Rosyjscy artyści. Współpracujemy ze sobą od 1994 roku.
Aleksander Winogradow urodził się w 1963 roku w Moskwie. W 1984 ukończył Moskiewską Szkołę Artystyczną Pamięci 1905, a w 1995 Moskiewską Państwową Akademię Sztuk Pięknych. W I. Surikow. Od 1994 członek Moskiewskiego Związku Artystów; Członek korespondent Rosyjskiej Akademii Sztuk.
Władimir Dubossarski urodził się w 1964 roku w Moskwie. W 1984 ukończył Moskiewską Szkołę Artystyczną Pamięci 1905, a od 1988 do 1991 studiował w Moskiewskim Państwowym Instytucie Sztuki im. VI Surikow. Od 1994 członek Moskiewskiego Związku Artystów; Członek korespondent Rosyjskiej Akademii Sztuk.
Pierwsza osobista wspólna wystawa duetu twórczego „Picasso w Moskwie” odbyła się w 1994 r. (Galeria Studio, Centralny Dom Artystów w Moskwie), a następnie w 1995 r. wystawa „Malarstwo dla Reichstagu” w Berlinie (Galerie Kai Higelmana) i „Malarstwo na zamówienie” w Moskwie (L-galeria). W 1996 roku dwukrotnie odbyły się wystawy Winogradowa i Dubossarskiego w Galerii M. Gelmana w Moskwie - „Literatura rosyjska” i „Triumph”, a także wystawa „Kraina kwitnąca” (Galerie Kai Higelman, Berlin) i wystawa dla projekt dla rosyjskiego wydania magazynu Playboy (Moskiewska Galeria Sztuk Pięknych, Moskwa).
W 1997 roku odbyły się w Wiedniu dwie wystawy - Erntedankfest / Dożynki w przestrzeni Atelier-Ester Freund oraz „Literatura austriacka i rosyjska” w Galerii Brasilica oraz wystawa „Etiudy” w moskiewskiej L-Gallery. W 1998 roku artyści zorganizowali wystawę P.S. (Galeria M. Gelmana, Moskwa), w 1999 r. - wystawy „Malarstwo, czyli tylko obrazy” (Moskiewska Galeria Sztuk Pięknych, Moskwa) i „Chrystus w Moskwie” (Galeria XL, Moskwa). W 2000 roku odbyły się wystawy: „Inspiracja” (Galeria XL, Moskwa) i „Lecą żurawie” (Moskiewska Galeria Sztuk Pięknych, Moskwa). W 2001 roku artyści kontynuowali rozwój tematu „Malarstwo na zamówienie” - odbyła się wystawa „Malarstwo dla Londynu” (Vilma Gold Gallery, Londyn), a także wystawy Sweet Girls (Moskiewska Galeria Sztuk Pięknych, Moskwa) i How Czy jesteście Państwo, Panie i Panowie? (Galeria Claudio Poleschi, Lukka). Rok 2002 upłynął pod znakiem indywidualnej wystawy artystów Władimira Dubosarskiego i Aleksandra Winogradowa w londyńskiej galerii Vilma Gold, wystawy „Total Painting” (Galeria XL, Moskwa), a także wystawy „Malarstwo dla Finlandii” będącej kontynuacją projekt „Malowanie na zamówienie”.
W 2003 roku wystawy artystów odbywały się w Moskwie (Astrakhan Blues, XL Gallery), w Nowym Jorku (Nasz najlepszy świat / Our Best World. Deitch Projects Gallery), w Wiedniu (Rain, Galerie Krinzinger), w Paryżu (Underwater Forever, Galerii Sztuki Orel). Rok 2004 ponownie potwierdził udaną współpracę z moskiewską galerią XL - wystawa „Underwater World” i londyńską Galerią Vilma Gold - wystawa „Aquafitness”. W galeriach tych niemal co roku odbywają się wystawy Winogradowa i Dubossarskiego. W 2005 roku indywidualna wystawa „Pod wodą” odbyła się w Niżnym Nowogrodzie „Arsenał”, „Nowe malarstwo” (Galeria XL, Moskwa), „Grafika różnych lat” (Galeria Papiernictwa, Moskwa), 9 Nu (Orel Art Galerie , Paryż) oraz wystawa osobista Vladimir Dubosarsky & Alexander Vinogradov odbyła się w Charlotte Moser Galerie (Genewa). W 2006 roku artyści dwukrotnie zaprezentowali efekty swojej współpracy z Galerią XL na wystawach „Mrowiska” (Projekty XL) i „Lekkość bytu. Resort Pirogovo, obwód moskiewski”, a także ugruntowała współpracę z galerią Papiernictwo, która rozpoczęła się rok wcześniej wystawą „Podwodny fryzjer”. W 2007 roku wystawa duetu „Pory roku malarstwa rosyjskiego” odbyła się w Państwowej Galerii Trietiakowskiej, a „Dans l”atelier de l”artiste / Warsztat Artysty” w Orel Art Galerie w Paryżu. W 2008 roku artyści ponownie wzięli udział w projekcie w Pirogowie - wystawie „Meander”, a także zorganizowali osobistą wystawę Władimira Dubosarskiego i Aleksandra Winogradowa w londyńskiej Vilma Gold Gallery, odbyła się wystawa Nowi ludzie już tu są / Dzieci Indygo w Deitch Projects Gallery w Nowym Jorku.
W 2009 roku artyści zdobyli prawo do reprezentowania Rosji swoją indywidualną wystawą Danger! Muzeum na 53. Biennale w Wenecji. W 2010 roku ich wystawy odbyły się w moskiewskich galeriach „Triumph” („Na dzielnicy 2.”) i Paperworks (Khimki - Życie), a także wystawa „Na dzielnicy” w Galerii Charlotte Moser w Genewie, w W 2011 roku wystawa Khimki - Life została powtórzona w Vilma Gold Gallery w Londynie, a w Triumph Gallery odbyła się wystawa For Victory. W 2012 roku odbyła się zakrojona na szeroką skalę retrospektywa artystów („Retrospektywa” i „Retrospektywa-2”), która odbyła się w Centrum Sztuki Współczesnej VINZAVOD i Galerii Triumph.
Od samego początku wspólnej działalności twórczej artyści aktywnie uczestniczyli w projektach zbiorowych, a ich prace wystawiano w Moskwie, Petersburgu, Niżnym Nowogrodzie, Londynie, Paryżu, Wiedniu, Berlinie, Nowym Jorku, Sao Paulo i innych miastach. Brali udział w tak dużych projektach jak Biennale w Cetinje (Vladin Dom; Rusko Poslanstvo - 1994, Czarnogóra; Tam i z powrotem -1996), w Międzynarodowych Targach Sztuki „Art-Manege” (projekt „Names” – 1998; projekt „Strefa Eurazjatycka " "- 1999) wystawa „Sztuka przeciwko geografii” (Państwowe Muzeum Rosyjskie, St. Petersburg, 1999), Art Moskwa Workshop (2001, 2002), 25. Biennale w Sao Paulo (Bienal de Sao Paulo. Pavilhão da Bienal, Sao Paulo) Paulo, 2002), GO! (MAK, Wiedeń, 2002), festiwal "Art-Klyazma" (2002, 2003), Biennale w Wenecji -2003 (projekt Powrót artysty / Powrót artysty. Pawilon Rosyjski), wystawa Moskwa - Berlin. Berlin - Moskau (Państwowe Muzeum Historyczne, Moskwa, 2003-2004), wystawa „Russian Pop Art” (Państwowa Galeria Trietiakowska, Moskwa, 2005), projekty specjalne 1. Międzynarodowego Biennale Sztuki Współczesnej w Moskwie, 2005: „Wspólnicy. Prace zbiorowe i interaktywne w sztuce rosyjskiej lat 60.-2000” (Galeria Trietiakowska), STARZ (MMSI), Russia 2 (Centralny Dom Artystów) oraz projekt 2. Biennale w Moskwie „Wierzę!” („Winzavod”, 2007), wystawa ROSJA! (Muzeum Solomona R. Guggenheima, Nowy Jork - Muzeum Solomona R. Guggenheima, Bilbao, 2005-2006), wystawa Triumf malarstwa. Część 6. (The Saatchi Gallery, Londyn, 2006), wystawa „Odwilż, czyli na środku drogi. 15-lecie galerii M. Gelmana” (Państwowe Muzeum Rosyjskie, Pałac Marmurowy, St. Petersburg, 2007), „Sots-art. Sztuka polityczna w Rosji. Państwowa Galeria Trietiakowska, 2007, „21 ROSJA. Wystawa zbiorowa współczesnych artystów rosyjskich” (PinchukArtCentre, Kijów, 2009), „Kontrapunkt. Współczesna sztuka rosyjska: od ikony do awangardy przez muzeum” (Luwr, Paryż, 2010), „Dior: pod znakiem sztuki” (Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina, 2011).
W 2007 roku Aleksander Winogradow i Władimir Dubossarski znaleźli się na krótkiej liście do Nagrody Kandinsky'ego w kategorii „Projekt Roku”.
Na przełomie lat 90. i 2000. „produkty twórczego duetu moskiewskich artystów były wszędzie - na okładce płyty kultowej nowojorskiej grupy Talking Heads, w książce czołowego rosyjskiego pisarza Wiktora Pelevina, na stojakach z największych targów na świecie. Rozmnożyli się także niezliczeni naśladowcy. Najwyraźniej zrehabilitowany przez Winogradowa i Dubossarskiego, zbliżony styl malarski epoki stalinowskiej pozwolił wielu artystom nie wstydzić się sztywności ich artystycznego wykształcenia, otrzymanego od akademików socrealizmu. „Pory roku malarstwa rosyjskiego” duet wykonał z okazji otwarcia nowej odsłony wystawy sztuki XX wieku w Galerii Trietiakowskiej. Jak na dość konserwatywną instytucję Winogradow i Dubossarski przedstawili powściągliwy obraz. Na początku XXI wieku ogołocili rosyjskie klasyki – Tołstoja, Dostojewskiego, Achmatową, Cwietajewę – na potrzeby projektu „Malarstwo totalne”. „Pory roku” nie szokują, ale godzą, jednoczą sprzeczne style i obrazy. Tutaj Stalin i Woroszyłow patrzą w dal obok żebraka z obrazu Surikowa „Bojaryna Morozowa”, smutny autor tekstów z lat 60. pokazuje „Czarny kwadrat” Malewicza, a faszystowski „Powalony as” Deineki wpada do rzeki z obrazów Wędrowców . Wszystkie arcydzieła mają równe szanse. „Pory roku” to spektakularne przemyślenie metody realizmu socjalistycznego, oparte na wyborze cytatów „prawdziwych”, „ludowych” artystów XIX wieku. Teraz Winogradow i Dubossarski przenieśli na XX wiek poczucie szczęścia, jakie daje niepozorne, ale realistyczne malarstwo”. (Valentin Dyakonov. Katalog nagród Kandinsky'ego 2007).
Artyści mieszkają i pracują w Moskwie.
Spotkania publiczne:
Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie
Państwowe Muzeum Rosyjskie w Petersburgu
Moskiewskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej
Multimedialne Muzeum Sztuki w Moskwie
Muzeum Sztuki Współczesnej ART4, Moskwa
Regionalne Muzeum Sztuki w Iwanowie
Muzeum Sztuki w Jarosławiu, Jarosław
Kolekcja Christiana Diora, Paryż
Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paryż
Musée d'art contemporain w Awinionie
Secesja, Wiedeń
Haus für Geschichte der Bundesrepublik Deutschland, Bonn
Scheringa Museum voor Realisme, Spanbroek, Holandia
Museo Arte Contemporanea (MACI), Isernia, Włochy
Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM), Walencja
Muzeum Sztuki Nashera na Uniwersytecie Duke w Durham, USA
Muzeum Sztuk Pięknych, Houston, USA
Fundacja Kulturalna „EKATERINA”, Moskwa
Nowa Fundacja, Moskwa
Fundacja Nowe Zasady, Moskwa
Lata młodości
Aleksander Winogradow i Władimir Dubossarski urodzili się w Moskwie w 1963 roku. Razem wstąpili do Moskiewskiej Szkoły Artystycznej ku pamięci 1905 roku na Wydziale Restauracji, specjalizując się w malarstwie monumentalnym. Razem chodziliśmy na praktyki w zakresie renowacji fresków i malowideł ściennych w kościołach i klasztorach. Vladimir Dubossarsky wspomina, że początkowo nie mieli zamiaru zostać artystami – przyciągnęła ich raczej stabilna perspektywa zawodowa w branży restauratorskiej.
Po ukończeniu studiów w 1984 r. Winogradow i Dubossarski poszli do wojska. Ponadto Winogradow służył w Niemczech, co w tamtym czasie uważano za dość prestiżowy kierunek, jego służba odbywała się w kwaterze głównej, gdzie czerpał materiały propagandowe. Po powrocie nadal zajmował się sztuką użytkową i pracował jako artysta w fabryce mebli. Również w tych latach przyjaciele uczyli się razem, w jednej z moskiewskich sal wystawowych prowadzili zajęcia w pracowni artystycznej, Winogradow uczył dzieci, a Dubossarski uczył dorosłych. „Było tam nawet kilka twórczych zwycięstw. Mieliśmy na przykład jednego geologa, eksperta od materiałów wybuchowych, rysował eksplozje. Bardzo piękne” – wspomina Winogradow.
W tych latach Dubossarsky pracował przeważnie sam w warsztacie, niemal samotnie. W Moskwie w drugiej połowie lat osiemdziesiątych toczyło się tętniące życie artystyczne, pojawiały się nowe nazwiska, odbywały się wystawy mieszkań. Była to społeczność dynamiczna, tętniąca życiem, ale jednocześnie dość zamknięta. Winogradow i Dubossarski byli od niego dalecy i nie zaliczali się do kręgu artystów nowej awangardy. Pewnego razu jego wujek przybył do pracowni Dubossarskiego, który w tym czasie był sąsiadem być może jednego z najsłynniejszych młodych artystów tamtych czasów, założyciela grupy „Mukhomor”. Wujek zaproponował Władimirowi zapoznanie się z „muchomorem”, ale odmówił, uważając się za samowystarczalnego autora, który nie potrzebuje środowiska. Później przyznał, że żałuje tej odmowy.
Wkrótce przyjaciele postanawiają kontynuować naukę i razem wstąpić do Instytutu Sztuki Surikov, jak wspomina Aleksander Winogradow, pomysł ten przyszedł im do głowy, gdy stali na schodach ruchomych w metrze. Młodym artystom wydawało się, że w Surikowskim spotkają młodych autorów, takich jak oni, poszukujących i nastawionych na eksperymentowanie. Jednak w 1989 roku takich osób w murach instytutu nie było, atmosfera w placówce pozostawała sucha i akademicka, panowało tam malarstwo sztalugowe i niekończące się czerpanie z życia. Pod koniec trzeciego roku ze szkoły zostaje wydalony Władimir Dubossarski, jeden z najzdolniejszych uczniów.
Aleksander Winogradow i Władimir Dubossarski w Trekhprudny Lane
W tym samym czasie po raz pierwszy w jego ręce trafia magazyn „Flash Art”, zapoznaje się z tym, co potocznie nazywa się „sztuką współczesną” i zdaje sobie sprawę, że istnieje ona także w Moskwie. W 1991 roku znalazł się w samym jej centrum, odwiedzając jedno ze „spalonych” mieszkań w legendarnym skłocie przy Trekhprudny Lane. Przyjeżdżali tam „ciekawi” ludzie, artyści i muzycy z innych miast Rosji, trzon wspólnoty stanowili ci, którzy przybyli z Rostowa nad Donem. Tam, w skłocie, otwarto galerię, której kuratorem był przyszły notoryczny akcjonista Ter-Oganyan. W każdy czwartek w Trekhprudnym odbywały się wernisaże, które przyciągały dużą liczbę osób. W większości wystawy zbiorowe finansowali sami artyści, drukowano zaproszenia, a swoje pierwsze teksty pisali dla nich młodzi krytycy sztuki Milena Orlova, Sasha Obukhova, Andrei Epishin. Można powiedzieć, że był to ostatni bastion sztuki podziemnej w Związku Radzieckim, autorzy zgromadzeni w Trekhprudnym mieli za sobą lata nauki w wzorowych sowieckich szkołach i instytutach, wszyscy byli zawodowymi malarzami, razem studiowali i z braku informacji, czasem na zasadzie kaprysu, wcielając w życie własne praktyki innej, nowej, współczesnej sztuki.
Władimir Dubossarski wspomina jeden z najbardziej romantycznych momentów tamtych czasów, kiedy wraz z przyjaciółmi natknął się na wydruki wyników zagranicznych aukcji: „A teraz o dwunastej w nocy, Ulica Czernigowska, róg Piatnickiej. Jakaś bójka, hałas, alkoholicy pod oknem, koty. A oto jesteśmy w tym samym pokoju, bo nie było wybitych okien, tam było cieplej, zebraliśmy się w wspólnym mieszkaniu, otworzyliśmy przy herbacie ten cennik dzieł sztuki i przeczytaliśmy: Warhol 7 mln, Basquiat 1,5 mln. I dodało nam to pewnego rodzaju energii.” Po pewnym czasie dzieła duetu Winogradow-Dubosarski pobiją także rekordy aukcyjne na prestiżowych aukcjach w Londynie, jednak do tego jeszcze bardzo daleko, a przed artystami trudną drogą do uznania i sławy.
Wernisaż w galerii przy Trekhprudny Lane
Przez cały ten czas Aleksander Winogradow nie należał do kręgów trzech prudników, w przeciwieństwie do (jak sam siebie nazywał) „moskiewskiego majora z Instytutu Surikowa” Władimira Dubossarskiego, któremu udało się w końcu dołączyć do towarzystwa, do którego miał rysowano tak długo. Przyjaciele spotykają się ponownie jako koledzy dopiero po przesiedleniu skłotu w 1993 roku. Wtedy Dubossarsky zdaje sobie sprawę: wszystko, co mu się przydarzyło do tego momentu, było przede wszystkim wynikiem zbiorowej twórczości i nie należy do niego. Nadszedł czas, aby rozpocząć nowy etap.
Początek współpracy, lata dziewięćdziesiąte
W 1994 roku Aleksander Winogradow ukończył instytut, a artyści zjednoczyli się, by współpracować. W tym samym roku otworzyli swoją pierwszą wystawę, która w porównaniu z dalszymi wydarzeniami miała raczej charakter projektu eksperymentalnego. Nosiło tytuł „Picasso w Moskwie” i odbyło się w galerii Studio 20 w Centralnym Domu Artystów. Był to swoisty hołd dla pierwszej wystawy Pabla Picassa w ZSRR, która odbyła się w 1956 roku. Na dwóch ścianach wisiały fotografie rysunków Picassa, wykonane „po cichu” na tej właśnie wystawie przez ojca Dubossarskiego (również malarza). Na innej ścianie wisi obraz autorstwa obu artystów, przedstawiający Picassa na Kamiennym Moście w Moskwie. Obraz ten zapoczątkuje całą konwencjonalną serię, w której inne legendarne postacie, które nigdy nie były w Moskwie, od Andy'ego Warhola po Jezusa Chrystusa, zostaną umieszczone w pejzażu moskiewskiego miasta, aby, według słów artystów, „ przywrócić sprawiedliwość”.
Po pierwszych doświadczeniach wystawienniczych artyści, którzy mieli już 30 lat, zamknęli się na półtora roku w pracowni, nikomu nie pokazali swoich obrazów i przygotowali dużą wystawę malarstwa monumentalnego. Działają jako kolektyw, jako zdeklarowana parodia sowieckiej fabryki sztuki, gdzie na zamówienie produkowano ogromne płótna sztalugowe o odrażających motywach. Odwołanie się do medium malarstwa, operującego także metodami wizualnymi socrealistów (Winogradow i Dubossarski przez wiele lat mieli na stole w swojej pracowni album Arkadego Plastowa, którego styl malarski aktywnie kopiowali), jednocześnie angażując tematykę aktualne dla szerokiej publiczności, mediów, a także obrazy pornograficzne – wszystko to było zarówno niestosowne, jak i bardziej odpowiadające czasom panującym w Moskwie w połowie lat dziewięćdziesiątych. Pejzaż artystyczny został uchwycony przez akcjonistów, malarstwo uznano za gatunek bulwarowy, komercyjny. Dmitrij Gutow, jeden z kluczowych artystów tamtych czasów, a także przyjaciel duetu, w swoich wspomnieniach tak opowiadał o swojej decyzji o pracy z malarstwem: „To było oczywiście tak sprzeczne ze wszystkim, co się działo, że Nie mogłem powstrzymać podziwu, takiej odwagi. Bo wszyscy mówili, że to idioci. Wszyscy, których znałem, mówili, że to idioci”.
W 1995 roku otwarto wystawę, do której Winogradow i Dubossarski przygotowywali się od dawna i z którą wiązali duże nadzieje. Miało ono tytuł „Obrazy na zamówienie” i odbyło się w galerii L. Seria obrazów powstała w fikcyjnych okolicznościach, jakby na specjalne zamówienie różnych instytucji: szkoły, fabryki, przedszkola, więzienia (znowu na wzór fabryk dzieł sztuki). Krytyczka sztuki Faina Bałachowska tak tak opisała prezentowane na wystawie prace: „Burzliwa mieszanka Hollywoodu i Niżnego Nowogrodu, malarstwo domowe z fabułami kalibru szekspirowskiego, rodzime przestrzenie z bohaterami hitów kinowych”. Wystawa odbyła się bez szczególnych incydentów, jednak nie kupiono ani jednej pracy i nikt nic nie zauważył. Jednak reakcja bliskich mu osób ze środowiska artystycznego była niejednoznaczna. Po otwarciu w skłocie na Baumanskiej odbyła się dyskusja, były kolega Dubossarskiego z Trekhprudnego, Avdey Ter-Oganyan, niezwykle ostrymi słowami wypowiadał się o nowym projekcie duetu - według niektórych dowodów Władimir Dubossarski praktycznie miał zawał serca.
Duet wspomina pierwsze dwa lata wspólnej pracy jako niezwykle trudne, bez pieniędzy, wsparcia i uznania. Niemniej jednak to właśnie niezwyciężony duch i oddanie własnej idei, do której wielu podchodziło z nieufnością, przyczyniły się do pomyślnego zwrotu w ich karierze. W 1995 roku w Martin-Gropius-Bau w Berlinie odbyła się zakrojona na szeroką skalę wystawa „Moskwa-Berlin”. Wśród zaproszonych artystów nie było Winogradowa i Dubossarskiego. Mimo to zaproponowano im wystawienie w małej, szczególnie nieznanej galerii berlińskiej w dniach otwarcia wystawy Moskwa-Berlin. Artyści przyjechali do Niemiec za własne pieniądze i długo czekali na przybycie swojego monumentalnego (400x600cm) płótna, specjalnie namalowanego na tę okazję, przedstawiającego alegoryczne wesele Niemiec Wschodnich i Zachodnich. Obraz przybył na 2 godziny przed otwarciem, sami go powiesili w pośpiechu i szaleństwie. Na wernisaż przybyło bardzo niewiele osób, prawie wszyscy byli artystami rosyjskimi, uczestnikami wystawy w Martin-Gropius-Bau, co całkowicie złamało ducha duetu. Do Moskwy wyjechali z poczuciem porażki.
Aleksander Winogradow, Władimir Dubossarski. Ślub. 1995.Ze zbiorów Muzeum „Dom Historii Niemiec”, Bonn, Niemcy
Na dobre wieści z Niemiec nie trzeba było jednak długo czekać. W berlińskiej galerii, gdzie wisiały ich prace, może nie było zwiedzających, ale była tam gablota, przez którą obraz był doskonale widoczny. Zauważyła, że przechodził obok niemiecki dziennikarz, zrobił zdjęcie i wkrótce w dużej niemieckiej gazecie ukazały się prace Winogradowa i Dubossarskiego, którzy nikogo w Rosji nie interesowały. Zaczęto go coraz częściej reprodukować, magazyn „Der Spiegel” zaproponował wykonanie okładki z wizerunkiem kanclerza Kohla autorstwa duetu. Dziennikarze telewizyjni przyjechali nawet z Niemiec do Moskwy, aby nakręcić dziesięciominutowy klip filmowy o artystach w stylu ówczesnego MTV.
Bankiet na wystawie „Święto”, Galeria Marata Gelmana, 1996, Moskwa
Następnie Winogradow i Dubossarski kontynuują pracę nad tematami niemal politycznymi, w 1996 r. zorganizowali dwie wystawy w Galerii Marata Gelmana. W dniu reelekcji Jelcyna otwarto wystawę „Triumf”, na której znalazł się obraz przedstawiający Jelcyna w brzozowych krzakach, na tle rosyjskiej przestrzeni, w otoczeniu dzieci i zwierząt. Z okazji reelekcji prezydenta w galerii odbyła się uczta. Dziennikarz Leonid Parfenow uznał „Triumf” za najlepszą wystawę tego roku.
Aleksander Winogradow, Władimir Dubossarski. Obłomow z cyklu „Literatura rosyjska”, 1996. Zbiory Muzeum ART4
Wkrótce pojawił się cykl „Literatura rosyjska”, pokazywany także w Galerii Gelman. Główni bohaterowie serii – publikacje Nabokowa, Dostojewskiego, Turgieniewa, Goncharowa – ukazani są w romantycznym środowisku naturalnym. „Ponieważ pracujemy ze kliszami, postanowiliśmy uczynić treść obrazu treścią wielkiej literatury rosyjskiej, przyjąć jej chwałę za pomocą środków obrazowych. Do każdej książki staraliśmy się znaleźć obraz – na poziomie ogólnie zrozumiałego banału, mocnej tautologii” – wspomina Władimir Dubossarski. Na potrzeby wystawy ukazał się pierwszy katalog duetu, zawierający artykuły Ekateriny Degot, Eleny Romanowej i Aleksandra Balashova. W szczególności w swoim przejmującym artykule „Wola porządku” Degot zaproponowała cztery różne interpretacje fenomenu Winogradowa-Dubosarskiego: kontynuację krytycznej tradycji Sots Art, wręcz przeciwnie, szczerą identyfikację nowego, rodzimego rosyjskiego nurtu wizualnego styl, podążający za ówczesną modą na „świadomą głupotę i szaleństwo, idiotyzm” i niedojrzałość” oraz wyraz głębokiego kryzysu tożsamości we współczesnej sztuce rosyjskiej. Warto zauważyć, że nawet z dzisiejszej perspektywy wydaje się, że wszystkie cztery punkty widzenia są słuszne i nie da się dojść do jednego wniosku.
Sukces, zero
Jeśli lata dziewięćdziesiąte stały się dla Winogradowa i Dubossarskiego swego rodzaju poligonem doświadczalnym, czasem, w którym powstał duet, to w lata 90. wkroczyli jako „artyści epoki” (według słów Victora Misiano). Ekscesy, mania i entuzjazm tych lat, bohaterowie współczesności od Natalii Vodianovej, Arnolda Schwarzeneggera oraz ogólne zbiorowe obrazy wakacji i hedonizmu w nowo nabytym dobrobycie finansowym - wszystko to emanowało malarstwem Winogradowa i Dubossarskiego. Ich obrazy ilustrują kultowe powieści Wiktora Pelevina i biją rekordy reprodukcji na okładkach magazynów. Przez te lata byli niezwykle produktywni, dużo podróżowali po całym świecie, ostatecznie ugruntowując swoją pozycję jednego z najsłynniejszych, najlepiej sprzedających się i odnoszących sukcesy rosyjskich artystów w szerokich kręgach medialnych, wśród kolekcjonerów i społeczności zawodowej.
W 2001 roku w Walencji odbyła się wystawa „Russian Madness”, w przygotowanie której zaangażowani byli reżyserzy Robert Wilson, Emir Kusturica i Peter Greenaway, a Victor Misiano został zaproszony jako kurator. Ten z kolei wybrał uczestników: Dmitrija Prigowa, Anatolija Osmołowskiego, Petlurę, Winogradowa i Dubossarskiego. Jak to kiedyś miało miejsce w Berlinie, ze względu na opóźnienia w transporcie, wszystkie materiały dotarły do Walencji na 4 dni przed otwarciem. Duet musiał w tym ograniczonym czasie namalować 60 metrów kwadratowych obrazu. Z czym sobie poradzili, pracując niemal bez przerwy, dzień i noc. W rezultacie narodziło się słynne malarstwo totalne (czyli panoramiczne), przedstawiające nagich filozofów i pisarzy. W szczególności obraz nagiej Mariny Tsvetaevy i Anny Achmatowej wywołał szeroki oddźwięk. W filmie „Russian Madness” kanoniczna przestrzeń, pola i lasy stają się rajem, a odkrycie nowego raju zostaje ostatecznie wyznaczone jako temat programowy duetu.
Następnie wyjazd na Biennale w Sao Paulo, gdzie prace Dubossarskiego i Winogradowa zauważa nowojorski właściciel galerii Jeffrey Deitch. Promuje także sprzedaż dzieł artystów do Houston Museum of Contemporary Art w Teksasie oraz szeregu dużych kolekcji prywatnych, a także zaprasza duet do wystawy w swojej galerii w Nowym Jorku. Wystawa zostanie otwarta w 2003 roku i zaraz po wyjeździe artystów do Wenecji na Biennale, gdzie w rosyjskim pawilonie otwiera się projekt Victora Misiano „Powrót artysty”. Poświęcony jest odrodzeniu medium malarstwa, dla którego Winogradow i Dubossarski napisali poliptyk „Podwodny świat”. Ten ogromny, 26-metrowy kolaż przedstawia charakterystyczną fabułę raju i niekończące się świętowanie z lądu pod wodą. Choinka przechodzi pod wodą, ludzie i ryby tańczą i pływają, stół zapełnia się kieliszkami do wina. Do tworzenia opowieści artyści wykorzystali materiały wizualne z sesji modowych (w tym celu kupowali i przeglądali duże ilości kolorowych magazynów). Środki te stały się jednym z ich kluczowych narzędzi. Na Biennale do ich poliptyku podeszła Niemka i poprosiła artystów o pozowanie przed obrazem. Na koniec sesji podziękowała im i powiedziała, że jest bardzo szczęśliwa, ponieważ część zrobionych przez nią zdjęć znalazła się w kolażu.
Aleksander Winogradow, Władimir Dubossarski. Fragment poliptyku „Podwodny świat”. 2003
Do stworzenia prac duet wykorzystał nie tylko wizerunki innych osób, ale także, w sposób niemal performatywny, cudze pędzle: fragmenty własnych portretów „retuszowała” supermodelka Natalya Vodianova, a w ramach projektu „Lekkość bytu ” (odbywający się w klubie jachtowym w Pirogowie w obwodzie moskiewskim) zaangażowani są kolekcjonerzy i znani moskiewscy biznesmeni. Akcja jest dobrze udokumentowana: wszyscy ubrani w te same białe fartuchy i ustawieni wzdłuż obwodu długiego płótna. Płótno to („Gdzie zaczyna się ojczyzna”, 2006) zostało całkiem słusznie podpisane nazwiskami wszystkich, którzy brali udział w jego powstaniu. Krytyk sztuki Aleksander Borowski zauważył, że Winogradow i Dubossarski stali się jedynymi artystami w Rosji, którzy w swojej praktyce zastanawiali się nad „energią popytu”, podobnie jak Jeff Koons i bracia Chapman na Zachodzie. Sama energia popytu stała się zjawiskiem dobrze znanym niektórym z najlepiej sprzedających się artystów rosyjskich, którzy współpracowali z pięcioma galeriami na całym świecie, nieustannie reagując na procesy i preferencje rynku sztuki oraz swoją na nim obecność. Artysta-akcjonista i przyjaciel duetu Anatolij Osmołowski w swoim rozumowaniu wskazał kiedyś, że duet jako projekt w ogóle jest czystym performansem i byłoby miło wyznaczyć Winogradowa i Dubossarskiego socjologa, aby obserwował i analizował ich działania.
Praca zbiorowa nad obrazem „Gdzie zaczyna się ojczyzna”, 2006
Cztery lata wcześniej Władimir Dubossarski zainicjował, jako kurator i menadżer, własny projekt, również zlokalizowany nad brzegiem zbiornika Pirogowskiego. Razem z kuratorką Olgą Lopukhiną już czwarty rok z rzędu organizują plenerowy festiwal sztuki współczesnej „ArtKlyazma”. Również z inicjatywy Dubossarskiego i przy pomocy Łopuchiny pojawia się w Moskwie pierwszy klaster galerii – „ARTStrelka” na wyspie Bałczug. Znajduje się tuż obok Mostu Patriarchalnego prowadzącego z Soboru Chrystusa Zbawiciela, na ówczesną (2004-2009) jeszcze fabryczną, niezgentryfikowaną wyspę w pobliżu fabryki Czerwonego Października.
Ostatnie lata to kolejny nowy etap
Pod koniec dekady tematyka obrazów Winogradowa i Dubossarskiego odchodziła od barokowego i eklektycznego bogactwa pierwszej dekady XXI wieku. Stają się coraz bardziej liryczne, coraz więcej metafizyki, a nawet swego rodzaju własnego, enigmatycznego języka (szczególnie w cyklu „podwodnym”), a nawet pojawia się w nich melancholia. Ale to już nie jest melancholia Winogradowa i Dubossarskiego, o której artysta powiedział „melancholia może być nieskończenie wesoła”, to stan abstrakcji z późniejszą zmianą optyki.
W 2010 roku artyści napisali cykl „Na bloku”, w którym ostatecznie opuszczają świat fantasmagorii i skupiają się na biegu codzienności. W tym czasie duet przeniósł się z warsztatu w centrum Moskwy, przy Molochny Lane, do Chimek – to peryferyjne miasto pod Moskwą i jego mieszkańcy stali się ich głównym tematem, zastępując bohaterów poprzednich dekad. Jednocześnie „własny” język autorski zostaje zastąpiony celowym uproszczeniem i wycofaniem się w bezautorstwo, w sztukę opartą na fotografii. Podobnie jak dawniej w przypadku błyszczących magazynów, artyści pracują ze zdjęciami wykonanymi na ulicy, z okna samochodu, często w estetyce przypadkowego, nie do końca udanego zdjęcia. W tym przypadku nie ma refleksji nad tranzytem między mediami, fotografia służy wyłącznie jako narzędzie. Władimir Dubosarski powiedział w rozmowie Dmitrijowi Gutowowi, że celem nowego projektu było: „pokazanie pewnej złożoności tego świata, fantazmogoryczności, absurdu w zasadzie wszystkich tych tematów, które zwykliśmy mieć w popowej, wulgarnej, ekscentrycznej formie , teraz zobacz mnie w prawdziwym życiu i zabierz mnie stamtąd.
W 2012 roku w moskiewskim WINZAVOD odbyła się pierwsza retrospektywa Winogradowa i Dubossarskiego, która przybrała formę wypowiedzi, ironicznej autorefleksji. Na retrospektywie, która z reguły staje się ważnym i zaszczytnym wydarzeniem w karierze każdego wielkiego artysty, podczas której z reguły przedstawiany jest krok po kroku opis rozwoju praktyki, odrzucone, nieudane obrazy z różnych lat, nigdy wcześniej nie prezentowane, zostały zaprezentowane w zmienionej formie.
Aleksander Winogradow, Władimir Dubossarski. D&G, 2010
Potem pojawiło się kilka kolejnych projektów, w tym nostalgiczny „Moskwa: Ucieczka od rzeczywistości” w Muzeum Moskwy. Projekt opowiada o minionych epokach, które przeżyło miasto, a być może także o miłości artystów do miasta, w którym żyli i żyją do dziś. Właściciel galerii Jeffrey Deitch ze zdumieniem stwierdził, że jako jedyni artyści nie skusiła się perspektywa przeprowadzki do Nowego Jorku – pozostali tak oddani Moskwie. Wystawa w Muzeum Moskwy stała się najnowszym wspólnym projektem duetu. Zaraz po tym w Pirogowie otwarto osobistą wystawę Władimira Dubossarskiego, a następnie dwa kolejne projekty (w galerii „Peresvetov Lane” i „Triumph” w 2015 r.). W swoich nowych dziełach Władimir Dubossarski, jak sam mówi, szuka nowego języka, który jednak odsłania dziedzictwo dwudziestu lat pracy w legendarnym duecie.
Włodzimierz Dubossarski
Artysta
© Michaił Fomichev/TASS
„Każdy użytkownik Internetu ma swoje zainteresowania: rysuję obrazy i stale wyszukuję w Internecie różne obrazy, które mogą mi się przydać. W pewnym momencie zacząłem pobierać zdjęcia z Facebooka. Wcześniej musiałem specjalnie szukać czegoś w Internecie, ale w sieciach społecznościowych ludzie codziennie publikują zdjęcia i nie trzeba nawet szukać tych zdjęć nigdzie indziej: nadal spędzam czas na Facebooku i widzę, kto co pisze. Zebrałam więc cały folder tych zdjęć – pomyślałam, że może się kiedyś przydać.
Okazało się, że to ciekawa historia. Jako artysta nie muszę już szkicować, fotografować opiekunów i ustawiać ich w różnych pozach. Nie muszę nawet tracić czasu na szukanie zdjęć w Internecie – stwierdziłam, że będę robić i kopiować zdjęcia bezpośrednio z Facebooka, skoro ludzie je wrzucają, to jest to możliwe. Nawet nie pamiętam, kto był pierwszy – po prostu zrobiłem i narysowałem jedno zdjęcie, potem drugie. I w pewnym momencie okazało się, że mam mnóstwo zdjęć, które pochodzą z Facebooka. Okazało się, że gdy tylko zacząłem pracować nad danym tematem, przypomniało mi się zdjęcie z Facebooka, które idealnie pasowało do tego tematu. Było dużo zdjęć, ale nie planowałem sam robić wystawy, gdyby Lesha Shulgin (kuratorka i dyrektor Electromuseum. - Notatka. wyd.) nie zaproponował mi pokazania tych prac. Elektromuseum interesuje się technologią i mediami, ale tutaj nowe technologie wykorzystuje się w staromodny sposób: człowiek robi, pobiera zdjęcia i maluje je olejem.
Komentarze z Facebooka, wyrażane przez syntezator mowy, które można usłyszeć na wystawie
Aby wystawa była multimedialna, nagraliśmy na Facebooku rozmowy osób, które komentowały moje prace. Ktoś nazwie mnie kretynem i powie, że ukradłem mu zdjęcie i nic nie zapłaciłem. Ktoś w prywatnej korespondencji grozi mi pozwaniem. Inni, wręcz przeciwnie, są szczęśliwi: myślą, że przeszli do historii. Na przykład siostra Olyi Chuchadeevy była w jednym z dzieł - sprzedałem ten obraz i przekazałem pieniądze Fundacji Chulpan Khamatova. Zatem w rozmowach na wystawie znajdą się wszystkie możliwe wskazówki, które towarzyszyły tej historii.
Chcę także organizować występy z udziałem moich znajomych na Facebooku. Pokażą dokładnie to, co przedstawiają na Facebooku. Na przykład jeden z nich pisze wiersze, inny udaje głupca, ktoś lubi robić sobie ze wszystkimi selfie - i tak dalej. Ludzie będą robić to samo, co robią na Facebooku – tylko w rzeczywistości.
Po wystawie odbędzie się aukcja, z której część pieniędzy trafi do chorych dzieci, a część do postaci, których wizerunki rysowałam. Jednocześnie chcemy zrobić projekt z robotem: próbują go nauczyć rysować tak jak ja. Choć nie mam określonego stylu jak Rembrandt czy Van Gogh, to taki język jest łatwy w odbiorze, natomiast mój styl jest bardziej nowoczesny i neutralny, to już nie jest taki łatwy w odbiorze. Ale robot nadal będzie próbował przetworzyć niektóre moje prace z tego archiwum.”
Jak użytkownicy Facebooka reagują na to, że ich zdjęcia zamieniają się w obrazy?
„Latem”, 2014
Paweł Otdelnow: „To nie jest moje zdjęcie, ja po prostu wspólny ale jestem na zdjęciu. Autorką jest Lena Kholkina, jest artystką i nawet kiedyś w niektórych swoich projektach wykorzystywała dzieła Winogradowa i Dubossarskiego. Dlatego nie miała żadnych skarg na Władimira.
Myślę, że zwracanie się do zdjęć innych osób jest naturalne. Ilość otaczających nas obrazów jest tak ogromna, że stopniowo stają się one nie do odróżnienia od otaczającej nas rzeczywistości. To już nie jest druga, ale pierwsza rzeczywistość. Moje zdjęcia również zostały wykorzystane kilka razy, a ja sam kilka razy wykorzystałem zdjęcia innych osób, ale poprosiłem o pozwolenie. Po raz ostatni amerykański artysta Alex Kanevsky namalował własny obraz na podstawie mojej fotografii. On jako pierwszy skontaktował się ze mną. Uważam, że aby wykorzystać cudzy materiał, należy najpierw zapytać autora o zgodę. To kwestia etyki.”
„Portret artystki Swiety Szuwajewej”, 2014–2016
Swieta Szuwajewa: „Widziałem mój portret narysowany przez Dubossarskiego na zdjęciu z jego pracowni. Jeden ze znajomych mnie oznaczył, a zdjęcie na nim wygląda na niedokończone - ciekawie będzie zobaczyć finalną wersję. Nie czuję się w żaden sposób urażony na autora i nie mam jeszcze planów narysowania jego portretu w odpowiedzi, może kiedyś, kto wie. O sens i znaczenie dzieła lepiej zapytać samego autora. Osobiście już dawno nie widziałem problemu czerpania z życia, z facebookowej natury, czy po prostu zmyślania. Zwykle staram się łączyć jedno i drugie.”
„Portret A. Monastyrskiego z psem Absolutem”, 2014
Daria Nowgorodska, autorka zdjęć: „Gdyby jakaś publikacja została skradziona bez linku i pozwolenia, byłbym zły, ale z artystą wszystko w porządku. I to wszystko są dobrzy artyści, ich twórczość znam od lat 90-tych. Gdyby to był Nikas Safronow, czy miałbym jakieś zastrzeżenia? Ale z drugiej strony Nikas Safronow nigdy nie wykorzystałby portretu Monastyrskiego z Facebooka. I oczywiście nie zmienię ustawień prywatności.
Historia z moje zdjęcie w Dubossarskim - tu nie chodzi o to, jak to ukradł. To kolejna porcja ironii, która zawsze jest widoczna w jego pracach. Podobnie jak malarstwo radzieckie, tak i teraz te fotografie z Facebooka, przeniesione na wystawę sztuki, są płótnem, olejem, Facebookiem. Warto pamiętać, że gotowe produkty zostały wynalezione sto lat temu. A teraz, wraz z pojawieniem się nowych mediów, zaskakujące jest to, że artyści starają się je ignorować, a nie gdy z nich korzystają.”
„Błękitna Laguna-1”, „Błękitna Laguna-2”, 2014–2016
W Centrum Sztuki Współczesnej Winzavod odbędzie się retrospektywa prac duetu twórczego Aleksandra Winogradowa i Władimira Dubossarskiego
„Dzień Policjanta”, 2010
"Na świeżym powietrzu. Malowanie dla szkoły”, 1995
Winogradow i Dubossarski tworzą obrazy oparte na wspomnieniach z sowieckiego dzieciństwa i młodości, ale wsparte przepychem lat dziewięćdziesiątych, który dziś jest już postrzegany nie wulgarnie, ale protekcjonalnie, a nawet życzliwie. Ich początkowym zadaniem było tchnięcie w obraz nowego tchnienia (wielu ówczesnych krytyków uważało, że malarstwo jako forma sztuki już się wyczerpało i powinno ustąpić miejsca instalacjom i innym działaniom artystycznym), wykorzystując tradycyjną manierę późnego socrealizmu, ale napełniając go ironią, dzięki czemu nawet sowieckie klisze odbierane są bardziej z ciekawością niż z irytacją. Dzieje się tak jednak oczywiście tylko wtedy, gdy widz zostaje pozbawiony służalczej postawy wobec sowieckiej przeszłości. Gdyby niektóre ze słynnych obrazów duetu powstały nie 20 lat temu, ale dzisiaj, z pewnością wzbudziłyby gniew wspólnoty kościelnej. Kiedy jednak powstawały, Kościół nie ingerował jeszcze w życie państwa, a już na pewno nie pretendował do narzucania pisarzom, artystom i reżyserom, co i jak dokładnie mają robić w swoim zawodzie. Na przykład sceny z filmu „Kozacy Kubańscy” z lat 30. pod muszlą szyderców zamieniają się w erotyczne widowisko na gigantycznym tryptyku „Dożynki”: z boku wąsaty operator kombajnu w czapce inspirowanej Grigorijem Mielichowem z „Cichego Dona” z pola kołchozowego kocha się z czarnobrewymi Kozakami. W rezultacie powstały niemalże „Obrazy z zasłonami” Somowa dostosowane do realiów XX wieku. Obraz, narysowany z realistyczną wyrazistością, został sprzedany na aukcji w Sotheby’s za 350 tysięcy dolarów.
Aleksander Winogradow i Władimir Dubossarski rozpoczęli współpracę w 1994 roku. „Winogradow i ja postanowiliśmy stworzyć obrazy zrozumiałe dla mas. Dlatego przyjęli za podstawę język malarstwa radzieckiego - socrealizm. To właśnie ten język był odpowiednio odbierany przez większość mieszkańców naszego kraju.”
Pierwszym projektem artystów była praca „Picasso w Moskwie”. Artyści pamiętali, że w latach 50. XX w. w Moskwie odbywała się wystawa Picassa i namalowali rodzaj portretu ceremonialnego. Potem nastąpiła kolejna seria podobnych dwumetrowych portretów, w tym portret nagiej Ałły Pugaczowej „kąpiącej się” w „milionie szkarłatnych róż”. Początkowo Pugaczowa była oburzona, ale wyjaśniono jej, że porównano ją w ten sposób do starożytnej greckiej bogini Wenus, po czym „wybaczyła” artystom. Dziś „naga Alla” z marmurowym popiersiem Philipa Kirkorova w tle zdobi prywatną kolekcję i zniknęła z sal wystawowych. Po Pugaczowej pojawiły się kolejne obrazy z gatunku sztuki społecznej, w których autorzy arbitralnie połączyli ze sobą rzeczywiste postacie, umieszczając je w demonstracyjnie wulgarnym popowym kontekście. Na przykład w projekcie „Total Painting” nadzy Achmatowa, Cwietajewa, Dostojewski, Majakowski, Tołstoj, Gogol odpoczywają na zalanym słońcem brzegu Wołgi, w otoczeniu egzotycznych ptaków i zwierząt. Artyści są przekonani, że dla masowej świadomości wszyscy ci bohaterowie to literatura rosyjska, którą całkiem możliwe jest ułożyć w obraz, prawie jak w szkolnym podręczniku. Jedną z ulubionych postaci tego okresu jest Arnold Schwarzenegger, którego przedstawiają w rosyjskich bawełnianych spodenkach, w otoczeniu małych dzieci – niemal Lenina na choince. Na ogromnym płótnie „Ślub” (6 x 4 metry) artyści alegorycznie przedstawili ślub Niemiec Wschodnich i Zachodnich, który błogosławi Helmut Kohl, a Michaił Gorbaczow szybuje po niebie wśród aniołów i kwiatów. Do namalowania martwej natury przedstawionej na tym zdjęciu użyliśmy autentycznych akcesoriów ślubnych, które zostały wykonane na zamówienie przez sklep z akcesoriami ślubnymi Wedding Dream.
„
Gdyby niektóre ze słynnych obrazów duetu powstały nie dwadzieścia lat temu, ale dzisiaj, wzbudziłyby gniew wspólnoty kościelnej
Porządek pracy
Artyści stworzyli cykl prac w ramach ironicznego projektu „Obrazy na zamówienie”. Dla biur podróży namalowali „Ptaka trzeciego” z wampirami (tak ich zdaniem Rosja wydaje się obcokrajowcom). „Luncheon na trawie” (nawiązanie do słynnego obrazu Edouarda Maneta, przedstawiającego znanych francuskich artystów, poczynając od Van Gogha, nagiego, w otoczeniu nagich piękności i tropikalnych zwierząt) zostało zakupione przez Centrum Georges Pompidou w Paryżu: oko na to, najprawdopodobniej obraz i napisał. Następnie ceny dzieł Dubossarskiego i Winogradowa zdecydowanie wzrosły. W 2007 roku Night Workout został sprzedany na aukcji w Londynie za 132 000 funtów, a pomysł opierał się na pomyśle odtworzenia tego samego typu scen przez rzekomo anonimowych artystów. Co więcej, wszystkie obrazy musiały być malowane w stylu późnego socrealizmu. To się częściowo udało. To prawda, że nie wszyscy klienci byli zadowoleni. Tak więc portret byłego „wodza Czukotki” Romana Abramowicza nie dotarł do adresata. Pomimo tego, że u stóp bohatera radośnie roiło się od wilka i lisa, a z ludzkiego ciepła i życzliwości nagle zakwitły przebiśniegi, klienci prosili bohatera o zmniejszenie zbyt pulchnych policzków, a następnie o zwiększenie ilości włosów na głowie. Wygląda na to, że portret nigdy nie dotarł do solenizanta. Na wystawę w Monako artyści przygotowali projekt zatytułowany „On the Block” – szczegóły codziennego życia mieszkańców miasta Khimki, w którym mieszkają malarze. Rezultatem jest całkowicie współczesna etnografia, na przykład portret dziewczynki – miejscowej policjantki o wyglądzie gwiazdy Hollywood…
Nieuprawny. Z cyklu „Dziewięć aktów”, 2005
Artyści malują do czterdziestu obrazów rocznie, a ich ceny są dziś niższe niż kiedyś na zachodnich aukcjach. Z różnych powodów wiele obrazów utknęło w pracowni. Są więc wystawiane w Winzavod. Wśród nich znajdują się doskonałe pejzaże, które przywodzą na myśl lata sześćdziesiąte, oraz sarkastyczne dzieła późnego okresu. Rozważając je warto mieć na uwadze kontekst, jaki stworzyli w ostatnich latach płodni autorzy, dzięki czemu stały się one współczesną klasyką.
Współpracują ze sobą od 1994 roku. Uczestnicy Biennale w Wenecji (2003, Pawilon Rosyjski), Biennale w Cetinje (1997) itp. Prace w zbiorach Państwowej Galerii Trietiakowskiej, Państwowego Muzeum Rosyjskiego, Centre Georges Pompidou, Paryż, MAK, Wiedeń itp.
Kilka lat temu produkty twórczego duetu moskiewskich artystów były wszędzie – na okładce płyty kultowej nowojorskiej grupy TalkingHeads, w książce czołowego rosyjskiego pisarza Wiktora Pelevina, na stoiskach największych targów w świat. Rozmnożyli się także niezliczeni naśladowcy. Najwyraźniej zrehabilitowany przez Winogradowa i Dubossarskiego, zbliżony styl malarski epoki stalinowskiej pozwolił wielu artystom nie wstydzić się sztywności ich artystycznego wykształcenia, otrzymanego od akademików socrealizmu. „Pory roku malarstwa rosyjskiego” duet wykonał z okazji otwarcia nowej odsłony wystawy sztuki XX wieku w Galerii Trietiakowskiej. Jak na dość konserwatywną instytucję Winogradow i Dubossarski przedstawili powściągliwy obraz. Na początku XXI wieku ogołocili rosyjskie klasyki – Tołstoja, Dostojewskiego, Achmatową, Cwietajewę – na potrzeby projektu „Malarstwo totalne”. „Pory roku” nie szokują, ale godzą, jednoczą sprzeczne style i obrazy. Tutaj Stalin i Woroszyłow patrzą w dal obok żebraka z obrazu Surikowa „Bojaryna Morozowa”, smutny autor tekstów z lat 60. pokazuje „Czarny kwadrat” Malewicza, a faszystowski „Powalony as” Deineki wpada do rzeki z obrazów Wędrowców . Wszystkie arcydzieła mają równe szanse. „Pory roku” to spektakularne przemyślenie metody realizmu socjalistycznego, zbudowane na wyborze cytatów „prawdziwych”, „ludowych” artystów XIX wieku. Teraz Winogradow i Dubossarski przenieśli na XX wiek poczucie szczęścia, jakie daje niepozorne, ale realistyczne malarstwo.
Walentin Dyakonow
