Sztuka w renesansie. Malarstwo włoskiego renesansu

Renesans (renesans). Włochy. XV-XVI wiek. Wczesny kapitalizm. Krajem rządzą bogaci bankierzy. Interesują się sztuką i nauką.

Bogaci i potężni gromadzą wokół siebie utalentowanych i mądrych. Poeci, filozofowie, artyści i rzeźbiarze codziennie prowadzą rozmowy ze swoimi patronami. Przez chwilę wydawało się, że narodem rządzą mędrcy, tak jak chciał Platon.

Pamiętali starożytnych Rzymian i Greków. Który także zbudował społeczeństwo wolnych obywateli. Gdzie główną wartością są ludzie (nie licząc oczywiście niewolników).

Renesans to nie tylko kopiowanie sztuki starożytnych cywilizacji. To jest mieszanina. Mitologia i chrześcijaństwo. Realizm natury i szczerość obrazów. Piękno fizyczne i piękno duchowe.

To był tylko błysk. Okres wysokiego renesansu trwa około 30 lat! Od 1490 do 1527 r Od początków rozkwitu twórczości Leonarda. Przed splądrowaniem Rzymu.

Miraż idealnego świata szybko zniknął. Włochy okazały się zbyt kruche. Wkrótce została zniewolona przez innego dyktatora.

Jednak te 30 lat zdeterminowało główne cechy malarstwa europejskiego na kolejne 500 lat! Aż do .

Realizm obrazu. Antropocentryzm (kiedy głównym bohaterem i bohaterem jest osoba). Perspektywa liniowa. Farby olejne. Portret. Sceneria…

Niewiarygodne, że przez te 30 lat pracowało jednocześnie kilku znakomitych mistrzów. Które innym razem rodzą się raz na 1000 lat.

Leonardo, Michał Anioł, Rafael i Tycjan to tytani renesansu. Nie możemy jednak nie wspomnieć o ich dwóch poprzednikach. Giotto i Masaccio. Bez którego nie byłoby renesansu.

1. Giotto (1267-1337)

Paolo Uccello. Giotto da Bondogni. Fragment obrazu „Pięć mistrzów renesansu florenckiego”. Początek XVI wieku. .

14 wiek Protorenesans. Jej głównym bohaterem jest Giotto. To mistrz, który w pojedynkę zrewolucjonizował sztukę. 200 lat przed wysokim renesansem. Gdyby nie on, era, z której ludzkość jest tak dumna, prawie nie nadeszłaby.

Przed Giottem były ikony i freski. Powstały według kanonów bizantyjskich. Twarze zamiast twarzy. Płaskie figury. Niezachowanie proporcji. Zamiast krajobrazu jest złote tło. Jak na przykład na tej ikonce.

Guido da Siena. Pokłon Trzech Króli. 1275-1280 Altenburg, Muzeum Lindenau, Niemcy.

I nagle pojawiają się freski Giotta. Mają obszerne figury. Twarze szlachetnych ludzi. Smutny. Smutny. Zaskoczony. Stary i młody. Różny.

Freski Giotta w kościele Scrovegni w Padwie (1302-1305). Po lewej: Opłakiwanie Chrystusa. Środek: Pocałunek Judasza (fragment). Po prawej: Zwiastowanie św. Anny (Matki Marii), fragment.

Głównym dziełem Giotta jest cykl jego fresków w kaplicy Scrovegnich w Padwie. Kiedy kościół ten został otwarty dla parafian, napływały do ​​niego tłumy ludzi. Ponieważ nigdy czegoś takiego nie widzieli.

W końcu Giotto zrobił coś bezprecedensowego. To tak, jakby przełożył historie biblijne na prosty, zrozumiały język. I stały się znacznie bardziej dostępne dla zwykłych ludzi.

Giotto. Pokłon Trzech Króli. 1303-1305 Fresk w kaplicy Scrovegnich w Padwie we Włoszech.

To właśnie będzie charakterystyczne dla wielu mistrzów renesansu. Lakoniczne obrazy. Żywe emocje bohaterów. Realizm.

Więcej o freskach mistrza przeczytasz w artykule.

Giotto był podziwiany. Ale jego innowacje nie były dalej rozwijane. Moda na międzynarodowy gotyk dotarła do Włoch.

Dopiero po 100 latach pojawi się mistrz, godny następca Giotta.

2. Masaccio (1401-1428)

Masaccio. Autoportret (fragment fresku „Św. Piotr na ambonie”). 1425-1427 Kaplica Brancacciego w kościele Santa Maria del Carmine we Florencji, Włochy.

Początek XV wieku. Tak zwany wczesny renesans. Na scenę wkracza kolejny innowator.

Masaccio był pierwszym artystą, który zastosował perspektywę linearną. Zaprojektował go jego przyjaciel, architekt Brunelleschi. Teraz świat przedstawiony stał się podobny do rzeczywistego. Architektura zabawek należy już do przeszłości.

Masaccio. Święty Piotr uzdrawia swoim cieniem. 1425-1427 Kaplica Brancacciego w kościele Santa Maria del Carmine we Florencji, Włochy.

Przyjął realizm Giotta. Jednak w przeciwieństwie do swojego poprzednika znał już dobrze anatomię.

Zamiast blokowych postaci Giotto ma pięknie zbudowanych ludzi. Podobnie jak starożytni Grecy.

Masaccio. Chrzest neofitów. 1426-1427 Kaplica Brancacci, kościół Santa Maria del Carmine we Florencji, Włochy.
Masaccio. Wypędzenie z raju. 1426-1427 Fresk w kaplicy Brancaccich, kościół Santa Maria del Carmine, Florencja, Włochy.

Masaccio żył krótko. Zmarł niespodziewanie, podobnie jak jego ojciec. W wieku 27 lat.

Miał jednak wielu naśladowców. Mistrzowie kolejnych pokoleń udali się do Kaplicy Brancacciego, aby uczyć się z jego fresków.

W ten sposób innowacje Masaccio zostały przejęte przez wszystkich wielkich tytanów wysokiego renesansu.

3. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo da Vinci. Autoportret. 1512 Biblioteka Królewska w Turynie we Włoszech.

Leonardo da Vinci to jeden z tytanów renesansu. Co miało ogromny wpływ na rozwój malarstwa.

To on podniósł rangę samego artysty. Dzięki niemu przedstawiciele tego zawodu nie są już tylko rzemieślnikami. Są to twórcy i arystokraci ducha.

Leonardo dokonał przełomu przede wszystkim w portrecie.

Uważał, że nic nie powinno odwracać uwagi od głównego obrazu. Wzrok nie powinien wędrować od jednego szczegółu do drugiego. Tak powstały jego słynne portrety. Lakoniczny. Harmonijny.

Leonardo da Vinci. Dama z gronostajem. 1489-1490 Muzeum Czertoryskiego w Krakowie.

Główną innowacją Leonarda jest to, że znalazł sposób na ożywienie obrazów.

Przed nim postacie na portretach wyglądały jak manekiny. Linie były jasne. Wszystkie szczegóły są starannie narysowane. Namalowany rysunek nie mógłby być żywy.

Ale potem Leonardo wynalazł metodę sfumato. Zacieniował linie. Sprawił, że przejście od światła do cienia było bardzo miękkie. Jego bohaterowie zdają się być spojeni ledwie dostrzegalną mgłą. Postacie ożyły.

. 1503-1519 Luwr, Paryż.

Od tego czasu sfumato wejdzie do aktywnego słownika wszystkich wielkich artystów przyszłości.

Często pojawia się opinia, że ​​​​Leonardo jest oczywiście geniuszem. Ale nie wiedział, jak cokolwiek zakończyć. I często nie kończyłem obrazów. A wiele jego projektów pozostało na papierze (nawiasem mówiąc, w 24 tomach). I ogólnie został wrzucony albo do medycyny, albo do muzyki. A kiedyś nawet interesowałam się sztuką serwowania.

Jednak pomyśl samodzielnie. 19 obrazów. I jest największym artystą wszechczasów. A niektórzy nawet nie są bliscy wielkości. Jednocześnie namalował w swoim życiu 6000 płócien. Wiadomo, kto ma większą skuteczność.

O najsłynniejszym obrazie mistrza przeczytacie w artykule.

4. Michał Anioł (1475-1564)

Daniele da Volterra. Michał Anioł (fragment). 1544 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku.

Michał Anioł uważał się za rzeźbiarza. Ale był mistrzem uniwersalnym. Podobnie jak inni jego koledzy z renesansu. Dlatego jego malarskie dziedzictwo jest nie mniej imponujące.

Można go rozpoznać przede wszystkim po rozwiniętych fizycznie postaciach. Ponieważ przedstawił idealnego mężczyznę. W którym piękno fizyczne oznacza piękno duchowe.

Dlatego wszyscy jego bohaterowie są tak muskularni i odporni. Nawet kobiety i starcy.

Michał Anioł. Fragmenty fresku „Sąd Ostateczny” w Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie.

Michał Anioł często malował tę postać nago. A potem dodał ubrania na wierzch. Aby ciało było jak najbardziej wyrzeźbione.

Sam namalował sufit Kaplicy Sykstyńskiej. Chociaż jest to kilkaset liczb! Nie pozwalał nawet nikomu pocierać farby. Tak, był samotnikiem. Posiadający fajny i kłótliwy charakter. Ale przede wszystkim był niezadowolony z... siebie.

Michał Anioł. Fragment fresku „Stworzenie Adama”. 1511 Kaplica Sykstyńska, Watykan.

Michał Anioł żył długo. Przeżył upadek renesansu. Dla niego była to osobista tragedia. Jego późniejsze prace są pełne smutku i smutku.

Ogólnie rzecz biorąc, ścieżka twórcza Michała Anioła jest wyjątkowa. Jego wczesne prace są pochwałą ludzkiego bohatera. Wolny i odważny. W najlepszych tradycjach starożytnej Grecji. Jak ma na imię Dawid?

W ostatnich latach życia są to obrazy tragiczne. Celowo grubo ciosany kamień. To tak, jakbyśmy patrzyli na pomniki ofiar faszyzmu XX wieku. Spójrz na jego Pietę.

Rzeźby Michała Anioła w Akademii Sztuk Pięknych we Florencji. Po lewej: Dawid. 1504 Po prawej: Pieta Palestriny. 1555

Jak to jest możliwe? Jeden artysta w jednym życiu przeszedł wszystkie etapy sztuki od renesansu po XX wiek. Co powinny zrobić kolejne pokolenia? Cóż, idź swoją drogą. Zdając sobie sprawę, że poprzeczka jest ustawiona bardzo wysoko.

5. Rafał (1483-1520)

. 1506 Galeria Uffizi, Florencja, Włochy.

Rafał nigdy nie został zapomniany. Jego geniusz był zawsze doceniany. I w ciągu życia. I po śmierci.

Jego bohaterowie obdarzeni są zmysłowym, lirycznym pięknem. To jego słusznie uważa się za najpiękniejsze kobiece obrazy, jakie kiedykolwiek stworzono. Ich piękno zewnętrzne odzwierciedla także piękno duchowe bohaterek. Ich łagodność. Ich poświęcenie.

Rafał. . 1513 Galeria Starych Mistrzów, Drezno, Niemcy.

Fiodor Dostojewski wypowiedział słynne słowa „Piękno zbawi świat”. To był jego ulubiony obraz.

Zmysłowe obrazy to jednak nie jedyna mocna strona Raphaela. Bardzo dokładnie przemyślał kompozycję swoich obrazów. Był niedoścignionym architektem w malarstwie. Co więcej, zawsze znajdował najprostsze i najbardziej harmonijne rozwiązanie w organizacji przestrzeni. Wydaje się, że nie może być inaczej.

Rafał. Szkoła ateńska. 1509-1511 Fresk w strofach Pałacu Apostolskiego w Watykanie.

Rafał żył zaledwie 37 lat. Zmarł nagle. Przez przeziębienie i błąd medyczny. Ale jego dziedzictwo jest trudne do przecenienia. Wielu artystów było idolem tego mistrza. Mnożąc swoje zmysłowe obrazy na tysiącach płócien..

Tycjan był niezrównanym kolorystą. Dużo eksperymentował także z kompozycją. Ogólnie rzecz biorąc, był odważnym i genialnym innowatorem.

Wszyscy go kochali za błyskotliwość jego talentu. Nazywany „Królem malarzy i malarzem królów”.

Mówiąc o Tycjanie, chcę po każdym zdaniu postawić wykrzyknik. Przecież to on wniósł dynamikę do malarstwa. Patos. Entuzjazm. Jasny kolor. Połysk kolorów.

Tycjanowski. Wniebowstąpienie Marii. 1515-1518 Kościół Santa Maria Gloriosi dei Frari w Wenecji.

Pod koniec życia rozwinął niezwykłą technikę pisania. Uderzenia są szybkie. Gruby. Pasztecik. Farbę nakładałam pędzlem lub palcami. Dzięki temu obrazy są jeszcze bardziej żywe i oddychające. Fabuła jest jeszcze bardziej dynamiczna i dramatyczna.

Tycjanowski. Tarquin i Lukrecja. 1571 Muzeum Fitzwilliama w Cambridge, Anglia.

Czy to Ci niczego nie przypomina? Oczywiście, jest to technologia. A technika artystów XIX wieku: Barbizończyków i. Tycjan, podobnie jak Michał Anioł, w ciągu jednego życia przeżyłby 500 lat malarstwa. Dlatego jest geniuszem.

Przeczytaj o słynnym arcydziele mistrza w artykule.

Artyści renesansu to artyści o wielkiej wiedzy. Aby pozostawić po sobie takie dziedzictwo, trzeba było wiele wiedzieć. W dziedzinie historii, astrologii, fizyki i tak dalej.

Dlatego każdy ich obraz skłania do refleksji. Dlaczego to jest przedstawione? Jaka jest tutaj zaszyfrowana wiadomość?

Dlatego prawie nigdy nie popełniali błędów. Ponieważ dokładnie przemyśleli swoją przyszłą pracę. Wykorzystując całą swoją wiedzę.

Byli czymś więcej niż artystami. Byli filozofami. Wyjaśnianie nam świata poprzez malarstwo.

Dlatego zawsze będą dla nas niezwykle interesujące.

Renesans przyniósł głębokie zmiany we wszystkich dziedzinach kultury – filozofii, nauce i sztuce. Jeden z nich jest. która staje się coraz bardziej niezależna od religii, przestaje być „służebnicą teologii”, choć wciąż daleka jest od całkowitej niezależności. Podobnie jak w innych dziedzinach kultury, w filozofii odradzają się nauki myślicieli starożytnych, przede wszystkim Platona i Arystotelesa. Marsilio Ficino założył Akademię Platońską we Florencji i przetłumaczył dzieła wielkiego Greka na łacinę. Idee Arystotelesa powróciły do ​​Europy jeszcze wcześniej, przed renesansem. W epoce renesansu, zdaniem Lutra, to on, a nie Chrystus, „rządził na europejskich uniwersytetach”.

Wraz ze starożytnymi naukami, filozofia naturalna lub filozofia natury. Głoszą ją tacy filozofowie jak B. Telesio, T. Campanella, D. Bruno. W ich pracach rozwijają się idee, że filozofia powinna badać nie nadprzyrodzonego Boga, ale samą naturę, że natura przestrzega swoich wewnętrznych praw, że podstawą wiedzy jest doświadczenie i obserwacja, a nie boskie objawienie, że człowiek jest częścią natury.

Rozprzestrzenianiu się naturalnych poglądów filozoficznych sprzyjały m.in naukowy odkrycia. Głównym był teoria heliocentryczna N. Kopernika, który dokonał prawdziwej rewolucji w poglądach na świat.

Należy jednak zaznaczyć, że ówczesne poglądy naukowe i filozoficzne nadal pozostają pod wyraźnym wpływem religii i teologii. Tego rodzaju pogląd często przybiera formę panteizm, w którym nie zaprzecza się istnieniu Boga, lecz On rozpuszcza się w naturze i utożsamia się z nią. Do tego musimy dodać wpływ tak zwanych nauk okultystycznych – astrologii, alchemii, mistycyzmu, magii itp. Wszystko to dzieje się nawet u takiego filozofa jak D. Bruno.

Najbardziej znaczące zmiany, jakie przyniósł renesans, to kultura artystyczna, sztuka. To właśnie na tym obszarze zerwanie ze średniowieczem okazało się najgłębsze i radykalne.

Sztuka w średniowieczu miała w dużej mierze charakter użytkowy, była wpleciona w samo życie i miała je ozdabiać. W okresie renesansu sztuka po raz pierwszy nabrała samoistnej wartości, stała się niezależnym obszarem piękna. Jednocześnie u postrzegającego widza po raz pierwszy powstaje czysto artystyczne, estetyczne uczucie, po raz pierwszy budzi się miłość do sztuki samej w sobie, a nie celu, któremu służy.

Nigdy wcześniej sztuka nie cieszyła się tak wielkim honorem i szacunkiem. Nawet w starożytnej Grecji praca artysty była zauważalnie gorsza pod względem społecznym od pracy polityka i obywatela. Artysta zajmował jeszcze skromniejsze miejsce w starożytnym Rzymie.

Teraz miejsce i rola artysty w społeczeństwie wzrasta niepomiernie. Po raz pierwszy postrzegany jest jako niezależny i szanowany profesjonalista, naukowiec i myśliciel, wyjątkowa jednostka. W okresie renesansu sztukę postrzegano jako jeden z najpotężniejszych środków wiedzy i jako taką utożsamiano ją z nauką. Leonardo da Vinci postrzega naukę i sztukę jako dwa całkowicie równe sposoby studiowania przyrody. Pisze: „Malarstwo jest nauką i prawowitą córką natury”.

Sztuka jako kreatywność jest jeszcze bardziej ceniona. Artysta renesansu pod względem swoich możliwości twórczych utożsamiany jest z Bogiem Stwórcą. Stąd jasne jest, dlaczego Rafael otrzymał do swojego imienia dodatek „Boski”. Z tych samych powodów „Komedia” Dantego nazywana była także „Boską”.

Głębokie zmiany zachodzą w samej sztuce. Dokonuje zdecydowanego zwrotu od średniowiecznego symbolu i znaku do obrazu realistycznego i wiarygodnego. Środki wyrazu artystycznego stają się nowe. Opierają się obecnie na perspektywie liniowej i powietrznej, trójwymiarowości objętości i doktrynie proporcji. Sztuka dąży we wszystkim do wierności rzeczywistości, do osiągnięcia obiektywności, autentyczności i witalności.

Renesans był przede wszystkim włoski. Nic więc dziwnego, że to właśnie we Włoszech sztuka osiągnęła w tym okresie najwyższy rozkwit i rozkwit. To tutaj pojawiają się dziesiątki nazwisk tytanów, geniuszy, wielkich i po prostu utalentowanych artystów. Świetne nazwiska są też w innych krajach, ale Włochy są bezkonkurencyjne.

Włoski renesans ma zwykle kilka etapów:

• Protorenesans: druga połowa XIII wieku. - XIV wiek
• Wczesny renesans: prawie cały XV wiek.
• Wysoki renesans: koniec XV wieku. - pierwsza tercja XVI w.
• Późny renesans: ostatnie dwie trzecie XVI wieku.

Głównymi postaciami prarenesansu są poeta Dante Alighieri (1265-1321) i malarz Giotto (1266/67-1337).

Los poddał Dantego wielu próbom. Za udział w walce politycznej był prześladowany, błąkał się i zmarł na obcej ziemi, w Rawennie. Jego wkład w kulturę wykracza poza poezję. Pisał nie tylko teksty miłosne, ale także traktaty filozoficzne i polityczne. Dante jest twórcą włoskiego języka literackiego. Nazywany jest czasem ostatnim poetą średniowiecza i pierwszym poetą epoki nowożytnej. Te dwie zasady – stara i nowa – są rzeczywiście ściśle ze sobą powiązane w jego twórczości.

Pierwsze dzieła Dantego – „Nowe życie” i „Uczta” – to liryczne wiersze o treści miłosnej, dedykowane jego ukochanej Beatrice, którą poznał raz we Florencji i która zmarła siedem lat po ich spotkaniu. Poeta zachował tę miłość do końca życia. Teksty Dantego pod względem gatunkowym nawiązują do średniowiecznej poezji dworskiej, gdzie przedmiotem śpiewu jest wizerunek „Pięknej Pani”. Jednak uczucia wyrażone przez poetę należą już do renesansu. Są spowodowane prawdziwymi spotkaniami i wydarzeniami, przepełnione szczerym ciepłem i naznaczone wyjątkową osobowością.

Szczytem twórczości Dantego był "Boska Komedia”, który zajął szczególne miejsce w historii kultury światowej. Wiersz ten w swej konstrukcji wpisuje się także w tradycje średniowieczne. Opowiada o przygodach człowieka, który trafia do zaświatów. Wiersz składa się z trzech części – Piekło, Czyściec i Niebo, z których każda zawiera 33 pieśni zapisane w trzywersowych zwrotkach.

Powtarzająca się liczba „trzy” bezpośrednio nawiązuje do chrześcijańskiej nauki o Trójcy. W trakcie opowieści Dante ściśle przestrzega wielu wymagań chrześcijaństwa. W szczególności nie pozwala swemu towarzyszowi przez dziewięć kręgów piekła i czyśćca – rzymskiemu poecie Wergiliuszowi – wejść do nieba, gdyż poganin jest pozbawiony takiego prawa. Poecie towarzyszy tu jego zmarła ukochana Beatrice.

Jednak w swoich myślach i sądach, w postawie wobec przedstawionych postaci i ich grzechów. Dante często i bardzo znacząco odbiega od nauczania chrześcijańskiego. Więc. zamiast chrześcijańskiego potępienia miłości zmysłowej jako grzechu mówi o „prawie miłości”, zgodnie z którym miłość zmysłowa jest zawarta w naturze samego życia. Dante traktuje miłość Franceski i Paola ze zrozumieniem i współczuciem. choć ich miłość wiąże się ze zdradą męża przez Francescę. Duch renesansu triumfuje u Dantego także w innych przypadkach.

Wśród wybitnych poetów włoskich jest także Francesco Petrarca. W kulturze światowej znany jest przede wszystkim ze swoich sonety. Jednocześnie był wszechstronnym myślicielem, filozofem i historykiem. Słusznie uważany jest za twórcę całej kultury renesansu.

Twórczość Petrarki także wpisuje się częściowo w ramy średniowiecznej liryki dworskiej. Podobnie jak Dante miał kochankę o imieniu Laura, której zadedykował swoją „Księgę pieśni”. Jednocześnie Petrarka bardziej zdecydowanie zrywa związki z kulturą średniowieczną. W jego pracach wyrażane uczucia – miłość, ból, rozpacz, tęsknota – pojawiają się znacznie dotkliwiej i nago. Element osobowy jest w nich silniejszy.

Innym wybitnym przedstawicielem literatury był Giovanniego Boccaccio(1313-1375). autor światowej sławy Dekameron.” Boccaccio zapożycza zasadę konstruowania swojego zbioru opowiadań i zarys fabuły ze średniowiecza. Wszystko inne jest przesiąknięte duchem renesansu.

Głównymi bohaterami opowiadań są zwykli i zwykli ludzie. Są napisane zaskakująco jasnym, żywym, potocznym językiem. Nie ma w nich nudnego moralizowania, wręcz przeciwnie, wiele opowiadań dosłownie błyszczy miłością do życia i zabawy. Fabuła niektórych z nich ma charakter miłosny i erotyczny. Oprócz Dekameronu Boccaccio napisał także opowiadanie Fiametta, uważane za pierwszą powieść psychologiczną w literaturze zachodniej.

Giotto di Bondone jest najwybitniejszym przedstawicielem włoskiego prarenesansu w sztukach pięknych. Jego głównym gatunkiem było malarstwo freskowe. Wszystkie napisane są o tematyce biblijnej i mitologicznej, przedstawiają sceny z życia Świętej Rodziny, ewangelistów i świętych. Jednak w interpretacji tych wątków wyraźnie dominuje zasada renesansu. Giotto w swojej twórczości porzuca średniowieczne konwencje na rzecz realizmu i prawdopodobieństwa. To jemu przypisuje się zasługę wskrzeszenia malarstwa jako odrębnej wartości artystycznej.

Jego prace dość realistycznie przedstawiają naturalny krajobraz, w którym wyraźnie widać drzewa, skały i świątynie. Wszystkie uczestniczące postacie, w tym sami święci, jawią się jako żywe osoby, obdarzone fizycznym ciałem, ludzkimi uczuciami i namiętnościami. Ich ubrania podkreślają naturalne kształty ich ciał. Prace Giotta cechuje jasna barwa i malowniczość, subtelna plastyczność.

Głównym dziełem Giotta jest obraz przedstawiający kaplicę del Arena w Padwie, który opowiada o wydarzeniach z życia Świętej Rodziny. Największe wrażenie robi cykl ścienny, na który składają się sceny z „Ucieczki do Egiptu”, „Pocałunku Judasza” i „Opłakiwania Chrystusa”.

Wszystkie postacie przedstawione na obrazach wyglądają naturalnie i wiarygodnie. Położenie ich ciał, gesty, stan emocjonalny, spojrzenia, twarze – wszystko to ukazane jest z rzadką psychologiczną perswazją. Jednocześnie zachowanie każdego jest ściśle zgodne z przypisaną mu rolą. Każda scena ma swój niepowtarzalny klimat.

Dlatego w scenie „Ucieczka do Egiptu” dominuje powściągliwy i ogólnie spokojny ton emocjonalny. „Pocałunek Judasza” przepełniony jest burzliwą dynamiką, ostrymi i zdecydowanymi działaniami bohaterów, którzy dosłownie zmagają się ze sobą. I tylko dwaj główni uczestnicy – ​​Judasz i Chrystus – zamarli w bezruchu i walczyli oczami.

Szczególną dramaturgię naznaczona jest scena „Żałoba Chrystusa”. Przepełniona jest tragiczną rozpaczą, nieznośnym bólem i cierpieniem, niepocieszonym żalem i smutkiem.

W końcu powstał wczesny renesans nowe zasady estetyczne i artystyczne sztuki. Jednocześnie historie biblijne nadal cieszą się dużą popularnością. Jednak ich interpretacja staje się zupełnie inna, niewiele w niej zostało ze średniowiecza.

Ojczyzna Wczesny renesans Florencja stała się, a architekt uważany jest za „ojców renesansu” Philippe’a Brunelleschiego(1377-1446), rzeźbiarz Donatello(1386-1466). malarz Masaccio (1401 -1428).

Brunelleschi wniósł ogromny wkład w rozwój architektury. Położył podwaliny architektury renesansowej i odkrył nowe formy, które przetrwały wieki. Zrobił wiele, aby opracować prawa perspektywy.

Najważniejszym dziełem Brunelleschiego było wzniesienie kopuły nad ukończoną już konstrukcją katedry Santa Maria del Fiore we Florencji. Stanął przed niezwykle trudnym zadaniem, gdyż wymagana kopuła musiała być ogromnych rozmiarów – około 50 m średnicy. Dzięki oryginalnemu projektowi genialnie pokonuje trudną sytuację. Dzięki znalezionemu rozwiązaniu nie tylko sama kopuła okazała się zaskakująco lekka i jakby unosiła się nad miastem, ale cała budowla katedry nabrała harmonii i majestatu.

Nie mniej pięknym dziełem Brunelleschiego była słynna Kaplica Pazzi, wzniesiona na dziedzińcu kościoła Santa Croce we Florencji. Jest to niewielka budowla na planie prostokąta, nakryta pośrodku kopułą. Wnętrze wyłożone jest białym marmurem. Podobnie jak inne budynki Brunelleschi, kaplica wyróżnia się prostotą i przejrzystością, elegancją i wdziękiem.

Twórczość Brunelleschiego wyróżnia się tym, że wykracza poza budynki sakralne i tworzy wspaniałe budowle architektury świeckiej. Doskonałym przykładem takiej architektury jest dom schroniska edukacyjnego, zbudowany na planie litery „P”, z zadaszoną galerią-loggią.

Florencki rzeźbiarz Donatello jest jednym z najwybitniejszych twórców wczesnego renesansu. Pracował w różnych gatunkach, wszędzie pokazując prawdziwą innowację. Donatello w swojej twórczości wykorzystuje dziedzictwo starożytne, opierając się na głębokim badaniu natury, odważnie aktualizując środki wyrazu artystycznego.

Bierze udział w rozwoju teorii perspektywy linearnej, ożywia rzeźbiarski portret i obraz nagiego ciała, odlewa pierwszy pomnik z brązu. Tworzone przez niego obrazy są ucieleśnieniem humanistycznego ideału harmonijnie rozwiniętej osobowości. Donatello swoją twórczością wywarł ogromny wpływ na dalszy rozwój rzeźby europejskiej.

Dążenie Donatello do idealizowania portretowanej osoby jest wyraźnie widoczne w posąg młodego Dawida. W tej pracy David jawi się jako młody, piękny młodzieniec, pełen siły psychicznej i fizycznej. Piękno jego nagiego ciała podkreśla wdzięcznie wygięty tors. Młoda twarz wyraża zamyślenie i smutek. Po tym posągu pojawiła się cała seria nagich postaci w rzeźbie renesansowej.

Zasada bohaterstwa brzmi mocno i wyraźnie posąg św. Jerzy, który stał się jednym ze szczytów twórczości Donatello. Tutaj w pełni udało mu się ucieleśnić ideę silnej osobowości. Przed nami wysoki, szczupły, odważny, spokojny i pewny siebie wojownik. W tej pracy mistrz twórczo rozwija najlepsze tradycje rzeźby starożytnej.

Klasycznym dziełem Donatello jest brązowy posąg dowódcy Gattamelatty, pierwszy pomnik jeździecki w sztuce renesansu. Tutaj wielki rzeźbiarz osiąga najwyższy poziom uogólnienia artystycznego i filozoficznego, co przybliża to dzieło do starożytności.

Jednocześnie Donatello stworzył portret specyficznej i niepowtarzalnej osobowości. Dowódca jawi się jako prawdziwy bohater renesansu, osoba odważna, spokojna, pewna siebie. Posąg wyróżnia lakoniczna forma, wyraźna i precyzyjna plastyczność oraz naturalność pozy jeźdźca i konia. Dzięki temu pomnik stał się prawdziwym arcydziełem rzeźby monumentalnej.

W ostatnim okresie swojej twórczości Donatello tworzy brązową grupę „Judith and Holofernes”. Dzieło to jest pełne dynamiki i dramatyzmu: Judyta ukazana jest w momencie, gdy podnosi miecz nad już rannym Holofernesem. żeby go wykończyć.

Masaccio słusznie uważany jest za jedną z głównych postaci wczesnego renesansu. Kontynuuje i rozwija trendy wywodzące się od Giotto. Masaccio żył zaledwie 27 lat i niewiele udało mu się zrobić. Jednak stworzone przez niego freski stały się prawdziwą szkołą malarstwa dla kolejnych włoskich artystów. Zdaniem Vasariego, współczesnego okresu renesansu i autorytatywnego krytyka, „żaden mistrz nie zbliżył się tak do mistrzów współczesnych jak Masaccio”.

Głównym dziełem Masaccio są freski w kaplicy Brancaccich w kościele Santa Maria del Carmine we Florencji, opowiadające o epizodach z legend o św. Piotrze, a także przedstawiające dwie sceny biblijne - „Upadek” i „Wypędzenie z raju”. ”

Choć freski opowiadają o cudach dokonanych przez św. Piotrze, nie ma w nich nic nadprzyrodzonego ani mistycznego. Przedstawieni Chrystus, Piotr, apostołowie i inni uczestnicy wydarzeń sprawiają wrażenie całkowicie ziemskich ludzi. Są obdarzeni indywidualnymi cechami i zachowują się całkowicie naturalnie i po ludzku. Szczególnie w scenie „Chrztu” zaskakująco wiarygodnie ukazano nagiego młodzieńca drżącego z zimna. Masaccio buduje swoją kompozycję wykorzystując nie tylko perspektywę linearną, ale także powietrzną.

Z całego cyklu zasługuje na szczególne wyróżnienie fresk „Wypędzenie z raju”. To prawdziwe arcydzieło malarstwa. Fresk jest niezwykle lakoniczny, nie ma w nim nic zbędnego. Na tle niewyraźnego krajobrazu wyraźnie widać postacie Adama i Ewy, które opuściły bramy Raju, nad którymi unosi się anioł z mieczem. Cała uwaga skupiona jest na Mamie i Ewie.

Masaccio jako pierwszy w historii malarstwa potrafił tak przekonująco i autentycznie namalować nagie ciało, oddać jego naturalne proporcje, nadać mu stabilność i ruch. Równie przekonujący i jasno wyrażony jest stan wewnętrzny bohaterów. Idąc szeroko, Adam ze wstydem spuścił głowę i zakrył twarz rękami. Łkająca Ewa odchyliła głowę w rozpaczy z otwartymi ustami. Ten fresk otwiera nową erę w sztuce.

To, co zrobił Masaccio, było kontynuowane przez takich artystów jak Andrea Mantegna(1431 -1506) i Sandro Botticellego(1455-1510). Pierwsza zasłynęła przede wszystkim dzięki malarstwu, wśród których szczególne miejsce zajmują freski opowiadające o ostatnich epizodach z życia św. Jakuba – procesja na egzekucję i sama egzekucja. Botticelli preferował malarstwo sztalugowe. Jego najbardziej znane obrazy to „Wiosna” i „Narodziny Wenus”.

Od końca XV wieku, kiedy sztuka włoska osiągnęła swój najwyższy rozkwit, Wysoki renesans. Dla Włochów okres ten okazał się niezwykle trudny. Rozdrobniony, a przez to bezbronny, został dosłownie zdewastowany, splądrowany i wykrwawiony przez najazdy Francji, Hiszpanii, Niemiec i Turcji. Jednak sztuka w tym okresie, co dziwne, doświadczyła niespotykanego rozkwitu. To właśnie w tym czasie stworzyli tytani tacy jak Leonardo da Vinci. Rafał. Michał Anioł, Tycjan.

W architekturze początek wysokiego renesansu kojarzony jest z kreatywnością Donato Bramante(1444-1514). To on stworzył styl, który zadecydował o rozwoju architektury tego okresu.

Jednym z jego wczesnych dzieł był kościół klasztoru Santa Maria della Grazie w Mediolanie, w którego refektarzu Leonardo da Vinci namalował swój słynny fresk „Ostatnia wieczerza”. Jego sława zaczyna się od małej kaplicy zwanej Tempetto(1502), zbudowany w Rzymie, który stał się swego rodzaju „manifestem” Wysokiego Renesansu. Kaplica ma kształt rotundy, wyróżnia się prostotą środków architektonicznych, harmonią części i rzadką wyrazistością. To naprawdę małe arcydzieło.

Szczytem twórczości Bramantego jest rekonstrukcja Watykanu i przekształcenie jego budynków w jeden zespół. Opracował także projekt katedry św. Piotra, w którym Michał Anioł dokona zmian i zacznie je wdrażać.

Zobacz też: Michał Anioł Buonarroti

W sztuce włoskiego renesansu szczególne miejsce zajmuje Wenecja. Szkoła, która się tu rozwinęła, różniła się znacząco od szkół florenckich, rzymskich, mediolańskich czy bolońskich. Ci drudzy skłaniali się ku stabilnym tradycjom i ciągłości, nie byli skłonni do radykalnej odnowy. To na tych szkołach opierał się klasycyzm XVII wieku. i neoklasycyzm kolejnych wieków.

Szkoła wenecka stanowiła dla nich swego rodzaju przeciwwagę i antypod. Panował tu duch innowacji i radykalnej, rewolucyjnej odnowy. Spośród przedstawicieli innych szkół włoskich Leonardo był najbliżej Wenecji. Być może właśnie tutaj jego pasja poszukiwań i eksperymentów znalazła należyte zrozumienie i uznanie. W słynnym sporze pomiędzy „starymi i nowymi” artystami, ten ostatni oparł się na przykładzie Wenecji. To tu zrodziły się tendencje, które doprowadziły do ​​baroku i romantyzmu. I chociaż romantycy czcili Rafaela, ich prawdziwymi bogami byli Tycjan i Weronese. W Wenecji El Greco otrzymał ładunek twórczy, który pozwolił mu wstrząsnąć malarstwem hiszpańskim. Velázquez przejeżdżał przez Wenecję. To samo można powiedzieć o flamandzkich artystach Rubensie i Van Dycku.

Jako miasto portowe Wenecja znalazła się na skrzyżowaniu szlaków gospodarczych i handlowych. Był pod wpływem północnych Niemiec, Bizancjum i Wschodu. Wenecja stała się miejscem pielgrzymek wielu artystów. A. Durer był tu dwukrotnie – pod koniec XV wieku. i początek XVI w. Odwiedził ją Goethe (1790). Wagner przysłuchiwał się tu śpiewowi gondolierów (1857), pod którego wpływem napisał drugi akt Tristana i Izoldy. Nietzsche słuchał także śpiewu gondolierów, nazywając go śpiewem duszy.

Bliskość morza przywoływała raczej płynne i ruchome formy niż wyraźne struktury geometryczne. Wenecja skłaniała się nie tyle do rozumu ze swoimi rygorystycznymi zasadami, ile do uczuć, z których narodziła się niesamowita poezja sztuki weneckiej. Tematem tej poezji była natura – jej widzialna i namacalna materialność, kobieta – ekscytujące piękno jej ciała, muzyka – zrodzona z gry kolorów i światła oraz z czarujących dźwięków uduchowionej natury.

Artyści szkoły weneckiej preferowali nie formę i projektowanie, ale kolor, grę światła i cienia. Przedstawiając naturę, starali się oddać jej impulsy i ruch, zmienność i płynność. Piękno kobiecego ciała widzieli nie tyle w harmonii form i proporcji, ile w samym żywym i czującym ciele.

Realistyczna wiarygodność i autentyczność nie były dla nich wystarczające. Starali się odkryć bogactwa tkwiące w samym malarstwie. To Wenecji należy się zasługa odkrycia czystej zasady obrazowości, czyli malowniczości w czystej postaci. Artyści weneccy jako pierwsi pokazali możliwość oddzielenia malarstwa od przedmiotów i formy, możliwość rozwiązywania problemów malarskich za pomocą jednego koloru, środków czysto obrazowych, możliwość traktowania malarstwa jako celu samego w sobie. Całe późniejsze malarstwo, oparte na ekspresji i wyrazistości, będzie podążać tą drogą. Według niektórych ekspertów od Tycjana można przejść do Rubensa i Rembrandta, następnie do Delacroix, a od niego do Gauguina, Van Gogha, Cezanne’a itp.

Założycielem szkoły weneckiej jest Giorgione(1476-1510). W swojej pracy zachował się jak prawdziwy innowator. W końcu zwycięża go zasada świecka i zamiast o tematyce biblijnej woli pisać o tematyce mitologicznej i literackiej. W jego twórczości utrwalił się obraz sztalugowy, który nie przypomina już ikony ani obrazu ołtarzowego.

Giorgione otwiera nową erę w malarstwie, będąc pierwszym, który malował z życia. Przedstawiając naturę, po raz pierwszy przenosi nacisk na mobilność, zmienność i płynność. Doskonałym tego przykładem jest jego obraz „Burza z piorunami”. To Giorgione zaczął szukać tajemnicy malarstwa w świetle i jego przejściach, w grze światła i cienia, będąc prekursorem Caravaggia i caravaggizmu.

Giorgione stworzył dzieła różnych gatunków i tematów - „Koncert wiejski” i „Judith”. Jego najsłynniejszym dziełem było „Śpiąca Wenus”" To zdjęcie jest pozbawione jakiejkolwiek fabuły. Gloryfikuje piękno i urok nagiego kobiecego ciała, przedstawiając „nagość samą w sobie”.

Dyrektorem szkoły weneckiej jest tycjanowski(ok. 1489-1576). Jego twórczość – obok dzieł Leonarda, Rafaela i Michała Anioła – jest szczytem sztuki renesansu. Większość swojego długiego życia spędził w okresie późnego renesansu.

W dziele Tycjana sztuka renesansu osiąga swój najwyższy wzrost i rozkwit. Jego prace łączą twórcze poszukiwania i innowację Leonarda, piękno i doskonałość Rafaela, duchową głębię, dramat i tragedię Michała Anioła. Cechuje je niezwykła zmysłowość, dzięki czemu wywierają potężny wpływ na widza. Dzieła Tycjana są zaskakująco muzyczne i melodyjne.

Jak zauważa Rubens, wraz z Tycjanem swój smak nabrało malarstwo, a według Delacroix i Van Gogha muzyka. Jego płótna malowane są otwartą kreską, a jednocześnie lekkie, swobodne i przejrzyste. To właśnie w jego pracach kolor zdaje się rozpuszczać i wchłaniać formę, a zasada obrazowości po raz pierwszy zyskuje autonomię i pojawia się w czystej postaci. Realizm w jego twórczości zamienia się w czarujący i subtelny liryzm.

W dziełach pierwszego okresu Tycjan gloryfikuje beztroską radość życia, korzystanie z dóbr ziemskich. Wychwala zasadę zmysłowości, ludzkie ciało tryskające zdrowiem, wieczne piękno ciała, fizyczną doskonałość człowieka. Temu poświęcone są jego obrazy, takie jak „Miłość ziemska i niebiańska”, „Święto Wenus”, „Bachus i Ariadna”, „Danae”, „Wenus i Adonis”.

Na obrazie dominuje zasada zmysłowości „Pokutująca Magdalena”, chociaż jest poświęcony sytuacji dramatycznej. Ale i tutaj skruszony grzesznik ma zmysłowe ciało, urzekające ciało promieniujące światłem, pełne i zmysłowe usta, różowe policzki i złote włosy. Płótno „Chłopiec z psami” przepełnione jest uduchowionym liryzmem.

W twórczości drugiego okresu zasada zmysłowości zostaje zachowana, ale uzupełnia ją narastający psychologizm i dramatyzm. Ogólnie rzecz biorąc, Tycjan dokonuje stopniowego przejścia od tego, co fizyczne i zmysłowe, do duchowego i dramatycznego. Zachodzące zmiany w twórczości Tycjana są wyraźnie widoczne we wcieleniu tematów i tematów, którymi wielki artysta poruszał się dwukrotnie. Typowym przykładem w tym zakresie jest obraz „Święty Sebastian”. W pierwszej wersji los samotnego, porzuconego przez ludzi cierpiącego nie wydaje się zbyt smutny. Wręcz przeciwnie, przedstawiony święty jest obdarzony witalnością i pięknem fizycznym. W późniejszej wersji obrazu, znajdującej się w Ermitażu, ten sam obraz nabiera cech tragedii.

Jeszcze bardziej uderzającym przykładem są warianty obrazu „Koronacja cierniowa” poświęconego epizodowi z życia Chrystusa. W pierwszym z nich przechowywanym w Luwrze. Chrystus jawi się jako fizycznie piękny i silny sportowiec, zdolny odeprzeć swoich gwałcicieli. W monachijskiej wersji, powstałej dwadzieścia lat później, ten sam epizod jest przekazywany znacznie głębiej, bardziej kompleksowo i wymownie. Chrystus ukazany jest w białym płaszczu, ma zamknięte oczy, spokojnie znosi bicie i upokorzenie. Teraz najważniejsze nie jest ukoronowanie i bicie, nie zjawisko fizyczne, ale psychiczne i duchowe. Obraz przepełniony jest głęboką tragedią, wyraża triumf ducha, duchowej szlachetności nad siłą fizyczną.

W późniejszych dziełach Tycjana tragiczny dźwięk staje się coraz bardziej intensywny. Świadczy o tym obraz „Opłakiwanie Chrystusa”.

Strona 20 z 23

Sztuka renesansu

Renesans to nowy etap w historii kultury światowej. W tym czasie położono podwaliny współczesnej nauki, w szczególności nauk przyrodniczych, literatura osiągnęła wysoki poziom, a wraz z wynalezieniem druku otrzymała niespotykane dotąd możliwości dystrybucji. Jednocześnie wyłonił się system realistyczny w sztuce. Termin „renesans” zaczęto używać już w XVI wieku. w odniesieniu do sztuk pięknych. O odrodzeniu się sztuki we Włoszech po długich latach upadku w średniowieczu pisał autor Żywotów najsłynniejszych malarzy, rzeźbiarzy i architektów (1550), artysta Giorgio Vasari. Później pojęcie „renesansu” nabrało szerokiego znaczenia.

Kultura renesansu (Rinascimento – po włosku, Renaissance – po francusku) powstała w Europie, na najbardziej rozwiniętych gospodarczo obszarach, gdzie dojrzały warunki przejścia od feudalizmu do początkowego etapu kapitalizmu.

Ze szczególną konsekwencją i siłą nowa kultura objawiła się w miastach włoskich, co już na przełomie XIV-XV wieku. wkroczył na ścieżkę rozwoju kapitalistycznego; Rozprzestrzenił się w Holandii, a także w niektórych miastach Renu i południowych Niemiec w XV wieku. Krąg wpływów kultury renesansowej był jednak znacznie szerszy i obejmował tereny Francji, Hiszpanii, Anglii, Czech i Polski, gdzie z różną siłą i w specyficznych formach pojawiały się nowe nurty.

Kultura renesansu opiera się na zasadzie humanizmu, afirmacji godności i piękna człowieka, jego umysłu i woli, jego mocy twórczych. W przeciwieństwie do kultury średniowiecza, humanistyczna, afirmująca życie kultura renesansu miała charakter świecki. Wyzwolenie się od kościelnej scholastyki i dogmatyki przyczyniło się do powstania nauki. Namiętne pragnienie poznania realnego świata i zachwyt nad nim doprowadziło do refleksji w sztuce nad najróżniejszymi aspektami rzeczywistości i nadało majestatyczny patos i głęboki wgląd w najważniejsze dzieła artystów.

Nowe zrozumienie dziedzictwa starożytnego miało ogromne znaczenie w rozwoju sztuki renesansu. Największy wpływ na kształtowanie się kultury renesansowej wywarł wpływ starożytności we Włoszech, gdzie zachowało się wiele zabytków starożytnej sztuki rzymskiej. Zwycięstwo zasady świeckiej w kulturze renesansu było konsekwencją społecznej afirmacji rosnącej siły burżuazji. Jednak humanistyczna orientacja sztuki renesansu, jej optymizm i heroiczny charakter obrazów obiektywnie wyrażały interesy nie tylko młodej burżuazji, ale także wszystkich postępowych warstw społeczeństwa jako całości.

Sztuka renesansu ukształtowała się w warunkach, w których zachwiały się podstawy feudalnego stylu życia, a stosunki burżuazyjno-kapitalistyczne z całą ich moralnością kupiecką i bezduszną hipokryzją nie nabrały jeszcze kształtu. Skutki kapitalistycznego podziału pracy, szkodliwe dla rozwoju jednostki, nie zdążyły się jeszcze ujawnić; odwaga, inteligencja, zaradność, siła charakteru nie straciły jeszcze na znaczeniu. Stworzyło to iluzję nieskończoności w dalszym postępującym rozwoju ludzkich zdolności. Ideał tytanicznej osobowości został potwierdzony w sztuce. Sztuka renesansu miała charakter społeczny. To właśnie ta cecha przybliża go do sztuki klasycznej Grecji. Jednocześnie w sztuce renesansu, zwłaszcza w późnym okresie, ucieleśniał się wizerunek osoby, w którym cechy indywidualnej oryginalności łączyły się z cechami typowymi społecznie.

Malarstwo przeżyło niespotykany dotąd rozkwit, odsłaniając ogromne możliwości w przedstawianiu zjawisk życiowych, człowieka i jego otoczenia. Rozwój nauk, rozwój perspektywy linearnej, a następnie powietrznej, badanie proporcji i anatomii człowieka – wszystko to przyczyniło się do ugruntowania się w malarstwie metody polegającej na przedstawianiu rzeczywistości za pomocą obrazów samej rzeczywistości.

Nowe wymagania stojące przed sztuką doprowadziły do ​​wzbogacenia jej typów i gatunków.
W monumentalnym malarstwie włoskim dominował fresk. Od XV wieku Coraz ważniejsze miejsce zajmuje malarstwo sztalugowe, w którego rozwoju szczególną rolę odegrali mistrzowie holenderscy. Wraz z istniejącymi wcześniej gatunkami malarstwa religijnego i mitologicznego, które nabrały nowych znaczeń, na pierwszy plan wysunął się portret, pojawiło się malarstwo historyczne i pejzażowe.

W Niemczech i Holandii, gdzie ruchy ludowe stworzyły zapotrzebowanie na sztukę szybko i aktywnie reagującą na bieżące wydarzenia, grawerowanie stało się powszechne i często było wykorzystywane do ozdabiania książek.

Zapoczątkowany w średniowieczu proces izolowania rzeźby dobiegł końca: wraz z rzeźbą dekoracyjną zdobiącą budynki pojawiła się samodzielna rzeźba okrągła – sztalugowa i monumentalna. Dekoracyjny relief nabrał charakteru perspektywicznie skonstruowanej kompozycji wielofigurowej.

Ideały humanizmu wyrażały się w architekturze, w wyraźnym, harmonijnym wyglądzie budynków, w klasycznym języku ich form, w ich proporcjach i skalach związanych z człowiekiem.

Zmienił się charakter sztuki użytkowej, zapożyczając formy i motywy zdobnictwa z życia i starożytności, kojarząc się nie tyle z kościołem, ile ze zakonami świeckimi. Jego ogólnie pogodny charakter, szlachetność form i kolorów odzwierciedlała poczucie jedności stylu, właściwe wszystkim rodzajom sztuki renesansu, stanowiącym syntezę sztuki opartą na równej współpracy wszystkich jej rodzajów.

Sztuka renesansu przechodziła przez etapy wczesne (XV w., odpowiada czasowi pojawienia się produkcji kapitalistycznej w poszczególnych miastach Włoch, Niemiec, Holandii), wysokie (lata 90. XV w. – pierwsza tercja XVI w.) i późnego renesansu (druga połowa XVI w.).
W różnych krajach objawiało się to różnie. Na przykład w Holandii nie było okresu wysokiego renesansu. Klasycznym krajem renesansu były Włochy, gdzie wyraźnie wyodrębniono okresy tzw. Protorenesansu (zwiastuna renesansu), wczesnego, wysokiego i późnego renesansu, a w ramach późnego renesansu wraz z upowszechniła się sztuka humanistyczna, dekadencki kierunek manierystyczny, który nie przyczynia się do poznania rzeczywistości.

W drugiej połowie XVI w. W Europie Zachodniej wyłania się kryzys kultury duchowej, wywołany głębokimi wstrząsami społecznymi – tzw. rewolucją cenową, która wywołała daleko idące zmiany społeczne – pauperyzację mas, unicestwienie klas feudalnych, wojny domowe we Francji , starcia polityczne związane z rewolucją holenderską, gwałtowny atak kontrreformacji. W podzielonych Włoszech, podobnie jak w Niemczech, utrwala się drobnoksiążęcy despotyzm. W Europie ogłasza się kampanię przeciwko humanizmowi we wszystkich jego przejawach. Jednakże humanizm był zjawiskiem zbyt potężnym i żywotnym, aby zaniknąć bez heroicznej walki o swoje wzniosłe ideały. W tych warunkach późnej, końcowej fazy renesansu rodzi się „tragiczny humanizm”, odsłaniając głębiej sprzeczności między osobowością człowieka a otaczającym ją społeczeństwem, okrutną przepaść pomiędzy ideałami renesansu a zaczynającymi się zacierać wrogimi siłami antyhumanistycznymi. zwycięstwo w społeczeństwie zostało zrealizowane. Oprócz Włoch, późny renesans przeżywają także Holandia, Francja i Anglia. Na tym etapie rodzą się najbogatsze i najbardziej dojrzałe owoce renesansu w sztuce i literaturze - kwitnie w nich realizm, przepełniony wewnętrzną tragedią.

Sztuka włoska renesansu miała wyjątkowy charakter i na wszystkich etapach prawie trzech wieków rozwoju osiągnęła wyjątkowe wyżyny twórcze. Ogrom kultury renesansu, ogromna liczba wybitnych dzieł w porównaniu z niewielkimi obszarami, na których powstały, wciąż budzą zdziwienie i podziw. Rozwijały się wszelkie formy sztuki. W różnych regionach Włoch rozwinęły się lokalne szkoły malarstwa, wychowując artystów, których twórcze poszukiwania znalazły najwyższe zastosowanie w sztuce tytanów renesansu - Leonarda da Vinci, Rafaela, Michała Anioła, Tycjana.

Sztuka zyskała ogromną rolę w życiu publicznym, stała się pilną potrzebą ówczesnego człowieka. Wznoszenie budynków użyteczności publicznej uznawano za sprawę o znaczeniu obywatelskim, a otwarcie najważniejszych zabytków zamieniono w święta narodowe.

Pierwsze powstanie nowej kultury we Włoszech datuje się na XII – XIII wiek. Północnowłoskie miasta stanu, na czele z Wenecją, przejęły handel pośredni między Europą Zachodnią a Wschodem. Florencja, Siena i Mediolan stają się głównymi ośrodkami produkcji rękodzielniczej. Władza polityczna w nich była skupiona w rękach kupców i rzemieślników, zjednoczeni w cechy, aktywnie przeciwstawiali się lokalnym panom feudalnym i pomagali odeprzeć najazd obcych zdobywców (głównie cesarzy niemieckich). W warunkach niezależności politycznej w miastach powstały nowe formy struktury kapitalistycznej. Zmiany te spowodowały zasadnicze zmiany w światopoglądzie i kulturze, które w starożytności charakteryzowały się zainteresowaniem człowiekiem jako myślącą i czującą osobowością. Na wczesnym etapie ery przejściowej kultura była w dużej mierze sprzeczna, nowe często współistniało ze starym lub przybierało tradycyjne formy.

Zdecydowany zwrot w kierunku przezwyciężenia tradycji średniowiecznej w sztuce włoskiej nastąpił w XV wieku. (quattrocento). W tym czasie zaczęły pojawiać się różne szkoły terytorialne, torując drogę metodzie realistycznej. Florencja pozostaje wiodącym ośrodkiem kultury humanistycznej i sztuki realistycznej.

Sztuka wysokiego renesansu sięga końca XV wieku. i pierwsze trzy dekady
XVI wiek „Złoty wiek” sztuki włoskiej był chronologicznie bardzo krótki i jedynie w Wenecji trwał dłużej, bo do połowy stulecia. Ale to właśnie w tym czasie powstały wspaniałe dzieła tytanów renesansu.

Najwyższy rozwój kultury nastąpił w najtrudniejszym okresie historycznym w życiu Włoch, w warunkach gwałtownego osłabienia gospodarczego i politycznego państw włoskich. Podboje tureckie na Wschodzie, odkrycie Ameryki i nowy szlak morski do Indii pozbawiają włoskie miasta roli najważniejszych ośrodków handlowych; brak jedności i ciągła wewnętrzna wrogość czynią z nich łatwy łup dla coraz bardziej scentralizowanych stanów północno-zachodnich. Przepływ kapitału w kraju z handlu i przemysłu do rolnictwa oraz stopniowe przekształcanie się burżuazji w klasę obszarników przyczyniło się do szerzenia się reakcji feudalnej. Najazd wojsk francuskich w 1494 r., wyniszczające wojny pierwszych dziesięcioleci XVI wieku i klęska Rzymu znacznie osłabiły Włochy. To właśnie w tym czasie, gdy nad krajem zawisła groźba jego całkowitego zniewolenia przez obcych zdobywców, ujawniła się siła narodu wkraczającego w walkę o niepodległość narodową, o republikańską formę rządów i jego samoświadomość narodową rósł. Świadczą o tym ruchy ludowe z początku XVI wieku. w wielu miastach włoskich, a zwłaszcza we Florencji, gdzie dwukrotnie ustanowiono rządy republikańskie: od 1494 do 1512 i od 1527 do 1530. Ogromny wzrost społeczny stał się podstawą rozkwitu potężnej kultury wysokiego renesansu. W trudnych warunkach pierwszych dziesięcioleci XVI w. Powstały zasady kultury i sztuki nowego stylu.

Charakterystyczną cechą kultury wysokiego renesansu było niezwykłe poszerzenie horyzontów społecznych jej twórców, skala ich wyobrażeń o świecie i przestrzeni. Zmienia się pogląd człowieka i jego stosunek do świata. Sam typ artysty, jego światopogląd i pozycja w społeczeństwie zdecydowanie odbiegają od tej, jaką zajmowano przez mistrzów XV wieku, wciąż w dużej mierze kojarzonych z klasą rzemieślników. Artyści wysokiego renesansu byli nie tylko ludźmi wielkiej kultury, ale jednostkami twórczymi, wolnymi od ram cechowych, zmuszających przedstawicieli klas panujących do uwzględnienia ich pomysłów.

W centrum ich twórczości, uogólnionej w języku artystycznym, znajduje się obraz idealnie pięknej osoby, doskonałej fizycznie i duchowo, nie oderwanej od rzeczywistości, ale wypełnionej życiem, wewnętrzną siłą i znaczeniem, tytaniczną siłą samoafirmacji. Najważniejsze ośrodki nowej sztuki wraz z Florencją na początku XVI wieku. stać się papieskim Rzymem i patrycjuszowską Wenecją. Od lat 30. w środkowych Włoszech narasta reakcja feudalno-katolicka,
a wraz z nim rozprzestrzenia się dekadencki ruch w sztuce zwany manieryzmem. I już w drugiej połowie XVI wieku. ujawniają się tendencje sztuki antymanierystycznej.

W tym późnym okresie, kiedy swoją rolę zachowują jedynie pojedyncze ośrodki kultury renesansowej, to właśnie one tworzą najważniejsze dzieła o wartości artystycznej. Są to późne dzieła Michała Anioła, Palladia i wielkich Wenecjan.

Druga połowa XVI wieku była złożonym okresem przejściowym w sztuce Wenecji, naznaczonym przeplataniem się różnorodnych nurtów. Wraz z nasilającym się kryzysem gospodarczym w Wenecji i narastającą reakcją feudalno-katolicką w całych Włoszech, w kulturze weneckiej miało miejsce stopniowe przejście od ideałów artystycznych wysokiego renesansu do późnego renesansu. Postrzeganie świata staje się bardziej złożone, zależność człowieka od środowiska jest bardziej urzeczywistniona, rozwijają się idee dotyczące zmienności życia, a ideały harmonii i integralności wszechświata zostają utracone.

Rodzaj ośrodka sztuki renesansowej XV–XVI w. była Holandia – jeden z najbogatszych i najbardziej rozwiniętych krajów w Europie, która skutecznie konkurowała w handlu i przemyśle z miastami Włoch i stopniowo wypierała je z rynku światowego. Proces kształtowania się kultury renesansowej przebiegał jednak w Holandii wolniej niż we Włoszech i towarzyszyły mu kompromisy między starym a nowym. Do końca XIV wieku. Sztuka holenderska rozwijała się w formach tradycyjnie religijnych, chłonąc zaawansowane osiągnięcia gotyku francuskiego i niemieckiego. Początek samodzielnego rozwoju sztuki datuje się na koniec XIV w., kiedy to pod panowaniem książąt burgundzkich (1363–1477) pod przymusem połączono prowincje niderlandzkie w niezależne państwo „pośrednie” (Engels) położone pomiędzy Francja i Niemcy; obejmował Flandrię, Holandię i liczne prowincje pomiędzy Mozą a Skaldą. Heterogeniczne pod względem etnicznym, gospodarczym i politycznym, posługujące się różnymi dialektami pochodzenia romańskiego i germańskiego, prowincje te i ich miasta tworzyły dopiero pod koniec XVI wieku jedno państwo narodowe. Wraz z szybkim wzrostem gospodarczym, demokratycznym ruchem miast wolnego handlu i rzemiosła oraz przebudzeniem w nich samoświadomości narodowej, rozkwita kultura pod wieloma względami podobna do włoskiego renesansu. Głównymi ośrodkami nowej sztuki i kultury były bogate miasta południowych prowincji Flandrii i Brabancji (Brugia, Gandawa, Bruksela, Tournai, a później Antwerpia). Miejska kultura mieszczańska z kultem trzeźwej praktyczności rozwinęła się tu obok bujnej kultury dworu książęcego, która wyrosła na ziemi francusko-burgundzkiej.

Specyfika rozwoju historycznego Holandii zdeterminowała wyjątkową kolorystykę sztuki. Feudalne podstawy i tradycje przetrwały tu aż do końca XVI wieku, choć pojawienie się stosunków kapitalistycznych, które przełamały izolację klasową, doprowadziło do zmiany oceny osobowości ludzkiej w stosunku do rzeczywistego miejsca, jakie zaczęła ona zajmować w życie. Miasta holenderskie nie uzyskały niezależności politycznej, jaką posiadały miasta gminne we Włoszech. Jednocześnie, dzięki ciągłemu przemieszczaniu się przemysłu na wieś, rozwój kapitalistyczny przeniknął do głębszych warstw społeczeństwa Holandii, kładąc podwaliny pod dalszą jedność narodową i wzmocnienie ducha korporacyjnego, który spajał określone grupy społeczne. Ruch wyzwoleńczy nie ograniczał się do miast. Decydującą siłą bojową było w nim chłopstwo. Dlatego walka z feudalizmem przybrała ostrzejsze formy. Pod koniec XVI w. przekształcił się w potężny ruch reformacyjny i zakończył się zwycięstwem rewolucji burżuazyjnej.

Sztuka holenderska nabrała bardziej demokratycznego charakteru niż sztuka włoska.
Ma silne cechy folkloru, fantastyki, groteski, ostrej satyry, ale jego główną cechą jest głębokie poczucie narodowej wyjątkowości życia, ludowych form kultury, sposobu życia, moralności, typów, a także przejaw kontrastów społecznych w życiu różnych warstw społeczeństwa. Sprzeczności społeczne w życiu społeczeństwa, panowanie w nim wrogości i przemocy, różnorodność przeciwstawnych sił pogłębiały świadomość jego dysharmonii. Stąd krytyczne tendencje holenderskiego renesansu, przejawiające się w rozkwicie wyrazistej, a czasem tragicznej groteski w sztuce i literaturze, często ukrytej pod pozorem żartu, „aby z uśmiechem mówić królom prawdę” (Erasmus z Rotterdamu). słowo pochwały za głupotę”). Kolejną cechą holenderskiej kultury artystycznej renesansu jest stałość tradycji średniowiecznych, która w dużej mierze zdeterminowała charakter holenderskiego realizmu w XV–XVI w. Wszystko, co nowe, odkrywane ludziom przez długi okres czasu, zostało zastosowane do starego średniowiecznego systemu poglądów, co ograniczało możliwości samodzielnego kształtowania się nowych poglądów, ale jednocześnie zmuszało ich do przyswojenia cennych elementów zawartych w tym system.

Zainteresowanie naukami ścisłymi, dziedzictwem starożytnym i włoskim renesansem pojawiło się w Holandii już w XV wieku. W XVI wieku za pomocą swoich „powiedzeń” (1500) Erazm z Rotterdamu „rozwikłał tajemnicę tajemnic” uczonych i wprowadził żywą, miłującą wolność starożytną mądrość w codzienne życie szerokich kręgów „niewtajemniczonych”. Jednak w sztuce, sięgając do osiągnięć dziedzictwa starożytnego i Włochów renesansu, artyści holenderscy podążali własną drogą. Intuicja zastąpiła naukowe podejście do przedstawiania natury. Rozwój głównych problemów sztuki realistycznej - opanowania proporcji postaci ludzkiej, konstruowania przestrzeni, objętości itp. - został osiągnięty poprzez wnikliwą bezpośrednią obserwację konkretnych indywidualnych zjawisk. W tym przypadku holenderscy mistrzowie podążali za narodową tradycją gotyku, którą z jednej strony przezwyciężyli, a z drugiej przemyśleli i rozwinęli w kierunku świadomego, celowego uogólnienia obrazu, komplikując indywidualne cechy.

Sukcesy, jakie sztuka holenderska odniosła w tym kierunku, przygotowały osiągnięcia realizmu XVII wieku. W odróżnieniu od włoskiej, holenderska sztuka renesansu nie ustanowiła nieograniczonej dominacji wizerunku idealnego człowieka-tytana. Podobnie jak w średniowieczu, człowiek wydawał się Holendrom integralną częścią wszechświata, wplecioną w jego złożoną duchową całość. O renesansowej istocie człowieka przesądził jedynie fakt, że uznano go za największą wartość spośród wielorakich zjawisk Wszechświata. Sztukę holenderską charakteryzuje nowa, realistyczna wizja świata, potwierdzenie artystycznej wartości rzeczywistości takiej, jaka jest, wyraz organicznego związku między człowiekiem a jego otoczeniem oraz zrozumienie możliwości, jakie daje natura i życie Człowiek. Artystów przedstawiających osobę interesuje charakterystyczna i wyjątkowa sfera życia codziennego i duchowego; Z entuzjazmem oddają różnorodność indywidualności ludzi, niewyczerpane barwne bogactwo natury, jej materialną różnorodność, subtelnie wyczuwają poezję codzienności, niezauważanej, ale bliskiej człowiekowi, komfortu zamieszkałych wnętrz. Te cechy postrzegania świata pojawiły się w malarstwie i grafice niderlandzkiej XV i XVI wieku. w gatunku codziennym, portrecie, wnętrzu, pejzażu. Wykazali typowo holenderskie zamiłowanie do detali, konkretność ich przedstawienia, narracji, subtelność w przekazywaniu nastrojów, a jednocześnie niesamowitą umiejętność odtwarzania holistycznego obrazu wszechświata z jego przestrzenną bezgranicznością.

Nowe trendy objawiały się nierównomiernie w różnych gatunkach sztuki. Architektura i rzeźba do XVI wieku. rozwinęła się w stylu gotyckim. Punkt zwrotny, jaki nastąpił w sztuce pierwszej tercji XV wieku, najpełniej znalazł odzwierciedlenie w malarstwie. Jej największe osiągnięcie wiąże się z pojawieniem się w Europie Zachodniej malarstwa sztalugowego, które zastąpiło malowidła ścienne kościołów romańskich i gotyckie witraże. Obrazy sztalugowe o tematyce religijnej były pierwotnie dziełami malarstwa ikonowego. W formie malowanych składanych ramek ze scenami ewangelicznymi i biblijnymi zdobiły ołtarze kościołów. Stopniowo do kompozycji ołtarzowych zaczęto włączać tematykę świecką, która z czasem nabrała samodzielnego znaczenia. Malarstwo sztalugowe oddzieliło się od malarstwa ikonowego i stało się integralną częścią wnętrz zamożnych i arystokratycznych domów.

Dla holenderskich artystów głównym środkiem wyrazu artystycznego jest kolor, który otwiera możliwość odtworzenia obrazów wizualnych w ich bogactwie barwnym z niezwykłą namacalnością. Holendrzy byli wyczuleni na subtelne różnice między przedmiotami, odwzorowując fakturę materiałów, efekty optyczne – połysk metalu, przezroczystość szkła, odbicie lustra, cechy załamania światła odbitego i rozproszonego, wrażenie zwiewności atmosfera oddalającego się w dal krajobrazu. Podobnie jak w witrażach gotyckich, których tradycja odegrała ważną rolę w rozwoju obrazowego postrzegania świata, tak i kolor był głównym środkiem przekazania emocjonalnego bogactwa obrazu. Rozwój realizmu spowodował przejście w Holandii od tempery do farby olejnej, co umożliwiło bardziej iluzoryczne odwzorowanie materialności świata.

Udoskonalenie znanej w średniowieczu techniki malarstwa olejnego i rozwój nowych kompozycji przypisuje się Janowi van Eyckowi. Zastosowanie w malarstwie sztalugowym farby olejnej i substancji żywicznych, nałożenie jej w postaci przezroczystej, cienkiej warstwy na podmalówkę oraz podkładu kredowego w kolorze białym lub czerwonym podkreślało nasycenie, głębię i czystość jasnych barw, poszerzało możliwości malarskie – umożliwiło osiągnąć bogactwo i różnorodność kolorów, najlepsze przejścia tonalne.

Trwałe malarstwo i metoda Jana van Eycka przetrwały prawie niezmienione do XV i XVI wieku. w praktyce artystów z Włoch, Francji, Niemiec i innych krajów.

Do końca XV - pierwszej tercji XVI wieku. Sztuka renesansu rozwinęła się także w Niemczech. To czas największego napięcia twórczego, rozbudzenia namiętnego zainteresowania indywidualnością człowieka, poszukiwania nowych sposobów pojmowania rzeczywistości. Bogate doświadczenia sztuki włoskiej i holenderskiej pomogły w rozwoju niemieckiej kultury artystycznej. Ale niemieckich artystów pociągały inne aspekty życia niż Włosi. Podobnie jak Holendrzy zwrócili się ku najskrytszemu życiu duchowemu człowieka, jego doświadczeniom i konfliktom psychicznym. Wizerunek człowieka charakteryzuje się tu albo marzycielstwem i głęboką szczerością, albo surowością i buntowniczymi impulsami, a także dramatem namiętności.

Zgodnie z prawdą życiową sztuka niemiecka była mniej racjonalna, ustępowała włoskiej w rozwoju podstaw naukowych, nie posiadała tych konsekwentnie racjonalistycznych poglądów filozoficznych, które wśród Włochów prowadziły do ​​bezwarunkowej wiary w ludzki umysł. Pragnienie naukowego poznania świata nie umniejszało roli wyobraźni.
Sztuka niemiecka niezmiennie wykazywała ekscytujący osobisty stosunek swoich twórców do świata, umiejętność widzenia życia w jego złożoności i zmienności. Upodobanie do harmonijnego ideału i pełnych klasycznych form łączono z głębokim poczuciem indywidualności. To nie przypadek, że najważniejsze osiągnięcia tutaj związane są z portretem.

Sztuka niemieckiego renesansu jest pod wieloma względami bliska holenderskiej; ma ten sam rozwinięty zmysł jednostki, to samo postrzeganie zjawisk życia w ścisłym związku ze środowiskiem. Określa to szczególne znaczenie krajobrazu i wnętrza w rozwiązywaniu emocjonalnej struktury obrazów. Plastyczne rozumienie form łączy się z emocjonalnym obrazowym rozwiązaniem problemów światła i tonalności, co jest ważne dla ukazania wzajemnych powiązań zjawisk; było to najważniejsze osiągnięcie szkoły niemieckiej XVI wieku, antycypujące poszukiwania czerni cietrzew w XVII wieku.

W porównaniu z Włochami i Holandią, gdzie wcześniej rozkwitła sztuka renesansu, w sztuce niemieckiej z opóźnieniem pojawiły się nowe nurty. W XV wieku Sztuka niemiecka była niemal wyłącznie religijna i nadal żyły w niej tradycje średniowieczne. Nagłość i ostrość skoku, jaki nastąpił na przełomie XV–XVI w., dała początek kontrastom, sprzecznościom i nieoczekiwanym połączeniom starych i nowych nurtów w sztuce niemieckiego renesansu w ogóle oraz w twórczości poszczególnych mistrzów. Sztuka niemiecka nie znała syntetycznego rozwoju architektury, rzeźby i malarstwa, jaki towarzyszył rozkwitowi włoskiego renesansu, gdzie wielu znaczących artystów zajmowało się różnymi formami sztuki. Nosi piętno dysharmonii i tragedii, jakie obfitowały w życiu społecznym Niemiec w XVI wieku.

Przyczyna złożoności rozwoju sztuki w Niemczech wynika ze specyfiki historycznego rozwoju kraju, który nastąpił pod koniec XV – XVI wieku. areną najgłębszych konfliktów społecznych.
W pierwszej połowie XVI w. Niemcy, część potężnego imperium Habsburgów, pozostawały zacofane gospodarczo i politycznie podzielone. Wiele miast i wsi w Niemczech, z dala od zaawansowanych ośrodków zajmujących się światowym handlem, porośnięto roślinnością w trudnych warunkach średniowiecza. Jak w żadnym innym kraju, walka mas burżuazyjnych, chłopskich i plebejskich z feudalizmem przybrała tu charakter kryzysu powszechnego. Na początku XVI wieku. Pierwsze większe powstanie narodowe mieszczan miało miejsce w Niemczech. Jego walka ze szlachtą, z głównymi książętami feudalnymi, powstaniem mieszczan i szerokim ruchem ludowym przerodziła się w reformację.

Wielka Wojna Chłopska, z jej ideałami powszechnej równości własności, stanowiła kulminację ruchu rewolucyjnego. Towarzyszący rewolucji wzrost sił twórczych społeczeństwa stworzył warunki do wszechstronnego, ale krótkotrwałego rozkwitu kultury niemieckiej.
W Niemczech i ich największych miastach szerzyły się idee humanizmu i rozwijała się nauka. W przeciwieństwie do średniowiecznych herezji, Reformacja wytrwale broniła wartości rzeczy ziemskich i wzywała każdego człowieka, aby podążał za swoim powołaniem i doskonalił się. Nauczanie Lutra kultywowało w jednostce skuteczną zasadę. Müntzer głosił aktywną pracę wśród ludzi, odmowę zaspokajania osobistych namiętności. Jak żaden inny kraj Europy Zachodniej na początku XVI wieku, sztuka w Niemczech została wciągnięta w wir chłopskiej walki wyzwoleńczej. Ustalono w nim zasady realizmu i nowe ideały. Rozwijana jest grafika polityczna: ulotki, broszury, karykatury. Wielu niemieckich artystów stało się uczestnikami walki politycznej i religijnej i było prześladowanych (rzeźbiarz T. Riemenschneider, artyści M. Grunewald, G. Greifenberg, G. Plattner, P. Lautensack). Wynalazek druku przyczynił się do upowszechnienia literatury naukowej, broszur politycznych, satyry bojowej („Listy ciemnych ludzi”), broszur nie tylko w literaturze, ale także w sztukach pięknych (uczniowie Dürera - B. i G. Beham, G. Penza).

Luter „stworzył współczesną prozę niemiecką i skomponował tekst i melodię tego triumfalnego chorału, który stał się Marsylianką XVI wieku”. Z tego czasu datuje się rozkwit ilustracji książkowej, karykatury i ryciny sztalugowej. Nowe tendencje wyraźnie ujawniły się w dziedzinie grawerowania – najpopularniejszej formy sztuki, mniej ograniczonej tradycją (rytownictwo powstało na początku XV wieku). Jednak inne formy sztuki również weszły na ścieżkę transformacji.

Spis treści
Historia sztuki zagranicznej.
Plan dydaktyczny
Przedmiot historii sztuki
Sztuka romańska
Sztuka romańska
Sztuka renesansu
Sztuka XVII wieku: barok, klasycyzm
Sztuka zachodnioeuropejska XVIII–XIX w
Główne problemy rozwoju kultury artystycznej XX wieku
Wszystkie strony

Renesans czy renesans dał nam wiele wspaniałych dzieł sztuki. Był to okres sprzyjający rozwojowi kreatywności. Nazwiska wielu wielkich artystów kojarzą się z renesansem. Botticelli, Michelangelo, Raphael, Leonardo Da Vinci, Giotto, Tycjan, Correggio – to tylko niewielka część nazwisk twórców tamtych czasów.

Z tym okresem wiąże się pojawienie się nowych stylów i malarstwa. Podejście do przedstawiania ludzkiego ciała stało się niemal naukowe. Artyści dążą do rzeczywistości - dopracowują każdy szczegół. Ludzie i wydarzenia na obrazach tamtych czasów wyglądają niezwykle realistycznie.

Historycy wyróżniają kilka okresów w rozwoju malarstwa w okresie renesansu.

Gotyk – XII w. Popularny styl na dworze. Cechowała go pompatyczność, pretensjonalność i nadmierna barwność. Stosowane jako farby. Malowidła były tematem scen ołtarzowych. Najbardziej znanymi przedstawicielami tego nurtu są włoscy artyści Vittore Carpaccio i Sandro Botticelli.

Sandro Botticellego

Protorenesans - XIII wiek. W tym czasie miała miejsce restrukturyzacja moralności w malarstwie. Tematyka religijna schodzi na dalszy plan, a tematyka świecka staje się coraz bardziej popularna. Obraz zastępuje ikonę. Ludzie są przedstawiani bardziej realistycznie, a mimika i gesty stają się ważne dla artystów. Pojawia się nowy gatunek sztuki pięknej -. Przedstawicielami tego czasu są Giotto, Pietro Lorenzetti, Pietro Cavallini.

Wcześniejszy renesans - XIV wiek. Powstanie malarstwa niereligijnego. Nawet twarze na ikonach stają się bardziej żywe – nabierają ludzkich rysów. Artyści wcześniejszych okresów próbowali malować pejzaże, ale służyły one jedynie jako dodatek, tło do głównego obrazu. W okresie wczesnego renesansu stał się gatunkiem niezależnym. Portret również się rozwija. Naukowcy odkrywają prawo perspektywy linearnej, a artyści na tej podstawie budują swoje obrazy. Na ich płótnach widać właściwą trójwymiarową przestrzeń. Wybitnymi przedstawicielami tego okresu są Masaccio, Piero Della Francesco, Giovanni Bellini, Andrea Mantegna.

Wysoki renesans - złoty wiek. Horyzonty artystów stają się jeszcze szersze – ich zainteresowania sięgają przestrzeni Kosmosu, uznają człowieka za centrum wszechświata.

W tym czasie pojawili się „tytani” renesansu - Leonardo Da Vinci, Michał Anioł, Tycjan, Raphael Santi i inni. To ludzie, których zainteresowania nie ograniczały się do malarstwa. Ich wiedza sięgała znacznie dalej. Najwybitniejszym przedstawicielem był Leonardo Da Vinci, który był nie tylko wielkim malarzem, ale także naukowcem, rzeźbiarzem i dramaturgiem. Stworzył fantastyczne techniki malarskie, m.in. „smuffato” – iluzję zamglenia, która posłużyła do stworzenia słynnej „La Giocondy”.

Leonardo da Vinci

Późny renesans- zanik renesansu (od połowy XVI w. do końca XVII w.). Ten czas wiąże się ze zmianą, kryzysem religijnym. Okres świetności dobiega końca, linie na płótnach stają się coraz bardziej nerwowe, zanika indywidualizm. Tłum coraz częściej staje się obrazem obrazów. Utalentowane dzieła tamtych czasów napisali Paolo Veronese i Jacopo Tinoretto.

Paolo Veronese

Włochy dały światu najbardziej utalentowanych artystów renesansu, to oni są najczęściej wymieniani w historii malarstwa. Tymczasem w innych krajach w tym okresie rozwinęło się także malarstwo i wpłynęło na rozwój tej sztuki. Malarstwo w innych krajach tego okresu nazywa się renesansem północnym.

Renesans - przetłumaczony z francuskiego oznacza „Odrodzenie”. Właśnie to nazwali całą erą, symbolizującą intelektualny i artystyczny rozkwit kultury europejskiej. Renesans rozpoczął się we Włoszech na początku XIV wieku, zapoczątkowując koniec epoki upadku kultury i średniowiecza), który opierał się na barbarzyństwie i ignorancji, a rozwijając się, osiągnął swój szczyt w XVI wieku.

Po raz pierwszy o renesansie pisał historiograf włoskiego pochodzenia, malarz i autor dzieł opowiadających o życiu znanych artystów, rzeźbiarzy i architektów na początku XVI wieku.

Początkowo termin „renesans” oznaczał pewien okres (początek XIV w.) kształtowania się nowej fali sztuki. Jednak z biegiem czasu koncepcja ta zyskała szerszą interpretację i zaczęła oznaczać całą erę rozwoju i kształtowania się kultury przeciwnej feudalizmowi.

Okres renesansu jest ściśle związany z pojawieniem się nowych stylów i technik malarskich we Włoszech. Istnieje zainteresowanie starożytnymi obrazami. Sekularyzm i antropocentryzm są integralnymi cechami wypełniającymi rzeźby i obrazy tamtych czasów. Epoka renesansu zastępuje ascetyzm charakteryzujący epokę średniowiecza. Zainteresowanie wszystkim, co ziemskie, bezgranicznym pięknem natury i, oczywiście, człowieka. Artyści renesansu podeszli do wizji ludzkiego ciała z naukowego punktu widzenia, starając się dopracować wszystko w najdrobniejszych szczegółach. Obrazy stają się realistyczne. Obraz jest pełen niepowtarzalnego stylu. Ustaliła podstawowe kanony smaku w sztuce. Szeroko upowszechnia się nowa koncepcja światopoglądowa zwana „humanizmem”, zgodnie z którą człowiek jest uznawany za najwyższą wartość.

Okres renesansu

Duch rozkwitu wyraża się szeroko w malarstwie tamtych czasów i napełnia malarstwo szczególną zmysłowością. Renesans łączy kulturę z nauką. Artyści zaczęli postrzegać sztukę jako dziedzinę wiedzy, dogłębnie badającą fizjologię człowieka i otaczający go świat. Dokonano tego, aby bardziej realistycznie oddać prawdę o Bożym stworzeniu i wydarzeniach rozgrywających się na ich płótnach. Wiele uwagi poświęcono przedstawieniu tematów religijnych, które nabrały treści ziemskich dzięki umiejętnościom takich geniuszy jak Leonardo da Vinci.

W rozwoju włoskiej sztuki renesansu można wyróżnić pięć etapów.

Międzynarodowy (dworski) gotyk

Pochodzący z początku XIII w. gotyk dworski (ducento) charakteryzuje się nadmierną kolorystyką, przepychem i pretensjonalnością. Głównym rodzajem malarstwa są miniatury przedstawiające sceny ołtarzowe. Artyści do tworzenia swoich obrazów używają farb temperowych. Renesans jest bogaty w sławnych przedstawicieli tego okresu, takich jak na przykład włoscy malarze Vittore Carpaccio i Sandro Botticelli.

Okres przedrenesansowy (protorenesans)

Kolejny etap, uważany za antyrenesansowy, nazywany jest prarenesansem (trecento) i przypada na koniec XIII - początek XIV wieku. W związku z szybkim rozwojem humanistycznego światopoglądu malarstwo tego okresu historycznego odsłania wewnętrzny świat człowieka, jego duszę, ma głębokie znaczenie psychologiczne, ale jednocześnie ma prostą i przejrzystą strukturę. Wątki religijne schodzą na dalszy plan, wątki świeckie stają się wiodące, a głównym bohaterem jest człowiek ze swoimi uczuciami, mimiką i gestami. Pojawiają się pierwsze portrety włoskiego renesansu, zastępując ikony. Znani artyści tego okresu to Giotto, Pietro Lorenzetti.

Wczesny renesans

Na początku rozpoczyna się etap wczesnego renesansu (quattrocento), symbolizujący rozkwit malarstwa przy braku tematów religijnych. Twarze na ikonach nabierają ludzkiego wyglądu, a pejzaż jako gatunek w malarstwie zajmuje odrębną niszę. Założycielem kultury artystycznej wczesnego renesansu jest Mosaccio, którego koncepcja opiera się na intelekcie. Jego obrazy cechuje wysoki realizm. Wielcy mistrzowie zgłębiali perspektywę liniową i powietrzną, anatomię i wykorzystywali wiedzę w swoich dziełach, w których można zobaczyć właściwą trójwymiarową przestrzeń. Przedstawicielami wczesnego renesansu są Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Pollaiolo, Verrocchio.

Wysoki renesans, czyli „złoty wiek”

Od końca XV wieku rozpoczął się etap wysokiego renesansu (cinquecento), który trwał stosunkowo krótko, aż do początków XVI wieku. Jego ośrodkami stały się Wenecja i Rzym. Artyści poszerzają swoje horyzonty ideowe i interesują się przestrzenią. Człowiek jawi się jako bohater, doskonały zarówno duchowo, jak i fizycznie. Za postacie tej epoki uważa się Leonarda da Vinci, Rafaela, Tycjana Vecellio, Michała Anioła Buonarrottiego i innych. Wielki artysta Leonardo da Vinci był „człowiekiem uniwersalnym” i nieustannie poszukiwał prawdy. Zajmując się rzeźbą, dramatem i różnymi eksperymentami naukowymi, udało mu się znaleźć czas na malarstwo. Kreacja „Madonna of the Rocks” wyraźnie oddaje styl światłocienia stworzony przez malarza, gdzie połączenie światła i cienia tworzy efekt trójwymiarowości, a słynna „La Giaconda” wykonana jest techniką „smuffato”, tworząc iluzja mgły.

Późny renesans

W okresie późnego renesansu, który nastąpił na początku XVI wieku, miasto Rzym zostało zdobyte i splądrowane przez wojska niemieckie. To wydarzenie zapoczątkowało erę wymierania. Rzymski ośrodek kulturalny przestał być patronem najsłynniejszych postaci, a one zmuszone zostały do ​​wyjazdu do innych miast Europy. W wyniku narastającej pod koniec XV wieku rozbieżności poglądów między wiarą chrześcijańską a humanizmem dominującym stylem charakteryzującym malarstwo stał się manieryzm. Renesans stopniowo dobiega końca, gdyż za podstawę tego stylu uważa się piękną manierę, która przyćmiewa idee o harmonii świata, prawdzie i wszechmocy rozumu. Twórczość staje się złożona i nabiera cech konfrontacji różnych kierunków. Genialne dzieła należą do takich znanych artystów jak Paolo Veronese, Tinoretto, Jacopo Pontormo (Carrucci).

Włochy stały się kulturalnym centrum malarstwa i obdarzyły świat genialnymi artystami tego okresu, których obrazy do dziś budzą emocjonalny zachwyt.

Oprócz Włoch rozwój sztuki i malarstwa zajmował ważne miejsce w innych krajach Europy. Ruch ten nazwany został renesansem, który wyrósł na własnym gruncie i na co szczególnie warto zwrócić uwagę. Zakończenie wojny stuletniej spowodowało wzrost powszechnej samoświadomości i rozwój humanizmu. W sztuce francuskiej istnieje realizm, związek z wiedzą naukową i pociąg do obrazów starożytności. Wszystkie wymienione cechy przybliżają go do języka włoskiego, jednak obecność tragicznej nuty w obrazach jest znaczącą różnicą. Znani artyści renesansu we Francji to Enguerrand Charonton, Nicolas Froment, Jean Fouquet, Jean Clouet the Elder.