustannej podróży. W ostatnich pieśniach, gdzie Don Juan trafia do Anglii jako wysłannik Katarzyny II, znika ekskluzywność otoczenia, okoliczności życia bohatera. Don Juan w zamku Lorda Henry'ego Amondeville'a spotyka się z romantycznymi tajemnicami i horrorami, ale wszystkie te tajemnice wymyślają znudzeni arystokraci. Duchem czarnego mnicha, przerażającego Don Juana, okazuje się hrabina Fitz-Falk, która próbuje zwabić młodego mężczyznę do swojej sieci.
Wiersz napisany jest w oktawach (strofa 8-wersowa z rymem abababcc). Ostatnie dwie linijki w oktawie, rymowane, zawierają zakończenie, wynik strofy, co sprawia, że język wiersza jest aforystyczny. Monolog autora jest albo poetycko wzniosły, albo ironiczny. Dygresje autora są szczególnie nasycone myślami, refleksjami, których tematem przewodnim jest wciąż wolność.
Byrona w Grecji. Chęć udziału w walce narodowowyzwoleńczej, o której tak wiele pisał Byron, prowadzi go do Grecji (1823-1824). Dowodzi oddziałem greckich i albańskich rebeliantów walczących z tureckim uciskiem. Życie poety kończy się tragicznie: umiera na febrę. W Grecji ogłoszono żałobę. Grecy uważają dziś Byrona za swojego bohatera narodowego.
W wierszach tworzonych przez Byrona w Grecji brzmi myśl o wolności i osobistej odpowiedzialności za nią. Oto krótki wiersz „Z pamiętnika na Kefalonii”, w którym refleksje te wyrażone są ze szczególną siłą:
Zakłócony martwy sen - czy mogę spać? Tyrani miażdżą świat - czy się poddam? Żniwo jest dojrzałe - czy powinienem się wahać przed zbiorem? Na łóżku - ostra murawa; Nie śpię; W moich uszach tego dnia trąbka śpiewa, Jej serce odbija się echem...
(Przetłumaczone przez A. Bloka)
Byron miał ogromny wpływ na literaturę. Wszyscy wielcy pisarze angielscy późniejszych epok doświadczyli jej wpływu. A. S. Puszkin lubił czytać Byrona. Nazywał Byrona „władcą myśli”, zauważał, że życie i twórczość wielkiego angielskiego poety wywarły wpływ na całe pokolenia czytelników.
Podobne informacje.
ROMANTYZM W ANGLII
Estetyka i periodyzacja romantyzmu angielskiego
Warunkiem społeczno-historycznym powstania romantyzmu w Anglii było przeżycie rewolucji przemysłowej w latach 1688-1689, w wyniku której nastąpiło powszechne wprowadzenie do produkcji maszyn. Rezultat - powstanie jednego brytyjskiego państwa kolonialnego. Formacja języka angielskiego i literatury jest zakończona. W tym czasie ma miejsce kształtowanie się mentalności angielskiej, której głównymi cechami są praktyczność i orientacja empiryczna.
Na rozwój literatury romantycznej w Anglii miała wpływ twórczość Szekspira. Istniała w dziedzictwie literackim jako żywa tradycja, żywe doświadczenie kulturowe narodu. W estetyce Szekspira romantycy wybrali to, co odpowiadało ich estetyce: kult nadczłowieka, romantycznego złoczyńcy, kult miłości.
Podobnie jak w romantyzmie niemieckim, w Anglii rozwijają się takie kategorie, jak uczucie, wyobraźnia, wzniosłość i malowniczość.
Poetyka angielskiego romantyzmu.
1. Kult uczucia i kult natury.
Z jednej strony zostaje ustanowiona harmonia między człowiekiem a naturą (poeci Shelley i Leikiści). Z drugiej strony istnieje tragiczny rozdźwięk między naturą a społeczeństwem (Thomas Moore).
2. Problem osobowości interesował romantyków w aspekcie psychologicznym, historycznym i społecznym. Romantycy starali się przekazać dialektykę wewnętrznego życia człowieka. W kategoriach społecznych romantycy interesowali się sprzecznością między prawami życia wewnętrznego jednostki i społeczeństwa. W ujęciu historycznym romantycy przedstawiali osobę w bezpośrednim związku ze szczegółami kultury codziennej: życiem różnych epok historycznych, życiem grup etnicznych. Byli zainteresowani połączeniem tego, co zwyczajne, z tym, co niezwykłe we współczesnym życiu, a zainteresowanie prawdziwymi faktami zawsze dominowało. Romantycy wierzyli w siły nadprzyrodzone, w możliwość istnienia demonicznych, namiętnych postaci ("Legenda Frankensteina" Mary Shelley).
3. Dominującym gatunkiem była powieść historyczna, w której bohaterowie znaleźli się w centrum wydarzeń historycznych i swoimi czynami zmienili bieg historii.
4. Wyraźny publicystyka literatury angielskiej. Rozkwit dziennikarstwa, kult pisma. Dziennikarski początek najwyraźniej wyraża się w pracach Byrona i Shelleya.
5. Gatunki wiodące: liryka medytacyjna, poemat liryczno-epicki, powieść historyczna.
Periodyzacja angielskiego romantyzmu.
W rozwoju romantyzmu angielskiego można wyróżnić trzy okresy.
I. 1790s.
W tym czasie kształtują się podstawowe zasady angielskiej estetyki romantycznej. W. Blake, poeci Leikiści, S. Coleridge, R. Southey aktywnie działają w literaturze angielskiej.
II. 1800-1815 lat.
Rozkwit: D.G. Byron, W. Scott.
III. 1815-1845 lat.
Ostatni etap angielskiego romantyzmu, przejście do naturalizmu i realizmu: D.G. Byron, W. Scott, PB Shelley, D. Keats.
Przodek angielskiego romantyzmu Williama Blake'a(1757-1827). Blake poświęcił swoje życie dwóm rodzajom sztuki: grawerowaniu i poezji, więc połączenie poezji i malarstwa leżało u podstaw jego artystycznego myślenia. Tworzy artystyczny i poetycki obraz świata. Najbardziej znane są dwa zbiory wierszy Blake'a: „Pieśni niewinności”(1789) i „Piosenki o doświadczeniu”(1794). Zbiory te odzwierciedlały religijne i filozoficzne poglądy poety. Każdy człowiek przechodzi w swoim rozwoju trzy etapy: niewinność, doświadczenie, mądrość. Każdy z etapów odpowiada trzem kategoriom wiekowym: dzieciństwo, dojrzałość, starość, które ujawniają ruch cywilizacji światowej: od starożytności przez średniowiecze do New Age.
Zbiór „Songs of Innocence” kreśli idealny obraz świata, który reprezentuje syntezę pierwiastków boskich i ziemskich. Wiersze z ich zbioru „Pieśni doświadczenia” kontrastują z wierszami z pierwszego zbioru. Motywem przewodnim tej kolekcji jest wrogość współczesnego wszechświata do człowieka.
Równie znaczącą rolę w rozwoju angielskiego romantyzmu odegrała twórczość poetów leikistowskich ( S. Coleridge, W. Wordsworth, R. Southey), nazwane tak, ponieważ przez długi czas mieszkali na północy Anglii wśród górskich jezior. Stanowili krąg romantyków, których łączyła wspólna postawa polityczna i estetyczna. Ich program polityczny na początku XIXwieku został zredukowany do odrzucenia rewolucji francuskiej i rewolucji jako całości. Program był pierwszym wspólnym dziełem Wordswortha i Coleridge'a - zbiorem „Ballady liryczne”(1798), który zarysował odrzucenie starych wzorców klasycyzmu i proklamował demokratyzację problematyki, poszerzenie zakresu tematycznego i załamanie się systemu wersyfikacji. Program estetyczny Leikista został nakreślony w specjalnej przedmowie do tej kolekcji (1800) napisanej przez Wordswortha. Poezja musi stać się żywym językiem potocznym, ponieważ wymaga tego współczesne życie. Dużą rolę odgrywa kategoria wyobraźni, która przedstawia wszystko, co zwyczajne, jako niezwykłe. Leikiści przedstawiali żywych, zwykłych ludzi z ich codziennymi uczuciami i pasjami. Duże miejsce w poezji zajmował opis obrazów wiejskiego życia i przyrody. Twórczość poetycka rozumiana jest jako swobodny przepływ emocji, bezpośredni wyraz przeżyć emocjonalnych autora. W ten sposób leucyści głosili intuicyjną koncepcję twórczości i intuicyjną naturę sztuki.
Losy Wordswortha, Coleridge'a i Southeya miały ze sobą wiele wspólnego. Wordsworth i Southey zostali laureatami poety. W ostatnich latach życia leucyści wyraźnie osłabli swoją aktywność twórczą, przestali pisać wiersze, zwracając się albo ku prozie (Souty), albo ku filozofii i religii (Coleridge), albo ku zrozumieniu twórczej świadomości poety (Wordsworth). Jednocześnie wielka jest rola przedstawicieli poetów leikistowskich w historii literatury: po raz pierwszy otwarcie potępili oni klasycystyczne zasady twórczości.
Romantyzm jako nurt literacki pojawił się na przełomie XVIII i XIX wieku, w epoce przejścia od systemu feudalnego do burżuazyjnego. Kształtowanie się romantyzmu w literaturze odbywa się w trakcie i po francuskiej rewolucji burżuazyjnej 1789-1794. Ta rewolucja była najważniejszym momentem w historii nie tylko Francji, ale i innych krajów. Znaczenie doświadczenia historycznego francuskiej rewolucji burżuazyjnej dla XIX wieku. bardzo duży. Upadek feudalno-szlacheckiego świata, triumf nowych stosunków społecznych spowodował ważne zmiany w świadomości ludzi.
Jako nurt ideowo-artystyczny romantyzm odzwierciedlał rozdźwięk między marzeniami a rzeczywistością, generowany przez splot przyczyn społeczno-politycznych charakterystycznych dla przełomu XVIII i XIX wieku. Sztuka romantyczna wykazywała niezadowolenie z wyników rewolucji francuskiej, rozczarowanie cywilizacją burżuazyjną, postępem społecznym, politycznym i naukowym, ideologią Oświecenia, której ideały i obietnice nie mogły się urzeczywistnić w społeczeństwie burżuazyjnym.
Społeczno-historyczna gleba romantyzmu w Anglii miała swoje własne cechy. Rewolucja burżuazyjna miała miejsce w kraju w połowie XVII wieku, a pod koniec XVIII wieku jej skutki były dość oczywiste. Wśród ludzi niezadowolenie z konsekwencji rewolucji przemysłowej dojrzewało i narastało. W warunkach sprzeczności społecznych w burżuazyjnej Anglii przejście do produkcji maszynowej wzbogaciło tylko przedsiębiorców, podczas gdy warunki pracy i życia zwykłych ludzi pogorszyły się.
Kultura romantyczna ze swoimi specyficznymi zasadami jest odzwierciedleniem procesu alienacji jednostki w społeczeństwie burżuazyjnym, zerwania dawnych więzi społecznych w okresie przejściowym, niepewności i kruchości nawiązywanych relacji. Jednostka jest odizolowana od starego, odwiecznego systemu społecznego. Tworzy się zasada artystyczna charakterystyczna dla romantyzmu - obraz osoby jako wartościowej, niezależnej od brzydkich okoliczności społecznych, które romantycy ostro potępiają. Osobowość ta żyje we własnym, niepowtarzalnym, indywidualnym świecie wewnętrznym i nie akceptując rzeczywistości, stwarza sobie za pomocą wyobraźni lub aktywności emocjonalnej świat idealny, odpowiadający impulsom i aspiracjom jej subiektywnego ducha. Ale romantycy nie mogą nie zdawać sobie sprawy, że na ścieżce subiektywnej twórczości wartościowej z natury osobowości iw procesie potwierdzania swojej wolnej woli nieuchronnie napotyka on okrutną rzeczywistość współczesnego społeczeństwa. Stąd - pojawienie się ironii romantycznej, która wskazuje na niemożność absolutyzacji wolności jednostki i poczucia własnej wartości jednostki.
Ironia romantyczna rozwijała się zarówno w teorii, jak iw praktyce artystycznej romantyków (F. Schlegel, Hoffmann, Tieck i Brentano w Niemczech, Musset we Francji, Byron w Anglii). Jej źródłem była niechęć do podporządkowania życia w całym bogactwie i różnorodności jego przejawów bezwładnym formom wszelkiego rodzaju ograniczeń i zakazów. Ironia romantyczna przyczyniła się do ustanowienia wolności jednostki. Z biegiem czasu ironia romantyczna ulega jednak ewolucji: broniąc wewnętrznej wolności jednostki poeta romantyczny uświadamia sobie jednocześnie, że życie podporządkowuje jednostkę swojej władzy. Ironię jako ogólne zaprzeczenie, jako rodzaj gry fantasy, zastępuje ironiczny stosunek autora do siebie i swoich bohaterów.
Psychologię człowieka żyjącego w epoce romantyzmu charakteryzuje oczekiwanie fundamentalnych zmian, pragnienie nowej, tęsknota za nieskończonością, a także wątpliwości i wahania jako wyraz niepewności i tragizmu przejścia od starego do nowego. Psychologię człowieka czasu przejściowego niestabilnego, pełnego tragicznych sprzeczności wyróżnia indywidualistyczny charakter, pędzący między skrajnościami wiary i sceptycyzmu, zachwytu i ironii, niezgody z rzeczywistością i tęsknotą za ideałem, napięciem i złożonością życia emocjonalnego, refleksją, bystrym zwróceniem uwagi na subiektywny świat duchowy, chęcią wyjaśnienia chaosu nie społecznie, ale filozoficznie, określenia swojego stanowiska moralnego, realizacji wartości moralnych za pomocą wolnego życia uczuć.
Samowartościowa osobowość pisarzy romantycznych żyje we własnym świecie wewnętrznym, co jest wyrazem wyjątkowej konstrukcji psychicznej samego autora. Wiąże się z tym liryczny charakter twórczości romantyków; liryzm przekłada się na poetyckie formy o szczególnym brzmieniu muzycznym.
Oderwanie jednostki od uwarunkowań społecznych i odrzucenie racjonalistycznego wyjaśnienia sprzeczności życia doprowadziło do idei zła jako wiecznej zasady życia. Idea uniwersalnego zła spowodowała „światowy smutek”.
Bez względu na to, jak ostre były rozbieżności między nurtami i poszczególnymi poetami, bez względu na to, jak intensywne były między nimi kontrowersje, z pewnością istnieją wspólne zasady estetyczne związane z pewnymi poszukiwaniami ideowymi epoki, które stanowią ogólną podstawę rozwoju romantyzmu jako nurtu literackiego.
Pierwszym kryterium ogólności jest reakcja na punkt zwrotny epoki, na francuską rewolucję burżuazyjną i jej konsekwencje. Shelley w liście do Byrona zauważył, że „rewolucję francuską można nazwać główną treścią epoki, w której żyjemy”. I choć romantycy przyjęli inny, przeciwstawny stosunek do przemian rewolucyjnych, to sama reakcja na historyczne znaczenie rewolucji zdeterminowała historyzm w przedstawianiu i ocenie rzeczywistości, a także krytyczną postawę wobec społeczeństwa burżuazyjnego, które rozwinęło się po rewolucji i ujawniło jego zepsucie.
Zasada odrzucenia nowoczesnego społeczeństwa burżuazyjnego jest charakterystyczna dla całego nurtu romantycznego, dla romantyków reprezentujących wszystkie nurty. To ideologiczne stanowisko odrzucenia nabrało jednak innego charakteru politycznego. Wordsworth i Coleridge początkowo z zadowoleniem przyjęli rewolucję francuską, ale potem odeszli od niej; Byron ją wspierał, choć widział, że w porewolucyjnej Europie panuje niesprawiedliwość; Shelley zauważył również, że rewolucja „nie uszczęśliwiła ludzkości”. Odrzucając to, co jest i szukając tego, co należne, afirmując ideał marzenia o romansie, zwrócili się albo ku przeszłości (epoce starożytności i renesansu), albo ku utopijnym wyobrażeniom o przyszłości.
W estetyce romantyzmu duże miejsce zajmuje to, co wzniosłe i piękne. Prawda życia dla romantyków polegała na odtwarzaniu rzeczywistości za pomocą poetyckiej fantazji. Poezję uważano za potężny środek oddziaływania na jednostkę i całe społeczeństwo. W twórczości poetyckiej główne okazały się elementy emocjonalne i wyobraźnia. Lot fantazji wymagał specjalnych środków artystycznych. Stąd odwołanie do metod warunkowych: symbol, alegoria, groteska. Romantycy uważali wyobraźnię za najwyższą formę wiedzy. Poetycką wyobraźnię stawiano ponad rozumem, podobnie jak poezję uznano za najważniejszą formę ludzkiej aktywności. Sztuka była objawieniem, poetycką wyobraźnią z pomocą intuicji przenikniętą w tajemniczy świat piękna. Romantycy wysoko cenili w sztuce jej moralny wpływ na dusze ludzkie. Dla jednych romantyków sztuka jest źródłem samodoskonalenia moralnego, dla innych siłą skłaniającą do działań rewolucyjnych.
Poetycka wyobraźnia, ukazująca piękno, była pojmowana przez romantyków na różne sposoby. „Leikiści” widzieli w nim boskie objawienie, londyńscy romantycy wierzyli, że wyobraźnia odsłania piękno realnego świata, ale ten odkryty przez siebie ideał piękna przeciwstawiali samej rzeczywistości. Byron w swoich wypowiedziach odrzucał pierwotną rolę wyobraźni w twórczości. Niemniej jednak Byron ujawnia w swoich dziełach charakterystyczny dla romantyków lot wyobraźni i poetyckiej fantazji. Z punktu widzenia Shelleya wyobraźnia jest w stanie wykryć „piękno intelektualne” (piękno intelektualne), aktywnie oddziałujące na świadomość ludzi, wzywające ich do walki.
Romantycy podziwiali geniusz Szekspira, szekspirowską wyobraźnię postrzegali jako swobodę twórczego działania, jako umiejętność wnikania w świat ludzkich namiętności.
Podwyższona rola zasady emocjonalnej i wyobraźni w sztuce romantycznej, subiektywizm w przedstawianiu rzeczywistości, szczególnie aktywna rola autora w świecie obrazów artystycznych determinowane są także przez nieufność do racjonalnego, racjonalnego wyjaśniania rzeczywistości. Jest to drugie ogólne kryterium romantyzmu. W oczach romantyków osiemnastowieczny racjonalizm okazało się zdewaluowane, gdyż w okresie porewolucyjnym stało się oczywiste, że królestwo rozumu przekształciło się w królestwo burżuazji. Mechanistyczny charakter racjonalnego podejścia do życia został odrzucony. Nie oznacza to, że romantycy całkowicie odrzucili rozum i tym samym popadli w irracjonalizm. Subiektywizm romantyczny polegał na tym, że romantycy przypisywali rozumowi podrzędne miejsce w stosunku do uczucia i intuicji; rozum został rozpoznany w takim stopniu, w jakim wspomagał pracę wyobraźni.
Estetyka romantyzmu związana jest z filozoficznymi ideami I. Kanta, F. Schellinga. Obrona swobodnej fantazji artysty, nie skrępowanej żadnymi regułami, bliska jest myśli I. Kanta, że geniusz stoi ponad istniejącymi racjonalistycznymi normami i swobodnie kreuje swój własny świat. Przemówienia romantyków przeciwko regulacyjnemu podejściu do sztuki były w dużej mierze zdeterminowane ideą F. Schellinga o nieskończoności jako wiecznej zmianie form życia, jako nieustannym rozwoju myśli.
Filozoficzny początek romantyzmu angielskiego przejawiał się nie tylko w dziełach sztuki, ale także w esejach. Eseje W. Hazlitta i T. Carlyle'a wyróżniały się jasnym charakterem filozoficznym i dziennikarskim.
Romantyzm, który powstał w epoce krytycznej końca XVIII i początku XIX wieku, postrzega życie w jego sprzecznościach, formowaniu się i rozwoju. Romantycy z pouczającą prostotą i metafizyką przeciwstawiają proponowanym przez nich formom artystycznego myślenia, przedstawiają życie w ruchu, w historycznym rozwoju - od przeszłości do przyszłości. Shelley w swoim traktacie A Defense of Poetry pisze, że poeta „nie tylko uważnie kontempluje teraźniejszość taką, jaka jest, ale także odkrywa prawa, które powinny nią rządzić; w teraźniejszości przewiduje przyszłość, a jego myśli są zarodkiem rozkwitu i owoców późniejszych czasów… ”Romantycy starali się zrozumieć rzeczywistość w całej jej złożoności i niespójności. Konsekwencją tego była wielka dialektyka w artystycznym eksplorowaniu rzeczywistości wśród romantyków. W ich pracy rozwijana jest zasada historyzmu, ujawnia się złożona dialektyka walki dobra ze złem.
Trzecim ogólnym kryterium romantyzmu jest odwołanie się do wewnętrznego świata człowieka, do ujawnienia jego uczuć, myśli i doświadczeń. Odrzucając wrogą rzeczywistość społeczną, romantycy udali się w subiektywny świat osobistych doświadczeń, odkryli wartości moralne w ludzkiej duszy.
Romantyków cechuje odwoływanie się do natury, w której poszukują harmonii i piękna, odwoływanie się do sztuki ludowej. Społeczeństwo i świat postrzegane są przez nich jako coś uniwersalnego. Zainteresowanie jednostką w osobie łączy się z pragnieniem uniwersalności. Uwaga na to, co osobiste, niejako utożsamia świat duchowy osoby z uniwersalnym światem społeczeństwa i wszechświata. W metodzie romantycznej to, co społeczne i psychologiczne, jawi się jako filozoficzne, uniwersalne i symboliczne. Shelley powiedział w „A Defense of Poetry”: „Poezja jest uniwersalna. Zawiera w zarodku wszystkie motywy lub działania, które są możliwe w nieskończonej różnorodności natury ludzkiej.
Wśród różnorodnych gatunków literatury romantycznej wybitne miejsce zajmuje poemat liryczno-epicki, filozoficzno-symboliczny, który wyróżnia się wyrazem postawy obywatelskiej autora, intensywnością subiektywnych odczuć autora i polemiką. Struktura wiersza staje się coraz bardziej swobodna, dążąc do uniwersalnego ujęcia problemów epoki.
Poetyka romantyków ukształtowała się w walce z surowym stylem klasycystów. Romantycy przeciwstawiali się ostremu podziałowi na tragizm i komizm w sztuce, surowym regułom doboru słownictwa, klasycznym jednościom. Utwór romantyczny charakteryzuje się szczególną emocjonalną atmosferą wzniosłych uczuć i namiętności, szczerością i bezpośredniością emocji, poetyką nieoczekiwanych porównań, wrażeniem nowości i cudu, zbieżnością tragizmu i komizmu, paradoksalnym połączeniem heterogenicznych detali spajanych jednym uczuciem lirycznym, swobodną kompozycją.
Uważa się, że sztuka romantyczna nie charakteryzuje się humorem. Rzeczywiście, komiks wśród romantyków jest gorszy od tematów tragicznych. Można jednak zauważyć humor w esejach Charlesa Lama, w wielu wierszach Byrona i Shelleya. Ale najbardziej typowa dla nich jest ironia jako środek satyrycznego przedstawienia. O dominującym miejscu ironii decyduje dominacja wątków tragicznych, ponieważ ironia jest bliższa tragizmowi niż humorowi. Sztuka romantyczna, bez względu na to, do jakich elementów obrazowania się odwołuje - antycznych, biblijnych, orientalnych, folklorystycznych - zawsze odzwierciedla współczesność, odpowiada na problemy epoki.
Te podstawy romantyzmu jako nurtu literackiego i metody artystycznej ujawniały się w twórczości poszczególnych romantyków na różne sposoby, w zależności od ich pozycji politycznej i upodobań estetycznych. W romantyzmie jako nurcie występują wspólne cechy typologiczne, ogólne zasady metody artystycznej, zdeterminowane ideologią pokolenia porewolucyjnego. Polityczne nieporozumienia między poszczególnymi grupami romantyków doprowadziły do powstania różnych nurtów.
W romantyzmie angielskim wyróżniały się trzy główne nurty:
1. „Leikiści” (poeci „szkoły jeziora”) – Wordsworth, Coleridge, Southey;
2. rewolucyjni romantycy – Byron i Shelley;
3. Londyńscy romantycy - Keith, Lam, Hazlitt, Hunt.
Korelacja nurtów romantyzmu angielskiego jako nurtu literackiego nie ogranicza się do podziału na romantyków rewolucyjnych i konserwatywnych; nurty te rzeczywiście istniały, ale charakter ówczesnego procesu literackiego nie może być przedstawiany wyłącznie jako walka ideologiczna między rewolucyjnymi i konserwatywnymi romantykami. Na przykład londyńscy romantycy nie byli rewolucjonistami, ale zajmowali raczej postępowe stanowisko. Prawdziwy stan życia literackiego zostałby zniekształcony, gdyby kwestia różnic politycznych przesłoniła całą złożoność ideologicznych i estetycznych wstrętów i zbliżeń. Poezji „jeziorników” Wordswortha i Coleridge'a nie można uważać jedynie za wyraz ich konserwatywnych poglądów; miała wpływ na całą poezję romantyczną w Anglii. A rewolucyjni romantycy pod względem estetycznym i do pewnego stopnia ideologicznym byli pod wpływem „leukistów”.
Romantyzm w Anglii wyróżnia się tożsamością narodową. Dzieła angielskich romantyków odzwierciedlają narodową tradycję fantastyczno-utopijnego, alegorycznego i symbolicznego przedstawiania życia, tradycję szczególnego dramatycznego ujawnienia tematów lirycznych. Idee oświeceniowe są silne w angielskim romantyzmie (byron, Scott, Hazlitt). W angielskim romantyzmie wzniosłość nie zawsze jest rozumiana jako wyjątkowa. Często wzniosłość objawia się w tym, co proste, zwyczajne, pozornie niejasne.
Wyobraźnia odsłania cudowność, wspaniałość, heroizm w tym, co najzwyklejsze i najzwyklejsze, łączy proste z wzniosłym, pożądane, właściwe z ideałem. Idealistyczne rozumienie istoty sztuki łączy się z angielską tradycją sensacyjnego empiryzmu. Angielscy romantycy chcieli widzieć piękno w prawdzie i prawdę w pięknie; aktywnie poszukiwali i potwierdzali ideał. Dla angielskich romantyków, takich jak Byron, ironia jest formą trzeźwej oceny poszukiwań nieznanego, idealnego świata.
Sztuka romantyczna jako całość wyróżniała się nowością wizji życia i na swój sposób odzwierciedlała prawdę życia, oddawała charakter epoki.
Okresy procesu literackiego w dobie romantyzmu. Romantyzm w Anglii
U źródeł angielskiego romantyzmu leżą tacy znakomici autorzy, jak William Wordsworth i Samuel Taylor Coleridge. Mieszkali na północy Anglii, gdzie krajobrazy obfitują w malownicze jeziora, dlatego nazywani są przedstawicielami „szkoły jezior”.
Nieco na uboczu znajduje się twórczość wybitnego poety i grafika Williama Blake'a. Był jednym z pierwszych, którzy aktywnie zaprzeczali tradycjom klasycyzmu, nie tylko w literaturze, ale także w malarstwie. Niestety jego twórczość nie została doceniona przez współczesnych, została doceniona dopiero pod koniec XIX wieku. Najbardziej znaczące zbiory jego wierszy to „Pieśni niewinności” wydane w 1789 r. i „Pieśni doświadczenia” wydane w 1794 r. Wiersze te, bardziej tragiczne niż liryczne, przedstawiają życie wielkiego miasta objętego kapitalizmem. Poeta opowiada się za zniszczeniem znienawidzonego burżuazyjnego świata. Z kolei jego wielkoformatowe dzieła, takie jak „Księgi prorocze”, przepełnione są historycznym optymizmem i wiarą w zwycięstwo sił dobra nad siłami zła.
Od 1812 roku do Anglii przybyło nowe pokolenie poetów romantycznych. Wśród nich są j. Byron, P.B. Shelley, J. Keith, po którego śmierci w latach 20. 19 wiek romantyzm przestaje być głównym nurtem literatury angielskiej i popada w ruinę. A w 1832 roku, kiedy umiera W. Scott, romantyzm całkowicie zanika, ustępując miejsca innym prądom literackim.
Samuela Taylora Coleridge'a
Samuel Taylor Coleridge urodził się 21 października 1772 r. w Ottery St. Mary jako dziesiąte dziecko swojego ojca, który służył jako pastor. W wieku 9 lat został wysłany do londyńskiej szkoły, gdzie spędził całe dzieciństwo i zaprzyjaźnił się ze słynnym później Charlesem Lambem. Po ukończeniu szkoły wstępuje do Cambridge, gdzie studiuje literaturę klasyczną i filozofię, ale został wyrzucony z uniwersytetu za nie popieranie idei republikańskich. Zainspirowany ideami Wielkiej Rewolucji, wraz ze swoim przyjacielem Robertem Southeyem wydawał czasopismo The Guardian, wykładał w Bristolu na tematy polityczne, aw 1789 roku napisał wiersz „Upadek Bastylii”.
Nieco później nagle rozczarowuje się rewolucyjnymi ideami i rozpoczyna służbę wojskową, z której wychodzi zaledwie miesiąc później. Przyjaciele pomagają mu wrócić na uniwersytet, który kończy w 1794 roku iw tym samym roku, razem z R. Southeyem, tworzy tragedię Upadek Robespierre'a, w której aktywnie potępia rewolucję - terror napoleoński.
Przyjaciele są w końcu rozczarowani „starą Europą” i postanawiają przenieść się do Ameryki. Jednak z powodu braku pieniędzy podróż się nie udała i przenoszą się do Bristolu, gdzie poślubiają dwie siostry Fricker. Aby zarobić na rodzinę, S. Coleridge wygłasza publiczne wykłady, wydaje gazetę, ale to wszystko nie przynosi materialnej satysfakcji. Poeta idzie na oślep w poezję, w której wyraźnie odczytuje się jego los i trudną sytuację w rodzinie. Wszystkie te kłopoty życiowe, a także początek choroby zrodziły u poety zamiłowanie do opium. Przeprowadza się do wioski Alfoxden, gdzie zostaje sąsiadem W. Wordswortha, odbywa z nim codzienne spacery i rozmowy. W tym okresie napisał takie wiersze jak „The Old Sailor”, „Christabel”, zbiór „Lyrical Ballads”, który później stał się manifestem angielskiego klasycznego romantyzmu. Jednak ten twórczy wzrost trwał nieco ponad dwa lata.
W następnym roku obaj poeci podróżowali po jeziorach Anglii, skąd S. Coleridge czerpał piękno swojej ojczyzny, co znalazło odzwierciedlenie w jego późniejszej twórczości.
Osiedlił się z rodziną nad angielskimi jeziorami obok R. Southeya i W. Wordswortha. To właśnie ta dzielnica nadała nazwę „szkoła nad jeziorem”. Stan zdrowia poety stopniowo się pogarsza i nawet po wycieczce do ks. Z Malty, która miała być lecznicza, wrócił jeszcze bardziej chory. Uzależnienie od opium osłabiło jego aktywność intelektualną. W latach choroby stał się osobą bardzo religijną, wyprowadził się z rodziny i zaczął żyć osobno, pisząc wiele prac o tematyce filozoficznej i religijnej. Poeta zmarł w 1834 roku w Londynie.
Główną ideą romantycznej twórczości S. Coleridge'a jest idea głównej roli wyobraźni w praktyce literackiej. To ona jest przedstawiana poecie jako życiodajna siła zdolna do modyfikowania uczuć i obrazów, a także łączenia w całość odmiennych. Jak mówi sam poeta, „wyobraźnia odtwarza świat”.
W swojej twórczości literackiej S. Coleridge tworzy próbki dzieł romantycznie zorientowanych z cechą charakterystyczną dla tego czasu - przejściem od fragmentacji do całości. Nie czyni tego jednak płynnymi przejściami, lecz skokami, poprzez poetycką fantazję, domysły i literacką intuicję. Do takich dzieł, które wydają się mieć fragmentaryczną strukturę, nasyconą skomplikowanymi symbolami i dziwnymi romantycznymi obrazami, należą: „Christabel”, „Kubla Khan”, „The Old Sailor” itp.
Stary marynarz to ballada napisana w stylu średniowiecza, wyraźnie poruszająca temat odwiecznego problemu religijnego – grzechu i jego zadośćuczynienia. Stary marynarz zabija strzałą białego Albatrosa, który był ulubionym towarzyszem drużyny i talizmanem, gdyż przynosił szczęście w długich rejsach. Albatros pełni w tej pracy rolę symbolu dobroci, czystości i filantropii. Tym okrutnym czynem stary marynarz skazuje swoich przyjaciół i kolegów z drużyny na śmierć. Statek zaczyna dryfować po falach bezkresnego oceanu. Śmierć i jej towarzysz Życie przepływają sterowcem obok wraku statku.
Usta czerwone, żółte złoto
Straszne spojrzenie płonie:
Biała skóra przeraża
To jest życie po śmierci, duch nocy,
Co mrozi serce...
Marynarz doświadcza nieznośnych cierpień nie tyle z pragnienia, głodu i palącego słońca, co z wyrzutów sumienia za zabitego ptaka. A za swój zdradziecki czyn, za pogardę dla interesów większości, zostaje ukarany bolesną samotnością:
Sam, sam, zawsze sam
Jeden dzień i noc.
Męki żeglarza ustają, gdy podziwia piękno i wielkość bezkresnego oceanu, w tym momencie czar zostaje rozproszony i statek dociera do lądu. Bohater zaczyna tułać się po kraju i jako lekcję opowiada swoją historię przechodniom.
Jeden z krytyków literackich napisał później: „Nowe tragiczne aspekty ludzkich losów, zwiastowane przez upadek Rewolucji Francuskiej i umocnienie prozaicznego, kupieckiego królestwa egoistycznych burżuazyjnych „wolności”. Temat fatalnego rozdarcia, niemożności komunikowania się z ludźmi, nieuniknionej samotności jednostki, tego przerażającego Życia i Śmierci, którym dla wielu okazała się ta egzystencja - to właśnie udało się Coleridge'owi pokazać w "Starym marynarzu" i innych swoich dziełach.
Williama Wordswortha
William Wordsworth – wybitny angielski poeta romantyczny, urodził się 7 kwietnia 1770 roku w Cockermouth i był drugim z pięciorga dzieci D. Wordswortha. Po ukończeniu klasycznej szkoły angielskiej wyjechał stamtąd wzbogacony wiedzą z zakresu filologii, matematyki i poezji angielskiej. W 1787 wstąpił do college'u na Uniwersytecie w Cambridge, gdzie studiował literaturę angielską i włoską.
Później dużo podróżował po Niemczech, Francji i Szwajcarii, zdobywając nowe wrażenia z Rewolucji Francuskiej i wzbogacając swoją znajomość języków obcych. W podróżach towarzyszy mu siostra Dorothea. W 1802 poślubia Marię Hudchinson. Otrzymuje fortunę w wysokości 8000 funtów, pozostałą po spadkobiercach pracodawcy ojca, który za życia odmówił spłacenia długu wobec ojca Williama. Od 1815 roku, kiedy skończyły się wojny napoleońskie, Wilhelm kilkakrotnie podróżował po Europie w towarzystwie żony i pięciorga dzieci.
Ostatnie 20 lat życia poety przyćmiła choroba ukochanej siostry i śmierć jedynej ukochanej córki (1847). W. Wordsworth zmarł w Redel Mount 23 kwietnia 1850 roku.
W. Wordsworth w swojej twórczości zawsze starał się przedstawiać proste rzeczy w zwykłym świetle, co uderzająco odróżniało go od S. Coleridge'a, który nasycał swoje prace fantazją i mistycyzmem. Jego Ballady liryczne, zwłaszcza ich drugie wydanie, stały się następnie manifestem całego dziewiętnastowiecznego romantyzmu angielskiego.
W. Wordsworth napisał na zupełnie nowy temat, który wcześniej nie był rozpoznawany przez nikogo z twórców w żadnym z kierunków, gdyż uznano go za nikczemny, nieestetyczny i niegodny pióra pisarza. Dokonawszy rewolucji w literaturze angielskiej, w centrum swojej twórczości umieścił myśli, uczucia i losy chłopów, bo tylko one, jego zdaniem, reprezentowały wartość społeczną - zarówno moralną, jak i estetyczną.
W. Wordsworth był swego rodzaju rewolucjonistą w literaturze, jego hasłem było: „Poezja dla wszystkich – dlatego jej język powinien być dostępny dla ludzi wszystkich klas”. Buntował się przeciw utartej poezji klasyków, aktywnie sprzeciwiając się warunkowemu podziałowi gatunków literackich na wyższe i niższe, a także krytykował poetów salonowych, którzy stosując zasady stylu wysokiego próbowali ograniczyć zakres poezji do kręgu „nielicznych”. Celem Wordswortha było całkowite porzucenie opisu życia dam i dżentelmenów na rzecz opowieści o życiu zwykłych ludzi, którzy z pokolenia na pokolenie żyją i pracują w jedności z naturą. Aby urzeczywistnić tę ideę, trzeba było stworzyć nową metodę, skomponować nowe zasady estetyczne literatury gatunkowej i użyć zupełnie innych środków stylistycznych i językowych. Oto cytaty z jego wspomnień: „Poeci piszą nie tylko dla poetów, ale i dla ludzi*. „Postawiłem sobie za cel… zastosowanie języka, który należy do wszystkich ludzi *. W swoich nieśmiertelnych dziełach W. Wordsworth rysuje dla czytelników zwykłe, całkiem przyziemne i prawdziwe obrazy, stara się nie używać skomplikowanych metafor, aby uprościć swoją pracę i uczynić ją dostępną dla publiczności. W swoich wierszach coraz bardziej idealizuje patriarchalny charakter wiejskiego życia, cieszy się religijnością i spokojem chłopów. Chociaż z drugiej strony ma cały cykl wierszy, w których opisuje upadek i zniszczenie cenionego przez siebie patriarchatu, śmierć własności chłopskiej w rękach wielkich obszarników i panów feudalnych. Opisuje cały żal z powodu ruiny rodzin chłopskich, skazanych na biedę i włóczęgostwo w wielkich miastach.
Jeśli porównamy poezję W. Wordswortha z twórczością jego poprzedników - klasycystów i sentymentalistów, to możemy powiedzieć, że Wordsworthowi udało się włożyć w usta swoich bohaterów - rolników, rybaków, żołnierzy, marynarzy, robotników rolnych - opowieści o jego kłopotach, tułaczkach i tułaczkach w tak prostym, właściwym tylko im ludowym języku. Wszystkie te historie opowiedziane są prosto i naturalnie, a jednocześnie oddają całą głębię przeżyć i prawdziwych uczuć tych prostych ludzi. Przed Wordsworthem udało się to tylko C. L. Berne. W balladach Wordswortha widać głębokie teksty, wyrafinowane wyczucie natury, używa prostych i zrozumiałych form poetyckich do wyrażania swoich idei. Na przykład w balladzie „Sny biednej Zuzanny” jest o dziewczynie, która przyjechała z rodzinnej wioski do Londynu. Wielkie miasto ją przeraża, napełnia przerażeniem i tęsknotą za ojczyzną, gdy nagle słyszy śpiew drozda. Ten znajomy dźwięk wprowadza ją w stan pełnego szczęścia i wraca do dzieciństwa, widzi swój dom, ogród ozdobiony kwiatami, strumyk, podmokłe łąki i pastwiska. Jednak wizja znowu znika i znów znajduje się na londyńskiej ulicy wśród tego samego typu szarych domów, czekając na nią jedynie „worek z kijem i miedzianym krzyżykiem, i żebranie, i głodówka*. To właśnie w tym wierszu ujawnia się cały talent Wordswortha do przedstawiania najzwyklejszych zjawisk w formie magicznych obrazów tylko przy pomocy wyobraźni. Jest to dostępne dla absolutnie wszystkich, ale nie każdy może to osiągnąć bez pomocy poezji.
Wordsworth ubolewa nad losem chłopów, że niszczona jest cała klasa społeczna, wolni drobni właściciele-rolnicy, tak drodzy autorowi swoimi patriarchalnymi zwyczajami i tradycjami. Romantyzm Wordswortha polega na tym, że nie rozumie on nieodwracalności procesu niszczenia i znikania drobnych właścicieli pod groźbą rewolucji przemysłowej. Szczerze nie rozumie daremności swoich prób wpływania na sumienie i roztropność przemysłowców i rządu. Wielokrotnie wysyłał przecież listy do możnych tego świata, w których prosił, aby nie budować kolei na terenach wsi i nie zakładać fabryk na pojezierzach.
Poeta całą swoją twórczością stara się przekazać czytelnikom niezrozumiałość i piękno otaczającego go świata. Na przykład w wierszu „Kukułka” opowiada o swoim spotkaniu z leśnym ptakiem, nadając tej zwykłej okazji pewną tajemnicę i tajemnicę:
Tajemnica dla mnie...
O tajemniczy ptaku!
Świat wokół,
w którym żyjemy
Nagle wydaje mi się wizja.
To twój magiczny dom.
Tłumaczenie: S. Ya Marshak
Romantyczni poeci zawsze wierzyli, że dzieci są bardziej wrażliwe na subtelny świat, że czują więź z siłami nieziemskimi. Dobrze oddaje to wiersz „Mamy siedem lat”, w którym prosta ośmioletnia wiejska dziewczynka zapytana przez podróżnika, ile ma braci i sióstr, odpowiada „jest nas siedem”, nie postrzegając zmarłego brata i siostry jako bezpowrotnie przez nią utraconych.
W 1799 r. W. Wordsworth stworzył cykl wierszy „Łucja”, w skład którego weszły trzy wiersze: „Miłość namiętna”, „Ukrywała się w lasach” i „Długo przebywałem na obczyźnie”. Poeta stara się w romantycznej formie przekazać nam proces rozumienia śmierci własnych młodzieńczych marzeń, które inspirowane były wcześniejszą epoką oświecenia, która mówi o harmonii i szczęściu na całym świecie. Swoje marzenia i nadzieje ucieleśnia w czystym i jasnym obrazie dziewczyny Lucy, której śmierć pokazuje nam, jak samotni stali się współcześni autorowi i jak cierpią z powodu braku jedności, nie mogąc go przezwyciężyć.
Zapominając, pomyślałem we śnie,
A co z latami biegania
Nad tym, który jest mi najdroższy,
Od teraz nie ma prądu.
Jest w kolebce grobu
Przeznaczenie na zawsze
Z górami, morzem i trawą
Obracać się razem.
Tłumaczenie: S. Ya Marshak
Twórczość liryczna W. Wordswortha stała się główną sceną literackich zmagań o nowy kierunek w sztuce. Jego prace były wysoko cenione w całej Europie iw Rosji przez tak wybitnych autorów, jak W. Scott, P. B. Shelley.
„W literaturze dojrzałej przychodzi czas, kiedy umysły znudzone monotonnymi dziełami sztuki, ograniczonym kręgiem uzgodnionego, wybranego języka, zwracają się ku świeżej fikcji ludowej i dziwnej, na pierwszy rzut oka godnej pogardy, gwary.
Więc teraz Wordsworth, Coleridge porwali opinie wielu… Dzieła angielskich poetów… są pełne głębokich uczuć i poetyckich myśli, wyrażonych językiem uczciwego plebsu.
A. S. Puszkin bardzo docenił liryczną twórczość W. Wordswortha i powiedział, że * daleko od próżnego świata rysuje ideał Natury.
W. Wordsworth przez całe życie pisał autobiograficzny wiersz „Preludium”, którego szkic został ukończony w 1804 roku. Regularnie go przepisywał, uzupełniając o nowe szczegóły i wątki. Ukazał się jednak dopiero po śmierci poety w 1850 roku. Bohaterem wiersza jest raczej uogólniony obraz liryczny, romantyk, który na początku życia mocno wierzy w świetlaną przyszłość rewolucji, a potem traci wiarę.
W. Wordsworth odegrał ważną rolę w rozwoju romantyzmu angielskiego i amerykańskiego. Sformułował teorię odpowiedzialności moralnej wszystkich pisarzy wobec ludu, wobec ludzi czytających ich dzieła, wierząc, że poeci i pisarze są nauczycielami, mentorami, prawodawcami norm i porządków społecznych. W tym właśnie dostrzegał społeczną siłę sztuki.