Historia teatru: powstanie i rozwój sztuki teatralnej, ciekawostki. Teatr jako forma sztuki i jego zasadnicza różnica w stosunku do innych sztuk Rodzaj sztuki, który wywarł wpływ na teatr.

20.06.2020

Teatr jako forma sztuki i jego zasadnicza różnica w stosunku do innych sztuk

zestaw artystyczny teatralny

Jak każda inna forma sztuki (muzyka, malarstwo, literatura), teatr ma swoje szczególne cechy. Jest to sztuka syntetyczna: na dzieło teatralne (performans) składa się tekst sztuki, dzieło reżysera, aktora, artysty i kompozytora. W operze i balecie muzyka odgrywa decydującą rolę.

Teatr jest sztuką zbiorową. Spektakl to efekt działania wielu osób, nie tylko tych, które pojawiają się na scenie, ale także tych, którzy szyją kostiumy, robią rekwizyty, ustawiają oświetlenie, pozdrawiają publiczność. Nie bez powodu istnieje definicja „pracowników warsztatów teatralnych”: spektakl to zarówno twórczość, jak i produkcja.

Teatr oferuje własny sposób rozumienia otaczającego nas świata, a co za tym idzie, własny zestaw środków artystycznych. Spektakl to zarówno specjalna akcja rozgrywająca się w przestrzeni sceny, jak i szczególne myślenie wyobrażeniowe, odmienne od np. muzyki.

Teatr, jak żadna inna forma sztuki, ma największe „pojemności”. Absorbuje zdolność literatury do odtwarzania życia w słowach w jego zewnętrznych i wewnętrznych przejawach, ale słowo to nie jest narracyjne, ale żywo brzmiące, bezpośrednio skuteczne. Co więcej, w przeciwieństwie do literatury, teatr odtwarza rzeczywistość nie w umyśle czytelnika, ale jako obiektywnie istniejące obrazy życia (spektakl) umiejscowione w przestrzeni. I pod tym względem teatr zbliża się do malarstwa. Ale spektakl teatralny jest w ciągłym ruchu, rozwija się w czasie – i w ten sposób jest bliski muzyce. Zanurzenie się w świat przeżyć widza przypomina stan, jakiego doświadcza słuchacz muzyki, zanurzony we własnym świecie subiektywnego postrzegania dźwięków.

Oczywiście teatr w żaden sposób nie zastępuje innych form sztuki. Specyfiką teatru jest to, że przenosi on „właściwości” literatury, malarstwa i muzyki poprzez obraz żywej, działającej osoby. Ten bezpośredni materiał ludzki dla innych rodzajów sztuki to dopiero punkt wyjścia twórczości. Dla teatru „przyroda” służy nie tylko jako materiał, ale także zostaje zachowana w jej bezpośredniej żywotności.

Sztuka teatru ma niesamowitą zdolność łączenia się z życiem. Choć występ sceniczny odbywa się po drugiej stronie sceny, w momentach największego napięcia zaciera granicę pomiędzy sztuką a życiem i jest odbierany przez widzów jako sama rzeczywistość. Atrakcyjność teatru polega na tym, że „życie sceniczne” swobodnie manifestuje się w wyobraźni widza.

Ten zwrot psychologiczny następuje dlatego, że teatr nie tylko jest obdarzony cechami rzeczywistości, ale sam w sobie odsłania rzeczywistość kreowaną artystycznie. Rzeczywistość teatralna, tworząca wrażenie rzeczywistości, rządzi się swoimi szczególnymi prawami. Prawdziwości teatru nie można mierzyć kryteriami wiarygodności z życia wziętego. Człowiek nie jest w stanie znieść ciężaru psychicznego, jaki bohater dramatu bierze na siebie w życiu, gdyż w teatrze dochodzi do skrajnej kondensacji całych cykli zdarzeń. Bohater spektaklu często doświadcza swojego życia wewnętrznego jako skrzepu namiętności i dużej koncentracji myśli. A wszystko to jest przez publiczność traktowane jako coś oczywistego. „Niesamowite” według standardów obiektywnej rzeczywistości wcale nie jest oznaką nierzetelności w sztuce. W teatrze „prawda” i „nieprawda” mają różne kryteria i są wyznaczane przez prawo wyobraźni. „Sztuka jest doświadczana jako rzeczywistość w pełni naszych mentalnych „mechanizmów”, ale jednocześnie oceniana jest pod kątem jej specyficznej jakości ręcznie robionego, zabawnego „nierealnego”, jak mówią dzieci, iluzorycznego podwojenia rzeczywistości”.

Widz teatralny staje się widzem teatralnym, gdy dostrzeże ten podwójny aspekt akcji scenicznej, nie tylko widząc przed sobą żywotnie konkretny akt, ale także rozumiejąc wewnętrzny sens tego aktu. To, co dzieje się na scenie, odbierane jest zarówno jako prawda życia, jak i jego przenośne odtworzenie. Jednocześnie trzeba zaznaczyć, że widz, nie tracąc poczucia rzeczywistości, zaczyna żyć w świecie teatru. Relacja rzeczywistości realnej i teatralnej jest dość złożona. W procesie tym wyróżnia się trzy fazy:

Rzeczywistość obiektywnie ukazanej rzeczywistości, przekształcona przez wyobraźnię dramatopisarza w dzieło dramatyczne.

Dzieło dramatyczne wprowadzone w życie sceniczne przez teatr (reżyser, aktorzy) – spektakl.

Życie sceniczne, postrzegane przez widzów i wchodzące w ich przeżycia, zlało się z życiem widzów i tym samym ponownie wróciło do rzeczywistości.

Podstawowe prawo teatru – wewnętrzne uczestnictwo publiczności w wydarzeniach rozgrywających się na scenie – zakłada pobudzenie wyobraźni, niezależnej, wewnętrznej twórczości u każdego z widzów. Ta niewola w akcji odróżnia widza od obojętnego obserwatora, którego można spotkać także w salach teatralnych. Widz, w przeciwieństwie do aktora, aktywnego artysty, jest artystą kontemplacyjnym.

Aktywna wyobraźnia widzów nie jest bynajmniej jakąś szczególną duchową własnością wybranych miłośników sztuki. Oczywiście rozwinięty gust artystyczny ma ogromne znaczenie, ale jest to kwestia rozwoju tych zasad emocjonalnych, które są nieodłączne dla każdego człowieka.

Świadomość rzeczywistości artystycznej w procesie percepcji jest głębsza, im pełniej widz zanurzony jest w sferze przeżyć, tym bardziej wielowarstwowa sztuka wnika w duszę człowieka. To właśnie na styku dwóch sfer – nieświadomego doświadczenia i świadomego postrzegania sztuki istnieje wyobraźnia. Jest ona pierwotnie wpisana w psychikę człowieka, organicznie, dostępna każdemu człowiekowi i może być znacznie rozwinięta w trakcie kumulacji przeżyć estetycznych.

Percepcja estetyczna jest twórczością widza i może osiągnąć dużą intensywność. Im bogatsza natura samego widza, tym bardziej rozwinięty jego zmysł estetyczny, tym pełniejsze jego przeżycia artystyczne, tym aktywniejsza jego wyobraźnia i bogatsze wrażenia teatralne.

Estetyka percepcji w dużej mierze skupia się na idealnym odbiorcy. W rzeczywistości świadomy proces kultywowania kultury teatralnej prawdopodobnie popchnie widza w stronę zdobywania wiedzy o sztuce i opanowania pewnych umiejętności percepcyjnych.

W teatrze syntetycznym współczesności tradycyjna relacja pomiędzy dominującymi zasadami – prawdą i fikcją – jawi się jako swego rodzaju nierozerwalna jedność. Synteza ta zachodzi zarówno jako akt doświadczenia (postrzeganie prawdy życiowej), jak i akt przyjemności estetycznej (postrzeganie poezji teatru). Widz staje się wtedy nie tylko psychologicznym uczestnikiem akcji, czyli osobą, która „wchłania” losy bohatera i wzbogaca się duchowo, ale także twórcą, który dokonuje w swojej wyobraźni działania twórczego, jednocześnie z tym, co się dzieje. na scenie. Ten ostatni punkt jest niezwykle ważny i zajmuje centralne miejsce w estetycznej edukacji odbiorców.

Oczywiście każdy widz może mieć swój własny pomysł na idealne wykonanie. Ale we wszystkich przypadkach opiera się na pewnym „programie” wymagań art. Ten rodzaj „wiedzy” zakłada pewną dojrzałość kultury widza.

Kultura widza w dużej mierze zależy od charakteru sztuki, która jest mu oferowana. Im bardziej złożone jest przed nim postawione zadanie - estetyczne, etyczne, filozoficzne - tym intensywniejsza jest myśl, ostrzejsze emocje, tym subtelniejsza manifestacja gustu widza. To bowiem, co nazywamy kulturą czytelnika, słuchacza czy widza, jest bezpośrednio związane z rozwojem samej osobowości człowieka, zależy od jego rozwoju duchowego i wpływa na jego dalszy rozwój duchowy.

Znaczenie zadania, jakie teatr stawia przed widzem w ujęciu psychologicznym, polega na tym, że obraz artystyczny, w całej swojej złożoności i niespójności, odbierany jest przez widza najpierw jako realną, obiektywnie istniejącą postać, a następnie – jako przyzwyczaja się do obrazu i myśli o jego działaniu, odsłania (jakby niezależnie) jego wewnętrzną istotę, jego ogólne znaczenie.

Pod względem estetycznym złożoność zadania polega na tym, że widz postrzega obrazy sceniczne nie tylko według kryteriów prawdziwości, ale także wie, jak (nauczył się) rozszyfrować jego poetyckie, metaforyczne znaczenie.

Specyfiką sztuki teatralnej jest więc człowiek żywy, jako bezpośrednio doświadczający bohater i jako bezpośrednio tworzący artysta, a najważniejszym prawem teatru jest bezpośrednie oddziaływanie na widza.

O „efektu teatru”, o jego przejrzystości decyduje nie tylko godność samej twórczości, ale także godność i kultura estetyczna widowni. Jednak przebudzenie artysty w odbiorze następuje tylko wtedy, gdy widz jest w stanie dostrzec w całości treści zawarte w spektaklu, jeśli jest w stanie poszerzyć swój zakres estetyczny i nauczyć się widzieć w sztuce coś nowego, jeśli jednocześnie pozostając wiernym swojemu ulubionemu stylowi artystycznemu, nie okazuje się głuchy i na inne kierunki twórcze, jeśli potrafi dostrzec nową interpretację klasycznego dzieła i potrafi oddzielić plan reżyserski od jego realizacji przez aktorów. .. Takich „jeśli” można wymienić znacznie więcej. W konsekwencji, aby widz zaangażował się w twórczość, aby obudził się w nim artysta, na obecnym etapie rozwoju naszego teatru istnieje potrzeba ogólnego wzrostu kultury artystycznej widza.

Spektakl teatralny opiera się na tekście, tak jak sztuka na spektakl dramatyczny. Nawet w tych przedstawieniach scenicznych, w których nie ma słowa jako takiego, czasami potrzebny jest tekst; w szczególności balet, a czasem pantomima, ma scenariusz - libretto. Proces pracy nad spektaklem polega na przeniesieniu tekstu dramatycznego na scenę – jest to swego rodzaju „tłumaczenie” z jednego języka na drugi. W rezultacie słowo literackie staje się słowem scenicznym.

Pierwszą rzeczą, którą widz widzi po otwarciu (lub podniesieniu) kurtyny, jest przestrzeń sceniczna, w której umieszczona jest scenografia. Wskazują miejsce akcji, czas historyczny i odzwierciedlają barwę narodową. Za pomocą konstrukcji przestrzennych można nawet oddać nastrój bohaterów (np. w epizodzie cierpień bohatera pogrążyć scenę w ciemności lub zakryć jej tło czernią). Podczas akcji, za pomocą specjalnej techniki, zmienia się sceneria: dzień zamienia się w noc, zima w lato, ulica w pokój. Technika ta rozwinęła się wraz z myślą naukową ludzkości. Mechanizmy podnoszące, tarcze i włazy, które w starożytności były obsługiwane ręcznie, są obecnie podnoszone i opuszczane elektronicznie. Świece i lampy gazowe zastąpiono lampami elektrycznymi; Często wykorzystuje się także lasery.

Już w starożytności ukształtowały się dwa rodzaje scen i widowni: scena pudełkowa i scena amfiteatralna. Scena pudełkowa składa się z poziomów i stanowisk, a scena amfiteatru jest otoczona widzami z trzech stron. Obecnie oba typy są używane na świecie. Nowoczesna technologia umożliwia zmianę przestrzeni teatralnej - ustawienie podestu na środku widowni, posadzenie widza na scenie i przedstawienie spektaklu w sali.Budynek teatru zawsze przywiązywał dużą wagę. Teatry budowano zwykle na centralnym placu miasta; Architekci chcieli, aby budynki były piękne i przyciągały uwagę. Przychodząc do teatru widz odrywa się od codzienności, jakby wzniósł się ponad rzeczywistość. Dlatego to nie przypadek, że do holu często prowadzą schody ozdobione lustrami.

Muzyka pomaga zwiększyć emocjonalny wpływ przedstawienia dramatycznego. Czasami brzmi to nie tylko podczas akcji, ale także w przerwie - aby utrzymać zainteresowanie publiczności. Główną osobą w przedstawieniu jest aktor. Widz widzi przed sobą osobę, która w tajemniczy sposób zamieniła się w artystyczny obraz – wyjątkowe dzieło sztuki. Oczywiście dziełem sztuki nie jest sam wykonawca, ale jego rola. Jest dziełem aktora, stworzonym przez głos, nerwy i coś nieuchwytnego – ducha, duszę. Aby akcja na scenie mogła być postrzegana jako integralna, należy ją zorganizować przemyślanie i konsekwentnie. Te obowiązki we współczesnym teatrze pełni reżyser. Oczywiście wiele zależy od talentu aktorów spektaklu, niemniej jednak są oni podporządkowani woli lidera – reżysera. Ludzie, jak wiele wieków temu, przychodzą do teatru. Tekst spektakli brzmi ze sceny, przetworzony siłami i uczuciami wykonawców. Artyści prowadzą własny dialog – i to nie tylko werbalny. To rozmowa gestów, postaw, spojrzeń i mimiki. Wyobraźnia artysty-dekoratora za pomocą koloru, światła i konstrukcji architektonicznych na scenie sprawia, że przestrzeń sceniczna „mówi”. A wszystko razem zamyka się w ścisłych ramach reżyserskiego planu, który nadaje heterogenicznym elementom kompletność i integralność.

Widz świadomie (a czasem nieświadomie, jakby wbrew swojej woli) ocenia grę aktorską i reżyserię, zgodność rozwiązania przestrzeni teatralnej z ogólnym projektem. Ale najważniejsze, że on, widz, zapoznaje się ze sztuką, w odróżnieniu od innych, powstających tu i teraz. Rozumiejąc sens przedstawienia, pojmuje sens życia.

Koncepcja dzieła choreograficznego (sceny lub suity)

Apartament (z pakietu francuskiego - „rząd”, „sekwencja”) to cykliczna forma muzyczna składająca się z kilku niezależnych, kontrastujących części, połączonych wspólną koncepcją.

Jest to wieloczęściowy cykl składający się z niezależnych, kontrastujących ze sobą spektakli, które łączy wspólna idea artystyczna. Czasami zamiast nazwy „suita” kompozytorzy używali innego, również powszechnego, „partita”.

Suitę od sonaty i symfonii odróżnia większa samodzielność części, mniejszy rygor i regularność ich powiązań. Termin „suita” został wprowadzony w drugiej połowie XVII wieku przez kompozytorów francuskich. Suity z XVII-XVIII wieku były taneczne; orkiestrowe suity nietaneczne pojawiły się w XIX wieku (najsłynniejsze to „Szeherezada” N. A. Rimskiego-Korsakowa, „Obrazy z wystawy” MP Musorgskiego).

W Niemczech pod koniec XVII wieku powstała dokładna sekwencja części:

Allemanda

·Courante

Sarabanda

· Gigue

Suitę charakteryzuje malarska reprezentacja oraz ścisłe powiązanie z pieśnią i tańcem. Apartamenty często składają się z muzyki napisanej do baletów, oper i przedstawień teatralnych. Istnieją również dwa specjalne typy suity – wokalna i chóralna.

Poprzednika suity można uznać za połączoną w pary kombinację tańców powszechnych u schyłku renesansu – wolnych, ważnych (np. pawana) i bardziej żywych (np. galiard). Później cykl ten stał się czteroczęściowy. Niemiecki kompozytor Johann Jakob Froberger (1616-1667) stworzył model instrumentalnej suity tanecznej: allemanda o umiarkowanym tempie i dwuczęściowej wielkości – wykwintny dzwonek – gigue – mierzona sarabanda.

Historycznie rzecz biorąc, pierwszą była suita tańca starożytnego, napisana na jeden instrument lub orkiestrę. Pierwotnie istniały dwa tańce: dostojna pawana i szybka galiarda. Grano je jeden po drugim – tak powstały pierwsze przykłady starożytnej suity instrumentalnej, która najbardziej rozpowszechniła się w 2. połowie XVII wieku. - I połowa XVIII wieku. W swojej klasycznej formie powstała w twórczości austriackiego kompozytora I. Ya.Frobergera. Opierał się na czterech różnych tańcach: allemande, chime, sarabande i gigue. Stopniowo kompozytorzy zaczęli włączać do suity inne tańce, a ich wybór był dowolny. Mogą to być: menuet, passacaglia, polonez, chaconne, rigaudon itp. Czasami w suitie pojawiały się także utwory nietaneczne – arie, preludia, uwertury, toccaty. Tym samym nie uregulowano całkowitej liczby pokoi w apartamencie. Ważniejsze były środki łączące poszczególne sztuki w jeden cykl, na przykład kontrasty tempa, metrum i rytmu.

Suita jako gatunek rozwinęła się pod wpływem opery i baletu. Zawierały nowe tańce i partie pieśni w duchu arii; pojawiły się suity składające się z orkiestrowych fragmentów dzieł muzycznych i teatralnych. Ważnym elementem suity była uwertura francuska – część wprowadzająca, składająca się z powolnego, uroczystego początku i szybkiej fugi. W niektórych przypadkach w tytułach utworów określenie „uwertura” zastąpiło określenie „suita”; innymi synonimami były terminy „ordr” („porządek”) F. Couperina i „partita” J. S. Bacha.

Prawdziwy szczyt rozwoju gatunku osiągnął w twórczości J. S. Bacha. Kompozytor napełnia muzykę swoich licznych suit (klawiszowych, skrzypcowych, wiolonczelowych, orkiestrowych) tak uduchowionym uczuciem, czyni te utwory tak różnorodnymi i głębokimi nastrojowo, organizuje je w tak harmonijną całość, że przemyśleje gatunek na nowo, otwiera nowe możliwości ekspresyjne zawarte w prostych formach tanecznych, a także w samej podstawie cyklu suity („Chaconne” z partity d-moll).

W połowie XVIII wieku suita połączyła się z sonatą, a samo określenie przestało być używane, choć struktura suity nadal oscylowała wokół takich gatunków, jak serenada, Divertisement i inne. Określenie „suita” zaczęło ponownie pojawiać się pod koniec XIX w., często sugerując, jak poprzednio, zbiór fragmentów instrumentalnych z opery (suita z „Carmen” J. Bizeta), z baletu (suita z „Dziadka do orzechów” P.I. Czajkowski), od muzyki do dramaturgii (suita Peera Gynta od muzyki E. Griega do dramatu Ibsena). Niektórzy kompozytorzy komponowali samodzielne suity programowe – wśród nich m.in. Szeherezada N.A. Rimskiego-Korsakowa oparta na baśniach orientalnych.

Kompozytorzy XIX-XX wieku, zachowując główne cechy gatunku - konstrukcję cykliczną, kontrast części itp., Nadają im inną interpretację figuratywną. Taneczność nie jest już cechą obowiązkową. Suita wykorzystuje szeroką gamę materiału muzycznego, a o jej zawartości często decyduje program. Jednocześnie muzyka taneczna nie jest wyrzucona ze suity, wręcz przeciwnie, wprowadzane są do niej nowe, nowoczesne tańce, jak na przykład „Puppet Cack-Walk” z suity „Kącik dziecięcy” C. Debussy’ego. Pojawiły się suity z muzyką do przedstawień teatralnych („Peer Gynt” E. Griega), baletów („Dziadek do orzechów” i „Śpiąca królewna” P. I. Czajkowskiego, „Romeo i Julia” S. S. Prokofiewa), oper („Dziadek do orzechów” i „Śpiąca królewna” P. I. Czajkowskiego, „Romeo i Julia” S. S. Prokofiewa), oper („ Opowieść o carze Saltanie” N. A. Rimskiego-Korsakowa). W połowie XX wieku. suity komponowane są także z muzyką do filmów (Hamlet D. D. Szostakowicza).

W suitach wokalno-symfonicznych obok muzyki rozbrzmiewa także słowo (Zimowy ogień Prokofiewa). Czasem kompozytorzy nazywają niektóre cykle wokalne suitami wokalnymi („Sześć wierszy M. Cwietajewej” Szostakowicza).

Lista wykorzystanych źródeł

1.Gachev G. D. Treść form artystycznych. Epicki. Tekst piosenki. Teatr. M., 2008

.Kagana. M.S. Estetyka jako nauka filozoficzna.Wykłady uniwersyteckie.St.Petersburg,2007.

.Sosnova M.L. Sztuka aktora. Aleja Akademicka M.; Trixta, 2007..

.Shpet G. G. Teatr jako sztuka//Pytania o filozofii, 1989, nr 11.

Korepetycje

Potrzebujesz pomocy w studiowaniu jakiegoś tematu?

Nasi specjaliści doradzą lub zapewnią korepetycje z interesujących Cię tematów.
Prześlij swoją aplikację wskazując temat już teraz, aby dowiedzieć się o możliwości uzyskania konsultacji.

KLASYFIKACJA TYPÓW SZTUKI

Sztuka (twórcza refleksja, reprodukcja rzeczywistości w obrazach artystycznych.) istnieje i rozwija się jako system wzajemnie powiązanych typów, których różnorodność wynika z wszechstronności samego świata rzeczywistego, odzwierciedlonej w procesie twórczości artystycznej.

Rodzaje sztuki to historycznie ustalone formy działalności twórczej, które mają zdolność artystycznego urzeczywistniania treści życia i różnią się sposobami jego materialnego ucieleśnienia (słowo w literaturze, dźwięk w muzyce, materiały plastyczne i kolorystyczne w sztukach wizualnych itp.). ).

We współczesnej literaturze historii sztuki wykształcił się pewien schemat i system klasyfikacji sztuk, choć nadal nie ma jednego i wszystkie są względne. Najbardziej powszechnym schematem jest podzielenie go na trzy grupy.

Do pierwszej zaliczają się sztuki przestrzenne lub plastyczne. Dla tej grupy sztuk istotna jest struktura przestrzenna w ukazaniu obrazu artystycznego - sztuki piękne, sztuki dekoracyjne i stosowane, architektura, fotografia.

Druga grupa obejmuje tymczasowe lub dynamiczne typy sztuki. Kluczowe znaczenie nabiera w nich kompozycja rozwijająca się w czasie – Muzyka, Literatura.Trzecią grupę reprezentują typy przestrzenno-czasowe, zwane także sztukami syntetycznymi lub widowiskowymi – Choreografia, Literatura, Sztuka teatralna, Kinematografia.

Istnienie różnych rodzajów sztuki wynika z faktu, że żadna z nich własnymi środkami nie jest w stanie dać artystycznego, całościowego obrazu świata. Taki obraz może stworzyć jedynie cała kultura artystyczna ludzkości jako całości, złożona z poszczególnych rodzajów sztuki.

SZTUKI TEATRALNE

Teatr to forma sztuki, która artystycznie eksploruje świat poprzez dramatyczną akcję wykonywaną przez kreatywny zespół.

Podstawą teatru jest dramaturgia. Syntetyczny charakter sztuki teatralnej determinuje jej kolektywny charakter: przedstawienie łączy w sobie wysiłki twórcze dramatopisarza, reżysera, artysty, kompozytora, choreografa i aktora.

Spektakle teatralne dzielą się na gatunki:

Tragedia;

Komedia;

Muzyczne itp.

Sztuka teatralna sięga czasów starożytnych. Jej najważniejsze elementy istniały już w prymitywnych rytuałach, tańcach totemicznych, kopiowaniu zwyczajów zwierząt itp.

Teatr to sztuka zbiorowa (Zahava)

Pierwszą rzeczą, która przykuwa naszą uwagę, gdy myślimy o specyfice teatru, jest istotny fakt, że dzieło sztuki teatralnej – spektakl – nie jest tworzone przez jednego artystę, jak w większości innych sztuk, ale przez wielu uczestników procesu twórczego . Dramaturg, aktorzy, reżyser, wizażysta, dekorator, muzyk, projektant oświetlenia, projektant kostiumów itp. - każdy wnosi swój wkład pracy twórczej we wspólną sprawę. Zatem prawdziwym twórcą w sztuce teatralnej nie jest jednostka, ale zespół – zespół twórczy. Zespół jako całość jest autorem zrealizowanego dzieła sztuki teatralnej – spektaklu. Natura teatru wymaga, aby całe przedstawienie było przepojone twórczą myślą i żywym uczuciem. Każde słowo spektaklu, każdy ruch aktora, każde inscenizacja stworzona przez reżysera musi być nimi nasycona. Wszystko to są przejawy życia tego jednego, integralnego, żywego organizmu, który narodziwszy się dzięki twórczemu wysiłkowi całej grupy teatralnej, zyskuje prawo do miana prawdziwego dzieła sztuki teatralnej – przedstawienia. Twórczość każdego indywidualnego artysty biorącego udział w tworzeniu spektaklu jest niczym innym jak wyrazem aspiracji ideowych i twórczych całego zespołu jako całości. Bez zjednoczonego, spójnego ideologicznie zespołu, pasjonującego się wspólnymi zadaniami twórczymi, nie ma mowy o pełnoprawnym spektaklu. Pełnoprawna twórczość teatralna zakłada obecność zespołu, który ma wspólny światopogląd, wspólne aspiracje ideologiczne i artystyczne, wspólną dla wszystkich jego członków metodę twórczą i podlega najsurowszej dyscyplinie. „Zbiorowa twórczość” – pisał K. S. Stanisławski – „na której opiera się nasza sztuka, koniecznie potrzebuje zespołu, a ci, którzy ją naruszają, popełniają zbrodnię nie tylko przeciwko swoim towarzyszom, ale także przeciwko samej sztuce, której służą”. Zadanie wychowania aktora w duchu kolektywizmu, wynikające z samej natury sztuki teatralnej, łączy się z zadaniem wychowania komunistycznego, które zakłada zarówno pełny rozwój poczucia przywiązania do interesów zbiorowości, jak i najbardziej zacięta walka ze wszelkimi przejawami burżuazyjnego indywidualizmu.

Teatr jest sztuką syntetyczną. Aktor jest nosicielem specyfiki teatru

W ścisłym związku z zasadą kolektywności w sztuce teatralnej pozostaje jeszcze jedna specyficzna cecha teatru: jego syntetyczny charakter. Teatr jest syntezą wielu sztuk, które wzajemnie na siebie oddziałują. Należą do nich literatura, malarstwo, architektura, muzyka, sztuka wokalna, sztuka tańca itp. Wśród tych sztuk jest taka, która należy wyłącznie do teatru. Na tym polega sztuka aktora. Aktor jest nierozerwalnie związany z teatrem, a teatr jest nierozerwalnie związany z aktorem. Dlatego można powiedzieć, że aktor jest nosicielem specyfiki teatru. Synteza sztuk w teatrze – ich organiczne połączenie w przedstawieniu – jest możliwa tylko wtedy, gdy każda z tych sztuk spełnia określoną funkcję teatralną. Dzieło dowolnej sztuki, pełniąc tę funkcję teatralną, zyskuje dla niej nową jakość teatralną. Bo malarstwo teatralne to nie to samo, co tylko malarstwo, muzyka teatralna to nie to samo, co tylko muzyka itp. Jedynie sztuka aktorska ma charakter teatralny. Oczywiście znaczenie spektaklu dla przedstawienia jest nieproporcjonalne do znaczenia scenerii. Scenografia ma pełnić rolę drugoplanową, a spektakl stanowi ideową i artystyczną podstawę przyszłego przedstawienia. A jednak sztuka to nie to samo, co wiersz czy opowiadanie, nawet jeśli jest napisane w formie dialogu. Jaka jest najważniejsza (w interesującym nas sensie) różnica pomiędzy spektaklem a wierszem, scenografią z obrazu, scenografią a konstrukcją architektoniczną? Wiersz lub obraz mają niezależne znaczenie. Poeta lub malarz zwraca się bezpośrednio do czytelnika lub widza. Autor sztuki teatralnej jako dzieła literackiego może także zwracać się bezpośrednio do czytelnika, ale tylko poza teatrem. W teatrze dramatopisarz, reżyser, dekorator i muzyk przemawiają do publiczności poprzez aktora lub w powiązaniu z aktorem. Czy rzeczywiście wybrzmiewające na scenie słowo dramaturga, którego autor nie wypełnił życiem, przemienionym w jego własne słowo, jest odbierane jako żywe? Czy formalnie wykonana instrukcja reżysera lub mise-en-scène zaproponowane przez reżysera, ale nieprzeżyte przez aktora, mogą przekonać widza? Oczywiście nie! Może się wydawać, że inaczej jest w przypadku dekoracji i muzyki. Wyobraźcie sobie, że rozpoczyna się spektakl, kurtyna się otwiera i choć na scenie nie ma ani jednego aktora, publiczność głośno oklaskuje wspaniałą scenerię stworzoną przez artystę. Okazuje się, że artysta zwraca się do widza zupełnie bezpośrednio, a nie poprzez aktora. Ale potem pojawiają się postacie i pojawia się dialog. I zaczynasz czuć, że w miarę rozwoju akcji stopniowo narasta w tobie tępa irytacja wywołana scenerią, którą właśnie podziwiałeś. Czujesz, że to odwraca Twoją uwagę od akcji scenicznej i uniemożliwia postrzeganie gry. Zaczynasz rozumieć, że istnieje jakiś wewnętrzny konflikt pomiędzy scenografią a grą aktorską: albo aktorzy nie zachowują się tak, jak powinni zachowywać się w warunkach związanych z tą scenografią, albo scenografia niewłaściwie charakteryzuje scenę. Jedno nie zgadza się z drugim, nie ma syntezy sztuk, bez której nie ma teatru. Często zdarza się, że publiczność, entuzjastycznie witając tę czy inną scenerię na początku aktu, karci ją po zakończeniu akcji. Oznacza to, że publiczność pozytywnie oceniła twórczość artysty, niezależnie od tego przedstawienia, jako dzieło malarskie, ale nie zaakceptowała jej jako dekoracji teatralnej, jako elementu przedstawienia. Oznacza to, że scenografia nie spełniła swojej funkcji teatralnej. Aby spełniło swój cel teatralny, musi znaleźć odzwierciedlenie w grze aktorskiej, w zachowaniu bohaterów na scenie. Jeśli artysta powiesi z tyłu sceny wspaniałe tło, doskonale przedstawiające morze, a aktorzy na scenie będą zachowywać się jak ludzie w pomieszczeniu, a nie na brzegu morza, tło pozostanie martwe. Jakakolwiek część scenerii, każdy przedmiot umieszczony na scenie, ale nie ożywiony postawą gwiazdy wyrażającą się w działaniu, pozostaje martwy i należy go usunąć ze sceny. Każdy dźwięk, który został usłyszany za wolą reżysera lub muzyka, ale nie został w żaden sposób odebrany przez aktora i nie znalazł odzwierciedlenia w jego zachowaniu scenicznym, musi ucichnąć, ponieważ nie nabył jakości teatralnej. Aktor nadaje teatralny byt wszystkiemu, co pojawia się na scenie. Wszystko, co powstaje w teatrze z oczekiwaniem otrzymania przez aktora pełni życia, jest teatralne. Wszystko, co pretenduje do posiadania samodzielnego znaczenia, samowystarczalności, jest antyteatralne. To znak, po którym odróżniamy sztukę od wiersza czy opowiadania, scenografię od obrazu, scenografię od obiektu architektonicznego.

Teatr jest sztuką zbiorową

Sztuka teatralna jest syntetyczna. Aktor-nosiciel specyfiki teatru

Akcja jest podstawowym tworzywem sztuki teatralnej

Dramat jest wiodącym składnikiem teatru

Twórczość aktora jest głównym tworzywem sztuki reżyserskiej.

Widz jest składnikiem twórczym Teatru ZAHAVA!!!

TEATR(z greckiego teatrron – miejsce spektaklu, spektakl), główny rodzaj sztuki rozrywkowej. Ogólna koncepcja teatru dzieli się na rodzaje sztuki teatralnej: teatr dramatyczny, opera, balet, teatr pantomimy itp. Pochodzenie tego terminu związane jest ze starożytnym teatrem greckim, gdzie tak nazywano siedzenia na widowni (od greckiego czasownika „teaomai” – patrzę). Jednak dziś znaczenie tego terminu jest niezwykle zróżnicowane. Jest dodatkowo stosowany w następujących przypadkach:

1. Teatr to budynek specjalnie zbudowany lub przystosowany do wystawiania spektakli („Teatr jest już pełny, loże lśnią” A.S. Puszkina).

2. Instytucja, przedsiębiorstwo zajmujące się wystawianiem przedstawień oraz cały zespół jej pracowników zajmujący się wypożyczaniem spektakli teatralnych (Teatr Mossovet, zwiedzanie Teatru Taganka itp.).

3. Zespół dzieł dramatycznych lub scenicznych, zorganizowanych według tej czy innej zasady (teatr Czechowa, teatr renesansowy, teatr japoński, teatr Marka Zacharowa itp.).

4. W przestarzałym znaczeniu (zachowanym jedynie w teatralnym argocie zawodowym) - scena, scena („Szlachetna bieda jest dobra tylko w teatrze” A.N. Ostrowskiego).

5. W sensie przenośnym - miejsce wszelkich bieżących wydarzeń (teatr działań wojennych, teatr anatomiczny).

Sztuka teatralna ma specyficzne cechy, które czynią jej dzieła wyjątkowymi, nie mającymi odpowiednika w innych gatunkach i typach sztuki.

Przede wszystkim jest to syntetyczny charakter teatru. Jego twórczość z łatwością obejmuje niemal wszystkie inne dziedziny sztuki: literaturę, muzykę, sztuki piękne (malarstwo, rzeźba, grafika itp.), wokal, choreografię itp.; a także korzystają z licznych osiągnięć najróżniejszych nauk i dziedzin techniki. Na przykład rozwój nauki w psychologii stał się podstawą twórczości aktorskiej i reżyserskiej, a także badań z zakresu semiotyki, historii, socjologii, fizjologii i medycyny (w szczególności w nauczaniu mowy scenicznej i ruchu scenicznego). Rozwój różnych gałęzi techniki pozwala udoskonalać i przenosić maszynerię sceniczną na nowy poziom; zarządzanie dźwiękiem i hałasem w teatrze; sprzęt oświetleniowy; pojawienie się nowych efektów scenicznych (na przykład dym na scenie itp.). Parafrazując słynne powiedzenie Moliera, można powiedzieć, że teatr „dobro zabiera tam, gdzie je znajdzie”.

Stąd kolejna specyficzna cecha sztuki teatralnej: kolektywność procesu twórczego. Tutaj jednak sprawa nie jest taka prosta. Mówimy nie tylko o wspólnej twórczości dużego zespołu teatralnego (od obsady spektaklu po przedstawicieli działów technicznych, od których dobrze skoordynowana praca w dużej mierze decyduje o „czystości” spektaklu). W każdym dziele sztuki teatralnej występuje jeszcze jeden pełnoprawny i najważniejszy współautor – widz, którego percepcja koryguje i przekształca przedstawienie, kładąc nacisk na różne sposoby, a czasem radykalnie zmieniając ogólny sens i ideę spektaklu. Spektakl teatralny bez publiczności nie jest możliwy – już sama nazwa teatru kojarzy się z miejscami dla widzów. Odbiór spektaklu przez publiczność jest poważnym dziełem twórczym, niezależnie od tego, czy publiczność jest tego świadoma, czy nie.

Stąd kolejna cecha sztuki teatralnej – jej bezpośredniość: każde przedstawienie istnieje tylko w momencie jego odtworzenia. Ta cecha jest nieodłączna dla wszystkich rodzajów sztuk performatywnych. Jednak są tu pewne osobliwości.

Tak więc w cyrku, gdy wymagany jest kunszt uczestników przedstawienia, czystość techniczna sztuczki nadal staje się czynnikiem podstawowym: jej naruszenie stwarza zagrożenie dla życia cyrkowca, niezależnie od obecności lub braku widzowie. W zasadzie chyba tylko jeden artysta cyrkowy aktywnie współpracuje z publicznością – klaun. Tu rozpoczął się rozwój jednego z rodzajów teatru, klaunady teatralnej, która rozwija się według praw zbliżonych do cyrkowych, choć jednak odmiennych: ogólnoteatralnych.

Wraz z rozwojem technologii rejestracji dźwięku, wykonawcza sztuka muzyczna i wokalna zyskała możliwość wielokrotnego nagrywania i dalszego odtwarzania, identycznego z oryginałem. Jednak odpowiednie nagranie wideo spektaklu teatralnego jest w zasadzie niemożliwe: akcja często rozwija się jednocześnie w różnych częściach sceny, co nadaje objętość temu, co się dzieje i tworzy gamę tonów i półtonów atmosfery scenicznej. W przypadku ujęć z bliska niuanse życia scenicznego pozostają za kulisami; plany ogólne są zbyt małe i nie mogą przekazać wszystkich szczegółów. To nie przypadek, że dopiero reżyserskie, autorskie telewizyjne lub kinowe wersje spektakli teatralnych, zrealizowane zgodnie z prawami międzykulturowymi, odnoszą twórcze sukcesy. To tak jak z tłumaczeniem literackim: suchy zapis spektaklu teatralnego na kliszy przypomina tłumaczenie interlinearne: wszystko wydaje się być w porządku, ale magia sztuki znika.

Każdą przestrzeń, która nie jest niczym wypełniona, można nazwać pustą sceną. Człowiek się porusza

w kosmosie ktoś na niego patrzy i to już wystarczy za teatralność

działanie. Kiedy jednak mówimy o teatrze, zwykle mamy na myśli coś innego. Czerwoni

zasłony, reflektory, pusty wiersz, śmiech, ciemność - wszystko to jest losowo zmieszane

naszą świadomość i tworzy niejasny obraz, który we wszystkich przypadkach wyznaczamy

jednym słowem. Mówimy, że kino zabiło teatr, czyli teatr, który

istniał w czasach nadejścia kina, czyli teatru z kasą, foyer, składanymi

krzesła, podjazdy, zmiany scenerii, przerwy i muzyka, jakby samo słowo

„teatr” z definicji oznacza właśnie to i prawie nic więcej.

Spróbuję rozłożyć to słowo na cztery sposoby i zidentyfikować cztery różne

znaczeń, więc będę mówić o Teatrze Nieożywionym, Teatrze Sakralnym, Teatrze Szorstkim

i o teatrze jako takim. Czasami te cztery teatry istnieją gdzieś w okolicy

West End w Londynie czy niedaleko Times Square w Nowym Jorku. Czasem oddzielają je setki

mil, a czasami ten podział jest warunkowy, ponieważ dwa z nich są połączone

jeden wieczór lub jeden akt. Czasem na jedną chwilę wszystkie cztery teatry -

Święte, szorstkie, nieożywione n Teatr jako taki łączy się w jedno. P.Brooke"Pusta przestrzeń"

1. TEATR I PRAWDA Oscar Remez „Rzemiosło reżyserskie”

Jeśli prawdą jest, że „teatralność” i „prawda” są istotągłównyelementami przedstawienia dramatycznego, to także prawdaIże walka tych dwóch zasad jest źródłem rozwojuekspresyjnyoznacza w sztuce teatralnej. Ta walka jest łatwazgadł, kiedy przyjrzymy się przeszłości teatru, i wieletrudniejszezostaje odkryte podczas badania żywej kreacjiprocesrozwija się na naszych oczach.

3. CYKLICZNOŚĆ HISTORII TEATRU

Porównując znaną przeszłość z wyłaniającą się teraźniejszością, można dojść do wniosku o szczególnym schemacie zmian kierunków teatralnych, o szczególnej, ściśle wymierzonej, cykliczności epok teatralnych.

„Księżniczka Turandot” została zastąpiona nowym kryterium prawdy scenicznej - metodą działań fizycznych. Nowa tradycja teatralna była kontynuowana w twórczości M. Kedrowa. W tym samym czasie i w tym samym kierunku działały teatry A. Popowa i A. Łobanowa. Następnie coraz bardziej rygorystyczną i konsekwentną „witalność” sceniczną zastępuje romantyczna teatralność N. Okhlopkowa. Synteza dwóch zasad, szczyt teatru końca lat 40. to „Młoda Gwardia”, spektakl N. Ochlopkowa, który najpełniej wyraził rzeczywistość za pomocą współczesnego języka artystycznego. W połowie lat 50. – nowa fala – triumf metody skutecznej analizy: twórczość M. Knebela, narodziny Sovremennika, występy G. A. Tovstonogova.

Jak widzimy, każdy kierunek teatralny najpierw rozwija się niejako w ukryciu, często dojrzewa w głębi poprzedniego (i jak się później okazuje polarnego) kierunku, powstaje nieoczekiwanie, rozwija się w konflikcie z tradycją i podąża drogą zdeterminowane dialektyką – wzniesienie, wyrażenia pełni, kryzys twórczy. Każdy okres w historii teatru ma swojego lidera. Idą za nim, naśladują go, zaciekle się z nim kłócą, z reguły z dwóch stron - tych, którzy pozostają z tyłu i tych, którzy są z przodu.

Oczywiście droga do syntezy teatralnej jest złożona. Kluczowe zjawiska w sztuce teatralnej niekoniecznie kojarzą się z nazwiskami wspomnianych reżyserów. Pedantyczny podział pracowników teatru na „grupy”, „trendy” i „obozy” jest mało uzasadniony. Nie zapominajmy – w okresie syntezy teatralnej lat dwudziestych nie kto inny jak K. S. Stanisławski stworzył spektakle, w których najpełniej i najdobitniej wyraził się zwycięski nurt – „Ciepłe serce” (1926) i „Wesele Figara” ( 1927). ). To właśnie w tych dziełach genialna teatralność została połączona z głębokim rozwojem psychologicznym.

Kontynuacją tego rodzaju tradycji w Teatrze Artystycznym było przedstawienie „Klub Pickwicka” (1934) w inscenizacji reżysera V. Ya Stanicyna.

Można odnieść wrażenie, że teatr powtarza się, tocząc się w określonym z góry kręgu. Koncepcję bardzo bliską temu rozumieniu (z pewną zmienną i niejasną terminologią) zaproponował swego czasu J. Gassner w książce „Forma i idea we współczesnym teatrze”.

Jednakże koncepcja zamkniętego cyklicznego rozwoju teatruzło. Obiektywny obraz rozwoju historii teatru -ruch, realizowane w sposób spiralnyNiezbędny, Co się dziejekażdyw nowym wydaniu teatr proponuje coś zasadniczo nowegokryteria prawdę i teatralność, że synteza wieńcząca każdy z cykli rozwoju powstaje za każdym razem na innej podstawie. Jednocześnie nowa teatralność nie może powstrzymać się od opanowania (nawet pomimo kontrowersji) wcześniejszych doświadczeń, a to jest warunkiem koniecznym nieunikniony w przyszłości równowaga dynamiczna. Tym samym walka teatralności z prawdą staje się treścią historii środków wyrazu reżysera, źródłem rozwoju nowych, nowoczesnych form teatralnych.

Nikt nie wie dokładnie, kiedy pojawiła się sztuka teatralna. Było to istotne i niemal przez cały czas stanowiło wyznacznik kultury wysokiej. Jaka jest wartość, dlaczego dziś nie traci na popularności?

Teatr słynie z niepowtarzalnej, baśniowej atmosfery. To sztuka złożona, bo zbiorowa. Spektakl teatralny wymaga harmonijnego współdziałania wielu szczegółów. Dotyczy to scenografii, gry aktorskiej i samego scenariusza.

Sztuka teatralna jest naprawdę wyjątkowa nawet w naszych czasach, bogata w różnorodne rozrywki. Jaka jest jego główna różnica od innych rodzajów rekreacji kulturalnej? Teatr nie oddziela aktora od widza. To zdecydowanie żywa sztuka. Widzowie i aktorzy podczas spektaklu stanowią praktycznie jedność. Na tym polega szczególny urok teatru.

Widz na własne oczy obserwuje, jak aktor przyzwyczaja się do roli. Można powiedzieć, że publiczność ma niepowtarzalną okazję zobaczenia procesu tworzenia. Aktor, jak prawdziwy artysta, tworzy niezbędny obraz, a wszystko to tu i teraz, na oczach podziwiającego widza.

W przeciwieństwie do większości innych form sztuki, teatr nie robi ze swoich widzów zewnętrznych obserwatorów. W każdym przedstawieniu liczy się nie tylko gra aktorów, ale także reakcja publiczności. Sztuka teatralna niejako sprawia, że widz ma poczucie, że jest także nieodłączną częścią samej siebie. Trudno wyobrazić sobie spektakl bez zachwycających oklasków, a wręcz przeciwnie, obojętnej ciszy.

Niektórzy starożytni myśliciele poszli jeszcze dalej w myśleniu o zjednoczeniu widza i aktora. Wcześniej istniała koncepcja, według której osoba przychodząca na spektakl, widząc na scenie skoncentrowany wyraz wszystkich potężnych emocji, przeżywa swego rodzaju katharsis. Oznacza to, że widz identyfikuje się z aktorem i odczuwa uwolnienie wszystkich stłumionych uczuć. To czas, kiedy wierzono, że sztuka teatralna dostarcza nie tylko przyjemności estetycznej, ale jest także swego rodzaju lekarstwem dla duszy. I nawet teraz można w tej teorii znaleźć całkiem sporo prawdy.

Jeśli wspomnisz o teatrze, prawie każdy wyobraża sobie zwykłe przedstawienie. Istnieją jednak inne odmiany tej sztuki. Po pierwsze, jest to opera. Co to jest? Opera to wyjątkowe i oryginalne przedstawienie, w którym aktorzy wyrażają swoje emocje poprzez śpiew, a nie słowa. Poza tym gatunek ten nie może istnieć bez genialnej muzyki. Opera, w odróżnieniu od zwykłych przedstawień teatralnych, jest bardziej poetycka. Nie wpływa na racjonalny i logiczny poziom ludzkiej świadomości, ale bezpośrednio wpływa na emocje i intuicję. Ten rodzaj sztuki teatralnej należy postrzegać nie myśleniem, ale uczuciami. Być może dlatego nie każdy lubi taki gatunek jak opera, ma on zarówno przeciwników, jak i zafascynowanych fanów.

Jakie inne rodzaje sztuki teatralnej istnieją? Oczywiście nie można tu pominąć baletu. To jest podwójnie wyjątkowe: tutaj wszystkie uczucia wyrażają się nie tylko poprzez muzykę, ale także poprzez taniec. Na tym polega niezwykła magia i atrakcyjność baletu. Każde wielkie dzieło można wyrazić poprzez taniec. Jednak uczęszczając na balet, od widza wymagane jest ogromne skupienie i zaangażowanie. Społeczeństwo musi być niezwykle otwarte, aby móc „odczytać” przesłanie zawarte w każdym ruchu.

Nie ulega wątpliwości, że sztuka teatralna jeszcze po pewnym czasie będzie cieszyć się wielką miłością ludzi. To naprawdę święto kulturalne w najwyższym przejawie, które nie tylko napełnia widza nowymi emocjami, ale także służy celom edukacyjnym, rozrywkowym, a nawet edukacyjnym.

Sztuka teatralna jest jedną z najbardziej złożonych, najskuteczniejszych i najstarszych sztuk. Do elementów sztuki teatralnej zalicza się architekturę, malarstwo i rzeźbę (scenografię), muzykę (brzmi to nie tylko w musicalach, ale często także w przedstawieniach dramatycznych) i choreografię (znowu nie tylko w balecie, ale także w dramacie) oraz literatura (tekst, na którym opiera się przedstawienie dramatyczne), sztuka aktorska itp. Spośród wszystkich powyższych, sztuka aktorska jest najważniejszą rzeczą, która determinuje teatr. Słynny radziecki reżyser A. Tairow pisał: „...w historii teatru były długie okresy, kiedy istniał bez przedstawień, kiedy działał bez scenografii, ale nie było ani jednego momentu, gdy teatr nie był bez aktora .”

Aktor w teatrze jest głównym artystą tworzącym tzw. obraz sceniczny. Ściślej mówiąc, aktor w teatrze jest jednocześnie artystą-twórcą, tworzywem twórczości i jej efektem – obrazem. Sztuka aktorska pozwala na własne oczy zobaczyć nie tylko obraz w jego ostatecznym wyrazie, ale także sam proces jego powstawania i kształtowania się. Aktor kreuje obraz z siebie, ale jednocześnie tworzy go w obecności widza, na jego oczach. Na tym chyba polega główna specyfika scenicznego, teatralnego obrazu – i tu tkwi źródło szczególnej i niepowtarzalnej przyjemności artystycznej, jaką daje widzowi. Widz w teatrze, bardziej niż gdziekolwiek indziej w sztuce, bezpośrednio uczestniczy w cudzie stworzenia.

Sztuka teatru, w odróżnieniu od innych sztuk, jest sztuką żywą. Powstaje dopiero w godzinie spotkania z widzem. Opiera się na niezbędnym emocjonalnym, duchowym kontakcie pomiędzy sceną a publicznością. Nie ma takiego kontaktu, co oznacza, że nie ma spektaklu żyjącego własnymi prawami estetycznymi.

Czytając książkę, stojąc przed obrazem, czytelnik i widz nie widzą pisarza, malarza. I tylko w teatrze człowiek spotyka się oko w oko z twórczym artystą, spotyka się z nim w momencie twórczości. Odgaduje powstanie i ruch swojego serca i wraz z nim żyje wszystkimi perypetiami wydarzeń rozgrywających się na scenie.

Czytelnik sam na sam z cenną książką może przeżyć ekscytujące i szczęśliwe chwile. A teatr nie zostawia widzów samych. W teatrze wszystko opiera się na aktywnej interakcji emocjonalnej pomiędzy tymi, którzy tego wieczoru tworzą na scenie dzieło sztuki, a tymi, dla których jest ono tworzone.

Widz przychodzi na spektakl teatralny nie jako zewnętrzny obserwator. Nie może powstrzymać się od wyrażenia swojego stosunku do tego, co dzieje się na scenie. Eksplozja aplauzu, pogodny śmiech, napięta, nieprzerwana cisza, westchnienie ulgi, ciche oburzenie – udział publiczności w procesie akcji scenicznej przejawia się w bogatej różnorodności. Świąteczna atmosfera powstaje w teatrze, gdy współudział i empatia osiągają największe natężenie...

To właśnie oznacza magia sztuki teatralne. Z wrażliwością uchwycona jest sztuka, w której słychać bicie ludzkiego serca, najsubtelniejsze ruchy duszy i umysłu, w której mieści się cały świat ludzkich uczuć i myśli, nadziei, marzeń, pragnień.

Teatr jest sztuką podwójnie kolektywną. Widz odbiera spektakl teatralny i akcję sceniczną nie samodzielnie, ale zbiorowo, „wyczuwając łokieć sąsiada”, co znacznie potęguje wrażenie i artystyczną zaraźliwość tego, co dzieje się na scenie. Jednocześnie samo wrażenie nie pochodzi od pojedynczego aktora, ale od grupy aktorów. Zarówno na scenie, jak i na widowni, po obu stronach rampy, żyją, czują i działają – nie pojedyncze jednostki, ale ludzie, społeczeństwo ludzi połączonych na jakiś czas wspólną uwagą, celem, wspólnym działaniem.

To właśnie w dużej mierze decyduje o ogromnej roli społecznej i edukacyjnej teatru. Sztuka wspólnie tworzona i postrzegana staje się szkołą w pełnym tego słowa znaczeniu. „Teatr” – napisał słynny hiszpański poeta García Lorca – „jest szkołą łez i śmiechu, wolną platformą, z której ludzie mogą potępiać przestarzałą lub fałszywą moralność i wyjaśniać, na żywych przykładach, odwieczne prawa ludzkiego serca i ludzkiego uczucie."

Człowiek zwraca się do teatru jako odzwierciedlenie swojego sumienia, swojej duszy - rozpoznaje siebie, swój czas i swoje życie w teatrze. Teatr otwiera niesamowite możliwości samopoznania duchowego i moralnego.

I choć teatr ze swej natury estetycznej jest sztuką konwencjonalną, podobnie jak inne sztuki, to na scenie przed widzem ukazuje się nie sama realna rzeczywistość, a jedynie jej artystyczne odbicie. Ale w odbiciu jest tak wiele prawdaże jest postrzegane w całej swojej bezwarunkowości, jako najbardziej autentyczne, prawdziwe życie. Widz rozpoznaje ostateczną rzeczywistość istnienia postaci scenicznych. Wielki Goethe napisał: „Cóż może być bardziej naturą niż ludzie Szekspira!”

W teatrze, w tętniącej życiem wspólnocie ludzi zgromadzonych na scenie, wszystko jest możliwe: śmiech i łzy, smutek i radość, nieskrywane oburzenie i dziki zachwyt, smutek i szczęście, ironia i nieufność, pogarda i współczucie, strzeżona cisza i głośno aprobata - jednym słowem całe bogactwo przejawów emocjonalnych i wstrząsów ludzkiej duszy.

Aktor w teatrze

Sztuka teatralna jest jednocześnie prawdziwa i konwencjonalna. To prawda - pomimo swojej konwencjonalności. Jak zresztą każda sztuka. Rodzaje sztuki różnią się między sobą zarówno stopniem prawdziwości, jak i stopniem konwencjonalności, ale bez samego połączenia prawdziwości i konwencjonalności żadna sztuka nie może istnieć.

Na czym polega wyjątkowość pracy aktora teatralnego? Wiele w występie aktora w teatrze nie tylko przybliża go do prawdy życia, ale i od niej oddala. Na przykład teatr uwielbia wyrażanie uczuć „głośno” i „rozmownie”. „Teatr to nie salon” – napisał wielki aktor-realista B.K. Coquelin. - Do półtora tysiąca widzów zgromadzonych na widowni nie można zwracać się jak do dwóch czy trzech towarzyszy, z którymi siedzicie przy kominku. Jeśli nie podniesiesz głosu, nikt nie usłyszy tych słów; Jeśli nie będziesz ich wyraźnie wymawiał, nie zostaniesz zrozumiany.

Tymczasem w rzeczywistości ludzkie emocje potrafią być głęboko ukryte. Smutek można wyrazić subtelnym drżeniem ust, ruchem mięśni twarzy itp. Aktor doskonale o tym wie, ale w swoim życiu scenicznym musi brać pod uwagę nie tylko prawdę psychologiczną i codzienną, ale także warunki życia scenie, możliwości percepcyjne publiczności. Właśnie po to, aby słowa i uczucia bohatera do niego dotarły, aktor musi nieco przesadzić ze stopniem i formą ich ekspresji. Wymaga tego specyfika sztuki teatralnej.

Dla aktora teatralnego komunikacja z publicznością stanowi ważny impuls twórczy. Podczas spektaklu rozpinają się pomiędzy nimi niewidzialne, mocne nici, poprzez które w zadziwiający sposób przekazywane są niewidzialne fale sympatii i antypatii, współczucia, zrozumienia i zachwytu. To wewnętrznie kontroluje grę aktora i pomaga mu tworzyć. Wiadomo, że każda sztuka zajmuje się pewnym materiałem: dla malarza jest to farba i płótno, dla rzeźbiarza jest to glina, marmur, drewno. Dla aktora jedynym narzędziem i materiałem do kreowania artystycznego wizerunku jest on sam – jego chód, gesty, mimika, głos i wreszcie osobowość. Aby każdego wieczoru widzowie martwili się o los bohatera i wierzyli w niego, aktor dużo pracuje. Czyta książki historyczne, zapoznaje się z czasami, w których żył jego bohater. Przecież aktor musi wiedzieć wszystko o osobie, którą gra: kim jest ta osoba, czego chce i co robi, aby osiągnąć swój cel. Nieustannie obserwuje ludzi, zauważa cechy ich wyglądu, ruchu i zachowania. Wszystko to przyda się na scenie. Przecież musi działać w imieniu bohaterów sztuk teatralnych czy filmów, żyć ich życiem. Musi mówić głosem swojego bohatera, chodzić jego krokiem. Dziś aktor gra naszego współczesnego, przeżywa jego radości i smutki, zmartwienia i sukcesy. Jutro będzie średniowiecznym rycerzem lub baśniowym królem.

Jak powiedział wspaniały reżyser K. S. Stanisławski, aktor musi „czuć puls życia, zawsze szukać prawdy, walczyć z nieprawdą”. „Aktor jest osobą publiczną” – prowadzi publiczność, wychowuje ją, pomaga uświadomić sobie swoje wady i obrać właściwą drogę. Podczas występów na scenie aktor improwizuje. Znając tę rolę na pamięć, żyje każdą chwilą jakby po raz pierwszy, jakby nie przeczuwając, co wydarzy się w następnej chwili. Potrzebna jest tu jeszcze jedna cecha talentu aktorskiego – spontaniczność. Jeśli nie ma go w grze aktora, widzimy na scenie jedynie wyćwiczone ruchy i słyszymy zapamiętany tekst. To właśnie ta cecha pozwala aktorowi być trochę „innym” w tej samej roli i w każdym przedstawieniu, aby odtworzyć, jakby po raz pierwszy, wewnętrzne życie bohatera.

Dlatego też znając sztukę na pamięć, za każdym razem dzięki utalentowanym aktorom przeżywamy jej wydarzenia jakby na nowo. Działając w wyimaginowanym świecie, aktor wierzy w niego jako autentyczny. Wiara w wyimaginowane okoliczności jest najważniejszym elementem aktorstwa. Jest to podobne do szczerej wiary, jaką dzieci okazują w swoich grach.

Jedną z najważniejszych „bohaterek” spektaklu jest widz. Bez tego gra na scenie to tylko próba. Aktor potrzebuje kontaktu z publicznością nie mniej niż ze swoimi partnerami. Dlatego też nie ma dwóch identycznych przedstawień. Aktor za każdym razem tworzy na oczach widza od nowa. Widz się zmienia, co oznacza, że w jakiś sposób zmienia się przedstawienie. Mimo że praca aktora nazywa się aktorstwem, jest to ciężka praca, od której nawet największy talent nie jest w stanie zwolnić. A im więcej tej pracy, tym mniej zauważalna jest ona na scenie i tym więcej przyjemności czerpiemy z występu artystów, z całego przedstawienia.

Wniosek

Teatr to szkoła życia. Tak o nim mówiono od stulecia do stulecia. Mówili wszędzie: w Rosji, Francji, Włoszech, Anglii, Niemczech, Hiszpanii…

Gogol nazwał teatr departamentem dobroci.

Herzen uznał go za najwyższy autorytet w rozwiązywaniu żywotnych problemów.

Belinsky widział w teatrze cały świat, cały wszechświat z całą jego różnorodnością i wspaniałością. Widział w nim autokratycznego władcę uczuć, zdolnego wstrząsnąć wszystkimi strunami duszy, obudzić silne poruszenie w umysłach i sercach, odświeżyć duszę potężnymi wrażeniami. Widział w teatrze jakiś niezwyciężony, fantastyczny urok dla społeczeństwa.

Według Woltera nic nie zacieśnia więzów przyjaźni bardziej niż teatr.

Wielki niemiecki dramaturg Friedrich Schiller argumentował, że „teatr ma najkrótszą drogę do umysłu i serca” człowieka.

Nieśmiertelny twórca Don Kichota Cervantes nazwał teatr „zwierciadłem ludzkiego życia, przykładem moralności, wzorem prawdy”.

Wykaz używanej literatury

1. Abalkin N. Opowieści o teatrze - M., 1981.

2. Bachtin M. M. Zagadnienia literatury i estetyki. – M., 1975

3. Kagarlitsky Yu.I. Teatr od wieków - M., 1987.

4. Lesssky K. L. 100 wielkich teatrów świata – M., Veche, 2001.

6. Niemirowicz-Danczenko Wł. I. Narodziny teatru - M., 1989.

7. Sorochkin B.Yu. Teatr między przeszłością a przyszłością - M., 1989.

8. Stanisławski K. S. Moje życie w sztuce. - Kolekcja op. w 8 tomach M., 1954, t. 1, s. 13. 393-394.

9. Tairov A. Ya, Notatki reżysera. Artykuły. Rozmowy. Przemówienia. Listy. M., 1970, s. 13. 79.

10. ABC teatru: 50 opowiadań o teatrze. L.: Det. lit., 1986.

11. Słownik encyklopedyczny młodego widza. M.: Pedagogika, 1989.

Strona 1

Sztuka teatralna jest jedną z najbardziej złożonych, najskuteczniejszych i najstarszych sztuk. Ponadto jest heterogeniczny, syntetyczny. Do elementów sztuki teatralnej zalicza się architekturę, malarstwo i rzeźbę (scenografię), muzykę (brzmi to nie tylko w musicalach, ale często także w przedstawieniach dramatycznych) i choreografię (znowu nie tylko w balecie, ale także w dramacie) oraz literatura (tekst, na którym opiera się przedstawienie dramatyczne), sztuka aktorska itp. Spośród wszystkich powyższych, sztuka aktorska jest najważniejszą rzeczą determinującą teatr. Słynny radziecki reżyser A. Tairow pisał: „...w historii teatru były długie okresy, kiedy istniał bez przedstawień, kiedy działał bez scenografii, ale nie było ani jednego momentu, żeby teatr nie był bez aktora .” Głównym transportem zmarłego jest transport zwłok zmarłego do innego miasta.

Występ przed pustą salą, bez ani jednego widza, jest dla aktora wielką udręką. Stan ten jest dla niego równoznaczny z przebywaniem w przestrzeni zamkniętej przed całym światem. W godzinie przedstawienia dusza aktora skierowana jest ku widzowi, tak jak dusza widza skierowana jest ku aktorowi. Sztuka teatru żyje, oddycha, podnieca i urzeka widza w tych szczęśliwych chwilach, gdy poprzez niewidzialne przewody transmisji wysokiego napięcia następuje aktywna wymiana dwóch duchowych energii, wzajemnie skierowanych ku sobie – od aktora do widza, od widza do aktora.

Czytając książkę, stojąc przed obrazem, czytelnik i widz nie widzą pisarza, malarza. I tylko w teatrze człowiek spotyka się oko w oko z twórczym artystą, spotyka się z nim w momencie twórczości. Odgaduje pojawienie się i ruch swojego serca i przeżywa wraz z nim wszystkie perypetie wydarzeń, które miały miejsce na scenie.

Widz przychodzi na spektakl teatralny nie jako zewnętrzny obserwator. Nie może powstrzymać się od wyrażenia swojego stosunku do tego, co dzieje się na scenie. Eksplozja aplauzu, pogodny śmiech, napięta, nieprzerwana cisza, westchnienie ulgi, ciche oburzenie – udział publiczności w procesie akcji scenicznej przejawia się w bogatej różnorodności. Świąteczna atmosfera w teatrze powstaje wtedy, gdy współudział i empatia osiągają największe nasilenie.

Oto co oznacza jego żywa sztuka. Z wrażliwością uchwycona jest sztuka, w której słychać bicie ludzkiego serca, najsubtelniejsze ruchy duszy i umysłu, w której mieści się cały świat ludzkich uczuć i myśli, nadziei, marzeń, pragnień.

Oczywiście, gdy myślimy i mówimy o aktorze, rozumiemy, jak ważny dla teatru jest nie sam aktor, ale zespół aktorski, jedność i twórcze współdziałanie aktorów. „Prawdziwy teatr” – pisał Chaliapin – „to nie tylko indywidualna twórczość, ale także zbiorowe działanie, wymagające całkowitej harmonii wszystkich części”.

Inne informacje:

Rosyjski styl
Jaki naprawdę jest styl rosyjski? Czy można go wznieść na wyżyny włoskiego designu? A jak sprawić, by rosyjskie wnętrze było stylowe, aby nie przypominało ilustracji z dziecięcej bajki? Surowe chaty północy i eleganckie rezydencje w Moskwie; ...

Trzynastopiętrowa kamienna pagoda
Importowany z Japonii. Ma około 200 lat. Pagoda jest kompozycyjnym centrum Ogrodu Japońskiego – symbolem świątyni buddyjskiej. Liczba „trzynaście” ma bardzo ważne znaczenie: jest to liczba obszarów, na których żył Budda, które przybyły do japońskiego buddyzmu z Chin…

Nauka i inne dziedziny kultury
Naukowa wiedza o świecie różni się znacząco od estetycznej formy wiedzy. Choć nauka i sztuka są odbiciem rzeczywistości, w nauce refleksja ta dokonuje się w formie pojęć i kategorii, a w sztuce – w formie dzieł artystycznych...