Historia i etnologia. Dane. Wydarzenia. Fikcja. Rogier van der Weyden (alias Roger de la Pastour, alias Zhora Lugovoi) Największe dzieło sztuki na świecie

04.09.2019

Rogier van der Weyden (1399/1400, Tournai – 18 czerwca 1464, Bruksela) – malarz holenderski, obok Jana van Eycka, uważany jest za jednego z założycieli i najbardziej wpływowych mistrzów wczesnego malarstwa niderlandzkiego. Twórczość Van der Weydena skupia się na zrozumieniu w całej głębi indywidualności człowieka. Zachowując spirytyzm dotychczasowej tradycji, van der Weyden wypełnił stare schematy obrazowe renesansową koncepcją aktywnej osobowości człowieka, uzupełnił je głębokim psychologizmem i intensywnością emocjonalną. Pod koniec życia, zdaniem TSB, „odrzuca uniwersalizm artystycznego światopoglądu van Eycka i skupia całą uwagę na wewnętrznym świecie człowieka”.

Przyszły klasyk północnego renesansu urodził się w 1399 lub 1400 roku w Tournai (Księstwo Burgundii) w rodzinie nożownika (francuskiego maitre-couteliera) imieniem Henri. Praktycznie nie ma wiarygodnych informacji o dzieciństwie i młodości przyszłego mistrza.

Okres formacji twórczej Rogiera (do którego najwyraźniej należy „Zwiastowanie” w Luwrze) również jest słabo ujęty w źródłach. Istnieje hipoteza, że to właśnie Rogier w młodości stworzył dzieła przypisywane tzw. Mistrz Flemalskiego (bardziej prawdopodobnym kandydatem na ich autorstwo jest jego mentor Robert Campin). Uczeń tak się nauczył pragnienia Campina, aby nasycić sceny biblijne realistycznymi szczegółami życia domowego, że prawie niemożliwe jest odróżnienie ich dzieł z początku lat trzydziestych XIV wieku (oba artyści nie podpisali swoich dzieł).

Pierwsze trzy lata w pełni samodzielnej pracy Rogiera (od 1432 do 1435) nie są w żaden sposób udokumentowane. Być może artysta spędził je w Brugii u van Eycka (z którym prawdopodobnie spotkał się już wcześniej w Tournai). W każdym razie jedna z najsłynniejszych kompozycji Rogiera, Łukasz Ewangelista malujący Madonnę, jest przepojona oczywistymi wpływami starszego współczesności.

Wiadomo, że już w 1435 roku artysta wraz z rodziną przeniósł się do Brukseli, która była wówczas jednym z największych miast Europy i jedną z najważniejszych rezydencji potężnego księcia Burgundii. Burgundia była wówczas warunkową „trzecią siłą” w Europie Zachodniej w stosunku do Francji, przewodzącej wyczerpującej wojnie stuletniej i Świętego Cesarstwa Rzymskiego. Będąc formalnie wasalami króla francuskiego, na początku XIV wieku książęta burgundzcy skoncentrowali pod swoją władzą rozległe terytoria, obecnie należące do Holandii, Belgii, Luksemburga i północno-wschodniej Francji, i faktycznie domagali się stworzenia odrębnego, pierwotnego państwa . To właśnie w tym szczególnym okresie w historii nizin, obecnie podzielonych politycznie i terytorialnie pomiędzy krajami Beneluksu, przypada okres życia i rozkwitu twórczości van der Weydena.

W związku z przeprowadzką do najważniejszego miasta księstwa, Brukseli, w której głównym językiem komunikacji był niderlandzki, mistrz Roger de la Pasture tłumaczy swoje imię z francuskiego na niderlandzki i staje się Rogier van der Weyden. W marcu 1436 roku Rogier otrzymał honorowy tytuł „artysty miasta Brukseli” (flam. stadsschilder). W Brukseli artysta będzie żył do końca swoich dni w 1464 roku.

Na początku okresu brukselskiego należy imponujący emocjonalny wpływ na widza „Zejście z krzyża”.

Wszyscy ewangeliści wspominają o zdjęciu Jezusa z krzyża (w związku z położeniem w grobie), jednak żadna z ksiąg Pisma Świętego nie świadczy o tym, że Matka Boża, kobiety niosące mirrę, Jan Teolog, przedstawiane zwykle w prace na ten temat brały udział w usunięciu.Ideowym centrum kompozycji jest zmarły Chrystus i zemdlała Dziewica Maryja. Van der Weyden łamie kanony, nadając ciału Dziewicy pozycję niezwykłą, jednak niezwykle naładowaną emocjonalnie, jakby rymującą się z pozycją ciała Jej Syna. To odważne i niezwykłe posunięcie symbolizuje ideę oddania Matki Bożej Bogu-Człowiekowi. Ułożenie rąk Chrystusa i Jego Matki (nowego Adama i Ewy) kieruje wzrok widza na czaszkę Adama, ilustrując w ten sposób ideę i istotę pokutnej ofiary złożonej przez Pana w imieniu upadłej ludzkości.

Kolejnym arcydziełem Mistrza, które do nas dotarło, jest Ołtarz Najświętszej Marii Panny, tzw. Ołtarz Miraflores, wystawiony w Berlińskiej Galerii Sztuki. Uważa się, że dzieło to zostało wykonane w 1445 roku na rozkaz króla kastylijskiego Juana II, który z kolei podarował je klasztorowi Miraflores niedaleko Burgos. Ołtarz trójlistny opowiada nam o trzech znaczących epizodach z życia Matki Bożej związanych z Jej Synem: czułości Matki Bożej, żałobie Chrystusa i ukazaniu się Maryi Dziewicy zmartwychwstałego Syna Człowieczego .

Różnica między Rogierem a surowym realizmem kampeńskim i wyrafinowaniem protorrenesansu Vaneika jest najbardziej widoczna w poliptyku Sądu Ostatecznego. Został napisany w latach 1443-1454. na zlecenie kanclerza Nicolasa Rolena na ołtarz ufundowanej przez niego kaplicy szpitalnej w burgundzkim mieście Beaune.

Warto zauważyć, że dzieło to do dziś znajduje się w tym samym budynku, dla którego kiedyś je wykonywał Rogier, w mieście Beaune, niedaleko Dijon. Na panelu centralnym znajduje się Chrystus w chwale, bezpośrednio pod jego wizerunkiem Archanioł Michał ważący na swojej wadze dusze zmarłych. Na prawo od Chrystusa Matka Boża, orędowniczka rodzaju ludzkiego, uklękła, pokornie prosząc Syna o przebaczenie ludziom grzechów. Zarówno Chrystus, jak i otaczający go święci siedzą na ognistych obłokach, pod którymi leży spalona ziemia. Ołowiane niebo rozświetlają błyskawice ognia piekielnego. Tam, w piekle, niestety podążają za zatwardziałymi grzesznikami. Ci, którzy przeżyli, zmierzają w przeciwnym kierunku. Anioł spotyka ich u bram Niebieskiego Jeruzalem. Pod względem zakresu pomysłu i mistrzostwa wykonania Sąd Ostateczny jest swoim własnym gandawskim ołtarzem Rogiera.

W roku jubileuszowym 1450 Rogier van der Weyden odbył podróż do Włoch i odwiedził Rzym, Ferrarę i Florencję. Został ciepło przyjęty przez włoskich humanistów (Mikołaj z Kuzy słynie z pochwał), ale on sam interesował się głównie artystami konserwatywnymi, takimi jak Fra Angelico i Gentile da Fabriano.

Z tą podróżą w historii sztuki zwyczajowo kojarzy się pierwszą znajomość Włochów z techniką malarstwa olejnego, którą Rogier opanował do perfekcji. Na rozkaz włoskich dynastii Medici i d "Este Fleming wykonał Madonnę z Uffizi i słynny portret Francesco d'Este (1460, Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork). Włoskie wrażenia zostały odzwierciedlone w kompozycjach ołtarzowych („ Ołtarz Jana Chrzciciela”, tryptyki „Siedem Sakramentów” i „Adoracja Trzech Króli”), wykonane przez niego po powrocie do Flandrii.

Portrety Rogiera mają pewne wspólne cechy, co w dużej mierze wynika z faktu, że prawie wszystkie z nich przedstawiają przedstawicieli najwyższej szlachty Burgundii, których wygląd i zachowanie zostało odciśnięte przez ogólne środowisko, wychowanie i tradycje. Artystka szczegółowo rysuje dłonie modelek (zwłaszcza palce), uszlachetnia i wydłuża rysy ich twarzy.

Do najsłynniejszych portretów szlachty burgundzkiej, jakie do nas dotarły, przypisywanych Mistrzowi, należą wizerunki Filipa Dobrego (po 1450 r. Muzeum Sztuk Pięknych (Dijon)), jego synów, Karola Śmiałego (Berlin Art Gallery) i Antoine z Burgundii, bękart (Królewskie Muzea Sztuk Pięknych (Bruksela)), Philippe I de Croix (1460, Królewskie Muzea Sztuk Pięknych (Antwerpia)), Laurent Fruamont (Królewskie Muzea Sztuk Pięknych (Bruksela)).

, „odrzuca uniwersalizm artystycznego światopoglądu van Eycka i skupia całą uwagę na wewnętrznym świecie człowieka”.

Rogiera van der Weydena
Holandia Rogiera van der Weydena

Nazwisko w chwili urodzenia	Rogier de le Pastwisko
Data urodzenia	nie wcześniej i nie później
Miejsce urodzenia
Data zgonu	18 czerwca
Miejsce śmierci
Kraj
Gatunek muzyczny	portret
Pliki multimedialne w Wikimedia Commons

Najbardziej prawdopodobny autoportret Rogiera van der Weydena. Fragment gobelinu z historią Trajana i Herkinbalda, wykonanego według obrazu Rogiera „Sprawiedliwość Trajana” przed 1461 rokiem (obraz zmarł w XVII wieku). Muzeum Historyczne w Bernie

wczesne lata

Lata brukselskie

Zejście z krzyża

Na początku okresu brukselskiego należy do imponującego emocjonalnego wpływu na widza „Zejście z krzyża”.

Dzieło to powstało na zlecenie cechu kuszników z Leuven i pierwotnie znajdowało się w kaplicy miejskiej, ale później przeszło w posiadanie siostry Karola V i w efekcie trafiło do Muzeum Prado.

O zdjęciu Jezusa z krzyża (w związku z położeniem w grobie) wspominają wszyscy ewangeliści, jednak żadna z ksiąg Pisma Świętego nie wskazuje, że Matka Boża, niewiasty niosące mirrę, Jan Teolog, zwykle przedstawiane w pracach na ten temat, brały udział w przeprowadzce.

Ideologiczne centrum kompozycji stanowi martwy Chrystus i zemdlała Dziewica Maryja. Van der Weyden łamie kanony, nadając ciału Dziewicy niezwykłą, ale niezwykle emocjonalną pozycję, jakby rymującą się z pozycją ciała Jej Syna. To odważne i niezwykłe posunięcie symbolizuje ideę oddania Matki Bożej Bogu-Człowiekowi. Ułożenie rąk Chrystusa i Jego Matki kieruje wzrok widza na czaszkę Adama, ilustrując w ten sposób ideę i istotę pokutnej ofiary złożonej przez Pana w imię upadłej ludzkości.

Ponadto Rogier zrezygnował z ukazywania zazwyczaj malowniczego tła w pracach poruszających ten temat, skupiając uwagę widza wyłącznie na tragicznych przeżyciach licznych postaci, które wypełniają całą przestrzeń planszy. Patrząc na ołtarz, nie można nie zauważyć szczególnej duchowości bohaterów, trafności i siły przekazu emocjonalnego, jaki mistrz przekazuje swoim dziełem.

Ołtarz Miraflores

Kolejnym arcydziełem mistrza, które do nas dotarło, jest ołtarz Najświętszej Marii Panny, tzw. ołtarz Miraflores, wystawiony w berlińskiej Galerii Sztuki. Uważa się, że dzieło to ukończono w 1445 roku na polecenie króla kastylijskiego Juana II, który z kolei podarował je klasztorowi Miraflores niedaleko Burgos. Trójlistny ołtarz opowiada nam o trzech najważniejszych epizodach z życia Matki Bożej związanych z Jej Synem: czułości Dziewicy, żałobie Chrystusa i ukazaniu się Maryi Dziewicy zmartwychwstałego Syna Człowieczego.

Sąd Ostateczny

Różnica między Rogierem a szorstkim realizmem Campena i wyrafinowaniem prarenesansu van Eycka najwyraźniej objawia się w poliptyku Sądu Ostatecznego. Został napisany w latach 1445-1450 na zlecenie kanclerza Nicolasa Rolena na ołtarz kaplicy szpitala Hotel Dieu, założonego przez tego ostatniego w burgundzkim mieście Beaune, niedaleko Dijon. Warto zauważyć, że poliptyk do naszych czasów znajduje się w tym samym budynku, dla którego kiedyś został napisany przez Rogiera.

Na panelu centralnym przedstawiono Chrystusa wydającego Sąd Ostateczny, bezpośrednio pod jego wizerunkiem archanioł Michał ważący na wadze dusze zmarłych. Na prawo od Chrystusa klęczała Matka Boża, orędowniczka rodzaju ludzkiego, pokornie prosząc Syna o przebaczenie ludziom grzechów. Zarówno Chrystus, jak i otaczający go święci siedzą na ognistych obłokach, pod którymi leży spalona ziemia. Ołowiane niebo rozświetlają błyskawice ognia piekielnego. Tam, w piekle, niestety podążają za nim zatwardziali grzesznicy. Ci, którzy przeżyli, zmierzają w przeciwnym kierunku. Anioł spotyka ich u bram Niebieskiego Jeruzalem. Pod względem zakresu pomysłu i mistrzostwa wykonania Sąd Ostateczny jest swoim własnym gandawskim ołtarzem Rogiera.

Wycieczka do Włoch

Z tą podróżą w historii sztuki zwyczajowo kojarzy się pierwszą znajomość Włochów z techniką malarstwa olejnego, którą Rogier opanował do perfekcji. Na zlecenie włoskich dynastii Medyceuszy i d'Este Flemingowie wykonali Madonnę, obecnie przechowywaną w Uffizi, oraz słynny portret Francesco d'Este (1460, Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork). Włoskie impresje znalazły odzwierciedlenie w kompozycjach ołtarzowych („Ołtarz Jana Chrzciciela”, tryptyki „Siedem Sakramentów” i „Pokłon Trzech Króli”), które wykonał po powrocie do Flandrii.

portrety

Do najsłynniejszych portretów szlachty burgundzkiej, jakie do nas dotarły, przypisywanych mistrzowi, należą wizerunki Filipa Dobrego (po 1450 r. Muzeum Sztuk Pięknych (Dijon)), jego synów, Karola Śmiałego (Berlin Art. Gallery) i Antoine z Burgundii, bękart (Królewskie Muzea Sztuk Pięknych (Bruksela)), Philippe I de Croix (1460, Królewskie Muzea Sztuk Pięknych (Antwerpia)), Laurent Fruamont (Królewskie Muzea Sztuk Pięknych (Bruksela)).

Uznanie i dziedzictwo

Wybitny humanista, naukowiec i filozof Mikołaj z Kuzy określał Rogiera mianem największego artysty swoich czasów. Ostatnie lata życia Rogier pracował w swojej brukselskiej pracowni, w otoczeniu licznych studentów, wśród których najwyraźniej znajdował się tak znaczący przedstawiciel kolejnego pokolenia jak Hans Memling. Rogier miał niezaprzeczalny wpływ na uznanych mistrzów, takich jak Dirk Bouts i Hugo van der Goes. Rozprzestrzenili jego wpływy na całą Francję, Niemcy i Hiszpanię. W drugiej połowie XV wieku na północy Europy ekspresyjny, pełen emocji sposób bycia Rogiera dominował nad dziedzictwem Campina i van Eycka. Szacunek dla mistrza żywił także Albrecht Dürer; z odpowiednią cechą ten ostatni wspomina Rogiera wraz z van der Goesem w dzienniku podróży do Holandii. Już w XVI wieku wielu malarzy, od Bernarta Orlaisa po Quentina Masseysa, pozostawało pod wpływem Rogiera. Jednak z biegiem czasu twórczość Rogiera van der Weydena stopniowo odeszła w zapomnienie.

Szczególne zainteresowanie wczesnym malarstwem niderlandzkim w Europie obudziło się dopiero na początku XIX wieku. W tym czasie wiele dzieł mistrza przypisywano innym artystom, głównie Janowi van Eyckowi czy Dürerowi. Mówią więc, że w 1815 roku Johann Wolfgang Goethe widział „Ołtarz kościoła św. Kolumba” (przechowywany w

V – Roger van der Weyden

Cechą charakterystyczną jest, w przeciwieństwie do Łodzi, dobrze znana obojętność na krajobraz. Obydwoje są typowymi „plastikami” (istnieje nawet przypuszczenie, że Roger zajmował się rzeźbą), a plastyczność jest dla nich najważniejsza, przez co starają się nadać swoim scenom szczególną wiarygodność. „Mistrz Flemal” w swoich najważniejszych obrazach („Ołtarz Flemala” we Frankfurcie) pozostawił złote i wzorzyste tło prymitywów. Niewiele gorszy od Rogera w jego oszałamiającym „Zejściu z krzyża” (Escurial). Kiedy Roger pisze w tle pejzaże, zawsze są one pełne niewzruszonego spokoju; są specjalnie przydzieleni do pełnienia jedynie roli tła, podczas gdy w akcji „nie biorą udziału”. Przeważnie widzimy miękkie piaszczyste wzgórza, takie jakie można znaleźć w okolicach Brukseli, z zamkami na nich, z rzędami i grupami niskich drzew. Jednak cechę Rogera można uznać za jego „plener”. Unika gęstych cieni, kontrastowych zestawień. Nawet wnętrza kościołów (lub tych gotyckich altan, w których lubi umieszczać dramatyczne epizody) są pełne zimnego i jednolitego oświetlenia. Obca jest mu różnorodność efektów wieczoru, nocy, jasnego słońca – to właśnie dodaje twórczości Boatsa tyle witalności.

Rogera van der Weydena (van Bygge?). „Pokłon Trzech Króli” (1459?). Alte Pinakothek w Monachium.

Charakterystyczna dla Rogera jest jego wariacja na temat „Madonny Rollina” – obraz „Święty Łukasz malujący portret Matki Bożej”, którego doskonałą kopię (a może powtórzenie?) mamy w Ermitażu. W „Rollen Madonna” wszystko tchnie ciepłym, wieczornym powietrzem. Odcień nieba, odległości i miasta jest lekko różowawy, a loggię pierwszego planu spowija już zmierzch. Mocne (ale jednocześnie miękkie) światło padające na same postacie to konwencja, której van Eyck nie był w stanie przełamać: wszak główne postacie sakralne musiały być widoczne z całkowitą wyrazistością, a odstępstwo od tej zasady byłoby zabronione za swego rodzaju herezję ikonograficzną. Inaczej jest w wersji Rogera. Tutaj wszystko jest wyrzeźbione w zimnym, nawet południowym świetle. Odległości mają w sobie ostrość wietrznego dnia, a wiatr naprawdę marszczy rzekę; loggia na pierwszym planie nie ma gorącego, przytulnego wydźwięku jak van Eycka. Wszystko wyłania się z całkowitą wyrazistością, wszystko jest „fasetowane” w ścisłej jednolitości trwałej plastyczności.

Mistrz Ołtarza Flemalskiego. Horoskop. Muzeum w Dijon.

Jednak pod koniec życia (czy pod wrażeniem podróży do Włoch?) zmienia się stosunek dyrektora szkoły brukselskiej do krajobrazu. Z tego późnego okresu należy także wspomniany wcześniej obraz „Św. Łukasz” i wyróżnia się już tym, że bardzo istotne miejsce zajmuje krajobraz.

Ale Roger pojawia się w zupełnie nowym świetle w swoim Pokłonie Trzech Króli w Monachium, w którym pojawia się niespodziewany „ciepły światłocień”, krajobraz nabiera wyraźnie „wiejskiego” charakteru, a w głębi baśniowego złożonego fantastycznego miasta rozwija się, całkowicie godny wynalazków Eików. Niektórzy chcą widzieć w tej pracy udział Memlincka, który najwyraźniej był w tych latach uczniem Rogera; inni przypisują ten obraz całkowicie twórczości Memlincka, pomimo znacznych różnic w jego postaciach i typach ze zwykłymi aktorami ostatniego mistrza.

Mistrz Ołtarza Flemala swoim podejściem do światła i swoją błyskotliwością zbliża się do Rogera. Jego zakres również jest w przeważającej mierze zimny, lekki, jego technika jest twarda i wyraźna. Woli obrazy przestrzeni plenerowych lub umieszczanie swoich postaci na archaicznym złote tło Z widoczną przyjemnością, a nawet (czasem aż nazbyt) zapałem wypisuje szczegóły sytuacji: kołki, naczynia, elementy architektoniczne, jednocześnie zaniedbując otulenie wszystkiego, co jest napisane ogólnym światłocieniem.Jednak po prawej stronie skrzydle Altar de Merode (Bruksela), otwiera okno pokoju Józefa na placu miejskim, podobnie jak weduty miejskie, które widzimy na skrzydłach retabulum w Gandawie, ale teraz obok niego zamyka okno w środkowy obraz tego samego tryptyku z kratowymi okiennicami i szarfami w Muzeum Madryckim, ale nie przypisano im aktywnej roli w ogólnym nastroju obrazu. Varvara ubrana jest w ciepłą zimową sukienkę, a za nią w kominku pali się żółty płomień, a tymczasem za oknem widać zielony, letni krajobraz, a w kubku stojącym na niskie krzesło. W lewym szczególe drzwi Madrytu uwagę przykuwa zakrzywione okrągłe lustro, podobne do tego, które zdobi ścianę pokoju Arnolfini. Tym razem zniekształcone odbicie pomieszczenia w lustrze wydaje się być całkowicie skopiowane z natury, co świadczy o tym, że „Flemal” w niektórych przypadkach sięgał po czysto realistyczne techniki malarskie.

Tylko na jednym obrazie tego enigmatycznego mistrza – w „Pokłonie pasterzy” Muzeum w Dijon – główną rolę odgrywa krajobraz, a tutaj „Flemal” zapowiada zarówno Husa, jak i Boscha, a nawet Pietera Brueghela. Wrażenie studium natury sprawia żałosna niska stodoła, na progu której stoi Matka Boża ubrana na biało (z niebieskimi cieniami), pogrążona w modlitwie przed leżącym na ziemi nowo narodzonym Chrystusem. Obora pokryta jest słomą, jej okładzina z cegły jest częściowo zawalona, widać też na wpół połamane gonty, które stanowiły jej podstawę. Za tą chatą roztacza się daleki widok na najbardziej bezpretensjonalną postać - jedną z tych, które rozciągają się, szare, przeniknięte drobnym, niespokojnym deszczem, wzdłuż drogi biegnącej przez środkową Belgię. W głębi wije się mokra droga, porośnięta na krawędziach nagimi drzewami. Prowadzi do niskich przedmieść i murów miejskich, zza których wystają kościoły, domy i zamek magnacki na skale. Dalej widać jezioro otoczone niskimi wzgórzami. Ten krajobraz (około lat czterdziestych XIV wieku) wyróżnia się; przypomina przede wszystkim melancholijne pejzaże XIX wieku. W sensie perspektywy lotniczej oznacza to samo ulepszenie formuł braci van Eyck, co w sensie iluminacyjnym reprezentuje obraz Łodzi „Świętego Krzysztofa”. To, co „prymitywne” wyraża się (poza figurami) jedynie w niedokładnym efekcie „złotego” słońca wschodzącego zza gór po lewej stronie, w działkach z napisami, ozdobnie wijących się wśród kompozycji, czy wreszcie w warunkowe pozy postaci.

Rogiera van der Weydena znany także jako wybitny portrecista. Wiele jego portretów to dyptyki, złożone z wizerunku Madonny („Madonna z Dzieciątkiem” z dyptyku „Philippe de Croix”) i półpostaci klienta („Portret Philippe de Croix”). Artysta malował także portrety pojedyncze („Portret Francesco d’Este”, „Portret Filipa Dobrego”, „Portret Karola Śmiałego”), w tym kobiece („Portret młodej kobiety”).

„Portret młodej kobiety” powstał w latach 40., około dziesięć lat później, kiedy Rogier poślubił dziewczynę z Brukseli i osiedlił się w tym mieście. To poświęcenie ukochanej nie jest typowe dla Van der Veina, który pisał na tematy religijne, ale mimo to dodał do skarbnicy malarstwa światowego.

Portret młodej kobiety. Około 1460 r., Narodowa Galeria Sztuki w Waszyngtonie

Portret kobiety, 1430, Berlińska Galeria Obrazów

Portret damy, 2. tercja XV w., National Gallery, Londyn

Izabela Portugalska (żona Filipa III, księcia Burgundii), J. Muzeum Paula Getty'ego w Malibu

Wśród portretów męskich pokażę te najbardziej charakterystyczne dla maniery Rogiera.

Portret Philippe'a de Croya, ok. 1800 1460

Portret Francesco D "Este, 1450, Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork

Portrety tworzone przez Van der Weydena wyróżnia dbałość artysty o złożony świat ludzkich uczuć i nastrojów. Spojrzenie spod brwi, ukryty uśmiech, uniesione brwi w widoczny sposób świadczą o przyzwyczajeniach i charakterze danej osoby. Jego ziemskie zasługi stają się tą samą cechą portretowanej osoby: mistrz często wprowadza do swoich portretów oznaki władzy i męstwa: pierścień, łańcuch porządkowy, batutę honorową itp.

Portret Karola Śmiałego. Około 1460 r., Galeria Sztuki, Berlin-Dahlem

Karol Śmiały (1433-77) – hrabia Charolais, książę Burgundii (od 1467). Syn Filipa Dobrego. Karol Śmiały starał się zjednoczyć swój podzielony majątek, rozszerzyć terytorium państwa burgundzkiego i przekształcić je w potężną potęgę. Wielokrotnie z bezlitosnym okrucieństwem tłumił powstania w holenderskich miastach wchodzących w skład państwa burgundzkiego. Karol Śmiały był najniebezpieczniejszym i najpotężniejszym przeciwnikiem Ludwika XI, który energicznie dążył do centralizacji i zjednoczenia terytorialnego Francji; walka między obydwoma władcami wygasała tylko na krótkie okresy. Jeszcze za życia swojego ojca Karol Śmiały faktycznie przewodził koalicji przeciwko Ludwikowi XI (Lidze Dobra Publicznego), zmuszając króla francuskiego do oddania mu miast nad Sommą. Aby zapewnić sobie wsparcie angielskiego króla Edwarda IV, Karol Śmiały poślubił swoją siostrę Margaritę. Próbował zawładnąć Alzacją i Lotaryngią. Jednak dzięki zręczności Ludwika XI, który uciekł się do negocjacji dyplomatycznych i przekupstwa, Karol Śmiały stracił sojuszników (w tym króla angielskiego), pozostając w izolacji. Podczas wojen burgundzkich toczących się w latach 1474–1477 (toczonych przeciwko Karolowi Śmiałemu przez Szwajcarię i Lotaryngię, potajemnie wspieranych i subsydiowanych przez Francję) Karol Śmiały został zdradzony przez najemników przekupionych przez Ludwika XI i zginął w bitwie pod Nancy.

Portret Filipa Dobrego. Po 1450 r. Kunsthistorisches Museum w Wiedniu

Filip III Dobry (1396-1467) - książę Burgundii od 1419 r. W wojnie stuletniej 1337-1453. początkowo był sojusznikiem Brytyjczyków (w 1430 r. brał udział w oblężeniu Compiègne, kiedy pojmano Joannę d'Arc), w 1435 r. przeszedł na stronę Francuzów: za ustępstwo wobec Pikardii rozpoznał Karola VII jako prawowity władca Francji.Przy pomocy małżeństw, pieniędzy, zręcznej dyplomacji Filip Ill znacznie rozszerzył swój majątek, przyłączając do niego w 1421 r. hrabstwo Namur, w latach 1428-33 – hrabstwa Hainaut, Zeeland, Holandia, w 1430 r. - księstwa Brabancji i Limburgii, w latach 1431-43 - Księstwo Luksemburga itp.

Aby poczuć obecność w czasie i miejscu, pozwoliłem sobie użyć wtyczki do starzenia się obrazu. Makijaż i kostiumy zostały wykonane tak jakościowo i czysto, że trudno było oprzeć się chęci wizualnego zanurzenia się w epokę wielkiego malarstwa, tylko z naszą bohaterką. Dlatego wszystkich zainteresowanych zapraszam na stronę "Opis prac charakteryzacyjnych", gdzie można dokładnie, ze wszystkich stron obejrzeć, a jednocześnie upewnić się, że jest to autentyczny makijaż i jest na 100 % autora. Zwykle nawet brwi posmarowanych gumozą (niestety nie możemy ogolić modelki) nie usuwam, żeby było jasne, że jest to praca bez korekt komputerowych. AAChurya

Makijaż do retrospektywy historycznej „Portretu młodej kobiety” Rogiera van der Weydena

„Portret młodej kobiety w nakryciu głowy” (ok. 1435), przypisywany Rogierowi van der Weydenowi. Tradycyjnie uważa się, że jest to portret Elizabeth Gofferts, żony artysty, córki brukselskiego szewca.

Rogiera van der Weydena.
„Portret młodej kobiety w nakryciu głowy”

W czasach van der Weydena artyści rzadko przedstawiali modelkę w taki sposób, aby „spotkała się” z widzem, choć to właśnie ta technika nadaje portretowi intymny charakter. Na zdjęciu, podobnie jak na fotografii, uchwycona zostaje kobieta, łącząca w sobie całe piękno i dostojność otaczającego ją świata. Stosunkowo proste ubrania modelu najprawdopodobniej mówią, że mamy do czynienia z kobietą z klasy średniej. To poświęcenie ukochanej nie jest typowe dla Van der Veina, który pisał na tematy religijne, ale mimo to dodał do skarbnicy malarstwa światowego.

Rycina z książki I. Bullarta „Słynni artyści holenderscy”, wydanej w 1682 roku w Amsterdamie. Portret Rogera van der Weydena. Autor artysta De Bolonois.

Wielki Fleming – tak właśnie nazywał się Jan (Juan) II Rogier van der Weyden (1399/1400-1464), wybitny mistrz malarstwa niderlandzkiego. Rogier van der Weyden (aka Rogier de la Pature; Rogier de la Pasture) to postać znana i tajemnicza. Mimo że był jednym z najwybitniejszych artystów malarstwa flamandzkiego XV wieku, niewiele wiemy o jego życiu. Nie dotarł do nas ani jeden obraz z jego podpisem, a te z jego dzieł, o których mowa w dokumentach, są opisane tak szorstko, że nie da się ich zidentyfikować. Jego twórczość przez długi czas i w różnym czasie przypisywana była Janowi van Eyckowi, następnie Robertowi Campinowi, a w końcu Albrechtowi Dürerowi. Dopiero dzięki dobrze znanej ciekawości artystów prerafaelitów, w XIX wieku odrodziło się zainteresowanie sztuką północnego renesansu, a jednocześnie twórczością van der Weydena. W trakcie żmudnych studiów nad spuścizną tego mistrza okazało się, że spośród wszystkich niderlandzkich prymitywistów to właśnie van der Weyden wywarł największy wpływ na przebieg dalszego rozwoju sztuki Europy Północnej. Jego twórczość jest syntezą międzynarodowego gotyku i odważnych innowacji van Eycka, była więc bliska zarówno twórczości malarzy pozostających wiernych tradycji, jak i tych, którzy chcieli iść do przodu. Van der Weyden był oficjalnym artystą Brukseli i pracował na dworze księcia Burgundii, a zarówno jego świeckie portrety, jak i ołtarze cieszyły się równą popularnością.
Rogier van der Weyden to także wybitny portrecista. Wiele jego portretów to dyptyki, złożone z wizerunku Madonny („Madonna z Dzieciątkiem” z dyptyku „Philippe de Croix”) i półpostaci klienta („Portret Philippe de Croix”). Artysta malował także portrety pojedyncze („Portret Francesco d’Este”, „Portret Filipa Dobrego”, „Portret Karola Śmiałego”), w tym kobiece („Portret młodej kobiety”).

Garnitur i moda. Kapelusze

Ulubionym nakryciem głowy szlachcianek w okresie późnego gotyku (XIV w.) był ennen – kapelusz w kształcie stożka z trenem, nieodzowny atrybut wróżek. Ennin (inne warianty: ennin, gennin i hennin) - po francusku „au hennin”, co tłumaczy się jako „rogaty”. Ennen wykonywano ze sztywnego papieru lub wykrochmalonego lnu i naciągano na niego jedwab lub inny kosztowny materiał.

Za modną uznawano czapkę „rogatą”, której kształt tworzyła fryzura z bocznymi wałkami, czapka w formie „bochenka podwójnego cukru” lub w formie „żagla”. Jego wysokość zależała od stopnia szlachectwa. Były to kapelusze jedno- i dwuramienne, do których czasami dodawano welon. Ennin, zakrywając włosy, pozostawił otwarte duże czoło, którego rozmiar został utworzony przez sztucznie wygolone włosy z czubka. Czapki osiągnęły takie rozmiary, że naoczny świadek napisał: „Przy paniach ubranych w ennin czuliśmy się jak nędzne krzaki w dębowym lesie”.
Różnorodność czapek była fantastyczna, a skala niesamowita. Wykonywano je z tkaniny lnianej i przezroczystej jedwabiu, o ogromnych rozmiarach i skromnym kształcie, z tkaniny twardej i miękkiej, na ramie umiejętnie i misternie udrapowanej. Żony rzemieślników i służące zakrywały głowy welonami, które umiejętnie zarzucały, układając je w najbardziej malowniczy sposób. Attor de gibet (cornette, attor de gibet, cornette)- starożytne nakrycie głowy kobiece w formie czepka z dwoma rogami. Ten styl nakrycia głowy był noszony przez wiele lat przez klasę średnią i jest znany, ponieważ słynna średniowieczna pisarka Christina de Pizan przedstawiała kobiety noszące takie nakrycia głowy. Samo nakrycie głowy było wówczas znane jako „Attor de Gibe” i było pochodzenia burgundzkiego i francuskiego. Nawiązuje to do stylu nakrycia głowy zwanego „Drzewem Krzyża” (znanego również jako „Szubienka”) noszonego przez księżniczkę Beatrice, hrabinę Arundel.
Siatki, które wystają „rogi” po bokach nakrycia głowy drzewa krzyżowego, są w rzeczywistości pionowe na Attor de Gibe i nazywane są „szablonami”. Te zauszniki przypominają rogi, do których przymocowane są za pomocą szpilek mocno wykrochmalone narzuty. (Według jednej z wersji - „długie srebrne szpilki”). Czasami klejnoty, złoto lub srebro, zdobiono wzorami na nakryciu głowy innymi niż zwykły śnieżnobiały płótno lub gaza. Styl ten był lekki i elegancki w swojej prostocie.