Historia teatru: powstanie i rozwój sztuki teatralnej, ciekawostki. Teatr jako forma sztuki i jego zasadnicza różnica w stosunku do innych rodzajów sztuk.Sztuka teatralna obejmuje

26.06.2020

Strona 1

Sztuka teatralna jest jedną z najbardziej złożonych, najskuteczniejszych i najstarszych sztuk. Ponadto jest heterogeniczny, syntetyczny. Do elementów sztuki teatralnej zalicza się architekturę, malarstwo i rzeźbę (scenografię), muzykę (brzmi to nie tylko w musicalach, ale często także w przedstawieniach dramatycznych) i choreografię (znowu nie tylko w balecie, ale także w dramacie) oraz literatura (tekst, na którym opiera się przedstawienie dramatyczne), sztuka aktorska itp. Spośród wszystkich powyższych, sztuka aktorska jest najważniejszą rzeczą determinującą teatr. Słynny radziecki reżyser A. Tairow pisał: „...w historii teatru były długie okresy, kiedy istniał bez przedstawień, kiedy działał bez scenografii, ale nie było ani jednego momentu, żeby teatr nie był bez aktora .” Głównym transportem zmarłego jest transport zwłok zmarłego do innego miasta.

Aktor w teatrze jest głównym artystą tworzącym tzw. obraz sceniczny. Ściślej mówiąc, aktor w teatrze jest jednocześnie artystą-twórcą, tworzywem twórczości i jej efektem – obrazem. Sztuka aktorska pozwala na własne oczy zobaczyć nie tylko obraz w jego ostatecznym wyrazie, ale także sam proces jego powstawania i kształtowania się. Aktor kreuje obraz z siebie, ale jednocześnie tworzy go w obecności widza, na jego oczach. Na tym chyba polega główna specyfika scenicznego, teatralnego obrazu – i tu tkwi źródło szczególnej i niepowtarzalnej przyjemności artystycznej, jaką daje widzowi. Widz w teatrze, bardziej niż gdziekolwiek indziej w sztuce, bezpośrednio uczestniczy w cudzie stworzenia.

Sztuka teatru, w odróżnieniu od innych sztuk, jest sztuką żywą. Powstaje dopiero w godzinie spotkania z widzem. Opiera się na niezbędnym emocjonalnym, duchowym kontakcie pomiędzy sceną a publicznością. Nie ma takiego kontaktu, co oznacza, że nie ma spektaklu żyjącego własnymi prawami estetycznymi.

Występ przed pustą salą, bez ani jednego widza, jest dla aktora wielką udręką. Stan ten jest dla niego równoznaczny z przebywaniem w przestrzeni zamkniętej przed całym światem. W godzinie przedstawienia dusza aktora skierowana jest ku widzowi, tak jak dusza widza skierowana jest do aktora. Sztuka teatru żyje, oddycha, podnieca i urzeka widza w tych szczęśliwych chwilach, gdy poprzez niewidzialne przewody transmisji wysokiego napięcia następuje aktywna wymiana dwóch duchowych energii, wzajemnie skierowanych ku sobie – od aktora do widza, od widza do aktora.

Czytając książkę, stojąc przed obrazem, czytelnik i widz nie widzą pisarza, malarza. I tylko w teatrze człowiek spotyka się oko w oko z twórczym artystą, spotyka się z nim w momencie twórczości. Odgaduje pojawienie się i ruch swojego serca i przeżywa wraz z nim wszystkie perypetie wydarzeń, które miały miejsce na scenie.

Czytelnik sam na sam z cenną książką może przeżyć ekscytujące i szczęśliwe chwile. A teatr nie zostawia widzów samych. W teatrze wszystko opiera się na aktywnej interakcji emocjonalnej pomiędzy tymi, którzy tego wieczoru tworzą na scenie dzieło sztuki, a tymi, dla których jest ono tworzone.

Widz przychodzi na spektakl teatralny nie jako zewnętrzny obserwator. Nie może powstrzymać się od wyrażenia swojego stosunku do tego, co dzieje się na scenie. Wybuch aprobujących oklasków, wesoły śmiech, napięta, nieprzerwana cisza, westchnienie ulgi, ciche oburzenie – udział publiczności w procesie akcji scenicznej przejawia się w bogatej różnorodności. Świąteczna atmosfera w teatrze powstaje wtedy, gdy współudział i empatia osiągają największe nasilenie.

Oto co oznacza jego żywa sztuka. Z wrażliwością uchwycona jest sztuka, w której słychać bicie ludzkiego serca, najsubtelniejsze ruchy duszy i umysłu, w której mieści się cały świat ludzkich uczuć i myśli, nadziei, marzeń, pragnień.

Oczywiście, gdy myślimy i mówimy o aktorze, rozumiemy, jak ważny dla teatru jest nie sam aktor, ale zespół aktorski, jedność i twórcze współdziałanie aktorów. „Prawdziwy teatr” – pisał Chaliapin – „to nie tylko indywidualna twórczość, ale także zbiorowe działanie, wymagające całkowitej harmonii wszystkich części”.

Teatr jest sztuką podwójnie kolektywną. Widz odbiera spektakl teatralny i akcję sceniczną nie samodzielnie, ale zbiorowo, „wyczuwając łokieć sąsiada”, co znacznie potęguje wrażenie i artystyczną zaraźliwość tego, co dzieje się na scenie. Jednocześnie samo wrażenie nie pochodzi od pojedynczego aktora, ale od grupy aktorów. Zarówno na scenie, jak i na widowni, po obu stronach rampy, żyją, czują i działają – nie pojedyncze jednostki, ale ludzie, społeczeństwo ludzi połączonych na jakiś czas wspólną uwagą, celem, wspólnym działaniem.

To właśnie w dużej mierze decyduje o ogromnej roli społecznej i edukacyjnej teatru. Sztuka wspólnie tworzona i postrzegana staje się szkołą w pełnym tego słowa znaczeniu. „Teatr” – napisał słynny hiszpański poeta García Lorca – „jest szkołą łez i śmiechu, wolną platformą, z której ludzie mogą potępiać przestarzałą lub fałszywą moralność i wyjaśniać, na żywych przykładach, odwieczne prawa ludzkiego serca i ludzkiego uczucie."

Inne informacje:

Rosyjski styl
Jaki naprawdę jest styl rosyjski? Czy można go wznieść na wyżyny włoskiego designu? A jak sprawić, by rosyjskie wnętrze było stylowe, aby nie przypominało ilustracji z dziecięcej bajki? Surowe chaty północy i eleganckie rezydencje w Moskwie; ...

Trzynastopiętrowa kamienna pagoda
Importowany z Japonii. Ma około 200 lat. Pagoda jest kompozycyjnym centrum Ogrodu Japońskiego – symbolem świątyni buddyjskiej. Liczba „trzynaście” ma bardzo ważne znaczenie: jest to liczba obszarów, na których żył Budda, które przybyły do japońskiego buddyzmu z Chin…

Nauka i inne dziedziny kultury
Naukowa wiedza o świecie różni się znacząco od estetycznej formy wiedzy. Choć nauka i sztuka są odbiciem rzeczywistości, w nauce refleksja ta dokonuje się w formie pojęć i kategorii, a w sztuce – w formie dzieł artystycznych...

Sztuka teatralna jest jedną z najbardziej złożonych, najskuteczniejszych i najstarszych sztuk. Do elementów sztuki teatralnej zalicza się architekturę, malarstwo i rzeźbę (scenografię), muzykę (brzmi to nie tylko w musicalach, ale często także w przedstawieniach dramatycznych) i choreografię (znowu nie tylko w balecie, ale także w dramacie) oraz literatura (tekst, na którym opiera się przedstawienie dramatyczne), sztuka aktorska itp. Spośród wszystkich powyższych, sztuka aktorska jest najważniejszą rzeczą, która determinuje teatr. Słynny radziecki reżyser A. Tairow pisał: „...w historii teatru były długie okresy, kiedy istniał bez przedstawień, kiedy działał bez scenografii, ale nie było ani jednego momentu, gdy teatr nie był bez aktora .”

Czytając książkę, stojąc przed obrazem, czytelnik i widz nie widzą pisarza, malarza. I tylko w teatrze człowiek spotyka się oko w oko z twórczym artystą, spotyka się z nim w momencie twórczości. Odgaduje powstanie i ruch swojego serca i wraz z nim żyje wszystkimi perypetiami wydarzeń rozgrywających się na scenie.

Widz przychodzi na spektakl teatralny nie jako zewnętrzny obserwator. Nie może powstrzymać się od wyrażenia swojego stosunku do tego, co dzieje się na scenie. Wybuch aprobujących oklasków, wesoły śmiech, napięta, nieprzerwana cisza, westchnienie ulgi, ciche oburzenie – udział publiczności w procesie akcji scenicznej przejawia się w bogatej różnorodności. Świąteczna atmosfera powstaje w teatrze, gdy współudział i empatia osiągają największe natężenie...

To właśnie oznacza magia sztuki teatralne. Z wrażliwością uchwycona jest sztuka, w której słychać bicie ludzkiego serca, najsubtelniejsze ruchy duszy i umysłu, w której mieści się cały świat ludzkich uczuć i myśli, nadziei, marzeń, pragnień.

Człowiek zwraca się do teatru jako odzwierciedlenie swojego sumienia, swojej duszy - rozpoznaje siebie, swój czas i swoje życie w teatrze. Teatr otwiera niesamowite możliwości samopoznania duchowego i moralnego.

I choć teatr ze swej natury estetycznej jest sztuką konwencjonalną, podobnie jak inne sztuki, to na scenie przed widzem ukazuje się nie sama realna rzeczywistość, a jedynie jej artystyczne odbicie. Ale w odbiciu jest tak wiele prawdaże jest postrzegane w całej swojej bezwarunkowości, jako najbardziej autentyczne, prawdziwe życie. Widz rozpoznaje ostateczną rzeczywistość istnienia postaci scenicznych. Wielki Goethe napisał: „Cóż może być bardziej naturą niż ludzie Szekspira!”

W teatrze, w tętniącej życiem wspólnocie ludzi zgromadzonych na scenie, wszystko jest możliwe: śmiech i łzy, smutek i radość, nieskrywane oburzenie i dziki zachwyt, smutek i szczęście, ironia i nieufność, pogarda i współczucie, strzeżona cisza i głośno aprobata - jednym słowem całe bogactwo przejawów emocjonalnych i wstrząsów ludzkiej duszy.

Aktor w teatrze

Sztuka teatralna jest jednocześnie prawdziwa i konwencjonalna. To prawda - pomimo swojej konwencjonalności. Jak zresztą każda sztuka. Rodzaje sztuki różnią się między sobą zarówno stopniem prawdziwości, jak i stopniem konwencjonalności, ale bez samego połączenia prawdziwości i konwencjonalności żadna sztuka nie może istnieć.

Na czym polega wyjątkowość pracy aktora teatralnego? Wiele w występie aktora w teatrze nie tylko przybliża go do prawdy życia, ale i od niej oddala. Na przykład teatr uwielbia wyrażanie uczuć „głośno” i „rozmownie”. „Teatr to nie salon” – napisał wielki aktor-realista B.K. Coquelin. - Do półtora tysiąca widzów zgromadzonych na widowni nie można zwracać się jak do dwóch czy trzech towarzyszy, z którymi siedzicie przy kominku. Jeśli nie podniesiesz głosu, nikt nie usłyszy tych słów; Jeśli nie będziesz ich wyraźnie wymawiał, nie zostaniesz zrozumiany.

Tymczasem w rzeczywistości ludzkie emocje potrafią być głęboko ukryte. Smutek można wyrazić subtelnym drżeniem ust, ruchem mięśni twarzy itp. Aktor doskonale o tym wie, ale w swoim życiu scenicznym musi brać pod uwagę nie tylko prawdę psychologiczną i codzienną, ale także warunki życia scenie, możliwości percepcyjne publiczności. Właśnie po to, aby słowa i uczucia bohatera do niego dotarły, aktor musi nieco przesadzić ze stopniem i formą ich ekspresji. Wymaga tego specyfika sztuki teatralnej.

Dla aktora teatralnego komunikacja z publicznością stanowi ważny impuls twórczy. Podczas spektaklu rozpinają się pomiędzy nimi niewidzialne, mocne nici, poprzez które w zadziwiający sposób przekazywane są niewidzialne fale sympatii i antypatii, współczucia, zrozumienia i zachwytu. To wewnętrznie kontroluje grę aktora i pomaga mu tworzyć. Wiadomo, że każda sztuka zajmuje się pewnym materiałem: dla malarza jest to farba i płótno, dla rzeźbiarza jest to glina, marmur, drewno. Dla aktora jedynym narzędziem i materiałem do kreowania artystycznego wizerunku jest on sam – jego chód, gesty, mimika, głos i wreszcie osobowość. Aby każdego wieczoru widzowie martwili się o los bohatera i wierzyli w niego, aktor dużo pracuje. Czyta książki historyczne, zapoznaje się z czasami, w których żył jego bohater. Przecież aktor musi wiedzieć wszystko o osobie, którą gra: kim jest ta osoba, czego chce i co robi, aby osiągnąć swój cel. Nieustannie obserwuje ludzi, zauważa cechy ich wyglądu, ruchu i zachowania. Wszystko to przyda się na scenie. Przecież musi działać w imieniu bohaterów sztuk teatralnych czy filmów, żyć ich życiem. Musi mówić głosem swojego bohatera, chodzić jego krokiem. Dziś aktor gra naszego współczesnego, przeżywa jego radości i smutki, zmartwienia i sukcesy. Jutro będzie średniowiecznym rycerzem lub baśniowym królem.

Jak powiedział wspaniały reżyser K. S. Stanisławski, aktor musi „czuć puls życia, zawsze szukać prawdy, walczyć z nieprawdą”. „Aktor jest osobą publiczną” – prowadzi publiczność, wychowuje ją, pomaga uświadomić sobie swoje wady i obrać właściwą drogę. Podczas występów na scenie aktor improwizuje. Znając tę rolę na pamięć, żyje każdą chwilą jakby po raz pierwszy, jakby nie przeczuwając, co wydarzy się w następnej chwili. Potrzebna jest tu jeszcze jedna cecha talentu aktorskiego – spontaniczność. Jeśli nie ma go w grze aktora, widzimy na scenie jedynie wyćwiczone ruchy i słyszymy zapamiętany tekst. To właśnie ta cecha pozwala aktorowi być trochę „innym” w tej samej roli i w każdym przedstawieniu, aby odtworzyć, jakby po raz pierwszy, wewnętrzne życie bohatera.

Dlatego też znając sztukę na pamięć, za każdym razem dzięki utalentowanym aktorom przeżywamy jej wydarzenia jakby na nowo. Działając w wyimaginowanym świecie, aktor wierzy w niego jako autentyczny. Wiara w wyimaginowane okoliczności jest najważniejszym elementem aktorstwa. Jest to podobne do szczerej wiary, jaką dzieci okazują w swoich grach.

Jedną z najważniejszych „bohaterek” spektaklu jest widz. Bez tego gra na scenie to tylko próba. Aktor potrzebuje kontaktu z publicznością nie mniej niż ze swoimi partnerami. Dlatego też nie ma dwóch identycznych przedstawień. Aktor za każdym razem tworzy na oczach widza od nowa. Widz się zmienia, co oznacza, że w jakiś sposób zmienia się przedstawienie. Mimo że praca aktora nazywa się aktorstwem, jest to ciężka praca, od której nawet największy talent nie jest w stanie zwolnić. A im więcej tej pracy, tym mniej zauważalna jest ona na scenie i tym więcej przyjemności czerpiemy z występu artystów, z całego przedstawienia.

Wniosek

Teatr to szkoła życia. Tak o nim mówiono od stulecia do stulecia. Mówili wszędzie: w Rosji, Francji, Włoszech, Anglii, Niemczech, Hiszpanii…

Gogol nazwał teatr departamentem dobroci.

Herzen uznał go za najwyższy autorytet w rozwiązywaniu żywotnych problemów.

Belinsky widział w teatrze cały świat, cały wszechświat z całą jego różnorodnością i wspaniałością. Widział w nim autokratycznego władcę uczuć, zdolnego wstrząsnąć wszystkimi strunami duszy, obudzić silne poruszenie w umysłach i sercach, odświeżyć duszę potężnymi wrażeniami. Widział w teatrze jakiś niezwyciężony, fantastyczny urok dla społeczeństwa.

Według Woltera nic nie zacieśnia więzów przyjaźni bardziej niż teatr.

Wielki niemiecki dramaturg Friedrich Schiller argumentował, że „teatr ma najkrótszą drogę do umysłu i serca” człowieka.

Nieśmiertelny twórca Don Kichota Cervantes nazwał teatr „zwierciadłem ludzkiego życia, przykładem moralności, wzorem prawdy”.

Wykaz używanej literatury

1. Abalkin N. Opowieści o teatrze - M., 1981.

2. Bachtin M. M. Zagadnienia literatury i estetyki. – M., 1975

3. Kagarlitsky Yu.I. Teatr od wieków - M., 1987.

4. Lesssky K. L. 100 wielkich teatrów świata – M., Veche, 2001.

6. Niemirowicz-Danczenko Wł. I. Narodziny teatru - M., 1989.

7. Sorochkin B.Yu. Teatr między przeszłością a przyszłością - M., 1989.

8. Stanisławski K. S. Moje życie w sztuce. - Kolekcja op. w 8 tomach M., 1954, t. 1, s. 13. 393-394.

9. Tairov A. Ya, Notatki reżysera. Artykuły. Rozmowy. Przemówienia. Listy. M., 1970, s. 13. 79.

10. ABC teatru: 50 opowiadań o teatrze. L.: Det. lit., 1986.

11. Słownik encyklopedyczny młodego widza. M.: Pedagogika, 1989.

Wyślij swoją dobrą pracę do bazy wiedzy jest prosta. Skorzystaj z poniższego formularza

Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy, którzy wykorzystują bazę wiedzy w swoich studiach i pracy, będą Państwu bardzo wdzięczni.

Wysłany dnia http://www.allbest.ru/

TeatrJakpoglądsztuka,Ijegordzennyróżnicazinnigatuneksztuka

zestaw artystyczny teatralny

Jak każda inna forma sztuki (muzyka, malarstwo, literatura), teatr ma swoje szczególne cechy. Jest to sztuka syntetyczna: na dzieło teatralne (performans) składa się tekst sztuki, dzieło reżysera, aktora, artysty i kompozytora. W operze i balecie muzyka odgrywa decydującą rolę.

Teatr jest sztuką zbiorową. Spektakl to efekt działania wielu osób, nie tylko tych, które pojawiają się na scenie, ale także tych, którzy szyją kostiumy, robią rekwizyty, ustawiają oświetlenie, pozdrawiają publiczność. Nie bez powodu istnieje definicja „pracowników warsztatów teatralnych”: spektakl to zarówno twórczość, jak i produkcja.

Teatr oferuje własny sposób rozumienia otaczającego nas świata, a co za tym idzie, własny zestaw środków artystycznych. Spektakl to zarówno specjalna akcja rozgrywająca się w przestrzeni sceny, jak i szczególne myślenie wyobrażeniowe, odmienne od np. muzyki.

Teatr, jak żadna inna forma sztuki, ma największe „pojemności”. Absorbuje zdolność literatury do odtwarzania życia w słowach w jego zewnętrznych i wewnętrznych przejawach, ale słowo to nie jest narracyjne, ale żywo brzmiące, bezpośrednio skuteczne. Co więcej, w przeciwieństwie do literatury, teatr odtwarza rzeczywistość nie w umyśle czytelnika, ale jako obiektywnie istniejące obrazy życia (spektakl) umiejscowione w przestrzeni. I pod tym względem teatr zbliża się do malarstwa. Ale spektakl teatralny jest w ciągłym ruchu, rozwija się w czasie – i w ten sposób jest bliski muzyce. Zanurzenie się w świat przeżyć widza przypomina stan, jakiego doświadcza słuchacz muzyki, zanurzony we własnym świecie subiektywnego postrzegania dźwięków.

Sztuka teatru ma niesamowitą zdolność łączenia się z życiem. Choć występ sceniczny odbywa się po drugiej stronie sceny, w momentach największego napięcia zaciera granicę pomiędzy sztuką a życiem i jest odbierany przez widzów jako sama rzeczywistość. Atrakcyjność teatru polega na tym, że „życie sceniczne” swobodnie manifestuje się w wyobraźni widza.

Ten zwrot psychologiczny następuje dlatego, że teatr nie tylko jest obdarzony cechami rzeczywistości, ale sam w sobie odsłania rzeczywistość kreowaną artystycznie. Rzeczywistość teatralna, tworząca wrażenie rzeczywistości, rządzi się swoimi szczególnymi prawami. Prawdziwości teatru nie można mierzyć kryteriami wiarygodności z życia wziętego. Człowiek nie jest w stanie znieść ciężaru psychicznego, jaki bohater dramatu bierze na siebie w życiu, gdyż w teatrze dochodzi do skrajnej kondensacji całych cykli zdarzeń. Bohater spektaklu często doświadcza swojego życia wewnętrznego jako skrzepu namiętności i dużej koncentracji myśli. A wszystko to jest przez publiczność traktowane jako coś oczywistego. „Niesamowite” według standardów obiektywnej rzeczywistości wcale nie jest oznaką nierzetelności w sztuce. W teatrze „prawda” i „nieprawda” mają różne kryteria i są wyznaczane przez prawo wyobraźni. „Sztuka jest doświadczana jako rzeczywistość w pełni naszych mentalnych „mechanizmów”, ale jednocześnie oceniana jest pod kątem jej specyficznej jakości ręcznie robionego, zabawnego „nierealnego”, jak mówią dzieci, iluzorycznego podwojenia rzeczywistości”.

Widz teatralny staje się widzem teatralnym, gdy dostrzeże ten podwójny aspekt akcji scenicznej, nie tylko widząc przed sobą żywotnie konkretny akt, ale także rozumiejąc wewnętrzny sens tego aktu. To, co dzieje się na scenie, odbierane jest zarówno jako prawda życia, jak i jego przenośne odtworzenie. Jednocześnie trzeba zaznaczyć, że widz, nie tracąc poczucia rzeczywistości, zaczyna żyć w świecie teatru. Relacja rzeczywistości realnej i teatralnej jest dość złożona. W procesie tym wyróżnia się trzy fazy:

1. Rzeczywistość obiektywnie ukazanej rzeczywistości, przekształcona przez wyobraźnię dramatopisarza w dzieło dramatyczne.

2. Dzieło dramatyczne wcielone przez teatr (reżysera, aktorów) w życie sceniczne – spektakl.

3. Życie sceniczne, postrzegane przez widzów i stające się częścią ich przeżyć, zlewające się z życiem widzów i tym samym powracające na nowo do rzeczywistości.

Podstawowe prawo teatru – wewnętrzne uczestnictwo publiczności w wydarzeniach rozgrywających się na scenie – zakłada pobudzenie wyobraźni, niezależnej, wewnętrznej twórczości u każdego z widzów. Ta niewola w akcji odróżnia widza od obojętnego obserwatora, którego można spotkać także w salach teatralnych. Widz, w przeciwieństwie do aktora, aktywnego artysty, jest artystą kontemplującym.

Świadomość rzeczywistości artystycznej w procesie percepcji jest głębsza, im pełniej widz zanurzony jest w sferze przeżyć, tym bardziej wielowarstwowa sztuka wnika w duszę człowieka. To właśnie na styku dwóch sfer – nieświadomego doświadczenia i świadomego postrzegania sztuki istnieje wyobraźnia. Jest ona pierwotnie wpisana w psychikę człowieka, organicznie, dostępna każdemu człowiekowi i może być znacznie rozwinięta w trakcie kumulacji przeżyć estetycznych.

Percepcja estetyczna jest twórczością widza i może osiągnąć dużą intensywność. Im bogatsza natura samego widza, tym bardziej rozwinięty jego zmysł estetyczny, tym pełniejsze jego przeżycia artystyczne, tym aktywniejsza jego wyobraźnia i bogatsze wrażenia teatralne.

Estetyka percepcji w dużej mierze skupia się na idealnym odbiorcy. W rzeczywistości świadomy proces kultywowania kultury teatralnej prawdopodobnie popchnie widza w stronę zdobywania wiedzy o sztuce i opanowania pewnych umiejętności percepcyjnych.

W teatrze syntetycznym współczesności tradycyjna relacja pomiędzy dominującymi zasadami – prawdą i fikcją – jawi się jako swego rodzaju nierozerwalna jedność. Synteza ta zachodzi zarówno jako akt doświadczenia (postrzeganie prawdy życiowej), jak i akt przyjemności estetycznej (postrzeganie poezji teatru). Widz staje się wtedy nie tylko psychologicznym uczestnikiem akcji, czyli osobą, która „wchłania” losy bohatera i wzbogaca się duchowo, ale także twórcą, który dokonuje w swojej wyobraźni działania twórczego, jednocześnie z tym, co się dzieje. na scenie. Ten ostatni punkt jest niezwykle ważny i zajmuje centralne miejsce w estetycznej edukacji odbiorców.

Oczywiście każdy widz może mieć swój własny pomysł na idealne wykonanie. Ale we wszystkich przypadkach opiera się na pewnym „programie” wymagań art. Ten rodzaj „wiedzy” zakłada pewną dojrzałość kultury widza.

Kultura widza w dużej mierze zależy od charakteru sztuki, która jest mu oferowana. Im bardziej złożone jest przed nim postawione zadanie - estetyczne, etyczne, filozoficzne - tym intensywniejsza jest myśl, ostrzejsze emocje, tym subtelniejsza manifestacja gustu widza. To bowiem, co nazywamy kulturą czytelnika, słuchacza czy widza, jest bezpośrednio związane z rozwojem samej osobowości człowieka, zależy od jego rozwoju duchowego i wpływa na jego dalszy rozwój duchowy.

Znaczenie zadania, jakie teatr stawia przed widzem w ujęciu psychologicznym, polega na tym, że obraz artystyczny, w całej swojej złożoności i niespójności, odbierany jest przez widza najpierw jako realną, obiektywnie istniejącą postać, a następnie – jako przyzwyczaja się do obrazu i myśli o jego działaniu, odsłania (jakby niezależnie) jego wewnętrzną istotę, jego ogólne znaczenie.

Pod względem estetycznym złożoność zadania polega na tym, że widz postrzega obraz sceniczny nie tylko według kryteriów prawdziwości, ale także wie, jak (uczy się) rozszyfrować jego poetycki, metaforyczny sens.

Specyfiką sztuki teatralnej jest więc człowiek żywy, jako bezpośrednio doświadczający bohater i jako bezpośrednio tworzący artysta, a najważniejszym prawem teatru jest bezpośrednie oddziaływanie na widza.

O „efektu teatru”, o jego przejrzystości decyduje nie tylko godność samej twórczości, ale także godność i kultura estetyczna widowni. Jednak przebudzenie artysty w odbiorze następuje tylko wtedy, gdy widz jest w stanie dostrzec w całości treści zawarte w spektaklu, jeśli jest w stanie poszerzyć swój zakres estetyczny i nauczyć się widzieć w sztuce coś nowego, jeśli jednocześnie pozostając wiernym swojemu ulubionemu stylowi artystycznemu, nie okazuje się głuchy i na inne kierunki twórcze, jeśli potrafi dostrzec nową interpretację klasycznego dzieła i potrafi oddzielić plan reżyserski od jego realizacji przez aktorów. .. Takich „jeśli” można wymienić znacznie więcej. W konsekwencji, aby widz zaangażował się w twórczość, aby obudził się w nim artysta, na obecnym etapie rozwoju naszego teatru istnieje potrzeba ogólnego wzrostu kultury artystycznej widza.

Spektakl teatralny opiera się na tekście, tak jak sztuka na spektakl dramatyczny. Nawet w tych przedstawieniach scenicznych, w których nie ma słowa jako takiego, czasami potrzebny jest tekst; w szczególności balet, a czasem pantomima, ma scenariusz - libretto. Proces pracy nad spektaklem polega na przeniesieniu tekstu dramatycznego na scenę – jest to swego rodzaju „tłumaczenie” z jednego języka na drugi. W rezultacie słowo literackie staje się słowem scenicznym.

Pierwszą rzeczą, którą widz widzi po otwarciu (lub podniesieniu) kurtyny, jest przestrzeń sceniczna, w której umieszczona jest scenografia. Wskazują miejsce akcji, czas historyczny i odzwierciedlają barwę narodową. Za pomocą konstrukcji przestrzennych można nawet oddać nastrój bohaterów (np. w epizodzie cierpień bohatera pogrążyć scenę w ciemności lub zakryć jej tło czernią). Podczas akcji, za pomocą specjalnej techniki, zmienia się sceneria: dzień zamienia się w noc, zima w lato, ulica w pokój. Technika ta rozwinęła się wraz z myślą naukową ludzkości. Mechanizmy podnoszące, tarcze i włazy, które w starożytności były obsługiwane ręcznie, są obecnie podnoszone i opuszczane elektronicznie. Świece i lampy gazowe zastąpiono lampami elektrycznymi; Często wykorzystuje się także lasery.

Już w starożytności ukształtowały się dwa rodzaje scen i widowni: scena pudełkowa i scena amfiteatralna. Scena pudełkowa składa się z poziomów i stanowisk, a scena amfiteatru jest otoczona widzami z trzech stron. Obecnie oba typy są używane na świecie. Nowoczesna technologia umożliwia zmianę przestrzeni teatralnej - ustawienie podestu na środku widowni, posadzenie widza na scenie i przedstawienie spektaklu w sali.Budynek teatru zawsze przywiązywał dużą wagę. Teatry budowano zwykle na centralnym placu miasta; Architekci chcieli, aby budynki były piękne i przyciągały uwagę. Przychodząc do teatru widz odrywa się od codzienności, jakby wzniósł się ponad rzeczywistość. Dlatego to nie przypadek, że do holu często prowadzą schody ozdobione lustrami.

Muzyka pomaga zwiększyć emocjonalny wpływ przedstawienia dramatycznego. Czasami brzmi to nie tylko podczas akcji, ale także w przerwie - aby utrzymać zainteresowanie publiczności. Główną osobą w przedstawieniu jest aktor. Widz widzi przed sobą osobę, która w tajemniczy sposób zamieniła się w artystyczny obraz – wyjątkowe dzieło sztuki. Oczywiście dziełem sztuki nie jest sam wykonawca, ale jego rola. Jest dziełem aktora, stworzonym przez głos, nerwy i coś nieuchwytnego – ducha, duszę. Aby akcja na scenie mogła być postrzegana jako integralna, należy ją zorganizować przemyślanie i konsekwentnie. Te obowiązki we współczesnym teatrze pełni reżyser. Oczywiście wiele zależy od talentu aktorów spektaklu, niemniej jednak są oni podporządkowani woli lidera – reżysera. Ludzie, jak wiele wieków temu, przychodzą do teatru. Tekst spektakli brzmi ze sceny, przetworzony siłami i uczuciami wykonawców. Artyści prowadzą własny dialog – i to nie tylko werbalny. To rozmowa gestów, postaw, spojrzeń i mimiki. Wyobraźnia artysty-dekoratora za pomocą koloru, światła i konstrukcji architektonicznych na scenie sprawia, że przestrzeń sceniczna „mówi”. A wszystko razem zamyka się w ścisłych ramach reżyserskiego planu, który nadaje heterogenicznym elementom kompletność i integralność.

Widz świadomie (a czasem nieświadomie, jakby wbrew swojej woli) ocenia grę aktorską i reżyserię, zgodność rozwiązania przestrzeni teatralnej z ogólnym projektem. Ale najważniejsze, że on, widz, zapoznaje się ze sztuką, w odróżnieniu od innych, powstających tu i teraz. Rozumiejąc sens przedstawienia, pojmuje sens życia.

PojęciechoreograficznyPracuje(scenaLubzestaw)

Apartament (z pakietu francuskiego - „rząd”, „sekwencja”) to cykliczna forma muzyczna, składająca się z kilku niezależnych, kontrastujących części, połączonych wspólną koncepcją.

Jest to wieloczęściowy cykl składający się z niezależnych, kontrastujących ze sobą spektakli, które łączy wspólna idea artystyczna. Czasami zamiast nazwy „suita” kompozytorzy używali innego, również powszechnego, „partita”.

Suitę od sonaty i symfonii odróżnia większa samodzielność części, mniejszy rygor i regularność ich powiązań. Termin „suita” został wprowadzony w drugiej połowie XVII wieku przez kompozytorów francuskich. Suity z XVII-XVIII wieku były taneczne; orkiestrowe suity nietaneczne pojawiły się w XIX wieku (najsłynniejsze to „Szeherezada” N. A. Rimskiego-Korsakowa, „Obrazy z wystawy” MP Musorgskiego).

W Niemczech pod koniec XVII wieku powstała dokładna sekwencja części:

Suitę charakteryzuje malarska reprezentacja oraz ścisłe powiązanie z pieśnią i tańcem. Apartamenty często składają się z muzyki napisanej do baletów, oper i przedstawień teatralnych. Istnieją również dwa specjalne typy suity – wokalna i chóralna.

Poprzednika suity można uznać za połączoną w pary kombinację tańców powszechnych u schyłku renesansu – wolnych, ważnych (np. pawana) i bardziej żywych (np. galiard). Później cykl ten stał się czteroczęściowy. Niemiecki kompozytor Johann Jakob Froberger (1616-1667) stworzył model instrumentalnej suity tanecznej: allemanda o umiarkowanym tempie i dwuczęściowej wielkości – wykwintny dzwonek – gigue – mierzona sarabanda.

Historycznie rzecz biorąc, pierwszą była suita tańca starożytnego, napisana na jeden instrument lub orkiestrę. Pierwotnie istniały dwa tańce: dostojna pawana i szybka galiarda. Grano je jeden po drugim – tak powstały pierwsze przykłady starożytnej suity instrumentalnej, która najbardziej rozpowszechniła się w 2. połowie XVII wieku. - I połowa XVIII wieku. W swojej klasycznej formie powstała w twórczości austriackiego kompozytora I. Ya.Frobergera. Opierał się na czterech różnych tańcach: allemande, chime, sarabande i gigue. Stopniowo kompozytorzy zaczęli włączać do suity inne tańce, a ich wybór był dowolny. Mogą to być: menuet, passacaglia, polonez, chaconne, rigaudon itp. Czasami w suitie pojawiały się także utwory nietaneczne – arie, preludia, uwertury, toccaty. Tym samym nie uregulowano całkowitej liczby pokoi w apartamencie. Ważniejsze były środki łączące poszczególne sztuki w jeden cykl, na przykład kontrasty tempa, metrum i rytmu.

Suita jako gatunek rozwinęła się pod wpływem opery i baletu. Zawierały nowe tańce i partie pieśni w duchu arii; pojawiły się suity składające się z orkiestrowych fragmentów dzieł muzycznych i teatralnych. Ważnym elementem suity była uwertura francuska – część wprowadzająca, składająca się z powolnego, uroczystego początku i szybkiej fugi. W niektórych przypadkach w tytułach utworów określenie „uwertura” zastąpiło określenie „suita”; innymi synonimami były terminy „ordr” („porządek”) F. Couperina i „partita” J. S. Bacha.

Prawdziwy szczyt rozwoju gatunku osiągnął w twórczości J. S. Bacha. Kompozytor napełnia muzykę swoich licznych suit (klawiszowych, skrzypcowych, wiolonczelowych, orkiestrowych) tak uduchowionym uczuciem, czyni te utwory tak różnorodnymi i głębokimi nastrojowo, organizuje je w tak harmonijną całość, że przemyśleje gatunek na nowo, otwiera nowe możliwości ekspresyjne zawarte w prostych formach tanecznych, a także w samej podstawie cyklu suity („Chaconne” z partity d-moll).

W połowie XVIII wieku suita połączyła się z sonatą, a samo określenie przestało być używane, choć struktura suity nadal oscylowała wokół takich gatunków, jak serenada, Divertisement i inne. Określenie „suita” zaczęło ponownie pojawiać się pod koniec XIX w., często sugerując, jak poprzednio, zbiór fragmentów instrumentalnych z opery (suita z „Carmen” J. Bizeta), z baletu (suita z „Dziadka do orzechów” P.I. Czajkowski), od muzyki do dramaturgii (suita Peera Gynta od muzyki E. Griega do dramatu Ibsena). Niektórzy kompozytorzy komponowali samodzielne suity programowe – wśród nich m.in. Szeherezada N.A. Rimskiego-Korsakowa oparta na baśniach orientalnych.

Kompozytorzy XIX i XX wieku, zachowując główne cechy gatunku - cykliczność konstrukcji, kontrast części itp., Nadają im odmienną interpretację figuratywną. Taneczność nie jest już cechą obowiązkową. Suita wykorzystuje szeroką gamę materiału muzycznego, a o jej zawartości często decyduje program. Jednocześnie muzyka taneczna nie jest wyrzucona ze suity, wręcz przeciwnie, wprowadzane są do niej nowe, nowoczesne tańce, jak na przykład „Puppet Cack-Walk” z suity „Kącik dziecięcy” C. Debussy’ego. Pojawiły się suity z muzyką do przedstawień teatralnych („Peer Gynt” E. Griega), baletów („Dziadek do orzechów” i „Śpiąca królewna” P. I. Czajkowskiego, „Romeo i Julia” S. S. Prokofiewa), oper („Dziadek do orzechów” i „Śpiąca królewna” P. I. Czajkowskiego, „Romeo i Julia” S. S. Prokofiewa), oper („ Opowieść o carze Saltanie” N. A. Rimskiego-Korsakowa). W połowie XX wieku. suity komponowane są także z muzyką do filmów (Hamlet D. D. Szostakowicza).

W suitach wokalno-symfonicznych obok muzyki rozbrzmiewa także słowo (Zimowy ogień Prokofiewa). Czasem kompozytorzy nazywają niektóre cykle wokalne suitami wokalnymi („Sześć wierszy M. Cwietajewej” Szostakowicza).

Listaużywanyźródła

1. Gachev G. D. Treść form artystycznych. Epicki. Tekst piosenki. Teatr. M., 2008

2. Kagana. M.S. Estetyka jako nauka filozoficzna.Wykłady uniwersyteckie.St.Petersburg,2007.

3. Sosnova M.L. Sztuka aktora. Aleja Akademicka M.; Trixta, 2007..

4. Shpet G. G. Teatr jako sztuka//Pytania o filozofii, 1989, nr 11.

Opublikowano na Allbest.ru

Podobne dokumenty

Teatr jako sztuka i zjawisko społeczno-psychologiczne. Mechanizmy dialogu artystycznego w teatrze. Psychologizm w systemie K.S. Stanisławski. „Teatr warunkowy” niedz. Meyerholda. Teatr epicki dla publiczności B. Brechta. A. Artaud i jego „Teatr okrucieństwa”.

teza, dodana 16.02.2011

Studium osobliwości pochodzenia i powstawania teatru rosyjskiego. Błazny to pierwsi przedstawiciele teatru zawodowego. Pojawienie się dramatu szkolnego i przedstawień szkolno-kościelnych. Teatr epoki sentymentalizmu. Współczesne zespoły teatralne.

prezentacja, dodano 20.11.2013

Początki teatru rosyjskiego. Pierwszy dowód na istnienie bufonów. Powstawanie oryginalnej rosyjskiej sztuki błazeńskiej. Teatr epoki sentymentalizmu. Podział teatru na dwa zespoły. Teatr rosyjski okresu poradzieckiego. Historia Teatru Małego.

prezentacja, dodano 12.09.2012

Rosyjski dramat ludowy i sztuka teatru ludowego. Rodzaje teatru ludowego. Skomorochowie jako twórcy rosyjskiej sztuki ludowej. Teatr „Żywy Aktor”. Igrzyska Bożonarodzeniowe i Maslenitsa. Współczesne tendencje w ruchu folklorystycznym w Rosji.

praca na kursie, dodano 16.04.2012

Skomorochowie jako pierwsi starożytni rosyjscy podróżujący aktorzy. Teatr jarmarkowy, teatr lalek-szopka. Szkolny spektakl „Zmartwychwstanie umarłych”. Cechy muzykalności ukraińskiego teatru. Działalność teatrów pańszczyźnianych w drugiej połowie XVIII wieku.

prezentacja, dodano 11.03.2013

Pierwsze teatry w Petersburgu, sztuka teatralna a wizerunek kulturalno-oświatowy miasta. Rola teatru w rozwoju poglądów kulturalnych społeczeństwa, rozwoju więzi naukowych i kulturalnych między Rosją a innymi krajami. Muzyka symfoniczna opery.

streszczenie, dodano 13.04.2012

Rola teatru i dzieł teatralnych w życiu S.A. Juriew, jego wpływ na sztukę dramatyczną Rosji końca XIX wieku. Główne kamienie milowe biografii. Doświadczenia w zwróceniu się do teatru. Udane inscenizacje sztuk Lope de Vegi. Prace teoretyczne S.A. Yuryev o teatrze.

streszczenie, dodano 01.08.2017

Opis terminologii graffiti. Przykłady wykorzystania graffiti jako aktu wandalizmu w miejscach publicznych, na ścianach muzeów i budynków użyteczności publicznej. Użyj jako protestu. Sztuka graffiti jest najwyższą formą wyrażania siebie. Festiwale graffiti.

prezentacja, dodano 12.02.2010

Charakterystyka rozwoju sztuki teatralnej począwszy od XVIII wieku, kiedy to we Włoszech utrwalił się model organizacji przestrzeni teatralnej, zwany „sceną pudełkową”. Sztuka awangardowa początku XX wieku i przemiany w teatrze. Udział widzów.

streszczenie, dodano 24.07.2016

Zjawisko łączące sztukę i technologię. Powstanie i rozwój wzornictwa przemysłowego, wzornictwa europejskiego oraz problemy nauczania jego podstaw. Wypełnianie luki pomiędzy koncepcją a wykonaniem. Przesłanki powstania amerykańskiego designu.

PYTANIE 1

Teatr jako forma sztuki. Specyfika twórczości teatralnej.

Teatr jako forma sztuki.

Sztuka teatru, w odróżnieniu od innych sztuk, jest sztuką żywą. Powstaje dopiero w godzinie spotkania z widzem. Opiera się na niezbędnym emocjonalnym, duchowym kontakcie pomiędzy sceną a publicznością. Bez tego kontaktu oznacza to, że nie ma spektaklu, który żyje według własnych praw estetycznych.

^ Specyfika twórczości teatralnej.

Każda sztuka, dysponując specjalnymi środkami oddziaływania, może i powinna wnosić swój wkład w ogólny system edukacji estetycznej.

Oczywiście teatr w żaden sposób nie zastępuje innych form sztuki. Specyfiką teatru jest to, że przenosi on „właściwości” literatury, malarstwa i muzyki poprzez obraz żywej, działającej osoby. Ten bezpośredni materiał ludzki dla innych rodzajów sztuki to dopiero punkt wyjścia twórczości. Dla teatru „przyroda” służy nie tylko jako materiał, ale także zostaje zachowana w jej bezpośredniej żywotności. Jak zauważył filozof G. G. Shpet: „Aktor tworzy siebie w podwójnym sensie: 1) jak każdy artysta, ze swojej twórczej wyobraźni; oraz 2) w szczególności posiadanie przy sobie materiału, z którego tworzony jest obraz artystyczny.”

1. Rzeczywistość obiektywnie ukazanej rzeczywistości, przekształcona przez wyobraźnię dramatopisarza w dzieło dramatyczne.

2. Dzieło dramatyczne wcielone przez teatr (reżysera, aktorów) w życie sceniczne – spektakl.

3. Życie sceniczne, postrzegane przez widzów i stające się częścią ich przeżyć, zlewające się z życiem widzów i tym samym powracające na nowo do rzeczywistości.

Ale ten „powrót” nie jest analogiczny do pierwotnego źródła; teraz jest wzbogacony duchowo i estetycznie. „Dzieło sztuki powstaje po to, żeby żyło – żyło niemal dosłownie

To słowo, tj. weszło, jak doświadczane wydarzenia z prawdziwego życia,

W duchowe doświadczenie każdego człowieka i całej ludzkości.”

Ze skrzyżowania dwóch typów wyobraźni aktywnej – aktorskiej i widza – rodzi się tak zwana „magia teatru”. Zaletą sztuki teatralnej jest to, że jasno i konkretnie ucieleśnia ona wyobraźnię w żywej akcji rozgrywającej się na scenie. W innych sztukach wyimaginowany świat albo pojawia się w ludzkiej wyobraźni, jak w literaturze i muzyce, albo jest uchwycony w kamieniu lub na płótnie, jak w rzeźbie lub malarstwie. W teatrze widz widzi to, co wyobrażone. „Każdy spektakl zawiera pewne fizyczne i obiektywne elementy, które są dostępne dla każdego widza”.

Sztuka performatywna ze swej natury zakłada nie bierne, ale aktywne zaangażowanie publiczności, gdyż w żadnej innej sztuce nie ma takiej zależności procesu twórczego od jej percepcji, jak w teatrze. Publiczność G.D. Gaczowa jest „jak istoty niebiańskie, jak tysiącoki Argus<...>rozświetl akcję na scenie<...>bo świat sceniczny powstaje sam w sobie, pojawia się, ale w równym stopniu jest dziełem widza”.

Aktywna wyobraźnia widzów nie jest bynajmniej jakąś szczególną duchową własnością wybranych miłośników sztuki. Oczywiście rozwinięty gust artystyczny ma ogromne znaczenie, ale jest to kwestia rozwoju tych zasad emocjonalnych, które są nieodłączne dla każdego człowieka. „Gust artystyczny otwiera czytelnikowi, słuchaczowi i widzowi drogę od formy zewnętrznej do wewnętrznej i od niej do treści dzieła. Aby ta droga przebiegła pomyślnie, niezbędny jest udział wyobraźni i pamięci, emocjonalnych i intelektualnych sił psychiki, woli i uwagi, wreszcie wiary i miłości, czyli tego samego holistycznego mentalnego kompleksu sił mentalnych, który dokonać aktu twórczego.”

Poznaj teatr rządzący się jego własnymi prawami;

Poznaj teatr w jego nowoczesnych procesach;

Poznaj teatr w jego historycznym rozwoju.

Jednocześnie należy mieć świadomość, że wiedza mechanicznie zapisana w głowie widza nie gwarantuje pełnej percepcji. Proces kształtowania się kultury widza ma w pewnym stopniu charakter „czarnej skrzynki”, w której aspekty ilościowe nie zawsze łączą się bezpośrednio z pewnymi zjawiskami jakościowymi.

Teatr to niesamowita sztuka. Choćby dlatego, że w ciągu ostatniego stulecia kilkakrotnie przepowiadano jego nieuniknioną śmierć. Groził mu Wielki Cichy, który nabył mowę – wydawało się, że kino dźwiękowe odciągnie wszystkich widzów od teatru. Potem pojawiło się zagrożenie ze strony telewizji, gdy spektakl dotarł bezpośrednio do domu, a później zaczęto obawiać się potężnego rozprzestrzeniania się wideo i Internetu.

Jeśli jednak skupimy się na ogólnych tendencjach istnienia sztuki teatralnej na świecie, nie będzie zaskoczeniem, że na początku XXI wieku teatr nie tylko się zachował, ale zaczął wyraźnie podkreślać niemasowość i, co najważniejsze, niemasowość. w pewnym sensie „elitarność” swojej sztuki. Ale w tym samym sensie o elitarności sztuk pięknych czy muzyki klasycznej możemy mówić, jeśli porównamy wielomilionową widownię, którą gromadzą popularni wykonawcy, z ograniczoną liczbą widzów w oranżerii.

Kultura widza w dużej mierze zależy od charakteru sztuki, która jest mu oferowana. Im bardziej złożone jest przed nim postawione zadanie – estetyczne, etyczne, filozoficzne – tym intensywniejsza jest myśl, ostrzejsze emocje, tym subtelniejsza manifestacja gustu widza. To bowiem, co nazywamy kulturą czytelnika, słuchacza czy widza, jest bezpośrednio związane z rozwojem samej osobowości człowieka, zależy od jego rozwoju duchowego i wpływa na jego dalszy rozwój duchowy.

O „efektu teatru”, o jego przejrzystości decyduje nie tylko godność samej twórczości, ale także godność i kultura estetyczna widowni. Sami praktycy teatru (reżyserzy i aktorzy) najczęściej piszą i mówią o widzu jako obowiązkowym współtwórcy spektaklu: „Nie ma przedstawienia teatralnego bez udziału publiczności, a spektakl ma szansę powodzenia tylko wtedy, gdy widz sam „przegrywa” grę, czyli… akceptuje jej zasady i wciela się w osobę empatyczną lub samoeliminującą się.”

Jednak przebudzenie artysty w odbiorze następuje tylko wtedy, gdy widz jest w stanie dostrzec w całości treści zawarte w spektaklu, jeśli jest w stanie poszerzyć swój zakres estetyczny i nauczyć się widzieć w sztuce coś nowego, jeśli jednocześnie pozostając wiernym swojemu ulubionemu stylowi artystycznemu, nie okazuje się głuchy i na inne kierunki twórcze, jeśli potrafi dostrzec nową interpretację klasycznego dzieła i potrafi oddzielić plan reżyserski od jego realizacji przez aktorów. .. Takich „jeśli” można wymienić znacznie więcej. W konsekwencji, aby widz zaangażował się w twórczość, aby obudził się w nim artysta, na obecnym etapie rozwoju naszego teatru istnieje potrzeba ogólnego wzrostu kultury artystycznej widza.

Trudno z całą pewnością stwierdzić, jak duży wpływ na twórczość dramaturga mają możliwości sceniczne teatru danej epoki. Tu trzeba ich podzielić na tych, którzy pisali dla teatru, nie będąc sami uczestnikami przedstawień teatralnych (historia zna wiele takich nazwisk) i tych, którzy sami pracowali w teatrze i znali go „od środka” (Szekspir, Molier, Brecht itp.). Granica ta jest trudna do rozpoznania, ale bardzo znacząca. Dla jednych dominujące znaczenie ma spektakl jako wytwór literacki, dla innych jako realna szansa lub zapis Gry. Ważnym czynnikiem w tej kwestii jest także stosunek dramatopisarza do teatru: jak go postrzega, jako jaką instytucję?

W historii istniało kilka punktów widzenia na istotę i cel sztuki teatralnej. Teatr był używany jako rozszerzony model misteriów religijnych, jako narzędzie rozpowszechniania idei politycznych lub propagandy, jako rozrywka i jako forma sztuki. Można powiedzieć, że teatr istniał jednocześnie na trzech poziomach:

* jako swobodnie organizowana rozrywka popularna;

* jako dominująca działalność społeczna;

* jako forma sztuki;

Na poziomie popularna rozrywka składa się z aktorów lub małych zespołów, zwykle działających poza ustalonymi kanonami teatralnymi, wykonujących wszystko, od przedstawień cyrkowych po farsy dla masowej publiczności. Ta forma poprzedza najstarsze znane sztuki. Teatr jak główny nurt działalności społecznej- jest to z reguły dramat literacki wystawiany w teatrach publicznych: tragedia grecka, średniowieczne misterium i moralitet, tsam itp. Teatr jak elitarna forma sztuki najbardziej prosty i zdefiniowany; jest przeznaczony dla ograniczonej grupy widzów o wyspecjalizowanych gustach. Forma ta rozciąga się od gatunku maski dworskiej renesansu po nowoczesny teatr awangardowy.

Oprócz istoty i celu przedstawienia teatralnego należy zwrócić także uwagę na samą specyfikę, funkcje przedstawienia teatralnego, rodzaj teatru, w którym odbywa się przedstawienie oraz szereg innych specyficznych elementów mających wpływ na spektakl. w momencie jego powstania.

Specyfika jest teatralna.

Poszukiwanie i podkreślanie specyfiki spektaklu teatralnego jest dla nas przede wszystkim konieczne, aby oddzielić je od innych rodzajów sztuk (choreografii, malarstwa, architektury itp.) Pytanie to jest odwrotną stroną pytania o istota teatru. Podstawą spektaklu teatralnego jest to, że akcja wizualna i akcja tekstowa łączą się w nierozerwalną całość, zachowując przy tym wystarczającą niezależność i mogąc w różnym stopniu dominować nad sobą. Na podstawie tego stosunku typizowany jest teatr (muzyczny, dramatyczny itp.). Innym aspektem tego zagadnienia jest związek pomiędzy grą aktora w zakresie fizycznych działań jego ciała (gesty, postawy, mimika itp.) a głosem.

Sztuka teatru łączy w sobie wiele sztuk, lecz nie są one podporządkowane scenie w takim stopniu jak dramat. Dramat, nastawiony na reprezentację sceniczną i efektywną reprodukcję, rodzi kategorię nieodłączną tylko teatr i uczynienie z niego teatru działanie. Akcja jest istotą teatru, integruje wszystkie elementy przedstawienia teatralnego w jedną całość artystyczną i gotowe dzieło. Jednocześnie wszystkie systemy spektakli teatralnych organicznie współdziałają ze sobą jako całość, nie powodując konfliktu zasobów (scenografia, oświetlenie, muzyka itp.). Najbardziej elementarne (szczątkowe) działania mogą zależeć od konkretnego miejsca, celów wykonawczych i być dziełem jednego aktora. Większość działań wymaga jednak wspólnych (współpracy) wysiłków wielu kreatywnych i wyszkolonych technicznie ludzi, aby stworzyć idealnie harmonijne przedstawienie.

Elementy spektaklu teatralnego.

Wykonanie składa się tylko z dwóch istotnych i niezbędnych elementów: wykonawca I publiczność. Przedstawienie może mieć charakter pantomimiczny lub werbalny (użycie języka). Nie zawsze może być zapotrzebowanie na wykonawcę, na przykład w przypadku dramatu lalkowego lub przedstawień mechanicznych (teatr optyczny lub świetlny). Spektakl może być bogaty w kostiumy, scenografię, oświetlenie, muzykę i efekty specjalne, tj. sprzęt techniczny, który pomaga stworzyć iluzję innego charakteru: miejsca, czasu itp. I wreszcie produkcja teatralna, od strony technicznej, w dowolnej formie Zawsze prezentowane publiczności na żywo. Dlatego elementy spektaklu teatralnego mają zawsze charakter zasadniczo wizualny, tj. prezentowane bezpośrednio (chociaż w spektaklu może zostać zawarty film, taśma wideo lub nagranie dźwiękowe). Regulują je określone zbiory reguł (zawarte w skrypcie), które określają język i działania wykonawców.

Termin „teatr” często odnosi się jedynie do spektakli dramatycznych i muzycznych i nie obejmuje opery, tańca, cyrku i karnawału, pantomimy, wodewilu, przedstawień lalkowych, widowisk i innych form - wszystkich tych, które zawierają w sobie wyraźne elementy teatru.

Rodzaje teatru zachodniego.

Oprócz kryteriów estetycznych, teleologicznych i technologicznych (o czym już pisaliśmy), teatr zachodni można sklasyfikować także pod kątem ekonomii i podejścia do produkcji jako:

· komercyjny (prywatny);

· non-profit (państwo);

· teatr eksperymentalny lub artystyczny;

· społeczność (przedsiębiorstwo);

· teatr akademicki;

Teatr można rozpatrywać także w kategoriach takich jak „ miejsce", w którym został on zrealizowany. Scena i publiczność miały swoje własne, charakterystyczne formy w każdej epoce i kulturze. Obecnie teatry charakteryzują się dużą elastycznością i eklektycznością, łącząc elementy kilku stylów.

Do wystawienia spektaklu w zasadzie nie jest potrzebna konstrukcja architektoniczna przeznaczona dla teatru, ani nawet sam budynek. Kierunek ten charakteryzuje się eksperymentami angielskiego reżysera Petera Brooka, mającymi na celu stworzenie teatru w „pustym miejscu”. Najwcześniejsze formy teatru istniały na ulicach, otwartych przestrzeniach, placach targowych, kościołach lub budynkach nieprzeznaczonych do użytku teatralnego. Wiele współczesnych teatrów eksperymentalnych odrzuca formalne ograniczenia teatrów dostępnych i poszukuje dla swoich przedstawień bardziej nietypowych lokalizacji (ulice, trawniki, stodoły, dachy itp.). We wszystkich tych „odnalezionych” teatrach znaczenie sceny i publiczności tworzone jest przez działania wykonawców i naturalne cechy terenu. Współczesna scena to złożona konstrukcja architektoniczno-techniczna. Typ ten wyłonił się w wyniku długiej ewolucji teatru od starożytnej orkiestry greckiej, scen średniowiecznych (symultanicznych i pegentowych), włoskiej sceny pudełkowej renesansu do sceny nowożytnej. Wyróżnia się tym, że jest przede wszystkim budynkiem, konstrukcją przeznaczoną wyłącznie do przedstawień teatralnych. Sama scena to głównie portal, wyposażony w różnorodny sprzęt sceniczny, a czasami przekształcalny, który może zamienić się w jedną ze zwykłych scen teatralnych. Jednak w historii teatru większość teatrów wykorzystywała jeden z trzech typów scen: skrzynkową, platformową i arenę.

Wszystkie tego typu sceny w swoim rozwoju historycznym determinowały pojawienie się tego lub innego rodzaju dramaturgii. Ponadto wypracowali pewne techniki scenicznego rozwiązania materiału, zażądali pewnych technik reżyserskich, „własnego” mise-en-scène itp. Każdy rodzaj sceny wymaga własnego, oryginalnego zestawu środków wyrazu, a ta sama zabawa zostanie „rozwiązana” przy ich użyciu w inny sposób. Dlatego też, choć materiał ten nie ma nic wspólnego z teorią dramaturgii, dotyka bowiem praw teatru i zagadnień scenicznej realizacji spektaklu, nie możemy go pominąć.

Otwarta platforma sceniczna Stage-box. Scena areny Otwarta scena areny

Platforma sceniczna- podwyższona platforma zwrócona w stronę widowni. Często umieszcza się go na jednym końcu prostokątnej przestrzeni. Scena ta jest lepiej znana jako krąg otoczony z trzech stron przez publiczność. Formę tę stosowano w starożytnym teatrze greckim, klasycznym teatrze hiszpańskim, angielskim teatrze renesansowym, japońskim i chińskim teatrze klasycznym oraz w wielu zachodnich teatrach XX wieku. Platforma może być podparta ścianą (skene). Zepchnięty na dalszy plan może ukazać pejzaż i ukryć aktorów schodzących ze sceny. Na tego typu scenach nie ma bariery pomiędzy wykonawcami a publicznością, scena stwarza wrażenie dużej intymności, tak jakby występ odbywał się pośrodku widowni.

Scena to pudełko. Od czasów renesansu w teatrze zachodnim dominuje wersja sceny zwana proscenium. Proscenium to ściana oddzielająca scenę od widowni, łuk (łuk), który może mieć kształt kwadratu, to rodzaj dziury w ścianie, przez którą widzowie obserwują akcję. W tym miejscu można zawiesić zasłonę unoszącą się lub otwieraną na boki. Proscenium powstaje w odpowiedzi na chęć zakamuflowania krajobrazu, ukrycia maszynerii scenicznej i stworzenia za kulisami przestrzeni, na której wykonawcy mogą wchodzić i wychodzić. W rezultacie wzmacnia iluzję, eliminując wszystko, co nie jest częścią sceny. Dodatkowo zachęca widza do wyobrażenia sobie, że nie widzi i kontynuowania perspektywy tego, co obserwuje na scenie. Ponieważ proscenium stanowi barierę architektoniczną, stwarza poczucie dystansu lub separacji pomiędzy sceną a publicznością. Łuk proscenium tworzy również scenę i dlatego często nazywany jest lustrem scenicznym lub sceną o strukturze obrazu.

Scena jest areną. Scena w kształcie areny, czyli teatru kołowego, to miejsce całkowicie otoczone przez publiczność. Forma ta była używana kilka razy w XX wieku, ale jej historyczne precedensy dotyczą głównie form niedramatycznych, takich jak cyrk, co ogólnie ograniczyło jej popularność. Konieczność zapewnienia wszystkim widzom jednakowych warunków i możliwości obserwacji akcji stwarza pewne trudności w zakresie zastosowanej scenografii i ruchów aktorów, ponieważ w pewnym momencie widzowie nieuchronnie obejrzą wykonawcę od tyłu. Scena areny jest miejscem, w którym najtrudniej utrzymać iluzję, ponieważ w większości przedstawień wejścia i wyjścia nie powinny być widoczne dla widzów, tworząc element zaskoczenia. Nie da się tego osiągnąć w tego typu scenach, ponieważ aktor jest zawsze w zasięgu wzroku widza. Jednakże arena, właściwie wykorzystana, może stworzyć poczucie intymności niemożliwej na innych scenach i dobrze nadaje się do wielu form niedramatycznych. Dodatkowo, ze względu na różne wymagania sceniczne sceny areny, można wyeliminować duże powierzchnie za kulisami związane z proscenium, co pozwala na bardziej ekonomiczne wykorzystanie przestrzeni scenicznej. Modyfikacją tego typu sceny w kierunku sceny platformowej jest otwarta scena areny.

Jedną z oryginalnych form organizacji występów scenicznych jest „ teatr ekologiczny„mający precedensy w teatrze średniowiecznym (Adam de la Hall), w renesansie (duszpasterskim) i który był szeroko stosowany w XX wieku. teatr awangardowy (na przykład w „biednym teatrze” E. Grotowskiego). Ten typ teatru eliminuje wydzieloną lub centralną scenę na rzecz otaczającej lub dzielącej się z publicznością przestrzenią; miejsce sceny i miejsce widza stają się nierozróżnialne.

Publiczność. Widz ustawiony jest zgodnie z rodzajem teatru, o którym mówiliśmy powyżej. On może być:

· Wyraźnie podzielony(krzesła);

· nie podzielone(ławki);

· zbudowany(parter, amfiteatr);

· zhierarchizowane(boksy, antresola, galeria);

· albo swobodnie zająć pozycję(stojąc, siedząc) według własnego uznania i wyboru;

Układ widowni w XX wieku wywodzi się głównie z różnych wersji sali wachlarzowej, która jest bardziej demokratyczna w swojej organizacji. Ale ostatecznie nie ma to większego wpływu na dramaturgię, chyba że autor pisząc sztukę zdecyduje się w ten czy inny sposób umiejscowić widza w stosunku do sceny (patrz dramaturgia teatru absurdu).

Scenografia. Projekt artystyczny spektaklu to projekt zespołu określonych środków wyrazu teatralnego. Projekt ten stanowi swego rodzaju oprawę wizualną środowiska, w którym odbywają się spektakle. Jego celem jest zasugerowanie czasu i miejsca oraz stworzenie dla niego odpowiedniego nastroju lub atmosfery. Ogólne rozwiązania scenograficzne można podzielić na następujące główne typy: realistyczny, abstrakcyjny i funkcjonalny;