Wkład tego artysty do skarbnicy światowej sztuki nie został jeszcze w pełni doceniony. Po wiekach zapomnienia po śmierci jego dzieło zostało uznane za największe osiągnięcie realizmu. Jego martwe natury i obrazy rodzajowe zdobią ekspozycje największych muzeów świata. Jego technika i styl pisania są studiowane w akademiach sztuki na całym świecie. Ponad wszystko kochał pisać owoce...
Niewiele wiadomo o dzieciństwie i młodości Chardina. Wszystkie jego biografie zaczynają się od momentu, gdy mistrz miał już 30 lat. Autentycznie wiadomo, że artysta urodził się w rodzinie stolarza. Nie wiadomo również, gdzie Chardin otrzymał wykształcenie artystyczne, najprawdopodobniej jego szkołą jest warsztat Noela Kuapela, w którym mistrz pracował jako asystent. Wiarygodnie wiadomo również, że przez całe życie Chardin nie przekraczał granic.
Pracując w warsztacie uznanego mistrza, młody Chardin wykonywał zadania związane z wizerunkiem akcesoriów i detali obrazów właściciela. Niezwykła skrupulatność i dokładność w pracy, odpowiedzialna postawa - wszystkie te cechy sprawiły, że coraz częściej szczegóły obrazów Kuapela wyglądały lepiej niż całość dzieła. Właściciel Chardina, zdając sobie sprawę, że z ucznia wyrósł prawdziwy mistrz, proponuje swojemu pracownikowi oddanie części jego prac na wystawę „debiutantów”, która odbyła się w Paryżu na Dauphine Square.
Na wystawie zauważono prace Chardina. Wrażenie było tak silne, że wielu było przekonanych, że stoją przed nimi dzieła mistrzów holenderskich z XVII wieku. Jeden z honorowych członków Akademii zaproponował mistrzowi nowicjuszowi wystawienie swoich prac w murach najbardziej prestiżowej sali wystawowej. Kilka lat później asystent, praktykant, asystent Chardin zostaje członkiem Akademii Francuskiej, nagrany z napisem „przedstawienie owoców i scen codziennych”.
Artysta przez całe swoje twórcze życie malował życie „trzeciego stanu”. Idąc wbrew modzie, która nakazywała trzymać się rycerskiego stylu, sztuki pustej, ale eleganckiej, mającej zdobić i ożywiać wnętrza, mistrz skazał się na wieczną ekskluzywność i izolację. Otrzymał zamówienia na martwe natury w stylu holenderskiego baroku. A jego dzieła gatunkowe docenili tylko najbardziej przenikliwi współcześni (Didero podziwiał jego obrazy, a francuscy encyklopedyści entuzjastycznie wypowiadali się o jego twórczości w swoich publikacjach). Rodacy zapomnieli o mistrzu zaraz po jego śmierci. Potem była rewolucja, fala romantyzmu, potem wspaniały styl empirowy objął twórczość realistów XVIII wieku.
Dopiero w drugiej połowie XIX wieku, kiedy rozwój malarstwa zbliżył się do realizmu, dzieło Chardina stało się wzorem i najwyższym punktem odniesienia dla mistrzów zachodniej kultury. Dzieła mistrza podziwiają dziś nie tylko koneserzy sztuki, ale także najbardziej niedoświadczeni widzowie.
Jean Baptiste Simeon Chardin (1699-1779) – francuski malarz, jeden z najsłynniejszych artystów XVIII wieku i jeden z najwybitniejszych kolorystów w historii malarstwa, znany ze swoich prac w dziedzinie martwej natury i malarstwa rodzajowego.
Biografia Jean Baptiste Siméon Chardin
Chardin, uczeń Pierre-Jacquesa Cazy i Noela Coypela, urodził się i spędził całe życie w paryskiej dzielnicy Saint-Germain-des-Pres. Nie ma dowodów na to, że kiedykolwiek podróżował poza stolicę Francji. Pomagając Kuapelowi w wykonywaniu akcesoriów na jego obrazach, nabył niezwykłej sztuki przedstawiania wszelkiego rodzaju przedmiotów nieożywionych i postanowił poświęcić się wyłącznie ich reprodukcji.
Kreatywność Chardin
Paryskiej publiczności wcześnie dał się poznać jako znakomity mistrz martwej natury. Było to w dużej mierze zasługą paryskiej „wystawy debiutantów”, która odbyła się na Place Dauphine. Tak więc w 1728 r. Przedstawił tam kilka płócien, wśród których była martwa natura „Scat”. Obraz wywarł wrażenie na Nicolasie de Largillière, honorowym członku Francuskiej Akademii Malarstwa i Rzeźby, do tego stopnia, że zaprosił młodego artystę do wystawienia swoich prac w murach akademii.
Następnie malarz nalegał, aby Chardin ubiegał się o miejsce w Akademii. Już we wrześniu jego kandydatura została przyjęta, a on został wymieniony jako „przedstawienie kwiatów, owoców i scen rodzajowych”.
Doskonale opanowując znajomość relacji kolorystycznych, Chardin subtelnie wyczuwał wzajemne powiązania przedmiotów i oryginalność ich struktury.
Diderot podziwiał umiejętność, z jaką artysta sprawia, że czujesz ruch soków pod skórką owocu. W kolorze przedmiotu Chardin dostrzegł wiele odcieni i przekazał je małymi pociągnięciami. Jego biały kolor jest utkany z podobnych odcieni. Szare i brązowe odcienie, które posiadał Chardin, są niezwykle liczne. Przenikające płótno promienie światła nadają przedmiotowi wyrazistość i wyrazistość.
Obrazy malarstwa rodzajowego, wyróżniające się naiwną prostotą treści, siłą i harmonią kolorów, miękkością i bogactwem pędzla, jeszcze bardziej niż poprzednie prace Chardina, wyróżniały go spośród wielu współczesnych artystów i umacniały jedną z jego wybitne miejsca w historii malarstwa francuskiego. W 1728 został przydzielony do paryskiej Akademii Sztuk Pięknych, w 1743 wybrany do jej doradców, w 1750 objął stanowisko jej skarbnika; ponadto od 1765 był członkiem Akademii Nauk, Literatury i Sztuk Pięknych w Rouen.
W dziełach z różnych lat i różnych gatunków, takich jak Praczka (1737), Słoik oliwek (1760) czy Atrybuty sztuki (1766), Chardin zawsze pozostaje znakomitym rysownikiem i kolorystą, artystą „spokojnego życia”, codzienność poety; jego spojrzenie i czułe spojrzenie uduchawia najbardziej przyziemne przedmioty.
W ostatnich latach życia Chardin zwrócił się ku pastelom i stworzył kilka wspaniałych portretów (autoportret, 1775), w których pokazał wrodzoną subtelność emocjonalną, ale i umiejętność analizy psychologicznej.
Encyklopedyści zrobili wiele, aby szerzyć sławę Chardina, który swoją „burżuazyjną” sztukę przeciwstawiał artystom dworskim „oderwanym od ludu” - mistrzom winiet erotycznych i duszpasterskich w duchu rokoka.
Diderot porównał swoje umiejętności do czarów:
„Och, Chardin, to nie białe, czerwone i czarne farby szlifujesz na swojej palecie, ale sama esencja przedmiotów; bierzesz powietrze i światło czubkiem pędzla i kładziesz je na płótnie!”
Praca artysty
- Pani Chardin
- Gotuj czyszczenie rzepy
- Praczki
- blokada karty
- Modlitwa przed obiadem
- dziewczyna czyta list
- Atrybuty sztuki
- Martwa natura z indykiem
- Martwa natura z owocami
- Martwa natura
- Miedziany zbiornik na wodę
- pracowita matka
Biografia wielkiego francuskiego artysty Chardina(1699-1779) jest pozbawiony pamiętnych wydarzeń i jasnych dat. To oczywiście nie oznacza, że Chardin żył spokojnie. Nie, znał też wielki smutek: jako mężczyzna w średnim wieku stracił ukochaną żonę i dwójkę dzieci. „Te straty” – zeznał biograf – „doświadczył na swój sposób – pracując”.
Jean Baptiste Simeon Chardinżył godnie, nigdy nie wykrętując, zajmując się tylko swoją sztuką, której z ufnością i pasją poświęcił się we wczesnej młodości. Po swoim ojcu, snycerzu, malarzu i rzemieślniku, Chardin odziedziczył zamiłowanie do sztuki. Pracował, uważając malarstwo za rzemiosło, umiejętność manualną wymagającą przede wszystkim umiejętności, uczciwości i pracy. A pierwszą rzeczą, która urzeka dziś widza w pracach Chardina, jest spokojna pewność mistrza znającego się na rzemiośle. Przesądy, uwodzenia i fantazje jego genialnego wieku pozostawały gdzieś poza murami jego warsztatu i prawdopodobnie poza jego polem widzenia… Ale Chardin wcale nie był pustelnikiem. Wręcz przeciwnie, był towarzyski, przyjacielski i pełen szacunku dla samego siebie, nie szukając ich specjalnie, zawsze był szczęśliwy. Na szczęście prawie nie znał potrzeby. Prace Chardina były zawsze chętnie kupowane, a po przedstawieniu Chardina królowi Ludwikowi XV w 1740 r. Otrzymał kolejną emeryturę, która rosła wraz ze śmiercią innych „królewskich” artystów (na przykład Boucher): ich emerytury zostały dodane do emerytury Chardina. Ponadto, zostając akademikiem w wieku czterdziestu lat, Chardin zostaje później doradcą akademii, a następnie skarbnikiem. Stanowisko skarbnika, jednego z pierwszych w Akademii Sztuk Pięknych, na zawsze zapewniło mu honor i niezależną pozycję...
Chardin zwykle zaczynał, jak wszyscy inni: pracował jako praktykant u mistrzów - Kaza, Kuapela, później - Vanloo. Na płótnach swoich nabojów malował przedmioty nieożywione: broń w scenie polowania, zabitą zwierzynę, artykuły gospodarstwa domowego, owoce, warzywa, kwiaty. Przyszły geniusz martwej natury pozostawił swoje pierwsze eksperymenty nierozpoznane, pod fałszywym nazwiskiem... Chardin jest rzadkim przykładem artysty, który tworzył bez nauczyciela. Chardin był głęboko obojętny na szkołę pompatycznego i szczupłego malarstwa historycznego. Nic mu nie dała. A jeśli nadal mówimy o terminowaniu Chardina, to studiował on u starych mistrzów flamandzkich i holenderskich, z miłością uważny na codzienne życie, rysując uważnie i dobrodusznie podglądane momenty życia. Niewątpliwie stworzony przez nich świat, niezwykle rzetelny w szczegółach, ale generalnie nieco odmieniony, fantastyczny, był dla Chardina źródłem inspiracji i szkołą mistrzostwa.
Jean Baptiste Chardin: obrazy
Obrazy rodzajowe Chardina przedstawiają „sceny z życia codziennego”, życie przytulne i ustabilizowane: modlitwę przed obiadem, guwernantkę z wystrojoną młodą damą przed lustrem, powrót do zdrowia pacjenta, chłopca z bączkiem, dziewczyna z lotką...
Gatunki Chardin wyróżniają się prostotą treści, siłą i harmonią kolorów, miękkością i soczystością pędzla. Ponadto niesamowita jest wizja Chardina, który potrafił dostrzec za prostotą treści złożone życie obiektów w powietrzu, refleksy koloru, grę koloru i światła, grę koloru i konturu; Chardin potrafił to wszystko przekazać wyczerpująco, aż do złudzenia rzeczywistości i z niezwykłą bezpośredniością, jak wielki Holender. I tutaj oczywiście możemy mówić o pokrewieństwie stylu, bliskości światopoglądu, o wszystkim, ale nie o naśladownictwie, chociaż pierwsi wielbiciele porównywali Chardina z mistrzami Holandii i Flandrii.
Pierwszą pracą, która naprawdę wychwalała Chardina, był… znak drogowy. Dla ustanowienia paryskiego fryzjera, a jednocześnie chirurga, Chardin napisał pojedynek, który zakończył się rozlewem krwi, a cały Paryż zebrał się, by spojrzeć na tę przejmującą scenę i podziwiać mistrzowskie przedstawienie ludzi, koni, powozów… Nie jest jasne, dlaczego Chardin napisał ten znak. Dla pieniędzy? Dla eksperymentu? Ten znak jest jedynym ustępstwem Chardina na rzecz ogólnie przyjętej wówczas idei fabuły. Zazwyczaj Chardin oznacza tylko motyw, który daje zewnętrzną przyczynę pracy pędzla i wyobraźni. Obraz „Powrót z rynku”- ona jest przed tobą - świadczy o tym.
Chardin: Powrót z rynku. Opis obrazka
Obraz „Powrót z rynku” (1739) jest napisany małymi, gęstymi pociągnięciami, warstwa farby jest jakby uformowana pędzlem.
Duże bochenki przyniesione przez gospodynię, gliniany garnek stojący na stole, wypukłe butelki z grubego szkła – wszystko to zostało zrobione z głębokim zrozumieniem budowy rzeczy, ich plastycznej wyrazistości… Na lewo od centralnej postaci to otwarte drzwi do innego pomieszczenia, w którym znajduje się duży miedziany zbiornik na wodę, aw głębi kolejne drzwi, na ich tle postać kobieca.
Chardin tworzy poetycki i obszerny obraz życia, w którym kobiety, chleb, butelki na podłodze nie są ważne same w sobie, osobno, ale ich wzajemne powiązanie, interakcja między nimi. Ostrożnie, jak naukowiec i entuzjastycznie, jak poeta, Chardin nigdy nie męczył się badaniem tej pierwotnej interakcji powietrza, ludzi i przedmiotów. W tym dla Chardina była esencja. „Używają farb”, powiedział, „ale piszą z wyczuciem”. Chardina ożywiało poczucie ukrytej jednorodności wszystkiego w naturze. Prawdopodobnie dlatego Chardin w 1756 roku porzucił ten gatunek na zawsze i zajął się niemal wyłącznie martwą naturą, która była bardziej odpowiednia dla jego celów. I tak Chardin osiągnął najwyższy blask w obrazie najtrudniejszym do zobrazowania: powietrzu i bieli. Tutaj zwykle skromny i bezpretensjonalny Chardin zamienił się w filozofa. „O Chardinie! Diderot wykrzyknął: „To nie białe, czerwone i czarne farby szlifujesz na swojej palecie: bierzesz samą materię, powietrze i światło na czubku pędzla i kładziesz to na płótnie…”
Najlepszy z nielicznych namalowanych portretów Chardin,- Ten autoportret 1771.
Został wykonany w pastelach, ponieważ z powodu choroby oczu mistrz został zmuszony do odejścia od oleju. Chardin portretował się z łatwością: w szlafmycy z niebieską wstążką, w brązowej domowej kurtce i apaszce, z pince-nez zsuwającym się z nosa. Tym bardziej, że w przeciwieństwie do nędznego spojrzenia, przenikliwe, młode spojrzenie zniedołężniałych oczu znad pince-nez oddziałuje na widza. Jest to pogląd artysty, który na starość osiągnął tę czystość i swobodę stylu, kiedy kunszt graniczy z wszechmocą.
V. Aleksiejew na podstawie czasopisma „Rodzina i Szkoła”, 1974
Wiek XVIII to czas wspaniałego rozkwitu kultury francuskiej. Przedrewolucyjna Francja była dla całej Europy niezaprzeczalnym prekursorem mody i gustów, zainteresowań literackich i filozoficznych, stylu życia. Wszystko to zostało zmiecione przez rewolucję 1789 roku. W tamtych czasach było takie powiedzenie: kto nie mieszkał we Francji przed rewolucją, ten nie wie, czym jest prawdziwe życie. Chodziło o wszelkiego rodzaju przyjemności - estetyczne i inne, które osiągnęły szczególne wyrafinowanie w okresie przedrewolucyjnym.
Wysoki poziom merytoryczny sztuki demonstrowano corocznie na wystawach zwanych Salonami, do których prace wybierało surowe akademickie jury. Z kapryśnej dekoracji wnętrz rozwinął się styl rokoko, który obejmował różne rodzaje i gatunki sztuk plastycznych i użytkowych wchodzących w skład zespołu wystroju wnętrz. W tej różnorodności i błyskotliwości nie trudno się zgubić nawet wybitnemu mistrzowi kompozycji akademickich. Ale Chardin, który nigdy nie malował obrazów historycznych, formalnych portretów ani szarmanckich scen rocaille, ograniczając się do „najniższych” gatunków - martwej natury i życia codziennego, nie tylko nie zgubił się, ale okazał się wyższy i ważniejszy niż wszystkie ten błyskotliwy blichtr rokokowego i salonowego akademizmu stał się centralną postacią malarstwa francuskiego XVIII wieku i jednym z najwybitniejszych artystów zachodnioeuropejskich.
Chardin pochodził z paryskiego środowiska rzemieślniczego, jego ojciec był rzemieślnikiem specjalizującym się w produkcji stołów bilardowych. Środowisko to odznaczało się surowymi obyczajami i pracowitością, mąż wstawał wcześnie i od rana do wieczora przygotowywał produkty na zamówienie lub na sprzedaż, osiągając najwyższą jakość, a żona zajmowała się domem. Żyli przyjemnie, w surowości, oszczędnie i trzeźwo, rozsądnie i pracowicie, a całe ich życie było ubarwione miłością do ogniska domowego, bliskich, tradycji rodzinnych, wysokim patosem godności ludzkiej, który przejawia się w pokorze i pobożnej pracy nie mniej niż w arystokratycznych pojedynkach i militarnych wyczynach.
Ten sposób środowiska rzemieślniczego stanie się zarówno tematem wizerunku Chardina, jak i duchem, który karmi jego pracę i kształtuje jego niesamowity styl. Ojciec artysty wydzierał się, pracowicie szlifując powierzchnię stołu bilardowego, najmniejsze nierówności, na których zamieniał go w tani stół kuchenny niewarty wydanych materiałów. Z tą samą wytrwałością i znaczącym zapałem Chardin ślęczał nad swoimi małymi obrazkami od wczesnej młodości aż do śmierci w podeszłym wieku. Pisał je długo, z miłością, pilnie i starannie.
Wyszkolony przez malarzy akademickich, mistrzów malarstwa historycznego z Vanloo i Kuapel, Chardin powstrzymał się jednak od pisania obrazów historycznych. Całe życie ubolewał, że nie ma należytego wykształcenia, nie zna mitologii, historii i literatury, a zatem nie potrafi kompetentnie podjąć się historycznej fabuły. Malował więc to, co dobrze znał – przedmioty otaczające paryskiego kupca, przytulne wnętrza, w których mieszkał.
Pierwszymi dziełami artysty były martwe natury, trofea kuchenne i myśliwskie (nie bez wpływu Vanloo), w których starał się stanąć „na palcach” w niższym gatunku martwej natury, nadając jej arystokratyczny charakter myśliwski, następnie obficie barokowy, jeśli są to przedmioty kuchenne. Jego wczesne płótna odniosły sukces w środowisku zawodowym, a po krótkim pobycie w skromnej pomniejszej Akademii św. Łukasza dwudziestodziewięcioletni Chardin w 1628 roku został przyjęty do królewskiej akademii sztuk w specjalności „ martwa natura". W Akademii Chardin jako człowiek skromny, sumienny i życzliwy zakorzenił się i był jej stałym skarbnikiem oraz przewodniczącym zebrań. Z jego wypowiedzi zachował się apel: „Więcej łagodności, panowie, więcej łagodności” – mówią, nie ma co się krytykować, rzemiosło artysty jest bardzo trudne, rzadkość osiąga ten, który studiował przez dziesięciolecia sukces, wielu nigdy nie zostało artystami, porzuciło to trudne zajęcie, zostając żołnierzami lub aktorami; nawet za przeciętnym obrazem stoją dziesięciolecia studiów i lata żmudnej pracy nad tym płótnem. Przy takiej miękkości Chardin nie był jednak całkowicie nieszkodliwy. Na wystawie w Salonie mógł wywiesić zdjęcia akademików, kontrastując z nimi dyskretnie podkreślając ich wady; ale w swoich wypowiedziach był niezwykle ostrożny i życzliwy.
Na szczególną uwagę zasługuje Salon. Jest to coroczny przegląd najlepszych prac stworzonych przez najlepszych artystów Francji, do którego prace zostały wybrane przy pomocy kompetentnego jury. Takie wystawy z kapryśną i kwalifikowaną selekcją są ważnym warunkiem rozwoju sztuki: gdyby sztukę oceniali tylko klienci, to sztuka nigdy nie wzniosłaby się ponad podobne portrety, cukierkowe pejzaże i spójne ideowo obrazy ołtarzowe. Utrzymanie wysokiego poziomu profesjonalnego i obsługiwanego salonu. Wybrane przez jury prace, niezależnie od tego, jak bardzo były akademickie i „salonowe”, miały jedną ważną zaletę – były pracami mistrzowskimi, profesjonalnymi. A utalentowany amator mógł się rozwijać, mając poziom tych salonów jako kamerton dla swojej działalności. Produkcja „geniuszy” wymaga środowiska silnych przeciętnych profesjonalistów.
Zostając akademikiem i otrzymując regularne opłacalne zamówienia, Chardin poprawił się raz na zawsze we wszystkich wybranych gatunkach. Maluje martwe natury, w których, osiągając malarską doskonałość, przechodzi od wczesnych kompozycji wielosylabowych do coraz prostszych, skromnych przedstawień trzech do pięciu najczęściej spotykanych przedmiotów, które przenosi z martwej natury do martwej natury - szklanki, przekrzywionej butelki ciemne szkło, moździerz miedziany, miska gliniana, czasem pojawia się porcelanowy dzbanek; do sztućców dodaje kiść winogron i połamany granat, częściej jabłko, ziemniak, cebulę, parę jajek, muchę i karalucha, stałych bywalców kuchennych wnętrz. Im prostsza inscenizacja najzwyklejszych przedmiotów, tym trudniejsze staje się malowanie i kompozycja. Kompozycja to nie produkcja, można nałożyć na nią najbardziej luksusowe obiekty, najbardziej skomplikowane dekoracje architektoniczne oraz najpiękniejszych i najliczniejszych modelek w najróżniejszych i najdroższych strojach, a kompozycja z tej luksusowej produkcji może okazać się prymitywna, banalna, nudne i raczej nieskomplikowane, ale trzeszczące. Wręcz przeciwnie, przy najskromniejszym zestawie obiektów kompozycja, podobnie jak malarstwo, może być najbardziej złożona i doskonała. Kompozycja nie jest układem, jak to łacińskie określenie jest czasem błędnie rozumiane i tłumaczone, ale „zestawieniem”, czyli korelacją, ustanawianiem powiązań w utworze między jego elementami, osiąganiem jedności i harmonii części.
Ale nie można powiedzieć, że proste przedmioty są dla malarza skromnym materiałem. Możesz podróżować po całym świecie lub po powierzchni jabłka; możesz patrzeć na astronomiczne światy przez teleskop lub komórkę roślinną przez mikroskop iw obu przypadkach dokonywać odkryć, tworzyć teorie naukowe, które są w jakiś sposób znaczące. Tak jest w sztuce. Nie naturalizm dociera do Chardin; owszem, dąży do iluzji, zaglądając do przekrzywionego miedzianego zbiornika, ale uzyskuje się coś więcej - malowniczość, plastyczne bogactwo, wypracowany jest doskonały język malarstwa. Wielu malarzy osiągnęło swój sukces dzięki ciekawym fabułom, a ich twórczość można zrozumieć tylko przeczesując te zewnętrzne warstwy, szukając zaszyfrowanych podtekstów. Chardin z kolei z powodu swojej „niewiedzy” początkowo od razu i na zawsze odrzuca „ciekawe wątki”, a najciekawszym wątkiem pozostaje dla niego samo malarstwo. To jeden z najczystszych malarzy w historii sztuki. Inne podobne można nazwać chyba Cezanne'em.
„Kto ci powiedział, że oni piszą farbami? Piszą z uczuciem, ale używają tylko farb! - znany jest taki wykrzyknik Chardina. Nie ufając wywodom o sztuce i szkolnym regułom, Chardin woli zdać się na intuicję, zaufać inteligentnemu oku artysty, wczuć się w temat obrazu i pisać, gdy wszystkie siły duszy są na czubku pędzla. Chardin nie formułował teorii, nie próbował wyrazić słowami cech swojej metody twórczej. Był ponad wszystkimi teoriami swoich czasów, tyradami rubensistów i poussinistów. Rozumiał, jak trudno było osiągnąć wartościowy efekt artystyczny i nie tracił czasu na rozmowy.
Surowy i duchowy styl życia wykwalifikowanych rzemieślników, który leży u podstaw zarówno osobowości, jak i sztuki Chardina, był również tematem jego obrazów. Stworzył szereg obrazów rodzajowych zbudowanych na wzór martwej natury - sceny wnętrz: posiłek, zabawy dzieci, gotowanie, pranie, matka z dziećmi. Chardin był szczęśliwie żonaty. Kiedy zmarła jego pierwsza żona, po dziesięciu latach wdowieństwa, ożenił się ze starszą bogatą panią, która czciła męża, pracownika i człowieka godnego szacunku, szanowanego przez wszystkich, otaczała troską i uwagą jego starość. Chardin ściśle przestrzegał stylu życia jego ojca, stolarza, dziadka, rzemieślnika i całej tej klasy. Żył wygodnie, w obfitości, bez zewnętrznego blasku, do którego aspirowali czasami zamożni modni artyści, naśladując arystokratyczne postacie swoich portretów.
Charakterystyczny jest tytuł jednego z obrazów rodzajowych Chardina – „Modlitwa przed obiadem”: matka uczy dzieci dziękować Bogu przed posiłkiem i pamiętać, że nie samym chlebem człowiek żyje.
„Praczka” to jedno z arcydzieł Chardina, artysta jest na ogół bardzo wyrównany, niemal w każdej pracy osiągał wysoki efekt artystyczny. Ale to zdjęcie jest nadal bardzo dobre. W półmrocznym pokoju - pomieszczeniu gospodarczym mieszkania przeciętnego paryżanina, pokojówka myje się w korycie, a na podłodze siedzi dziecko i zajmuje się pasjonującą sprawą - ze skupieniem puszcza bańki mydlane. Kobieta zajęta praniem patrzy na maleństwa z przyjemnością i aprobatą, opiekując się nim. W ciemnych czeluściach - uchylone drzwi do innego, jasnego pokoju, w którym również odbywa się mycie; złote światło „otula” stojącą tam postać praczki, stołek i koryto.
Opowiedzieć tylko fabułę to nie powiedzieć nic lub prawie nic o Chardin. Jak klasycznie wyważone przedmioty są rozmieszczone - jak w martwej naturze na stole garnki i miski, tak na podłodze w pokoju figury i meble; jak światło wyrywa z ciemnej głębi tylko to, co nadaje kompozycji dodatkową zasadę porządkującą; jako barwa nadająca lokalny kolor przedmiotom i barwę charakterystyczną dla oświetlenia, tworzy system kolorystyczny z przenikaniem się barw podstawowych i wtórnych wszędzie; jak powstaje iluzja faktury drewna, różnych odmian tkanin, powierzchni ciała – a jednocześnie buduje się przemyślany, jasno zorganizowany system kolorystyczny.
Jeśli porównamy martwe natury i malarstwo codzienne Chardina z malarstwem holenderskim i flamandzkim XVII wieku, gdzie całe armie artystów specjalizowały się w tych gatunkach i rywalizując i rywalizując, osiągały w nich błyskotliwość i doskonałość, okazuje się, że skromne Chardin obok nich jest bardziej złożony i przekonujący niż Holendrzy z ich biżuteryjnymi kielichami i fajansem z Delft, obfitością egzotycznych owoców, dziczyzny i dziwnych ryb morskich, wyglądają bardziej szkicowo i ubożej niż barwne symfonie Chardina napisane o jakimś nieobranym ziemniaku.
Jeśli chodzi o Chardina, trudno jest porównywać jego idee z wypowiedziami i teoriami filozofów oświecenia. Jest jakby programowo „antyintelektualny”, podkreśla swój brak wykształcenia i stroni od wszelkiego rodzaju teorii. Ale jego głęboki związek z kulturą Oświecenia tkwi w jego metodzie twórczej, którą formułował pędzlem, a nie słowami. A kiedy porówna się jego twórczość z idolami życia intelektualnego XVIII wieku, francuskimi encyklopedystami i oświecicielami, twórczość Chardina wydaje się nie mniej znacząca, głęboka i intelektualna niż dzieła filozofów i pisarzy Diderota, Woltera i Rousseau.
„Nieuczony” Chardin jest jednym ze szczytów wielkiej francuskiej kultury Oświecenia.
Na czele Chardina do sztuki XVIII wieku wkroczyła plejada mistrzów, przeciwstawiających się szczerej i prostej opowieści o naturze dworskiego, ceremonialnego malarstwa rokokowego. Chardin był nie tylko twórcą gloryfikujących go martwych natur i scen z życia codziennego, ale także jednym z twórców nowej koncepcji portretu w europejskim malarstwie oświecenia. Był jednym z pierwszych artystów francuskich, który zwrócił się ku gatunkowemu rodzajowi portretu, który był ważnym etapem w rozwoju malarstwa XVIII wieku, podobnie jak realistyczny gatunek codzienny.
Prace Chardina, będące ozdobą muzeów europejskich i amerykańskich, urzekają szczególną naturalną prostotą natury, ciepłem i człowieczeństwem, z jakim jest ona przekazywana przez artystę. Słowa Chardina powiedział jednemu z jego współczesnych: „Kto ci powiedział, że malują farbami? Używają kolorów, ale piszą z uczuciem”, ujawniają jego głębokie emocjonalne zrozumienie obrazu (osoby lub przedmiotu). Dzięki temu widz zostaje wciągnięty w sferę wizji przyrody artysty, inspirowanej jego uczuciami. Jak nikt inny, Chardin był w stanie wyrazić wzmożoną wrażliwość epoki oświecenia w umiejętności znajdowania subtelności w najbardziej ogólnych rzeczach. Był mistrzem swoich czasów, którego mottem były słowa Denisa Diderota, że należy „zaglądać w rzeczywistość i nie próbować jej upiększać”.
Ojciec artysty był mistrzem stolarskim, a Chardin wychowywał się w pół-rzemieślniczym, pół-artystycznym środowisku. Studiując w pracowniach znanych malarzy (gdzie być może był tylko asystentem), P.Zh. Casa, NN Kuapel, J.B. Vanloo Chardin został zauważony i zaproszony do udziału w renowacji malowideł ściennych Pałacu Królewskiego w Fontainebleau pod kierunkiem Vanloo. Niemal równocześnie namalował na zlecenie paryskiego chirurga szyld przedstawiający tłum gapiów ulicznych stojących wokół rannego. Scena rodzajowa swoją zabawnością przyciągnęła publiczność, która zobaczyła ją na wystawie. Odnotowano również dwie wczesne martwe natury Chardina, Skate i Buffet (oba 1728, Paryż, Luwr), za które został przyjęty jako członek Królewskiej Akademii Sztuki w Paryżu w 1728 roku. W obu obrazach w poetycki sposób oddane jest piękno prostych rzeczy - ryb i przyborów kuchennych srebrzących się na zielonkawym tle oraz naczyń z ciemnego szkła stojących na białym obrusie otoczonym porozrzucanymi owocami. Element zabawy wprowadza kot skradający się na rybę i pies szczekający na stół z naczyniami, jak na obrazach mistrzów flamandzkich i holenderskich. Jednak w przeciwieństwie do barokowych martwych natur tych północnych artystów, natura Chardina nie wygląda tak imponująco i korzystnie zaaranżowana. Oczywiście artysta głęboko przemyślał każdy niuans w swojej aranżacji, a każda martwa natura Chardina sprawia, że czujesz jego szczególny dar w sensie obiektywności świata.
Artysta całe życie spędził w Paryżu, nigdzie nie wyjeżdżając. W 1724 otrzymał honorowy tytuł członka Akademii Rzymskiej św. Łukasza. W tym czasie był już znany jako mistrz martwej natury. W 1731 roku Chardin poślubił Françoise Marguerite Saintard iw tym samym roku urodził się jego syn. Mieszkał w Paryżu, woląc portretować ludzi ze swojego kręgu, nie lubił tworzyć dzieł na oficjalne zamówienia, chociaż Fryderyk II, Katarzyna II, Gustaw III i wielu przedstawicieli genialnej europejskiej arystokracji zabiegało o jego prace. Od lat trzydziestych XVIII wieku Chardin zajął się malowaniem scen codziennych i portretów rodzajowych, tworząc w latach 1730-1740 wiele swoich najlepszych płócien: Powrót z targu (1739, Paryż, Luwr), Guwernantka (1738, Ottawa, National Gallery), „Kucharz (Kobieta obierająca warzywa)” (1738, Waszyngton, National Gallery of Art), „Pracowita matka”, „Modlitwa przed obiadem” (oba - 1740, Paryż, Luwr). Chardin zawsze wychodził do nich z obrazu realnego motywu życiowego, nadając mu znaczenie, prowadząc niespieszną opowieść o codziennym wydarzeniu, o przedmiotach związanych z otoczeniem człowieka. Zainteresowanie artysty twórczością mistrzów holenderskich XVII wieku było naturalne w poszukiwaniu żywej i naturalnej interpretacji natury. Chardin często powtarzał te sceny przedstawiające matki wychowujące dzieci lub wykonujące prace domowe, więc wiele muzeów i prywatnych kolekcji posiada wersje tych obrazów. W nadawaniu scenom prawdziwości rola wnętrza jest ogromna. Pędzel mistrza martwej natury malował warzywa, naczynia na stole, przedmioty porozrzucane w korytarzu. Opowiadają o sposobie życia zwykłych obywateli, ludzi trzeciego stanu, do którego należał sam artysta. W przeciwieństwie do jasnych, świetlistych kolorów holenderskich malarzy rodzajowych, dominujące na płótnach Chardina kolory brązowy, zielony, niebieski i biały dodają dyskretnej kolorystyki.
Poważne skupienie na wykonywaniu jakiejś czynności (czytanie, granie w karty lub chodzenie do szkoły, puszczanie baniek mydlanych, rysowanie, pisanie listu) jest również wymagane do podkreślenia przedmiotów otaczających modela w portretach rodzajowych („House of Cards”, 1741, „Young Nauczyciel”, około 1740, oba - Waszyngton, National Gallery of Art; „Chłopiec z bączkiem” (1738, Paryż, Luwr), Chardin szczególnie lubił przedstawiać dzieci, w których obrazach pociągała go wewnętrzna żywotność i spontaniczność. Jego częstymi modelami byli synowie jubilera Godefroya – Jr. Auguste-Gabriel, uwieczniony na obrazie „Chłopiec z bączkiem” i dziesięcioletni Karol („Portret Karola Godefroya”, 1738, Paryż, Luwr). Chardin nie urzeka ujawnieniem ulotnej ekspresji uczuć czy psychologicznej złożoności wizerunku dziecka, ale opowieścią o człowieku z jego otoczenia, a każdy stworzony przez artystę portret dziecka jest niejako fragmentem codzienna scena. Wszystko to nadaje dziecięcym obrazom Chardina wielki liryczny urok.
Od 1737 roku artysta stał się stałym bywalcem salonów paryskich, które zostały ponownie otwarte po długiej przerwie. Marchandom i krytykom podobają się jego prace, często reprodukowane są w rycinach przez znanych mistrzów. Diderot, dostrzegając oryginalność swojej twórczości, z entuzjazmem pisze: „Chardin to artysta inteligentny, który doskonale potrafi mówić o swojej sztuce”; "Ten kto wie, jak stworzyć harmonię barw i światłocienia!" – wykrzykuje z podziwem o kolorze Chardin.
Malarskie umiejętności artysty poprawiają się z biegiem lat. Melodyjny, ujednolicony tonalny dźwięk kwiatów w takich arcydziełach Chardina, jak „Martwa natura z fajką” (1737, Paryż, Luwr) czy „Cut Melon” (1760, Paryż, kolekcja prywatna) uderza swoją miękkością i różnorodnością. Swoje spokojne, wyważone kompozycje komponuje w postaci martwych natur z przedmiotów kuchennych, martwej zwierzyny, owoców, instrumentów muzycznych, atrybutów malarstwa, rzeźby, architektury i nauki. Dobór obiektów na każdym płótnie determinowany jest zadaniami kolorystycznymi, ale poza tym zawsze niesie ze sobą głębokie wewnętrzne znaczenie, w równym stopniu poetyzując świat prostych codziennych czynności, jak „kuchenne” martwe natury, czy nadając rzeczom alegoryczny dźwięk w ich opowieść o intelektualnych skłonnościach człowieka wiek oświecenia (Attributes of Science, 1731, Paryż, Muzeum Jacquemarta-André). Piękno pełnych wdzięku form każdego przedmiotu jest podkreślone na płótnie przez wykwintny dobór przedmiotów Martwa natura z fajką. Otwarte pudełko na tytoń z opartą o nie fajką, biały gliniany dzbanek i pochłaniająca wiele kolorowych refleksów filiżanka opowiadają o modzie i życiu epoki, kiedy palenie zagranicznego tytoniu było zwyczajem w krajach europejskich.
Ideały epoki myśli oświeceniowej zostały wyrażone przez artystę na płótnach na temat „Martwa natura z atrybutami sztuki”, których warianty należą do Luwru, Muzeum Jacquemarta-André, Ermitażu, Państwowego Muzeum Sztuk Pięknych . JAK. Puszkin. Płótno Ermitażu (1766) zostało wykonane przez Chardina na zamówienie Katarzyny II dla Akademii Sztuk Pięknych, ale pozostało w apartamentach cesarzowej. Emocjonalną ekspresję koloru martwej natury zauważył Diderot, który napisał: „Jak różaniec mas! Jak jedna rzecz odbija się w drugiej! Nie wiadomo na czym dokładnie polega urok, bo wszędzie się wylewa… „W wyraźnym rytmie artysta ułożył swoje obiekty – figurkę Merkurego, teczkę z rysunkami, pudełko na farby i paletę, zwoje rysunków i naczynia do gotowania, książki. Na ciepłym, czerwono-brązowym odcieniu, podobrazie jest namalowane w wypukłym stylu z gęstymi pociągnięciami wszystkich tych obiektów, oświetlonych miękkim światłem. Dobór obiektów, w tym krzyż orderowy św. Michała na wstędze i medal jako symbol zasłużonej twórczości artysty, jak we wszystkich alegoriach oświeceniowych, bez złożoności opowiada o zawodzie artysty, o jego szczególnej nowy wolny status nadany mu przez czas.
Ostatnia dekada twórczości artysty przyćmiona została rezygnacją z Akademii, osłabieniem wzroku i mniejszą uwagą publiczności. Jednak dzieła powstałe w tym okresie stały się wybitnymi dziełami malarstwa francuskiego XVIII wieku. Chardin zamienia się w pastel, tworząc w tej technice prawdziwe arcydzieła - Autoportret z zielonym daszkiem (1775, Paryż, Luwr) i Portret żony (1776, Chicago, Art Institute). Diderot z podziwem mówi także o swoim pastelowym Autoportrecie z 1771 roku (Paryż, Luwr) i chcąc wesprzeć starzejącego się artystę, pisze o rzeczach pokazywanych w Salonie z 1771 roku: „Wszystko ta sama pewna ręka i te same oczy, przyzwyczajone zobaczyć naturę”. Późniejsze portrety wyznaczyły nowy etap nie tylko w jego sztuce, ale także w europejskim portrecie XVIII wieku. Motywy rodzajowe są teraz wykluczane przez artystę. Sięga po nową formę portretu kameralnego, zastępując liryczną narrację o człowieku trzeciego stanu głębszą generalizacją. W obrazie Marguerite, żony artysty, ujawnia się postać kobiety, której życie upłynęło w niepokoju i trosce o sąsiadów. Satynowy szlafrok i niezgrabnie dopasowany czepek nie umniejszają szlachetnego wyglądu pięknej kobiety z przeszłości.
Artysta zaprezentował się także w domowym ubraniu w Autoportrecie z zielonym daszkiem. Opaska na głowie, do której przymocowany jest daszek oraz apaszka zawiązana w luźny węzeł to atrybuty starego i wygodnego stroju służbowego. Cechą charakterystyczną tego zawodu jest także spokojne, wnikliwe spojrzenie spod przyłbicy. Możliwości intymnej charakteryzacji zostały maksymalnie wykorzystane w późniejszych portretach Chardina, które antycypowały przyszłe odkrycia w twórczości takich wielkich mistrzów jak O. Fragonard i J.L. Dawid.
Jelena Fiedotowa