Ten materiał przedstawia ciekawe fakty na temat artystów. Kolejność jest naturalnie przypadkowa, a ciekawość faktów jest subiektywna. Jeśli interesuje Cię świat sztuki i kreatywności, ten materiał jest lekturą obowiązkową.
Ucho Van Gogha
„Autoportret z odciętym uchem i fajką”. 1888
Wszyscy wiedzą, że Van Gogh odciął sobie ucho, ale wyobrażają sobie, jakby odciął sobie całe ucho. Chociaż w rzeczywistości odciął tylko czubek płata. Następnie zaniósł go do burdelu, do ukochanej kobiety Gauguina, i kazał jej zatrzymać go jako swój najcenniejszy skarb. O uchu Van Gogha można przeczytać szerzej w materiale, który opublikowałem wcześniej. Nawiasem mówiąc, kolejny fakt dotyczy przyjaciela Van Gogha, a mianowicie porozmawiamy o Paulu Gauguinie.
Jakie kobiety lubił Paul Gauguin?
Matka Gauguina pochodziła z Peru, w związku z tym, że całe dzieciństwo spędził w ojczyźnie swojej matki, rozwinęła się w nim miłość do egzotycznej i niezwykłej, pozaeuropejskiej kobiecej urody. Był notorycznym kobieciarzem i słynął z lubienia grubych i szorstkich kobiet. Zawsze szukał najbardziej niezwykłych i niestandardowych przedstawicieli płci pięknej. Wkrótce jednak przeniósł się na Markizy i zmarł na kiłę, obok swojej młodej żony z Tahiti.
Ogród Claude'a Moneta
Claude Monet był wielkim miłośnikiem kwiatów i flory w ogóle. Lubił malować przyrodę o różnych porach dnia i pór roku. Jego ulubioną rozrywką jest obserwowanie zmieniających się kolorów kwiatów :) Był bardzo znanym i wpływowym artystą, co pozwalało mu żyć z godnością. Udało mu się spełnić swoje marzenie z dzieciństwa, stworzył idealny ogród, który kwitnie przez cały rok, zrobiono to specjalnie, aby zawsze było co rysować. Nadal istnieje i również pięknie kwitnie, oto film z niego:
Szybki portret Picassa
Pisarz Ehrenburg był dobrym przyjacielem Picassa i pewnego dnia artysta postanowił namalować portret swojego dobrego przyjaciela. Erenburg był bardzo szczęśliwy i zaczął nerwowo siadać, prostować włosy i na wszelkie możliwe sposoby przygotowywać się do długiego, odpowiedzialnego procesu. Artysta potrzebował niespełna 5 minut, a on powiedział: „to wszystko, spójrzcie”. Erenburg był bardzo zaskoczony i zapytał, dlaczego tak szybko? Mistrz odpowiedział mu: „Znam cię od 40 lat, przez 40 lat uczyłem się też rysować portrety, dlatego nie potrzebuję więcej czasu”.
Ranek w sosnowym lesie i niedźwiedziach
Nie wiem wszystkiego o tym popularnym „oszustwie”, ale jest to częsta sytuacja wśród artystów, zwłaszcza gdy są członkami stowarzyszeń twórczych. Szyszkinowi nigdy nie udało się dokończyć swojego obrazu, a mianowicie nie mógł zmusić niedźwiedzi do pracy. Wtedy na ratunek przyszedł jego przyjaciel Konstantin Savitsky, dla którego to zadanie nie było trudne. Z biegiem czasu, aby zwiększyć wartość Szyszkina i „promować” go jako artystę, Savitsky został usunięty ze współautorstwa.
Logo Chupa Chups zostało wymyślone przez Salvadora Dali
To wielki mistrz surrealizmu wymyślił kształt kwiatu, który naszkicował w jeden wieczór. Logo przetrwało w tej formie kilka dekad. Za to zapłacono mu porządną sumę. To właśnie po tym incydencie otrzymał przydomek „Avida Dollars” (Zakochany w dolarach).
Tajemnica czarnego kwadratu
Sam Malewicz powiedział, że czarny kwadrat jest symbolem ostatecznego zerwania między sztuką a akademizmem. Sam obraz, zarówno pod względem piękna, jak i estetyki, nie ma oczywiście dużej wartości. Ale pod względem znaczenia ten obraz jest bardzo ważny i ma wielką wartość. Został napisany dokładnie w swoim czasie i stał się prawdziwym symbolem dla współczesnych artystów tamtych czasów, dał im „zielone światło”, pozwolił tworzyć to, czego chcą.
Pierwsza martwa natura Michała Anioła da Caravaggia
Oznacza to, że jest to nie tylko pierwsza prawdziwa martwa natura tego wielkiego artysty, ale także jedna z pierwszych martwych natur w historii malarstwa. W swoich obrazach dużą wagę przywiązywał do owoców, a w wieku 23 lat (w tym wieku powstał ten obraz) zdobył się na odwagę i rzucił wyzwanie wszelkim podstawom i namalował wyłącznie owoce w koszyku. Nikt wcześniej tego nie robił. Oto kilka interesujących faktów na temat artystów.
Dali współpracował z Hitchcockiem
Hitchcock poprosił artystę o pomoc w inscenizacji wymarzonej sceny głównego bohatera. Dali słynął z surrealistycznych obrazów, które w istocie były snami na płótnie. Dali zaproponował Hitchcockowi długą i zawiłą scenę ze sprytnymi odniesieniami, ale reżyser zostawił tylko kilka minut. W rzeczywistości możesz sam obejrzeć tę scenę:
W rzeczywistości Dali wystawił wymarzoną scenę w innym hollywoodzkim filmie pt "Ojciec panny młodej".
Van Gogh zjadł żółtą farbę
„Pole pszenicy z wronami”
Oczywiście nie jadał farby olejnej, ale czasami, gdy artysta odczuwał smutek i melancholię, zjadał farbę w swoim ulubionym kolorze – żółtym. Kolor ten można zobaczyć najczęściej i najczęściej na obrazach Van Gogha. Warto dodać, że żółty jest ulubionym kolorem osób chorych na schizofrenię.
3 grudnia 1961 roku w nowojorskim Muzeum Sztuki Nowoczesnej miało miejsce znaczące wydarzenie – obraz Matisse’a „Łódź”, który wisiał do góry nogami przez 46 dni, został prawidłowo zawieszony. Warto powiedzieć, że nie jest to odosobniony zabawny incydent związany z obrazami wielkich artystów.
Pablo Picasso namalował jeden ze swoich słynnych portretów w niecałe 5 minut
Pewnego razu jeden ze znajomych Pabla Picassa, patrząc na jego nowe prace, szczerze powiedział artyście: „Przykro mi, ale nie mogę tego zrozumieć. Takie rzeczy po prostu nie istnieją.” Na co Picasso odpowiedział: „Nawet nie rozumiesz chińskiego. Ale nadal istnieje.” Jednak wielu nie rozumiało Picassa. Pewnego razu zaprosił rosyjskiego pisarza Erenburga, swojego dobrego przyjaciela, do namalowania jego portretu. Z radością się zgodził, jednak zanim zdążył usiąść w fotelu i pozować, artysta oznajmił, że wszystko jest gotowe.
Erenburg wyraził zdziwienie szybkością wykonania dzieła, bo nie minęło nawet 5 minut, na co Picasso odpowiedział: „Znam cię od 40 lat. I przez te 40 lat uczyłem się malować portrety w 5 minut.”
Ilya Repin pomógł sprzedać obraz, którego nie namalował
Pewna pani kupiła na targu za jedyne 10 rubli zupełnie przeciętny obraz, na którym dumnie obnosił się podpis „I. Repin”. Kiedy koneser sztuki pokazał to dzieło Ilji Efimowiczowi, roześmiał się, dodał „To nie jest Repin” i podpisał swój autograf. Po pewnym czasie przedsiębiorcza pani sprzedała obraz nieznanego artysty z autografem wielkiego mistrza za 100 rubli.
Niedźwiedzie ze słynnego obrazu Szyszkina zostały namalowane przez innego artystę
Wśród artystów obowiązuje niepisane prawo – profesjonalna wzajemna pomoc. W końcu każdy z nich ma nie tylko ulubione historie i mocne strony, ale także słabości, więc dlaczego nie pomóc sobie nawzajem. Wiadomo zatem na pewno, że w przypadku obrazu „Puszkin nad brzegiem morza” Aiwazowskiego postać wielkiego poety narysował Repin, a dla obrazu Lewitana „Dzień jesieni. Sokolniki” „Dama w czerni” namalował Mikołaj Czechow. Malarz krajobrazu Szyszkin, który na swoich obrazach potrafił narysować każde źdźbło trawy i igłę, nie mógł stworzyć niedźwiedzi, tworząc obraz „Poranek w lesie sosnowym”. Dlatego Savitsky namalował niedźwiedzie do słynnego obrazu Szyszkina.
Kawałek płyty pilśniowej, na którą po prostu wylano farbę, stał się jednym z najdroższych obrazów
Najdroższym obrazem świata w 2006 roku był „Numer 5” Jacksona Pollocka, „1948”. Na jednej aukcji obraz został sprzedany za 140 milionów dolarów. Może się to wydawać śmieszne, ale artysta tak naprawdę „nie zaprzątnął sobie głowy” tworzeniem tego obrazu: po prostu wylał farbę na leżący na podłodze kawałek płyty pilśniowej.
Rubens zaszyfrował datę powstania swojego obrazu za pomocą gwiazd.
Przez długi czas historycy sztuki i naukowcy nie mogli ustalić daty powstania jednego z najsłynniejszych obrazów Rubensa - obrazu „Święto bogów na Olimpie”. Zagadka została rozwiązana dopiero po bliższym przyjrzeniu się zdjęciu przez astronomów. Okazało się, że postacie na zdjęciu były ułożone dokładnie w tej samej kolejności, w jakiej planety były ułożone na niebie w 1602 roku.
Logo Chupa Chups zostało narysowane przez światowej sławy surrealistę
W 1961 roku Enrique Bernata, właściciel firmy Chupa Chups, poprosił artystę Salvadora Dali o wymyślenie obrazu opakowania cukierków. Dali spełnił prośbę. Dziś ten wizerunek, choć w nieco zmodyfikowanej formie, jest rozpoznawalny na firmowych lizakach.
Warto dodać, że w 1967 roku we Włoszech, za błogosławieństwem Papieża, ukazało się wydanie z ilustracjami Salvadora Dali.
Najdroższy obraz Mąka przynosi nieszczęście
„Krzyk” Muncha został sprzedany na aukcji za 120 milionów dolarów i jest dziś najdroższym obrazem artysty. Mówią, że Munch, którego droga życiowa była serią tragedii, włożył w to tyle żalu, że obraz pochłonął negatywną energię i mścił się na przestępcach.
Pewnego razu jeden z pracowników Muzeum Muncha przypadkowo upuścił obraz, po czym zaczął cierpieć na straszne bóle głowy, co doprowadziło tego człowieka do samobójstwa. Inny pracownik muzeum, który nie był w stanie utrzymać obrazu, już kilka minut później brał udział w strasznym wypadku samochodowym. A zwiedzający muzeum, który pozwolił sobie dotknąć obrazu, po pewnym czasie spłonął żywcem w pożarze. Możliwe jednak, że są to tylko zbiegi okoliczności.
„Czarny kwadrat” Malewicza ma „starszego brata”
„Czarny kwadrat”, być może najsłynniejszy obraz Kazimierza Malewicza, to płótno o wymiarach 79,5 * 79,5 centymetra, na którym na białym tle przedstawiony jest czarny kwadrat. Malewicz namalował swój obraz w 1915 roku. A już w 1893 roku, 20 lat przed Malewiczem, francuski pisarz Alphonse Allais namalował swój „czarny kwadrat”. To prawda, że obraz Allaisa nosił tytuł „Bitwa Murzynów w głębokiej jaskini w ciemną noc”.
Chrystus i Judasz na obrazie Da Vinci mają tę samą twarz
Mówią, że stworzenie obrazu „Ostatnia wieczerza” wymagało tytanicznego wysiłku Leonarda da Vinci. Artysta szybko odnalazł osobę, z której namalowano wizerunek Chrystusa. Rolę tę objął jeden ze śpiewaków chóru kościelnego. Ale da Vinci szukał „Judasza” przez trzy lata.
Na ulicy artysta zobaczył pijaka, który bezskutecznie próbował wydostać się z szamba. Da Vinci zabrał go do jednego z lokali gastronomicznych, posadził i zaczął rysować. Wyobraźcie sobie zdziwienie artysty, gdy pijak, otwierając swoje myśli, przyznał, że pozował mu już kilka lat temu. Okazało się, że to ten sam piosenkarz.
Nawet te arcydzieła malarstwa, które wydają nam się znajome, mają swoje tajemnice.
Niedawno w historii sztuki dokonano dziwnego i niezwykłego odkrycia - amerykański student rozszyfrował zapis muzyczny przedstawiony na pośladkach grzesznika z obrazu Boscha. Powstały utwór stał się jedną z internetowych sensacji ostatnich czasów.
Wierzymy, że niemal w każdym znaczącym dziele sztuki kryje się tajemnica, „podwójne dno” lub tajemnicza historia, którą pragniesz odkryć. Dziś udostępnimy kilka z nich.
Muzyka na pośladkach
Hieronim Bosch, „Ogród rozkoszy ziemskich”, 1500-1510.
Fragment prawej strony tryptyku.
Spory o znaczenia i ukryte znaczenia najsłynniejszego dzieła holenderskiego artysty nie ucichły od czasu jego pojawienia się. Prawe skrzydło tryptyku zatytułowanego „Muzyczne piekło” przedstawia grzeszników torturowanych w podziemiach przy pomocy instrumentów muzycznych. Jeden z nich ma wytłoczone nuty na pośladkach. Studentka Oklahoma Christian University, Amelia Hamrick, która studiowała obraz, przetłumaczyła XVI-wieczny zapis na współczesny akcent i nagrała „500-letnią piekło z piekła rodem”.
Naga Mona Lisa
Słynna „La Gioconda” występuje w dwóch wersjach: naga wersja nazywa się „Monna Vanna” i została namalowana przez mało znanego artystę Salai, który był uczniem i opiekunem wielkiego Leonarda da Vinci. Wielu historyków sztuki jest przekonanych, że to on był wzorem dla obrazów Leonarda „Jan Chrzciciel” i „Bachus”. Istnieją również wersje, w których Salai ubrana w kobiecy strój służyła jako wizerunek samej Mony Lisy.
Stary rybak
W 1902 roku węgierski artysta Tivadar Kostka Csontvary namalował obraz „Stary rybak”. Wydawać by się mogło, że w obrazie nie ma nic niezwykłego, jednak Tivadar umieścił w nim podtekst, który nigdy nie został ujawniony za życia artysty.
Niewiele osób myślało o umieszczeniu lustra na środku obrazu. W każdej osobie może być zarówno Bóg (zduplikowane jest prawe ramię Starego Człowieka), jak i Diabeł (zduplikowane jest lewe ramię Starego Człowieka).
Podwaja się podczas Ostatniej Wieczerzy
Leonardo da Vinci, „Ostatnia wieczerza”, 1495-1498.
Pisząc Ostatnią Wieczerzę Leonardo da Vinci przywiązywał szczególną wagę do dwóch postaci: Chrystusa i Judasza. Bardzo długo szukał dla nich modeli. Wreszcie udało mu się znaleźć wzór obrazu Chrystusa wśród młodych śpiewaków. Leonardo przez trzy lata nie mógł znaleźć wzoru dla Judasza. Ale pewnego dnia natknął się na pijaka, który leżał w rynsztoku. Był to młody człowiek, który postarzał się wskutek intensywnego picia. Leonardo zaprosił go do tawerny, gdzie od razu zaczął malować z niego Judasza. Kiedy pijak opamiętał się, powiedział artyście, że już raz mu pozował. Było to kilka lat temu, gdy śpiewał w chórze kościelnym, Leonardo namalował z niego Chrystusa.
Niewinna historia „Gotyku”
Grant Wood, Amerykański gotyk, 1930.
Twórczość Granta Wooda uznawana jest za jedną z najdziwniejszych i najbardziej przygnębiających w historii malarstwa amerykańskiego. Obraz z ponurym ojcem i córką jest wypełniony szczegółami, które wskazują na surowość, purytanizm i wsteczny charakter przedstawionych ludzi. Tak naprawdę artysta nie miał zamiaru przedstawiać żadnych horrorów: podczas podróży do Iowa zauważył mały dom w stylu gotyckim i postanowił przedstawić tych ludzi, którzy jego zdaniem byliby idealni jako mieszkańcy. Siostra Granta i jego dentysta zostają uwiecznieni jako bohaterowie, którymi mieszkańcy Iowa byli tak urażeni.
„Straż nocna” czy „Straż dzienna”?
Rembrandt, „Nocna straż”, 1642.
Jeden z najsłynniejszych obrazów Rembrandta „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenburga” wisiał w różnych pokojach przez około dwieście lat i został odkryty przez historyków sztuki dopiero w XIX wieku. Ponieważ postacie zdawały się pojawiać na ciemnym tle, nazwano go „Nocną Strażą” i pod tą nazwą wszedł do skarbnicy sztuki światowej. I dopiero podczas renowacji przeprowadzonej w 1947 roku odkryto, że w holu obraz zdążył pokryć się warstwą sadzy, co zniekształciło jego kolorystykę. Po oczyszczeniu oryginalnego obrazu ostatecznie okazało się, że scena przedstawiona przez Rembrandta faktycznie rozgrywa się w dzień. Położenie cienia z lewej ręki Kapitana Koka pokazuje, że czas akcji nie przekracza 14 godzin.
Przewrócona łódź
Henri Matisse, „Łódź”, 1937.
Obraz Henriego Matisse’a „Łódź” został wystawiony w nowojorskim Muzeum Sztuki Nowoczesnej w 1961 roku. Dopiero po 47 dniach ktoś zauważył, że obraz wisiał do góry nogami. Płótno przedstawia 10 fioletowych linii i dwa niebieskie żagle na białym tle. Artysta nie bez powodu namalował dwa żagle, drugi żagiel jest odbiciem pierwszego na powierzchni wody. Aby nie popełnić błędu w sposobie zawieszenia obrazu, należy zwrócić uwagę na szczegóły. Większy żagiel powinien znajdować się na górze obrazu, a szczyt żagla obrazu powinien znajdować się w kierunku prawego górnego rogu.
Oszustwo w autoportrecie
Vincent van Gogh, Autoportret z fajką, 1889.
Istnieją legendy, że Van Gogh rzekomo odciął sobie ucho. Najbardziej wiarygodna wersja mówi, że van Gogh uszkodził sobie ucho podczas małej bójki z udziałem innego artysty, Paula Gauguina. Autoportret jest o tyle ciekawy, że odzwierciedla rzeczywistość w zniekształconej formie: artysta ukazany jest z zabandażowanym prawym uchem, gdyż podczas pracy korzystał z lustra. W rzeczywistości dotknięte było lewe ucho.
Dwa „Śniadania na trawie”
Edouard Manet, Obiad na trawie, 1863.
Claude Monet, Obiad na trawie, 1865.
Artyści Edouard Manet i Claude Monet są czasami zdezorientowani - w końcu obaj byli Francuzami, żyli w tym samym czasie i pracowali w stylu impresjonizmu. Monet zapożyczył nawet tytuł jednego z najsłynniejszych obrazów Maneta „Obiad na trawie” i napisał własny „Obiad na trawie”.
Obce niedźwiedzie
Iwan Szyszkin, „Poranek w sosnowym lesie”, 1889.
Słynny obraz należy nie tylko do Szyszkina. Wielu zaprzyjaźnionych ze sobą artystów często korzystało z „pomocy przyjaciela”, a Iwan Iwanowicz, który przez całe życie malował pejzaże, obawiał się, że jego dotykające się niedźwiedzie nie wyjdą tak, jak chciał. Dlatego Szyszkin zwrócił się do swojego przyjaciela, artysty zwierząt Konstantina Savickiego.
Savitsky namalował chyba najlepsze niedźwiedzie w historii malarstwa rosyjskiego, a Tretiakow nakazał zmyć jego imię z płótna, ponieważ wszystko na obrazie „od koncepcji po wykonanie, wszystko mówi o sposobie malowania, o metodzie twórczej charakterystyczne dla Szyszkina.
Pomysł przedstawienia płynącego zegara przyszedł do głowy Salvadorowi Dali podczas kolacji, gdy zauważył, że Camembert topi się w słońcu.
Później Dali został zapytany, czy teoria względności Einsteina została zaszyfrowana na płótnie, a on odpowiedział mądrym spojrzeniem: „Raczej teoria Heraklita, że czas mierzy się przepływem myśli. Dlatego nazwałem obraz „Trwałość pamięci”. A najpierw był ser, ser topiony.”"Ostatnia Wieczerza"
Pisząc Ostatnią Wieczerzę Leonardo da Vinci zwrócił szczególną uwagę na dwie postacie: Chrystusa i Judasza. Leonardo stosunkowo szybko znalazł wzór twarzy Jezusa – jego rolę przejął młody człowiek śpiewający w chórze kościelnym. Ale Leonardo przez trzy lata szukał twarzy zdolnej wyrazić występek Judasza. Pewnego dnia, idąc ulicą, mistrz zobaczył pijaka w rynsztoku. Da Vinci zaprowadził pijaka do tawerny, gdzie od razu zaczął malować z niego Judasza.
Kiedy pijak wytrzeźwiał, przypomniał sobie, że kilka lat temu pozował już artyście. To był ten sam piosenkarz. Na wielkim fresku Leonarda Jezus i Judasz mają tę samą twarz.
„Iwan Groźny i jego syn Iwan”
W 1913 roku chory psychicznie artysta przeciął nożem obraz Repina „Iwan Groźny i jego syn Iwan”. Dopiero dzięki mistrzowskiej pracy konserwatorów obraz został odrestaurowany. Sam Ilya Repin przyjechał do Moskwy i przemalował głowę Groznego na dziwny fioletowy kolor - w ciągu dwóch dekad poglądy artysty na temat malarstwa bardzo się zmieniły. Konserwatorzy usunęli te zmiany i przywrócili obraz dokładnie odzwierciedlający fotografie muzealne. Repin, widząc później odrestaurowane płótno, nie zauważył poprawek.
"Marzenie"
W 2006 roku amerykański kolekcjoner Steve Wynn zgodził się sprzedać „Sen” Pabla Picassa za 139 milionów dolarów, co byłoby jedną z najwyższych cen w historii. Ale mówiąc o obrazie, zbyt wyraziście machał rękami i rozdzierał dzieło łokciem. Wynn uznał to za znak z góry i postanowił nie sprzedawać obrazu po renowacji, która, nawiasem mówiąc, kosztowała niezły grosz.
"Łódź"
Mniej niszczycielski, ale nie mniej ciekawy incydent miał miejsce w przypadku obrazu Henriego Matisse’a. W 1961 roku Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku zaprezentowało publiczności obraz mistrza „Łódź”. Wystawa zakończyła się sukcesem. Ale już siedem tygodni później przypadkowy koneser sztuki zauważył, że arcydzieło wisiało do góry nogami. W tym czasie sztukę udało się zobaczyć 115 tysiącom osób, a księga recenzji została uzupełniona setkami pełnych zachwytu komentarzami. Zawstydzenie rozeszło się po wszystkich gazetach.
„Bitwa Murzynów w jaskini w środku nocy”
Słynny „Czarny kwadrat” nie był pierwszym obrazem tego typu. 22 lata przed Malewiczem, w 1893 roku, francuski artysta i pisarz Allais Alphonse wystawił w Galerii Vivien swoje arcydzieło „Bitwa Murzynów w jaskini w środku nocy” – całkowicie czarne prostokątne płótno.
„Święto Bogów na Olimpie”
W 1960 roku W Pradze odnaleziono jeden z najsłynniejszych obrazów Petera Paula Rubensa „Święto bogów na Olimpie”. Przez długi czas data jego powstania pozostawała tajemnicą. Odpowiedź znaleźli zresztą na samym zdjęciu astronomowie. Domyślili się, że pozycje planet zostały subtelnie zaszyfrowane na płótnie. Na przykład książę Mantui Gonzaga na obrazie boga Jowisza, Posejdona ze Słońcem i bogini Wenus z Kupidynem odzwierciedlają pozycję Jowisza, Wenus i Słońca w Zodiaku.
Ponadto jasne jest, że Wenus zmierza w stronę gwiazdozbioru Ryb. Skrupulatni obserwatorzy gwiazd obliczyli, że tak rzadką pozycję planet na niebie zaobserwowano w dni przesilenia zimowego w 1602 roku. W ten sposób przeprowadzono dość dokładne datowanie zdjęcia.
„Śniadanie na trawie”
Edouard Manet, „Lunch na trawie”
Claude Monet, „Lunch na trawie”
Edouard Manet i Claude Monet są zdezorientowani nie tylko obecnymi kandydatami do szkół artystycznych - pomylili ich nawet ich współcześni. Obaj mieszkali w Paryżu pod koniec XIX wieku, porozumiewali się ze sobą i byli niemal imiennikami. I tak w filmie „Ocean’s Eleven” pomiędzy bohaterami George’a Clooneya i Julii Roberts ma miejsce następujący dialog:
- Zawsze mylę Moneta i Maneta. Pamiętam tylko, że jeden z nich poślubił swoją kochankę.
- Monet.
- Więc Mane miał syfilis.
- I obaj od czasu do czasu pisali.
Ale artyści nie mieli zamieszania z nazwami, a ponadto aktywnie pożyczali od siebie pomysły. Po tym, jak Manet zaprezentował publiczności obraz „Lunch on the Grass”, Monet bez zastanowienia namalował własny o tym samym tytule. Jak zwykle było trochę zamieszania.
„Madonna Sykstyńska”
Patrząc na obraz Rafaela „Madonna Sykstyńska” wyraźnie widać, że papież Sykstus II ma sześć palców u ręki. Między innymi imię Sykstus tłumaczy się jako „szósty”, co ostatecznie dało początek wielu teoriom. W rzeczywistości „dolny mały palec” wcale nie jest palcem, ale częścią dłoni. Jest to zauważalne, jeśli przyjrzysz się uważnie. Żadnych dla Was mistycyzmu i tajemnych zwiastunów Apokalipsy, szkoda.
„Poranek w sosnowym lesie”
Pluszowe misie z obrazu Szyszkina „Poranek w sosnowym lesie”, wydrukowane przez cukierników, wcale nie są dziełem Szyszkina. Iwan był znakomitym pejzażystą, doskonale umiał oddać grę światła i cienia w lesie, ale nie radził sobie dobrze z ludźmi i zwierzętami. Tak więc na prośbę artysty urocze niedźwiadki namalował Konstantin Savitsky, a sam obraz został podpisany dwoma imionami. Ale Paweł Tretiakow, po zakupie krajobrazu do swojej kolekcji, usunął podpis Savitsky'ego, a wszystkie laury trafiły do Szyszkina.
Dziś w każdym muzeum można posłuchać wspaniałych przewodników, którzy szczegółowo opowiedzą o zbiorach i reprezentowanych w nich artystach. Jednocześnie wielu rodziców wie, że większości dzieci trudno jest spędzić w muzeum choćby godzinę, a opowieści o historii malarstwa dość szybko je męczą. Aby dzieci nie nudziły się w muzeum, oferujemy „ściągawkę” dla rodziców - dziesięć zabawnych historii o obrazach z Galerii Trietiakowskiej, które zainteresują zarówno dzieci, jak i dorosłych.
1. Iwan Kramskoj. „Syreny”, 1871
Iwan Kramskoj znany jest przede wszystkim jako autor obrazu „Nieznany” (często błędnie nazywany „Obcym”), a także wielu pięknych portretów: Lwa Tołstoja, Iwana Szyszkina, Dmitrija Mendelejewa. Ale lepiej, aby dzieci zaczęły zapoznawać się z jego twórczością od magicznego obrazu „Syreny”, z którym wiąże się historia.
W sierpniu 1871 roku artysta Iwan Kramskoj odwiedził wiejską posiadłość swojego przyjaciela, miłośnika sztuki i słynnego filantropa Pawła Stroganowa. Spacerując wieczorami podziwiał księżyc i zachwycał się jego magicznym światłem. Podczas tych spacerów artysta postanowił namalować nocny pejzaż i spróbować przekazać cały urok, całą magię księżycowej nocy, aby – jak sam mówi – „złapać księżyc”.
Kramskoy rozpoczął pracę nad obrazem. W księżycową noc ukazał się brzeg rzeki, a na nim pagórek i dom otoczony topolami. Krajobraz był piękny, jednak czegoś mu brakowało – magia nie zrodziła się na płótnie. Z pomocą artyście przyszła książka Mikołaja Gogola „Wieczory na farmie niedaleko Dikanki”, a raczej opowieść zatytułowana „Noc majowa, czyli utopiona kobieta” - bajeczna i trochę przerażająca. I wtedy na zdjęciu pojawiły się syreny, oświetlone światłem księżyca.
Artysta tak starannie pracował nad obrazem, że zaczął o nim marzyć i ciągle chciał coś w nim dokończyć. Rok po zakupie przez założyciela Galerii Trietiakowskiej Pawła Tretiakowa Kramskoj po raz kolejny chciał coś w nim zmienić i wprowadził drobne zmiany bezpośrednio w sali wystawowej.
Płótno Kramskoja stało się pierwszym „bajkowym” obrazem w historii malarstwa rosyjskiego.
2. Wasilij Wierieszczagin. „Apoteoza wojny”, 1871
Tak się złożyło, że ludzie zawsze walczyli. Od niepamiętnych czasów odważni przywódcy i potężni władcy wyposażali swoje armie i wysyłali je na wojnę. Oczywiście chcieli, aby o ich wyczynach wojskowych dowiedzieli się odlegli potomkowie, dlatego poeci pisali wiersze i piosenki, a artyści tworzyli piękne obrazy i rzeźby. Na tych obrazach wojna zwykle wyglądała jak święto – jasne kolory, nieustraszeni wojownicy wyruszający na bitwę…
Artysta Wasilij Vereshchagin wiedział o wojnie z pierwszej ręki - nie raz brał udział w bitwach - i namalował wiele obrazów, na których przedstawiał to, co widział na własne oczy: nie tylko dzielnych żołnierzy i ich dowódców, ale także krew, ból i cierpienie .
Któregoś dnia zastanawiał się, jak w jednym obrazie pokazać wszystkie okropności wojny, jak uświadomić widzowi, że wojna to zawsze smutek i śmierć, jak pozwolić innym przyjrzeć się jej obrzydliwym szczegółom? Zdał sobie sprawę, że nie wystarczy namalować obrazu pola bitwy usianego poległymi żołnierzami – takie płótna istniały już wcześniej. Vereshchagin wymyślił symbol wojny, obraz, na który każdy może sobie wyobrazić, jak straszna jest każda wojna. Namalował spaloną pustynię, pośrodku której wznosi się piramida ludzkich czaszek. Wokół są tylko suche, martwe drzewa i tylko wrony latają na swoją ucztę. W oddali widać zniszczone miasto, a widz łatwo się domyślić, że tam też nie ma już życia.
3. Aleksiej Sawrasow. „Przybyły gawrony”, 1871
Obraz „Przybyły gawrony” znają wszyscy od dzieciństwa i chyba każdy pisał o nim szkolne wypracowania. A dzisiaj nauczyciele z pewnością opowiedzą dzieciom o lirycznych pejzażach Savrasova i że już w nazwie tego obrazu słychać radosną zapowiedź poranka roku i wszystko w nim jest wypełnione głębokim, bliskim sercu znaczeniem. Tymczasem niewiele osób wie, że słynne „Wieże…”, a także wszystkie inne dzieła Savrasowa, mogły w ogóle nie istnieć.
Aleksiej Sawrasow był synem małego moskiewskiego pasmanterysty. Chęć chłopca do zajęcia się malarstwem nie wywołała zachwytu u rodziców, niemniej jednak Kondrat Savrasow wysłał syna do Moskiewskiej Szkoły Malarstwa i Rzeźby. Zarówno nauczyciele, jak i koledzy z klasy dostrzegli talent młodego artysty i przepowiadali mu wspaniałą przyszłość. Okazało się jednak, że Aleksiej, nawet nie studiując przez rok, najwyraźniej z powodu choroby matki, był zmuszony przerwać naukę. Jego nauczyciel Karl Rabus zwrócił się o pomoc do szefa moskiewskiej policji, generała dywizji Iwana Łużyna, który pomógł utalentowanemu młodemu człowiekowi zdobyć wykształcenie artystyczne.
Gdyby Łużyn nie wziął udziału w losach młodego artysty, jeden z najsłynniejszych obrazów w historii malarstwa rosyjskiego nigdy by się nie narodził.
4. Wasilij Polenow. „Dziedziniec moskiewski”, 1878
Czasami, aby namalować piękny obraz, artysta dużo podróżuje, długo i skrupulatnie szuka najpiękniejszych widoków, aż w końcu odnajduje upragnione miejsce i raz po raz przychodzi tam ze szkicownikiem. Zdarza się też, że aby stworzyć wspaniałe dzieło, wystarczy podejść do własnego okna, popatrzeć na zupełnie zwyczajny moskiewski dziedziniec - i dzieje się cud, pojawia się niesamowity krajobraz, wypełniony światłem i powietrzem.
To jest dokładnie cud, który przydarzył się artyście Wasilijowi Polenowi, który na początku lata 1878 roku wyjrzał przez okno swojego mieszkania i dość szybko namalował to, co zobaczył. Chmury płynnie przesuwają się po niebie, słońce wschodzi coraz wyżej, ogrzewając swoim ciepłem ziemię, rozświetlając kopuły kościołów, skracając gęste cienie... Wydawałoby się, że jest to prosty obraz, którego sam artysta nie wykonał początkowo poważnie: napisał to i prawie o tym zapomniał. Ale potem został zaproszony do wzięcia udziału w wystawie. Nie miał nic znaczącego, a Polenov postanowił wystawić „Dziedziniec Moskiewski”.
Co dziwne, to właśnie ten „nieistotny obraz” przyniósł sławę i chwałę Wasilijowi Polenowowi - uwielbiała go zarówno publiczność, jak i krytycy: ma ciepło i jasne kolory, a na jego bohaterów można patrzeć bez końca, wymyślając historię o każdym z nich .
5. Iwan Szyszkin. „Poranek w sosnowym lesie”, 1889
„Poranek w sosnowym lesie” Iwana Szyszkina to prawdopodobnie najsłynniejszy obraz z kolekcji Galerii Trietiakowskiej. W naszym kraju znają to wszyscy dzięki reprodukcjom w podręcznikach szkolnych, a może dzięki czekoladkom „Miś Niedźwiedź”.
Ale nie wszyscy wiedzą, że sam Szyszkin namalował tylko poranny las w mglistej mgle i nie ma nic wspólnego z niedźwiedziami. Obraz ten jest owocem wspólnej twórczości Szyszkina i jego przyjaciela, artysty Konstantina Sawickiego.
Iwan Szyszkin był niedoścignionym mistrzem przedstawiania wszelkiego rodzaju subtelności botanicznych - krytyk Aleksander Benois skarcił go za zamiłowanie do fotograficznej dokładności, nazywając jego obrazy martwymi i zimnymi. Ale artysta nie przyjaźnił się z zoologią. Mówią, że właśnie dlatego Szyszkin zwrócił się do Savickiego z prośbą o pomoc przy niedźwiedziach. Savitsky nie odmówił przyjacielowi, ale nie traktował swojej pracy poważnie - i nie podpisał.
Później Paweł Tretiakow kupił ten obraz od Szyszkina, a artysta zaprosił Savitsky'ego do pozostawienia podpisu na obrazie - w końcu wspólnie nad nim pracowali. Savitsky tak zrobił, ale Tretiakowowi się to nie podobało. Oświadczając, że kupił obraz od Szyszkina, ale nie chce nic wiedzieć o Sawickim, zażądał rozpuszczalnika i własnoręcznie usunął „dodatkowy” podpis. I tak się złożyło, że dziś Galeria Trietiakowska wskazuje na autorstwo tylko jednego artysty.
6. Wiktor Wasniecow. „Bogatyry”, 1898
Wiktor Wasniecow uważany jest za najbardziej „bajecznego” artystę w historii malarstwa rosyjskiego - to jego pędzel stworzył tak słynne dzieła, jak „Alyonushka”, „Rycerz na rozdrożu”, „Bohaterski skok” i wiele innych. Ale jego najsłynniejszym obrazem jest „Bogatyr”, który przedstawia głównych bohaterów rosyjskich eposów.
Sam artysta tak opisał obraz: „Bohaterowie Dobrynya, Ilya i Alyosha Popovich wyruszają na bohaterską wycieczkę - zauważają na polu, czy gdzieś jest wróg, czy kogoś obrażają?”
Pośrodku, na czarnym koniu, Ilja Muromiec spogląda spod dłoni w dal, bohater w jednej ręce trzyma włócznię, a w drugiej maczugę adamaszkową. Po lewej stronie, na białym koniu, Dobrynya Nikiticch wyjmuje miecz z pochwy. Po prawej stronie, na czerwonym koniu, Alosza Popowicz trzyma w rękach łuk i strzały. Z bohaterami tego obrazu – a raczej z ich prototypami wiąże się ciekawa historia.
Wiktor Wasniecow długo zastanawiał się, jak powinien wyglądać Ilya Muromets i przez długi czas nie mógł znaleźć „właściwej” twarzy - odważnej, uczciwej, wyrażającej zarówno siłę, jak i życzliwość. Ale pewnego dnia, zupełnie przez przypadek, spotkał chłopa Iwana Pietrowa, który przyjechał do Moskwy, aby zarobić pieniądze. Artysta był zdumiony – na moskiewskiej ulicy zobaczył prawdziwego Ilyę Muromets. Chłop zgodził się pozować Wasniecowowi i... pozostał przez wieki.
W eposach Dobrynya Nikitich jest dość młody, ale z jakiegoś powodu obraz Wasnetsowa przedstawia mężczyznę w średnim wieku. Dlaczego artysta zdecydował się na tak swobodne operowanie baśniami ludowymi? Rozwiązanie jest proste: Wasnetsow przedstawił się na obrazie Dobrej, wystarczy porównać zdjęcie z portretami i fotografiami artysty.
7. Walentin Sierow. „Dziewczyna z brzoskwiniami. Portret V. S. Mamontowej”, 1887
„Dziewczyna z brzoskwiniami” to jeden z najsłynniejszych portretów w historii malarstwa rosyjskiego, namalowany przez artystę Walentina Serowa.
Dziewczyna na portrecie to Verochka, córka filantropa Savvy Mamontova, którego dom artysta często odwiedzał. Co ciekawe, leżące na stole brzoskwinie nie zostały przywiezione z ciepłych regionów, ale rosły niedaleko Moskwy, właśnie w majątku Abramcewo, co w XIX wieku było czymś zupełnie niezwykłym. Mamontow miał do pracy ogrodnika-magika - w jego zręcznych rękach drzewa owocowe kwitły nawet w lutym, a żniwa zbierano już na początku lata.
Dzięki portretowi Sierowa Vera Mamontova przeszła do historii, ale sam artysta przypomniał sobie, jak trudno było mu przekonać do pozowania 12-letnią dziewczynkę o niezwykle niespokojnym charakterze. Sierow pracował nad obrazem przez prawie miesiąc, a Vera codziennie przez kilka godzin siedziała spokojnie w jadalni.
Praca nie poszła na marne: kiedy artysta zaprezentował portret na wystawie, obraz bardzo się spodobał publiczności. A dziś, ponad sto lat później, „Dziewczyna z brzoskwiniami” zachwyca odwiedzających Galerię Trietiakowską.
8. Ilja Repin. „Iwan Groźny i jego syn Iwan 16 listopada 1581 r.”, 1883–1885.
Patrząc na ten czy inny obraz, często zastanawiacie się, co było źródłem inspiracji artysty, co skłoniło go do namalowania właśnie takiego dzieła? W przypadku obrazu Ilji Repina „Iwan Groźny i jego syn Iwan 16 listopada 1581 r.” wcale nie jest łatwo odgadnąć prawdziwe przyczyny.
Obraz przedstawia legendarny epizod z życia Iwana Groźnego, kiedy w przypływie gniewu zadał śmiertelny cios swemu synowi, carewiczowi Iwanowi. Jednak wielu historyków uważa, że w rzeczywistości nie doszło do morderstwa, a książę zmarł z powodu choroby, a wcale nie z ręki ojca. Wydawałoby się, co mogłoby zmusić artystę do sięgnięcia po tak historyczny epizod?
Jak wspomina sam artysta, pomysł namalowania obrazu „Iwan Groźny i jego syn Iwan” przyszedł mu do głowy po... koncercie, na którym usłyszał muzykę kompozytora Rimskiego-Korsakowa. Była to suita symfoniczna „Antar”. Dźwięki muzyki pochwyciły artystę, który chciał urzeczywistnić w malarstwie nastrój, który powstał w nim pod wpływem tego dzieła.
Ale muzyka nie była jedynym źródłem inspiracji. Podróżując po Europie w 1883 roku, Repin wziął udział w walce byków. Widok tego krwawego spektaklu zrobił wrażenie na artyście, który napisał, że „zarażony... tą krwią, po powrocie do domu natychmiast rozpoczął krwawą scenę „Iwan Groźny z synem”. A zdjęcie krwi okazało się wielkim sukcesem.”
9. Michaił Wrubel. „Siedzący demon”, 1890
Jak czasami tytuł obrazu wiele znaczy. Co widzi widz, gdy po raz pierwszy spojrzy na obraz Michaiła Vrubela „Siedzący demon”? Muskularny młody człowiek siedzi na skale i ze smutkiem patrzy na zachód słońca. Ale gdy tylko wypowiemy słowo „demon”, natychmiast pojawia się obraz magicznego złego stworzenia. Tymczasem demon Michaiła Wrubela wcale nie jest złym duchem. Sam artysta nie raz mówił, że demon jest duchem „nie tyle złym, co cierpiącym i bolesnym, ale jednocześnie duchem potężnym,… majestatycznym”.
Obraz ten jest interesujący ze względu na technikę malarską. Artysta nakłada farbę na płótno nie zwykłym pędzlem, ale cienką stalową płytką – szpachelką. Technika ta pozwala łączyć techniki malarza i rzeźbiarza, dosłownie „rzeźbiąc” obraz za pomocą farb. W ten sposób uzyskuje się efekt „mozaiki” – wydaje się, że niebo, skały, a nawet samo ciało bohatera nie są pomalowane farbą, ale ułożone ze starannie wypolerowanych, być może nawet szlachetnych kamieni.
10. Aleksander Iwanow. „Pojawienie się Chrystusa ludowi (pojawienie się Mesjasza)”, 1837–1857.
Obraz Aleksandra Iwanowa „Pojawienie się Chrystusa ludziom” to wyjątkowe wydarzenie w historii malarstwa rosyjskiego. Nie jest łatwo rozmawiać o tym z dziećmi, zwłaszcza 6-7-letnimi, ale zdecydowanie powinny one zobaczyć to monumentalne płótno, na którym artysta pracował ponad 20 lat i które stało się dziełem jego życia.
Fabuła obrazu oparta jest na trzecim rozdziale Ewangelii Mateusza: Jan Chrzciciel, chrzcząc naród żydowski nad brzegiem Jordanu w imię oczekiwanego Zbawiciela, nagle widzi Go nadchodzącego, w imię którego chrzci ludzi . Dzieci poznają później cechy kompozycyjne obrazu, jego symbolikę i język artystyczny. Podczas pierwszej znajomości warto porozmawiać o tym, jak jeden obraz stał się dziełem życia artysty.
Po ukończeniu studiów w petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych Aleksander Iwanow został wysłany „na staż” do Włoch. „Pojawienie się Chrystusa ludowi” miało być dziełem dokumentalnym. Ale artysta podchodzi do swojej pracy bardzo poważnie: uważnie studiuje Pismo Święte, historię, spędza miesiące na poszukiwaniu pożądanego krajobrazu, spędza nieskończoną ilość czasu na poszukiwaniu obrazu dla każdej postaci na zdjęciu. Kończą się pieniądze, które mu przydzielono na pracę, Iwanow prowadzi nędzną egzystencję. Żmudna praca nad obrazem doprowadziła do uszkodzenia wzroku artysty i konieczności długotrwałego leczenia.
Kiedy Iwanow ukończył swoje dzieło, włoska publiczność przyjęła obraz z entuzjazmem, co było jednym z pierwszych przypadków europejskiego uznania rosyjskiego artysty. W Rosji nie od razu to doceniono – dopiero po śmierci artysty przyszła do niego prawdziwa sława.
Pracując nad obrazem, Iwanow stworzył ponad 600 szkiców. W pomieszczeniu, w którym jest wystawiona, można zobaczyć niektóre z nich. Interesujące jest wykorzystanie tych przykładów do prześledzenia, w jaki sposób artysta pracował nad kompozycją, krajobrazem i wizerunkami postaci na obrazie.
Wybór rekordów
